C’è chi mette i propri ricordi in scatole di latta o chi li accatasta in fondo agli armadi come vecchie giacche e poi c’è chi, come Dente, decide di dare a ciascuno una propria stanza con grandi finestre alle quali affacciarsi.

Proprio a questa scelta dobbiamo il nome dell’ultimo disco del cantautore, “Hotel Souvenir” (INRI/Virgin Music Las), uscito il 7 aprile e contenente parte dei suoi ricordi e del suo vissuto in dieci tracce.

Arrivato al suo ottavo disco, Dente decide di allocare le esperienze e i pensieri che lo hanno accompagnato nel suo percorso artistico in una struttura che definisce “confortevole e inquietante”, un edificio, più che un semplice contenitore, in cui la malinconia che lo ha caratterizzato cede il posto alla consapevolezza del presente e alla volontà di viverlo, senza prefiggersi sempre nuovi obiettivi da inseguire.

In occasione della presentazione di questo “disco della consapevolezza”, come lui stesso lo descrive, abbiamo parlato con Dente del suo “Hotel Souvenir”:

“Hotel Souvenir” è il tuo ottavo disco. Cos’è cambiato dai tuoi esordi ad oggi e cosa, invece, è rimasto uguale?

Sicuramente dai miei esordi è cambiato tantissimo, sia dentro di me che fuori di me. È cambiato il panorama della musica italiana, la discografia, il mio modo di scrivere.

Se penso, ad esempio, al mio primo disco, riconosco che è molto bizzarro rispetto a ciò che faccio adesso. Dentro di me è rimasto, però, lo stesso desiderio di scrivere canzoni per il piacere di farlo.

Ti va di raccontarci perché hai scelto “Hotel Souvenir” come titolo del disco?

È stato molto difficile trovare il titolo di questo disco, ci ho pensato molto, ho avuto tantissime idee ma nessuna mi piaceva. Alla fine, ho pensato a questo luogo delle mente, più che fisico, che altro non è che il luogo in cui albergano i ricordi.

La traduzione stessa di “Hotel Souvenir” significa letteralmente “Hotel dei ricordi”, un posto in cui ogni canzone è anche un ricordo di me stesso, di come sono stato negli anni, e il fatto di metterli in un albergo e non in uno sgabuzzino mi piaceva.

Li ho messi in una situazione comoda, in cui hanno una finestra per guardare fuori e io un passe-partout per andarli a trovare.

“Allegria del tempo che passa” è uno tra i singoli che ha anticipato l’uscita dell’album. Com’è il tuo rapporto con il tempo e con il presente?

Il mio rapporto con il presente è sempre stato un rapporto quasi inesistente. Ho sempre pensato di più al passato e al futuro, vivendo poco il presente.

Siamo sempre proiettati verso il futuro, pensiamo di dover raggiungere degli obiettivi, e delle cose da dover fare, e ci dimentichiamo di vivere, di godere del presente.

Imparare a godere del proprio presente e viverlo è una cosa molto importante che fatico a fare come tutti quanti, però, cerco di metterlo in pratica, quando mi ricordo di farlo.

“Discoteca Solitudine” si distacca dall’atmosfera nostalgica degli altri brani. Com’è nata questa canzone e com’è venuta a galla l’esigenza di un suono così differente?

L’idea ce l’ho da molto tempo. Tempo fa volevo fare un disco di musica dance, musica da discoteca, però triste, cose da ballare ma con una vena molto malinconica.

Ho scritto per la prima volta la canzone su questo stesso loop, se senti il provino parte con quasi un minuto di strumentale e poi parte il ritornello e la strofa arrivava dopo molti minuti. Federico Nardelli l’ha sentita e l’abbiamo rimaneggiata e fatta diventare una canzone più classica, diciamo.

Il disco, come il tuo progetto, è attraversato da una sottile ironia. Quanto è importante per te l’ironia e quanto, invece, ti prendi sul serio?

Non mi prendo sul serio, non ci sono mai riuscito. Mi spaventano anche un po’ le persone che si prendono troppo sul serio, poi magari fanno bene. Ho un rapporto con l’ironia buono, siamo amici. Credo che l’ironia sia molto utile per salvarsi la vita, insieme all’autoironia.

In “Il mondo con gli occhi” ci sono molte collaborazioni con altri artisti (Fulminacci, Giorgio Poi, Colapesce, VV, Ditonellapiaga, Dimartino ndr). A cosa è dovuta la scelta di un brano con tanti featuring?

L’idea di tutti questi featuring nasce come una piccola presa in giro dell’obbligo degli ultimi anni di mettere dei feat nei dischi.

Cantata solo da me non l’avrei messa nel disco con questo marasma di gente dentro, invece, è molto più bella. Io, oltretutto, in quella canzone non canto e l’idea di mettere una canzone nel mio disco in cui non canto, mi piaceva tantissimo.

“Un viaggio nel tempo” chiude il disco con delle raccomandazioni fatte a un “io” più giovane. Cosa non vorresti aver fatto nel tuo percorso e cosa, invece, ti è stato fondamentale?

La scintilla fondamentale è stata quando ho preso in mano la chitarra la prima volta. All’ultimo anno di superiori ho deciso di voler imparare a suonare la chitarra. Da persona che ragiona a comparti stagni, però, mi sono imposto di iniziare dopo la maturità.

Il giorno stesso della maturità sono uscito dalla scuola, sono andato a casa e ho preso in mano la chitarra: quello è stato il momento in cui è nato tutto quanto, quando ho cominciato a scrivere canzoni.

Una cosa che direi al me più giovane di non fare è di non essere schiavo delle aspettative e dei traguardi. I traguardi, ovviamente, vanno bene, sono utili per poter fare delle cose, però, possono diventare delle gabbie che ti fanno fare delle minchiate pazzesche.

Cosa ruberesti dall’Hotel Souvenir?

Ruberei una cosa che bramo tantissimo: il taccuino che sta sul comodino, quello con l’intestazione “Hotel Souvenir”. In effetti, potrei farlo come merchandising.

Qual è l’ultimo disco di cui ti sei innamorato?

Quando mi chiedono che musica ascolto arriva il vuoto totale. La discografia dei “Man I Trust” mi piace tantissimo, sono una delle band che ho ascoltato di più nell’ultimo periodo.

In vista del suo prossimo tour, in partenza il 4 maggio con prima data al Locomotivi di Bologna, Dente, con un disco tanto corale quanto intimo e introspettivo, porterà il suo passe-partout per sbirciare in ciascuna delle sue stanze della mente. In un luogo non precisato, che sa essere presente e malinconico insieme, l’”Hotel Souvenir” di Dente ci accoglie per mostrarci che, col tempo, tutto può coabitare pacificamente.

DATE TOUR (in aggiornamento):

4 maggio Bologna – Locomotiv

11 maggio Roma – Monk

12 maggio Firenze – Viper

27 maggio Milano – Mi Ami

9 giugno Torino – Hiroshima

L'articolo “Hotel Souvenir” di Dente: un luogo dove far albergare i ricordi proviene da Toh! Magazine.

“Cinetica” (Nufabric Records con edizioni Kobayashi) è stato anticipato da alcuni singoli come “Inutili” e “Rotterdam” e ha visto la collaborazione di numerosi artisti e professionisti.

Nel clima di contaminazione e sperimentazione del disco, abbiamo deciso di fare qualche domanda ad Anna su come ha preso forma il suo primo album.

Come nasce “Cinetica”?

“Cinetica” nasce da una session di scrittura nelle Marche e dal periodo stranissimo della pandemia e la voglia di tornare ad essere una persona in movimento.

Da cosa deriva la tua energia? È qualcosa che parte da te stessa o che arriva dall’esterno?

Sono molto curiosa e a questa curiosità devo tanta dell’energia che ho. Grazie a lei incontro persone e vivo situazioni che mi ispirano e diventano nuova energia da incanalare.

Nella tracklist notiamo diverse produzioni, cos’hai ricercato in ciascuna di esse e in cosa si differenziano l’una dall’altra?

In un certo senso il coinvolgimento di musicisti e produttori con background diversi è stato parte della ricerca di una mia identità musicale. Cercavo di capire quale brano parlasse di più ai diversi produttori.

Il tuo stile è caratterizzato da molteplici contaminazioni, come riesci a conciliare mondi
musicali tanto differenti?

Sono una fan dei contrasti. Ascolto tanta musica e questo mi aiuta a trovare esempi di come vorrei che suonasse la mia. Credo che la musica sia musica, se è fatta bene è universale e va oltre ai generi.

La tua urgenza espressiva prende forma nel rapporto con la scrittura. Com’è avvenuta questa scoperta?

Ero a Colonia, in Germania, era un periodo di grande solitudine. Cantavo già da anni, ma solo in quel momento ho capito che non mi portava da nessuna parte e che avevo bisogno di dire qualcosa di mio.

La prima traccia del tuo disco si intitola “Sono qui” dove vorresti essere tra un anno e dove non pensavi di arrivare?

Grazie per aver chiesto tra un anno e non fra 10 anni, mi mette in crisi guardare così in là. Tra un anno spero di avere in mano il mio secondo disco. Non pensavo di arrivare ad avere il coraggio di mettermi davvero in gioco nella musica, la frequentavo da tanto ma non mi ero mai fidata fino in fondo di lei nella nostra relazione. Penso di aver perso tanto tempo.

Qual è l’ultimo disco di cui ti sei innamorata?

Sono persa per “Alpha” di Charlotte Day Wilson.

Con questo disco, quindi, Anna Carol ripercorre i momenti di solitudine, di riscoperta e di evoluzione che le hanno permesso di convogliare l’energia della sua musica in una narrazione personale ed universale insieme. All’insegna di una nuova energia, usciamo dai nostri confini per vedere cosa c’è al di fuori da noi.

L'articolo Anna Carol e la sua energia “Cinetica” proviene da Toh! Magazine.

L’ultimo album dei Tonno, uscito lo scorso 18 novembre, ci restituisce l’immagine esatta del momento in cui ci siamo sentiti al riparo dopo essere stati tirati per la punta del cappuccio. Tutte quelle volte in cui, guardando alle nostre spalle, abbiamo avuto la sensazione di essere dei salvati, dei sopravvissuti. Quando l’istinto di andare oltre a ciò che ci succede prende la forma della consapevolezza di essere usciti “Miracolosamente illesi” da una nuova esperienza, da un nuovo dolore. Un disco, “Miracolosamente illesi” (Woodworm Publishing Italia/Universal Music Italia srl), che rinuncia all’anima low-fi degli esordi per dare maggiore rilevanza ai testi, cambiamento compiuto anche grazie alla produzione di Tommaso Colliva. Un album, anticipato dal singolo “Non lasciarmi andare”, fatto di collisioni, di rinunce e, appena sotto la superficie, di speranze.

Per questo, abbiamo fatto qualche domanda a Federico e Alessio, due dei membri del gruppo. 

Quali sono gli eventi che vi hanno fatto sentire “Miracolosamente illesi” dopo averli vissuti?

Alessio: Il titolo fa riferimento a quegli eventi semplici che, però, hanno un grande impatto sulla vita. Un evento nello specifico… beh, pochi mesi fa, mentre stavamo registrando, mi hanno arrotato. Ho registrato le voci per metà del disco con un piede rotto. Potrei dire che, per me, il titolo è quasi didascalico.

Federico: Per esempio, a me e al chitarrista è finita una relazione, relazioni lunghe e con delle convivenze avviate. Il titolo, come l’album, parla di tutti quegli eventi che fanno parte della vita, che sono normali, formativi per ogni individuo e che, però, sono delle vere e proprie perturbazioni.

I Tonno non sono un progetto esclusivamente musicale ma anche visivo. Come nasce il parallelismo tra la vostra musica e le immagini che producete? 

Alessio: È nato nel periodo in cui abbiamo fatto uscire il primo EP, nel 2018. Ci siamo lanciati con questa attività dei disegni semplicemente perché non avevamo foto di noi stessi, non volevamo apparire, quindi, senza volerlo, abbiamo scelto questa formula. Ci siamo accorti poi, col tempo, che l’aspetto grafico alle volte precedeva quello di scrittura delle canzoni. Questo “metodo” è qualcosa che portiamo ancora avanti, come credo si percepisca. Penso che traspaiano sempre alcune immagini centrali da cui poi si innesca l’intero testo del pezzo.

“Miracolosamente illesi” parte dal tema dell’abbraccio. Qual è stata l’ultima volta in cui vi siete sentiti realmente abbracciati e toccati da qualcuno?

Federico: Come ti dicevo prima, nel momento in cui io e la mia ex decidemmo di lasciarci. Ci siamo lasciati molto bene e, sul momento, ci siamo abbracciati.

Alessio: Io, invece, sono uno da abbracciati gratis per tutti, amici, fidanzata. Penso sia una pratica, quella dell’abbraccio, da fare in maniera costante come, non so, fare sport e lavarsi i denti.

In questo disco viene meno la vostra parte low-fi per una componente strumentale che accompagna e supporta i testi. Cosa vi ha portato a cambiare questo aspetto del vostro modo di fare musica?

Federico: Diciamo che il suono e l’estetica low-fi sono caratterizzanti della nostra prima uscita del 2018. È stato un tentativo. Da quel momento è nata l’odissea Tonno che ci ha portati quasi subito ad evolverci sotto il punto di vista del sound.

