Con una passione per il glamour di Hollywood degli anni Trenta e un amore per i dettagli intricati, esploriamo le influenze dell’artista canadese Ryan Heshka, il suo processo creativo e i suoi progetti futuri. Tra mostri di gomma e personaggi femminili provocatori che mescolano i mondi di David Lynch e John Waters al glam anni ’50, l’artista ci svela come la famiglia e la creatività bilanciano la sua vita e ci offre uno sguardo privato dei suoi dipinti originali. Lo abbiamo conosciuto in occasione della sua personale “Springs to Come” tenutasi alla galleria Colombo Arte di Milano e ce ne siamo innamorati.

Ciao, Ryan grazie per il tuo tempo. Come stai e dove ti trovi adesso?

Sono a Vancouver, BC, Canada, nel mio studio circondato da dipinti in vari stati di completamento.

Quando hai iniziato a dipingere? E quali temi ti attraevano quando hai iniziato i tuoi studi artistici?

Ho sempre disegnato, ma ho iniziato a dipingere opere personali intorno al 2004. Poiché sono stato ossessionato dai vecchi fumetti e dall’arte pulp per tutta la vita, ho usato quei tropi come punto di partenza. Tuttavia, ho cercato di infondere la mia voce nel lavoro sin dall’inizio, così da non limitarmi a ricreare l’arte di quell’epoca.

Il tuo lavoro per me è fortemente influenzata dall’horror degli anni ’50, da David Lynch, da John Waters e un tocco del vecchio Tim Burton, insieme alla fantascienza, ovviamente. Da dove trai ispirazione per questi mostri e personaggi dall’aspetto unico?

Sei sulla strada giusta! Da tutti loro, un po’ meno da Tim Burton e più da Roger Corman e Eiji Tsuburaya. Ho sempre avuto un occhio per l’arte e l’estetica delle epoche passate, in particolare dagli anni ’30 ai ’50. L’orrore e la fantascienza incidono pesantemente sulle mie figure, specialmente i “costumi da mostro di gomma”.

Da quando ho iniziato a dipingere per me stesso, ho raccolto altre influenze non correlate tra loro come la moda, la storia naturale, l’architettura e le belle arti che trovano il loro posto nei miei mostri e nei loro ambienti. Sono autodidatta, quindi ho fatto/faccio uno sforzo consapevole per distaccarmi un po’ dalle mie influenze principali, in modo che il mio lavoro possa essere il più originale possibile.

Le donne giocano un ruolo prominente nel tuo lavoro. Qual è lo stereotipo di bellezza che cerchi di sfidare o esplorare?

Non è una sorpresa che mi piaccia molto il glamour idealizzato di Hollywood degli anni ’30. Ho iniziato dipingendo donne in un omaggio molto diretto al genere dell’arte pin-up e alla vecchia Hollywood. Ma, come ho detto sopra, cerco sempre di spingermi oltre i trattamenti convenzionali delle mie influenze. Quindi, spesso uso pezzi di arte pin-up (ad esempio scarpe con i tacchi alti) combinati con altri elementi inaspettati, proporzioni, colori o caratteristiche (un volto che si scioglie, per esempio).

Quando crei un nuovo pezzo, schizzo l’idea in anticipo, o è un processo spontaneo e immediato?

Può andare in entrambi i modi, ma più spesso è una combinazione di schizzo e spontaneità. Ultimamente, cerco di lavorare la composizione di base in anticipo, ma potrebbe essere uno schizzo molto grezzo, semplice, a matita colorata. Cerco solo di abbozzare l’idea per avvicinarmi al punto in cui so come trattarla nella fase di pittura. Devo rimanere aperto a modifiche lungo la strada, così da poter ottenere il miglior risultato possibile.

Chi sono le tue muse?

Questa è davvero una bella domanda. Non sono mai stato veramente consapevole di specifiche muse. Mia moglie è stata la mia musa originale, poiché è stata una delle mie modelle all’inizio. Storia classica dell’artista/modello. Direi che Bela Lugosi deve essere una delle mie muse principali, così come Batman. I pipistrelli mi hanno sempre affascinato.

Di chi era il poster che adornava la parete della tua camera da bambino?

Stranamente, nessun poster da bambino, ma da adolescente ho recuperato appiccicando nella mia cameretta molte pagine di riviste heavy metal!

Quale film ha avuto l’impatto più significativo sulla tua vita artistica?

L’originale “King Kong” del 1933. Quel film ha catturato la mia attenzione da quando l’ho visto una domenica pomeriggio da bambino. Mi ha portato su molti percorsi, e mi cattura sempre quando lo rivedo. Il lavoro di stop motion e i set di Willis O’Brien sono oltre il geniale.

Cosa definisci ‘sexy’ nel tuo lavoro?

Il colore è la componente ‘sexy’ costante in tutto il mio lavoro. Possono esserci donne tradizionalmente sexy in alcuni dei miei dipinti o fumetti, ma miro ad attrarre lo spettatore con il colore, attirandolo nel mondo sulla tela o sulla carta con palette di colori uniche. Penso che il colore sia super seducente.

Quanto tempo impieghi tipicamente per completare un grande dipinto a olio ?

È difficile dirlo! Tendo a ruotare attraverso numerosi dipinti in un certo periodo di tempo per consentire il tempo di asciugatura tra gli strati, di allontanarmi e tornare con un occhio fresco, ecc.

Ma direi due o tre settimane, lavorando una settimana di 40 ore è approssimativamente quanto tempo impiegherebbe a dipingere un quadro come quello (senza includere l’ideazione). Non è mai una linea retta nella mia pratica di pittura però.

La creatività consuma ogni aspetto della tua vita, o hai altri interessi o passioni?

La mia vita è bilanciata tra creatività e famiglia. Questo è tutto ciò che ho tempo di fare! Mia figlia ha quasi otto anni, ed è in un’età di costante impegno e attività. Mi tiene in movimento. Fortunatamente, facciamo alcune creazioni insieme, e lei ha una mente fresca piena di titoli di dipinti meravigliosamente strani che ‘prendo in prestito’ da lei. Amo essere in acqua, tutta la mia famiglia lo fa, siamo tutti bambini dell’acqua.

I tuoi dipinti sono pieni di dettagli, e spesso fanno capolino insetti e piccole creature. Trasmettono una narrativa o riflettono un tema concettuale più ampio durante il processo di creazione?

Non c’è una vera forte narrativa o concetto che cerco di trasmettere nel mio lavoro. L’aggiunta dei dettagli e dei “sotto-occupanti” come insetti e piccoli animali è il mio tentativo di creare un mondo ricco e credibile, con molti strati.

Un po’ come quella scena di apertura in “Blue Velvet”, dove la telecamera zooma dal quartiere, all’uomo che innaffia il suo giardino, e poi nell’erba, rivelando la brutalità di una battaglia di insetti che si svolge nel micro mondo invisibile. I dettagli sono lì semplicemente per supportare l’umore del soggetto, e ancora, per attirare lo spettatore più in profondità, per ‘avvicinarsi’.

Qual è il sogno più strano che hai mai fatto?

Tantissimi! Scrivo sempre quelli più strani o visivi nel mio taccuino degli schizzi. È davvero difficile individuare un sogno come il più strano. Tendo ad avere sogni ricorrenti su trovare vecchi fumetti e riviste con copertine pazze. Molte delle copertine sono fumetti di Batman. Un giorno spero di utilizzare questa immaginazione onirica in un progetto coeso.

Quali progetti hai in programma per il futuro?

Ho una piccola mostra personale a Los Angeles a febbraio 2025, un paio di nuove edizioni da 6Forest Toys che usciranno quest’anno, credo, e un numero di commissioni private. Ma penso che sono più entusiasta di scrivere ed eseguire il mio nuovo fumetto, che spero di iniziare presto!

Se ascolti musica, qual è stato l’ultimo album di cui ti sei innamorato?

Ho appena scoperto un artista chiamato Orion, dell’etichetta Italians Do It Better. Super atmosferico, sintetico, elettronica oscura e profonda. Descritto come ‘cybernetic noir’. Non hanno un album, ma una serie di singoli. È così bello, che ora mentre scrivo avrei dovuto suonare la loro playlist!

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Anthony Cudahy collega un’ampia varietà di riferimenti nella sua pittura, capolavori della storia dell’arte, archivi della cultura queer, iconografia gay, nonché ricordi personali e familiari.

Come ci spiega di seguito, Anthony Cudahy ha conosciuto l’arte da piccolo, ponendosi molte domande fino a quando ha capito che l’arte e sopratutto la pittura sarebbero diventati parte fondamentale della sua vita. L’arte di Antony Cudahy sprigiona un lieve velo erotico e un tratto drammatico, attirando chi l’osserva, un osservatore amante della pulizia visiva, dell’equilibrio e della ricercatezza del colore. Come il rosa che predomina nell’arte di Anthony.

Quando e come l’arte è entrata a far parte della tua vita?

Crescendo mia madre è stata molto artistica e solidale. Ci portava nei musei quando andavamo in viaggio, vedendo spesso più arte antica. La città in cui sono cresciuto non offriva molta arte, e Internet non era quello che è adesso.

Ho davvero trovato l’arte contemporanea in un posto ridicolo: la sezione dei libri d’arte di Barnes and Noble.

Al liceo ho trovato lì un libro di Lucian Freud Sono rimasto sorpreso nell’apprendere che era ancora vivo e dipingeva. Sapevo che le persone continuavano a dipingere, ma non sapevo che le persone potessero essere ancora considerate artisti. Ho scoperto che la pittura era in realtà qualcosa che si poteva ancora fare per tutta la vita, e ha avuto un enorme impatto su ciò che ho fatto da quel momento in poi.

Qual’è stato il tuo percorso?

Mi sono trasferita a New York a diciotto anni e ho frequentato il Pratt Institute. Ho trascorso anni dopo continuando a dipingere e facendo diversi lavori mentre cercavo di scavare sempre più a fondo nel mezzo. Ho fatto molte fanzine e ho lavorato su due piccole pubblicazioni Packet Biweekly e Slow Youth. Alla fine, sono andato all’Hunter College per studiare, ma a metà del mio percorso è subentrato il Covid e lo ha interrotto. Durante la mia permanenza lì ho iniziato a esporre con 1969 Gallery, poi Hales Gallery negli Stati Uniti e Semiose in Europa.

Cosa ritrai?

Sono soprattutto un pittore figurativo. I dipinti più piccoli si concentrano spesso su un’espressione o un gesto che trovo coinvolgente. I dipinti più grandi sono vagamente più narrativi. Il mezzo della pittura è molto autoreferenziale e spesso dipingo attingendo da dipinti di altri pittori o mi riferisco ad altre opere.

Chi sono i soggetti protagonisti delle tue opere?

Nonostante sia un pittore figurativo, sono spesso reticente a riferirmi alle opere come ritrattistica. Soprattutto nelle scene più grandi, le figure che agiscono spesso in modi allegorici, quasi come personaggi.

Quando ho iniziato a dipingere mio marito, il fotografo Ian Lewandowski, questo è diventato più confuso.

A volte i suoi dipinti rientrano più nel regno dei ritratti, ma altre volte interpreta un ruolo. Da quel momento in poi sono diventato sempre più interessato a posare e dipingere le persone nella mia vita. Prima prendevo ispirazioni da archivi d’immagini.

Perché la scelta della pittura a olio?

C’è un’alchimia nella pittura a olio. È una relazione permanente tra il pittore e il mezzo, perché ci sono così tanti strati per conoscere l’olio. Il colore è ovviamente un aspetto enorme ma solo una delle tante tane del coniglio.

Ogni tubo ha la sua personalità e interagisce con altri tubi in una rete infinitamente complessa.

È avvincente. Amy Sillman ha scritto un pezzo davvero meraviglioso su questo.

Nei tuoi lavori troviamo spesso diverse tonalità di rosa, che importanza ha per te?

Il colore è qualcosa a cui penso sempre più come forza all’interno del dipinto, come le figure. Alcuni colori possono esercitare un potenziale narrativo. Ci sono i rosa di cui sono particolarmente ossessionato.

Montserrat Orange di Williamsburg Paint è quasi magico.

Crea una luce e un’atmosfera semplicemente da solo.

Osservando la tua arte mi sembra di avvertire tanta intimità e delicatezza, è cosi?

Sono interessato alla vulnerabilità o alla precarietà e penso che per esistere in quel regno ci debba essere intimità.

È il duplice significato della parola tenero: una vicinanza romantica all’altro o un livido doloroso.

Man mano che sviluppavo i miei dipinti e disegni, sono diventati sempre più dettagliati. L’osservazione ravvicinata necessaria per questo è in un certo senso intima, trascorrendo così tanto tempo lento a esaminarne un altro.

Cosa provi nell’autoritratti? 

Simile ai dipinti di Ian che cambiano la mia prospettiva sul fatto che alcuni dipinti fossero ritratti, gli autoritratti sono un’aggiunta recente alla mia pratica. Spesso sono modi per interagire con altri dipinti. Il primo autoritratto che ho fatto è stato per il mio assolo con Semiose la scorsa estate ed ero io nella posa di un autoritratto di David Hockney.

Di recente ne ho fatto un altro per una mostra collettiva di autoritratti al Lyles and King qui a New York che era un riferimento a due autoritratti, uno di Joan Brown e l’altro di Francis Bacon. Mi piace complicare il ritratto di “artista in studio” aggiungendo un lignaggio di paternità assumendo la posa e l’intenzione di altri artisti.

Dove possiamo vedere le tue opere? Che progetti hai per il futuro?

Attualmente sto lavorando a un corpus di lavori per una mostra personale per il prossimo ottobre alla Grimm Gallery, Amsterdam.

Opera in apertura:

Anthony Cudahy,
devirosflexing i, 2020
Huile sur toile / Oil on canvas 61 × 46 cm / 24 × 18 inches No Inv. AC20010
Photo : A. Mole
Private collection

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Liberi da vincoli, giudizi e che fondamentalmente rappresentano la libertà, quella che ogni tanto noi uomini ricerchiamo, magari a contatto con la natura, in una giornata di sole in cui ci togliamo i vestiti per goderci il momento. Un momento che non è per gli altri, ma per noi stessi.

Co. riesce a rappresentare questa intima libertà con una matita, i suoi ragazzi sono inseriti in contesti che hanno richiami al passato, come un vecchio quaderno di schizzi ritrovato in una soffitta di qualche ragazzo, che  lo custodiva segretamente. Co. invece lo rende manifesto; il piacere che prova nel realizzare i suoi disegni è anche quello che proviamo noi quando osserviamo questi ragazzi, coi quali ci identifichiamo facilmente per la spontaneità e l’agio che provano nello stare nudi.

Puoi dirmi qualcosa sul tuo background?

Mi chiamo Co. ho 39 anni e vivo con il mio fidanzato e un gattino nero in una piccola cittàdella Pennsylvania, lungo uno dei suoi fiumi principali. Ho una laurea in belle arti, disegno, cucio abiti da donna e mi diletto nella scrittura narrativa.

I miei hobby includono collezionare oggetti d’antiquariato, soprattutto cornici dorate, restaurare mobili, ricablare lampade, leggere, preparare e mangiare panini, visitare dimore storiche e passeggiare. In realtà sono piuttosto noioso.

Ho trascorso la mia infanzia relativamente tranquilla in campagna, esplorando da solo o con mio fratello e un affiatato gruppo di amici che vivevano nelle vicinanze le foreste, che circondavano la casa dei miei genitori.

Abbiamo giocato tanto dovendo usare molto la nostra immaginazione, perché avevamo solo tre stazioni televisive e due erano sfocate.

Odiavo la scuola tranne che per le lezioni d’arte. Non conoscevo nessuno gay in quegli anni e di certo non avrei fatto coming out nelle zone rurali della Pennsylvania negli anni ’90. Successivamente ho frequentato la scuola d’arte, mi sono diplomato nel 2005, ho fatto coming out e poi mi sono trasferito a San Francisco per diversi anni. Creavo sempre, facendo costumi, abiti formali, pittura, disegno, vetrine, avevo persino un personaggio in drag. San Francisco era un posto fantastico, ma ciò nonostante desideravo ancora la vita di campagna. Dopo una serie di delusioni personali e professionali arrivò il momento di lasciare la cittàsulla baia.

La fine dei miei vent’anni e la metà dei miei trenta li ho trascorsi a Filadelfia. Lì ho trovato lavoro per un sito di intrattenimento per adulti come editore, fu un’esperienza molto importante.

Quando ti siedi a una scrivania per otto ore al giorno, per quaranta ore alla settimana a recensire materiale pornografico, hai davvero un’idea di come il corpo umano può muoversi, contorcersi e torcersi.

Credo che questo abbia avuto un profondo impatto sul mio repertorio di redazione e rendering. In effetti, il mio consiglio è di guardare il porno se vuoi migliorare le tue abilità nel disegnare figure!

Non ho mai pensato che ci sarebbe stato un interesse verso i miei “scarabocchi” come ho iniziato a chiamarli, erano solo un modo per passare un po’ di tempo durante l’inizio della pandemia. Vorrei concentrarmi su qualcosa di “di più” quando si tratta della mia arte. Tuttavia, ho continuato a essere attratto dai miei disegni, potrebbero essere stati un meccanismo di coping del mio subconscio, che aveva bisogno di stare con altre persone. 

Per capriccio ho iniziato a pubblicare i miei disegni su Instagram il 30 dicembre 2020, per divertimento e come modo per interagire con altri artisti… e ho iniziato a ricevere like. Nell’agosto del 2021 avendo ricevuto diverse offerte per l’acquisto di alcuni dei miei disegni, ho aperto il mio negozio Etsy. Sinceramente sono rimasto sorpreso delle vendite.

Quando hai scoperto la tua passione per l’arte?

I miei genitori mi hanno fortemente incoraggiato da bambino e non ho mai smesso. La mia passione per la figura è iniziata molto presto. Ho sempre ammirato la forma maschile anche se crescendo non ho visto molti nudi, se non in contesti “artistici” e non erano il tipo di nudità che stavo cercando. Questa si è rivelata una sfida per un ragazzo di campagna durante la sua infanzia su Internet, allora non volevi essere beccato a guardare porno sul computer di famiglia!

Un evento interessante che ricordo e che ha ancora un’influenza sul mio lavoro è stato l’imbattermi in un mountain biker, solo nella foresta in cui ho trascorso molto tempo a fare escursioni. Si era tolto la divisa da ciclista ed era rimasto completamente nudo nel ruscello, a sciacquarsi via il fango. Non mi vide e francamente ho dato solo una rapida occhiata prima di correre via. Aveva un corpo meravigliosamente tonico e gambe fantastiche. Sono passati più di venticinque anni, ma posso ancora vedere quell’uomo che sguazzava da solo nei boschi.

