Non male per uno spettacolo che prende in giro Dio, la fede e il politically correct con un’ironia talmente feroce da risultare… quasi divina.

Creato dai padri di South Park, Trey Parker e Matt Stone, insieme a Robert Lopez (l’unico uomo al mondo con due EGOT all’attivo – Emmy, Grammy, Oscar e Tony, due volte ciascuno), The Book of Mormon è la prova che il musical può essere allo stesso tempo osceno, sofisticato e persino tenero. Debuttato a Broadway nel 2011, lo spettacolo ha vinto nove Tony Awards, quattro Olivier Awards, un Grammy e ha registrato record di incassi da New York a Londra, da Melbourne a Sydney.

Ma di che parla The Book of Mormon, finalmente in arrivo nella sua versione originale sottotitolata in italiano? 

 Due giovani missionari mormoni, pieni di entusiasmo e di buone intenzioni, vengono spediti in un remoto villaggio dell’Uganda per convertire gli abitanti. Quello che troveranno è tutt’altro che un campo estivo spirituale. Povertà, malattie, un signore della guerra che minaccia mutilazioni genitali e una canzone – Hasa Diga Eebowai – che suona come un inno disneyano ma significa… qualcosa che non si può dire in chiesa.

Eppure, tra parolacce e bestemmie, The Book of Mormon riesce a raccontare una storia di amicizia, crescita e fede – o meglio, di quanto sia umano cercarla anche quando non ha senso. È un inno alla libertà di ridere di tutto, anche (e soprattutto) di ciò che ci spaventa.

Ma davvero The Book of Mormon é Il musical più blasfemo e più premiato della storia?

Il successo è stato immediato. Nessun boicottaggio, nessuna protesta religiosa: anzi, la Chiesa dei Santi degli Ultimi Giorni ha colto la palla al balzo e ha comprato spazi pubblicitari nel programma ufficiale dello spettacolo. Il messaggio? “Hai visto il musical. Ora leggi il libro.” Quando anche i mormoni si divertono a farsi prendere in giro, vuol dire che hai fatto centro.

Dietro le quinte, un team creativo da urlo: Casey Nicholaw (regia e coreografie), Scott Pask (scene), Ann Roth (costumi, premio Oscar), Brian MacDevitt (luci), Brian Ronan (suono) e Stephen Oremus (supervisione musicale).

The Book of Mormon é il musical che sa ridere della fede e di noi stessi

«Ridere dei mormoni era solo l’inizio», ha raccontato Matt Stone. «La risata è il modo migliore per abbattere le difese delle persone e raccontare una storia più grande.» Una storia che, in fondo, parla di noi: delle nostre illusioni, della nostra fede nel progresso, dei nostri buoni propositi che finiscono sempre un po’ storti.

In un’epoca in cui tutti si offendono per qualcosa, The Book of Mormon resta un miracolo teatrale: riesce a scandalizzare tutti senza far arrabbiare nessuno.

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Ginevra non ha più voglia di sussurrare. Con Femina, il suo nuovo disco, cambia pelle e linguaggio: abbandona le sonorità eteree dei lavori precedenti per abbracciare un suono più organico, arrabbiato, viscerale.

Ispirata da letture al femminile, da eventi personali e da un’urgenza sociale sempre più pressante, l’artista costruisce un album che è al tempo stesso confessione, presa di posizione e grido collettivo. In questa intervista ci racconta il processo dietro Femina, il potere dell’educazione e che a volte è necessario spaccare tutto!

L’ultima volta che ci siamo incrociati stavi lavorando al disco, e mi dicesti: “Preparati, sarà tosto.” E così è stato! Come sei passata da un suono elettronico, più onirico e sospeso, a fare un album più organico, con i piedi per terra e arrabbiato?

È stato un passaggio piuttosto naturale. Innanzitutto, perché non volevo arenarmi nell’elettronica, ma continuare a sperimentare in tutto ciò che faccio — anche da ora in avanti.

Scrivendo i brani, mi sono resa conto che erano molto intimi ma anche duri, e mi è venuto spontaneo cercare un suono meno etereo e più diretto, concreto. Da lì è nata la scelta di una produzione e di sonorità che assecondassero questa necessità in modo chiaro, senza giri di parole o interpretazioni troppo aperte.

Il mondo etereo è magico e mistico, ma questo album è terreno. Parla di problemi reali, di quotidianità, di diritti, e volevo che arrivasse in maniera più immediata.

Esatto, perché entrambi i tuoi album sono molto personali, ma questo mi sembra di più facile lettura, e di conseguenza ci si può relazionare, non credi?

Grazie, lo spero tanto. Sì, i miei lavori sono sempre legati a me, ma con Femina ho voluto scavare ancora più a fondo, dire la mia. Le mie canzoni sono sempre dei diari aperti, ma stavolta mi sono permessa anche di arrabbiarmi, cosa che prima non avevo fatto.

Anche la voce è meno precisa, a volte distorta. Musicalmente, gli anni ’90 ci sono sempre stati, ma qui ho preso la parte più rock e organica, che viene un po’ dalla mia era pre-Diamanti, dal mio primissimo EP in inglese, Ruins, che era a tratti folk e a tratti elettronico. Quindi su certe cose è stata un’evoluzione, su altre una riscoperta di suoni che in realtà avevo già dentro.

L’album è stato ispirato dal saggio di Janina Ramirez “Femina: Storia del Medioevo attraverso le donne che sono state cancellate“. Ha influenzato così tanto il disco da dargli anche il titolo?

Due anni fa stavo lavorando al disco, ma non avevo ancora chiaro il tema né l’universo che lo racchiudesse. Però ero totalmente in ascolto. Leggevo moltissimo, quasi esclusivamente autrici donne. Ricordo che era l’estate in cui è mancata Michela Murgia, e quella cosa mi colpì profondamente.

Ero immersa in un mondo femminile: foto, libri, film di registe… e quel pomeriggio a Milano, in libreria con le mie amiche prima delle vacanze, vidi questo tomo intitolato Femina. Mi catturò subito. L’ho preso d’istinto e me lo sono letto in estate.

Lo considero un libro importante perché offre una nuova prospettiva sulla Storia, e ti fa pensare: “Caspita, se anche a scuola ci insegnassero così, includendo le figure femminili che hanno cambiato le cose, avremmo un’educazione e una visione completamente diverse.”

Non ci sono brani ispirati direttamente al libro, ma ne ha ispirato il concept.

Poi, quando mi sono ritrovata incazzata nera per l’ennesimo femminicidio o per vicende personali in cui mi sentivo schiacciata, quel libro era lì, a guardarmi. Ed è nato il brano Femina, che ha dato anche il titolo al disco.

A proposito di Femina, il testo è come uno sparo allo stomaco e parla di un tema purtroppo sempre attuale: i femminicidi. Che ruolo dovrebbe avere, secondo te, l’educazione per contrastare una cultura maschilista?

L’educazione è la chiave. È per questo che un saggio come quello di Janina è così importante: perché cambia la prospettiva con cui raccontiamo la donna nella storia.

È fondamentale fare un lavoro enorme sull’educazione dei più piccoli. Ho visto di recente Adolescence su Netflix e mi ha devastata per la sua verità. Si parla di cyberbullismo, ma culmina in un femminicidio. E il fatto che certi comportamenti siano percepiti come legittimi già da piccoli è il sintomo di un sistema che va sradicato.

Serve educazione a scuola — dove si passa tantissimo tempo — ma anche a casa, perché la cultura patriarcale è insita anche in alcune donne. Abbiamo dentro preconcetti talmente radicati che vanno contrastati fin dall’infanzia.

Noi siamo gli scarti di una cultura che non ci appartiene più, e che stiamo cercando di superare. Voglio essere ottimista, anche se sono cinica, ma ci voglio credere.

Parliamo di Spacco Tutto, un pezzo arrabbiato, uno sfogo punk che strizza l’occhio al suono di Bristol e alla jungle. E ora, per l’uscita del vinile, lo hai contaminato con il feat. di Meg, che da sempre è una guerriera. L’hai scelta anche per questo?

Sì, dentro c’è un po’ di tutto. È un brano che fa parte del discorso complessivo dell’album, parla di dire la verità e di arrabbiarsi. Io non sono una persona che, quando si arrabbia, “spacca tutto”, quindi detto da me, per come sono fatta, ha ancora più senso: è un gesto inaspettato.

Spacco Tutto è un claim liberatorio. Il brano nasceva con una vena elettronica, ma poi — con questo testo — è diventato più punk, più sporco, più drum’n’bass. È un mix tra due mondi. E quando parte la parte jungle, arriva Meg, che è la regina del basso.

A disco ultimato volevo una figura femminile accanto a me, una spalla e una sorella in questo lavoro. Ho pensato subito a lei: è un richiamo al suo sound, ma anche a ciò che rappresenta.

Meg è una voce che si è sempre ribellata, che ha sempre sperimentato, che ha sempre combattuto. Non è mai stata zitta. Io, da piccola, ascoltavo le sue canzoni da solista e ne rimasi folgorata: Chi è questo alieno che mescola l’italianità di Mina con la sperimentazione elettronica?

Poi abbiamo due collaboratori in comune, i fratelli Fugazza, quindi ho avuto modo di conoscerla. Avevo bisogno di qualcuno che mi proteggesse, che urlasse con me. E sono davvero felice che sia nel mio disco.

In un panorama musicale in cui in pochi prendono posizione, tu hai preso coraggio e lo hai fatto quasi come fosse una necessità, è stato così?

Sì! É figlio di eventi e alcune dinamiche della mia vita da cui dovevo sbrigliarmi. Sono contenta di essermi presa la briga di aver fatto questo disco che mi rappresenta tanto e che spero arrivi forte. Non so se la definirei una mossa coraggiosa, per me è stato semplicemente ascoltarmi e trovare il modo di raccontarlo in modo naturale.

Curi sempre tutto a 360°, come sono nati gli scatti poetici di Giulia Gatti ?

Quando ho cominciato a pensare all’immaginario del disco ho contattato Aurora Rossa Manni che ha sposato subito il progetto perchè anche a livello estetico è un racconto che la rappresenta e abbiamo curato la direzione artistica insieme.

Parlando del mondo che volevamo creare mi sono venute in mente le fotografie di Giulia Gatti, che scatta donne in bianco e nero girando il mondo. L’ho contattata e si sono connessi tanti punti, lei nella sua vita ha sempre scattato solo donne e nel mio racconto estetico volevo coinvolgere le mie amiche in un racconto che fosse reale e non un set.

Traspare molta intimità da quelle foto…

É quello che volevo, stare con delle persone con cui fossi totalmente a mio agio e viceversa e poi nelle foto ci sono tante cose mie come vestiti, oggetti, simboli, cose di mia mamma e di mia nonna, è tutto connesso e molto personale. Abbiamo creato questo mondo utopico al femminile in cui scappiamo dalla città e viviamo in campagna seguendo le nostre regole e il ritmo del sole. É stata una giornata pazzesca, abbiamo lavorato tutto il giorno ma eravamo tra amiche c’era un’energia bellissima. É importante prendersi del tempo per condividere e fare le cose che si amano.

Quel prendersi cura gli uni degli altri che vanno a formare poi le così dette choosen family, nella comunità LGBTQIA+ lo sappiamo bene e tu ci hai sempre sostenuti!

Le amicizie per me sono fondamentali, così come la comunità che è fondamentale per non sentirci soli, per sentirci capiti e anche per andare avanti specialmente in questo periodo storico. Sono sempre stata vicina alla comunità scrissi un brano come Anarchici per me stessa, per l’amore e per la comunità LGBTQIA+ e spero che arrivi anche questo lavoro a tutt* pur essendo totalmente declinato al femminile. Avevo questa necessità di non essere neutra ma di rivolgermi direttamente al mio essere donna e alle donne della mia vita, è un disco che lotta con gli artigli e si difende e spero parli anche alla comunità.

Cosa ci dobbiamo aspettare dal tuo live al Mi Ami e dai live che verranno?

Penso che sarà un live coerente al disco, ci sarà poca elettronica e tanto Femina farò il possibile per traghettare tutto quello che c’è dentro questo album, e poi al Mi Ami sarà divertente anche condividere il palco con altre artiste che amo come Emma Nolde, Joan Thiele e Alice Phoebe Lou. Sarà una serata speciale come sempre.

Ultimo album di cui ti sei innamorata:

Bon Iver “SABLE, fABLE”, Oklou “Choke Enough” e di vecchio “Pink Moon” di Nick Drake.

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ll regista Zacharias Mavroeidis sceglie una struttura leggera e circolare, navighiamo quindi tra il presente e i flashback. Grazie anche alle performance sincere dei due protagonisti il film è realistico ed esplora tutti gli aspetti delle relazioni queer, sia sessuali che sentimentali. Il regista riesce a mettere a nudo sia emotivamente che fisicamente i protagonisti e ovviamente il fascino di Yorgos non passa inosservato.

The Summer With Carmen è una commedia romantica queer. Demos e Nikita, due migliori amici, sono su una spiaggia gay. Discutono di una sceneggiatura che stanno scrivendo insieme. Cercano di trovare il punto di vista della storia e questo li riporta all’estate trascorsa due anni fa, un’estate che è stata molto, molto importante nella loro vita. Sono successe molte cose che li hanno cambiati in pochissimo tempo. È un film davvero solare, divertente e positivo.

Yorgos Tsiantoulas nel film ha tutte le carte per far innamorare di lui un gran pubblico gay col suo ruolo del sexy Demostene. Alto, barbuto e peloso, ha tutti gli attributi fisici del maschio virile su cui ci piace fantasticare. 

Nel film il personaggio di Yorgos è come se non fosse pienamente consapevole della sua immensa carica sessuale e del suo potere di seduzione. È affettuoso, sensibile e sentimentale. Abbiamo parlato con Yorgos per conoscerlo un pochino più di lui e per farci raccontare la sua esperienza in questo film.

Ciao Yorgos, quando hai deciso di diventare attore?

La recitazione è sempre stata una mia passione fin da bambino, perché ricordo di essere stato attratto dal mondo del teatro e dai suoi personaggi fin da piccolo. La colpa è dei miei genitori, che continuavano a trascinare tutti i loro figli, me compreso, ai concerti, alle rappresentazioni teatrali e al cinema.

Il percorso per diventare attore è stato un mix di dedizione, studio e capacità di cogliere le opportunità che mi si presentavano. Ho scelto questo percorso professionale perché credo nel potere e nella necessità di raccontare storie. Credo che l’umanità desidererà sempre le storie degli altri, ascoltare le loro vite, e la recitazione è il mezzo per far sì che ciò accada.

È una professione che richiede resilienza e adattabilità e, naturalmente, la strada per il successo può essere accidentata. Tuttavia, la gioia di dare vita ai personaggi e toccare il cuore del pubblico fa sì che ne valga la pena. Mi sento un bambino quando lo faccio. Come un bambino che gioca. Forse è questa la ragione più importante per cui lo faccio.

Questo è il tuo primo lungometraggio dopo una carriera a teatro, come l’hai vissuto?

Il cinema è un territorio completamente nuovo ed entusiasmante per me, il film “The Summer with Carmen”è stato il mio primo credito nell’industria cinematografica, interpretando il personaggio principale di Demostene. Mi sento fortunato e orgoglioso di far parte di questo progetto.

Puoi raccontarci qualcosa del tuo background teatrale? Pensi che ti abbia aiutato per il film?

La mia prima incursione nella recitazione è stata il teatro di scena. Mi sono trovato attratto dal palcoscenico, dove il contatto immediato con il pubblico era elettrizzante. Il teatro mi ha insegnato la disciplina della performance dal vivo e l’arte di incarnare un personaggio nel momento.

Ho lavorato con importanti registi riconosciuti sia in Grecia che nel resto d’Europa come Dimitris Papaioannou e Romeo Castellucci, che sono rinomati per un teatro immersivo dell’immagine. Nelle loro produzioni mi sono offerto di esibirmi nudo sul palco, cosa che mi ha davvero dato molta sicurezza e mi ha aiutato nel processo di recitazione per mettere in scena il personaggio di Demostene.

Oltre al teatro, ho anche esplorato opportunità in spettacoli e serie televisive, che hanno offerto un diverso tipo di sfida ed esperienza di apprendimento, soprattutto nell’industria greca.