Alessio: Questo cambiamento è dovuto anche al lavoro col produttore, Tommaso Colliva. Noi ci siamo concentrati molto sulla scrittura delle canzoni, non ci siamo mai dati un genere, piuttosto, è sempre stato il risultato dei produttori con i quali abbiamo lavorato. Chiaramente, i primi dischi suonavano molto più “garage”, non per nostra intenzione, ma perché ci siamo affidati a produzioni diverse, realizzate nella sala dove tuttora proviamo.

Com’è iniziata la collaborazione con Tommaso Colliva, produttore del disco? 

Federico: Eravamo a Milano, al concerto dei Selton al Magnolia, e per l’occasione lo abbiamo conosciuto. Si era dimostrato interessato al nostro progetto proprio perché lui solitamente non produce rock e voleva provare a lavorare su delle sonorità differenti.

Alessio: Ci siamo trovati in sintonia. Colliva voleva sperimentare, mentre noi volevamo fare uno step in più sulla produzione. Tommaso è stato molto bravo a cogliere il potenziale delle canzoni e a cucirci sopra un vestito sonoro che potesse farci vedere fino a dove potevamo arrivare strumentalmente.

Parlate, soprattutto in “Iron Maiden”, degli anni passati in provincia. Che ruolo hanno avuto questi luoghi per voi e per la vostra musica? 

Alessio: Penso che gli anni in provincia siano stati fondamentali per tutti noi perché si riconnettono al momento in cui imparavamo a suonare. “Iron Maiden” parla di tutti i live, delle situazioni improponibili che uno si trova ad affrontare quando vive in queste piccole realtà. Mi sembra una situazione che nella musica di oggi si ripropone sempre meno, mi sembra che le generazioni più giovani abbiano una qualità mediamente molto più alta di quella che avevamo noi quindici anni fa. Noi, in un certo senso, siamo affezionati ai limiti che avevamo in quel periodo, i limiti che hanno forgiato il nostro sound, la nostra estetica. Ci teniamo a portarci dietro quello che avevamo ed eravamo quando abbiamo iniziato a suonare, quell’immaginario di musicista di provincia.

Nel disco affrontate anche il tema dell’abbandono, cosa avete lasciato andare e a cosa non volete rinunciare in futuro?

Alessio: Forse più si va avanti con l’età, gli impegni, il lavoro e più si lasciano da parte i desideri. Si diventa più cinici ogni giorno. Penso che la musica sia un po’ quello che abbiamo per tenere vivi questi desideri, qualcosa che ti consente di vivere in maniera serena una quotidianità che spesso può risultare insoddisfacente.

Federico: Esatto, riuscire a vivere una quotidianità e viverla in maniera artistica, creativa.

Qual è l’ultimo disco di cui vi siete innamorati? 

Alessio: Di cui sono stato proprio innamorato innamorato, ti direi  “Puberty 2” di Mitsky.

Federico: Io sono d’accordo! Però ti dico anche “L’amore e la violenza Vol.1” dei Baustelle.

Oltre all’uscita del disco, che sarà accompagnato dall’uscita del vinile il prossimo 9 dicembre, i Tonno hanno annunciato il loro “Miracolosamente in Tour”, una serie di date nei principali club italiani destinata ad arricchirsi. Con questo disco, i Tonno ci circondano in un abbraccio stretto, nel quale possiamo spogliarci delle paure e della rabbia per scoprire come, nonostante tutto, siamo usciti senza neanche un graffio anche dagli impatti più forti.

L'articolo Miracoli in scatola: intervista ai TONNO proviene da Toh! Magazine.

Dal 2 febbraio 2021, prima serata di Sanremo 71, tutto sembra essere stato accelerato. La scalinata con gli abiti in rosso, il tour con le restrizioni ancora in vigore, l’approdo su una scena sempre più ampia. Tutto si è mosso in fotogrammi e suoni in x2, come ormai gran parte delle nostre conversazioni.

Fausto e Francesca, in arte i Coma_Cose, raccontano del momento in cui si sono resi conto di dover tornare a guardarsi in faccia per poter ritrovare le “Fiamme negli occhi” dell’altro. Nasce, così, “Un meraviglioso modo di salvarsi” (Asian Fake), ultimo disco uscito lo scorso 4 novembre e anticipato dal singolo “Chiamami”.

Le quattordici tracce del disco prendono la forma di una riflessione sul modo in cui viviamo i rapporti, riflessione che parte dalla loro relazione, musicale e lavorativa, e che si estende per somiglianze e divergenze a tutti.

Abbiamo avuto modo di chiedere direttamente a loro come, con questo album, hanno trovato il loro modo di rallentare e di salvarsi.

“Un meraviglioso modo di salvarsi” arriva dopo un periodo di stop successivo a Sanremo 2021. Cosa ha dato l’esperienza sanremese a voi e a questo nuovo disco?
Fausto: Sanremo è stato un momento propulsivo, un’esperienza bellissima che ovviamente ci ha dato tanto. Quando si finisce un tour e si finisce la promozione di un disco va da sé che, insomma, si ricaricano le batterie per fare il successivo.

Noi, invece, ci siamo guardati in faccia, ci siamo parlati. Abbiamo capito che poteva essere l’occasione per riflettere su chi eravamo noi. Alla fine, abbiamo deciso di staccarci un attimo, anche fisicamente, per ritrovarci come persone.

Quando abbiamo iniziato a scrivere il disco ci siamo rincontrati e abbiamo visto che c’era ancora quell’energia che ci auguravamo di ritrovare, non era scontato.

Qual è stato il vostro modo per salvarvi e da cosa sentivate la necessità di trovare salvezza?

Francesca: Io e Fausto, per quanto diversi, abbiamo questa cosa in comune che è il piacere della solitudine. Stando sempre insieme, lavorando insieme, è difficile anche ritrovare dei momenti per poter stare da soli con sé stessi e, quindi, questa solitudine ci ha aiutato.

Per il lavoro che facciamo è necessario stare con sé stessi, riflettere su tutta una serie di cose che stanno dentro di noi e anche fuori da noi. Penso che a volte prendersi del tempo per sé stessi davvero sia una salvezza non da poco.

Fausto: Abbiamo raccontato tanto di noi, c’è anche una narrativa a suo modo romantica intorno a quello che facciamo. Gli ultimi anni sono stati intensi, anni di disagi importanti, sentivamo la necessità di fare un disco guardandoci attorno, analizzando la società sempre col nostro punto di vista.

Volevamo parlare di quello che è al di fuori della nostra intimità e, per farlo, dovevamo ritrovare il nostro punto di vista.

Nel disco riflettete sul modo di vivere i rapporti. Quanto è cambiato il rapporto tra voi due dai vostri esordi? Come definireste questo cambiamento?
Francesca: Sicuramente siamo diventati un po’ più grandi di quando ci siamo conosciuti. Conoscendoci, ci rendiamo conto che a volte ci isoliamo dal mondo e dagli altri e… non saprei, come definiresti il nostro rapporto?

Fausto: Secondo me non è cambiato. Come dici tu, si cresce, si cambia. È certo che la componente di lavoro ti sfalsa un po’, ma credo che siamo le persone che eravamo all’inizio. Questa relazione è iniziata che eravamo già adulti, ci siamo scelti, ci siamo voluti. C’è una maturità di fondo per cui, là dove non si avesse più la voglia di continuare quello che si ha, ci diremmo un fatidico ciao, però, per adesso, diciamo che teniamo botta.

In “Rumore sociale” attuate una riflessione pungente sull’ascolto e sulla presenza dei commenti degli altri nella nostra vita. Cos’è per voi il rumore sociale nella vostra vita?

Fausto: Oggi è difficile ragionare in modo lontano dai social. Credo che il web stia diventando un luogo in cui tutti parlano e in pochi ascoltano e, quindi, è un peccato perché una piattaforma che nasce per essere socializzante alla fine diventa qualcosa che ti allontana. Credo che dopo tantissimi anni di evoluzione dell’umanità non siamo pronti a ridurre tutto a un messaggino di alcuni caratteri e due faccine.

Francesca: Non eravamo programmati per questo.

Fausto: No, magari lo stiamo iniziando ad essere e fra altri 10 anni, magari, ci sarà una relazione con il web più consapevole e anche più educata. In questo momento, però, c’è tanto disordine e tanto rumore di fondo che appanna le orecchie e non si capisce più niente.

Artisticamente ed emotivamente i Coma Cose appaiono come indissolubili. Cosa significa per voi essere in due nella musica e nella vita di tutti i giorni?

Francesca: Per quanto riguarda la musica è molto difficile a livello tecnico. Abbiamo due range vocali diversi, quindi, è difficile farci convivere nella stessa canzone e nella stessa linea melodica. Bisogna sempre trovare un compromesso tra la voce di Fausto e la mia e, quindi, spesso siamo penalizzati un po’ entrambi, però, è anche una bella sfida.

Arrivati a un certo punto ci siamo detti: “Ma perché continuare a voler per forza convivere entrambi nella stessa canzone?”. E in questo disco, infatti, ci siamo presi degli episodi separati per poterci esprimere un po’ più al meglio.

Fausto: È cambiata la nostra visione della canzone di coppia e dell’espressione della canzone di coppia, abbiamo cambiato un po’ di archetipi. Questo disco racconta anche un percorso, un percorso umano e credo che sì, ci sentiamo rigenerati.

Il vostro tour sarà “Un meraviglioso modo di incontrarsi”. Qual è per voi la forma d’incontro più bella possibile?
Francesca: Visto che l’ultimo ricordo che abbiamo dei nostri concerti è quello dell’ultimo tour con tutte le restrizioni, l’idea di tornare di nuovo a fare concerti veri con le persone che stanno vicine e che condividono energia ci dà sicuramente una bella emozione.

Ci si abitua facilmente alle cose e ci si disabitua ad altre, quindi, mettere su uno spettacolo nuovo e condividerlo con le persone per noi è il tassello finale del nostro lavoro. La parte più bella è quella della condivisione con gli altri.

Qual è l’ultimo disco di cui vi siete innamorati?

Fausto: Adesso stiamo ascoltando molto “The Car” degli Artic Monkeys. Sono partiti da una forma totalmente lontana da ciò che fanno adesso, è come se si fossero emancipati, come se si fossero liberati. Sono totalmente in grado di fare quello che vogliono e questo è un grande privilegio per un musicista. Ci piacciono gli artisti eclettici, questo modello di artista che evolve e ti racconta la sua vita attraverso la musica. Forse rivediamo un po’ in loro quello che sta succedendo anche a noi.

In un brusio di fondo che ci confonde, i Coma_Cose ci invitano a scoprire un nuovo modo di incontrarsi e di vivere l’altro partendo, se si vuole, da abbassare il volume di questo rumore e ritornare alla velocità in cui ci si può sentire e guardare.

Con un nuovo disco e un tour che animerà i principali club italiani nella primavera 2023, con due date a Parigi e Londra, possiamo tornare a condividere dopo esserci ritrovati da soli.

L'articolo La solitudine ci salva: Intervista ai Coma_Cose proviene da Toh! Magazine.

La Milano Music Week torna ad animare Milano dal 21 al 27 novembre. Organizzata per il secondo anno dalla Fondazione Italia Music Lab, la rassegna musicale di quest’anno vedrà due curatori d’eccezione: Colapesce e Dimartino che affiancheranno Nur Al Habash nella direzione artistica dell’iniziativa.

Il programma prevede incontri e appuntamenti imperdibili con artisti dall’Italia e dal mondo, per una settimana all’insegna della musica e dell’intrattenimento. La programmazione comprende tutti i protagonisti del settore musicale di oggi, per questo, abbiamo scelto degli appuntamenti da non perdere tra occasioni di confronto e di puro divertimento.

La nostra selezione di concerti:

Alcatraz: Jack Harlow, Verdena e Bastille

Arci Bellezza: Sissi

BASE Milano – Linecheck Music Meeting and Festival: Cyril Cyril, Bawrut, La Niña, Marina Herlop, Arrsalendo, Tatum Rush, Venerus e Blinky

Circolo Magnolia: Julia Jacklin

Fabrique: La Rappresentante di Lista, Kid Cudi, Alex W, Lost Frequencies, Wolf Alice, Clutch, e Alfa

Forum di Assago: Luchè

Magazzini Generali: Hearthgang

Santeria Toscana: Les Amazones D’Afrique, Night Skinny, Bresh e Emma Nolde

Oltre agli eventi musicali, durante la Milano Music Week 2022, saranno organizzati eventi collaterali tra cui talk e incontri con gli artisti che permetteranno a fan e addetti ai lavori di conoscere meglio l’industria musicale italiana. I biglietti sono disponibili su DICE.

Lunedì 21 novembre

YellowSquare Milan ore 15.30 – 16.15: RADIO ITALIANE E RAP: QUESTO MATRIMONIO S’HA DA FARE?. Intervengono: Ma;eo Villaci, Marta Tripodi, Michele “Wad” Caporosso. Modera: Riccardo Primavera.

Apollo Club ore 17.30 – 18.15: TORNARE AD AMARE I CONCERTI. Intervengono: Laura Marchesi, Pietro Camonchia, Emiliano ColasanQ. Modera: Margherita Devalle.

Martedì 22 novembre

Apollo Club ore 16.30 – 17.15: MUSICA VECCHIA VS MUSICA NUOVA: PER LA GEN Z TUTTA LA MUSICA È UGUALE SE DIVENTA VIRALE. Intervengono: Luca Fantacone, Massimo Ba;aglia, Giulia Lizzoli, Vincenzo Marino. Modera: Andrea Girolami.