Mi sono trasferito a San Francisco dopo il college. Lì ho scoperto la passione per il collezionismo di riviste vintage e retrò, con uomini nudi. Questi continuano a ispirare il mio lavoro, adoro veramente la giocosità dei modelli in queste prime riviste “sporche”. A quel tempo il mio caro amico ed ex coinquilino mi ha fatto conoscere diversi artisti che ammiro, i primi due sono Harry Bush e Patrick Nagel, entrambi rimangono incredibilmente influenti.

Nel primo decennio degli anni 2000 non ero sicuro di cosa stavo cercando. È stato un periodo di sperimentazioni e scoperte sia personali che artistiche. Penso che ci sia voluto del tempo, anche anni, prima di capire che disegnare il nudo maschile fosse la mia via. Qualcosa di “profondo” o “intellettuale” di cui posso godere e condividere quando lo voglio.Quindi sì, la passione c’è sempre stata. Il desiderio e il bisogno di creare bellezza.

Mi descrivi gli uomini che realizzi nelle tue creazioni? Chi sono?

Vengono quasi esclusivamente dalla mia immaginazione. Ho provato a lavorare dalle fotografie, ma sento di perdere la spontaneità. Disegnerei dal vivo, ma tra la pandemia e per non parlare che nel posto in cui vivo ci sono pochi uomini disposti a togliersi i vestiti, continuo a lavorare con l’occhio della mente.

Per quanto riguarda “chi” sono, trovo di essere più affascinato dalla figura, dalla muscolatura, dal movimento e dalle pose. Il “carattere” del soggetto viene più tardi o si evolve man mano che disegno. Penso che la maggior parte di loro abbia la propria personalità.

Alcuni dei miei soggetti preferiti sono quei ragazzi che chiamo “River Rats”. Per me sono tipi spensierati, amanti dell’estate, con le corde oscillanti, bevitori di birra e whisky a cui piace campeggiare, sollevare pesi fatti in casa e stare nudi.

Per questi la mia ispirazione viene direttamente dal fiume e dai boschi poco distanti da casa mia. Mi chiedo: “Se questi ragazzi fossero laggiù oggi cosa farebbero?” Quindi m’invento le situazioni.

Penso di creare personaggi che si sentono a proprio agio nella loro nudità rievocando i tempi in cui gli uomini interagivano nudi, nuotando, facendo il bagno, ecc. Penso che la società, soprattutto negli Stati Uniti, debba affrontare problemi molto più grandi piuttosto che ossessionarsi e censurare la nudità.

C’è anche un filo comune in ogni singolo disegno, sono tutti non circoncisi. Questo è qualcosa che è comune o normale ovunque tranne che negli Stati Uniti. Probabilmente non ho mai visto un altro ragazzo non circonciso tranne me, fino a quando non ho iniziato a diventare sessualmente attivo nei miei vent’anni. Lo spogliatoio al liceo era un inferno, ma grazie a Dio non dovevamo fare la doccia. Era qualcosa di cui vergognarsi, in cui si veniva presi in giro. Ora tutti i miei uomini immaginari mostrano con orgoglio il loro prepuzio.

Come hai detto c’è molta libertà e nudità, come descriveresti i tuoi disegni? La nudità è l’elemento trainante delle tue opere. Cosa rappresenta per te il corpo maschile?

Spero che il mio lavoro sia considerato stravagante. Per me è davvero una gioia farlo, una via di fuga. Il corpo maschile è così affascinante sia in azione che a riposo. È come se fossero perennemente le undici del mattino. È la mia ora preferita perché mantiene così tante promesse. A quell’ora spensierata, soprattutto in estate, si può fare un tuffo veloce e una nuotata prima di pranzo, o semplicemente crogiolarsi al sole. Godersi queste attività senza il vincolo dell’abbigliamento crea davvero una connessione con la natura. Ci si ritrova completamente liberi nel momento in cui la corda viene allentata a mezz’aria e ci stiamo perconnettere con l’acqua sottostante.

Il maschio in gioco rappresenta il lasciar andare le aspettative sociali e personali. È mentalmente a riposo. Si sta solo godendo un momento di piacere personale.

Quello che apprezzo delle tue opere è l’atemporalità di ciò che disegni, come riesci a ottenere questo piano interpretativo?

Il mio stile è sicuramente ispirato da artisti e fotografi che hanno lavorato nel primo, secondo e terzo quarto del secolo scorso. Troppi da elencare.

La mancanza di dettagli conferisce quella qualità senza tempo. Sono davvero solo gesti. Una linea semplice qui suggerisce una caratteristica come un occhio, una fronte, un capezzolo, una punta, un’attaccatura dei capelli. Suggerimenti che raramente denotano un tempo o un luogo specifico, nel senso delle mode storiche.

il mio lavoro è anche punteggiato da oggetti di scena classici, che non sono mai passati di moda.

Sono queste le tue fantasie?

Non direi fantasie in senso sessuale ma più come una fantasia indiretta. Non assomiglio per niente agli uomini che disegno, ma se lo facessi? E se fossi così sicuro del mio corpo? E se io stesso fossi giovane e bello? Probabilmente sarei uno stronzo narcisista.

Se sono una fantasia, la fantasia sarebbe completamente innocente. La fantasia di un maschio che si trova in un altro mondo in cui cose come la mascolinità e la sessualità come le conosciamo non sono definite. Direi che tutte le mie interpretazioni riguardano uomini pansessuali, che in qualche modo potrebbero non essere nemmeno sessuali.

Sono una fantasia comune, quella di avere un bel corpo forte, il cameratismo degli altri e godere consapevolmente di semplici piaceri, lavoro, attività.

Quanto è importante per te l’erotismo?

Molto credo. In generale evito argomenti apertamente sessuali, anche se sono molto legati al sesso ovviamente, ma non pornografici e io amo la pornografia. Mi piace la giocosità, la banalità, le situazioni ordinarie, la quotidianità e i luoghi comuni. Cerco di catturare un po’ di quel brivido di quando vedi qualcuno che trovi attraente mentre falcia il prato a torso nudo, o lo guardi attraverso una finestra aperta. C’è un tocco di voyeurismo suppongo. Quasi tutto può essere erotico.

Mi piace molto lo stile dei tuoi schizzi, sembrano old fashion, anche il soggetto, sei d’accordo con me?

Grazie, devo dire che sono d’accordo. Probabilmente è dovuto al mio interesse per la storia stessa. Adoro le cose vecchie, qualsiasi cosa fatta a mano. Se metto una figura in un ambiente interno, di solito non è mai contemporanea. Vecchie camere da letto, cucine con lavelli smaltati, divani e sedie antichi, intonaco screpolato, pietra, persino un vecchio camper degli anni ’70.

Potrebbe anche essere che il mezzo con cui lavoro ossia la grafite, ( che uso il 99 percento delle volte) stia diventando “vecchio stile”… oggi così tante cose meravigliose possono essere fatte digitalmente che rimango a bocca aperta, ma non posso fare a meno di amare il mio disegno privato e vero, matita su carta.

Puoi parlare del tuo profilo Etsy. Qualcuno ti sta inviando immagini per essere disegnato da te?

Etsy, come ho detto, ci ho aperto il negozio davvero per un capriccio. Se a qualcuno capita di apprezzare uno dei miei disegni, perché dovrei tenerlo archiviato e non guardarlo mai più se quella persona lo vuole a casa sua? Nel negozio c’è tutto quello che pubblico su Instagram. Tutti originali senza cornice.

Ho ricevuto alcune richieste in merito a lavori su commissione e un sacco di nudi non richiesti nei miei DM. Ne ho presi in considerazione alcuni, ma non mi sento come se potessi catturare quel “qualcosa” da una fotografia. Trovo estremamente difficile anche quando lavori dall’immagine fornita da qualcuno che ha modificato o curato per te. Non riesco a vedere cosa vedono loro e penso che alla fine ci deluderemo a vicenda, quindi è qualcosa che faccio raramente.

Dove vedresti i tuoi lavori a casa di qualcuno?

Ovunque lo ritengano appropriato al loro gusto. Mi piacerebbe vederne uno nel Phallus Palace l’appartamento di Manhattan di un collezionista che rimane anonimo, o magari nascosto in una collezione di album. Penso che sia per questo che vendere i disegni può risultare difficile. La maggior parte delle persone non vuole mostrare un aspetto erotico troppo personale per il proprietario. In un certo senso si stanno rendendo vulnerabili quando mettono in mostra un disegno come il mio. Quindi, se appendono un mio lavoro a casa loro, mi sentirei abbastanza bene a prescindere. Quindi, non dipenderebbe mai da me. 

A casa mia penso che il mio lavoro stia benissimo in cornici dorate antiche raggruppate in vignette interessanti, insieme ad altri lavori scelti. Penso che mi piaccia l’idea di esporli in spazi dove potrebbero essere “scoperti”, sicuramente non in un luogo di rilievo perchégeneralmente sono comunque piccoli.

Qualcuno ti ha mandato la foto del tuo lavoro esposto in casa sua?

Non ancora, mi piacerebbe vedere uno dei miei pezzi a casa di qualcuno. Sarei così lusingato!

Se ti chiedessi di scegliere un tuo disegno quale sarebbe più connesso a TOH! e perché?

In realtà sono stupito e lusingato dall’interesse di TOH! Quando mi hai contattato la prima volta, ho dato un’occhiata alla rivista e ho pensato che fosse fantastico… poi ho pensato “perché le mie cose?” Non penso che tutto ciò che faccio sia rivoluzionario. So di avere abilità. Ho esperienza alle spalle e provo una grande soddisfazione mentre miglioro continuamente… mentre mi godo davvero il processo di realizzazione di questo lavoro. Ma perché?

Se scegliessi dai disegni che ti ho inviato per questa intervista, sceglierei “Jeff” con i segni “arte in vendita”. È un buon esempio di quella “giocosità” che cerco di catturare. Ha senso dell’umorismo, è disponibile e non si vergogna di utilizzare il suo corpo alle sue condizioni come mezzo per raggiungere un fine. Almeno è così che lo interpreto. Sembra divertente.

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Tutto è fortemente importante nella pittura che Giulio Catelli produce; il colore, il tratto la composizione e soprattutto i soggetti. Ragazzi raffigurati in vari contesti e momenti della vita quotidiana, che sono legati a Giulio Catelli dalla memoria. In palestra, lungo il fiume Ete, questi uomini dal tratto che a volte sembra toccare una forma d’astrattismo ci fanno emozionare, riflettere e sognare.

Giulio Catelli riesce a creare un’atmosfera seducente nonostante i suoi dipinti non raffigurino atti espliciti o nudi integrali, ma ci regalano cosi una sensualità poetica e raffinata.

Quando hai iniziato a dipingere?

Ho cominciato abbastanza precocemente sulla spinta degli esempi familiari: i nonni pittori da entrambe le parti, mio padre scultore e mia madre disegnatrice e illustratrice. 

Verso i quattordici anni avevo già una cartellina di disegni e un quaderno di caricature dei professori. I piccoli dipinti che sono seguiti, hanno in gran parte questo tono scherzoso e ironico.

 Qual è stato il tuo percorso artistico?

È stato piuttosto canonico, con l’Accademia di belle arti integrata da un Corso di laurea in studi storico – artistici; sia in un’istituzione sia nell’altra, la possibilità della pittura come pratica contemporanea era trascurata, sottostimando peraltro, anche molti assunti di base degli altri media espressivi.

Mi appassionava soprattutto l’arte europea degli anni trenta; all’università di Roma potevo attingere ai testi del fondo Venturi, con i libri ingialliti e friabili, come i rotoli di Qumran. 

Ho lavorato soprattutto sul paesaggio, all’inizio suggerito e larvale, poi sul ‘vero’ in presa diretta en plein air, a segnare una predilezione per gli spazi aperti e per una luminosità piena e ariosa. 

Nel tempo non sono molto cambiati i soggetti, il paesaggio e la figura sono rimasti ad avvicendarsi; spero invece, che si sia ampliato il modo di sentire e di avvicinare le cose del mondo. Ma se dovessi dire cosa ha influenzato di più il mio percorso, direi senza dubbio l’incontro con altri pittori, prima avvicinati e poi divenuti amici.

Ricordi quando hai terminato il tuo primo dipinto? Cosa ti ha provocato?

Il primo quadro l’ho dipinto una sera insieme a mia sorella Raffaella, ricordo soprattutto il senso della sorpresa, questo anzi direi, è il sentimento che è rimasto a identificare il mio rapporto con la pratica della pittura. Nei tentativi degli inizi, ero attratto dal calore della materia, dalla corporeità degli impasti.

Spesso, dopo aver riposto i lavori ad asciugare nello sgabuzzino delle scope (il primo sacrarium della pittura), tornavo per vedere se quel brivido, se quel “pulsare” del colore che osservavo in corso d’opera, si fosse spento o se invece, si fosse saldato nell’amalgama dell’immagine.

 Chi sono per te gli uomini raffigurati?

Al momento sono più che altro ragazzi, soggetti d’affezione tanto generici quanto legati a memorie autobiografiche, figure colte nelle pause dalla scuola o sullo sfondo dei parchi cittadini.

Possono anche essere ritratti di amici e talvolta, autoritratti. 

Più in generale credo di poter dire, che la figura proprio per la sua fisicità e l’addensarsi di dimensioni narrative e psicologiche, vada ridimensionando aspetti allusivi e metaforici: di entrare in contatto con quanto di concreto, espressivo, se si vuole anche impuro, è nella vita e nel presente.

Che importanza ha nella tua vita la figura maschile?

Questo potrebbe essere più un quesito psicoanalitico che pittorico.

La pittura si serve di tutte le pulsioni, anche di quella sessuale ma insieme con altre forze e risorse.

Tuttavia la domanda è proprio sulla figura umana e d’istinto, penso immediatamente alla bellezza: ma quale bellezza? L’unica che m’interessa è oltre il canone, quella che si manifesta più profondamente nella libertà d’approccio, nelle ‘occasioni’ del quotidiano, imprendibile e sublime.

Così posso dire che fra l’esibizione dello strazio, tanto presente in gran parte della scena contemporanea e invece, la possibilità di una fiducia nei sensi e nei sentimenti: ho scelto proprio quest’ultima via, quella che spero lontano da una sciocca celebrazione, tenti una ricomposizione dei nostri conflitti.

Ci parli un po’ delle tecniche che utilizzi? 

Non utilizzo una sola tecnica, la tendenza sarebbe di disfarsi dei passaggi obbligati, di uscire da quei principi, metodologie che a mio avviso possono costituire un ostacolo all’espressione.

In generale sono per una certa fluidità del segno, per una forma che tende a essere aperta libera da una progettualità vincolante. Dipingo in modo che la traccia del colore assuma una valenza corsiva e un po’ grafica, con spazi bianchi tra le stesure.

I colori dei tuoi dipinti si alternano da tonalità neutre e delicate a tocchi caldi e freddi più intensi, ci parli del tuo rapporto con il colore?

Il colore nel mio lavoro non ha una sua ragione solo in riferimento a una forma esterna, ha una fisicità propria, una consistenza che gli viene dal gesto, dal tocco che tutto il corpo con le sue tensioni e i suoi umori gli imprime.

Per registrare questa varietà di tracce e stesure, di preferenza dipingo su un supporto chiaro in modo che i toni abbiano una lucentezza interna.

Impasto fino a ridurre a una poltiglia neutra la pasta brillante dei tubetti, ricavandone una sorta di grigio grafite con cui do avvio al quadro; può capitare che continui su un registro basso come di bordone, più spesso lascio esplodere il colore in tutta la sua luminosità.

I tuoi lavori sembrano avere un velo di malinconia, è cosi?

Senz’altro la malinconia è un tratto del mio temperamento, disposto al ricordo e alla divagazione bizzarra.

Tuttavia, senza indulgere in un pessimismo arrendevole (cerco anzi di contrastarlo), direi che la pittura si possa nutrire anche di una certa esitazione, di un’ombra, di un indugio che sottragga l’immagine alla pura rappresentazione.

Mi accorgo di desiderare una misura tranquilla e accogliente, questo tuttavia, non mi impedisce di sentire l’esigenza di dover precisare, mettere a fuoco e ancora di studiare.

Cosa ti ispira maggiormente nella vita?

Direi la vita stessa. Nonostante le timidezze, la ritrosia – e talvolta i blocchi- quello che cerco, probabilmente a contrastare questi aspetti caratteriali così frenanti, è proprio l’immersione dinamica e imprevedibile delle cose del mondo. 

Hai in programma delle mostre?

Qualcosa è in cantiere. Sto mettendo insieme appunti e disegni, sul paesaggio che vedo ogni mattina aperte le imposte, e ancora lavoro alle immagini dei ragazzi impegnati nelle partitelle di calcio, o negli spostamenti tra casa e scuola: figurette allegoriche dell’immediatezza gioiosa e semplice della pittura. 

L'articolo Giulio Catelli: la vita è la mia ispirazione. proviene da Toh! Magazine.

Andrea Collesano è amante della natura sotto ogni sua forma. È la sua principale fonte di ispirazione. Nelle sue tavole invecchiate con un sapore di tempi antichi, disegna a china nera insetti, balene e misteriose creature.

Andrea Collesano fa riflettere come nel suo universo l’armonia sia migliore quando c’è equilibrio tra le differenze. È un pensiero che dovremmo adottare nella nostra vita, sempre. Come accade appunto in natura dove non importa quanta differenza ci sia tra le specie, perché tutti sono qui per un significato dialogando con tutto ciò che li circonda.

I disegni di Andrea Collesano trasportano così in una realtà diversa, dove la fiaba si mescola al surreale e al reale. Un universo parallelo, dove madre natura domina incontrastata e dove non esiste alcun segno dell’uomo se non nella china di Andrea Collesano. Attraverso le sue opere ci invita a cogliere la magia della natura e quindi della vita stessa, colma di diversità, che arricchiscono la nostra esistenza e il nostro essere uomini. 

Mi racconti quando e com’è nato il tuo rapporto con l’arte?

Il mio rapporto con l’arte, il disegno in particolare, è nato con me. Il 25 novembre 1980. Rispondo così perché da che ho memoria mi ricordo impegnato con le matite colorate in mano e un foglio di carta davanti. È nato con me, sicuramente, ma poi è cresciuto grazie, inizialmente, a mio padre e mia madre. Loro per primi hanno apprezzato la mia naturale predisposizione. È un rapporto cresciuto e fortificato tra i banchi di scuola, il Liceo Artistico di Lucca e l’Accademia delle belle arti di Firenze dove ho condiviso con altre persone le mie stesse idee. Crescendo ho unito le mie più grandi passioni con naturalezza, il disegno e la natura, facendone il mio lavoro.

La natura è l’elemento trainante nei tuoi lavori. Che cosa rappresentano la flora e la fauna per te?