Quali altre esperienze di vita ti hanno aiutato a dare di più ai tuoi personaggi sul palco?

Le esperienze di vita reale rendono i personaggi ritratti più realistici sul palco o nei film. Mi assicuro sempre di attingere a sentimenti reali che ho provato per attaccare le emozioni del personaggio in modo credibile.

Esperienze come relazioni, viaggi, ricordi d’infanzia mi hanno sempre aiutato nel processo di costruzione di un personaggio. Ma sono un bravo spettatore.

La recitazione è un processo di imitazione della vita, quindi un buon osservatore dei dettagli della vita può essere un bravo attore. Cerco sempre di tenere gli occhi aperti sulle storie, i gesti e i dettagli delle altre persone per metterli in azione e avere a disposizione più colori sulla mia tavolozza con cui disegnare.

“The Summer With Carmen” è una storia realistica e sexy di amicizia e amore nella comunità gay ateniese contemporanea. Puoi dirmi cosa pensi di questo film?

La proposta del film mi è arrivata nel periodo del covid: oscurità, nerezza, disoccupazione, confinamento in casa. E devo ammettere che questo periodo di pandemia mi ha messo in un grande fosso esistenziale. Ci sono stati giorni, settimane, mesi in cui mi sono sentito perso. Mi sono interrogato su quali scelte ho fatto, su cosa significa essere un attore dopotutto e in circostanze come queste, quando tutto crolla. Quindi quando è arrivata questa sceneggiatura è stato un enorme dono. L’ho letta ad alta voce, tutta, in piedi nell’appartamento, nel giro di due ore. Ero così felice, per la sua leggerezza, l’umorismo, la non didattica del testo. Mi piaceva che elaborasse la relazione tra due persone, semplicemente, naturalmente, senza finzioni forzate. Sai, a volte senti che chi va a girare una storia queer oggi ha una lista di cose che deve includere per essere “approvato da Netflix”, la chiamerò così.

È a vantaggio del film che non ha nulla del genere. Niente è sottolineato, nessun dito è puntato. È un bromance easy going, fresco e divertente che simboleggia l’amicizia e l’estate ateniese.

Com’è stato essere diretto da Zacharias Mavroeidis?

Ho visto tutti i lavori passati di Zacharias. Per me, ogni film è come una versione diversa di lui. Hanno tutti in comune una sceneggiatura molto strutturata e curata nei dettagli, in cui è un maestro, e una fotografia molto bella ma semplice. Non puoi fare a meno di innamorarti dei suoi colori e dei suoi personaggi molto umani.

Zacharias è il regista più gentile, divertente e creativo che abbia mai incontrato nella mia carriera. Crea un ambiente che consente agli attori di abbracciare completamente i loro personaggi, promuovendo un senso di fiducia e libertà creativa. Lavorare con lui è stato un viaggio di scoperta, sia personale che professionale, e non vedo l’ora di continuare a evolvere il suo mondo cinematografico.

Molto spesso per le persone queer gli amici sono il sostituto della famiglia, le così dette choosen family. Qual è stata la tua esperienza?

Per non dire che gli amici possono anche andarsene quando le cose si mettono male, questo è spesso vero, ma per un numero considerevole di persone queer, gli amici diventano la loro fonte di sostegno, poiché non sempre hanno famiglie funzionali. Sfortunatamente le persone LGBTQ+ sperimentano ancora l’aumento del rifiuto, della discriminazione o persino della mancanza di sostegno tra i loro parenti. Gli amici entrano in scena con sostegno emotivo, compassione e offrendo un senso di appartenenza.

Come descriveresti il ​​tuo personaggio? Pensi di avere qualcosa in comune con lui?

Demostene è un eroe chiuso, più pesante, più silenzioso, meno espressivo. Anch’io sono un po’ così. Condivido qualcosa con Demostene: questa è la versatilità multi-persona, nel senso di adattamento alle situazioni. A seconda dell’ambiente in cui mi trovo, interpreto anche dei ruoli.

Demostene doveva essere molte cose allo stesso tempo, come se avesse una cabina di pilotaggio con molti pulsanti davanti a sé e, a seconda di dove si trova, preme un pulsante e diventa quella persona in particolare. Anch’io ho questo: sono diverso con i miei genitori, diverso con i miei amici, diverso con i miei colleghi come attore, diverso con i miei attori quando dirigo.

Demostene aveva questa chiave performativa. Quando l’ho capito, l’ho sbloccato. Un uomo psico-emotivamente costantemente all’erta per chi ha di fronte. Anche durante le prove, a seconda di chi mi veniva messo accanto, tiravo fuori un Demostene molto diverso. L’equilibrio di tutti questi elementi ha creato il ruolo alla fine. Nikitas glielo dice anche nel film quando gli viene chiesto chi li avrebbe interpretati a Hollywood: “hai mille volti, non sei un ruolo facile”.

Come attore? Che tipo di creatività stai portando in quella parte della tua vita?

La creatività è la mia vita. Inoltre, qualsiasi ruolo io interpreti è come se stessi vivendo la vita di quel personaggio sul palco o sullo schermo. Ne esploro le ragioni, le idiosincrasie e i sentimenti per conoscere il processo e la probabile causa del loro funzionamento. Gioco con il significato e mi vengono in mente modi creativi per dare vita ai personaggi. Con il più debole degli sguardi, il delirio di discorsi gravi per l’ouverture, voglio solo dipingere ciò che è onesto e vero.

Nel film il tuo personaggio va alla spiaggia naturista. Fai lo stesso?

Sì, lo faccio. Amo molto la sensazione di essere nudo nell’elemento acqua. Lo trovo catartico in molti modi e lo consiglio vivamente.

Sei fisicamente attraente per molti uomini gay, come ti senti a essere una specie di sex symbol per la comunità lgbt?

È vero che qualsiasi personaggio in un film può prendere vita propria, ma il mio obiettivo è sempre stato quello di far emergere la profondità e la verità di un ruolo che sto interpretando.

Anche se sono lusingato di essere considerato un “sex symbol”, la mia responsabilità quando interpreto un personaggio è di essere il più autentico possibile. Se il personaggio porta fascino e appeal che risuonano con il pubblico al punto che creano un’icona, è merito della forza della storia e dello sforzo collaborativo dell’intera troupe.

E quindi, anche se è una bella sfida “essere un simbolo”, è ancora più difficile mantenere una sana distanza dall’immagine pubblica, ma è ancora più importante continuare a sfidare me stesso con ruoli che facciano sì che le persone mi vedano in modo diverso. Alla fine della giornata, sono l’arte della recitazione e le storie che raccontiamo che contano.

Dove si può vedere il tuo film “The Summer with Carmen”?

Il film è disponibile al momento nei cinema, ovviamente in Grecia, ma anche in Belgio, Francia, Brasile e molto presto sarà disponibile nei cinema di Regno Unito e Irlanda, Germania e Austria, Polonia e Svizzera.

Gli Stati Uniti possono trasmettere in streaming il film tramite Apple TV e Google Play e molto presto lo streaming sarà disponibile anche in Spagna, Taiwan, Hong Kong/Macao, Indonesia, Malesia, Filippine, Singapore, Thailandia, Brunei, Cambogia, Laos, Myanmar, Vietnam, Afghanistan, Bangladesh, Bhutan, India, Maldive, Nepal, Pakistan, Sri Lanka e Australia/Nuova Zelanda.

Com’è stata la recitazione con la cagnolina Carmen?

Avevo già lavorato a teatro con gli animali, soprattutto con i cavalli e le scimmie a teatro con Romeo Castellucci. Ma non avevano un ruolo così importante come Carmen nel film che è in realtà il mio partner sullo schermo. Il regista voleva una cagnolina che fosse in sintonia con le emozioni di Demostene: voleva un animale carino ma anche un po’ spaventato dalle cose, impaurito, una cagnolina che dice con gli occhi “Amami”.

Anche la storia dietro la vera Carmen è toccante. È stata salvata da un canile e adottata ma aveva ancora dei traumi, e delle difficoltà a socializzare. Quando abbiamo iniziato a girare, aveva molta paura di me per via delle mie dimensioni. Ma una delle cose più belle che sono successe durante queste riprese, durate 25 giorni, è che ogni giorno si avvicinava a me. Ci fidavamo l’una dell’altra. Nel film si vede come è passata da timorosa a socievole e trovo che sia bellissimo da vedere.

Siamo in piena estate, che musica e che libro consiglieresti di portare in spiaggia?

Per una lettura estiva facile consiglierei “I nostri antenati” di Italo Calvino, una raccolta di due novelle e un romanzo, che esplora la narrativa surrealista all’interno delle favole medievali. Divertente, commovente e magico. Una lettura obbligata.

E forse per la musica l’ultimo album di Lana del Ray “Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd”. Mistico, d’atmosfera e facile da ascoltare.

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Gloria, la protagonista de “La Vita che Volevi”, ha trovato la felicità nella pittoresca città di Lecce, dove ha fondato una piccola agenzia turistica e ha costruito una vita serena con il suo compagno Ernesto. Tuttavia, il suo equilibrio viene sconvolto dall’arrivo di Marina, una vecchia amica dell’università di Napoli, un tempo prima che Gloria iniziasse il suo percorso di transizione.

Marina non arriva sola: con sé porta Andrea e Arianna, figli nati da due diverse relazioni, ed è incinta di un terzo figlio, il cui padre è Pietro, un giovane dal carattere pericoloso.

Gloria, che vorrebbe mantenere le distanze da Marina per non ricordare un passato che desidera dimenticare, si trova presto invischiata nei segreti che Marina nasconde. A complicare ulteriormente la situazione, giunge Sergio, il padre di Arianna, un uomo duro e diffidente nei confronti di Gloria.

Per Gloria è giunto il momento di confrontarsi con “la vita che voleva”, il suo passato e il suo futuro, per scoprire che la felicità può arrivare in forme inaspettate e che l’amore è la forza che rende la vita degna di essere vissuta.

“Gloria è la protagonista della nostra storia e ci siamo innamorati di lei fin dal principio. Abbiamo voluto raccontare la storia di una donna transgender, lontana dagli stereotipi, vera, fatta di carne e sangue, piena di sfumature e contraddizioni. È da lei che siamo partiti per ideare la serie. È stata Gloria a guidarci e noi a seguirla.

L’abbiamo immaginata mentre camminava sicura per le strade di Lecce, una donna matura e realizzata, o nel passato, quando da giovane si divideva tra gli studi all’università di Napoli e le serate in discoteca, esibendosi in drag per guadagnare soldi e completare la sua transizione.

Accanto a lei, attraverso tante stesure e confronti, abbiamo costruito il suo mondo fatto di amori, affetti, lavoro, amicizia e famiglia. Non solo la famiglia d’origine, ma anche una nuova famiglia, inaspettata e non immaginata, che irrompe nella sua vita sconvolgendola. Il passato torna a presentare il conto, rappresentato da un figlio nato non per caso, ma per amore.

Questo è il tema che ci interessava esplorare: la possibilità inaspettata per Gloria di mettersi nuovamente in gioco, di fronte all’opportunità incredibile di poter essere madre, e di vivere una vita ancora diversa da quella che aveva immaginato.” raccontano la sceneggiatrice Monica Rametta e il regista Ivan Cotroneo.

La trasformazione di una storia scritta in immagini e scene è un’impresa di grande responsabilità. Quando inizia la preparazione, ci si sente responsabili del lavoro fatto e di quello che verrà, del tempo richiesto a tutte le persone coinvolte.

La creazione con Monica Rametta ha fissato molti punti fermi, a cominciare dalla protagonista: Vittoria Schisano si è imposta con forza per talento e aderenza al personaggio.

Il mondo di Gloria ha preso forma gradualmente, con il calore ma anche il dolore, spettacolare nei paesaggi e intenso nei primi piani. Raccontare la visione è stato l’unico modo per condividere un’idea di rappresentazione. La serie è il risultato del lavoro di gruppo, dall’amore e dalla creatività di tutti. Gli attori hanno donato il loro talento ai personaggi, rendendo viva la storia. La gratitudine è un sentimento essenziale e va ricordato sempre, perché nel cinema e nelle serie, l’amore e la creazione sono di tutti.

“La Vita che Volevi” non è solo una serie, è il frutto di un lavoro collettivo di autori e artisti, uniti nel desiderio di creare qualcosa di speciale e unico.

Questa miniserie di sei puntate, in uscita su Netflix il 29 maggio, rappresenta un momento significativo per la rappresentazione delle persone transgender nella televisione italiana. In un periodo storico particolarmente turbolento in Italia, dove i diritti delle persone LGBTQ+ sono spesso sotto attacco, la storia di Gloria offre un messaggio potente di resilienza, amore e accettazione. La sua presenza sugli schermi non è solo un traguardo per la visibilità transgender, ma un richiamo alla comprensione e all’inclusione in un mondo che ne ha un disperato bisogno.

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«Ho studiato il personaggio Griselda Blanco per 10 anni, fin da quando era ancora viva. C’è voluto un decennio per fare la serie, ho approfondito tutto su di lei e mi sono accorta che avevamo tanto in comune»

Sofia Vergara

Ma chi è Griselda Blanco?

Pare sia stata la prima donna criminale miliardaria le cui testimonianze raccontano che all’apice del suo impero criminale fosse arrivata a guadagnare addirittura due miliardi di dollari grazie al narcotraffico.

La miniserie Netflix ha inizio con la sua fuga da Medellin e l’inizio di una nuova vita a Miami, dove, tra gli Anni ’70 e ’80 costruisce il suo impero, grazie a furbizia, fascino e una fame di imporsi – da donna – in un mondo prettamente maschile. 

Abbiamo visto in anteprima Griselda su Netflix, qui vi spoileriamo qualcosa ma non tutto.

Griselda è una miniserie ispirata alla vita della scaltra e ambiziosa imprenditrice colombiana Griselda Blanco, una madre affettuosa che ha creato uno dei cartelli della droga più redditizi della storia del XX secolo. 

Con un mix letale di insospettabile ferocia e fascino, Griselda Blanco è riuscita a tenere in pugno business e famiglia, guadagnandosi il soprannome di “Madrina”.

Dai creatori e produttori di NARCOS e NARCOS: MESSICO, Eric Newman e Andrés Baiz (anche regista di tutti gli episodi) La serie è composta da 6 episodi e mostra Sofía Vergara nel suo primo ruolo drammatico, come non si è mai vista prima.

Nel cast insieme a lei Alberto Guerra (Dario Sepúlveda), Christian Tappan (Arturo Mesa), Martín Rodríguez (Rivi Ayala), Juliana Aidén Martinez (June Hawkins), Vanessa Ferlito (Carmen Gutiérrez).

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Un paio di settimane fa è stato pubblicato Il trailer di Sex Education 4 che anticipava una stagione ricca di nuove esperienze sessuali, crescita personale, amore,
risate, lacrime, amicizia, e tanto altro, come il coloratissimo guardaroba di Eric, il ritorno al lavoro di Jean con un nuovo capo (interpretato da Hannah Gadsby), quello di Adam in fattoria, e le abilità artistiche di Aimee, e per finire… Maeve che torna a Moordale per il suo primo vero appuntamento con Otis.

Di sicuro con questa ultima stagione di Sex Education diciamo addio alla banda di Moordale, che ci tiene compagnia dal 2019.

È giunto il momento di preparare i fazzoletti e salutarci con otto nuovi episodi, incluso un finale di stagione eccezionale della durata di 83 minuti.

Sex Education 4 in poche parole

Dopo la chiusura del liceo di Moordale, Otis e Eric devono affrontare un nuovo inizio – il loro primo giorno al Cavendish Sixth Form College. Otis è nervoso all’idea di creare una nuova clinica, mentre Eric spera con tutto sé stesso che non saranno di nuovo degli “sfigati”.

L’istituto Cavendish rappresenta uno shock culturale per tutti gli studenti di Moordale, che fino ad allora pensavano di essere progressisti. Questa nuova scuola è molto diversa, e diciamo pure un po’ utopica.

Ogni giorno si fa yoga nel giardino comune, si respira un’atmosfera all’insegna della sostenibilità e c’è un gruppo di ragazzi popolari per la loro… gentilezza?! Viv è totalmente sconvolta dall’atteggiamento non competitivo degli studenti, mentre Jackson sta ancora cercando di superare la sua storia con Cal.