Apollo Club ore 17.30 – 18.15: COME TIK TOK STA TRASFORMANDO LA MUSICA. Intervengono: Enrico Pugni, Ma;eo Romano. Modera: Giulio Pasqui.

Mercoledì 23 novembre

Apollo Club ore 14.30: IL FUTURO DELL’INTERNAZIONALIZZAIZONE DELLA MUSICA ITALIANA – ANALISI E PROSPETTIVE. Organizzato da ASSOMUSICA

YellowSquare Milan ore 18.30 – 19.15: L’IMPORTANZA DI RACCONTARE LA MUSICA: ESSE MAGAZINE IN CONVERSAZIONE CON CLAUDIO CABONA. Intervengono: Claudio Cabona, Gabriele Baldassarre, Alessandro Quagliata

Giovedì 24 novembre

Arci Bellezza ore 17.30 – 18.15: A FAR L’AMORE COMINCIA TU, IL SESSO NELLA MUSICA ITALIANA. Incontro curato da Colapesce e Dimartino.

Venerdì 25 novembre

Apollo Club ore 16.30 – 17.15: FIGHT FOR YOUR RIGHT (TO PARTY). Intervengono: Francesca Barone, Diletta Polleri, Federico Rase\. Modera: Letizia Angelini.
Apollo Club ore 17.30:
LEADERSHIP FEMMINILE NELLA MUSICA ITALIANA.

Sabato 26 novembre

YellowSquare Milan ore 17.00: COME SI ORGANIZZA UN FESTIVAL DA ZERO. Workshop Italia Music Lab. Intervengono: Stefano Pharm, Nahid Aliyari. Modera: Chiara Gallerani.

Domenica 27 novembre

YellowSquare Milan ore 14.30: DALLA TEORIA ALLA PRATICA: COSA FA IL MANAGER. Workshop Italia Music Lab. Interviene: Filippo Giorgi. Modera: Riccardo Primavera.

YellowSquare Milan ore 17.00: DALLA TEORIA ALLA PRATICA: COSA FA L’AGENTE DI BOOKING. Workshop Italia Music Lab. Interviene: Mariasiria MarQni. Modera: Chiara Gallerani.

Incontri con gli artisti:

Lunedì 21 novembre – YellowSquare Milan:

17.30 – 18.15: Sick Luke. Modera: Giacomo Guerinoni.

18.30 – 19.15: Paola Zukar di e con Luca de Gennaro.

Martedì 22 novembre – YellowSquare Milan:

16.30 – 17.15: Nada. Modera: Giulia Cavaliere.

17.30 – 18.15: Alan Sorrenti, Ceri, Colombre. Modera Carlo Pastore.

8.30 – 19.15: Africa Unite. Modera: Damir Ivic.

Mercoledì 23 novembre.

YellowSquare Milan – 16.30 – 17.15: Inoki e Dj Shocca. Modera: Matteo Villaci.

Santeria ore 16.30 – 17.15: Clever Gold e Dutch Nazari.
Santeria ore 17.30 – 18.15: Selton di e con Alessandro Grieco.

Giovedì 24 novembre

YellowSquare Milan ore 18.30 – 19.15: Venerus di e con Alessandro Grieco.

Arci Bellezza ore 18.30 – 19.15: Margherita Vicario. Modera: Nur Al Habash.

Venerdì 25 novembre

YellowSquare Milan ore 16.30 – 17.15: Ginevra di e con Alessandro Grieco.

Apollo Club ore 18.30: Amadeus – Il Sanremo che verrà. Intervengono Federica Lentini, Tommaso Sacchi, Nur Al Habash. Modera: Luca de Gennaro.

Sabato 26 novembre

LaFeltrinelli di Piazza Piemonte ore 17.00: Francesco Guccini. Modera: Luca de Gennaro.

Domenica 27 novembre

UniCredit Auditorium ore 18.30 – 19.15: Colapesce e Dimartino. Modera: Filippo Ferrari.

YellowSquare Milan ore 19.30: Coma Cose. Modera: Dario Falcini.

La Milano Music Week, è arricchita altri appuntamenti tra cui performance di arte contemporanea, proiezioni, presentazioni di libri consultabili dal programma dell’evento.

Tra concerti, incontri, talk e workshop, la Milano Music Week rappresenta condivisione e riflessione per un settore come quello della musica che ci dà modo di ascoltare e di prendere parola, confrontandoci con chi, solitamente, sta dall’altra parte delle cuffiette.

L'articolo Milano Music Week: una settimana per ascoltare proviene da Toh! Magazine.

Mentre gli squilli del telefono si intervallano a brevi pause, la domanda che si fa largo tra tutte è: chi risponderà, Pablo Suzuki o Pablo America? La doppia anima di questi artisti spazia dagli atteggiamenti introversi di America, più cantautoriale e raccolto, ai modi più sfrontati e provocatori di Suzuki per incontrarsi in un’unica persona.

Immaginate un TOMM¥ €A$H che si sdoppia in Mac DeMarco. Trovare un equilibrio tra due metà speculari di noi stessi non è spesso semplice e, come moltitudini di Visconti Dimezzati, riusciamo ad accorgercene solo se le lasciamo scontrare tra loro, senza mettere alcun freno.

Allo stesso modo, Pablo America, oltre a far uscire il suo “Lonely Boy dei Black Keys”, ci sorprende con la messa allo scoperto del suo gemello musicale, Pablo Suzuki, che ha presentato il suo primo singolo, “Puta digital”, con il feat di Boyrebecca. In occasione di questa doppia uscita, abbiamo realizzato un’intervista allo specchio tra Pablo America e Pablo Suzuki.

Pablo America e Pablo Suzuki, due gemelli eterozigoti. Com’è convivere con un fratello musicale tanto diverso da sé?

P.S.: Convivere non è sempre facile, può capitare di avere qualche screzio, forse sono più io a non sopportare America che il contrario.

P.A.: La mia parte è molto più “insicura” sotto certi punti di vista, Suzuki è molto più sfrontato, istintivo, meno meditativo.

Il dualismo è parte di tutti noi, un lato più riflessivo ed uno più istintivo, potrà nascere un terzo Pablo dall’incontro di questi due?

P.A.: Certo, assolutamente sì. Sappiamo come potrebbe essere questo terzo Pablo, ma per ora non vogliamo dirlo.

Pablo Suzuki, nella tua comparsa tardiva rispetto a quella di Pablo America, hai avuto la sensazione di esser stato nascosto?

P.S.: Sì, mi sono sentito anche poco preso sul serio. Non ci sono stati dei fatti precisi, mi sono semplicemente sentito nascosto da America. In realtà anche Suzuki, per quanto istintivo, è allacciato a uno schema preciso. Probabilmente ha solo bisogno di un po’ più di tempo.

Come nasce il brano “Lonely Boy dei Black Keys” e come vivete la condivisione dell’amore e degli affetti?

P.A.: Avevo da poco ripreso i rapporti con due amici del liceo. In quel periodo dovevamo andare a vedere i Black Keys al Pala Alpitour di Torino. Comprammo i biglietti ma per diversi motivi non sono potuto andare. Instagram non era ancora molto usato, si usava principalmente Facebook, e ricordo di aver visto il post di questo mio amico che metteva in vendita il mio biglietto. Quello è stato il momento di una scissione definitiva. Nella condivisione di sentimenti e affetti con Suzuki abbiamo alti e bassi, lui pensa più a sé.

P.S.: America, ai miei occhi, cerca di più l’altro.

Ci sono situazioni in cui uno dei due sopraffa l’altro quando non dovrebbe?

P.A.: Sì, per quanto riguarda la timidezza prendo più spesso il sopravvento io, e questo ci fa chiudere.
P.S.: Io, in alcune situazioni, può capitare che prenda un po’ le distanze da America.

Pablo Suzuki, come ha preso forma “Puta digital”, il feat. con Boyrebecca?

P.S.: Ho chiesto a Rebecca se le andasse di fare una collaborazione, lei ha accettato e ci siamo trovati a Milano, in uno studio, e abbiamo fatto nascere “Puta digital”. Boyrebecca mi piace dal punto di vista artistico in generale, la comunicazione che ha e il suo modo di vedere le cose. Mi piace il suo essere anche avatar, insomma, tutto quello che circonda il suo progetto.

Qual è l’ultimo disco di cui vi siete innamorati?

P.S.: Dal punto di vista degli ascolti andiamo d’accordo. Direi “Infest the rats nest” dei King Gizzard & The Lizard Wizard e “Lesbianitj” dei Pop X.
P.A.: E anche “Oncle Jazz” dei Men I Trust e “Motomami” di Rosalia.

In questo modo, due attitudini tanto differenti si avvicinano grazie a brani comuni, per rimarcare quanto sia semplice incontrarsi con ciò che reputiamo diverso con uno strumento come quello dell’ascolto.

Con una piccola anticipazione su di una possibile collaborazione musicale tra Pablo America e Pablo Suzuki, scopriamo che quello che ci può sembrare la nostra controparte ci permette, in realtà, di rimanere interi.

L'articolo Pablo America vs Pablo Suzuki: un’intervista allo specchio proviene da Toh! Magazine.

Se potessimo riassumere il nostro percorso attraverso degli oggetti, che cosa sceglieremmo? Qualcuno opterebbe per scontrini e biglietti del cinema e altri, magari, per dei cimeli di famiglia o delle foto.

Quello che è avvenuto durante la presentazione di “Club Blu” (RCA Numero Uno/Sony Music Italy), primo EP di Camilla Magli uscito lo scorso 30 settembre, è stata, per l’appunto, la narrazione di un percorso artistico attraverso l’istallazione di oggetti collegati direttamente al vissuto della giovane artista, accompagnati dal racconto in prima persona di Camilla.

Un paraurti ammaccato, i testi delle proprie canzoni, il dialogo con Luca De Gennaro e l’esibizione chitarra e voce hanno aperto le porte sullo spazio emotivo che si estende dalla casa d’infanzia in Puglia fino alla sua vita a Milano.

Riuscire a trovare la chiave della stanza in cui riporre i propri oggetti per creare della musica, in questo caso, passa direttamente dalla scoperta dei propri spazi interni, territori che la cantautrice ci indica come nuove e recenti conquiste.

Abbiamo deciso, quindi, di esplorare insieme a Camilla Magli la sua camera musicale per scoprire cosa vi ha riposto all’interno.

A cosa è dovuta la scelta di “Club Blu” come titolo del tuo primo EP?

“Club Blu” è il nome delle mie sigarette. Ho fumato molto negli ultimi tempi, anche se ora sto cercando di smettere. Fumare è stato il mio modo di sfogarmi, ero sempre in movimento, irrequieta e fumando riuscivo a concentrare i pensieri. Prendendo le parole singolarmente, il blu richiama la malinconia, il sentimento con cui ho scritto i pezzi in camera con le sigarette e il club, infine, è un momento d’incontro e, in questo caso, un incontro con le emozioni.

In questo disco parli della tua vita e dei tuoi cambiamenti. Quanto ha influito nella tua crescita artistica la provenienza da un piccolo paese e cosa hai provato quando ti sei trasferita a Milano?
La mia provenienza, come il fatto che sia andata via, ha influito tantissimo. A Milano mi sono portata le mie origini, le mie radici, i miei ricordi e le mie ferite su cui poi ho fondato quello che sto costruendo adesso. Sarebbe difficile guarire nel posto che ti ha ferito, no? Milano mi ha dato la libertà di emanciparmi, di guarire, di esprimermi e di cercare me stessa.

C’è qualcosa che faceva parte della tua vita prima di trasferirti che vorresti indietro oggi?

Niente, niente perché vivo il presente e, da ciò che ho adesso cerco di trarre il meglio. Il passato sta nel passato.

Il desiderio di evadere e conquistare spazi nuovi è un aspetto ricorrente nelle tue canzoni. Vivi questa tua attitudine come una corsa verso il futuro o come un bisogno costante di rinnovarti?

È assolutamente una corsa verso il futuro. La mia curiosità mi spinge spesso ad andare via, ma non tanto in un posto, quanto da quello che sento in quel momento per provare anche altro. Ho avuto paura di tante cose ma mai di mettermi in gioco, di mettermi alla prova, di amare. La voglia di evasione è il mio modo di vivere, anche la voglia di evadere dalla realtà.

Questo EP rappresenta un primo traguardo nel tuo percorso artistico. In cosa senti di essere cambiata e cosa è rimasto invariato in te dall’inizio della tua carriera nel 2014?

Mi sento cambiata quando penso che prima ero completamente vittima delle mie emozioni. Adesso ho imparato a viverle e ad incanalarle in qualche modo, averne più controllo. Quello che è rimasto invariato, invece, è la mia parte un po’ bambina. Quando canto esce quella parte lì, quella passione che non ho scelto.

Per due brani, “Il fumo uccide” e “Ore”, hai collaborato per i testi con Mahmood e Franco126. Com’è stato per te condividere il momento della scrittura con altri artisti?

Il pezzo di Franco ha un testo scritto interamente da lui, me l’ha mandato e l’ho fatto un po’ più mio, più che altro a livello musicale. Sono contentissima del fatto che sia un testo di Franco perché lo reputo uno delle migliori penne che abbiamo in Italia. “Il fumo uccide”, invece, lo abbiamo scritto con Ale, insieme, al mare in Sardegna. Alessandro è il mio migliore amico e oltre che essere stato un momento forte, è stato facile aprirmi con lui.