Se da bambino ne ero semplicemente attratto e incuriosito adesso Flora e Fauna sono qualcosa di più di ammirazione, bellezza e meraviglia. Sono sempre più consapevole dei danni che l’uomo quotidianamente fa all’ambiente. Flora e Fauna adesso sono anche qualcosa da proteggere. Le figure che creo e mostro in giro per il mondo vogliono far capire allo spettatore che la natura è la cosa più importante per tutti noi, siamo strettamente collegati alla natura, non ne siamo al di sopra. 

I tuoi soggetti passano da minuscoli insetti ai grandi cetacei. Se Darwin li avesse visti probabilmente li avrebbe voluti inserire nel L’origine Delle Specie. Come parte la scelta dei soggetti che vuoi rappresentare?

Dagli insetti ai cetacei passando per molluschi, invertebrati, mammiferi, uccelli e pesci di ogni genere.

Amo tutte le creature esistenti, ogni animale è a suo modo affascinante e incredibile.

Scelgo i soggetti dopo aver sfogliato un volume di una delle mie tante enciclopedie sulla natura… o a seconda del prossimo progetto espositivo… anche a seconda dei miei sogni notturni, è capitato e capita spesso che rappresenti un animale ricordato al mio risveglio. E ancora vi svelo questa curiosità… spesso è proprio la carta che coloro, rendendola simile a vecchio papiro che mi indica, con le sue macchie, il soggetto da preparare.

Quello che apprezzo delle tue opere è l’atemporalità di quello che disegni, come riesci ad ottenere questo piano d’interpretazione?

Credo che questa idea di un lavoro senza tempo, non ricollegabile nell’immediato ad un disegno antico ne ad un lavoro contemporaneo, sia proprio merito del colore della carta, oltre che agli spesso bizzarri accostamenti di soggetti appartenenti a specie diverse, nella realtà sarà molto difficile vedere un cavalluccio marino di fronte ad un elefante o ad una civetta.

Al primo impatto i miei lavori possono ricordare una vecchia tavola scientifica di un qualche zoologo vissuto un paio di secoli fa ma osservando attentamente si notano particolari che non rientrano assolutamente in quel periodo storico.

Credo che questo crei la sensazione di atemporalità oltre, evidentemente, all’assenza di chiari riferimenti umani che potrebbero dare indizi precisi. Protagonista è semplicemente la Natura che è senza tempo.

Sono personalmente un amante dell’antico, del perduto e dei simboli. Tutti elementi presenti nei tuoi lavori. Quanto contano per te queste caratteristiche?

Contano moltissimo. Sono quelle cose in più che rendono distinguibili i miei lavori da semplici rappresentazioni animali. I miei lavori sono “riconoscibili” tra milioni di altri lavori, anche per questi abbinamenti tra gli animali protagonisti ed i simboli astronomici, zodiacali, esoterici e magici. I richiami all’antico, spesso le mie miniature sono inserite all’interno di originali e volutamente non restaurate cornici antiche, sono il legame forte tra passato e futuro. Contribuiscono a spiazzare l’osservatore, a non far capire immediatamente cosa stai guardando. Chi vuole saperne di più si deve soffermare. 

È come se l’onirico e la scienza si incontrassero in quello che disegni, in un contesto dove la presenza umana è completamente assente. Non vi è alcuna traccia. A volte penso che il mondo sarebbe stato meglio senza di noi dopo quello che stiamo facendo alla natura. Che ne pensi?

Io penso che sicuramente il mondo starebbe meglio senza di noi. Immagino spesso il pianeta avvolto nel silenzio post-apocalisse, all’aria pulita che ci sarebbe, al riequilibrarsi della natura. Ma ci siamo e speriamo di riuscire prima o poi a sistemare i nostri errori facendo scelte più etiche ed empatiche con quello che è vivo come noi e che ci circonda.

Da quale ti senti maggiormente rappresentato e perché?

Mi sento rappresentato in egual maniera da onirico e scienza. I miei lavori sono in equilibrio tra queste due cose. C’è la scienza e lo studio nella rappresentazione degli animali, dei fiori e dei frutti che disegno. Al contempo c’è qualcosa di onirico nell’accostamento dei soggetti, nella loro collocazione e nell’abbinamento dei simboli. Il mio operato è davvero una catena tra sogno e realtà.

Credo che i tuoi disegni abbiano la capacità di trasportarci in realtà differenti, surreali ma che fanno riflettere su tematiche come il fatto che in natura l’equilibrio esiste grazie all’armonia tra le differenze. Sarebbe bello che anche noi umani adottassimo lo stesso pensiero. Che ne pensi?

Sicuramente l’armonia tra le differenze porta ad essere tutti più ricchi interiormente, più consapevoli, meno egocentrici. 

Penso che, nonostante molti passi fatti in avanti, siamo ancora abbastanza indietro per quanto riguarda tematiche come inclusività , rispetto e tutela dei diritti civili.

A proposito di umani credi che disegnerai mai degli uomini?

Amo il corpo umano, l’ho disegnato per anni ai tempi della scuola. Ho disegnato il corpo umano ma sempre contaminato dalla figura animale. La mia tesi di laurea l’ho fatta sulle figure metamorfiche di un grande artista del passato, Arnold Bocklin. Ho disegnato corpi nudi maschili con testa di toro, tritoni e sirene con lunghe code di pesce… centauri metà cavalli e metà uomo e sfingi dalla forma leonina. Anche ai tempi della scuola non potevo fare a meno di inserirei miei amati animali ovunque.

Chissà, magari in futuro tornerò a fare qualcosa di simile!

Sono un fanatico delle cabinet of curiosities, ho la sensazione che casa tua potrebbe essere così. Mi sbaglio?

Casa mia è proprio così. Mio babbo da piccolo mi portava sempre ai mercati dell’antiquariato ed io ero e sono molto curioso. Ho iniziato a raccogliere e collezionare oggetti strani di vario genere. 

Tutto ciò che ha qualcosa da raccontare mi attira, mi piace immaginare a chi era appartenuto un oggetto trovato sui banchi di un robivecchi o nella vetrina di un antiquario. Sono certo che ogni cosa ha un energia misteriosa, ogni oggetto intrappola dentro di se una qualche emozione di chi l’ha amato, una scintilla…

Non so se mi sono spiegato… ad esempio, amo moltissimo le vecchie decorazioni in vetro soffiato di inizi novecento. Immaginate quanta gioia hanno portato questi fragili capolavori di artigianato agli occhi dei bambini.

Mi hai detto che sei un follower di TOH! Che cosa ti piace di noi?

TOH! è un perfetto mix di approfondimento su arte contemporanea, fotografia , musica e informazione a 360 gradi ed in modo particolare ha un occhio attento su ciò che interessa il mondo LGBTQ+ di cui faccio orgogliosamente parte. Mi piacciono le vostre interviste e le curiosità che TOH! propone. E poi, come ti dicevo rispondendo a qualche domanda indietro, amo il corpo umano e come riesce a comunicare, è arte… e i protagonisti dei vostri post sono sempre un gran bel vedere. 

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Adoro che tu abbia mostrato una nuova immagine di lui, Che tipo di uomo pensi che sia?

In pratica tutti quelli con cui sono uscito assomigliano in qualche modo a Bluto. Per sei anni ho frequentato un ragazzo che gli assomigliava molto ed era bottom.

Non ho potuto fare a meno di includerlo nella mostra, ho creato delle immagini di Bluto con il sedere al vento che me lo hanno ricordato molto.

C’è sotto qualche messaggio in quest’ossessione?

Il progetto “2 Years of Bluto” significa veramente molto per me: in due anni ho realizzato 230 tele. Mi ha insegnato a dipingere – non ho mai avuto una formazione classica – e a perdonare.

L’argomento m’intrigava perchè Bluto mi ricordava il mio defunto padre, sempre aggressivo e di cattivo umore. Passare due anni a dipingere Bluto è stato un modo per meditare sulla duplice natura di mio padre, quella buona e quella cattiva.

Ho imparato a perdonare, e questo mi ha tolto un grosso fardello.

E mi ha permesso di avere fiducia nella mia capacità di assumermi rischi come pittore e continuare a spingermi oltre, una qualità che ho appreso proprio da mio padre.

Qual è la cosa che ami di più nell’essere un artista?

Quando ero bambino, le lezioni di arte a scuola erano le uniche in cui non mi sentivo stupido, anzi, riuscivo molto bene e mi sentivo davvero me stesso.

È quella sensazione che mi fa sentire un artista, non ho mai smesso di portatla con me.

A cosa stai lavorando?

Parte dello show di Bluto andrà a Los Angeles per essere inclusa nell’asta di beneficenza per il Project Angel Food, e un’altra parte sarà visitabile alla Postmasters Gallery di New York in occasione della mostra dedicata ai 50 anni di Stonewall.

Find out more  Erik Hanson Erik Hanson

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Collegamenti alla psiche umana, riflessi del proprio essere e una quantità di tratti intersecati tra loro sono alcune delle caratteristiche che Adam Riches espone con i suoi lavori. Tonalità scure, misteriose in contrasto a sfondi bianchi e puliti, regalano un senso d’imponenza e anche inquietudine.

Da dove nasce la scelta di utilizzare una tavolozza di colori monocromatica?

Sono sempre stato uno che disegnava con matite e penne nere o monocolore. Quindi penso che quando ho iniziato a dipingere probabilmente mi sentivo più abituato a lavorare in monocromia. Mi sento attratto dai lavori monocromatici.

Le tue opere sembrano avere uno stretto rapporto con la psiche umana, è cosi? 

Sì, la psicologia del comportamento umano mi ha sempre interessato.

Le opere intuitive devono essere in qualche modo una manifestazione della mia psiche.

Cosa ti ha scaturito o ti continua a scaturire la voglia di creare opere cosi piene di significati emotivi in rapporto alla società?

Sono sempre stato interessato a quello che succede nel mondo, in particolare ai conflitti. Quindi suppongo che sia inevitabile che questi problemi influiscono il lavoro che faccio.

Le tecniche che utilizzi sono scelte di stile, o sono anche esse collegate a un significato più profondo?

Lo stile e le tecniche si sono evolute nel corso degli anni e sono cambiate attraverso l’utilizzo di materiali diversi. Non penso che siano state davvero decisioni consapevoli, ma sono nate dai processi di fare lavoro.

Cosa ti piace di più scoprire di una persona?

Cosa li fa ridere.

Cosa non ti piace invece sapere?

Non ne sono davvero sicuro… Quando lo scoprirò probabilmente lo saprò.

Le tue opere sono anche un po’ un riflesso di te stesso, o no?

Penso che probabilmente lo siano in qualche modo. Penso che si possa dire per tutti gli artisti e creativi.

Cosa non sopporti maggiormente della società odierna?

La polarizzazione e ritorno al tribalismo.

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Trasferitosi a NY, dove ha studiato sociologia alla Columbia, da 8 anni realizza fotografie di wrestlers, cowboys, amici, amanti e sconosciuti. Quello che mi ha colpito del suo lavoro è il suo modo di fotografare il genere maschile, senza cadere nello scontato o in cliché.

Che ricordi hai della tua vita a Westlake Village?

Ho molti ricordi e molti legami di cuore verso la California in generale, è dove sono cresciuto, dove ho trascorso del tempo quando ero militare ed entrambi i miei genitori sono andati alla high school nel sud della California.

Come ogni città natale ha degli aspetti buoni ed aspetti cattivi. A New York è stato difficile trovare qualcuno che fosse fan della California, di Los Angeles in particolare.

Le persone pensano che sia tutta facciata e superficiale. Non sono d’accordo. L.A. e la Bay Area sono le capsule di Petri della buona arte visiva, della musica e delle performance.

Com’è stato trascorre sette anni della tua vita nel corpo dei marines americani? Non credi sia stata una decisione dura da prendere per un bambino?

Al tempo, mi sentivo come se fossi pienamente cresciuto. Con il senno di poi intravedo una certa avventatezza infantile o per lo meno una certa ossessività dietro tale decisione. Non ero alla ricerca dell’opinione o del permesso di nessuno.

Sono giunto presto alla decisione, dopo una o due settimane dall’incontro con un reclutatore, ma il desiderio di far parte dei Marines è iniziato da piccolissimo.

Mio padre ha fatto parte dei Marines ed era trattato con enorme rispetto nella nostra famiglia, è semplice quindi vedere come io aspirassi al modello di mascolinità militare.

A che età quindi ti sei accettato ed hai fatto il coming out?

Da giovane ero profondamente a disagio riguardo la mia sessualità e per questo ho mantenuto molti segreti nei confronti della mia famiglia e dei miei amici.

Nei miei primi vent’anni ho cominciato ad uscire allo scoperto con loro ed è stata un’esperienza positiva anche se alcune vecchie insicurezze persistono.

Per me il coming out è un’esperienza che continua ancora. È più il fatto di essere allo scoperto che quello di uscire allo scoperto. Il primo è un evento, l’ultimo è qualcosa che tutti possono praticare ogni giorno, si tratta soltanto di fare uno sforzo per essere autenticamente se stessi.

Quando ti sei trasferito a NY quale é stata la tua prima impressione? Avevi qualche aspettativa?

Mi sono trasferito a NY circa 8 anni fa, c’ero stato una volta con il mio ragazzo che sapeva muoversi in città. Poi quando mi sono trasferito ho cominciato ad esplorarla da solo, ho impiegato sei mesi per conoscerne la maggior parte e ad un certo punto mi sono accorto che NY non è uno scherzo.

Mi sono concentrato, ho finito i miei studi ed ho fatto lavori d’ufficio, è solo nell’ultimo paio d’anni che sono stato in grado di mettere tutta la mia attenzione sul mio lavoro creativo.

E in quel momento hai capito che avresti voluto fare il fotografo?

Sin da bambino sono stato affascinato dalla fotografia, mio fratello maggiore era bravissimo a surfare e ad andare in skate, io no, così ho iniziato a scattare delle foto.

Col tempo mi è stato affidato il compito di eseguire ritratti di famiglia durante le vacanze e poi ho cominciato a fare moltissime foto per conto mio.

Ho ricevuto molti incoraggiamenti da parte dei miei per non parlare anche dal lato finanziario sopratutto quando ho iniziato. Tutti quei vantaggi erano gli ingredienti chiave a cui dipendeva il mio interesse nella fotografia, ho fatto anche altri lavori artistici con altri supporti, ma la fotografia è sempre stato per me quello fondamentale. 

Mi piace molto il tuo approccio nel fotografare gli uomini, è semplice ma non ovvio, come lo descriveresti?

Quando vedo le cose in anticipo si tratta di dare forma al contesto in cui lavorare, dipende, ma generalmente tendo a creare un palco su cui improvvisare, mi piace avere una direzione da seguire ma anche lasciare al valore della spontaneità un ruolo importante in cui giocare.

Solitamente non vado in giro a cercare la foto, bensì ho in mente location o modelli o schizzi di un’immagine che mi piacerebbe creare. Inizio da lì a costruire una narrativa libera o a scegliere una tecnica o uno strumento che penso possa funzionare.

Fortunatamente per quanto si cerchi di pianificare il mondo continua a produrre l’imprevedibile, così quando è il momento di scattare, cerco di accettare la sorpresa.

Il modo che hai di comunicare attraverso le immagini lascia a chi le guarda la possibilità d’immedesimarsi attraverso le proprie esperienze, è questa la tua intenzione?

Ogni volta che qualcuno ritrova se stesso nelle mie foto mi sento lusingato. Provo in ogni modo a produrre lavoro che riveli una mia storia personale e cerco di farlo all’interno del mio contesto giornaliero.

I lavori di still life che faccio di solito li scatto nella mia casa o durante i miei viaggi. Molti dei modelli che uso sono amici e famigliari, i miei fratelli sono stati tra i miei primi modelli.

Ho più paesaggi californiani di qualsiasi altro posto. Non so se possa esistere una stretta relazione tra i miei rapporti personali con quelli di qualcun’altro, ma credo sia possibile.

Hai qualche ricordo particolare riguardo ad uno dei tuoi shooting che vorresti condividere?

Ho imparato una dura lezione quando ero più giovane. Ero al liceo e stavo seguendo un corso di fotografia in bianco e nero, ispirato da quella di strada e dalle storie su Dan Eldon.

Immaginandomi come un fotoreporter decisi di saltare la scuola e con una mia amica abbiamo guidato fino ad Hollywood per fotografare la gente per strada.

Per una mancanza di ragionamento e con leggerezza sono rimasto scioccato dal fatto di scoprire che non potevo scattare foto di sconosciuti per strada a mio piacimento. All’inizio ero così vergognoso che decisi di fotografarli di nascosto.

Alcuni mi urlarono dietro e rimasi mortificato. Decisi allora di fotografarli a distanza, ma non erano le foto intime e personali che mi ero proposto di fare.

Finalmente incontrai una giovane ed amichevole marchetta che mi convinse che “l’husting” non era altro che un gruppo di omosessuali che stavano in piedi per strada a rubarsi i portafogli, diciamo una mezza verità da parte sua.

In ogni modo è stato un corso di rottura nello strano dinamismo che intercorre tra il fotografo e il soggetto. Ho imparato che le persone non sono animali dello zoo e che conviene sempre chiedere in maniera gentile prima di fotografare qualcuno.

Fai molti ritratti, c’è qualcuno che vorresti fortemente fotografare?

Ci sono centinai di persone che vorrei fotografare, non mi viene in mente nessuno che vorrei non fotografare, per quanto riguarda le celebrities al momento non sento nessun forte desiderio di fotografarne alcuna. E con questo dico anche che non mi rifiuterei di fotografare Nathaniel Brown. Per nulla.

Penso che ci sia una forte sessualità nelle tue fotografie, è lì e anche se non è così esplicita la si percepisce, quanto è importante per i tuoi lavori?

La sessualità ha grande peso nei miei lavori, come il sesso. L’arte è uno dei moltissimi modi per esplorare se stessi. Come la sessualità è stato un soggetto enorme per la mia crescita, credo si una conseguenza naturale il fatto che scaturisca dalle foto che faccio.

Anche se non ho mai voluto essere classificato come un fotografo omo-erotico. Non rappresenta tutto di me, anche se mi rendo conto e mi va bene che molte delle mie immagini hanno riferimenti all’erotismo o al sesso.

Cosa ti attira nelle persone che scegli per i tuoi scatti? Come li scegli?

Seguo il mio istinto, alcune volte penso di scegliere dei soggetti che in cui rivedo parte di me stesso. Altre volte invece li scelgo proprio per il motivo opposto perchè sembrano avere delle qualità che a me mancano e a cui aspiro.

C’è qualche genere musicale che ti piace ascoltare quando fotografi?

Hip Hop, Hip Hop, e Hip Hop. Quest’anno appena passato ho ascoltato tantissimo Big Boi e l’ultimo album di Kanye ma anche alcuni intramontabili come KRS e Wu-Tang. 

Che cosa reputi sexy, che cosa ti eccita?