Aimee decide di fare qualcosa di nuovo frequentando lezioni d’arte e Adam prova a capire se un’istruzione di tipo tradizionale sia adatta a lui.

Negli Stati Uniti, Maeve sta vivendo il suo sogno alla prestigiosa Wallace University, in cui segue le lezioni dell’autore di culto Thomas Molloy.

Otis si strugge per lei, mentre deve abituarsi al fatto di non essere più figlio unico e nemmeno l’unico terapista della scuola…

Asa Butterfield torna a interpretare il protagonista Otis Milburn, al suo fianco Gillian
Anderson, Ncuti Gatwa, Aimee-Lou Wood, Emma Mackey, Connor Swindells, Kedar
Williams-Stirling, Mimi Keene.

Confermati nei rispetivi ruoli anche George Robinson, Chinenye Ezeudu, Dua Saleh, Alistair Petrie, Samantha Spiro, Jim Howick, Rakhee Thakrar e Daniel Ings.

Si uniscono al cast in questa stagione finale Dan Levy, vincitore dell’Emmy come miglior attore non protagonista per Schitt’s Creek, Thaddea Graham (Doctor Who), Lisa McGrillis (Somewhere Boy), Marie Reuther (Kamikaze), l’attrice e modella Jodie Turner Smith, il comico Eshaan Akbar e gli esordienti Felix Mufti, Anthony Lexa, Alexandra James, Reda Elazouar, Bella Maclean e Imani Yahshua.

Dal suo debutto su Netflix nel 2019, Sex Education è stata candidata e ha vinto numerosi premi, incluso l’International Emmy Awards nel 2022 come miglior serie comedy. Inoltre, nei primi 91 giorni dall’uscita la terza stagione ha totalizzato 66.6 milioni di visualizzazioni.

A inizio luglio, Netflix ha annunciato che la quarta stagione sarà quella finale pubblicando una lettera ai fan, in cui la creatrice, sceneggiatrice e produttrice esecutiva Laurie Nunn ha affermato.

“Siamo incredibilmente orgogliosi di Sex Education e siamo in debito con il nostro fantastico team di sceneggiatori, attori e tutta la troupe che ha messo così tanto amore nel realizzare ogni episodio.

Hanno lavorato in maniera instancabile per questa stagione finale, e non vediamo
l’ora di condividerla con voi”.

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*in aggiornamento

ROTTING IN THE SUN – su Mubi dal 15 settembre

Il successo del Sundance 2023 dello sceneggiatore e regista Sebastián Silva arriverà presto su MUBI. “ROTTING IN THE SUN” è una meta-commedia cupa, divertente e piacevolmente audace che distorce il business del cinema e la nostra cultura ossessionata da noi stessi.

Mentre si rilassa in una località balneare gay messicana, il regista depresso Sebastián Silva incontra il social influencer Jordan Firstman (nella foto di copertina), che gli chiede di partecipare ad un suo progetto; nel film entrambe interpretano loro stessi.

Sebastian accetta con più di una riserva ma quando Jordan torna a Città del Messico per cominciare il lavoro Sebastián non si trova da nessuna parte; quì il film ha una svolta imprevedibile con Jordan che intraprende un viaggio selvaggio, pericoloso, quasi investigativo.

WHAM! – su NETFLIX

Nel 1982, i migliori amici e ancora adolescenti – George Michael e Andrew Ridgeley formano gli WHAM! per partire alla conquista del mondo. Dopo 4 anni di carriera nel giugno del 1986 suonarono il loro ultimo concerto allo stadio di Wembley dimostrando al mondo di averlo conquistato letteralmente.

Per la prima volta e raccontata con le loro stesse parole, la storia incredibile degli WHAM! rivive in questo documentario su due inseparabili amici cazzoni che sono diventati gli idoli di migliaia di teenagers.

Successo dopo successo: Club Tropicana, Wake Me Up Before You Go Go, Freedom, I’m Your Man e ovviamente Last Christmas, il loro tempo sotto i riflettori è stato incandescente.

Quello degli WHAM! è un periodo che ha incapsulato e incarnato non solo la loro giovinezza, ma anche quella dei milioni di fan che li adoravano.

Con un accesso senza precedenti all’archivio personale di George e Andrew, inclusi filmati mai visti prima, insieme a interviste rare, sincere e inedite, WHAM! traccia il loro incredibile viaggio da compagni di scuola a superstar.

Passages – al cinema

Nella Parigi contemporanea, il regista tedesco Tomas (Franz Rogowski) abbraccia la sua sessualità attraverso una torrida storia d’amore con una giovane donna di nome Agathe (Adèle Exarchopoulos), un impulso che offusca i confini che definiscono la sua relazione con suo marito, Martin (Ben Whishaw).

Quando Martin inizia una sua relazione extraconiugale, riesce a riconquistare con successo l’attenzione del marito e allo stesso tempo scopre la gelosia di Tomas. Alle prese con emozioni contraddittorie, Tomas deve abbracciare i confini del suo matrimonio o fare i conti con il fatto che la relazione abbia fatto il suo corso.

Tenete bene a mente il nome Franz Rogowski perché sarà una delle stelle future del cinema.

Medusa Deluxe – su MUBI

Parrucchieri talentuosi, ambiziosi, dive che amano pugnalarsi alle spalle si riuniscono in Inghilterra per un concorso di styling. Quando un parrucchiere viene trovato morto, i concorrenti rimasti cercano di scoprire l’assassino durante il corso della serata.

Serpeggiando tra sale illuminate al neon e camerini dietro le quinte, i concorrenti svelano risentimenti e segreti a lungo trattenuti mentre cercano l’assassino tra loro, in questo giallo diabolicamente divertente del regista esordiente Thomas Hardiman.

Un po’ Almodovar, un po’ Pablo Larraine, un pò A24, ma molto personale.

Red, White & Royal Blue – su PRIME Video

Alex Claremont-Diaz (Taylor Zakhar Perez), il figlio del presidente degli Stati Uniti (Uma Thurman), e il principe Henry (Nicholas Galitzine) della Gran Bretagna hanno molto in comune: un bell’aspetto, un carisma innegabile, una popolarità internazionale… e un disprezzo totale l’uno per l’altro.

Separati da un oceano, la loro faida di lunga data non è stata davvero un problema, fino a quando un disastroso e molto pubblico alterco, a un evento reale diventa carne da tabloid, provocando un potenziale cuneo nelle relazioni tra Stati Uniti e Gran Bretagna nel momento peggiore possibile.

Entrando in modalità di controllo dei danni, le loro famiglie e i loro gestori costringono i due rivali a una “tregua” organizzata.

Ma mentre la gelida relazione tra Alex ed Henry inizia inaspettatamente a trasformarsi in un’amicizia provvisoria, l’attrito che esisteva tra di loro accende qualcosa di più profondo di quanto si aspettassero.

Il libro di Casey McQuiston da cui è tratto è una dolce favola moderna a tinte rainbow ed ha conquistato migliaia di lettori in tutto il mondo; se amate le commedie leggere e pop stile “Bridgerton” con cui condivide il protagonista Thomas Flynn, allora “Red, White & Royal Blue” entrerà subito nei vostri cuori.

Basato sull’acclamato bestseller del New York Times di Casey McQuiston, “Red, White & Royal Blue” segna il debutto alla sceneggiatura e alla regia di un lungometraggio del drammaturgo vincitore del Tony Award, Matthew López (The Inheritance).

Toccante il monologo sul coming out come scelta e non come dovere.

Aristotele e Dante scoprono i segreti dell’universo – in uscita entro l’anno

Tratto dall’omonimo romanzo lgbtq+ e best seller di Benjamin Alire Sáenz, il film uscito nel 2022 negli USA qui da noi è ancora in lista d’attesa.

Il film è incentrato sull’amicizia tra due adolescenti messicano-americani solitari nell’El Paso del 1987 che esplorano una nuova, insolita amicizia e la difficile strada verso la scoperta di sé.

I 15enni Aristotle (Max Pelayo) e Dante (Reese Gonzales) sono i protagonisti di questa storia di formazione, il film è scritto e diretto da Aitch Alberto e – come il libro – è ambientato nel 1987 a El Paso, in Texas, ed è incentrato sul forte legame tra Ari e Dante e sulla scoperta dei loro sentimenti. Nel cast ci sono anche Kevin Alejandro (True Blood e Lucifer), Luna Blaise (Manifest) e Eva Longoria.

DICKS – The Musical (prossimamente)

Il primo musical prodotto dalla A24 si preannuncia epico. Due uomini d’affari ossessionati da se stessi (gli sceneggiatori Aaron Jackson e Josh Sharp), scoprono di essere gemelli identici perduti da tempo e si uniscono per organizzare il ricongiungimento dei loro eccentrici genitori divorziati.

Questo musical sfrenatamente divertente e sfacciato dell’icona della commedia Larry Charles (Seinfeld, Borat) vede protagonisti Megan Thee Stallion, Nathan Lane, Megan Mullally e Bowen Yang nei panni di Dio.

Non vediamo lora di cantarlo!

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Ci sono persone che hanno legami imprescindibili con la loro terra d’appartenenza che non si sciolgono nemmeno se proviamo a sbrigliarli, non importa dove si va; e se si nasce su un’ isola, la Sardegna in questo caso, il sentimento è ancora più forte e questo Chiara Floris in arte BLUEM lo sa bene.

Il retaggio culturale di un paese come il nostro le stava stretto e come tanti giovani l’ha portata a migrare nell’Inghilterra pre-Brexit, principale rifugio degli expat che cercavano un’identità libera da schemi e pregiudizi, in cui potersi esprimere liberamente; io stesso a 20 anni vedevo Londra come la terra delle libertà e mi ci rifugiavo non appena potevo.

Le radici di Bluem sono radicate in lei e contribuiscono a creare questa contaminazione che in “NOTTE” si muoveva tra passato e presente, e in “Nou” prosegue verso il futuro, in un sentiero fatto di sperimentazione, in cui il folk della Sardegna incontra l’hyperpop, il clubbing, i suoni del trip-hop di Bristol, intraprendendo un percorso di sperimentazione continua, sia stilistica che linguistica.

Un contrasto mutevole tra classico e nuovo che esplode in “Adele”, brano che vede la partecipazione della violinista sarda Adele Madau o nella cinematica “Moonlight” feat. Yasmina, con un testo evocativo che potrebbe essere la scena di un film ambientato in Sardegna.

“Nou” significa nuovo e non poteva avere un titolo più giusto; ce lo siamo fatti raccontare da BLUEM:

Ciao Chiara, raccontami come ti sei approcciata alla stesura del tuo nuovo lavoro, Nou, dopo il successo di critica e ascolti del tuo precedente Notte.

Ti dico che in realtà il post Notte è stato un po’ traumatico perchè prima di scrivere il disco non conoscevo l’industria musicale, non conoscevo l’importanza di una label, non avevo la minima idea di cosa ci fosse dietro un progetto musicale e per una come me che vuole avere tutto sotto controllo è stato forte il tutto anche se per fortuna ho un team meraviglioso che mi sostiene completamente.

Ad ogni modo sentivo una forte pressione perché sapevo che la gente si era affezionata a Notte e ho cercato in tutti i modi di non replicare un momento unico e irripetibile ma di crearne uno nuovo, appunto Nou e quindi ho sperimentato tanto cercando di collaborare con donne e uomini in maniera equa poiché quando ho fatto Notte, il mio amico Simone mi ha aiutata tecnicamente ma molte persone, alcuni artisti lo chiamavano perché inconsciamente convinti che il lavoro fosse suo, ma in realtà il suono è mio, Notte l’ho auto prodotto ma ancora oggi è difficile nell’industria della musica pensare che una donna possa prodursi un disco da sola. Ho sofferto molto per questa cosa.

Nou al contrario di Notte è più complesso e meno immediato e questo secondo me è sinonimo di evoluzione artistica. Cosa ne pensi?

Sono totalmente d’accordo, ho fatto tanta ricerca, c’è tanto di me dentro a questo nuovo lavoro e sono cresciuta molto sperimentando e fregandomene del fatto che le canzoni dovessero per forza piacere a qualcuno, mi sono proprio divertita.

Come riesci a fondere e amalgamare i canti/suoni popolari sardi con suoni contemporanei e moderni?

E’ una cosa naturale per me, sono nata e cresciuta fino a 18 anni in Sardegna ed ho sempre avuto un forte legame con la tradizione perché la mia famiglia partecipa a molti eventi in costume, i miei parenti vivono per questo, mia nonna stessa ha lavorato la terra fino a 90 anni, il fratello di mia madre, mio zio è un eremita ha vissuto per anni senza elettricità, gas, e beni primari quindi anche per questo ho un fortissimo legame con la Sardegna che è diventato più forte quando mi sono trasferita a Londra dove la contemporaneità dei suoni e della musica popolare hanno iniziato a convivere e farsi forza insieme.

La tua musica è molto visiva, se penso al testo di “Moonlight” in cui canti: “Come sei finito qui, passando per i rovi a piedi nudi, senza fare rumore” è molto cinematografica, me ne parli?

Il cinema fa parte della mia famiglia, mia sorella è una documentarista, quindi questa parte evocativa, immaginifica legata alla ritualità e all’espressione è radicata in me.

Con la mia famiglia avevamo l’usanza che dopo cena si guardava sempre un film tutti insieme e all’università a Londra ho studiato musica per film.

Però mentre mia sorella è Disney e cartoni animati io sono più per Lynch, Yorgos Lanthimos, Ruben Östlund, gente serena insomma! A Londra abito a Peckham, dove c’è il Peckamplex, l’unico cinema della città che fa ancora proiezioni a 4.99£ quando ovunque costa dai 20£ in su, una follia!

Dal cinema in questo disco in particolare ho portato la narrazione che è ancora più presente che in “NOTTE” dove c’è un flusso in cui abbiamo alimentato molto la parte visiva, in “Nou” a differenza non avevo quest’urgenza di dire determinate cose, ma ho dovuto cercare di cosa parlare.

In “Moonlight” per esempio ho scelto di raccontare la storia delle Janas che in antichità erano delle piccole donne che vivevano nelle grotte e lavoravano l’oro in filigrana, che è il tipico modo di fare gioielli sardi.

Di giorno lavoravano mentre la notte andavano nei villaggi più vicini a incontrare gli uomini e le donne del paese. La leggenda dice che vestivano di rosso e che indossavano tutto l’oro che avevano lavorato, e chi provava a derubarle o a imbrogliarle veniva maledetto e qualsiasi cosa avrebbero toccato da lì in poi si sarebbe tramutata in cenere. Se invece le persone erano oneste con loro gli regalavano gioielli e li benedicevano.

“Moonlight” parla proprio di questo, penso che le Janas siano la perfetta descrizione del popolo sardo in generale, la storia racconta come siamo ovvero diffidenti all’inizio, soprattuto con chi entra in casa nostra, perché siamo abituati ad essere un territorio utilizzato per altri scopi, quindi sin da piccola ho avuto la percezione che chi entra in Sardegna da fuori non ha rispetto nei confronti della popolazione. Vedi cosa succede in Costa Smeralda o pensa al fatto che siamo pieni di basi militari che non si sa quali test stiano facendo.

Aggiungici che noi preserviamo tradizioni millenarie e siamo un popolo che è stato per anni alla ricerca dell’indipendenza. Abbiamo alcuni personaggi tradizionali come i Mamuthones che sono così antichi che non sappiamo nemmeno quando siano nati e da dove vengono ma li tramandiamo. La tradizione di paese fa parte di noi.

Diciamo però che superato lo step della diffidenza quando capiamo che possiamo fidarci diamo tutto, mio padre se gli stai simpatico ti regala persino i tappeti di casa! Assurdo.

Cosa pensa la tua famiglia della tua musica?

Ahah! Allora mio padre non ci ha mai forzato a fare nulla è sempre stato dell’idea che i figli devono fare il loro percorso, quindi il fatto che sia io che mia sorella ci stiamo realizzando facendo quello che vogliamo lo rende orgoglioso.

Tua sorella vive ancora in Sardegna?

No, è tornata a Londra da poco dopo essere stata diversi anni a Roma, ora lavora per una compagnia cinematografica canadese che è stata acquisita da Netflix.

Mia sorella è lesbica e ha vissuto malissimo il periodo in cui era in Italia perché nell’ambiente del cinema c’è un sacco di discriminazione fatta senza nemmeno pensare a chi gli sta davanti, riunioni con persone lgbt+ presenti del tipo: “in questa serie dobbiamo mettere un nero e un gay così la gente non rompe i coglioni”.