In “Ore”, in cui interpreti il testo di Franco126, sembri ricercare un contatto con te stessa nel silenzio e nell’assenza del prossimo. Qual è il tuo rapporto con la solitudine?

Amo la solitudine e ne sento la mancanza quando non c’è. Durante la giornata devo ritagliarmi dei momenti per avere un contatto stretto con me stessa, è una cosa di cui ho bisogno. La solitudine per me è importante quanto respirare.

Qual è l’ultimo disco di cui ti sei innamorata?

L’ultimo disco di cui mi sono innamorata… ti direi “Oro Blu” di Bresh, mi ha dato la scintilla e, infatti, sono contentissima di aver fatto “Kanye West” con lui.

Dopo la ricerca e l’arrivo a nuovi luoghi dell’arte, siano essi stanze fumose o club, non resta che condividerne la chiave con qualcuno. Per questo, infatti, in “Club blu” possiamo osservare quanto lasciare che gli altri aprano assieme a noi alcune porte, per vedere cosa c’è dietro, ci permetta di riempire e illuminare anche le nostre stanze più buie.

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Durante il suo evento al Labrutepoque di Milano, Assurditè si presenta come il ritratto autentico del suo primo disco: energica, divertente e emozionante.

Il suo primo EP, omonimo, racchiude tutti i brani che l’hanno accompagnata durante il suo esordio con l’aggiunta di “Al terzo sbadiglio”, che vede la partecipazione di Giuse The Lizia. “Assurditè” – spiega – indica il suo approccio alla vita, un istinto che va oltre la convenzionalità per essere incanalato in ciò che è arte.

La giovane artista, infatti, si dedica anche a altre produzioni, opere figurative e sculture, nelle quali conserva comunque un’identità definita.

Dopo essersi esibita sul palco del MiAmi e aver concluso il suo “Vorrei che fosse un Tour” di quest’estate, l’uscita di questo primo disco dà una prima descrizione di un’artista in divenire e, per questo, le abbiamo chiesto qualcosa in più sulla sua personalità e sul suo modo di vivere e fare musica.

“Assurditè” a cosa è dovuta la scelta dello stesso nome sia per il tuo primo EP che per il tuo progetto artistico?

Assurditè è il mio ritratto musicale ed essendo il mio primo EP, dove dichiaro la mia visione artistica, non poteva avere un altro nome.

Come nascono le tue canzoni? Hai un metodo preciso?

Principalmente nascono piano e voce. Mi siedo davanti al piano e se ho qualcosa da dire la scrivo e contemporaneamente al testo scrivo anche l’armonia, è il mio metodo naturale. Mi è capitato anche di scrivere su base ma di solito preferisco il piano.

Oltre alla musica ti dedichi anche all’arte. Come comunicano questi lati della tua personalità?

Diciamo che ci tengo a dare un’impronta stilistica a tutte le cose che faccio. Adoro supervisionare ogni mio progetto in tutto e per tutto, dall’immaginario alla musica. Ultimamente sto dipingendo di meno, anche perché ho meno tempo.

Trovi un’impronta comune e sempre riconoscibile nelle tue creazioni nonostante gli ambiti diversi?

Sì! Diciamo che sia le mie canzoni che i miei quadri parlano di realtà ma la descrivono in modi diversi.

Hai dedicato un brano alla forza della parola, “1000 parole”. Come hai trovato la tua voce e il tuo dizionario di parole a te care?

Non ho cercato con un metodo preciso le mie parole e il mio modo di fare. Ogni volta che mi trovo davanti ad un piano a scrivere mi lascio andare nel modo più naturale possibile. Semplicemente: penso poco e agisco. Di solito trovo ispirazione da tutto quello che mi circonda, da quello che provo, e anche da una serie di ascolti che mi influenzano involontariamente.

In “Vorrei che fosse odio” sembri respingere con forza i tuoi sentimenti reali. Come affronti i sentimenti e come li incanali nella tua musica?

Se devo essere sincera la musica per me è pura terapia. La maggior parte delle canzoni che ho scritto le ho scritte in un momento di bisogno. Non sono una a cui piace far vedere le proprie debolezze e la musica mi aiuta ad esorcizzarle.

Ti definisci una cantautrice, cos’è per te il cantautorato oggi?

Il cantautore oggi è una persona che scrive e canta le proprie canzoni. Se penso al “cantautorato italiano” di sicuro non penso ai miei coetanei ma penso ai primi che lo hanno praticato. Le generazioni e gli stili poi cambiano e, per questo, per me non è definibile come un “genere musicale”.

Quest’estate hai girato l’Italia con il tuo “Vorrei che fosse un Tour”, quali sono le sensazioni che ti sono rimaste addosso di questa esperienza?

Vedere le persone coinvolte durante un concerto è una sensazione tanto appagante. Sul palco mi diverto e, se chi mi ascolta lo fa con me, sono la persona più felice del mondo. Ho ascoltato artisti meravigliosi con cui ho condiviso il palco in diversi festival e ho fatto opening act ad altrettanti artisti. Insomma, ho ascoltato un sacco di bella musica e questa è un’altra nota positiva del tour.

Qual è l’ultimo disco di cui ti sei innamorata?

“Harry’s House” di Harry Styles.

Nel mondo di Assurditè, quindi, che descrive l’oggi con sonorità Indie Pop e influenze R&B, osserviamo uno sguardo al passato che, però, non risulta nostalgico.

Nella voce di una giovane cantautrice che vive il contemporaneo, e lo rappresenta in più forme artistiche, possiamo ritrovare la leggerezza e la positività di cui la musica può renderci partecipi.

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Le luci calde e cangianti illuminano i movimenti frenetici e precisi di un corpo che si dimena, in un rito di richiamo a sé stesso. Al REF, giunto quest’anno alla sua trentasettesima edizione, la ball culture e la spiritualità comunicano nella performance dell’artista Choy Ka Fai.

Il suo “Yishun is burning”, si propone al pubblico come un assolo, che vede protagonista il danzatore Sun Phitthaya Phaefuang (aka Aurora Sun), in grado di far incontrare la lunga ricerca dell’artista nelle radici dello sciamanesimo asiatico con il Vogueing.

Abbiamo deciso, quindi, di intervistare Choy Ka Fai per sapere come ha preso vita e come è stato strutturato il progetto presentato al pubblico del REF.

Come nasce “Cosmic Wander” e come vengono intrecciate le pratiche di danza e sciamanesimo tra loro?

L’idea del progetto Cosmic Wander è iniziata nel 2019, ero curioso delle possibilità di catturare i dati di movimento degli sciamani danzanti. Questo progetto propone diverse proposte alla mia ricerca sul corpo pos-tumano. La mia prima domanda è stata: “Se sono in grado di catturare in movimento lo sciamano che balla in trance, significa che posso digitalizzare la presenza del soprannaturale?”

Cosa ti ha portato a scegliere il voguing e lo sciamanesimo e a farli intrecciare?

Lo slancio inizia con un esperimento coreografico per interpretare le tradizionali forme di danza indiana di Baratanatyam con i vocabolari del voguing. È stata una risposta agli sciamani Yishun, che incarnano sia la dea indù Kali che la dea taoista GuanYin durante il rituale di trance. Il voguing è diventato la base per la nostra improvvisazione, ad esempio abbiamo sperimentato l’iconografia popolare raffigurante entrambe le Dee con movimenti multipli delle mani, nelle loro forme soprannaturali.

Qual è stata l’esperienza che ha più segnato il tuo modo di concepire questo lavoro durante il tuo lungo viaggio in Asia?

È stato straordinario incontrare gli sciamani in tutta l’Asia, per poter conoscere le loro pratiche, storie e adattamenti alle nostre società contemporanee. È stata un’esperienza trasformativa per me come essere umano e mi ha insegnato a essere sempre umile e rispettoso degli altri regni, della realtà diverse dal nostro.

Attraverso quali aspetti la cultura lgbtq+ si fonde con il mondo spirituale dell’Asia in “Yishun is burning”?

In molte parti dell’Asia storicamente, ci sono generi che non sono binari e ci sono anche molteplici forme della Dea Taoista Guan Yin – La divinità della compassione e della misericordia, può essere maschile, femminile o neutrale in diverse parti dell’Asia.

Vorrei anche ampliare la nozione di Queer nella mia performance, come proposto da Clare Croft, “che non si basa principalmente su costruzioni di identità sessuale, ma queer nel senso di “i piaceri e le difficoltà di muoversi tra identità multiple e stratificate”.

Come è iniziata la collaborazione con Sun Phitthaya Phaefuang?

Ci siamo conosciuti molti anni fa e ho iniziato a seguire il suo viaggio nella scena della moda e del ballo sui social media. È diventato molto eccitante quando Sun ha cercato di creare la sua comunità di vouging a Bangkok e nel sud-est asiatico. Quando ho scoperto lo sciamano Yishun, ho subito visto un universo parallelo, le comunità sciamaniche Yishun a quelle delle comunità Sun’s Vouging.

Nella performance è presente anche una parte video sviluppata in 3D. Come si fa a far interagire una danza così materiale e legata al corpo con un mezzo digitale?

Nella mia performance abbiamo sperimentato un motion capture in tempo reale del movimento del ballerino, in una visualizzazione 3D della forma soprannaturale di Dea.

Abbiamo iniziato chiedendoci: come danzerebbe una dea? Cosa possiamo vedere oltre la nostra percezione umana, cosa sarebbe umanamente impossibile e soprannaturalmente possibile? Come si possono ipotizzare queste possibilità in una coreografia post-umana.

Quali caratteristiche “spirituali e sovrannaturali” possono ampliare la visione del contemporaneo?

La spiritualità esiste per coloro che credono e, soprattutto, per coloro che cercano. Le sue funzioni sono simili in qualsiasi cultura e società. Esplorare la spiritualità sarebbe un mezzo per capire se stessi. Credo che le culture della danza possano dirci molto sulla nostra storia umana e sulla nostra condizione umana. La danza è sempre stata un modo che gli esseri umani usano per raggiungere la trascendenza e ne sono affascinato.

Quali emozioni e pensieri vorresti rimanessero nello spettatore?

Fin dalla tenera età, a Singapore mi sono stati inculcati gli insegnamenti della tolleranza razziale, definita come l’assenza di pregiudizio verso ciò che non piace agli altri in termini di pratiche, religione, ecc.

Quando ho scoperto lo sciamano di Yishun, ero totalmente ipnotizzato da quanto facilmente siano in grado di fondere le pratiche delle credenze indù e taoiste. Per me, non si tratta più di “tolleranza” all’interno di una società multirazziale, è un microcosmo molto progressista di armonia razziale. Spero di trasmettere lo stesso concetto nella mia performance.

Chi è il tuo role model?
Buddha, Gesù e Allah.

Con il suo “Cosmic Wander”, infatti, Choy Ka Fai ha documentato le pratiche di danza apprese durante il lungo viaggio in Asia e lo stretto legame tra esse e il mondo sovrannaturale dello stesso continente.

A trent’anni dall’uscita di “Paris is burning”, iconico documentario sul mondo delle ballrooms, “Yishun is burning” fonde temi contemporanei con tradizioni ancestrali.

In una performance artistica che unisce tecnologia visiva 3D e danza, “Yishun is burning” valica i confini di genere, identità e religione per raggiungere un terreno comune nel quale corpo e spirito combaciano a prescindere da ogni costrutto sociale.

L'articolo “Yishun is burning” fonde la spiritualità carnale con la scena ballroom proviene da Toh! Magazine.

Gli ombrelloni restano chiusi e i tessuti a righe colorate sono mossi a malapena dal vento. Le vacanze estive stanno giungendo per molti al termine ma non si vuole rinunciare a portare con sé lo spirito leggero dei periodi appena trascorsi.

La musica diventa lo strumento grazie al quale, nei viaggi verso casa, si respira ancora un po’ di salsedine e si trova qualche granellino di sabbia caduta dalle ciabatte.

Milano è pronta ad accoglierci con ritmi serrati, ma sempre conciliabili con la nostra musica del cuore. Per questo, abbiamo creato una selezione di concerti per tornare alla routine senza rinunciare ai suoni dell’estate.

Alcatraz

Aurora – 07 settembre

Circolo Magnolia

Fulminacci – 06 settembre

Fine before you came – 07 settembre

Spaghetti Unplugged con Ditonellapiaga, Laila al Habash and more – 12 settembre

Fabrique, via Fantoli 9, Milano

Passenger – 06 settembre

LP – 08 settembre

Fred De Palma – 22 settembre

Carroponte, Sesto San Giovanni (MI)

Frah Quintale – 03 settembre

Ernia – 06 e 07 settembre

Fast Animals and Slow Kids – 15 settembre

Cosmo – 24 settembre

Ippodromo Snai San Siro

Tame Impala – 07 settembre

Liberato – 09 settembre

Martin Garrix + Ghali – 10 settembre

Blanco – 16 e 17 settembre

Mediolanum Forum, Assago (MI)

David Garrett – 11 settembre

Marracash – 13, 14, 16, 18, 20, 21 settembre

Arcade Fire + Feist – 17 settembre

Franco126 – 22 settembre

Mika – 30 settembre

Santeria 31

Durand Jones & The Indications – 11 settembre

The Snuts – 16 settembre

Anomalie – 20 settembre

070 Shake – 21 settembre

Ritmo urbano

Settembre smette di essere solo ritorno alle attività di tutto l’anno ma si arricchisce di appuntamenti all’insegna della musica e del divertimento.