Le vacanze sono dannatamente sexy. Il viaggiare in città diverse ed incontrare nuove persone divertendosi e scopando in giro, quelle per me sono state le esperienze migliori.

Che persona è Josh McKey?

È un orsacchiotto.

Cosa ti piace fare quanto non fotografi?

Mi piace disegnare e scrivere a mano. Ultimamente sto mandando molte lettere. Controllo internet per qualcosa di più vasto ma per quanto riguarda gli amici e la famiglia rimango in contatto con lettere scritte a mano.

^{QUESTA INTERVISTA E’ APPARSA PRECEDENTEMENTE SU TOH! N°3}

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Kevin ha da poco concluso a New York la sua prima mostra Fuck The Gold Years presso la galleria Casa De Costa, dove sono state raccolte più di quaranta fotografie, spesso associate al mondo hip-hop e che camminano su quella sottile linea che è il confine tra arte e moda, con immagini crude non filtrate, di un’innocenza sporca.

Amato è nato a Massapequa, New York dove si è laureato alla School of Visual Arts, attualmente risiede nel Bronx, ricca fonte d’ispirazione per le sua fotografia istintiva e spontanea, che non è altro che una sorta di documentario di ciò che cattura la sua attenzione ed un suo personale modo di accogliere e vivere la vita al massimo.

Mi parli del tuo background?

Sono nato e cresciuto a New York, all’interno di una grande famiglia italiana di Brooklyn della vecchia scuola, con le cucine nel seminterrato, enormi vasi di cetrioli in salamoia e la salsa di pomodoro fatta una volta per durare tutto l’anno. Non è più così negli States. Tutto ciò richiede un apriscatole ed una produzione di massa. Fortunatamente, mio cognato è di Napoli, quando vado a trovare lui e mia sorella mi benedicono con cibo per mesi! La mia famiglia mi ha sempre sostenuto e mi ricorda di rimanere umile e riconoscente.

So che vivi nel Bronx, cosa ti piace maggiormente di quel quartiere?

La ricca storia, un paesaggio incontaminato, le nomenclature ed il senso di comunità, è un quartiere prevalentemente spagnolo, africano ed italiano. Il territorio è marcato spesso, ogni strada ha la propria entità ed identità. Alla gente non frega un cazzo ed il caos è di routine. La polizia ed i politici ne stanno alla larga, perché non c’è molto denaro e non è riconosciuto il valore. Penso che sia questo che ha tirato fuori la parte più ruvida che c’è in me.

Cosa ti ha spinto a fare fotografie?

Mio padre era un fotografo dilettante nel 1970. Ha lavorato come buttafuori al Mudd Club, l’onestà e l’energia nelle sue immagini mi hanno sempre ispirato crescendo. Mia madre proveniva da una famiglia irlandese di hustler e cantastorie. Credo che fosse naturale per me avvicinarmi a fotografia ed estetica.

Mio fratello mi ha dato la mia prima macchina fotografica che aveva rubato ad una festa che una ragazza aveva fatto in casa quando eravamo bambini, ricordo che la sua famiglia era molto ricca. I miei genitori dopo essersi accorti che avevo preso la fotografia seriamente mi hanno costruito una camera oscura fatta in casa nella cantina.

Fai i casting in base ai tuoi concetti?

Scelgo le persone che hanno un look che si contraddistingue o hanno qualcosa di speciale, un tratto unico, fresco e che non sono tipicamente rappresentate nell’arte e nella moda. Il concetto è di solito il pericolo divertente…ma io non gioco i numeri. Dopo aver fatto il casting arriva il concetto che solitamente riguarda loro o noi.

Il tuo lavoro è assolutamente positivo, quasi euforico. Il lato dark di tristezza, dolore, malinconia o il dolce amaro hanno mai risuonato nel tuo lavoro?

La vita è quello che fotografo, come un fotografo di reportage. Essere presente, onesto e rivelandomi personalmente un po’ in ogni fotografia che faccio. Mi muovo dentro e fuori dalla vita di molte persone, come un nomade che a volte può portare l’oscurità.

Naturalmente essere in grado di far riferimento a ricordi o momenti visivi nella mia vita può essere dolce amaro. C’è abbastanza paura e tristezza in tutto il mondo, penso ci sia sempre un modo per vedere la positività nel buio o nella tristezza.

Qualcuno una volta scrisse, riferendosi al mio lavoro, che avvolgo siringhe, sesso, cazzi e fighe in una coperta d’intimità ed onestà, per quanto divertente possa sembrare mi piace crederci. Non sono un sensazionalista, sono un positivo realista. La vita dovrebbe essere vissuta senza paura ed al meglio. Abbiamo fatto in modo di essere macchine robuste.

C’è sicuramente uno spirito giovane all’interno del tuo lavoro. Le tue fotografie evocano una sensazione di gioie adolescenti, di malizia, e dissoluta sperimentazione. Vedo nel tuo lavoro innocenza e libertà, come quando da bambini, solo per puro divertimento, ci si toglie il costume e si danza in giro nudi. Che ne pensi?

Mi piace una spruzzata di dissolutezza, è un modo interessante per dirla. Ma sì, è tutto questo alla fine. L’elemento di spontaneità, un po’ di malizia, di cattiveria, spiritualità, divertimento ed esplorare gioiosamente il pericolo e l’innocenza; è il salto nella pozzanghera, il ballare nudo come un bambino, la sensazione prima del primo bacio.

Cosa guardi per trarre ispirazione?

La vita quotidiana, i viaggi in metropolitana, calpestare il pavimento di NYC, il bottino, la moda e la gente.

Uno dei tuoi progetti speciali si chiama Holiday: Italia, qual è il tuo ricordo preferito del mio paese?

Il matrimonio di mia sorella nel nord di Napoli, in una città chiamata Rotondi.

Mi racconti qualcosa della tua ultima mostra F * ck The Golden Years?

F * ck The Golden Years era qualcosa che mia nonna, Marie, diceva sempre. Ci ha lasciato l’anno scorso. Era un osso duro, sempre frenetico e divertente. Leale, amorevole, onesta, con la lingua con le radici di Brooklyn.

F * ck The Golden Years era il suo modo di dire, di accogliere e vivere la vita al massimo adesso. Per essere sincero con te stesso e non lasciare mai che un giorno o i minuti ti passino davanti.

Ti sei mai messo nei guai con la legge per scattare fotografie?

Sì. Divieto d’accesso, combattimenti di strada, foto di guerriglia senza permessi obbligatori.

Molti artisti continuano a concentrarsi sui giovani mentre invecchiano, Larry Clark è un esempio, credi che continuerai a concentrarti sui giovani anche tu?

Non sono mai sicuro di ciò che viene dopo, la vita è spontanea. Credo però fortemente che il mio lavoro sarà sempre incarnano d’energia giovanile.

Nelle tue fotografie a volte sento un’oscillazione tra auto-oblio e auto-presentazione. Cerchi questi momenti particolari? Provi a ricrearli? Oppure capita in location?

È ciò che lo spettatore sceglie di vedere. Alcuni sono momenti personali, altri sono messe in scena e ci sono sempre gli errori belli che facciamo.

Essere fotografati e scattare foto è diventato una parte così imponente nella vita di tutti i giorni che non si fa più caso o viene dato per scontato, cosa ne pensi?

Sono d’accordo, ci sono così tanti talenti là fuori, ma allo stesso tempo, siamo così eccessivamente stimolati dalle immagini. Ecco perché a volte il bello è spegnere tutto ed evitare di guardare la televisione e leggere riviste a cazzo! Evitare Times Square!

Ti ricordi quali sono stati i primi oggetti che eri ossessionato di fotografare?

Lo stomaco e le ossa dell’anca, quando avevo tredici anni. A quattordici anni ho fatto un libro sullo stomaco di tutti i miei amici. Eravamo solo un mucchio di chiassosi skaters del cazzo, emo e hip-hop kids.

Ti capita mai di eccitarti durante un tuo servizio fotografico?

Oltre la mia immagine personale di amanti passati e presenti… non proprio.

Il processo di catturare la fotografia reale è eccitante, è meglio del sesso per me, con la fiducia tra il mio soggetto e me stesso.

Perché non fotografi le persone nude? C’è un feeling erotico nel tuo lavoro che lo giustificherebbe, ma allo stesso tempo credo sia meglio che tu non lo faccia. Che ne pensi?

È divertente e ludico. Chiunque può fotografare una persona nuda ed in effetti il sesso vende. A volte può essere un po’ birichino, in altri momenti un po’ spirituale, ad ogni modo noi vogliamo quello che non possiamo avere. La nudità elimina la necessità di guardare più in profondità in una fotografia, è diverso da quello previsto. Ho fotografato attori porno nudi per The Hood by Air per ShoppeStayLovely.com.

Hai un pubblico ideale in mente?

No. Il pubblico è un po’ limitante. Sono cosciente riguardo all’essere diverso, pur essendo fedele al mio stile e cuore.

Come ti descriveresti?

Piacevole, onesto e divertente, ma a volte timido.

QUESTO ARTICOLO E’ APPARSO PRECEDENTEMENTE SU TOH! N. 9

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Marko Tubic attraverso i suoi lavori riflette se stesso e la sua anima, un lavoro di autoanalisi che rende il tutto molto più affascinante di quanto già lo sia. Giochi di ombre, chiaroscuri, corpi che si intersecano, che si mescolano tra corpi maschili e femminili e che si duplicano sono gli elementi dell’arte di Marko Tubic. Un’arte che sfocia nel surrealismo e che è ricca di molti significati seppur non esposti in maniera diretta. Una relazione di contrasti e di riflessi è ciò che Marko Tubic riesce a creare attraverso i suoi quadri.

I tuoi lavori hanno come protagonista il corpo, sia maschile che femminile, come mai questa scelta ?

Amo semplicemente il corpo umano nudo. Il mio lavoro è molto introspettivo, i protagonisti maschili si relazionano spesso con me come se stessi dipingendo letteralmente il mio stesso corpo.

I corpi femminili sarebbero la parte immaginaria.

Quando hai iniziato a dedicarti all’arte?

Fin da piccolo sapevo che preferivo disegnare molto più di ogni altra cosa, ed ero determinato a diventare un artista. Anni dopo, mi sono reso conto che va molto oltre la semplice pittura di un buon quadro.

Essere un artista è essere profondamente connesso alla propria anima, che non si dovrebbe mai compromettere o tradire.

È una connessione diretta con Dio.

Perché la scelta di moltiplicare alcune figure o alcuni dettagli più volte?

Questo è qualcosa di nuovo su cui sto lavorando. Sono rimasto affascinato da questa strana persona dai “molti volti” che ho incontrato di recente. Non ho mai saputo che un volto umano potesse trasformarsi costantemente, proprio lì davanti ai miei occhi. Il suo viso rifletteva una varietà di emozioni così vividamente e così velocemente che ne fui sopraffatto, chiedendomi come fosse possibile.

La sua personalità mi stava completamente sfuggendo e non riuscivo a capire niente di lui.

Poi ho dipinto “A Guy With a Face That Changes”. È stato un grande successo e ha dato una prospettiva completamente nuova al mio lavoro.

Le figure che ritrai hanno spesso delle parti esagerate, perché?

Questo accade spontaneamente. Mi lascio andare, seguendo solo le regole di una composizione ben organizzata.

I soggetti rappresentati sono personaggi di pura creatività o persone reali?

Tutti questi dipinti sono le mie storie interiori, quindi mi sono sempre sentito un po’ a disagio quando ho cercato di coinvolgere qualcun altro, specialmente le persone a me vicine. Tuttavia, a volte dipingo i volti che mi piacciono, ma evito di usarne le foto.

Che rapporto hai con il colore?

Può sembrare strano per alcuni, ma non dipingo affatto alcuna sfumatura. Uso colori chiari sullo sfondo nero, e solo con lo spessore degli strati la forma diventa visibile. La maggior parte delle volte uso solo la tinta carne e il bianco. Il mio rapporto con i colori è che mi piacciono puri, quindi raramente li mischio. Preferisco i colori freschi e vibranti.

Perché spesso troviamo il fallo rappresentato in erezione, spesso anche molto più grande dallo standard che immaginiamo?

In molte culture fin dagli albori degli uomini, il pene eretto era un simbolo di fertilità, dominio, forza e potenza.

Ti ritrovi un po’ nella pittura metafisica?

Assolutamente. Tutti i miei dipinti rappresentano il mondo immaginario, o quello che penso si nasconda al di là della realtà visibile.

Quali soggetti riscontrano più successo dal tuo pubblico? Secondo te perché?

Presumo perché il mio lavoro mostra apertamente alcuni problemi profondamente personali, quindi le persone si relazionano ad esso a livello emotivo.

Ho avuto la fortuna di avere un pubblico sincero e devoto.

Tutti i soggetti si sono rivelati vincenti. La serie “Madri”, raffigurante una donna dipinta di spalle, sarebbe uno di quei dipinti che puoi facilmente mettere su una parete nel tuo salotto. Uno di questi è stato persino pubblicato in un libro di testo della scuola elementare. Altre, più provocanti, che probabilmente terresti sotto il letto, ma sono comunque molto ben accettate.

C’è dell’autobiografico nel tuo lavoro?

Certo, questa è l’essenza. Ma tendo a mostrare temi che contengano quegli aspetti universali, archetipici, comuni a tutti noi. Questo è il modo in cui la propria storia personale si relaziona con gli altri.

Com’è la vita di un artista in Serbia?

Molto difficile, con molte lotte, ma ne sono molto grato.

Hai esposto in molte gallerie in tutto il mondo, hai in programma altre esposizioni?

Sto progettando mostre personali che, si spera, dovrebbero svolgersi fino alla fine di quest’anno. Fare una mostra è un progetto che richiede molta energia e non amo molto il processo. Ci tengo molto, voglio che ognuna sia diversa e spettacolare, quindi finisco per essere molto nervoso. Non riesco a dormire o mangiare. Credo di essere un perfezionista.

L'articolo Marko Tubic, un artista connesso alla propria anima. proviene da Toh! Magazine.

Carlos Hache è l’esempio che l’essenzialità è un sostantivo che di sostanza ne ha. Il suo lavoro che sfocia nel mondo del minimalismo, è ricco di significato e di contaminazioni con il mondo della visual art e dell’interior design. Carlos Hache infatti proietta le sue illustrazioni per lo più con soggetti di uomini intersecati tra loro, in luoghi od oggetti diversi dal solito. Dal corpo di un cavallo, alle piscine a bottiglie di detersivi, Carlos crea così un immaginario nuovo e intrigante e sopratutto visivamente diretto. Dai piatti decorati, alle lenzuola e persino sulle candele attraverso le sue illustrazioni sfocia nel mondo dell’arredamento.

Carlos Hache attraverso i suoi lavori ci porta a conoscere il suo mondo puro, semplice e sopratutto tranquillo.

Com’è avvenuto l’approccio con il mondo dell’illustrazione? Qual’è stato il tuo percorso?

Ho iniziato a disegnare da piccolo, mi piaceva ma non ho preso lezioni finché non ho deciso di studiare graphic design e ho capito che ho sempre messo i disegni in tutti i miei lavori di progettazione. Da quel momento ho deciso di studiare illustrazione alla scuola “Arte10” di Madrid. Sono venuto a contatto con molti materiali e tecniche che non conoscevo e mi sono serviti come apprendimento e ispirazione.

Com’è nata l’idea di utilizzare come soggetti dei corpi nudi che si intersecano tra loro?

Penso che l’idea sia emersa, facendo sempre più parte all’evoluzione della tecnica semplificandola sempre di più, sono passato dalla macchia alla linea. Non so perché le figure siano così vicine tra loro… Sarà il mio subconscio. Ricordo di aver fatto molti schizzi nel tempo libero, ho usato un piccolo taccuino e lì in modo rilassato ho provato a fare un puzzle e adattare le figure.

I tuoi lavori trasmettono tranquillità, sei un tipo tranquillo?

Sì, sono molto calmo, cerco la pace e la calma. Magari dipingo quello che cerco.

Come mai utilizzi soltanto i colori primari?

Quando studiavo illustrazione uno degli ultimi lavori era illustrare un libro per bambini, ho fatto uno studio del colore e mi sono connesso con i valori che hanno questi colori. Mi piaceva l’idea della purezza e che il resto dei colori venisse fuori da loro stessi. È un’idea di minimalismo, quei colori mi bastano a esprimermi. È un’idea in cui credo fermamente;

ho sempre pensato che abbiamo bisogno del minimo e che l’essere umano avrebbe bisogno solo della natura per vivere, cioè di ciò che era già stato creato all’origine della vita.

Quando e come hai iniziato a trasportare le tue illustrazioni su basi insolite rispetto alla carta come dei camion, piscine, lenzuola stese e addirittura su un cavallo?

Ho iniziato a trasferire i disegni sulla ceramica e da lì in luoghi non convenzionali per disegnare. Penso che questa idea sia stata innescata in reclusione, cercare oggetti vicino a casa e al vicinato. Ho la necessità di trovare altri posti per dipingere, lo trovo più divertente della carta.

Com’è avvenuto il legame con l’Interior design?

Trovo molto interessante che l’arte sia utile, possa essere toccata e un mezzo con cui interagire.

In quale contesto od oggetto che ancora non hai adoperato vorresti proiettare le tue illustrazioni?

Lo sto ancora cercando, mi ispiro agli oggetti di uso quotidiano che abbiamo in casa, sono anche molto interessato a trasferire la mia arte alla natura.

I soggetti che rappresenti sono fonte della tua immaginazione o persone reali?

Vengono dalla fantasia, ma in passato ho avuto molti riferimenti fotografici che ho disegnato.

Cos’è per te l’essenziale?

Penso che lo stia ancora cercando, ma qualcosa di cui ho sempre avuto bisogno è stato creare e imparare cose nuove.

Durante questo lockdown, cos’è stato per te essenziale?

Ho una nuvola in testa da quel momento, penso che la cosa più essenziale di cui abbiamo bisogno sia la libertà e il contatto con altri umani … Proprio quello che non abbiamo.

Quanto per te less is more?

Potrebbe esserlo in quasi tutto.

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The Kid, un nome che fa sorridere se si pensa che l’artista in questione è autodidatta e a di venticinque anni ha il coraggio di un uomo adulto.

Con la consapevolezza di possedere e nell’usare la sua arte come strumento, come una vera e propria arma con cui manifesta i suoi punti di vista muovendosi in quello spazio che sta tra l’innocenza e la
corruzione umana, l’ingiustizia, il pregiudizio e l’intolleranza.

Attraverso l’uso di sculture e illustrazioni iper realistiche e incredibilmente vivide, The Kid ritrae soggetti che diventano imponenti e provocatori, vittime di condizioni sociali specifiche, dove le loro azioni derivano dalle
conseguenze di una disperazione sociale.