Senza contare i discorsi che sentiva nel quotidiano, mi spiace molto per lei perché ha chiesto il trasferimento per fuggire da questa ignoranza che la schiacciava e mia sorella è una persona che cerca sempre il confronto, ma non c’è modo di potersi confrontare tanta è l’ottusità.

Come hai scelto i collaboratori di “Nou” dalla produzione ai guest?

Jasmina per “Moonlight” l’ho scelta perché mi ha colpito il suo lavoro. In Italia, nonostante io sia una persona molto curiosa sono poche le cose mi colpiscono poiché qui si è ancora troppo legati alla forma canzone italiana, e questo mi fracassa tantissimo i cosiddetti.

Arssalendo lo adoro, ha una cura pazzesca per tutto ciò che fa e per questo ho voluto lavorare con lui alla produzione, lo stesso per Giumo e per Milo Merah che ha una voce della madonna. Comunque ho scelto tutto per gusto sonoro.

Chi è Adele?

Adele è una compositrice, produttrice e violinista sarda che non ho ancora conosciuto personalmente ma solo virtualmente. L’ho scoperta guardando una sfilata di Antonio Marras in cui lei ha curato la musica e ha inserito la mia “Venerdì” in chiusura. Mi sono troppo innamorata di lei e del suo lavoro e non vedo l’ora di conoscerla un giorno.

Dove hai scattato le foto del disco?

Con Valeria siamo andate in Barbagia perché conosce molto bene la zona nonostante sia un territorio molto difficile da raggiungere, poiché chi vi abita protegge e custodisce il luogo che secondo me è il posto più sardo che conosca.

La copertina è stata scattata vicino a delle cascate che si chiamano Sa Stiddiosa vicino Seulo, un posto davvero irraggiungibile e poi un lago vicino Sassari. Penso di essere pronta per Pechino Express.

Data la tua conoscenza della cultura e tradizione sarda che è piena di miti e leggende ce n’è uno che preferisci?

Facendo questo disco mi sono molto affezionata a Sula, traccia che chiude l’album, un personaggio di un libro sardo di Sergio Atzeni che si chiama “Passavamo sulla terra leggeri”, libro stupendo che raccoglie storie inventate però ispirate a storie della tradizione sarda e ambientate nella Sardegna antica. L’ho amato così tanto che il personaggio di Sula è finito anche sul vinile perché mi ha affascinato moltissimo, consiglio a tutti di leggerlo ne vale la pena.

Nou è anche una capretta con le ali da farfalla, cosa rappresenta?

Volevo a tutti i costi una capretta perchè ne sono ossessionata, mio padre ne ha 15 anche se non le teniamo in casa, dopo il cane è l’animale che amo di più. Ho deciso di mettergli le ali perchè nel disco ci sono elementi fiabeschi, fantastici e quindi via, ecco la capra con le ali.

L’ultimo disco di cui ti sei innamorata?

“Galore” di Oklou, anche se è un disco del 2020 ma ci ho messo un po’ a scoprirlo e poi mi ha rubato il cuore, è un disco incredibile. Poi l’ultimo di Mura Masa “demon time” è wow e l’EP di PinkPantheress che ho consumato insieme a Shygirl.

BLUEM Live 2023:

15.07 – SANTA SOFIA (FC), RUMORS

20.07 – CASSANO MAGNAGO (VA), WOODOO FEST

29.07 – CORIGLIANO D’OTRANTO (LE), SEI FESTIVAL

04.08 – CETARA (SA), BELLISSIMO FESTIVAL nev 07.08 – NOICATTARO (BA), OCULUS

07.08 – NOICATTARO (BA), OCULUS

01.09 – PIACENZA, BLEECH FESTIVAL

24.09 – ROMA, SPRING ATTITUDE FESTIVAL

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Photo: Ikka Mirabelli

Produzione e intervista: Marco Cresci

All clothes: Maison Margiela

Styling: Giuseppe Di Rosalia

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Non è un caso, dunque, che la storia e la cultura romane siano ancora oggi protagoniste di molte produzioni e contenuti che da esse ne traggono ispirazione. Film, serie TV, videogame, l’Impero Romano è più vivo che mai: ecco dunque le proposte da non perdere. 

L’Antica Roma al cinema: i migliori film di sempre

Le produzioni cinematografiche incentrate su storie, vere o meno, ambientate nell’epoca degli antichi romani sono numerose e in molti casi anche di grande successo. Selezionare i più importanti non è semplice data la grande quantità di titoli usciti da inizio ‘900 fino a oggi, tuttavia se ne possono ricordare alcuni rimasti nel cuore degli appassionati e divenuti vere e proprie icone pop.

Il Gladiatore di Ridley Scott, per esempio, oltre ad aver consacrato Russell Crowe come uno degli attori più amati degli anni 2000, è stato uno dei film di questo genere più visti nelle sale. Merito di una trama toccante, in cui si narra la storia del generale Massimo Decimo Meridio costretto a fuggire e ridotto in schiavitù dopo l’ascesa al potere di Commodo, che fa tra l’altro uccidere la sua famiglia, e di una ricostruzione grafica curata nel minimo dettaglio, elementi che valgono al colossal statunitense ben 5 premi Oscar.

Facendo un salto indietro di 40 anni, troviamo invece Spartacus, film diretto da Stanley Kubrick uscito nel 1960, in cui viene ripercorsa la storia del gladiatore Spartaco, che nonostante la sua condizione di schiavo trova il coraggio di sfidare il potere, mentre del 1951 è Quo Vadis?, nel quale invece il focus si sposta sul conflitto tra Impero e cristianesimo. La pellicola diretta da Mervyn LeRoy non ha portato a casa statuette ma ha ottenuto comunque 8 nomination agli Oscar, oltre al record di film in cui sono stati usati più costumi, ben 32mila.

Le origini e i fasti di Roma protagoniste in TV

Se il cinema non ha perso occasione di omaggiare l’Impero Romano, non da meno è stato il mondo della televisione, che oltre ad aver dedicato numerosi documentari storici all’argomento ha ospitato anche diverse serie TV incentrate proprio sulle vicissitudini dei personaggi più influenti dell’epoca. Il format tanto in voga oggi sulle piattaforme di streaming conta già molte produzioni di successo, come L’Impero Romano, un dramma storico disponibile su Netflix che tra stile documentaristico e narrazione epica ripercorre i momenti più importanti dei regni di Commodo, Giulio Cesare e Caligola.

Molto interessante anche Romulus, che invece si concentra su una fase di molto precedente, ossia quella della fondazione della città di Roma approfondendo ciò che accadeva sul territorio laziale intorno all’VIII secolo a.C. Il racconto vede protagoniste la prima tribù romana – della quale facevano parte anche Romolo e Remo – così come le altre civiltà locali, come quelle sabina ed etrusca.

L’Impero Romano vive anche nei videogame

A utilizzare la storia romana per creare plot sempre più coinvolgenti e intriganti è infine il mondo dei videogiochi, che tra le varie epoche storiche ha scelto spesso proprio quella dell’Impero per fare da sfondo a titoli di vario genere. Pensiamo per esempio a Rome: Total War e Total War: Rome 2, il primo ambientato ai tempi della Repubblica e il secondo nell’età imperiale, due videogame di strategia di grande successo in cui la storia della capitale italiana è il fulcro delle avventure in cui viene catapultato il giocatore.

Grande attenzione al tema viene però dedicata anche da un’altra particolare categoria videoludica, ossia quella dei giochi di casino, dove per esempio di grande successo sono le slot machine online che prendono spunto dai momenti più importanti della storia della città e dei suoi imperatori e personaggi illustri. Qui domina il connubio tra le classiche meccaniche delle slot e l’ambientazione storica, per un mix che sembra funzionare sempre di più visti i numeri registrati dalle piattaforme di settore.

Insomma, a distanza di ben 2000 anni l’Impero Romano riesce ancora ad appassionare ed emozionare tutti e addirittura a essere un modello di riferimento quando si tratta di idee e scelte all’epoca ritenute rivoluzionarie, dall’ingegneria alla moda, ma oggi pienamente immerse nella nostra quotidianità.

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Per tutto il 2022, le piattaforme di cinema e streaming hanno offerto film LGBTQ+ che hanno deliziato gli spettatori. La rappresentazione queer, sia davanti che dietro la telecamera, si è evoluta con intensità quest’anno, sia per evasione che per mostrare uno specchio della nostra cultura. Lo stesso si può dire della TV, che ha visto “Heartstopper” incoronato come il nostro programma preferito del 2022.

10 – Fire Island (Disney +)

“Fire Island” è una versione gay di “Orgoglio e Pregiudizio” di Jane Austen basata sulla mecca gay di Fire Island a New York, già divenuto un classico queer. Il film segue i migliori amici Howie (Bowen Yang) e Noah (sceneggiatore Joel Kim Booster), insieme alla loro famiglia prescelta, mentre salpano per la loro vacanza annuale a Fire Island.

La gioia queer è al centro di questa commedia romantica di Andrew Ahn. Pur affrontando in modo pratico argomenti di razza, immagine corporea e autostima, “Fire Island” riesce a rappresentare in modo autentico la natura edificante di ciò che significa far parte di una chosen family amorevole.

Questo film è puro spasso, impossibile non identificarsi in uno dei suoi personaggi, la scelta perfetta per una serata cinematografica collettiva.

N.9 – “My Policeman” (Prime Video)

Si è parlato sin troppo di Harry Style nel film di Michael Grandage “My Policeman“, adattamento dell’omonimo romanzo di Bethan Roberts in cui Harry interpreta Tom, un bel poliziotto con un segreto nascosto.

Un dramma romantico per lo più ambientato negli anni ’50, quindi in un periodo in cui l’omosessualità era illegale, e che vede il cuore di Tom diviso tra sua moglie Marion (Emma Corrin) e l’amante Patrick (David Dawson).

Con scene di sesso esplicite e tenere, “My Policeman” è la cronaca di una storia d’amore consumata e condannata sulle rive di Brighton. Il film è destinato a lasciarti con gli occhi appannati man mano che questi personaggi invecchiano e il rimpianto del tempo perduto diventa inevitabile.

N.8 – “In from the Side”

“In from the Side” è la storia di una relazione adulterina tra due membri di un fittizio club di rugby gay. Il film esplora i molteplici tipi di legami che possono verificarsi all’interno di un grande gruppo di uomini gay in un ambiente sportivo di squadra apparentemente iper-maschile e aggressivo, illuminando le tensioni emotive molto reali e le pressioni che questo può creare.

La storia è incentrata su Mark, un membro del club relativamente nuovo e inesperto che ha una relazione disfunzionale con il suo partner disinteressato, e il suo coinvolgimento romantico adultero con il giocatore di rugby più esperto, Warren.

In contrasto tra momenti più leggeri e sorprendenti per un debutto a basso budget, il film punta a un melodramma brillante, dove tutto è amplificato mettendo insieme una partita emozionante e altamente omoerotica, giocata sotto la pioggia battente e il fango, con gli uomini che urlano e si contorcono al rallentatore.

N.7 – “The Inspection”

“The Ispection” è un film drammatico americano diretto da Elegance Bratton ispirato alle sue esperienze di vita reale. Il film segue un giovane uomo che affronta l’omofobia, sia in un campo di addestramento dei marines che a casa da sua madre.

Dopo aver superato i testi fisici necessari per diventare un marine, Ellis French si reca nel campo di Parris Island, nel Carolina del Sud. Quando i suoi commilitoni scoprono della sua omosessualità, Ellis è costretto ad affrontare feroci episodi di omofobia e nonnismo.

Il film è stato acclamato dalla critica e la performance di Jeremy Pope ha ottenuto una nomination ai Golden Globe 2023 come miglior attore protagonista in un film drammatico.

N.6 – “All the Beauty and the Bloodshed” (al cinema dal 23 febbraio 2023)

“All the Beauty and the Bloodshed” è il documentario sulla fotografa Nan Golding che ha trionfato alla 79ª edizione della Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia.

La grazia e la profondità delle sue fotografie sono così sorprendenti che sembra che i suoi soggetti queer ci stiano osservando mentre noi li guardiamo, con quella sorta di sguardo trattenuto attraverso il tempo e la cultura che li rende potenti e unici.

È necessario ricordare quanto sia ordinario e radicale un gruppo di adorabili persone trans che fanno un picnic nel parco, o ascoltare, vedere e sentire come l’epidemia dell’AIDS appariva e si avvertiva per le persone lgbt+ che la maggior parte dell’establishment politico americano sperava solo di vedere morire.

La regista Laura Poitras struttura la storia di Nan durante il documentario, muovendosi avanti e indietro nel tempo in una gigantesca giostra girevole delle fotografie di Nan Goldin con un risultato poetico e potente come la sua arte.

N.5 – “The White Lotus: Sicily” (Sky)

Il successo di una serie come “White Lotus: Sicily” denota una voglia generale di leggerezza, tra tante serie cervellotiche o troppo frivole la serie di Mike White trova quel giusto equilibrio tra il voyerismo delle vite degli altri da social e un mistero irrisolto.

Se la stagione 1 aveva diversi aspetti lgbtq+, in “White Lotus: Sicily” si amplificano: c’è la bromance story tra i due migliori amici Cameron e Ethan in vacanza con le mogli, l’amicizia fluida delle due escort Lucia e Mia, la bollente scena di sesso tra Quentin e il suo “nipote” Jack e ancora Valentina che perde la sua verginità lesbo con Mia in modo gioioso e romantico.

Senza svelarvi altro e in attesa della stagione 3, ci auguriamo che la nostra Sabrina Impacciatore diventi famosa in America perché è ora che qualcuno si accorga del suo innegabile talento.

N.4 – “Everything, Everywhere, all at Once” (al cinema)

Un caleidoscopio action movies sul multiverso, “Everything Everywhere All At Once” dei Daniels è il film più sorprendente dell’anno, una vera impresa che spero faccia incetta agli Oscar 2023. L’assurda commedia drammatica segue Evelyn (Michelle Yeoh), il suo sfortunato marito (Ke Huy Quan) e la sua figlia ribelle (la formidabile Stephanie Hsu, mentre la famiglia viene controllata dall’IRS.

Un mix tra commedia, fantascienza e azione con un grande impatto emotivo, ed effetti speciali da far girare la testa. La quota queer di “Everything Everywhere All At Once” si trova in Joy (Hsu). La giovane donna vuole presentare la sua ragazza a suo nonno, arrivato per la festa di Capodanno cinese della famiglia.

Folle ma pieno di speranza, esilarante e straziante allo stesso tempo, “Everything Everywhere All At Once” parla d’imparare ad amare nonostante le disperazioni della vita. Un film che muove quesiti e che resterà nella tua mente per molto molto tempo.

N.3 – “Euphoria 2” (Sky)

Sebbene non sia una rappresentazione accurata della maggior parte delle esperienze queer che abbiam vissuto personalmente al liceo, la trama forte e realistica della provincia Americana di “Euphoria” ha affascinato il pubblico per due stagioni ed è uno dei pochi spettacoli a mostrare le storie dei giovani LGBTQ+ in modo veritiero.

La due volte vincitrice di un Emmy, Zendaya, nella serie Rue, è la vera protagonista della seconda serie, dove viene sviscerato il suo personaggio di liceale dipendente dalla droga che complica la vita delle persone che la amano.

Tutto sempre sbattuto in faccia senza filtri, tra cheerleader, spacciatori, nerd amanti del teatro, giocatori di football, una cam girl e un papà chiuso in se stesso. Certo avremmo voluto vedere un po’ più Jules (Hunter Schufer), ma di sicuro la nuova stagione in arrivo nel 2023 la riporterà alla ribalta, altrimenti ci sarà una vera e propria insurrezione dei fan.

Sicuramente la serie migliore degli ultimi anni, consigliata ai puritani che non vogliono aprire gli occhi sulla realtà.

N.2 – “Tutto Chiede Salvezza” (Netflix)

Risvegliarsi in un centro psichiatrico dopo un TSO e doverci rimanere una settimana. È questo quello che succede a Daniele (Federico Cesari), un giovane romano, dopo un violento scatto d’ira davanti ai genitori al termine di una serata d’eccessi.