Milano alza il volume dopo mesi estivi di quiete apparente per riconquistarci e attrarci con il suo ritmo metropolitano che sale dall’asfalto.

L'articolo I concerti di settembre per sopravvivere al rientro milanese proviene da Toh! Magazine.

I fari delle macchine si rimpiccioliscono veloci nello specchietto retrovisore. Un’autostrada buia scorre tra cartelli lampeggianti e i brani di “Radio Whitemary” che sembrano sincronizzarsi con l’alternarsi di puntini luminosi e alte ombre a bordo strada.

Whitemary, dopo l’esibizione del 28 maggio sul palco del MiAmi, ha intrapreso il proprio tour estivo con il suo ultimo album per 42 Records, “Radio Whitemary”.

Il disco viaggia nella mente di chi ascolta per toccare i poli della nostra parte razionale e del nostro istinto che ci chiama e ci assorbe in una galleria di luci al neon e parole ripetute come mantra. In un abitacolo che ospita pensieri e sentimenti, in un viaggio lungo quanto l’esplorazione di noi stessi, abbiamo chiesto a Whitemary qualcosa in più su questo ultimo lavoro.

Come nasce Radio Whitemary e quali sono stati i sentimenti che hanno animato questa urgenza espressiva?

Diciamo che tutti questi sentimenti sono tutti molto spontanei, tendenzialmente sono sentimenti un po’- non vorrei dire negativi – però, appartengono a quella parte ombrosa dell’animo che avevo necessità di tirare fuori. Avevo la sensazione che non fosse accettato parlare di queste cose, invece, io ne avevo bisogno. Quindi, sono tendenzialmente tutte cose non proprio positive ma che ci caratterizzano. Io mi sentivo così e volevo condividerlo.

Poche frasi decise e ripetute. Come hai scoperto e decifrato il tuo modo di scrivere così caratterizzante?

L’ho scoperto provando, cercando di fare tanti tentativi. Ho iniziato a scrivere in italiano già da un po’ di anni, inizialmente scrivevo in inglese. All’inizio volevo scrivere molto, presa anche da tutta la parte di cantautorato indie, anche romano, in cui i testi erano molto lunghi, non esplicativi ma con tanto materiale dentro. Io, in realtà, sono una piuttosto pratica, arrivo subito al sodo. Cercavo di trovare una formula in poco tempo che esprimesse una mia idea e che potessi ripetere un po’ per confermarla e un po’ per mitigarne il significato ogni volta che viene detta di nuovo.

Radio Whitemary ci porta nei meandri della nostra testa, dalle parti razionali a quelle impulsive che spingono a muoversi e ballare. Definiresti il tuo approccio alla musica e alla vita più istintivo o razionale e programmato?

Direi entrambe le cose che a un certo punto trovano il modo di funzionare una dopo l’altra. Quindi, fare tante cose in modo razionale, automatizzare pensieri, ragionamenti, approcci e poi, scegliere cosa vuoi fare, però, facendolo tante volte, andare in pilota automatico, poi lì, far arrivare la parte istintiva e irrazionale.

In “Radio” parli di un nodo in gola che ti impedisce di comunicare. Cosa per te rappresenta un “nodo in gola” oggi?

L’apatia sicuramente. Questa difficoltà che si porta dietro la noia, però, la noia negativa, quella in cui non ti stai annoiando perché ti stai godendo di un momento morto ma una noia da demotivazione. A volte quella noia ancora ti chiude e ti crea una barriera che non ti fa comunicare con l’esterno, un nodo che ti chiude la gola. Per me, avere quel nodo in gola significa chiudere proprio la possibilità di comunicare con l’esterno, rimanere soli nel proprio cervello a farsi mille domande.

Sei alle ultime date del tuo tour estivo. Quali sono i ricordi e i sentimenti che ti ha lasciato quest’esperienza?

Mi ha dato una vita completamente diversa. Suono da tanto, però, non c’erano state queste occasioni che mi avevano dato così tanto a livello di pubblico, a livello di riuscita. Sono molto contenta perché mi sembra stia andando tutto bene. Con progetti precedenti o con due anni di Covid, avevo un po’ questo ricordo dei live come una gran fatica, invece, sono passati tutti molto velocemente, ci siamo divertiti e ho avuto un buonissimo riscontro. In più, ho riniziato a suonare con gli amici, cosa che mi mancava tantissimo. Questa condivisione di momenti lunghi dove, però, succede tantissimo, il supporto nei pre-live, in quei momenti in cui ti sale l’ansia da prestazione, la sensazione di condividere emozioni così forti con persone a cui sei legata. E poi non lo so, ho incontrato tante persone e ho ritrovato tutto quello che mi mancava dal covid, è tornato tutto insieme.

Vieni da uno studio del jazz approfondito. Cosa hai portato dei tuoi studi in questo album?

La parte armonica, cercare di creare tensioni e risoluzioni che potessero sorprendere un po’ l’andamento molto regolare dei pezzi. L’armonia mi è stata utile per creare quel momento di diversità che spezzava la ripetitività della musica elettronica e poi, in generale, ho ripreso un po’ l’approccio di non pensare solo al proprio strumento ma avere orecchie a trecentosessanta gradi e utilizzare la voce come se fosse uno strumento aggiuntivo a tutti gli altri.

Come nasce “Poche”, il collettivo con Elasi e Plastica?

Mi hanno chiamata, avevano quest’idea del collettivo e hanno iniziato a fare questa lista di nomi. Elasi mi ha scritto su Instagram e ci siamo sentite al telefono, abbiamo fatto una chiacchierata molto amichevole. È nato dalla condivisione di esperienze comuni, abbiamo fatto una panoramica generale per comprendere non solo le nostre esperienze ma quella che è la situazione italiana. Ci siamo fatte forza a vicenda, ci siamo date una linea e poi abbiamo continuato come gruppo per darci una mano. Cerchiamo di fare rete per emergere da questo mondo lavorativo non solo chiuso alle donne ma chiuso alla novità.

“Non mi capivo e non lo faccio ancora” frase ricorrente in “Hello hello”, brano con cui chiudi il disco. Quanto è stato importante capirti e in cosa, invece, ti lascerai libera di non comprenderti anche in futuro?

È stato importante capirmi. Ad un certo punto non sapevo proprio chi ero, cosa facevo, perché facevo quello che facevo e, in realtà, non ti so dare una risposta neanche adesso ma almeno ora so cosa sto cercando. Ho aperto degli interrogativi che prima non c’erano. Ci sta non comprendere tutto, non mi faccio una colpa di non capire. Penso, però, che non smetterò mai di cercare di analizzare in modo analitico tutta una serie di aspetti anche un po’ più interiori.

Qual è l’ultimo disco di cui ti sei innamorata?

Difficile… ce l’ho! L’ultimo disco delle Wet Leg mi è piaciuto e l’ho ascoltato tantissimo.

Alla ricerca di punti di rottura nelle nostre ripetitività, ci lasciamo guidare da “Radio Whitemary” nel percorso verso un modo di indagarsi non più improntato alla coerenza assoluta ma che riesce a sottolineare i nostri contrasti. In un viaggio tra le ansie delle domande rivolte a noi stessi, recitiamo ad alta voce le nostre formule personali per comprenderci o per lasciarci la possibilità di non farlo fino in fondo. Tra musica elettronica e frasi ripetute e svuotate da loro stesse, Whitemary parla al viaggio che ancora dobbiamo fare e lo fa sottolineandone non il punto d’arrivo ma l’urgenza che ne muove l’inizio.

Photo credit: Fabrizio Narcisi

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Seduti a terra davanti a un telo bianco, con l’ausilio di una luce ben indirizzata, ci scorrono davanti ombre mutevoli che variano per forma e per narrazione sebbene tutte provenienti dalle stesse mani. Così, potremmo immaginare l’etichetta discografica Riel, nuova realtà fondata da Osore e Tr3mila (Sxrrxwland) che, come in un teatro di sagome scure, si trasforma per unire in un unico bozzolo più identità che prendono vita l’una dentro l’altra differenziandosi, però, per i propri spiriti. Da questo processo di continua scoperta nascono i Balvin Boys che si presentano, dopo il gruppo “Il Giardiniere di Serpenti”, con i due brani della loro release: “Internet” e “Il mare e le farfalle”. Abbiamo chiesto, quindi, chi sono e cosa ha portato questa nuova creatura dell’etichetta discografica Riel a uscire dalla propria crisalide.

Chi sono i Balvin Boys?

I Balvin Boys sono una delle schizo-band che formano Riel. È un progetto di vocazione post-punk ma, siccome si chiamano Balvin per rubare streaming a J Balvin, possiamo tecnicamente dire che è un progetto post-reggaeton.

Siete il secondo progetto nato da Riel in poco più di un mese. Cosa vi accomuna a “Il Giardiniere di Serpenti” e cosa vi differenzia?

Ogni band ha le sue peculiarità. Il Giardiniere di Serpenti esplora il rapporto tra subconscio ed ecosistema mentre i Balvin Boys sono più concentrati sul rapporto tra individuo e società/modernità. Nei prossimi mesi usciranno altri progetti, ognuno con la sua identità ed un proprio modo di essere.

Qual è l’esigenza di rinascere ogni volta con un nuovo progetto?

L’esigenza è quella di non sentirsi costretti in una sola identità, che viene infatti decentralizzata in varie sfaccettature creando lo spazio che serve per accogliere ed esprimere tutto ciò che riteniamo opportuno condividere con il pubblico. Riel dichiara come obiettivo quello di “Non andare lontano ma avvicinare”.

A cosa volete avvicinarvi e cosa volete che vi si avvicini?

Spesso i progetti di matrice sperimentale si concentrano unicamente sullo spingersi “oltre”, come fosse una gara a chi va più lontano. Riel assume un’ottica leggermente diversa e cerca di porsi come tramite, come un ponte capace di portare in quell’oltre chiunque abbia il desiderio e la pazienza di farlo.

Quali sono gli obiettivi dei Balvin Boys e quale sarà il loro percorso?

Balvin Boys vivono un presente nostalgico nel quale non sono contemplati obiettivi. Sarà il percorrere stesso a rivelarci quale sarà il percorso. Siamo una boy band interessata al processo più che alla destinazione.

I vostri testi scorrono su una musica che sembra suonare in loop. Che peso date alle parole e al racconto?

Le parole sono importanti, questo sì, ma probabilmente non diamo nessun peso. I pesi rallentano e creano ostacolo. I testi sono scritti di getto, le cose troppo ragionate tendono a perdere di originalità. Lavoriamo a monte facendo in modo di arrivare al momento della scrittura nel giusto stato emotivo e lasciare che i pensieri e le parole scorrano spontaneamente sulla musica.

Sentite di riuscire a trasformare emozioni e sensazioni personali in sentimenti in cui tutti possono riconoscersi?

Forse è ancora presto per dirlo. In ogni caso, nell’arte ognuno ci vede un po’ quello che ha dentro in un modo o nell’altro. L’obiettivo è più quello di raggiungere coerenza nel rapporto tra l’artista e l’opera.

Nella traccia principale della release dite: «Il mare e le farfalle non si toccano mai». Quando, secondo voi, non si riesce ad essere toccati dall’amore?

Quando si rinuncia alla possibilità di essere compresi e accettati. Un possibile filo conduttore con Il Giardiniere di Serpenti sta nel racconto di relazioni difficili con il mondo esterno.

Cosa rappresenta per voi un ostacolo da superare per avere nuovamente un contatto con gli altri?

Non saprei, non faccio molta distinzione tra me stesso e gli altri. Io sono un po’ te e tu sei un po’ me e tutti siamo un po’ tutti.

In “Internet” il vento è ciò che ci riporta ad una dimensione reale. Cos’è per voi l’elemento che ci fa tornare alla realtà?

Lo stesso vento, ovviamente, ma anche il suono. Il suono del mondo ha delle caratteristiche spaziali e qualitative molto particolari che hanno grande influenza sulla mente e sul sistema nervoso. Qualcuno dice che, se diventi abbastanza bravo ad ascoltare, puoi sentire la musica in tutte le cose.

Qual è l’ultimo disco di cui vi siete innamorati?

“La citerne de Coulanges” di Jean-Marie Massou.

In atmosfere sospese a mezz’aria, in cui le parole scivolano su sonorità scure e retrò, l’obiettivo diventa la sperimentazione e, per avvicinarsi ad una scoperta profonda, ci si scuote da tutte le polveri accumulate. Con il vento ed il suono come elementi di contatto con il reale, i Balvin Boys ci dimostrano quanto sia semplice uscire dalla pelle che si abita per potersi ritrovare in alternative sempre nuove di noi stessi.

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Prendete la tenda da campeggio e gli abiti che più vi piacciono. Sì, va bene anche il pigiama. Sapete che c’è? Venite un po’ come volete, lo dicono anche loro, proprio lì, nel claim dell’iniziativa. Riempite i vostri zaini per raggiungerci dal 20 al 24 luglio a Cassano Magnago (VA). Se vi state chiedendo perché, bastano due parole per convincere anche i pochi rimasti: Woodoo Fest. Scopri l’intera programmazione qui.

Giunto alla sua settima edizione, dopo due anni di stop, il festival nel bosco riapre le proprie porte e lo fa al grido di: “Vieni come vuoi”.