Sorprende l’abilità della tecnica con cui crea sculture a grandezza umana, enormi quadri a olio e tempera o disegni realizzati solo con l’uso della penna Bic, ispirata dai giovanissimi detenuti che ne fanno uso per tracciare i loro rispettivi tatuaggi, simbolo di appartenenza a una gang.

I giovani immortalati da The Kid sono travagliati, corrono selvaggi, tatuati e spaventati, affrontano la vita tremula e incerta in un futuro distopico.

Da quando una delle regine della moda francese e talent spotter Carine Roitfeld ha cominciato a sostenerlo con CR Fashion Book, l’ascesa del giovane artista è stata irrefrenabile, fino a arrivare alla sua ultima
mostra Back To School – A Portrait Of Youth In Revolt al Grand Palais di Parigi durante l’Art Paris 2016

Il ritratto di una Lost Generation con nuovi dipinti a olio su vasta scala di giovani al limite, dove fa da slogan nichilista il tatuaggio “Without Hope, Without Fear” posto sopra gli addominali esattamente tra i boxer e l’impugnatura di una pistola.

Iniziamo parlando dalla tua ultima mostra Back To School – A Portrait Of Youth In Revolt al Grand Palais di Parigi, mi racconti qualcosa?

Gli scorsi dodici mesi della mia vita sono stati un periodo molto interessante, ero esattamente nel bel mezzo della realizzazione della mia nuova mostra, viaggiando su e giù tra il mio studio di scultura in Olanda e il mio studio di pittura e disegno a Parigi.

Lavoravo simultaneamente in entrambi gli spazi alla mia più grande installazione fatta di sculture, nuovi dipinti murali a tempera d’uovo intesa come un’esperienza in cui immergersi totalmente.

Tutto ciò ha visto la luce lo scorso marzo a Le Grand Palais per la mia quinta mostra personale.

Qual è il tuo punto di vista sulla gioventù?

In questa mostra ho voluto ritrarre attraverso installazioni iper realistiche a grandezza naturale, sculture e quadri, il nuovo confronto che percepisco tra la gioventù odierna e il risveglio del nazionalismo e del fascismo.

La gioventù odierna che lotta con la paura dell’odio antico e la
speranza di una nuova rivoluzione per i diritti civili.

Ho ritenuto importante che nella mia nuova mostra, non solo si riproducesse la nostra situazione politica attuale, ma che si facesse risonanza attraverso immagini storiche di giovani che protestavano per i diritti civili e contro la guerra del
Vietnam negli anni ’60 o alle immagini di studenti che di fronte alla violenza della polizia, si difende con armature improvvisate fatte di attrezzature sportive scolastiche come i caschi da calcio americani.

Qual è la parte peggiore e migliore nell’essere giovane secondo te? Come mai hai scelto The Kid come nome?

Troppe persone crescono questo è il vero problema nel mondo. Non ricordano più come sia essere ragazzi, guardano verso gli altri, costruiscono muri per proteggersi dalle differenze e chiudono gli occhi a problemi evidenti nella nostra società.

Per questo ho deciso di usare il soprannome The Kid, che mi è stato dato fin da quando ero piccolo, in ribellione a qualsiasi forma di conservatorismo che viene troppo spesso fuori con l’età adulta.

Adoro i nomi che scegli per le tue opere come: I Go Alone, or God Is Dead and Humanity Is Overrated. Come funziona per te? Scegli il nome prima di lavorare sulla tela o su una scultura?

Non esiste alcuna regola, a volte sono parole che ho letto in un libro, sui muri o sentito in una canzone a ispirare la realizzazione di un’opera, a volte invece ho un’idea visiva e il titolo mi viene mentre sto lavorando.

Ho letto che sei un artista autodidatta. Quando ti sei reso conto che eri così bravo nel creare arte; com’è iniziato tutto?

Per quanto mi ricordo fin da bambino. Mi sono sempre sentito portato a disegnare, dipingere e scolpire le cose per creare il mio mondo e per fuggire dalla realtà. Già in quel momento avevo una visione molto chiara di quello che volevo fare.

Odiavo la scuola, non potevo affrontare la sua mentalità ridotta e il suo modo di pensare privo di originalità. Il fatto di non essermi adattato a uno
stampo prefissato ha generato molta fatica, ma alla fine è stata una benedizione. Ho lasciato la casa che ero ancora adolescente per viaggiare in Europa e in America, facendo molti lavori creativi simultaneamente.

Dopo alcuni anni ho iniziato a sentire che stava davvero diventando vitale
per me smettere di adattarmi alle visioni di altre persone e di seguire solo la mia. Per diversi mesi mi sono dedicato ai miei primi dipinti a carboncino e dei ritratti a matita di olio su carta.

E come ha voluto il destino, ho conosciuto Anouk Le Bourdiec, la giovane e appassionata fondatrice della Galleria ALB a Parigi. Ha creduto nella mia visione e ha immediatamente esposto la mia prima serie di opere God Is Dead and Humanity Is Overrated.

Questo mi ha permesso d’iniziare a lavorare a tempo pieno alle mie opere d’arte e creare l’anno successivo la mia prima personale The Endgame.
Un riferimento al gioco degli scacchi quando il risultato è conosciuto e inevitabile, Marcel Duchamp ne era ossessionato, e poi mi sono ispirato al dramma di Samuel Beckett, in cui la fine è annunciata sin dall’inizio, proprio come il destino della maggior parte dei giovani soggetti che
ritraggo nelle mie opere.

È in questa mostra, dove ho esposto i miei primi disegni fatti con la penna Bic e le sculture di silicone a grandezza naturale. Grazie al supporto iniziale di persone come Carine Roitfeld, che ha invitato giornalisti da New York per questa mostra, il mio lavoro ha avuto una
grande risonanza anche oltre la Francia.

Sono sempre stato molto attratto dai dipinti iper realistici come i tuoi, così perfetti che a volte è sono quasi inquietanti. Cosa ti ha portato a usare questa tecnica?

Gran parte della mia tecnica viene dal mio istinto, è naturale. Come ti accennavo prima sono sempre stato attratto dal disegno e dalla pittura. Sono sempre riuscito vedere il lavoro finito nella mia testa prima ancora di incominciare.

Per me ognuna delle mie opere è come se fosse un grande
puzzle, so cosa deve diventare, quindi comincio a definire i pezzi, naturalmente incontro difficoltà, ma continuo a lavorare fino a quando ogni pezzo s’incastra nella posizione corretta.

Nonostante non possa sopportare alcuna forma di autorità, specialmente quella che viene a scuola, amo scoprire e studiare le cose da solo, finché non diventa un’ossessione. Se a un certo punto mi blocco, posso trascorrere notti intere cercando su Internet o su Youtube per trovare una soluzione.

Quanto tempo ci vuole per creare un dipinto o una scultura The Kid?

Uno dei miei grandi dipinti a olio e tempera d’uovo può durare anche tre mesi, una sola scultura in silicone completamente dipinta a olio anche quasi un anno.

Come descriveresti il ​​tuo lavoro?

Sono sempre stato attratto da una frase de Il Ritratto di Dorian Gray di Oscar Wilde: “Dietro ogni cosa squisita c’è sempre qualcosa di tragico”. Penso che sia un elemento che hanno in comune tutte le mie opere, perché nonostante la loro giovinezza e la bellezza, tutti i miei soggetti sono destinati a fallire, come un fiore è destinato a svanire. Cerco sempre di ritrarli in quel momento caratterizzato da innocenza e corruzione.

Ritrai delle persone dal vivo per i tuoi dipinti o lavori con fotografie?

Tutte le mie opere sono ispirate a veri eventi che si sono verificati negli ultimi decenni principalmente negli Stati Uniti e dai singoli individui coinvolti. Dopo di che, utilizzo sia i modelli dal vivo, che attraverso altri diversi riferimenti visivi mi permettono di creare la mia
reinterpretazione.

Ci sono molti messaggi nella tua arte, ti piacerebbe parlare di alcuni di loro?

Ognuna delle mie opere è profondamente radicata nella mia esperienza personale che si rifà sempre alle mie paure, alle mie speranze e alle mie ribellioni contro l’autorità e il destino imposti dalla società.

Voglio che il pubblico si metta in discussione sul determinismo sociale, la sottile frontiera tra innocenza e corruzione, l’uguaglianza delle possibilità o la linea di dissolvenza tra il giusto e lo sbagliato nelle nostre società moderne.

È appunto questo che mi colpisce: il fatto, che nella tua arte porti alla luce problemi sociali. Credi di avere un potente strumento nelle tue mani?

È un dovere sociale per me, mi sento profondamente costretto a farlo.

So che l’ispirazione per un artista può provenire ovunque. Che cosa t’ispira maggiormente?

Per la mia ultima mostra sono stato profondamente ispirato dalle parole di Abraham Lincoln: “L’America non sarà mai distrutta dall’esterno. Se cadiamo e perdiamo le nostre libertà, sarà perché ci siamo distrutti da soli.

(…) Peccare di silenzio quando bisognerebbe protestare, fa di un uomo un
codardo.” E anche dalle parole di Coretta Scott King moglie di Martin Luther King che disse: “La libertà non è mai stata realmente vinta, è stata conquistata e vinta da ogni generazione.”

Quando un’opera d’arte diventa importante per te? Hai bisogno di una conferma esterna o è qualcosa di esplicitamente personale?

È intuitiva al cento per cento, un’idea deve venire da me è una visione di un istante, che mi sembra assolutamente giusto ed essenziale, altrimenti non potrei trascorrere mesi su di essa.

Hai altri interesse rispetto all’arte?

Andare in Skate, la musica ovviamente; I Die Antwoord, The Thermals, The Velvet Underground e FKA Twigs, i film indie di ogni epoca, a dire il vero c’è sempre un film che sta andando mentre creo arte nel mio studio. Amo anche lo spirito iconico anni settanta di L.A. e sono un super fan del
motocross.

La pittura è qualcosa che un artista porta alla vita e dopo quel momento continua a vivere da solo, sei d’accordo con questo?

Penso sia stato Jackson Pollock che ha detto che la pittura scopre se stessa e che ogni artista dipinge quello che è, immagino sia lo stesso anche per me, ma sicuramente una volta che il lavoro è là fuori, è sicuramente il pubblico che gli da vita e offre un significato.

Che cosa pensi dell’arte contemporanea odierna?

Ritengo che gli artisti contemporanei dovrebbero sempre tenere a mente che, come ha detto una volta Pablo Picasso, l’arte non è destinata a mettere qualcosa di decorativo sopra il tuo divano, ma che è un’arma di guerra e quindi va usata come tale, almeno io sto cercando di non dimenticarmene
mai!

Guardando il tuo lavoro penso che hai lo stesso tipo di gusto che si trova in artisti quali Hamony Korine, Gus Van Sant, Larry Clark, Greg Araki o Xavier Dolan. Hai qualche riferimento o icona che percepisci come fonte d’ispirazione?

Naturalmente, le opere di Ron Mueck, i Chapman Brothers o Duane Hanson hanno sicuramente avuto una forte impressione su di me da adolescente, ma quello che mi tocca ancora più è la contemporaneità oscura di Caravaggio, stava usando prostitute e ladri per dipingere la Vergine
Maria e Gesù Cristo e scriveva sui muri per le strade di Roma, una sorta di graffiti precoci come “Nec Metu, Nec Spe” che significa “Senza speranza, senza paura “, anche la violenta purezza del Bernini e naturalmente anche film contro-culturali come Over The Edge di Kaplan, Mommy di
Xavier Dolan o Kids di Larry Clark.

Correggimi se sbaglio, ma guardando il tuo lavoro posso percepire un dualismo come buono e cattivo, forte e tenero, sbagliato?

È assolutamente corretto, è uno dei motivi per cui la bandiera degli Stati Uniti con le sue stelle e strisce è un elemento ricorrente nel mio lavoro, è per me simile simbolo di dualità, tra il giusto e il male, l’ideale e la realtà, l’innocenza e la corruzione è questo che la rende il perfetto simbolo
contemporaneo del clair-obscure sociale in cui ci troviamo e del sentimento offuscato del giusto e dello sbagliato sfavorevole soprattutto nella mia giovane generazione.

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E’ come se la storia della fotografia queer continuasse a passarsi il testimone portando avanti la voglia di raccontarsi e raccontarci la bellezza dell’intimità adolescenziale queer. Fotografi come Wolfgang Tillmans, Collier Schorr e Ryan McGinley, hanno aperto la strada a giovani fotografi talentosi come Serge Le Hidalgo. E’ anche grazie a tutte le immagine che producono fotografi come lui che si continuano ad abbattere i paletti della accettazione.

Serge Le Hidalgo è un fotografo spagnolo che abita a Parigi. Le sue immagini hanno una luce naturale, come quella del sole che entra da una finestra. Sono scatti intimi e naturali, come fossero scattati da due amanti. 

La luce illumina e colpisce non solo la bellezza del corpo maschile ma anche quegli angoli, pieghe e fessure del corpo che Serge sembra accarezzare con la sua macchina fotografica.

Ho raggiunto Serge Le Hidalgo per chiedergli qualcosa in più per conoscere meglio e più da vicino i suoi lavori.

Ricordi qual’è stata la prima fotografia che hai scattato?

Ho studiato fotografia professionale a Madrid e da allora scattato foto. Ho avuto la mia prima macchina fotografica quando avevo 20 anni e le prime foto di nudo che ho fatto sono state autoritratti. All’epoca rimasi colpito dal lavoro di Mark Morrisroe, dai suoi primi autoritratti “pieni di vita e di gioia” fino a quelli successivi prima di morire di HIV.

È vero che il tuo ragazzo è stato il tuo primo modello?

Beh sì posso dirlo. Il mio ex ragazzo mi ha offerto una macchina fotografica analogica ed è stato il mio primo modello a posare nudo. Ci siamo lasciati e lui non vuole più vedere quelle foto pubblicate. È un vero peccato rimpiangere i ricordi di qualcosa di bello come l’amore e quelle immagini ne sono piene.

Pensavo che fossi stato rinchiuso con lui e gli avessi fatto molte foto…

Sono stato bloccato con il mio ragazzo, ma uno diverso e  ovviamente gli faccio spesso delle foto.

Serge, la tua fotografia cattura non solo la bellezza dei suoi soggetti adolescenti, ma anche la loro testimonianza dell’identità e del raggiungimento della maggiore età. Ricordi la tua prima crisi d’identità se ne hai avuta una?

La mia prima crisi di identità è stata quando avevo diciassette anni e ho capito di essere attratta dagli uomini. È stato facile per me accettarlo, ma sfortunatamente non è stato così facile per le persone intorno a me farlo.

La fotografia queer è importante perché la visibilità ha svolto un ruolo fondamentale nel consentire alle persone LGBTQ + contemporanee di trovarsi e di condividere risorse.

Forse è altrettanto importante per te vedere un po’ di te stesso nelle persone che fotografi?

Generalmente l’intimità che possiamo apprezzare nelle foto è reale quindi posso dire che c’è un po’ di me, ma vorrei poter mettere ancora di più. Artisti come Nan Goldin che hanno esplorato i corpi LGBTQ +, le crisi dell’HIV o l’epidemia degli oppioidi sono molto importanti nella fotografia contemporanea.

Come crei quel mondo attraverso la fotografia?

Generalmente c’è un’intimità che esiste già prima di un servizio fotografico. Il processo quindi è solitamente naturale e facile.

Apparentemente consideri l’intimità l’ingrediente più vitale per il tuo lavoro. La tua idea di intimità si è evoluta nel corso degli anni?

Non c’è realmente un’evoluzione dell’idea di intimità nel mio lavoro, ma un’alternanza di intimità fisica, emotiva, intellettuale o spirituale.

Le persone ti lasciano fare queste foto intime senza preoccupazioni?

Beh, le persone cambiano e anche le situazioni vitali cambiano, quindi a volte le persone non sono molto a proprio agio quando l’intimità emotiva non c’è più.

Robert Frank una volta disse: “C’è una cosa che una fotografia deve contenere: l’umanità del momento”. Hai lo stesso approccio?

Ha anche detto “Questo tipo di fotografia è realismo. Ma il realismo non è sufficiente, deve esserci una visione, e i due insieme possono fare una buona fotografia”. Sono pienamente d’accordo.

Come ti sei imbattuto nell’idea di fotografare ragazzi nudi?

La rappresentazione del genere nei mass media è importante nella costruzione dei ruoli maschili e femminili nella società e nel processo di socializzazione.

La rappresentazione maschile è spesso repressa emotivamente, autosufficiente, così come evita tutte le sfaccettature relative alla femminilità.

Voglio credere che il modo in cui fotografo i ragazzi nudi combatte questa rappresentazione tradizionale e produco un modello maschile alternativo all’immagine maschile esistente, quella patriarcale.

Pensi che l’innocenza sia stata importante per il successo dei tuoi scatti?

Non direi che ci sia innocenza nelle mie fotografie. C’è spesso una carica sessuale e anche la consapevolezza che le fotografie verranno pubblicate, direi piuttosto che la semplicità sia importante.

Come speri che le persone si sentano quando guardano le tue foto?

Penso davvero che la visibilità sia importante per le minoranze e mi piacerebbe che le persone si sentissero rappresentate dalle mie fotografie. Vorrei poter allargare queste rappresentazioni a un numero maggiore di persone e combattere anche la fobia del grasso, la trans-fobia o il razzismo.

Cosa ne pensi della nuova ondata di fotografia queer? Ricordo la volta in cui ho intervistato Ryan McGinley quando era appena uscito, stava documentando la sua vita. Stai facendo lo stesso anche tu?

Sono felice del fatto che la comunità queer sia più rappresentata ora rispetto a prima. Vorrei poter avere l’opportunità di continuare a crescere come artista ed essere in grado di documentare non solo la mia vita, ma anche quella delle persone sotto rappresentate.

C’è qualche fotografo che ammiri davvero?

Mark Morrisroe, Nan Goldin, Peter Hujar, Alberto Garcia-Alix, Robert Mapplethorpe, Ryan McGinley, Claudia Andujar, Sally Mann, Herbert List, Wolfgang Tillmans e molti altri.

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Zach Grear per i suoi lavori cerca sempre di farsi ispirare dai vari soggetti, che possono variare da noti personaggi famosi, come l’iconica Grace Jones, l’artista Keith Haring o semplicemente dai suoi amici. 

L’arte di Zach Grear che troviamo anche sul suo profilo Instagram è una combinazione di diversi stili, movimenti artistici e tecniche come il simbolismo, il grafismo e il collage. Partendo da immagini ben strutturate, decora i soggetti con vari simboli, ritaglia e riattacca in molteplici sfondi, esalta le silhouette con dei bordi spessi e incornicia l’immagine. Un lavoro che può sembrare ricco e pieno di vari elementi ma che nell’insieme risulta armonioso. Le sue opere ricordano delle vecchie copertine di magazine porno o di vecchi giornali dove in copertina appariva il cantante del momento.  