Liberamente ispirata all’omonimo romanzo di Daniele Mencarelli, “Tutto Chiede Salvezza” è una serie italiana che prova ad affrontare un tema ancora considerato tabù: quello delle malattie mentali.

La serie segue Daniele in questa difficile settimana portando lo spettatore a chiedersi se il protagonista abbia davvero dei problemi psichiatrici o se è stato vittima di una reazione esagerata.

In sette episodi, ciascuno per ogni giorno della settimana la serie è un incalzante calvario che diventa scoperta di sé, senza rinunciare all’ironia e all’empatia che scaturisce dai “matti” con cui si trova a convivere ognuno con la sua storia personale, a cui si aggiungono medici e infermieri.

La quota queer è interpretata da Gianluca (Vincenzo Crea), che interpreta il “femminielllo” con il padre militare, e lo fa con una delicatezza e con un realismo che ci è entrato subito nel cuore.

N.1 – “Heartstopper” (Netflix)

La serie “Heartstopper” segue la storia d’amore tra due adolescenti, il gay dichiarato ed intellettuale Charlie Spring (Joe Locke) e l’esuberante giocatore di rugby Nick Nelson (Kit Connor). “Heartstopper” è una serie leggera e gioiosa senza conflitti, ed è esattamente ciò che i giovani queer vogliono: venire a patti con la loro sessualità o identità di genere senza traumi esistenziali, ma con naturalezza tramite l’esperienza e la scoperta di se stessi

“Heartstopper” è la serie che avremmo voluto vedere tutti da teenager perché mostra l’omosessualità nel modo più naturale possibile, senza drammi e senza lo spettro delle malattie.

A meno di un mese dalla sua uscita, Netflix ha rinnovato Heartstopper per altre due stagioni, prepariamoci ad innamorarci di nuovo.

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Per me, lo Tzatziki senza aglio fresco, abbondante, che faccia tremare un vampiro già a cinquanta metri di distanza, è un’eresia, come fare sesso senza baciarsi o organizzare una serata Netflix senza patatine in dispensa.

Insomma, aglio e cipolla crudi sono piuttosto demonizzati in cucina e nonostante le proprietà antibiotiche del primo e antiossidanti della seconda, se na fa a meno nel nome di un alito che non risulti anti sociale e a prova di bacio. Inutile dire che se hai un partner è sufficiente condividere la pietanza “agliosa” nel nome del mal comune mezzo gaudio, ma se hai necessità di mantenere attiva la tua routine di partner occasionali, ecco alcuni metodi per rimediare al problema dell’alito cattivo.

Se dopo aver mangiato lo Tzatziki, prima di lavarti bene i denti, sorseggerai un bicchiere di latte intero freddo, ridurrai significativamente le concentrazioni di olii essenziali odorosi di aglio e cipolla all’interno della tua bocca.

Latte scremato e senza lattosio però non funzionano altrettanto bene, quindi occhio ai grassi e alle intolleranze! Fare degli sciacqui con acqua e bicarbonato di sodio, oppure con acqua e succo di limone fresco, neutralizzerà l’odore forte di questi bulbi solforosi proibiti, agendo anche sul ph della cavità orale e inibendo la crescita di batteri causa del cattivo odore.

Un bicchiere di succo di mela, composta di mele o semplicemente una mela a fine pasto, sono rimedi ricchi di enzimi naturali che aiutano a combattere i composti dello zolfo. Il vecchio e caro buon metodo di lavarsi i denti dopo il pasto resta comunque il metodo più efficace, sopratutto se abbinerai lo spazzolino a un nettalingua che ti aiuterà a mantenere una igiene orale impeccabile (e se non hai un nettalingua, spazzola la lingua per alcuni secondi dall’alto verso il baso).

Ingredienti: 500 g  yogurt greco – 1 cetriolo grande – 1 spicchio d’aglio – Qb menta fresca tritata – Qb aneto fresco tritato – Qb olio, sale e pepe

Lava bene il cetriolo e grattugialo grossolanamente, senza pelarlo, dentro una ciotola. Strizza bene la polpa eliminando tutta l’acqua e lasciala colare, dentro a un colino, per alcuni minuti.

Metti la polpa del cetriolo in una ciotola, aggiungi l’aglio schiacciato, ridotto in polpa, e le erbe tritate. Aggiungi anche lo yogurt e mescola con un cucchiaio. Infine aggiungi sale, pepe e un filo di olio extra vergine di oliva a tuo gusto. Conserva in frigorifero fino al momento di consumarlo e… TOH! Mangialo!

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Come sopravvivere a New York se sei improvvisamente single e hai 40 anni? Ce lo racconta la nuova serie queer di Netflix “Uncoupled”

Ci sono i creatori di Sex and the City, Darren Star e Jeffrey Richman, dietro a questa commedia romantica queer con sede indovinate un po’ …a New York City.

“Uncoupled” segue le vicende di Michael (Neil Patrick Harris), un agente immobiliare di successo, dopo che la sua vita viene gettata nel caos grazie al suo partner Colin (Tuc Watkins) che dopo 17 anni lo lascia andandosene, inaspettatamente.

Ci sono i creatori di Sex and the City Darren Star e Jeffrey Richman, dietro gli 8 episodi di “Uncoupled”, commedia romantica queer con sede indovinate un po’ …a New York City!

La descrizione di Uncoupled recita: “Scioccato quando il fidanzato storico lo lascia, un agente immobiliare di New York affronta la prospettiva di ricominciare da capo e di nuovi appuntamenti. Michael deve affrontare così due incubi: perdere l’uomo che pensava fosse la sua anima gemella e ritrovarsi improvvisamente un uomo gay single sulla quarantina a New York City”.

Nel trailer, si vede Michael usare Grindr per cercare compagnia, mentre viene abbordato da una coppia in un locale per un thrreesome e cimentarsi nell’impresa di scattarsi una “dick pic”, ovvero una presa in giro di alcuni clichè del mondo queer.

In otto episodi, Neil Patrick Harris, vincitore del Tony Awards per il musical “Hedwig and the Angry Inch” sarà affiancato dai co-protagonisti Tisha Campbell, Brooks Ashmanskas, Emerson Brooks e Marcia Gay Harden.

Dopo “How I Met Your Mother”, Neil Patrick Harris torna finalmente alla commedia, anche se lo vedremo presto nella serie “Doctor Who” dove vestirà i panni di un cattivo spietato.

In arrivo su Netflix dal 29 luglio.

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È dalla prima serie che sono ossessionato da Stranger Things, sarà che negli anni ’80 ero bambino e sono cresciuto a pane e Spielberg, ma mettete quattro bambini sopra una bmx con una torcia in mano e una fitta nebbia illuminata da un neon e mi avrete conquistato.

Ci sono voluti due anni di attesa, causa pandemia, che diciamolo è stato come una gita nel “sottosopra” e non ci è piaciuta affatto, ma finalmente la stagione 4 di Stranger Things è tra noi, divisa in due volumi, il volume 1 disponibile dal 27 maggio e il volume 2 dal 1° luglio.

Ma attenzione non sarà l’ultima serie di Stranger Things, il produttore Shawn Levy ha annunciato che sarà la stagione 5 a chiudere il cerchio.

Nonostante avessi a disposizione i primi 7 episodi, ovvero l’intero volume 1, ne ho visti 4 perché non sono un amante del binge watching, quando una serie mi piace particolarmente, preferisco centellinarla perché non vorrei finisse mai.

Stranger Things 4 ci riporta sei mesi dopo la fine della stagione 3, ovvero dalla battaglia di Starcourt che ha portato terrore e distruzione a Hawkins, facendo perdere i poteri a El (Undi se la guardata in italiano).

Siamo nel 1986 e i nostri adolescenti preferiti si preparano ad affrontare le conseguenze di quanto successo ed i protagonisti si separano per la prima volta. Non vi diremo dove vanno ne con chi ma possiamo dirvi che sono vestiti in modo davvero davvero ’80 e che Stranger Things 4 inizia in modo leggero, tutto scorre pacifico in una routine fatta di amori, bullismo e gerarchie da college, tanto che per un attimo ci dimentichiamo del sottosopra.

Ho detto per un attimo però perché quando arriva lo farà nel più pauroso dei modi, Stranger Things 4 è la serie che più vira all’horror con tutti i riferimenti possibili al genere che negli anni ’80 era più di moda, con tanto di sembianze del nuovo “mostro” a ricordarci quelle di Freddie Kruger, in una versione più demoniaca.

Stranger Things 4 Volume 1 è piena di suspense, eccitante, divertente e allo stesso tempo spaventosa da morire.

La storia prende presto un culmine febbrile, con una narrazione così avvincente che diventa impossibile non esserne voraci.

Se vi dico che Hopper (David Harbour) dopo aver salvato Hawkins è vivo e prigioniero in Russia non vi svelo nulla che non avete già visto, ovvio è che farà arrivare sue notizie a Joyce (Winona Ryder) e che partirà una spedizione per salvarlo che non sarà priva d’insidie. Ma non vi dirò chi ne farà parte.

El (Milly Bobby Brown) ha perso i suoi poteri, in piena crisi adolescenziale ed esistenziale, derisa dai compagni come la nerd che t’impietosisce e di cui vorresti prendere le difese, tipica delle commedie USA ambientate al college. Persino Mike (Finn Wolfhard), Dustin (Gaten Matarazzo) e Will (Noah Schnapp), sono spiazzati dal suo comportamento.

Max (Sadie Sink) se la vede più brutta di tutti e sarà al centro della serie, mentre il suo Lucas (Caleb McLaughlin) entrando nella squadra di football passa da looser a popolare, a discapito delle sue amicizie…

Nancy (Natalia Dyer) e Robyn (Maya Hawke), il cui personaggio porta alta la bandiera LGBTQ+, diventeranno le detective pronte a sacrificare tutto per sconfiggere il male, con una scena/interrogatorio ad un killer in carcere (interpretato da Robert England), che omaggia “Il Silenzio degli Innocenti”.

Il potere che Stranger Things aveva prima è tornato, in pieno vigore, come un ritorno alla forma di ciò che lo ha reso speciale. È sinistro, divertente ma soprattutto sincero.

La nuova minaccia è tangibile e legata alle stagioni precedenti, così questi primi episodi ci offrono un ulteriore occhio sul passato di El chiudendo alcune delle trame aperte dai suoi esordi.

Nel primo volume della serie 4 ogni gruppo di protagonisti avrà le sue vicende da portare avanti, interconnesse tra loro e che, immancabilmente, andranno a riunirsi il prossimo luglio, coi due episodi finali. Una formula che funziona e che ne guadagna grazie al minutaggio esteso di ogni puntata.

La stagione 4 di Stranger Things non corre mai, prendendosi il suo tempo per raccontare ogni dettaglio ma riuscendo a tenerti incollato allo schermo. Lunga vita ai Duffer Brothers per aver ideato la serie delle serie.

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Con i suoi primi otto episodi, Russian Doll ha scavato nelle menti di due newyorkesi stanchi, Nadia (Natasha Lyonne) e Alan (Charlie Barnett) e tornando indietro, i creatori Lyonne, Amy Poehler e Leslye Headland hanno ottenuto qualcosa di inebriante, snervante e spettacolare che è culminato in un finale perfetto.

Avevamo perso le speranze eppure, tre anni dopo, ecco che arriva una seconda stagione di Russian Doll, ma cosa si sono inventati gli autori per tenerci di nuovo incollati allo schermo?

Nella prima stagione Nadia e Alan finiscono in un limbo e non riescono a smettere di morire per poi tornare in vita tutte le volte nel giorno del 36esimo compleanno di Nadia, ecco la seconda stagione si apre a poche settimane dal suo 40esimo.

Nadia è sempre schizofrenica e sta ancora fumando sigarette una dietro l’altra per l’East Village mentre Alan va alla ricerca dell sua sessualità. Ma cosa può succedere nella seconda stagione: Nadia e Alan iniziano a ripetere un giorno diverso?

Piuttosto che trasformarla in un Phil Connors dai capelli rosso fuoco, la nuova stagione manda sia Nadia che Alan in viaggi molto più indietro nel tempo a bordo della metropolitana, che funziona da tramite temporale.

Tutto comincia con il suo sbarco nell’East Village intorno al 1982, dove specchiandosi si renderà conto di essere sua madre Nora, (Interpretata magistralmente da Chloë Sevigny, quì presente rispetto al cameo della prima stagione ), per poi spostarsi in Ungheria durante la seconda guerra mondiale, mentre Alan finisce nella Germania degli anni ’60 dove si vedrà nei panni di sua nonna.

I 7 nuovi episodi finiranno per diventare un frenetico avanti e indietro negli anni, in cui Nadia cercherà di mettere a posto i misfatti di famiglia legati ad un antico tesoro rubato.

Il viaggio nel tempo funge anche da metafora della malattia mentale che attraversa la famiglia di Nadia, e della sua paura di aver ereditato la schizofrenia di sua madre Nora.

Non voglio fare spoiler, ma posso dire che Russian Doll è ancora una volta una serie diretta, senza filtri, così come la sua protagonista che ci da quasi fastidio per il suo essere così caotica, ma che alla fine porta lo spettatore ad avere una sorta di sindrome di Stoccolma che gliela farà amare. Ovviamente non mancherà la sua amica esuberante Maxine (Greta Lee) e la madrina Ruth (Elizabeth Ashkley), uno dei personaggi chiave di questa seconda stagione.

Anche il finale di questa stagione farebbe sembrare la serie conclusa, (ed onestamente ci speriamo), ma a questo punto tutto è possibile, magari dopo un viaggio nel tempo Nadia e Alan saranno rapiti dagli alieni!

Tutti e sette gli episodi della seconda stagione di Russian Doll li trovate su Netflix dal 20 aprile

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Bridgerton 2 segue le vicende del Visconte Anthony Bridgerton (Jonathan Bailey, attore britannico dichiaratamente gay), unico vero bono della serie,  primogenito della omonima famiglia nonché capofamiglia dopo la morte del padre, nella sua ricerca di una moglie perfetta che possa rispondere ai suoi canoni e possa anche fare le veci della madre nella gestione della casa. 

La ricerca, tuttavia, prenderà fin da subito delle pieghe inaspettatamente complesse a causa dell’arrivo, dall’India, delle sorelle Kate Sharma (Simone Ashley) ed Edwina Sharma (Charithra Chandran).

Durante la stagione dei corteggiamenti indetta dalla Regina d’Inghilterra, Anthony si trova in mezzo a due fuochi: da una parte l’indole di salvaguardare l’onore della famiglia corteggiando il Diamante della Stagione Edwina, dall’altro l’amore per la sorella Kate la quale fa di tutto per opporsi alla loro unione.

Le iniziali frecciatine verbali e fisiche tra i due, non fanno altro che avvicinarli sempre di più peggiorando le cose per entrambi e per l’intera società aristocratica inglese.

Tuttavia non ci sono solo i Bridgerton in questa storia, ma anche i Featherington che si trovano a dare il benvenuto al loro nuovo erede, dopo la morte di Lord Featherington, e con Penelope (Nicola Coughlan) che deve riuscire a muoversi sapientemente nei salotti dell’alta società cercando di nascondere il suo alter ego di Lady Whistledown anche davanti ad amici e parenti.

Bridgerton 2, quindi, pone nuovamente una lente di ingrandimento sull’alta società londinese mostrandone pregi, difetti e segreti, ma questa volta si interessa alla vita di un uomo che troppo presto si trova a vestire i panni di Visconte di una delle famiglie più ricche e potenti di Londra.

Anthony viene ritratto come una persona forte solo esternamente, poiché dentro nutre numerosi traumi e complessi che non vuole mostrare esternamente per il bene della famiglia e del buon nome della stessa.

A differenza delle sorelle (in questa stagione tocca a Eloise interpretata dall’attrice Claudia Jessie), lui non viene costretto a debuttare in società affinché possa trovare una moglie che ne possa innalzare la dote e il livello sociale.

Essendo un maschio ha già un posto fisso nella società e quindi anche la libertà di scegliere quando e con chi sposarsi, ma è proprio l’avvicinarsi di un’età troppo adulta per l’epoca (ci troviamo sempre in una rivisitata età della Reggenza, ovvero gli anni dieci dell’Ottocento) che lo spinge a sbrigarsi per far sì che la dinastia possa proseguire.