Non è solo un giocoso titolo per invitare alla partecipazione ma una dichiarazione chiara: chiunque tu sia, sei benvenut*. Un tema, quello dell’inclusione, che necessita di attenzione e cura e che, per questo, è necessario illuminare nelle iniziative che ci coinvolgono emotivamente.

La musica, com’è chiaro, parla il linguaggio della sensibilità e del sociale e, proprio da questo, nasce il bisogno di organizzare un’iniziativa che metta in connessione il più ampio pubblico possibile, rendendolo partecipante e protagonista della creazione di una comunità che prende vita tra natura e spazi condivisi.

Inoltre, il Woodoo favorisce la creazione di legami e di collaborazioni da coltivare anche una volta giunti al termine dei cinque giorni. Abbiamo approfittato, quindi, dei pochi momenti liberi prima dell’istante in cui si creerà questa bolla magica, per parlare con Leonardo, che si occupa della comunicazione del festival dal 2014 e Matia, direttore artistico dell’iniziativa.

Com’è nato il Woodoo?

Leonardo: È una cosa divertente: Il Woodoo Fest ha avuto la sua prima edizione nel 2014. Era un evento molto improvvisato, creato da otto ragazzi che volevano portare qualcosa di alternativo nella provincia di Varese.

Volevamo fare qualcosa di un po’ più giovane. Il primissimo tentativo lo abbiamo fatto su questo palchetto piccolissimo, fatto interamente di tronchi di legno – molto rustica come cosa – era proprio in un’area verde, un piccolo rifugio. Le persone, però, hanno apprezzato tantissimo la scelta della location nonostante quell’anno, poi, avesse piovuto tantissimo.

Quindi, abbiamo detto: «Beh ragazzi, se è andato tutto bene e la gente è contenta, tanto vale che la rifacciamo l’anno prossimo, cosa può andare storto?»

Quest’anno ha luogo la settima edizione del festival con un claim molto interessante. Cos’è cambiato dalle scorse edizioni?

Leonardo: Dal 2015 al 2019 il claim è sempre stato: «Torniamo nel bosco», in realtà c’è anche quest’anno, però, lascia spazio a quello che vuole essere il messaggio, che è “Vieni come vuoi”. “Vieni come vuoi” è più un invito che uno slogan. Un invito rivolto a tutte quelle persone che vogliono andare oltre i concetti, le etichette e le categorie.

Il featival di per sé, ma così dovrebbero essere tutti i festival oggi, vuole essere un ambiente dove le persone possono venire a esprimere sé stesse, un luogo aperto.

Cosa vi ha portato a scegliere questo tema in particolare?

Leonardo: Siamo partiti pensando di ragionare sull’inclusività con un’accezione che, per noi, era positiva. Poi, parlando e dialogando con artisti, amici, conoscenti, è venuto fuori che in realtà, per alcuni, questo termine non è così positivo perché sottintende che c’è già una discriminazione di base.

Preferisco il termine “diversità”, perché ognuno può imparare dall’altro, può arricchirsi della natura degli altri.

Matia: È un tema venuto fuori come naturale prosecuzione di un processo che il festival stava già facendo. Il Woodoo è sempre stato un luogo senza forzature, in cui tutti potevano veramente sentirsi sé stessi.

“Vieni come vuoi”: un consiglio, un invito, una proposta. Voi come ve li aspettate i partecipanti di questo Woodoo dopo due anni di stop?

Matia: Sicuramente carichissimi! Lo sentiamo nei messaggi che arrivano durante l’attesa. E liberi! Liberi di essere e osare. Non solo dire “vengo come voglio”, ma provare a togliersi l’abito di tutti i giorni e trasformarsi. Speriamo di stupirli come proviamo a fare ogni anno.

Chiedete di venire come vogliamo ma voi come ci verrete al Woodoo?

Leonardo: Io verrò con tantissimi ghiaccioli! So che faranno quaranta gradi tutti i giorni e, visto che sarò nella postazione dove si lavora per i contenuti social, mi porterò due sacche, una con l’acqua e una con i ghiaccioli.

Nonostante il fatto di essere cresciuti, ce lo viviamo ancora molto bene il festival. Dopo sei edizioni sai un po’ come te la vivrai, però, c’è sempre un imprevisto, c’è qualcosa che succede e che non ti aspettavi e lì vedi che c’è sempre da stupirsi.

Una delle caratteristiche più belle del festival è quella di creare uno spazio che abbraccia e fa convivere molte realtà e sensibilità. Come vi comportereste se questo equilibrio pacifico, però, fosse rotto da un qualche inconveniente?

Leonardo: Riguardo a eventi che possono compromettere il messaggio del festival, cerchiamo sempre di prevenire il più possibile perché ci interessa che vada tutto bene, che il nostro pubblico si trovi bene. Insomma, che ci sia sempre un bel ricordo.

Quindi, cerchiamo di prevedere quello che potrebbe succedere per arrivare pronti in qualsiasi occasione. C’è da dire che, fortunatamente, abbiamo sempre trovato un pubblico attento e rispettoso. In più, all’interno dell’area campeggio e all’ingresso saranno affissi dei cartelli con delle indicazioni da rispettare sia per il rispetto dello spazio naturale che delle persone.

Matia: Forse queste energie positive che si respirano al Woodoo, ci hanno portati ad avere davvero pochi di questi problemi. È chiaro che deve essere sempre tutto nel rispetto degli altri. C’è, per questo, una squadra di sicurezza all’interno del festival che, nel caso in cui qualcuno vada a ledere la libertà altrui o si comporti in modo violento, è pronta a intervenire.

Il Woodoo non è solo musica. Quali attività sono in programma oltre ai concerti e quali saranno gli argomenti trattati?

Matia: C’è una mostra con le opere degli studenti selezionati da tutte le scuole IED d’Italia sul tema “Vieni come vuoi”, che verranno affisse in un’area allestita all’interno del festival.

C’è un artista, con cui abbiamo iniziato una collaborazione nel 2019, che creerà un’installazione in realtà aumentata.

Le attività “collaterali” sono molte: quella di market con la vendita di abiti personalizzati al momento, una sala giochi Arcade con dei cabinati degli anni ’80, nel campeggio ci sarà una ludoteca fissa, un laboratorio di origami e uno di tie-dye, il cine-underground con una serie di cortometraggi, i talk sulla sessualità e sulla conoscenza di sé e piccoli concerti nel pomeriggio, after party e molti altri eventi.

Galeotto fu il Woodoo Fest. Cosa mi dite dell’amore al Woodoo?

Leonardo: Per noi la tematica sessuale in un festival non va nascosta. È una componente che conosciamo bene, perché, per fortuna, abbiamo un ottimo rapporto con il nostro pubblico e ci dialoghiamo tranquillamente sia di persona che sui social.

Quello che viene fuori è che ci sono aneddoti meravigliosi su quello che succede al festival. L’atmosfera aiuta a costruire dei legami con persone che conosci già o che magari non conoscevi.

Molto spesso ci scrivono per ringraziarci perché ci sono delle coppie che nascono al Woodoo Fest.

Sconosciuti che si incontrano in un contesto per loro bellissimo, sotto il palco o in mezzo agli alberi o al campeggio, e accade qualcosa che magari fuori dal festival non sarebbe mai accaduto.

Rispetto a questo, abbiamo avuto collaborazioni per comunicare argomenti legati alla sessualità e alla prevenzione. Dalla distribuzione di preservativi gratuiti, ai talk, come anticipato, sulla sessualità, la propria scoperta della sessualità, la protezione e la prevenzione.

Quest’iniziativa permette di intravedere delle prospettive più fluide nel modo di interfacciarsi al mondo. Cosa fare quando si torna al reale?

Matia: Bisogna continuare a condividere queste idee. Speriamo di accendere delle scintille per poter continuare a parlare di queste tematiche. È giusto che resti una scia lunga che portiamo dentro con ricordi ed emozioni.

Cosa portereste del Woodoo nella vita di tutti i giorni? E cosa vi augurate che portino i partecipanti nelle proprie?

Matia: L’obiettivo del festival è quello di immergersi totalmente in qualcosa di magico. Per questo abbiamo deciso di fare il campeggio e di riempirlo di attività. Insomma, di dare un’esperienza completa, totalizzante. Ci auguriamo di poter portare avanti, insieme al nostro pubblico, lentamente, un messaggio di amore, condivisione e libertà.

Tra gli ultimi preparativi, zaini e aspettative, salutiamo chi lavora non solo per rendere magici cinque giorni pieni di musica e divertimento ma che spera di aprire nuovi orizzonti anche una volta usciti dal bosco di Cassano Magnago.

Non ci resta, quindi, che prepararci ad un’esperienza piena di suoni ed emozioni e poterci sentire, senza paura, liberi di andare al Woodoo Fest come si vuole ma con la sicurezza che ne usciremo comunque più impreziositi.

Con la speranza che il bosco incantato del festival, in futuro, possa arrivare nelle nostre città, nelle strade e nei quartieri che abitiamo per tutto l’anno, ci immergiamo in questa costellazione festante che brilla di diversità.

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Woodoo Fest – Cassano Magnago (VA) 20/24 luglio

Woodoo Fest torna dopo due anni di attesa con cinque giorni carichi non solo di esibizioni musicali ma anche di workshop, campeggi e aggregazione. Dal 20 al 25 luglio, nell’ormai consolidata località di Cassano Magnano (VA), il festival nel bosco, organizzato da Le Officine con la collaborazione di Shining Production, offre una line up con alcuni dei principali artisti del momento. Lo slogan del festival è “Come as you are” perchè al Woodoo l’inclusione è tutto, ne abbiamo parlato ampiamente qui!.

20 Luglio: Massimo Pericolo – Generic Animal – Nicolaj Serjotti – 20025XS 

21 Luglio: Ariete – Bnkr44 – Giuse The Lizia – Deriansky – Centomila Carie 

22 Luglio: Mace dj set – Venerus – Ceri- VV – Sibode dj – Djstivo 

23 Luglio: M¥SS KETA – Big Mama  – Cmqmartina – Populous dj set – Laila Al Habash – Dumbo Gets Mad 

24 Luglio: The Zen Circus – Naska & Panetti  – Tutti Fenomeni  – Post Nebbia – Ziliani 

Men/Go Music Fest – Arezzo, 5/9 luglio

Men/Go arriva alla sua diciottesima edizione con concerti per tutte le orecchie e appuntamenti diurni sparsi per la città. Dal 5 al 9 luglio, presso Parco il Prato ad Arezzo, potrete partecipare ad un festival a ingresso gratuito, fino all’8 luglio, con oltre 30 artisti. Una manifestazione che, giunta alla maggiore età, valica i confini tra generi musicali in una selezione più che eterogenea. 

5 Luglio: Leon Seti – Cassandra – Ros – ALESSANDRO FIORI – DITONELLAPIAGA – LA RAPPRESENTANTE DI LISTA

6 Luglio: Kitsch – Piqued Jacks – COLLAZIO – FRANCESCO DE LEO – BNKR44 – PSICOLOGI

7 Luglio: Slick Nova Family – Rugo – MARCO CASTELLO – POST NEBBIA – VENERUS – POPULOUS Djset aftershow

8 Luglio: Carlo Corallo – DUMBO GETS MAD – CMON TIGRE – KIT SEBASTIAN – NU GENEA LIVE BAND – FREAK BROTHERS Djset w/ Pau (Negrita) & Roy Paci

9 Luglio: (Evento Sold Out) – Engeezo e G. Nicastro, CLAVER GOLD, SPERANZA, MASSIMO PERICOLO, FABRI FIBRA, KLANG CLUB Djset aftershow

Sexto ‘nplugged – Sesto al Renega (PN), 28/31 luglio

A Sesto al Reghena (PN), ha luogo la diciassettesima edizione del Sexto ‘nplugged festival. Contraddistinto da una forte sperimentazione musicale fin dagli esordi, dal 2021 si affianca all’area Sexto Lounge con ingresso libero per i momenti prima e dopo i concerti con dj set tutti al femminile e svariati eventi artistici. Si apre il 28 luglio con Rival Consoles con l’unica data italiana del suo tour.

28 Luglio: Rival Consoles 

29 Luglio: Agnes Obel

30 Luglio: Arab Strap

31 Luglio: Black Midi 

Tener-a-mente Festival – Gardone Riviera (BS), 5 luglio/25 luglio

Nell’Anfiteatro del vittoriale, sul Lago di Garda, è iniziato lo scorso 26 giugno il Tener-a-mente. Nella sua undicesima edizione si contano numerosi concerti e una performance poetica di “Più Luce!” che viene riconfermata. Durante i concerti, artisti di rilevanza internazionale incontrano nuove voci del panorama musicale con suggestivi scorci lacustri. Un festival unico anche per la sua location, che vale una gita pre-concerto.

5 luglio: STEVE VAI

8 luglio: THE TALLEST MAN ON EARTH

9 luglio: PIU’ LUCE! con la curatela artistica di Paola Veneto

10 luglio: ROBERTO VECCHIONI

14 luglio: MICHAEL KIWANUKA

15 luglio: PAOLO NUTINI

16 luglio: DIANA KRALL

17 luglio: MANUEL AGNELLI

18 luglio: JEFF BECK plus VERY SPECIAL GUEST

19 luglio: BETH HART

21 luglio: FANTASTIC NEGRITO

23 luglio: CALIBRO 35

25 luglio: H.E.R.