La sua arte l’ha portato lontano tanto da vedere in mostra i suoi lavori nel suo bar preferito di Parigi. Osservare come la gente ammira o critica le sue opere lo affascina molto, spesso è lui infatti a osservare le reazioni dei visitatori a pochi metri di distanza da loro.

Chi è Zach Grear ? E da dove nasce la tua passione per l’arte?

Sono un artista Queer Mixed-Race di 36 anni. Ricordo di aver iniziato a disegnare tanto tempo fa, quindi è naturale voler essere circondato dall’arte. L’atto di creare mi emoziona: è una spinta di cui mi fido e che seguirò ovunque mi porti.

Come descriveresti il tuo lavoro? Che tecniche utilizzI?

Descriverei il mio lavoro semplicemente come una trasformazione. Prendo un’immagine e ne realizzo una nuova. Andando più in profondità, si trasformano così anche le risposte che l’immagine originale evoca a chi la guarda, si spera in una miriade di modi.

In base a cosa scegli i personaggi da ritrarre?

Le persone che scelgo devono ispirarmi in qualche modo. Possono essere personaggi storici, colleghi o del mio gruppo di amici. Provo gioia nell’incanalare l’ispirazione che mi danno quando li ritraggo per i miei lavori.

Come mai la scelta di prendere modelli di riviste porno vintage rispetto a quelli contemporanei?

Ho un legame con le riviste vintage di quando ero adolescente, per questo ho scelto questo supporto. Provo un certo fascino per come venivano realizzate queste riviste, con un budget ridotto e un controllo approfondito dei contenuti, sfruttavano al meglio ciò che avevano. Anche quando sono brutte, sono sempre belle.

Il porno adesso è un grande business. Sono a favore del porno e ne faccio uso, nonostante non c’è ne sia molto nella mia arte.

Sei nato a San Francisco, ma attualmente vivi a Brooklyn, come mai questa scelta? Cosa ti da in più Brooklyn ?

San Francisco è il luogo in cui sono nato e cresciuto, ma pensandoci non l’ho mai ritenuto un luogo che mi facesse sentire a casa. Il mio corpo sapeva di voler essere a New York. Lo dicono tutti, ma veramente c’è tutto in questa città. Questo può risultare difficile dal momento in cui coesistono così tanti scenari e come gay ventenne che ama far festa, tanto in tanto mi sono trovato alla deriva.

Oggi invece, essendo in questa città e perseguendo la mia passione, mi sembra di essere finalmente approdato saldamente nella mia vita.

Tra le tante mostre che hai fatto due sono state in Europa ad Amsterdam e Parigi, che sensazione ti hanno dato i visitatori che venivano a vedere le tue opere? Che differenze hai trovato con l’America?

Non ero presente alla mostra durante il Pride di Amsterdam, ma ero presente a quella di Parigi. La mostra era in uno dei miei bar preferiti chiamato M’sieur Dames.

Essere in un luogo familiare e vedere la mia arte sui muri è una sensazione fantastica.

Dato che non parlo francese, mi sono ritrovato ad osservare gli ospiti. In questo modo ho potuto vedere le persone arrivare ed osservare il mio lavoro, fare cenno ai loro amici di soffermarsi su un dettaglio di un opera. Non sapendo che l’artista, per tutto il tempo, era a pochi metri di distanza da loro.

Da poco è stato eletto Joe Biden come 46º capo degli USA, ti piace? Pensi possa portare dei netti e gradevoli cambiamenti nel tuo paese?

Devo dire che è un sollievo che sia stato eletto. Devo anche dire che Biden e Harris fanno parte della stessa macchina della ricca classe dirigente che perpetua l’oppressione contro gli omosessuali, i neri gli indigeni e le persone di etnie diverse e i poveri. La mia preoccupazione è che le persone sono esauste dopo aver avuto uno dei presidenti più fascisti dai tempi di Regan.Sarà allettante per quelli di noi con certi privilegi, me compreso, sprofondare nuovamente nel comfort. Non c’è niente di comodo in questo paese.

Se le elezioni del 2016 sono state un campanello d’allarme per molti di noi, allora queste recenti elezioni saranno il vero test per vedere chi è stato serio per tutto questo tempo.

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Quello che succede, osservando i disegni è la sensazione di smarrimento, allo stesso tempo di appartenenza che si prova. Dove è un piacere naufragarci.

I disegni di Tom de Pékin creano sensazioni tangibili di allerta, di voyeurismo e di eccitamento. Osservando il suo Instagram è interessante vedere i collage mentali che crea quando realizza un disegno. Solitamente nella sequenza, subito dopo l’opera, si vede l’immagine o le immagini da cui ha preso spunto.

E’ come se la realtà che Tom de Pékin vede, venga poi tradotta attraverso i suoi occhi e con la sua arte, in quegli scenari erotici che realizza.

Tom de Pékin è anche un regista, i suoi film sono un’estensione del suo lavoro grafico, ma solo eseguiti attraverso un mezzo diverso, che si tratti di un cartone animato o di un film che mette in scena con persone.

Tom è nato nel 1963, vive e lavora a Parigi.

Ha studiato all’École des Beaux-Arts di Valencia.  Fondò la casa editrice Éditions des 4 mers dal 1994 al 2000, insieme all’artista Guillaume Dégé. Dal 2000 si occupa di disegno, video, performance e arte stampata. I suoi libri illustrati vanno a ruba e la maggior parte sono fuori catalogo. 

Che cosa ricordi del tempo che hai trascorso a Savoy prima di trasferirti a Parigi?

Le lunghe passeggiate in montagna, le scarpe da passeggio pesanti, i calzini di lana spessa che cadono sulle caviglie e i miei pantaloncini corti che si attaccano alle mie cosce…

Mi racconti che differenze riscontri nel creare oggi rispetto gli anni 80? Che cosa è cambiato per davvero per te nella società e nel modo in cui crei arte?

Per me gli anni ’80 sono inseparabili dall’HIV, questa pesante spada di Damocle che pende sulle nostre teste, l’epidemia ha occupato tutto lo spazio della nostra vita, ci ha rimandato alle nostre paure e allo stato di vittima. In termini di creazione artistica, è complesso e probabilmente troppo presto per confrontare quel periodo con quello che stiamo vivendo oggi con il Covid19

Con il mio lavoro parto sempre dall’intimo, dal mio desiderio che, a seconda del periodo, si trasforma.

Trova il suo posto tra il decorativo, l’attivista e talvolta adotta un atteggiamento politico. Nel tempo ho notato che la base di questo lavoro è cambiata molto poco, si arricchisce soprattutto di nuovi ambiti creativi.

Mi piacciono molto i colori nelle tue opere. Che cosa significano per te?

Un brivido di piacere con la nostra retina.

Giochi sempre con scenari erotici nei tuoi lavori, dove trai inspirazione?

Le mie esperienze artistiche sono molto orientate alla riappropriazione delle immagini. Mi interessa il rapporto testo/immagine e le deviazioni dei codici visivi che condizionano la nostra vita sociale. Questa tecnica di approccio mi permette di lavorare sulle relazioni che abbiamo nella vita di tutti i giorni utilizzando le immagini contemporanee e d’archivio.

Trovo le immagini sui social network, presso rivenditori di stampe e foto. Pratico anche il trading.

Sei anche un performer artist, che cosa ti piace maggiormente di quest’arte? Mi parli di una performance che hai fatto di cui non te ne dimenticherai mai?

Amo l’arte per il suo lato soggettivo. Dal punto di vista performativo, il mio ricordo più bello è il giorno in cui, con uno dei miei amici, Fred Morin, sono andato a rendere omaggio a Rintintin, la grande star del cinema. Rintintin è un cane francese che ha fatto carriera negli Stati Uniti. Era una domenica ed ero vestito da addestramento per cani, nel cimitero dei cani di Asnières.

Sei definito come un artista attivista, quanto credi che l’arte possa far cambiare il punto di vista delle persone?

Penso che l’arte possa farti pensare di più, come la letteratura.

Che cosa pensi della comunità LGBTQ+ di oggi, quanta strada credi che dobbiamo ancora percorrere?

Mi sembra importante stringere legami tra di noi. Imparare a rimanere vigili sia all’interno che all’esterno della comunità.

Non ti sembra che nonostante siamo nel 2020 a volte abbiamo a che fare con gli stessi pregiudizi di sempre?

Dobbiamo continuare le nostre lotte e non lasciarci mai abbattere.

Nelle tue opere raffiguri il pissing e il S&M. Quale pratica preferisci?

È come il pattinaggio artistico e la danza sincronizzata, mi manca ancora trovare l’allenatore giusto…

Ricordo che un giorno del 2010 mi trovavo a Parigi ed ho comprato il libro Haldernablou Alfred Jerry 1873 1907 con le tue illustrazioni e testi. Ero alla libreria Les Mots à la Bouche, non ho potuto resistere, mi innamorai dei tuoi disegni e lo comprai anche se sapevo che non avrei potuto leggerlo dato che non parlo francese. Mi parli di quel libro?

È un’opera che è stata curata dalle edizioni United Dead Artists. Ho risposto alla richiesta di un’amica Hélène Azera che voleva che illustrassi questo testo.

Haldernablou (1894) è un’opera in due atti di Alfred Jarry (1873-1907), probabilmente una delle prime opere francesi a raccontare una storia d’amore esplicitamente omosessuale. Questa commedia parla dell’amore tra Duke Haldern e Page Ablou. Si ispira alle canzoni di Maldoror (1867) di Lautréamont.

Parla apertamente del desiderio amoroso e istintivo tra due uomini. Una dualità che incontra il fisico e il mentale, il sociale e l’animale, il religioso e il carnale.

Vediamo la storia di fusione che il diciannovenne Alfred Jarry ha avuto con il sedicenne Léon Paul-Fargue. Ciò che mi avvicina a questo bellissimo testo oscuro è la pratica del collage che utilizza Alfred Jarry, che conferisce al testo un significato maggiore.

I riferimenti sono multipli;  le emozioni e i sentimenti nascosti trovano così un vero spazio di libertà. Questo è esattamente come mi sento quando costruisco un’immagine da varie fonti Internet.

La trasformazione si interrompe quando questa nuova immagine trova la propria autonomia. Quando ridisegno questo collage finito. Questo lavoro intorno ad Haldernablou ha dato origine a un progetto interdisciplinare, che riunisce edizioni, film, performance, disegni, installazioni, lavoro con coreografi, attori, tecnici cinematografici.

È stato messo in mostra durante festival cinematografici ed in occasione di alcuni eventi in centri d’arte contemporanea.

Come descriveresti Tom de Pékin?

Un artista compagno.

Sei anche un regista di corti, che mi dici a riguardo? Hai intenzione di farne altri?

Ho realizzato molti film d’animazione, continuo a provare a fare cortometraggi attorno al progetto Haldernablou.

Che cosa preferisci maggiormente nel disegno?

Questa capacità di schiarirti le idee, quando te ne accorgi è un’ottima terapia!

Ricordo ancora il giorno in cui sono andato a vedere al cinema Lo Sconosciuto del Lago di Alain Guiraudie e vidi il poster che ti avevano commissionato per la locandina. L’avrei rubato!

Spero tu l’abbia rubato…

Se dovessi pensare ad un artista che ti ha ispirato artisticamente, che nome mi diresti?

La scoperta del film Querelle di Rainer Werner Fassbinder, basato sull’opera di Jean Genet. L’ ho visto quando è uscito nelle sale e rimarrà per me uno dei grandi momenti della mia vita. Mi ha dato tutte le chiavi creative per andare avanti.

L'articolo Tom de Pékin istinti sessuali ludici tra nero e colore. proviene da Toh! Magazine.

Nata a Palermo, da una famiglia di artisti e scienziati da generazioni, di cui hanno parlato scrittori come Sciascia, Chiara si laurea in architettura ed eredita i tratti di famiglia avviando la sua carriera come curatore della galleria paterna “Arte al Borgo”, e dipinge.

Appassionata da sempre di moda, inizia le sue incursioni brevettando nel 2011 la borsa tastiera Coccodrive che sarà finalista del progetto Samsung.

“Non mi considero stilista, mi piace dire di me che sperimento interventi artistici su capi d’abbigliamento, rigorosamente vintage, con un tratto istintivo, ottimista, primitivo, raw. Uso tessuti come tele, come manifesti dove esprimere e comunicare, chi indossa i miei capi diventa ambasciatore di un messaggio eco sostenibile”

Abbiamo intervistato Chiara Catalano perché, secondo noi, vale la pena conoscere le sue creazioni a metà strada tra slogan ecosostenibili e messaggi pieni di speranza.

I figli d’arte sono soliti a far due cose: inneggiare o rinnegare il nome che portano, tu vieni da una famiglia molto importante. Quanto e come è stato importante avere sulle spalle un peso simile?

Nessun peso, sicuramente molti stimoli. La mia famiglia mi ha dato tanto, creatività, vivacità e uno sviscerato amore per la natura. Non poteva che andare così.

La tua moda spesso sconfina nelle tecniche tipiche dell’arte, come coniughi le due cose?

Tra moda e arte c’è un legame profondo e affascinante. La moda stessa si può definire una forma d’arte. Nei miei capi il rapporto tra moda arte è in continua evoluzione, poiché il filo conduttore di tutto è “Comunicare”

Nel 2011 la tua borsetta ha fatto il giro del mondo, cosa è successo dopo?

Dopo il progetto della borsa tastiera, ho iniziato a sperimentare la pittura su capi d’abbigliamento (vintage o second hand)  al posto delle classiche tele, fino ad approdare alla fusione tra moda, arte e comunicazione. 

Perchè hai cosi a cuore la salvaguardia del pianeta e dell’ecosostenibilità?

Perché sono cresciuta in una famiglia dove la voce dello zio Elio (biologo marino e scienzato nonché precursore del riciclo urbano in difesa dall’inquinamento del pianeta. ndr) gridava in aiuto dell’ambiente, e dove raccogliere un’arancia era motivo di riflessione e ammirazione della natura che ci circonda.

I tuoi capi sono pezzi unici, dove si possono comprare?

Si possono acquistare a Tokyo da Faye Projecta, a Roma da Carmina Campus di Ilaria Venturini Fendi, e prossimamente On Line sul mio account Instagram

L'articolo Chiara Catalano: una moda istintiva, ottimista e primitiva proviene da Toh! Magazine.

Nato in Basilicata, nella storica città di Matera, Stefano cresce in un contesto borghese ma non evita le curiosità che la strada possa portagli. A 18 anni decide di trasferirsi a Milano dove intraprendere e consegue gli studi in Art direction e Marketing della pubblicità. La grande città iniziava a stancarlo cosi decide di tornare alla sua città d’origine che lo lega fortemente, dove si sente più libero, tranquillo e dove riesce a trovare ispirazione e concentrazione per ciò che ama fare.

Le opere di Stefano presentano linee e scelte cromatiche molto semplici, quasi naïf che fanno sognare chi le guarda, provando una sensazione di delicatezza e leggerezza. Riesce attraverso la sua creatività a raccontare delle storie che possono risultare spensierate ma che in fondo hanno anche un forte peso. Spazia con le basi per le sue opere, dalle grandi tele a dei piatti o pezzi ti stoffa.

Stefano inoltre è il fondatore insieme a un gruppo di ragazzi della Seal Factory un’associazione culturale senza scopo di lucro dove attraverso l’arte e la letteratura vorrebbe coinvolge e riunire bambini rimasti orfani e donne vittime di violenza. Tra i tanti progetti futuri, la voglia di trasformare la sua casa in un salotto  culturale come fece Andy Warhol con “The Factory”.

Alla ricerca di Serafino” è il progetto artistico che stai portando avanti, Chi è Serafino?

Serafino è il mio migliore amico, ma anche il mio peggiore nemico…immaginario! È il mio guru, ma anche la mia arma di distruzione. Serafino è quella voce che quando sei giù ti da la spinta per tirarti su. In pratica ognuno di noi ha un Serafino con sé, questo è abbastanza ovvio; ma molti non sanno di averlo o meglio, se lo sono dimenticati. Serafino, in effetti, è facile da dimenticare, perché è quell’emozione o sensazione che provi nel compiere un’azione che ti fa tornare bambino, una cosa che gli adulti non fanno proprio tutti i giorni. 

È propio lì, in quel preciso istante, che Serafino nasce; ma come tutti i bambini ha bisogni di energie per crescere. Bisogna alimentarlo cercando continuamente questa sensazione per garantire a Serafino una via di crescita protetta. Il suo cibo è la sua creatività. Senza, Serafino non ha senso di esistere.

Serafino dunque non è solo il mio migliore amico, ma anche il tuo migliore amico. Vive in un mondo immaginario dove non gli è possibile toccare realmente sentimenti ed emozioni se non attraverso qualcuno che gliele trasmetta. Può, dunque, assorbire la felicità come l’odio, ma non sa di essere felice o arrabbiato, proprio come un bambino che sta ancora scoprendo chi è. 

Io e Serafino ci conosciamo da sempre; ma gli ho dato un volto di recente, in un giorno di pioggia, poco dopo essermi licenziato. Finalmente trovavo del tempo per dedicarmi alla mia arte. Mi sono detto: “Bene, hai voluto fare arte, ora torna a disegnare” ed ho disegnato Serafino.

Come riesci a vivere con il tuo alter ego? Che rapporto hai con lui?

È difficile vivere con il propio alter ego, questo è un dato di fatto. Un giorno ti senti Courtney Love e l’altro Leonardo Di Caprio a mollo appoggiato alla tavola di legno.

La tua nave è affondata, ma il tuo amore in salvo e perdi tutte le tue forze prima di collassare del tutto. Comunque, Serafino non è il mio alter ego, bensì una figura che mi segue sin da quando ero piccolo ed è presente nella mia vita nel bene e nel male.

Ti capita di arrabbiarti con Serafino? Se si perché?

È normale, anche se io e lui viviamo in due mondi completamenti diversi e difficili da comparare. Serafino è molto dispettoso, mi mescola i colori mentre disegno facendomi sbagliare o mi rovescia tutti i vasetti di miele dalla dispensa. Penso che lo faccia perché è goloso; ma non potrò mai essere davvero arrabbiato con lui, perché lui solo non mi abbandonerà mai.

Da dove nasce la tua esigenza di disegnare? Qual’è stato il tuo percorso?

Io sono dislessico, cosa che quando ero ragazzino non significava niente, ancora. Perciò, non riuscivo a esprimermi in modo chiaro e nessuno mi insegnava come fare. Ho trovato nell’arte un canale di comunicazione immediato e sincero, che ha alimentato la mia passione, nata per esigenza e trasformata in dedizione.