Shonda Rhimes ha svolto, nuovamente, un lavoro attento e meticoloso nella realizzazione dei costumi e delle ambientazioni della Londra dell’epoca.

Visivamente è tutto perfetto e una vera gioia per gli occhi, anche grazie a un sublime uso della macchina da presa che accentua sapientemente i primi piani e gli sfarzosi e magnifici ambienti. Contemporaneamente Rhimes compie un passo molto audace mostrando una società aristocratica totalmente differente da quella narrata nei libri di storia.

Già dalla prima stagione, infatti, Bridgerton ci ha fatto capire come la volontà della creatrice sia quella di ribaltare le nostre aspettative sull’epoca in cui è ambientata l’opera di Netflix. 

Se la parola chiave della prima stagione di Bridgerton era “semplicità”, quella della seconda stagione è “audacia”. Inaspettatamente, la nuova produzione diviene più matura, coinvolgente, seria e si allontana da classici cliché che avrebbero potuto rendere la storia debole o poco interessante.

Ci sono varie storie che si intrecciano oltre alla principale, e sono tutte intriganti perché mostrano lotte interiori, debolezze, vizi e voglia di evasione nascoste da maschere destinate a rompersi per il bene dei propri ideali e dei propri sentimenti. La seconda stagione di Bridgerton, pertanto, resta elegante, sfarzosa, pittoresca e brillante, ma consente allo spettatore di emozionarsi, di divertirsi, di riflettere e di sognare.

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Andy Warhol con molta probabilità avrebbe adorato l’IA. In fondo lui è sempre stato il re indiscusso della pop art. Ha trascorso la maggior parte della sua vita nella cultura del consumo, passando dalle Brillo Boxes, le Campbell’s suop can e alle celebrity serigrafate.

Nella serie l’IA viene usata per ricreare la voce di Warhol con il suo accento di Pittsburgh e la sua cadenza inconfondibile, per narrare stralci della sua vita.

The Andy Warhol Diaries, prodotto da Ryan Murphy, è un documentario suddiviso in sei episodi che mettono in luce alcuni aspetti della vita dell’artista partendo dalla sua infanzia a Pittsburgh.

“Sono solo un mostro”, dice Warhol a un certo punto durante il trailer. “Non ero molto vicino a nessuno. Anche se, immagino che volessi esserlo”.

Negli episodi vengono toccate anche tutte le epoche successive, evidenziando alcuni momenti che lo hanno portato ad essere un artista e una celebrità, come quelle che ritraeva e adorava circondarsi. Sebbene Andy Warhol fosse una figura straordinaria, super attiva e prolifica come artista, regista, editore e icona, era estremamente riservato riguardo alla sua vita personale. 

Andy Warhol iniziò a scrivere i suoi diari subito dopo essere stato vittima della pistola della scrittrice Valerie Solanas nell’attentato del 1968. La serie espone alcuni temi come la sua sessualità, la sua amicizia con l’artista Jean-Michel Basquiat, il suo rapporto con la chiesa e la fede. Il documentario contiene anche interviste di amici e persone che l’hanno vissuto come John Waters e Rob Lowe.

The Andy Warhol Diaries uscirà il 9 marzo su Netflix. Guarda il trailer qui sotto.

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Per renderti più facile abbuffarti con i nuovi contenuti LGBTQ+ che le feste del 2021 hanno da offrire, ecco la lista di tutto quello che non puoi perdere e da aggiungere ai tuoi film preferiti a tema natalizio. (In aggiornamento).

“Single All the Way” (Netflix)

Diretto da Tony Award Michael Mayer e interpretato da un cast che include Michael Urie (“Ugly Betty”) e le leggende del cinema comico Jennifer Coolidge (iconica ne “La Rivincita delle Bionde” di cui è in arrivo un nuovo sequel) e Kathy Najimy (“Hocus Pocus”).

“Single All the Way” è l’atteso primo film LGBTQ+ natalizio di Netflix, già disponibile sulla piattaforma.

La pellicola racconta la storia di un uomo gay di nome Peter che vuole a tutti costi evitare il giudizio della sua famiglia sul suo perpetuo status di single, insomma vuole evitare la nonna che a tavola davanti a tutti ti chiede: “Ti sei fidanzato?”.

“The Bitch Who Stole Christmas” (VH1)

RuPaul, icona televisiva vincitrice di ben 11 Emmy e creatrice di Drag Race, arrivata da poco nella sua chiacchierata versione italiana, quest’anno si guadagna il favore dei gay pubblicando il suo speciale per le vacanze per VH1, giustamente intitolato “The Bitch Who Stole Christmas!”.

Una parodia de “Il Grinch” che non sta solo nel titolo, il film racconta di una giornalista di moda maniaca del lavoro che da una grande città viene inviata in una piccolo paese ossessionato dal Natale in cerca di uno scoop.

MamaRu si ritroverà in mezzo a casalinghe spietate, “Winter Ball”, competizioni e complotti per distruggere il Natale.

Tra i protagonisti molte facce note provenienti dall’esercito Drag Race, tra cui Michelle Visage, Ginger Minj, Latrice Royale, Chad Michaels, Laganja Estranja, Manila Luzon e tante altre Queen.

“With Love” (Amazon Prime Video dal 13 dicembre)

Dopo essere stata acclamata dalla critica come co-showrunner per il reboot della serie “Giorno per Giorno” riproposta in una versione queer-inclusive, Gloria Calderón Kellett collabora con Amazon Studios per portarci “With Love”, la prima miniserie natalizia di Prime Video con un cast e trama LGBTQ+.

La serie racconta la storia della famiglia Diaz, che comprende una coppia gay, nonché una delle prime storie d’amore transgender mai apparse in una commedia romantica.

Cinque episodi in cui la famiglia Diaz fa un giro attraverso tutti gli alti e bassi della vita, durante alcune delle festività più intense dell’anno.

“Christmas on the Farm” (Stan)

L’attore non binario Hugh Sheridan nel suo primo ruolo gay, in questa commedia a tema natalizio australiana.

Il film parla di Clementine Jones (Poppy Montgomery), un’autrice australiana il cui libro sul ritorno alla natura in una felice fattoria del Queensland è stato acquistato da importanti editori di New York. Ma il problema è che è una bugia. La verità è che “Clementine” è in realtà sua figlia Emmy Jones, una newyorkese che ha basato il libro sui diari della defunta madre.

Quando gli editori annunciano di voler vivere un autentico Natale “clementino” australiano prima di firmare l’accordo, Emmy deve tornare di corsa alla vecchia fattoria di famiglia, coinvolgendo suo cugino David (Hugh Sheridan) e suo marito Miles (Nicholas Brown) per aiutarla a mantenere la copertura.

“Il Natale di Mariah: la magia continua” (Apple TV+)

Poteva forse mancare lo speciale bis della regina delle feste Mariah Carey? Dopo “La magia del Natale con Mariah Carey” arriva sempre su Apple TV+ “Il Natale di Mariah: La magia continua” l’attesissimo speciale natalizio in cui l’iconica artista pluri-vincitrice di Grammy interpreterà per la prima volta in esclusiva il nuovo singolo “Fall in Love at Christmas”.

Mariah Carey sarà affiancata da Khalid, e dalla leggenda Kirk Franklin. Insieme, trasmetteranno lo spirito del Natale ai fan di tutto il mondo.

La regina del Natale eseguirà anche una nuova versione di uno dei suoi brani più amati, “Christmas (Baby Please Come Home)”. Lo show natalizio includerà un’intervista esclusiva condotta da Zane Lowe di Apple Music alla Carey, insieme ai gemelli di 10 anni, Moroccan e Monroe. Mariah condividerà con il pubblico i momenti che preferisce del Natale, e celebrerà il successo del suo classico natalizio “All I Want For Christmas Is You”.

Sentite anche voi il tintinnio dei campanelli?

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Ecco 5 artisti queer che sono passati dalle pagine di TOH! magazine e che da sempre portano alta la bandiera combattendo per difendere la loro e le nostre identità:

Kat Cunning

Balla, recita, scrive e ora canta. Kat Cunning è la popstar non-binary che dopo aver recitato al fianco di James Franco e J.Lo, cerca di educare il mondo del pop alle tematiche queer con Boys, canzone tributo all’identità transgender. 

Forse non conoscete ancora la sua musica ma avrete sicuramente visto Kat Cunning dallo schermo di qualche vostro device, soprattutto se siete dipendenti dalle serie. 

Ha recitato in The Douce – Le vie del Porno, prodotto da HBO al fianco di James Franco e Maggie Gyllenhaal, nella serie tv Trinkets di Netflix, e tra poco sarà sul grande schermo in Marry Me dove interpreterà l’assistente di J.Lo.

Oggi Kat Cunning sta aspettando di pubblicare l’ EP di debutto, Idol Hands, anticipato dal singolo Boys, un lavoro autobiografico che racconta storie vere che servono a far aprire gli occhi sul mondo LGBTQIA+ o ad aiutare giovani persone queer in difficoltà, come a creare una safe zone. Leggi qui cosa ci ha raccontato.

Vergo Queer Music

Vergo, all’anagrafe Giuseppe Piscitello, dopo l’avventura a Xfactor 2020 è uscito con un nuovo singolo che si chiama Altrove, dove il suo beat sexy unito alla voce carismatica e alla teatralità dei suoi gesti si incontrano in una canzone dal sapore latino.

Cresciuto a Villabate, paese ai piedi di Palermo, da sempre Vergo è circondato dalla musica, orientato dagli ascolti più vari e coloriti.

Vergo, nelle sue canzoni, invita se stesso e chi lo ascolta a liberarsi dalla paura del giudizio altrui, a sciogliere le catene lasciandosi andare completamente al ritmo caldo di un reggaeton romantico e mediterraneo. Queer Music

Leggi qui la nostra intervista

Arlo Parks queer music

Dal Guccifest in veste d’attrice, al suo esordio discografico “Collapsed In Sunbeams” che ha vinto il Mercury Music Prize 2021. Si dice che Arlo Parks, londinese di Hammersmith, sarà tra le rivelazioni dell’anno. Lo penso anche io e ne sono ancor più convinto dopo averla intervistata.

Canzoni come poesie, sussurrate, intime e scritte col cuore a mente libera, con una delicatezza che non si sentiva da tempo nel pop. Da un po’ si parla di Arlo Parks, da quando nel 2018 uscì il suo primo brano Cola, con cui attirò subito l’attenzione. 

A questo aggiungiamoci il suo carattere deciso, la sua bisessualità dichiarata, e il suo essere cool senza nessuno sforzo. Non ha caso è stata voluta da Alessandro Michele in un episodio del Guccifest e poi in veste di regista per un corto della sua maison.

Collapsed In Sunbeams è l’esordio di Anaïs Oluwatoyin Estelle Marinho in arte Arlo Parks, classe 2000, clicca qui per sapere cosa ci ha raccontato in merito.

Voodoo Kid queer music

Credo che dualità sia la parola che ha più accompagnato questa intervista con Voodoo Kid: il bene e il male, maschio e femmina neutralmente racchiusi nella parola Kid e testi che immortalano un malessere molto personale e la voglia sia di accoglierlo che di evaderlo. Amor, Requiem è stato sicuramente uno dei dischi italiani del 2020, quindi se non conoscete Voodoo Kid correte a rimediare. 

Ma prima leggete la nostra intervista qui.

David Blank

David Blank è uno tra i pochi artisti italiani ad avere una voce e un attitude da star internazionale. 

Nato nelle Marche, ha viaggiato per il mondo prima di arrivare a Milano dove il suo talento ha incantato anche la Disney che l’ha voluto per la colonna sonora del film Premio Oscar “Soul”. 

L’abbiamo intervistato in occasione del suo nuovo ep Exhale, clicca qui

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Questa opportunità ci ha però dato l’occasione di incontrare sia i registi Javier Ambrossi e Javier Carlo e la co-protagonista Lola Rodrìguez “Valeria” nella serie, con cui abbiamo fatto due chiacchiere su quella che per noi è stata la serie dell’anno. 

Se non la conoscete, Cristina Ortiz Rodríguez, meglio conosciuta come La Veneno, è stata ed è una delle icone LGBTQI più conosciute e amate in Spagna. Se non conosci la serie clicca qui

Prostituta transessuale, sboccata e bellissima, la sua popolarità esplode quando ospite ad una trasmissione della rete tv Telecinco mostra il seno in diretta facendosi amare da tutta la Spagna.

Ma la serie di Javier Ambrossi e Javier Calvo (quelli di Paquita Salas, su Netflix), oltre a seguire la vita dai suoi esordi, al successo, alla decadenza de La Veneno, (interpetata da tre attrici magistrali: Jedet, Daniela Santiago e Isabel Torres), segue altre storie parallele tra cui quella di Valeria Vegas, studentessa transgender super fan della Veneno che quando riesce finalmente a conoscerla decide di scrivere un libro sulla vita, (anche questa è una storia vera).

Non vogliamo spoilerarvi troppo ma Lola Rodrìguez ha un percorso molto vicino a quello di Valeria Vegas, a tredici anni con il supporto della famiglia inizia la sua transizione così come il personaggio che interpreta nella serie, che trova il coraggio di essere sé stessa al fianco di Cristina La Veneno.

Una serie coraggiosa, cruda, vera, pop e indispensabile, sperando possa trovare presto spazio nella distribuzione italiana, ne abbiamo parlato con la talentuosa Lola Rodrìguez che dal vivo è dolce, vera e solare proprio come appare nella serie. 

Ciao Lola come stai?

Bene grazie, adoro l’Italia ci sono stata anche in vacanza l’estate scorsa e sono felicissima di essere qui a presentare La Veneno. 

Che effetto ti fa essere qui oggi a parlare di una serie che è uscita in Spagna nel 2020?

Siamo appena usciti dalla presentazion ed è stato bellissimo, sono rimasta sopraffatta dall’accoglienza e mi sono anche commossa. (lo è ancora visibilmente n.d.g.) 

Ti faccio i complimenti per la serie che ho visto come tutti i gay “sgamati” italiani!

Hahahahahaha voi ragazzi! Batti il cinque! 

Credo che tu sia stata fantastica nella serie, ci hai fatto ridere e piangere. Quanto sapevi della storia de La Veneno prima di essere coinvolta nella serie?

Quando ho cominciato la mia transizione, avevo 8 o 9 anni, cercavo da sola informazioni su internet a proposito di persone trans, e Cristina è stata una delle prime che ho trovato.

Per me è stata sì una referenza ma è stato anche come se in lei vedessi me stessa, lei ha avuto una vita dura e ricordo che pensavo a quanto fosse forte e se io avrei mai avuto la forza di passare tutto quello che le è capitato.

Ma la verità è che è stata lei a darmi la forza, perché ho pensato che se è riuscita lei potevo farlo anche io quindi la sua storia mi ha aiutato moltissimo. Penso che nella nostra società sia molto importante parlare della nostra comunità e del modo in cui siamo trattati e di come venivamo trattati negli anni ’90 quando l’unica opzione per le trans di lavorare era prostituirsi.

Lei è andata in televisione, l’abbiamo vista tutti con i nostri occhi e ha cominciato a parlare di problematiche di cui prima nessuno aveva mai parlato. La Veneno per me è strabiliante.

C’è un aspetto della sua storia in cui ti relazioni particolarmente?

Cristina era alla ricerca costante d’approvazione e d’amore nei confronti della sua famiglia, e io non posso immaginare di essere dove mi trovo ora senza il supporto che ho avuto da parte della mia.

Il desiderio che aveva di essere amata è qualcosa su cui posso basare tutta la mia vita, quindi quando penso che lei non è riuscita ad ottenerlo, do ancora più valore al supporto che io ho avuto.

Per me è assurdo che ci possono essere ancora oggi persone che vengono addirittura allontanate dalla famiglia e quando mi sento dire:”sei stata fortunata” mi arrabbio perché non si tratta di avere fortuna ma di qualcosa che dovrebbe essere normale accettare. 

Com’era lavorare in un set circondata da attrici trans?

Incredibile! Come essere a casa tutto il tempo. In università ero l’unica persona trans quindi ha cambiato la mia vita perché sono passata da un luogo in cui ero quella con l’etichetta ad un’altro dove non ce n’erano e mi sentivo totalmente libera. Eravamo sempre noi stesse senza che nessuno ci dicesse se eravamo giuste o sbagliate, e non c’erano trans solo tra le attrici ma anche in tutta la produzione, c’erano trans dappertutto è stato fantastico e mi ha reso molto forte. Porterò questo ricordo per sempre con me. 