Cinzella Festival – Grottaglie (TA), 15/17 luglio – Brindisi, 9 agosto

Per gli amanti di musica e cinema arriva in un doppio appuntamento il Cinzella Festival. Tra Grottaglie (TA) e Brindisi, avrà luogo la sesta edizione del Cinzella, questa volta, però, si sdoppia sia per date che per località. Dal 15 al 17 luglio, infatti, si svolgerà la prima parte di rassegna musicale nelle Cave di Fantiano, mentre il 9 agosto ci sarà l’ultima data effettiva nella zona portuale di Brindisi. I concerti, così, si alterneranno a proiezioni, film e dibattiti con ospiti d’eccezione. 

15 Luglio : Fast Animals and slow kids

16 Luglio: Zen circus + special guest Motta 

17 Luglio: IDLES 

9 Agosto: Morcheeba

Pinewood Festival – L’Aquila, 15/17 luglio

Per la sua quarta edizione Pinewood si trasferisce a L’Aquila dal 15 al 17 luglio, in un’inedita posizione ancora da scoprire, più di 25 artisti si divideranno i tre palchi dell’iniziativa. Oltre alla musica, però, si potrà partecipare a incontri e occasioni di confronto come nel caso della collaborazione con We Reading che presenta un nuovo modo di pensare e vivere gli eventi inerenti alla lettura con Pierluca Mariti come primo ospite annunciato. 

15 Luglio: MACE (dj set) – RKOMI – TANANAI – MOBRICI – DITONELLAPIAGA – PAULO – MOX – CAFFELATTE – INDIEMEN (silent after show) 

16 Luglio: SICK LUKE – ERNIA – MASSIMO PERICOLO – IL TRE – SPERANZA – FUERA – THRU COLLECTED – HELLO MIMMI  – INDIEMEN (silent after show) 

17 Luglio: BLANCO – gIANMARIA – NASKA E PANETTI – MARA SATTEI – POST NEBBIA – ISIDE – VV – INDIEMEN (silent after show) 

Pensiericorrenti Festival – Bari, 27/31 luglio

Concerti, mostre, interventi divulgativi, tutto questo nasce dalla collaborazione tra l’Associazione Itriae Culturae e l’Università degli Studi di Bari. La seconda edizione di Pensiericorrenti ruoterà attorno al rapporto tra coscienze e ambiente. Tutti gli eventi saranno a ingresso gratuito e si svolgeranno dal 27 al 31 luglio a Locorotondo per un modo nuovo di vivere musica, arte e cultura in generale. 

27 Luglio: Inaugurazione mostra itinerante a cura di Massimiliano Morabito e dell’associazione culturale Il Tre Ruote Ebbro – Inaugurazione progetto espositivo fotografico a cura di Laura Tota, curatrice indipendente di fotografia – Talk a cura dell’Università degli Studi di Bari Aldo Moro e il Dipartimento di Storia della Scienza

28 Luglio: Intervento a cura di Giorgio Vallortigara, docente di Neuroscienze presso il Centre for Mind-Brain Sciences dell’Università di Trento
Canzoniere Grecanico Salentino 

29 Luglio: Intervento a cura di L’avvocato dell’atomo – Intervento a cura di Stefano Moriggi  – AWA FALL FULL BAND – DAVIDE SHORTY

30 Luglio: Intervento a cura di Piergiorgio Odifreddi – MARLENE KUNTZ

31 Luglio: Chiusura del festival e delle mostre in programmazione

Indiegeno Fest – Festival itinerante in Sicilia, 29 luglio/4 agosto

Per chi cerca un festival sempre in movimento, letteralmente, l’Indiegeno Fest è più che indicato. Un evento itinerante nel Golfo di Patti che vede questo’anno la sua ottava edizione. Uno dei principali festival nel sud Italia che regalerà ai partecipanti cinque giorni di emozioni a ritmo. Questa iniziativa, inoltre, è stata tra le prime a firmare il manifesto di Keychange, organizzazione per la parità di genere nell’industria musicale. 

Venerdì 29 Luglio, Indiegeno on the beach: Lazza – Massimo Pericolo – Mara Sattei – More artists TBA 

Sabato 30 Luglio, Indiegeno on the beach: Sick Luke – Psicologi – De Leo – cmqmartina 

Domenica 31 Luglio, Indiegeno on the beach: Venerus- Yuman – Arya – More artists TBA 

Mercoledì 3 Agosto, Riserva Naturale Marinello al Tramonto: – Secret artist + More artists TBA 

Giovedì 4 Agosto, Teatro Greco di Tindari all’alba: Max Gazzè, Avincola

Alguer Summer Festival – 30 luglio/26 agosto, Sardegna

In una serie di appuntamenti a due passi dalla Riviera del Corallo, l’Alguer Summer Festival è uno degli eventi più attesi per la condivisione di musica dal vivo. Nel rinnovato Anfiteatro Maria Pia, dal 30 luglio fino al 26 agosto si alterneranno artisti come Tananai, BigMama, i Subsonica e molti altri ancora. 

30 Luglio: Tananai + Villabanks – Festival Abbabula

2 Agosto: Massimo pericolo + BigMama – Festival Abbabula 

4 Agosto: ERNIA – Festival Abbabula

6 Agosto: PSICOLOGI – Festival Abbabula

8 Agosto : Irama

10 Agosto: Madame + Chiello

12 Agosto: Zarro Night con Il Pagante

16 Agosto: Fabri Fibra

20 Agosto: Rkomi

21 Agosto: Andrea Pucci

26 Agosto: SUBSONICA – Anno Zero Fest

TOdays – Torino, 26/28 agosto

Unire il rock d’avanguardia con attività formative fa parte della natura di TOdays. Dal 26 al 28 agosto prenderà vita la settima edizione del festival torinese che, oltre a tanta musica, offrirà numerosi appuntamenti diurni di dialogo e indagine su tematiche sociali. Numerosi artisti si esibiranno nella loro unica data italiana proprio in occasione del TOdays. Tra eventi, concerti e iniziative di approfondimento, rimane costante l’impegno di ridurre gli sprechi e, più ampiamente, l’impatto sui luoghi che accoglieranno la manifestazione. 

Venerdì 26 Agosto 
GEESE -data unica italiana-
HURRAY FOR THE RIFF RAFF -data unica italiana-
BLACK COUNTRY NEW ROAD -data unica italiana-
TASH SULTANA

Sabato 27 Agosto
SQUID -data unica italiana-
LOS BITCHOS 
MOLCHAT DOMA -data unica italiana-
FKJ -data unica italiana-

Domenica 28 Agosto
ARAB STRAP -data unica nord italia-
DIIV -data unica nord italia-
YARD ACT -data unica italiana-
PRIMAL SCREAM present SCREAMADELICA-data unica italiana-

ex fabbrica INCET: 
Piazza Teresa Noce, 15/A – Torino 
apertura porte ex fabbrica INCET: ore 23:00 
inizio live: ore 00:00 / fine live: ore 02:00

Venerdì’ 26 Agosto
TAMBURI NERI
ADIEL

Sabato 27 Agosto
WHODAMANNY 
MYSTIC JUNGLE

Locus Festival – Trani (BT), 23 luglio/9 settembre, varie location

Iniziato lo scorso 18 giugno con gli Alt-J, il Locus festival ci accompagnerà per tutta l’estate fino al 4 settembre. Con una serie di eventi sparsi tra Locorotondo, Bari, Trani e ancora molti altri, i partecipanti avranno la possibilità di ascoltare la propria musica e usufruire di attività quali mostre fotografiche, talk e proiezioni cinematografiche. Un’iniziativa errante che tocca tutta la costa adriatica pugliese in una commistione di pop, rap, musica elettronica e cantautorato. 

Piazza Duomo, TRANI

23 Luglio: Paolo Nutini

24 luglio: Dj set POPULOUS

30 luglio: KINGS OF CONVENIENCE

31 luglio: ingresso libero: H 19:00 – Perle Memoria Museum, Locorotondo (BA), Inaugurazione mostra “JEFF BUCKLEY: ETERNAL LIFE”. Incontro con MERRI CYR e GUIDO HARARI, conduce LUCA DE GENNARO

Parco Archeologico di Egnazia, Fasano (BR)

6 agosto: BRUNORI SAS,

7 agosto: CAPAREZZA

Piazza Moro, LOCOROTONDO

8 agosto: Talk ingresso libero, CARLO MASSARINI incontra DIODATO

9 agosto: Talk, ingresso libero ore 19 CARLO MASSARINI incontra JOAN AS POLICE WOMAN alle ore 21 seguirà il live. Piazza Moro, LOCOROTONDO

Masseria Ferragnano, LOCOROTONDO:

10 agosto: SONS OF KEMET – VENERUS – MARIA CHIARA ARGIRÒ

11 agosto: MANNARINO – CAMI LAYÈ OKÙN

12 agosto: COSMO- BAWRUT – WHITEMARY

13 agosto: CARMEN CONSOLI – LOS BITCHOS – MARTA DEL GRANDI

14 agosto: NU GENEA invite AZYMUTH e QUANTIC

15 agosto: CARIBOU – MACE – INDIAN WEELS

Arena Castello, MOLA

20 agosto: LA RAPPRESENTANTE DI LISTA

21 agosto: WILLIE PEYOTE

Ortigia Sound System – Ortigia, 27/31 luglio

Nella parte più antica di Siracusa prende vita l’Ortigia Sound System. Per la sua ottava edizione, dal 27 al 31 luglio, torna l’evento di musica che offre una diversificazione che va dalla musica sperimentale all’elettronica, passando per il jazz ed il pop. Il tema che delinea tutta la programmazione è quello del mito. Con artisti come Kelly Lee Owens, Vanishing Twin, Overmono, Yu Su e molti altri, pronti a dividere i palchi della manifestazione, si attende con trepidazione il ritorno dei boat parties e degli after party con vista sull’isola. 

Opera Festival – Milo (CT) 17/21 agosto

Dal 17 al 21 agosto a Milo, sulle pendici dell’Etna, troveremo l’Opera Festival. Un boutique festival con conferenze, laboratori e molta musica immersi in paesaggi naturalistici tipicamente siciliani. Con Dice come partner dell’evento, le personalità artistiche chiamate a partecipare includono Alina Pash, Oklou, Ditonellapiaga, Mykki Blanco, rapper e attivista per i diritti LGBTQI+ e molti altri nomi. 

Ellenic Music Festival – Piana San Gregorio (AG), 12/13 agosto

Rimaniamo in Sicilia per un altro appuntamento con la musica. Il 12 e il 13 agosto, infatti, si svolgerà l’Ellenic Music Festival presso Piana San Gregorio (AG). Il 3 agosto, al club Oceanomare di Agrigento, inoltre, avrà luogo un’anteprima delle serate che quest’anno vedono i The Notwist e i Subsonica come esponenti di un elettro-pop internazionale

12 agosto: APOCALYPSE WOW – INUDE – THE NOTWIST a seguire DJ SET: COLAPESCE + PAOLO MEI + ANTART

13 agosto:CLAXY – THE TANGRAM – SUBSONICA a seguire DJ SET ANDY (Bluvertigo)

Tones Teatro Natura – Oira (VB) 15 luglio/4 settembre

Tra boschi, vigneti e borghi in pietra, il Tones ci offre giorni di musica e ricerca artistica. Con l’inaugurazione dell’evento il 15 luglio con “Legend” della CM Orchestra Rhytms & Drums, diretta da Andrea Pollione, si aprono gli appuntamenti a Oira Crevoladossola. Il 22 e il 23 luglio si terrà il debutto dell’opera “The Witches seed” di Stewart Copeland, la quale può vantare un cast artistico e produttivo quasi interamente al femminile. Dal 26 al 31 luglio è la volta di Nextones. Nella sua nona edizione, la musica elettronica e sperimentale si fonde a performance multimediali, attività all’aperto e dj set. Si conclude la lista di appuntamenti nelle giornate dal 2 al 4 settembre, con il Campo Base Festival con escursioni, parapendio, performance musicali e cinematografiche. 

Spring Attitude Festival – Roma, 16/17 settembre

Il 16 e il 17 settembre Spring Attitude torna, nella sua undicesima edizione, per farci ballare e divertire negli Studi di Cinecittà. Il programma prevede già dj set, performance, workshop con il sostegno da parte del festival ad artisti emergenti. Nel corso dei giorni passati insieme, infatti, oltre a iniziative ed eventi, sono presenti due realtà parallele allo Spring. Da una parte abbiamo “Genera”, format dedicato a talenti musicali under 35, mentre dall’altra c’è “Italian attitude”, un palco messo a disposizione di giovani artisti tutti italiani. Con una line up che prevede Cosmo, i Nu Genea, Fulminacci, Sama’ Abdulhadi, aspettiamo gli annunci degli artisti che verranno svelati nelle prossime settimane. 

Ypsigrock Festival – Castelbuono (PA), 4/7 agosto

Per un’esperienza che riesce a far convivere persone del posto e musica, l’Ypsigrock è il nome giusto. Nella località di Castelbuono (PA), dal 4 al 7 agosto saranno allestiti ben tre palchi su cui artisti del panorama musicale internazionale si divideranno. Ai chiostri, le piazze e gli ex luoghi di culto in cui esibirsi, si aggiunge anche l’area camping come ulteriore spazio per gli aftershow. I Mogway lo hanno definito “The Best festival in the planet”

4 agosto: Manuel Agnelli – 4B2M

5 agosto: The flaming lips – Yard act Penelope isles – Lowly – G Duncan 

6 agosto: 2manydjs – Self esteem – Pillow queens  -Natalie bergman 

7 agosto: Diiv – Nation of language – Anna B Savage 

Apolide Festival – Vialfrè (TO), 21/24 Luglio

Apolide è musica e natura nel cuore del Piemonte. Con quattro giorni no-stop di musica e performance, saranno presenti oltre 100 menti creative per una diciannovesima edizione dell’iniziativa nell’Area Naturalistica Pianezze di Vialfrè intensa e innovativa. 