Sono cresciuto, per mia fortuna, in una famiglia dove l’arte e la libertà di essere e di esprimersi non sono mai mancate. Sono cresciuto con Topolino, Fantasia e canzoni che inneggiavano alla rivoluzione e al cambiamento che mi hanno sempre fatto riflettere sulle differenze socio-culturali.

Alle medie, la mia professoressa di Arte mi diceva che non avrei mai avuto futuro nel campo artistico perché ero al di fuori degli schemi, riuscivo a vedere quello che non c’era, semplicemente perché più sensibile della media. 

Questo non mi ha fermato. Mi sono iscritto al liceo artistico di Matera, città mia d’origine, dove mi sono specializzato nel settore accademico. 

Non potrò mai scordarmi una delle mie più grandi fan, la mia docente di disegno Marta Salonna. Ricordo che un giorno dovevamo consegnare come esame di ultimo anno prima di diplomarci la riproduzione di un’opera. Io scelsi Burri. Mi misi nel cortile della scuola dentro una cornice di legno di 2x2m a bruciare buste di plastica con un accendino e della lacca per capelli. Forse per i fumi tossici o qualche altro motivo è nata in me l’esigenza di creare e stare a contatto con tutto ciò che è materico.

A 18 anni mi sono trasferito a Milano. E chi c’era mai stato a Milano! Mi sono laureato allo IED in Art direction e Marketing della pubblicità. Pensavo che potesse diventare il mio percorso, ma stavo solo mettendo da parte il mio vero essere per inseguire un sogno che nemmeno io volevo realmente che si realizzasse.

Dopo molti anni trascorsi a Milano hai deciso di tornare alla tua città originaria, Matera, come mai questa scelta?

Sono stato sempre legato alla mia terra, alle mie origini, al mio dialetto e a quella taranta che non ti fa mai smettere di ballare. Matera per me non è solo la città dove sono cresciuto, ma il mio parco giochi. Ho avuto la fortuna di crescere nei Sassi. Una specie di terra di nessuno dove tutto era possibile. Potevi costruire capanne, costruire fortini per le guerre di quartiere, arrampicarti sulle rocce, stare a contatto diretto con la natura e assaporare tutte le sue meraviglie senza aver mai la paura di farti male.  

Sono cresciuto in strada, ma in un contesto borghese. Ho sempre visto nella mia città un incredibile potenziale artistico. Parliamo pur sempre di una delle città più antiche del mondo, dove la mancanza di prospettiva e queste stradine che creano labirinti uno sopra l’altro ti danno un senso di libertà. Dove non esiste cemento e puoi toccare la texture del tufo corroso dagli agenti atmosferici, la roccia viva che sprigiona calore con le sue mille sfumature di grigio e questi alberi di fichi che con arroganza sfondano muri, tetti, pavimenti e crescendo ti regalano il frutto della vita. Ecco perché sono tornato a Matera: ero stanco di essere una macchina, un numero, un cavallo con i paraocchi.

Stavo dimenticando cosa fosse il vero valore del rispetto che non ha nulla a che fare con l’educazione. Ero stanco di svegliarmi con l’idea di fatturare, lavorare troppe ore al giorno ed sfruttato da un sistema di capitalismo estremo. Avevo bisogno di fermarmi, tornare all’essenza e alla base della mia felicità.

Dove trovi l’ispirazione per i tuoi lavori? Come definiresti il tuo modo di dipingere?

L’ispirazione dei miei lavori nasce da una forte complicità con Serafino. Noi non stiamo sempre insieme: ogni tanto ci dividiamo e quando ci rincontriamo iniziamo a raccontarci tutte le avventure che abbiamo vissuto. Da lì che partono le idee che raccontano una storia che viaggia tra il reale e il fantastico. 

La mia arte è fatta di forme pure ed essenziali, togliendo  tutto ciò che è superfluo e lasciando l’essenza, l’anima dell’essenza. Il mio è un mondo colorato, dove i colori primari fanno da padroni e il nero e il bianco diventano degli amanti. Sono sempre stato colpito dall’arte greca. Infatti, artisti come Alekos Fassianos e Dimitris Mytaras mi sono di ispirazione. Per quanto riguarda i colori direi senza ombra di dubbio che Mirò ha fatto la sua parte. 

Ho cercato di portare la mia arte dentro a un mondo fatto di Innocenza e Fantasia. Non saprei definire onestamente il mio modo di disegnare. Alcuni la chiamano Arte contemporanea, Arte Naïf. Io non la etichetto semplicemente così: do vita alla mia Creatività.

 Cosa ama fare nel tempo libero Stefano ? E cosa ama fare Serafino?

Come dice il grandissimo orso più geniale della storia, Winnie The Pooh: “Il dolce far niente spesso porta alle cose migliori”. Esattamente questo. Inizio a camminare senza meta e a fare cose senza senso. Faccio la prima cosa che mi viene in mente. Poi la seconda, la terza. Questo non perché non abbia di meglio da fare, ma perché credo che quell’orsetto abbia propio ragione: alcune volte non devi far nulla per essere felice. 

Serafino, invece, non si ferma mai. Fa capriole, piroette, si tuffa nei barattoli di colore rovesciandomeli tutti e scappa dappertutto. Conta quante nuvole ci sono in cielo e quante si riflettono nelle pozze d’acqua a terra. A lui piace rincorrere i Lumin, che sarebbero delle speci di lucciole, per creare effetti luminosi duranti le sue raffigurazioni teatrali delle ombre.

Pensi che il tuo compagno di vita un giorno si possa allontanerà da te? Ti spaventa l’idea?

Ovviamente, il pensiero a primo istinto mi terrifica; ma Serafino l’ho perso per 10 anni già una volta e lui è rimasto li ad aspettarmi. Quindi la cosa non mi terrifica affatto. Anzi, mi spaventa il fatto che dovrò portarmelo con me tutta la vita! A volte diventa geloso se conosco qualcuno che non sto nemmeno qui a raccontartelo, cosa è capace di combinare.

Quando crei ti piace avere della musica in sottofondo, se sì cosa ami ascoltare?

Amo molto il silenzio e i suoni naturali quando creo. Non ho bisogno di musica per creare. La musica è più nella mia testa. Il cervello crea le note e la mia mano come un bravo direttore d’orchestra dirige l’intera banda. Compaiono totalmente dal nulla spartiti, strumenti, sedie. L’auditorium si riempie di strumenti e la tromba è lo strumento degli angeli. Nei dipinti del Rinascimento, quando c’erano degli angeli erano a suonare la tromba, forse donatagli da Dio stesso. Ecco, la mia mente funziona nello stesso modo. Se mi capita di ascoltare della musica preferisco senza dubbio la musica classica o quella balcanica.

Come ti senti appena porti al termine un lavoro o progetto artistico?

Alleggerito, come penso succeda a tutti gli artisti. Allo stesso tempo non mi affeziono mai a nessuna mia opera, tanto da non essere mai soddisfatto al 100%. So che scuserete la modestia…trovo che le mie opere siano belle; ma se mi abituassi a questo pensiero non sarei invogliato a creare qualcosa di ancora più significativo. La mia arte è un’arte narrata. Chi compra le mie opere non acquisisce solo un un quadro o un disegno ma possiede un pezzo di una storia non imitabile.

Stai sviluppando nuovi progetti artisti in questo periodo? Cosa ci riserverai per il futuro?

In questo periodo sto sviluppando un progetto che mi sta molto al cuore, si chiama Seal Factory, un’associazione culturale, fondata da me ,Roberto Guagnano, Vittoria Caldarola, Alice Bignardi e Olga Bartzoka. un gruppo di giovani ragazzi uniti da un unica passione in comune per l’arte e la cultura.

Insieme abbiamo deciso di fondare un associazione non a  scopo di lucro tramite la quale vogliamo organizzare progetti che creino consapevolezza riguardo al mondo dell’arte e della letteratura e parlino soprattutto alle categorie di persone che, personalmente, ci stanno più a cuore: in particolare i minori orfani e le donne vittime di violenza. Per questo i progetti che Seal Factory vuole realizzare nei prossimi sei mesi sono tutti pensati per viaggiare e raggiungere per prime Atene e Berlino.

La prima cosa che faremo, sarà trasformare la mia casa a Matera in un salotto culturale. Ci faremo ispirare da Andy Wharol che negli anni ’70 metteva la sua factory a disposizione di altri artisti.

Oltre al tuo amico immaginario, c’è una persona fisica molto speciale nella tua vita?

Questa è una domanda un po’ “prezzemolina”. Come i bohémien ci hanno insegnato bisogna vivere in povertà per amore dell’arte.

Alcuni dicono che non si vive d’amore, io ribadisco il contrario, Bisogna vivere in nome dell’amore perché senza amore non c’è stimolo e senza stimolo non c’è creatività.

Quindi direi che in questo momento l’unico amore che sto vivendo è l’amore per i miei cani, la mia famiglia e i miei amici che mi supportano e sopportano ogni giorno. Magari qualcuno leggendo questo articolo avrà voglia di scrivermi ed allora potrò rispondere diversamente a questa domanda.

L'articolo Stefano Sigillino ci presenta il suo goloso Serafino. proviene da Toh! Magazine.

Laurent Pellissier, artista valdostano, esprime la sua arte attraverso la pittura, la scultura e il disegno sperimentando nuove tecniche e materiali lasciando libertà di interpretazione a chi osserva i suoi lavori.

L’esigenza di trovare nuovi stimoli e di vivere in una grande città lo porta a trasferirsi a Berlino. Laurent riesce a inserire dei temi crudi come la morte in maniera grottesca. I disegni presentano un utilizzo del chiaroscuro non preciso quasi abbozzato e veloce che rendono l’immagine molto forte. Scene che sembrano narrare una vicenda in atto dove i diversi soggetti prendono spazio egregiamente ottenendo un’ ottima visibilità al disegno, che risulta chiaro e bene equilibrato.

La pittura di Laurent è principalmente una pittura in acrilico, con delle pennellate ben profonde e con dei contrasti di colori molto interessanti dove prevalgono i toni accesi che suscitano un eccitazione positiva a chi osserva. Riesce a mio avviso a trasmettere più emozioni contemporaneamente in modo molto naturale. La scultura è sicuramente la disciplina che più risulta maestosa e imponente.

Grandi e larghe forme sono le caratteristiche dei suoi soggetti, realizzati con materiali di riciclo come fogli di giornali che creano un effetto patchwork molto colorato ma con una predilezione per il nero e il grigio. Materiali e tecniche possono sembrare semplici, ma non lo sono affatto, hanno bisogno di un bravo ideatore e creativo qual’è Laurent Pellissier, che attraverso le sue opere riesce a farci capire l’esigenza di esprimersi attraverso l’arte che lo accompagna da quando era bambino.

Come e quando è cominciato il tuo percorso nel mondo dell’arte?

Il mio percorso è iniziato presto e non è stato molto lineare. Mio padre è scultore e mia madre è stata insegnate di educazione artistica, quindi fin da bambino ho avuto la fortuna di avere a disposizione spazio, colori e materiali per sperimentare e creare.

Ho iniziato nel migliore dei modi possibili: con il gioco. Ora, da adulto, dopo studi in architettura sto cercando di ritrovare l’ingenuità e la gioia che provavo da piccolo ma integrando le esperienze e le conoscenze accumulate.

Come avviene la scelta dei materiali per le tue opere?

Spesso mi attira ciò che comunemente è considerata immondizia. Recentemente, durante il lockdown ho realizzato una serie di sculture usando solo pacchi di riviste e giornali trovati per strada e quello che era nella pattumiera del mio studio. Alla pietra e alla ceramica preferisco la carta pesta e il DAS per esempio, perché sono facili da reperire, economici, più effimeri e con una qualità plastica particolare. In linea generale mi aggiusto con quello che ho a disposizione: delle matite trovate in fondo a un astuccio, gli acquerelli del supermercato, ma non rinuncio a qualche tubetto di acrilico costoso.

Nella serie di disegni “pencil on paper” troviamo spesso degli scheletri, perché ?

È un riferimento al tema dei “memento mori” e delle “vanitas” ricorrente nella storia dell’arte, dai mosaici antichi, alle nature morte fiamminghe, ai quadri di James Ensor. Mi piace come spesso in queste rappresentazioni la morte ha un aspetto un po’ goffo e quasi buffo.

Attraverso la tua arte cosa vuoi comunicare al pubblico che l’osserva? 

Ho smesso di pensare a questa domanda da un po’. Il pubblico è spesso più creativo di me nell’interpretare e vedere cose a cui magari io nemmeno avevo pensato. Non voglio limitare quello che un’opera può esprimere o evocare. Per questo do raramente dei titoli. Nei quadri, nei disegni e nelle sculture cerco di dare spazio alle parti di me che non ne hanno nella vita quotidiana. Se poi anche lo spettatore si specchia in questa intenzione e scopre qualcosa di se ciò mi rende felice ma non posso controllarlo.

Oltre ad essere un pittore e disegnatore sei anche uno scultore. Attraverso queste 3 tecniche credi sia possibile per te utilizzarne una per ogni tua tipologia d’emozione? Se sì come le suddivideresti?

Credo che ogni materiale e ogni tecnica richiedano un approccio e un’attenzione diversa. In realtà non penso alle emozioni mentre lavoro. Probabilmente lo stato d’animo in cui sono o anche qualcosa di esterno a me trova la sua via e si canalizza nell’opera ma per me non è qualcosa di conscio.

Il disegno per esempio è la tecnica più libera, meno pretenziosa e intima con la quale mi permetto di sperimentare di più. Nei disegni però può succedere di perdermi in dettagli o virtuosismi, allora passo alla cartapesta che mi obbliga a forme più elementari e rozze, così porto qualcosa di nuovo e fresco nei disegni o nelle tele e così via. Le tecniche e le pratiche si influenzano a vicenda.

La città in cui vivi è Berlino, ti aiuta a trovare l’ispirazione per i tuoi lavori?

Amo Berlino e ho bisogno della grande città e dei suoi stimoli. Ma ho bisogno anche di pause e di natura, per questo appena posso torno in Valle d’Aosta, dove sono nato.

L’ispirazione è un’idea un po’ romantica e non so bene cosa sia…Vedo la pratica artistica come un lavoro. Se vi si dedica abbastanza tempo, energia, onestà qualcosa viene fuori, indipendentemente dal luogo in cui si vive.

Cosa pensi del sistema dell’arte contemporanea? Trovi nette differenze tra l’Italia e la Germania?

Nell’arte ma anche in altri ambiti come la moda, il teatro o l’economia c’è la necessità di rimettere in questione le regole e ripartire dal “basso”, non dico di fare tabula rasa ma di pensare a cosa sta alla base di quello che si fa. 

In Italia ho lavorato poco, ma da quello che osservo mi sembra che la differenza stia nella dignità e nell’importanza che si dà alle professioni legate all’arte ma anche al lavoro in generale, nonostante questo principio sia scritto chiaro e tondo nell’articolo uno della costituzione. Lo si vede anche dalle scelte politiche di questi giorni.

Si decide di sacrificare l’arte perché non è uno dei settori dell’economia considerato indispensabile.

Lo scrittore russo Fëdor Michajlovič Dostoevskij diceva “ La bellezza salverà il mondo” Credi che la bellezza riscontrata nell’arte, nella musica, e in ogni altra possa salvare o quantomeno distrarre da questo terribile periodo che stiamo vivendo? 

In questo momento più che di distrazioni c’è bisogno di consapevolezza, non di distogliere lo sguardo ma di guardare nella bruttezza, la nostra e quella che ci circonda e ripartire da lì. Non dico che dobbiamo deprimerci, anzi! Questo si può fare anche con leggerezza e ironia che sono due strumenti preziosi che l’arte ha a disposizione.

Vorrei quasi dire: la bruttezza salverà il mondo!

Quanto è importante per te l’utilizzo del colore? Da dove nasce la tua scelta cromatica?

È molto importante e difficile allo stesso tempo. Il colore è carico di significati e lo si associa immediatamente a qualcosa di concreto e per me all’inizio della fase creativa questo può essere un ostacolo. Quindi cerco di seguire l’intuizione e di usare “trucchi” per impedire alla mente razionale di interferire, lavorando in fretta, senza piani o preparazione, accostando campiture, macchie, punti, linee e lavorando freneticamente su più tele o fogli. In un secondo tempo osservo e aggiungo o tolgo, do più definizione a certe forme.

Prediligo i colori forti e gli abbinamenti improbabili perché generano tensione, come le dissonanze in musica.

Che colore ti attribuiresti in questo periodo?

Rosa fosforescente! 

Dal tuo profilo IG si evince che non sei un amante dei social come molti artisti che ho avuto modo di conoscere, dove pubblicano costantemente le loro opere. Credi che non sia un buon mezzo per promuovere l’arte, oppure è una tua scelta personale non esporti tanto sui social? 

Instagram è un mezzo incredibile per artisti, collezionisti, galleristi, curatori… Permette di interagire, formare una comunità saltando molti passaggi che prima rendevano certe interazioni impensabili. Personalmente ho un po’ di pudicizia nel pubblicare. Il consumo giornaliero di immagini è diventato talmente alto che forse non voglio saturarlo ulteriormente. Sicuramente è uno sbaglio in termini di marketing ma per ora non ci riesco. E poi ho paura di fare troppa attenzione ai likes e ai cuoricini. Magari dopo queste tue domande proverò a postare con più disinvoltura!

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Nato nel 1989 a Correggio, dopo aver studiato all’Accademia di belle arti di Bologna e teoria dell’arte contemporanea al Goldsmiths di Londra ha iniziato a esporre in collettive e personali i risultati della sua ricerca pittorica, mettendo insieme in pochi anni un vasto numero di dipinti che colpiscono sia dal punto di vista tecnico che per la coerenza formale ed espressiva.

Giovanni Copelli ha costruito un immaginario personalissimo surfando liberamente su stili e modelli che coprono secoli della tradizione figurativa mediterranea. 

di Riccardo Conti

Chi ha frequentato anche soltanto superficialmente la storia e la critica d’arte si ricorda di quante volte si sia vaticinata la morte della pittura, volendola rilegare ad atteggiamenti conservatori e passatisti dell’arte, con il risultato di averne rafforzato (oggi più che mai) la presenza e capacità di rigenerarsi di decade in decade. Quando ho visto la prima volta le opere di Giovanni Copelli ho capito che il suo mondo di riferimenti va oltre ogni manierismo e citazionismo, al contrario il suo attingere da varie fonti ne rivela l’identità profondamente contemporanea. Il suo piacere di guardare le cose, caricandole di un eros senza tempo e restituendocele in forme che hanno in purezza il desiderio: Qualcosa di estremamente raro nell’arte di oggi. Ne abbiamo discusso in questa intervista.

Che significato conferisci alla pittura nel tuo lavoro? Al di là della tecnica che senso dai a questa pratica?