Come è stato interpretare il tuo personaggio durante la transizione?

E’ stata una sfida ma avendo iniziato la mia transizione giovanissima ero sicura di me, non mi ha trascinato nell’oscurità perché ho avuto il coraggio di guardare me stessa e il mio passato e arricchirmene diventando più forte.

Non ho paura di vedere me stessa mascolina, o il mio corpo, ho capito che anche questa è una bellissima parte di me stessa e che come appaio esteriormente tramite la mia immagine non deve essere sempre la rappresentazione di mes stessa, io sono Lola con la barba o senza, con il seno o senza, o qualsiasi altra cosa.

Devi credere in te stessa e nessuno ti potrà togliere niente, c’erano cose di cui avevo paura ed ero vulnerabile ma ora non ci sono più perché ho imparato che nessuno puà cambiare chi sono. 

Valeria, il personaggio che interpreti, è determinato, appassionato, affascinante e illumina la scena anche nei momenti più drammatici, come ti sei avvicinata al personaggio?

Ricordo che mentre leggevo il copione di Valeria ho piant moltissimo, mi sentivo rappresentata totalmente era come leggere la mia vita, la sua transizione era la mia, i suoi dolori anche, è stato come un viaggio personale in cui ho esposto totalmente me stessa. Penso che interpretare Valeria mi abbia cambiato molto, non avrei potuto interpretarla in altro modo. 

Vi aspettavate un successo così grande con la serie, avete vinto anche un GLAAD Media Award per la miglior sceneggiatura!

No, nessuno se lo aspettava! Stavo studiando psicologia quando mi hanno chiesto: “Hey, vuoi partecipare a un casting?” Mi sembra ancora tutto così irreale. E’ una serie spagnola non pensavamo avrebbe avuto questa risonanza internazionale. 

Qual è il tuo rapporto con la moda, di recente hai partecipato alla campagna globale inclusiva di Calvin Klein…

Penso che la moda sia un po’ come recitare perché ti da modo di veicolare messaggi nella società, ti permette d’infrangere le regole, rompere gli schemi, portare avanti i problemi della società facendo arte. Penso che grazie a La Veneno sono molto più connessa con la moda di prima. 

Dove ti vedremo prossimamente?

Ho fatto un film per Amazon Prime che s’intitola “Poliamor Para Principiantes” che al momento è uscito in Spagna e poi una serie Netflix che si intitolerà “Bienvenidos a Edén” abbiamo appena finita la prima stagione ma saranno 4. 

Puoi anticiparmi qualcosa di questa serie?

E’ ambientata su un’Isola, dove alcune persone molto attive sui social vengono invitate a partecipare al party più esclusivo mai reaizzzato, ma il paradiso non è così roseo come sembra…

La canzone che ti ha cambiato la vita:

“What’s Up” dei 4 Non Blondes è una canzone che ha segnato i miei anni da teenager e mi ha aiutato molto. 

L'articolo Lola Rodrìguez è la rivelazione di Veneno proviene da Toh! Magazine.

Un punto di riferimento per la comunità queer milanese e italiana che, come ogni anno, propone una rassegna – non solo di cinema – che fotografa i grandi e piccoli temi che caratterizzano la cultura LGBTQ+. 

Il MiX Festival, di cui Toh! Magazine è media partner, ritorna in forma ibrida in tre diverse location : Piccolo Teatro Strehler, il Teatro Studio Melato e il cortile di Palazzo Reale che ospiterà la Flying Tiger Mix Young Arena. Inoltre il Festival potrà essere seguito in streaming tramite la piattaforma online Nexo+.

Cosa vedremo nei tre giorni del MiX Festival?

Di sicuro i premi più attesi che caratterizzano il festival, dal premio More Love, consegnato a chi ha speso la sua vita lottando contro ogni tipo di odio e discriminazione, che verrà assegnato alla senatrice Liliana Segre. 

E poi i premi Queen of Comedy e Queen of Music, rispettivamente a Veronica Pivetti e Francesca Michielin, quest’ultima sarà premiata da Ema Stokholma, madrina della serata conclusiva del Festival. 

Tanti eventi speciali, come l’anteprima della serie tv spagnola rivelazione  Veneno, e tanti incontri con personaggi, influencer e intellettuali che, con il loro lavoro, si battono per portare la cultura queer nel mondo.

Non mancano di certo, come di consueto, i tre concorsi che negli anni, dal 1986 ad oggi, hanno fatto e continuano a far conoscere al pubblico opere e cineast*, affermati e non. Lungometraggi, Documentari e Cortometraggi: queste le tre sezioni che costituiscono una kermesse di oltre settanta titoli da tutto il mondo e giudicati da tre giurie presiedute da Juliette Canon, Pilar Monsell un gruppo di giovani universitari rappresentanti lo spettro della comunità LGBTQ+. 

Tra lungometraggi e documentari, Valentina e Madalena sono le prime due anteprime italiane che apriranno il festival.

Ma troveremo anche Swan Song con il mito di Udo Kier, Aos Nossos Filhos di Maria de Medeiros e Jump Darling di Phil Connell. 

Film già acclamati in molti festival internazionali come Feast, sul caso HIV di Groningen, il bel Glück di Henrika Kull e Poppy Field del rumeno Eugen Jebeleanu. 

Spazio anche alla ricostruzione del passato, con un gruppo di opere che ripercorrono la storia del movimento LGBTQ+ in diverse parti del mondo. Mix Festival

Sette sezioni per i cortometraggi che spaziano tra i più svariati temi, con protagonist* alla ricerca della propria libertà e identità, mantenendo anche uno sguardo rivolto al pubblico più giovane.

E accanto alle proiezioni, incontri, discussioni, musica, cabaret e spettacoli dal vivo con MiX Book Klub e MiX Music! 

Torna al MiX festival anche il consueto spazio dedicato alla musica, MiX Music!. Ospiti d’eccezione saranno i Melancholia che, dopo aver confezionato la sigla Love Matters dell’edizione di quest’anno, saliranno sul palco dello Strehler nella serata conclusiva del 19 settembre e accompagneranno l’assegnazione dei premi finali con il loro rock graffiante.

MiX Music! è la programmazione musicale del MiX, a cura di Simone Bisantino e Protopapa, già lanciata nella precedente edizione, che animerà le notti del festival di quest’anno non solo sul palco dello Strehler ma anche nell’inedita “Flying Tiger Mix Young Arena”.

Nel cortile di Palazzo Reale, con la collaborazione delle più importanti crew della scena musicale italiana e la partecipazione degli artisti che più rappresentano l’identità  poliedrica del Festival, a favore dell’intersezionalità e dell’inclusione.

Durante le quattro giornate MiX Music! con una programmazione che guarda al panorama musicale giovanile ospiterà il glam-pop elettronico di Sem & Stenn, l’R&B vellutato di David Blank e la disco retro-futurista di Thomas Costantin. MiX Music! si farà sentire anche attraverso le sperimentazioni elettroniche, con il reggaeton romantico di Vergo, le sperimentazioni audio-visive di NAVA e il pop raffinato di Blue Phelix.

Sul palco dello Strehler anche le performance creative di Ella Bottom Rouge e la sua scuola di burlesque Rogue Academy e della crew di DRAMA Milano, noto queer cabaret milanese.

Inoltre, in occasione del 40° anniversario del mitico Club Plastic, sarà consegnato il 17 settembre un premio speciale in memoria di uno sei suoi fondatori, Lucio Nisi.

Non mancheranno poi le performance che animeranno il sagrato del Teatro, a cura della compagnia Dogma Theatre e dell’artista Nicola Mette

La 35a edizione del MiX Festival riapre i battenti all’insegna del motto Love Matters, includendo non solo le vite della comunità queer, ma anche di tutte quelle minoranze che ancora oggi, in ogni parte del mondo, si battono per vedere riconosciuti i propri diritti. 

Un festival all’insegna dell’inclusione, dell’amore e dell’accettazione che diventa sempre più imprescindibile, pronto a tingere di colori la metropoli milanese. 

Non ci resta che aspettare che si aprano le danze del MiX Festival, e seguirlo con Toh! Magazine dal 16 settembre.

Testo di Giuseppe Di Rosalia

Le proiezioni del MiX festival consigliate da TOH! Magazine

Aos Nossos Filhos

Regia di Maria de Medeiros
Lungometraggio, 107’. Brasile, 2019

Sabato 18 Settembre, ore 20.00.
Piccolo Teatro Studio Melato

Tratto da un’opera teatrale di Laura Castro, qui in veste di attrice nel ruolo di Tânia e sceneggiatrice accanto a Maria de Medeiros, nota attrice e regista portoghese, Aos Nossos Filhos – come il titolo di un noto canto di lotta brasiliano – è un ritratto intergenerazionale che racconta molto dei nostri tempi.

Da un lato troviamo Vera, ribelle ai tempi della dittatura militare brasiliana e ora coordinatrice di una ONG, un rifugio per orfani da AIDS, dall’altro la figlia Tânia, aspirante giudice – non televisivo – che insieme alla compagna sta tentando la strada dell’inseminazione.

Quello di Maria de Medeiros è un film che racconta una storia di donne e al contempo investiga in maniera puntuale su questioni come la maternità, la democrazia – l’ombra di Bolsonaro, l’accettazione del lutto, lo stigma dell’HIV, l’adozione e le coppie omogenitoriali.

Senza morale o dispensare verità, ma con passo felpato – come il gatto della prima inquadratura – fornendo spunti interessanti.

Su tutti, sembra emergere lo scontro generazionale: da un lato chi ha combattuto le sue battaglie e fatica a comprendere quelle odierne, dall’altro nuove generazioni che sembrano poco predisposte alle critiche e al dialogo.

Così una madre graffiante viene allontanata se esprime il suo punto di vista o una figlia ci sorprende con pregiudizi che non dovrebbero appartenerle.

Maria de Medeiro, invece, sembra assente dal giudizio e mette in luce le contraddizioni dei nostri tempi in un film che invita a non tacere e alla profonda comprensione dell’altro da sé.

Testo di Francesco Mascolo

Feast

Regia di Tim Leyendekker
Lungometraggio, 84’. Paesi Bassi, 2021.
Anteprima italiana con la presenza del regista

Sabato 18 Settembre, ore 22.15
Piccolo Teatro Studio Melato

Non un vero film di finzione, ma nemmeno veramente un documentario: forse un «saggio cinematografico», come l’hanno definito alcuni – o «un insieme di cose», come l’ha definito il regista stesso.

Divisa in sette parti (riprese da sette diversi autori della fotografia), la pellicola «non fa un resoconto di ciò che è realmente accaduto», ma anzi cerca di smembrare i fatti del caso di Groningen – cittadina nei Paesi Bassi in cui, tra il 2007 e il 2008, tre uomini furono processati e condannati per aver deliberatamente trasmesso l’HIV a dodici persone, durante quelli che oggi definiremmo chemsex party.

I media nazionali (e si intende: nazionali olandesi) affrontarono il caso giudiziario identificando subito i buoni e i cattivi, indignandosi per la scarcerazione anticipata di uno degli “untori”, che tornò a esercitare la professione di infermiere prima di essere definitivamente radiato.

Ma, col passare del tempo, la storia mostrava tutta la sua ambiguità, evidenziava quanto sia labile il consenso e quanto pregiudizio si celi dietro a un certo tipo di desiderio; alcuni chemsex party, alcune orge senza preservativo, vengono tuttora organizzate anche per volontà di chi è sano, che vuole contrarre il virus e smettere di preoccuparsi della malattia.

È all’interno di questa cornice che si inserisce uno dei capitoli – solo apparentemente fuori traccia – fra i corpi esanimi di questi maschi, fra le voci degli infetti e quelle degli infettanti, tra cui il regista (l’olandese Tim Leyendekker, conosciuto in patria per i suoi corti, tutti disponibili su Mubi) non prende mai posizione.

Come una sorta di intervista alla biologa Katerina Sereti, studiosa dei virus che colpiscono i tulipani: da persona del mestiere, Sereti parla non dal punto di vista dell’uomo ma di quello del virus – che in certi casi ha ripercussioni visibili solo sulle striature rosse nei petali gialli del fiore. È un male? «Soltanto se il nostro desiderio è che il fiore sia giallo».

Ma il capitolo più potente, spaventosamente attuale, è quello in cui la trasposizione di uno dei ragazzi coinvolti sporge denuncia contro i tre “untori”, e si ritrova sottoposto a un interrogatorio da parte degli agenti talmente serrato e giudicante che gli è praticamente impossibile parlare.

«Avevi conosciuto questi uomini su internet?», «e avevi già avuto rapporti sessuali con almeno uno di loro?», «ed eri consapevole che queste fossero orge, no?», «e prima avevi bevuto, fatto uso di cocaina?»; «eri anche consapevole che avreste fatto sesso non protetto: loro ti hanno detto di essere negativi all’HIV e tu gli hai creduto» lo rimproverano, finché il poverino non conferma la loro tesi: «sì, sono stato stupido: e sono stato punito per questo».

Ennesima colpevolizzazione della vittima su cui cascano anche molti media nazionali (e si intende: nazionali italiani) quando raccontano per esempio casi di femminicidio dal punto di vista sbagliato: del virus appunto, che in questo caso è l’assassino

Testo di Luca Fontò

How To Fix Radios

Regia di Casper Leonard, Emily Russell
Lungometraggio, 90’. Canada, 2021.
Anteprima italiana

Venerdi, 17 Settembre, ore 21.30
Flying Tiger MiX Young Arena

Negli ultimi decenni la fioritura del cinema queer si è concentrata su drammi relazionali oppure storie di coming out. A volte invece capita di trovare un film come HTFR che invece è come se fosse stato fatto per osservare i lati quotidiani, magari meno sensazionali, come il senso di appartenenza al piccolo paese d’origine.

Come ricordi sfocati di ciò che voglia dire essere considerato un outsider perché diverso, perché gay in una piccola provincia.

È in luogo come questo dove ha inizio la storia di Evan (James Rudden) abitante rurale dell’Ontario meridionale. Un luogo dove molte volte la ripresa si sofferma sulla vastità sul lontano, come se fosse presente nei protagonisti il desiderio di fuggire lontano.

La vita incerta dopo la scuola lo porta Evan ad accettare un lavoretto estivo nel negozietto locale di esche.

Il lavoro mette Evan a contatto con Ross (Dimitri Watson) un giovane adolescente che si fa notare subito per i suoi capelli tinti di rosa che lavora con lui al negozio.

Per Ross ogni momento è un’ottima opportunità per darsela a gambe quando il capo li lascia da soli.

In quell’estate nasce un’amicizia inaspettata che metterà Evan a contatto con la realtà di Ross e a tutto quello che Ross è costretto a subire dai bulli del paese per la sua diversità.

Evan osserva la capacità di Ross di vivere in un ambiente ostile dove il fatto di non volersi omologare è solo perché tanto sarebbe infastidito lo stesso, meglio quindi rimanere rimanga fedele a se stesso.

Nonostante sia un film low budget, la pellicola trasmette una perfetta sinergia tra il luogo e i personaggi. Lo spazio e il luogo presenti sembrano quasi giustificare la loro presenza per aggiungere pressione ai protagonisti, che riescono a ritagliarsi momenti di gioia in luoghi dove non c’è nulla da fare.

Il film riesce a trasmette dei lati meno definibili, come la sensibilità delle persone, che emerge profondamente, mentre cercano una loro voce e un posto nella vita.

HTFR racconta una storia semplice sicuramente uno spaccato di un’amicizia che però per qualche motivo è sempre trattenuta e nonostante tutto un po’ rassegnata.

Le basi della storia avrebbero sicuramente potuto portare ad un altro sviluppo, e il finale ha un sapore un pò amaro della sconfitta.

Testo di Alex Vaccani

Poppy Field

Regia di Eugen Jebeleanu
Lungometraggio fuori concorso, 81’. Romania, 2020
Disponibile in streaming su NEXO+ dalle ore 14:00 del 17/09 alle ore 14:00 del 20/09

Poppy Field (Camp du Maci) segna l’esordio di Eugen Jebeleanu e conferma la lucidità dello sguardo sul contemporaneo del cinema rumeno degli ultimi 10 anni.