21 luglio: SUBSONICA – EPOQUE – HÔY LA (NO) – CERI – AMPHIBIA – PUFULETI (IT/DE) -OSCAR MIC (UK) e altri.

Venerdì 22 luglio: COSMO – QUEEN OF SABA -THRU COLLECTED -FRONT DE CADEAUX (IT/BE) – DJ ROU – NIKKAL – VINNIE MARAKAS e altri.

Sabato 23 luglio: VENERUS – LNDFK (IT/TN) -EMMA NOLDE -NAPOLI SEGRETA-KREGGO- JOHN BRINGWOLVES -MOMBAO e altri.

Domenica 24 luglio -CALIBRO35 plays Morricone – BLUEM – MESKEREM MEES (BE)
-MARCO FRACASIA e altri.

Carroponte – Sesto S. Giovanni, Milano

Per chi si ritrova a Milano anche nei mesi estivi, la musica non fa sentire la sua mancanza. L’estate del Carroponte, ad esempio, propone una lista di eventi che partono dall’1 luglio e ci accompagnano fino al 24 settembre, data del concerto di Cosmo. Dagli Eugenio In Via Di Gioia a Manuel Agnelli, passando per Frah Quintale, Bandabardò e Cisco e molti altri, non sentirete la mancanza dei concerti in riviera. 

Magnolia Estate – Circolo Magnolia, Segrate (MI)

Dopo il MiAmi, neanche il Magnolia si ferma per l’estate. Con una stagione già avviata, saliranno sul palco da inizio luglio fino al 13 settembre Chiello, Madman, i Groundation, Rovere, Fine before you came e molti altri artisti. Nel luogo del festival più indie d’Italia, la stagione dei concerti proseguirà fino a quando non si chiuderanno gli ombrelloni da spiaggia. 

Szigest Festival – Isola di Obuda, Budapest (HU), 10/15 agosto

Lo Szigest di Budapest è, senza dubbio, uno dei festival a cui partecipare almeno una volta. Sull’Isola di Obuda, dal 10 al 15 agosto, avranno luogo concerti con artisti internazionali, live, dj set, performance artistiche e di arti circensi. In questa edizione saranno presenti artisti come Due Lipa, Artic Monkeys, Tame Impala, Sigrid, Woodkid, Sevdaliza e tantissimi altri, fino agli esponenti italiani tra cui gli Psicologi e Margherita Vicario. 

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Intrappolati nel caldo di un’estate ormai alle porte, ci ritroviamo a sognare paesaggi edenici. Freschi ruscelli scendono da pendici rocciose che nulla hanno a che vedere con il caos urbano in cui sudiamo. Ci vorrebbe, ci diciamo, un po’ d’“Acquadolce”, per fortuna, possiamo rifugiarci nel nuovo disco di Memento per ritrovare un po’ di calma e spiritualità.

Memento, giovane promessa di casa Asian Fake, ha pubblicato il suo disco d’esordio il 20 maggio scorso. Il progetto è stato anticipato dall’uscita di “Stick”, prodotto da Memento e gli Oribu. Il brano, come conferma l’artista, rappresenta un manifesto contro il bullismo e la violenza, pensiero che si rafforza e si solidifica nelle altre nove tracce dell’album. “Acquadolce”, infatti, incanala la sensibilità di Memento in percorsi che sfociano nell’assoluta libertà di emozionarsi, di amare e di lasciarsi attraversare da ciò che si vive.

Le contaminazioni musicali sono molteplici ed i featuring vedono la collaborazione di artisti come gli Eugenio in Via di Gioia, Guido Cagiva, Nio, e la partecipazione di Claudia Galimberti che interpreta il brano “Acquadolce” che dà il nome all’intero album.
Dopo soli sette giorni dall’uscita del suo “primo amore”, come lo definisce lui stesso, lo vediamo esibirsi sul palco del MiAmi, uno dei festival con la maggiore presenza di artisti emergenti del panorama musicale italiano.

Abbiamo colto l’occasione, successivamente a tutte queste emozioni, per fare qualche domanda a un artista che rappresenta una voce nuova sia per il modo di affrontare la propria sensibilità che per la volontà di stimolare a fare altrettanto nel prossimo. 

Ciao Andrea, come stai? 

Ciao, bene, grazie! 

Perché hai scelto “ACQUADOLCE” come titolo? 

Non mi metto a pensare approfonditamente, è una cosa che vien da sé.
Con Michele Nannini, che cura l’art direction e tutta la parte grafica di Asian Fake, abbiamo deciso di chiamarlo “Acquadolce”, ci sembrava il nome corretto da dare al disco. In effetti, il disco è un po’ come l’acqua dolce, scorre, cambia e si trasforma e anche la musica che c’è dentro fa altrettanto. 

Qual è il luogo in cui ritrovi la spiritualità che caratterizza il disco? 

Sono due isolette sul lago di Garda. Mia nonna ha sempre preso una casa lì d’estate, da quando sono piccolino, quindi, sento sempre il bisogno di stare là per due mesi all’anno per fare il reset della mia vita e ripulirmi un po’ da tutto. 

Nonostante il fatto di essere giovanissimo, hai molte contaminazioni a livello musicale e uno stile ben preciso. Come hai trovato il tuo modo di esprimerti? C’è stata una figura o un evento che ha avuto un particolare peso nel tuo percorso? 

Verso la musica provo una curiosità che non provo verso nessun’altra disciplina. Mi viene molto facile incuriosirmi e studiare. I miei, in più, hanno sempre ascoltato musica e sono sempre stato circondato da persone che amano la musica.

Essendo diventato un lavoro, nell’ultimo periodo, ho conosciuto tantissime persone che possono insegnarmi tante cose. Forse il macro episodio che mi ha colpito di più in questo percorso è l’incontro.

Le persone che ho incontrato in questo ambiente sono le più ricche, da un punto di vista culturale, che io abbia mai conosciuto e che mi hanno ovviamente lasciato tantissimi stimoli e tantissima musica. 

Il 20 Maggio è uscito il tuo primo disco “ACQUADOLCE” e il 27 hai suonato al MiAmi. Come ti senti dopo tutte queste emozioni in così poco tempo? 

Ovviamente benissimo. Dopo la maturità, perché adesso ho la maturità, inizieremo il tour. L’uscita del disco e il MiAmi sono stati un po’ l’inizio di tutto. 

Che sentimenti scaturiscono in te il palco e il pubblico? 

Tantissimi sentimenti diversi. Amo suonare dal vivo, davanti ad un pubblico. Mi piace molto condividere con gli altri quello che faccio, penso sia fondamentale vedere come la tua musica viene interpretata. Ho avuto la fortuna di suonare con persone fantastiche con cui mi esibisco in una sinergia che viene notata anche da chi ci ascolta. 

Qual è stata per te la parte più complicata nel percorso di “ACQUADOLCE”? 

Forse, tutta la parte logistica del far uscire un disco. Dal punto di vista creativo non ci sono state troppe complicazioni. Anche i momenti di stallo e blocco sono utili, sono tutti stimoli per creare qualcosa. 

Luce e buio tornano spesso nei tuoi brani. Ti definiresti in equilibrio con queste due parti della tua personalità? 

Ci sono sempre momenti in cui c’è più luce e momenti in cui c’è più buio. In questo momento della mia vita c’è molta luce, però com’è giusto che sia, arriveranno altri momenti di buio e dopo altri di luce. 

Questo disco brilla di armonia e pacatezza, riflette una tua condizione spirituale o un immaginario a cui aspiri? 

Sono una persona che vive molto nel presente, tendo a non guardare troppo avanti. La musica che nasce dalla mia spiritualità è al presente, mai al futuro. 

Parli di un amore volubile, che sboccia e appassisce al variare delle stagioni. Corrisponde al tuo modo di vivere l’amore? 

Amo le relazioni amorose. Ho iniziato a scrivere questo disco all’inizio della mia relazione sentimentale più importante fino ad oggi, e ho finito di scriverlo alla fine di questa, quindi, è corretto che si percepisca questa sorta di percorso nel disco. 

In quanto ragazzo che incarna un nuovo maschile libero dal peso del machismo, senti la questione dell’inclusività e della lotta ad un “maschilismo tossico” come un tema a te caro? 

Ovviamente sì, la fluidità e l’inclusività, per me, sono cose molto naturali. Penso che debba essere naturale per tutte le persone che vivono su questo pianeta, ma non è così, purtroppo. 

Nel tuo pubblico ritrovi la stessa attenzione? 

Essendo già presente in me, la vedo come una cosa naturale, mi sembrano tutte delle belle persone. 

Qual è l’ultimo album, di ieri o di oggi, di cui ti sei innamorato? 

Ok… sto aprendo Spotify! L’ultimo disco di cui mi sono innamorato è “The Bends” dei Radiohead. Mi ci sono molto ritrovato. La musica mi dà tantissime emozioni, tantissime sensazioni ma difficilmente riesco a rispecchiarmi nella situazioni che vengono scritte, e con questo disco è successo. 

Il bagliore della poetica di Memento brilla di semplicità, degli impegni dei vent’anni, dell’esame di maturità che fa i conti con un tour estivo iniziato al MiAmi. Una sensibilità e un modo di guardare ciò che ci circonda carico del desiderio che ci sia sempre luce attorno, ma che conserva comunque la capacità di accogliere il buio quando necessario. In paesaggi talmente ampi da racchiudere spazi onirici e ricordi d’infanzia, Memento dà forma ad un album ciclico che parte e si rinnova in una stagionalità dei sentimenti in cui tutti ci possiamo ritrovare. 

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Plastic, Milano, ore 11:30AM. Il corridoio buio mi porta alla saletta con il pavimento ricoperto di tappeti e sedute di ogni tipo sparse a semicerchio per tutto lo spazio. Mi siedo. Non mi sono persa, non ho sbagliato orario. Sono qui per ascoltare l’ultima uscita di chi del clubbing non si stanca mai: M¥SS KETA.

Anticipato dal singolo “Finimondo”, che campiona la celebre canzone di Edoardo Vianello e potenziale hit estiva, “Club Topperia”, nuovo disco firmato dall’istrionica artista, viene descritto da M¥SS KETA in persona, come un luogo fisico e spirituale che si avvicina all’idea di tempio, in cui far convergere realtà e epoche distanti tra loro.

L’immagine della semplice discoteca viene surclassata da un approccio più ampio, che vede il club e le atmosfere deliranti ed euforiche che lo compongono come luogo sicuro, in cui rivendicare la propria identità e la propria libertà.

La società quindi si spoglia di tutte le sovrastrutture restando nuda con le proprie pulsioni scoperte in un rito di purificazione che lava via i cliché, le domande scontate e i pesi della vita quotidiana.

Nel “Club Topperia”di M¥SS KETA le persone scintillano del proprio abito più luminoso: lo spirito. 

Il Club senza spazio né tempo apre le porte per una serata lunga sedici tracce che intervallate da un “Intro feat. David Blank”, due Skit “Il bagno delle donne feat. Francesca Cipriani” e “La stanza dell’arte feat.Silvia Calderoni” e un “Outro feat. Isabella Santacroce”, non poteva che essere la regina del clubbing italiano degli anni ’90 a chiudere l’album.

Anche i feat. sono numerosi ed eterogenei e la stessa M¥SS li descrive come essenziali per poter raccontare meglio sé stessa ed i diversi aspetti della sua personalità: Big Mama, cmqmartina, Boyrebecca, Noemi, Kiddy Smile, Guè, La Niña e Dargen D’amico.

“Club Topperia” quindi si fonda sul principio dell’inclusione e allarga il campo anche dal punto di vista della produzione, avvalendosi di nomi come l’inseparabile Riva, Zef, i Post Nebbia, Walter Ferrari de “I miei migliori complimenti” e molti altri.

Ci ritroviamo ad ascoltare un intero universo musicale che campiona e integra suoni, citazioni e stili di vita che spaziano dagli anni sessanta a sonorità urban e contemporanee, passando per le stanze dei settanta discofunk, dalle coreografie degli ottanta e dal pop d’inizio duemila.

Un climax che viene esasperato dal senso di comunità e collaborazione e perché no, di sorellanza a cui da subito M¥SS KETA ci ha abituati, con l’auspicio che la collaborazione al femminile e non solo, diventi cosa di tutti i giorni.

Tra femminilità prorompente, capelli biondissimi e inclusività, quando le chiediamo se la sua musica possa essere definita il manifesto di un nuovo femminismo techno-romantico ci risponde: 

« Non so se me la sento di definire così la mia musica ma può essere anche questo. Diciamo che ci sto molto bene in questo femminismo techno-romantico, mi piace molto. Mezza cyborg, mezza romanticona, diciamo così. »

Per portare un po’ dello spirito del “Club Topperia” in giro per l’Italia, sono state annunciate le prime date del tour che al momento non prevedono Milano anche se la M¥SS si lascia scappare la volontà di voler salutare la sua città prima dell’autunno. Inoltre, M¥SS KETA condurrà i Diversity Media Award nella serata di sabato 28 Maggio, portando un po’ di luccichio del suo Club su Rai1. 

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