Sono sempre stato interessato alla pittura, il mio interesse per l’arte da sempre coincide con l’interesse per la pittura. Posso dire di essere  sempre stato attratto dai quadri: ricordo ad esempio un viaggio che feci a sei anni con i miei genitori a Vienna e la meraviglia che provai davanti ai quadri di Klimt. Ho sempre coltivato questo interesse anche se ci sono stati momenti di allontanamento da questa pratica durante la mia formazione per investigare altri linguaggi ma sono sempre stati interessi più intellettuali e non “viscerali” come con la pittura. Oggi sono tornato di più alla pittura come mezzo espressivo perché lo sento più vicino a me, alla mia natura e ancora di più sto cercando di imprimere una componente fisica, “di pancia” per sciogliere un po’ di nodi nel mio lavoro; sto cercando di spendermi ancora più fisicamente in quella direzione.

È forse una reazione spontanea a linguaggi e modalità sempre più virtuali e immateriali che caratterizzano la nostra esistenza?

Forse sì. Per me la pittura come la scultura sono sullo stesso piano, un certo modo di lavorare con le forme ma anche un modo di utilizzare le mani: di essere nell’azione e nella pratica e non solo nel pensiero e nell’intellettualizzazione dell’arte. 

Nei tuoi soggetti rivivono brani di cultura figurativa che spaziano dal mondo ellenico al primitivismo, dal rinascimento al Novecento italiano alla Trasavanguardia e molto altro ancora: cosa rappresentano per te quei modelli?

Ho avuto di recente una conversazione con il curatore Guido Molinari, a proposito della riconoscibilità dei vari stili nei miei lavori: spesso quando qualcuno guarda i miei quadri li definisce citazionisti e ne valuta l’approccio intellettuale nell’impiego di quei modelli. Molinari sostiene invece che nel mio lavoro, e in quello di altri artisti della mia generazione, non ci sia effettivamente una logica citazionista o manierista come quella che poteva valere fino a poco tempo fa, ma invece una modalità molto più orizzontale e libera di muoversi tra i vari riferimenti. Mi rendo conto che a differenza di artisti del passato ho avuto l’opportunità di attingere a un “archivio” di esempi assai diverso dagli autori delle avanguardie ma anche da quelli degli anni Ottanta come il gruppo della Trasavanguardia, che da un certo punto di vista hanno avuto un atteggiamento anche provocatorio nel creare associazioni iconografiche con la pittura figurativa del passato. Nella fase in cui siamo c’è molta più libertà nell’attingere a un repertorio di immagini che vanno oltre la pittura, e tale liquidità in artisti della mia generazione ci permette di costruire associazioni in una modalità personale assai fluida senza sentire il peso letterale della “citazione”.

Quindi quando inizi una nuova opera non ti poni il problema di come quel riferimento visivo possa rimandare simbolicamente a un artista o un periodo storico?

Il mio approccio con gli stili e i vari registri è qualcosa che utilizzo in modo molto elastico, impiego spunti diversi senza dovermi preoccupare di mantenere una sorta di rigore stilistico, anzi: sono attratto molto dall’eterogeneità dei linguaggi pittorici. In questo senso mi interessa questa voracità che aveva la Trasavanguardia; l’andare oltre ai confini di una sola visione, per questo motivo mi affascina come periodo perché si è tentato di calciare la palla in avanti e tentare di sorpassare una certa ortodossia espressiva. 

Le tue opere molto spesso divinità greche o santi, in particolare San Sebastiano e il suo corpo sagittato… per te che simboli sono?

Ci sono più livelli: da una parte mi interessa molto la storia dell’arte, alcune immagini che mi sono rimaste impresse, andando anche oltre il loro portato iconografico. Non mi interessa tanto la lettura simbolica o filologica di quei soggetti, sono più attratto dalla centralità del corpo, dell’anatomia che quelle figure esprimono. Mi interessa la rappresentazione formale, patetica del corpo, ad esempio nelle scene del martirio che più volte evoco nei miei quadri. Il martiro, come nel corpo trafitto di San Sebastiano è qualcosa che ovviamente ha consentito lungo la storia dell’arte di utilizzare il pretesto religioso o mitico per confrontarsi liberamente con le anatomie e anche con il portato visivo, sensoriale e immediato di quelle manifestazioni corporee. C’è poi nell’aspetto dell’erotismo una dimensione interrogativa verso quei soggetti: nel dipingerli cerco di arrivare all’essenza di quelle forme che nonostante i secoli conservano una parte di mistero. 

A proposito di erotismo in soggetti come i martiri, dove il dolore diventa estasi c’è anche una componente personale?

Senza dubbio c’è una proiezione erotica nella figura arrendevole o nella figura costretta, incatenata. C’è qualcosa che mi affascina nella rappresentazione di un corpo erotico e sofferente, ma è qualcosa che personalmente va al di là del fascino verso modelli visivi legati alla tradizione omoerotica. Mi viene in mente ad esempio un soggetto che torna spesso nell’opera di Picasso: l’immagine di un volto di donna piangente. Picasso ci è ritornato su infinite volte come a volersi confrontare con quella figura, interrogandola attraverso il disegno e la pittura. Trovo che in queste rappresentazioni di sofferenza ci sia soprattutto una certa purezza. Mi piace anche mettere in dubbio ciò che rappresento, andando oltre al significato immediatamente comprensibile di ciò che mostrano.

Oltre ai corpi martoriati compaiono spesso anche soggetti più consuetamente erotici oltre al tema degli “amanti” dove traspare un vero e proprio piacere per quelle forme…

La componente erotica dei corpi è molto importante per me e mi ci confronto continuamente, alla base del mio interesse c’è ancora quella sensazione quasi scioccante che mi ha sempre accompagnato come visitatore fin da bambino: vedere soggetti pieni di vitalità erotica esposti platealmente come accade nei monumenti o in grandi musei istituzionali. Forse abbiamo perso l’adeguata sensibilità per recepirne la presenza, ma se ci si sofferma a guardarle sono figure assai cariche dal di vista sessuale. Ho sempre avvertito un grande carica erotica irradiarsi da queste figure del mondo classico e del Rinascimento. L’accademismo ottocentesco le ha dissanguate dal loro erotismo e per questo le avvertiamo come attenuate, o non le notiamo affatto.

In effetti quell’espressione libera dei corpi di matrice rinascimentale è stata poi estremamente raffreddata dagli artisti in epoca Romantica e Neoclassica.

Esatto, i paradigmi visuali dell’accademia hanno privilegiato aspetti più ideali o puramente tecnici di quei soggetti. Se invece per esempio ancora oggi si entra a Palazzo Tè è impossibile non sentire la vibrazione erotica di quegli affreschi

Vero, anche le rappresentazioni equine di Palazzo Tè trasudano sensualità…

Ecco la figura del cavallo non a caso è molto presente nei miei quadri. E sono sempre cavalli maschi, mi interessa palesarne il sesso rappresentandoli chiaramente con i loro organi genitali. Non tanto perché voglio alludere schematicamente a un’identificazione di genere ma perché cerco di esplicitare l’attrazione erotica primaria che sento verso quelle forme. 

La stessa tensione si avverte anche nelle varie battaglie e negli amanti che rappresenti sempre in una dimensione temporale sospesa, ma fissate sostanzialmente in due dinamiche: scene marziali e accoppiamenti. 

Anche in questo caso mi affascina il confronto con archetipi molto antichi, ad esempio guardo molto ai bassorilievi dei sarcofagi etruschi e romani: mi interessa il contrasto tra l’immobilità implicita nell’oggetto funerario e le scene di simposi o battaglie che le adornano ricche di dinamismo, e la paradossale staticità e silenzio evocata dai corpi degli amanti che giacciono insieme. Nel momento della coppia c’è questa sensazione psicologica di completamento, anche in artisti che hanno lavorato sull’astrazione come Henry Moore la coppia distesa, ritorna come protesto formale per definire delle forme che si intersecano e trovano un momento di pace, di equilibrio. Poi ci sono situazioni ibride che rappresentano punti di incontro tra questi due stadi opposti delle figure: una lotta può diventare un amplesso e un corpo morto steso può rappresentarsi come un amante arrendevole…

C’è in te la capacità di utilizzare tutti quei riferimenti formali non per parlare di erotismo in una forma remota, siderale, come il più delle volte accade nell’arte contemporanea quando tratta tali temi, ma di coinvolgere in primo luogo il tuo desiderio e quello dello spettatore nell’avventura del guardare.

Quando si tratta di arti visive, soprattutto antica, faccio fatica a mettermi a ragionare su un piano specifico della lettura della sessualità in chiave critica e analitica che porta probabilmente a quelle forme a cui accennavi. Sono approcci che a volte indubbiamente generano dei risultati molto interessanti, tuttavia attraverso i miei lavori ho sempre la speranza di rappresentare attraverso le forme qualcosa di più immediato ed empatico con i soggetti e con chi li osserva. Ovviamente i corpi acquistano inevitabilmente una lettura politica: c’è la questione del gender, della nudità, della sessualità e sono istanze che socialmente sono sempre molto investite di significato. 

Pensi che questa scelta, diciamo in controtendenza, rispetto alla concettualizzazione di simili temi possa generare incomprensione verso il tuo lavoro? 

Per il tipo di lavoro che porto avanti mi scontro a volte con letture piuttosto ambigue e molto critiche nei confronti di certe cose che faccio, anche solo perché a volte è considerato di “cattivo gusto”. Come se ancora si potessero usare simili categorie per inquadrare il lavoro di un artista oggi. Mi ha colpito in questi anni scoprire in me stesso e negli altri quanto sia profondo il rapporto con l’erotismo e la sessualità e quanto sia irrisolto, così come è irrisolto il nostro rapporto con le immagini. 

Secondo c’è una continuità con le immagini erotiche che frequentiamo oggi oppure il sesso e la sua rappresentazione sono radicalmente cambiati? Perché scegli di rappresentare questi gesti e situazioni sempre in un mondo antico?

Noi ci nutriamo di pornografia e di immagini molto diverse. In quello che mostro, cerco però di pormi su un piano di interrogazione di questo e di quell’immaginario. Questo mondo classico che evoco mi permette di rintracciare una dimensione altra, ideale. Di praticare un distacco verso il reale verso un ideale che non c’è, un mondo potenziale e distante. Non sono sicuro che il mio mondo abbia a che fare con la vita reale. Posso anche inserire degli elementi legati alla contemporaneità quando dipingo, ma non penso mai di essere nel 2020 o in un momento specifico della storia… mi interessa più l’atemporalità.

Tempo fa parlammo appassionatamente delle nostre visite in luoghi come ad esempio la Casa Boschi Di Stefano a Milano e sulla potenza evocativa che ciascuna opera emana all’interno dell’allestimento complessivo e per certi versi scenografico, proprio di una collezione privata e di un’abitazione, rispetto al dispositivo del whitecube attraverso il quale solitamente vediamo l’arte…

Non voglio sembrare eccessivamente critico ma credo che tutto questo biancore clinico delle gallerie e gli spazi museali almeno negli ultimi cinquant’anni di mostre ci abbia abbagliato. Ovviamente quel dispositivo si è affermato nel tempo fino a diventare prassi per precise ragioni espositive. Tuttavia il “quadro” continua a descrivere uno spazio magico  che ti permette di aprire finestre verso altre dimensioni. La maggior parte dell’arte contemporanea per esistere ha bisogno di un apparato scenografico, di creazione e virtualizzazione di un contesto scenico per esistere. Non ci prestiamo più troppa attenzione ma per esistere molte delle opere contemporanee hanno bisogno di una elaboratissimo apparato installativo, molto più del quadro-finestra che invece conserva una sua autonomia espressiva indipendentemente dal contesto. 

Questa riflessione sta iniziando ad accompagnare nuove soluzioni da parte di alcuni artisti contemporanei della tua generazione che ridiscutono oggi quei modelli espositivi così come il valore decorativo delle opere.

Ultimamente ho realizzato delle decorazioni, in particolare sulla superfice di alcuni camini in case private, ecco: mi interessa molto questo aspetto della decorazione che interviene direttamente in una vera abitazione e non in modo non “simulato” all’interno di una galleria dall’estetica “white cube”. 

L'articolo Giovanni Copelli e le sue erotomachie proviene da Toh! Magazine.

Sei nato e cresciuto nel Minnesota, cosa ricordi della tua infanzia e dei tuoi anni da teenager?

Culturalmente ed architettonicamente il Minnesota è uno stato banale sopratutto nelle aree periferiche, al contrario Minneapolis è un piacevole contrasto a tutto questo. I laghi del nord sono stati memorabili per i miei momenti di ricreazione la ricreazione.

Ma è così conservativa quanto si dice la periferia del midwest?

Lo era un tempo, è una disparità molto evidente nel midwest, te ne rendi conto quando visiti città come Los Angeles. Credo che la disparità sia il carburante della noia che si manifesta nei party selvaggi intorno ai falò e alla dissolutezza lungo il fiume Apple. Tutto avviene in risposta al caro e pessimo tappeto bianco delle ville a schiera dei nostri genitori.

Dal Minnesota ti sei trasferito a L.A. credi che l’esserti mosso tra queste due diverse realtà abbia influenzato la tua arte?

Sicuramente, il cambio d’ambiente nella vita di una persona non può non influenzare il suo comportamento artistico o sociale. Ero parte integrante della vita del Midwest e poi ho scelto di far parte di quella della città protagonista dei film con cui sono cresciuto.

Hai cambiato l’idea che ti eri fatto di L.A. dal momento in cui ti eri appena trasferito?

Sì. Mi piace di più adesso, Los Angeles è la mia casa ed è davvero una città unica. Abito qui da abbastanza tempo per sentirmi sposato a lei e non più fidanzato. È diventata più brutta e un pochino più cattiva verso i confini, credo sia determinato dalla caduta economica degli ultimi anni. Stavo passando sotto un ponte l’altro giorno e mi sono accorto che stavo camminando sopra circa sette centimetri di merda secca di piccioni, ero sul marciapiede ma sembrava di avere della ghiaia sotto le scarpe.

Hai appena fatto una mostra in Australia, mi racconti qualcosa della nuova raccolta di lavori?

Certamente. La mostra intitolata The New Pretty è incentrata sul rapporto tra la proiezione idealizzata di archetipi e la realtà. Molti dei lavori riguardano le dicotomie trovate tra il consumatore americano e la cultura pop. La mostra è composta da quadri, lavori su carta e sculture. 

Mi sono subito innamorato dei tuoi soggetti pelosi, me ne parli? Da dove è nata l’idea?

La genesi del primo bambino peloso risale al 2008. I peli hanno avuto origine da un significato più ampio dell’essere una metafora degli effetti sulla cultura contemporanea, il culto dell’idolo, l’emulazione delle celebrity etc… Mi piace la ragazza obesa che é simultaneamente la vittima del marketing del fast food e della sessualità imposta dalla moda teen. M’interessa mostrare le conseguenze psicologiche di questo in un quadro.

Sono quindi una metafora della bellezza e dell’accettazione del proprio corpo nella nostra società?

Sì. I peli sono il veicolo metaforico degli effetti che il consumo culturale ha sul popolo. Sono sempre interessato alla quantità d’immagini proiettate su di noi quotidianamente. Sono curioso di come queste immagini vengono ad esistere, come descrivono accuratamente la verità e se sono di valore reale.

Mi sembra che il tuo linguaggio artistico sia pieno di diversi materiali, tecniche e strumenti. E’ forse per il fatto che siamo costantemente circondati dalle diversità che che nel complesso creano un insieme?

Sono d’accordo, le costruzioni materiali sono ideologiche. Ho iniziato ad usare strumenti differenti fin dai primi lavori, nel 2008, in una serie intitolata The Equilibrium Of Glamour, quei lavori erano molto più narrativi, con ambienti cinetici che mostravano aspetti mostrano unici del vivere a Los Angeles. Ho cercato di sintetizzare con i materiali i diversi processi, per esprimere qualcosa di nuovo ed integrato. Nei ritratti il materiale usato era più industriale e concettuale, sono stato in grado di esprimere le mie idee attraverso la giustapposizione di materiali che alludessero allo stato interiore ed ambientale del ritratto, senza la rappresentazione di elementi.

I colori hanno un grande impatto nelle tue opere, alcune volte sembrano pure psichedelici e si riferiscono ad una palette di colori degli anni ’80, ma molte delle ragazze pelose sono in bianco e nero mentre i loro outfit ed accessori sono colorati perchè?

I quadri a cui ti riferisci sono stati concepiti poco dopo aver fatto una serie di stampe da negativi cianotipi disegnati a mano. Come risultato del processo chimico di cianotipia il colore delle stampe è diventato un profondo ciano e bianco. Quei disegni fotografici erano più tranquilli, eterei e spettrali. Ho voluto portare quel tono visivo nei dipinti per contrastare i colori attivi dell’ingranaggio del consumatore. Gli effetti della baldoria nella cultura del consumo possono diventare ipnotici come i tra i lampeggianti banner del web, i cartelloni pubblicitari, ed il richiamo luminoso degli astucci dei gioielli a basso costo. Il colore tenue simboleggia le conseguenze dell’essere degradato. Il metodo di stampa alimenta la pittura, di solito per me è il contrario, i dipinti alimentano la stampa.

Come artista è difficile avere sempre nuove idee per le tue creazioni o è qualcosa che ti viene naturale? Mi spieghi come funziona il tuo processo creativo?

Non è difficile trovare idee, ciò che reputo personalmente una sfida è mantenere in crescita il lavoro sia formalmente, concettualmente, ed anche personalmente. Come pittore sono pienamente consapevole del peso della storia e le sfide poste in termini di pittura. Alla fine di una giornata spingere materiali in giro anche se è un totale disastro, mi sembra ancora propositivo. Le idee per lo più sono nate dagli aspetti della vita contemporanea, da messaggi paradossali trovati nella cultura del consumatore americano, dai simulacri del popolo, ed osservando la vita quotidiana che ci circonda.

Che CD ascolti quando sei in studio a creare arte?

Solitamente metto musica in streaming su Groove Shark, Pandora o Museum Pod Casts. Trascorro così tante ore in studio che poi comincio a passare attraverso diversi generi di settimana in settimana, o inizio a guardare un’intera stagione televisiva su Netflix. Ho guardato 9 stagioni di Stargate SG-1 di fila mentre lavoravo alla mia ultima mostra a New York. Negli ultimi mesi mi sto facendo una sana abbuffata di Guns ‘N’ Roses.

Se ti dovessi rappresentare come uno dei tuoi soggetti pelosi in uno dei tuoi lavori che colore sceglieresti e perchè?

Forse il rosso neon, perchè quel colore sarebbe figo mentre si fa rollerblading in spiaggia o nuoto agonistico.

L'articolo Le opere di Erik Sandberg ritraggono figure umane camuffate e oscurate da un’enorme manto di peli colorati che sembrano urlare il bisogno di colore e stampe grafiche. proviene da Toh! Magazine.