La pellicola si ispira a fatti realmente accaduti. 2013, Bucarest: la proiezione di un film LGBT viene interrotta da un gruppo di manifestanti, The Orthodox Brotherhood of the Great St. George: fanatici religiosi e nazionalisti armati di cartelli, icone e rosari. Il film era I ragazzi stanno bene con Julianne Moore e Annette Bening.

Negli anni seguono altre manifestazioni simili, nel 2018 contro la proiezione di Soldiers. Story from Ferentari della regista serba Ivana Mladenovic (il suo Ivana the Terrible in concorso e visibile gratuitamente in streaming al Kino Arte Film Festival) e 120 BPM di Robin Campillo.

Questa è la premessa che Jebeleanu usa per costruire il tessuto sociali in cui si muove il suo protagonista, Cristi, un poliziotto – anzi, un gendarme – rumeno segretamente gay.

Il film inizia con l’arrivo in città del suo compagno, Hadi, un assistente di volo. Per di due si prospetta un weekend casalingo d’amore, Cristi difatti non ha intenzione di farsi vedere in pubblico col fidanzato, a cui non dispiacerebbe anche una semplice gita in montagna. Ma è subito chiaro che i due hanno davanti a loro orizzonti differenti.

Seguiamo quindi Cristi in un turno di lavoro. La sua squadra è chiamata a gestire la protesta di un gruppo di attivisti religiosi che hanno fatto irruzione in un cinema (di proprietà statale) per interrompere la proiezione di un film indecente. La situazione è tesa, i poliziotti non sanno che fare.

Da una parte guardano ai fanatici con pena, dall’altra non hanno la minima intenzione di prendere le parti del pubblico, per paura di essere ritenuti simpatizzanti o peggio ancora loro stessi gay.

La tensione aumenta, il disagio si fa palpabile: il cinema diventa una polveriera. Uno degli spettatori riconosce Cristi, tra i due evidentemente ci sono dei trascorsi e il suo segreto – che deve mantenere a ogni costo – scatena un complesso effetto domino e lo scoppio della violenza.
La cornice sociale della storia innesca nel protagonista un conflitto interiore che lo porta a confrontarsi con sé stesso.

Cristi è costretto a uniformarsi ai meccanismi etetonormativi del suo ambiente di lavoro, incarnando così il conflitto e la vulnerabilità di molte persone queer esposte ad ambienti machisti e tossici.

I colleghi sanno di lui? Lo sospettano? Il regista è abilissimo nell’insinuare il dubbio, senza dire troppo o mostrare, il cameratismo della squadra si esprime anche in questo.

Jebeleanu dirige in maniera sobria e efficace uno spaccato intimo, quello di Cristi è un ritratto complesso che non scade in toni giudicanti o facili morali preconfezionate, osserva il suo protagonista con un misto di distacco e tenerezza.

Testo di Lorenzo Peroni

Sediments

Regia di Adrián Silvestre
Documentario, 80’. Spagna, 2021
Disponibile in streaming su NEXO+ dalle ore 14:00 del 17/09 alle ore 14:00 del 20/09

«Quelli sono i sedimenti, gli strati della terra, li abbiamo studiati alle superiori. La terra svela la sua storia. Quando gli elementi si muovono avanti o indietro, finiscono per trasformare persino le rocce».

Adrián Silvestre, classe 1981, è un regista valenciano che ama lavorare intorno ad una comunità specifica con la quale costruire i suoi film, dove realtà e fiction spesso coesistono.

Se nel precedente lungometraggio Los Objetos Amorosos del 2016 ha investigato la migrazione femminile nella città di Roma, per Sedimentos è stato decisivo l’incontro con Tina Recio, fondatrice e direttrice del centro I-Vaginarium: un progetto di pedagogia sessuale di supporto alle donne transgender che affrontano il percorso della vaginoplastica.

E Tina Recio è proprio una delle protagoniste di questo documentario insieme ad altre cinque donne su cui il regista ha posato la sua macchina da presa: Lena Brasas, Alicia de Benito, Cristina Millán, Saya Solana e Yolanda Terol.

Sei donne quindi, di generazioni, estrazione e vissuti diversi, che si raccontano in questo vivace road movie rurale transfemminista, tra stratificazioni drammatiche e venature di corale umorismo, visivamente dominato dai loro volti, dalle loro parole e dalla natura: tra boschi, montagne, grotte e un imponente bacino minerario, quello dei sedimenti che danno il titolo al documentario.

Proprio come le stratificazioni della terra, siamo tutti formati da più strati che ci identificano e ci rendono unici; raccontare la nostra storia non è sempre facile, ma alle volte cercare supporto, in una comunità ad esempio, può aiutare a trovare il coraggio di affrontare il mondo là fuori, ma innanzitutto se stessi.

Testo di Francesco Mascolo

Sublet

Regia di Eytan Fox
Lungometraggio. 90’. Israele/USA, 2020

Venerdi 17 Settembre, ore 22.00
Piccolo Teatro Strehler

Sublet è un film che mette in evidenza l’impatto che ogni uomo può avere su un altro uomo. Il film è sottile, credibile ed evita abilmente alcuni cliché. Ha tanti ottimi spunti e ti fa vedere una Tel Aviv che incuriosisce.

Il film comincia con l’arrivo a Tel Aviv dell’americano Michael (John Benjamin Hickey) uno scrittore di mezza età che arriva in città per fare ricerche per un articolo che sta per scrivere. Come preannuncia il titolo il suo soggiorno a Tel Aviv è un appartamento in affitto, che però al suo arrivo è ancora occupato dal ragazzo che glielo ha affittato, essendosi confuso sulla data del suo arrivo.

Dopo qualche momento di imbarazzo Tomar (Niv Nissim) lo studente proprietario dell’appartamento convince Michael a restare dopo aver ammesso francamente di aver bisogno di soldi.

Poiché Tomar ora non ha un posto dove andare, Michael si offre di lasciarlo rimanere in cambio di fargli da guida turistica per mostrargli i luoghi meno turistici della città.

Michael vede così la Tel Aviv attraverso gli occhi di un bohémien ventenne che è sempre stato libero nel suo suo orientamento sessuale.

Nel corso di cinque giorni, Tomar mostra a Michael la città e nel mentre i due si conoscono. Michael è tranquillo e riservato, ogni sera richiama il marito a casa ogni e si capisce che ha chiaramente qualcosa che lo tormenta.

Tomar, invece è un edonista che sembra pensare nient’altro che all’attimo e a quello che gli provoca piacere. Col trascorrere delle giornate i due sviluppano un’amicizia e un’attrazione sessuale.

Quello che è maggiormente riuscito nel film sono i momenti in cui i due protagonisti di generazioni diversi cercano di trovare un terreno comune su cui incontrarsi.

Nonostante questi mettano anche in risalto le diversità generazionali e di come siano vissuti alcuni atteggiamenti e situazioni oggi rispetto a prima. Questi sono scene che inducono ad una riflessione e mettono luce su alcuni drammi generazionali.

Sublet ha una vena romantica che si manifesta soprattutto nella seconda metà del film, un po’ ci si spera o ci si aspetta questa svolta anche se forse nella realtà sarebbe stata più indirizzata verso un’attrazione fisica; più lussuria che romanticismo.

Comunque questo incontro cambia entrambi i protagonisti o almeno in parte li rende più consapevoli anche su l’altro.

Sublet fa parte del genere di film: dramma del “breve incontro” come il cult Weekend con il quale il paragone sembra spontaneo. Ebbene Sublet riesce a mantenere un fascino sottile soprattutto per la rappresentazione dolce di due uomini che creano una connessione inaspettata.

Sublet alla fine è malinconico riguardo a ciò che lega inaspettatamente due uomini gay che hanno tutto per essere così distanti, ma nonostante o forse a causa delle loro differenze generazionali riescono proprio ad incontrarsi.

Il regista Fox ha già esaminato gli aspetti della vita gay israeliana in film come Yossi and Jagger, il suo sequel, Yossi e The Bubble.

Testo di Alex Vaccani

Valentina

Regia di Cássio Pereira dos Santos
Lungometraggio, 95’. Brasile, 2020
Anteprima Italiana

Giovedì 16 settembre, ore 20.00
Piccolo Teatro Strehler

La proiezione è preceduta dalla cerimonia di apertura presentata dal comico Paolo Camilli, con la presenza della Vicepresidente del Consiglio Comunale di Milano Elena Buscemi, da una performance di danza del ballerino solista del Teatro alla Scala Massimo Garon e della prima ballerina del Teatro alla Scala Antonella Albano, dall’intervento del deputato Alessandro Zan e da un importante riconoscimento: il premio More Love alla senatrice Liliana Segre.

Valentina è un coming-of-age opera prima del regista brasiliano Cássio Pereira dos Santos, che esamina l’emarginazione dei giovani trans.

Valentina, interpretata dalla trans YouTuber Thiessa Woimback, esamina il modo in cui i giovani trans sono emarginati dal sistema educativo, attraverso una storia di formazione che segue la sua vita mentre si trasferisce in una piccola città con la madre.

Nel suo adattarsi alla nuova vita, sarà proprio la burocrazia scolastica l’ostacolo più insidioso, perché Valentina dovrà avere il consenso e la firma di entrambi i genitori per far si che l’istituto accetti di chiamarla con il suo nome prescelto, ma suo padre è scappato con una donna più giovane e risulta irreperibile.

Nella sua avventura Valentina trova spiriti affini tra i suoi coetanei: Júlio (Ronaldo Bonafro) e Amanda (Letícia Franco), personaggi secondari che non sono proprio quello che sembrano a prima vista.

Júlio, nonostante la sua spavalda sicurezza brama l’intimità di un primo bacio da un ragazzo. Amanda che è incinta, nel frattempo, dimostra di essere un asso degli hacker.

I tre giovani attori condividono una dolce alchimia ogni volta che sono tutti insieme sullo schermo, ed è la loro relazione che alla fine dà speranza alla storia.

Valentina viene continuamente ferita e delusa dagli uomini in un crescendo che culmina con una scena in un bar, dove un ragazzo con cui si sta baciando la prende per la gola dopo aver scoperto che è trans.

Da qui la violenza degenera trasmettendo allo spettatore come la trasmisoginia possa intensificarsi, e quanto sia pervasiva all’interno della società in generale.

Testo di Marco Cresci

Veneno

Regia di Javier Ambrossi, Javier Calvo
Serie TV, Spagna, 2020

Domenica 19 Settembre
Piccolo Teatro Studio Melato ore 18:00
Proiezione di due episodi con la presenza dei registi e dell’attrice Lola Rodriguez.

Quella di Veneno non è semplicemente una storia, è – in fin dei conti – tutte “quelle” storie. Quella di Cristina Ortiz Rodríguez innanzitutto, ma non solo.

Facciamo un passo indietro. Spagna, 1996: in un talk della seconda serata di Telecinco (Esta Noche Cruzamos el Mississippi) fa il suo esordio televisivo la Veneno: prostituta transessuale, sboccata, bellissima.

Nasce una star. La Spagna la ama, l’audience si alza: per lei è il riscatto da una vita in fuga. In fuga dalla provincia bigotta, da una famiglia che non la ama, dalla miseria. Forse per la prima volta in vita sua, gli applausi del pubblico, la fanno sentire veramente amata. Ovviamente è un grandissimo errore.

Un altro passo indietro. Nella spagna post-franchista, libera dalla censura di regime, prende il via una rivoluzione culturale, la Transición española.

Vicente Aranda nel ‘77 gira Cambio de sexo, film con Bibi Andersen, attrice transgender che diventa musa e icona di Pedro Almodóvar, vate assoluto della movida madrilena.

La capitale diventa un motore propulsore per la creatività e la liberazione dei costumi: cinema e musica sono veicoli per disintegrare anni di tabù e repressioni.

Dalla fine degli anni ‘70 Susana Estrada diventa il simbolo di questa “transizione”: film erotici, canzoni piccanti, fotografie esplicite, la liberazione sessuale viaggia alla velocità della luce.

Eppure, nonostante il sesso, l’omosessualità e la transessualità ormai da quasi due decenni vivano “tranquillamente” al cinema e nella cultura visuale spagnola (prima underground e via via sempre più mainstream), l’apparizione sul piccolo schermo della Veneno è qualcosa di diverso, di nuovo, di oltraggioso: non è un’artista.

In TV (che al contrario del cinema è un oggetto domestico, familiare) trova posto una prostituta di strada che parla di sé stessa, e in breve tempo la sua vita diventa un proto reality.

Sua madre – che mai ha accettato l’identità della figlia – viene invitata in trasmissione, volano parole grosse, Cristina è un fiume in piena, l’audience si alza.

Quello che la Veneno ancora non sa però è che lo spettacolo preferito del pubblico è gustarsi la caduta dei propri idoli. La gente ama la Veneno, ma non la rispetta. Chiuso il programma che l’ha resa un’icona seguono anni difficili. L’epilogo è tragico.

La serie di Javier Ambrossi e Javier Calvo (quelli di Paquita Salas, su Netflix) mette in scena un melodramma larger than life, totalizzante: è triste, euforico, violento, esplicito, non risparmia colpi bassi – tutti assestati alla perfezione.

Gli 8 episodi ricostruiscono la vita di Cristina la Veneno sviluppando ogni puntata su un nucleo tematico, mescolando i piani della rappresentazione e della narrazione: passato e presente dialogano in un incastro costruito alla perfezione.

Impressionante il lavoro sulle e delle tre attrici che hanno interpretato Cristina: Jedet (nei primi anni di transizione), Daniela Santiago (giovane, esplosiva e furibonda) e Isabel Torres (sfatta, invecchiata a sconfitta).

La regia e la sceneggiatura sono piene di idee, di vita; non c’è nulla fuori posto, il racconto fugge della mera biografia e espande i suoi confini verso il romanzo storico: immortala epoche diverse che cedono il passo, una dopo l’altra, a qualcosa di nuovo, di giovane.

Veneno riflette su come i mass media rappresentano un confine: ciò che appare c’è, è lecito, può essere ammirato, denigrato o discusso, ma esiste e ha in sé la dignità di ciò che può apparire; è il confine tra cosa è legittimo e cosa no.

La Veneno, irrompendo nel piccolo schermo della Spagna anni ‘90, legittima l’esistenza delle persone transessuali al di fuori dell’alibi artistico e intellettuale, al di fuori della politica e dell’attivismo. Lei è unica, è una scheggia impazzita, ma la sua è una vita come tante.

Ma la serie racconta anche altre storie: c’è quella di Valeria Vegas (anche la sua una storia vera), studentessa transgender che ha nella Veneno il suo idolo assoluto. Quando riesce finalmente a conoscerla decide di scrivere un libro sulla vita, ¡Digo! Ni puta ni santa.

Ed è qui che inizia la serie. Questo incontro cambia la vita di Valeria, che grazie all’amicizia con Cristina fa chiarezza sulla propria identità e trova il coraggio di essere sé stessa.

Scrivere le memorie della Veneno però si rivela più complicato del previsto: cosa è vero e cosa no di quello che le sta raccontando? Quanta la vita e quanto il racconto? Dall’infanzia nella provincialissima Adria, in Andalusia, ai riflettori che fanno di lei una star, fino a una spirale autodistruttiva alimentata da rimpianti, risentimenti e paure.

Quello sui passi della Veneno diventa per Valeria – e per lo spettatore – un viaggio universale, alla scoperta del lato umano di un’icona controversa, spesso contestata e ritenuta problematica dagli stessi attivisti LGBTQ+ (troppo trash, distante dal movimento per i diritti civili, dalla nuove generazioni, dalla nuova sensibilità).

Quello di Paca “La Piraña”, poi, è un personaggio meraviglioso, la migliore amica della Venone, ferita e tradita a morte per pura vanità, interpretato divinamente dalla stessa Paca “La Piraña” – in un perfetto cortocircuito di quella cosa dell’arte che imita la vita e la vita che imita l’arte.

Veneno – attraverso un intreccio corale in cui vengono indagati i significati di famiglia, la natura dell’amore e le radici dalla paura – metta in scena la potenza e l’importanza del “racconto”, la capacità di costruire e di riappropriarsi delle proprie storie, delle proprie fragilità e della propria identità attraverso le parole che scegliamo.

Testo di Lorenzo Peroni

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L'articolo 35° MiX Festival. Le proiezioni consigliate da Toh! proviene da Toh! Magazine.