Ross Watson spesso usa come modelli delle sue opere personaggi sportivi, celebrities o personaggi famosi che vengono dai più disparati settori. Dall’ex rugbista australiano Ian Roberts  al campione olimpico Matthew Mitcham, o  a François Sagat tanto per menzionarne alcuni.

Quello che colpisce del lavoro di Watson è la sessualità che emerge sempre presente anche quando è meno esplicita, fatta anche in maniera ironica, iconica e soprattutto orgogliosa.

Ross Watson in questi paesaggi tra reali e immaginari si concentra sul corpo che porta le tracce di un realismo preciso che sfiora la raffinatezza come quella delle rappresentazioni classiche.

Ricordi il momento in cui sei stato attratto da voler creare arte?
Ero un ragazzo molto giovane e ho imparato ad amare il disegno e la pittura.

Che cosa significa l’arte per te?
L’arte è una delle cose più importanti e stimolanti della mia vita. Rimane ancora molto soddisfacente crearla ogni giorno. Adoro guardare l’arte classica nei musei di tutto il mondo.

Celebri spesso la forma maschile, qual è stato il primo modello che hai disegnato da quando hai iniziato a fare arte?
Il primo modello proveniva da una pagina di una rivista di moda. Mi ci è voluto fino ai miei 20 anni per avere la sicurezza di chiedere a un modello di posare per me.

Puoi dirmi quali differenze trovi nel creare oggi rispetto a quando hai iniziato? Cosa è veramente cambiato per te nella società e nel modo in cui crei arte?

Non è cambiato molto nel modo in cui creo la mia arte. Un cambiamento è stato l’arrivo dei social media. Posso vedere più arte di altri artisti in tutto il mondo e molti possono vedere la mia arte.

Penso che la nudità e la sessualità dovrebbero essere più celebrate, non hai mai la sensazione che anche se siamo nel 2022 a volte sembra che stiamo tornando con tutte le domande che ancora non sono state risolte sulla comunità LGBTQ+?

Sono d’accordo con te che dovrebbero esserlo, e molte delle mie opere le celebrano. Un problema con Instagram/Facebook è che non riescono a riconoscere i miei dipinti come opere d’arte e censurano e rimuovono i nudi. Sfortunatamente ci sono sempre stati problemi che interessano la comunità LGBTQ+ e, sebbene abbiamo visto progressi in molti paesi, c’è ancora molto da risolvere.

Come scegli il soggetto del tuo lavoro? Mi piace molto il contrasto che a volte crei con soggetti diversi nello stesso dipinto come ti vengono le idee?

I concetti mi vengono principalmente in studio dove considero centinaia di miei riferimenti. È un po’ come cucinare bene: trovare un’interessante combinazione di ingredienti che alla fine è eccitante e coinvolgente.

Il tuo lavoro è realismo contemporaneo, come riesci ad unire temi così diversi in un’unica immagine?

Questi temi possono apparire molto diversi, se ti prendi il tuo tempo per considerarli, riconoscerai che hanno cose in comune.

Qual è la tua ispirazione artistica preferita di tutti i tempi?

Caravaggio

C’è un tuo pezzo che non venderai mai?

Ce ne sono diversi di epoche diverse.

Puoi parlarci della tua nuova serie Diorama? Come ti è venuta l’idea?

Vedere le vetrine delle boutique di moda firmate di Melbourne vuote durante il lockdown mi ha dato l’idea. Le opere esplorano l’isolamento, l’attesa e la memoria del viaggio.

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Christina Lucia Giuffrida attraverso queste cartoline, che hanno carica onirica, sembra volerci offrire uno stimolo a voler tornare nella natura selvaggia, a vivere all’aria aperta e a dormire sotto una una luna piena, quella che illumina e fa brillare i corpi nudi. Qui tutto sembra essere incontaminato, fermo e silenzioso. Il mondo sembra essersi calmato dalla sua frenesia. Christina nei suoi dipinti sembra che tutto il resto non abbia più importanza, se non quello che accade del momento in cui le protagoniste sono immortalate nella vasta natura incontaminata dove sono libere.

Vieni dall’Australia ma ora risiedi a New York. Quanta della terra natia porti nella tua arte?

L’Australia è molto nella mia mente. Penso che nel 2019 ho iniziato ad avere un po’ di malessere a casa, e poi, ovviamente, questo è stato esacerbato dalla pandemia. Sono rimasta bloccata fuori dall’Australia e la mia fidanzata non avendo il visto australiano, siamo finiti per rimanere bloccate a New York nel nostro piccolo appartamento nel bene e nel male. Mi sono davvero impegnata a realizzare questi piccoli dipinti che sono un modo per calmarmi ed essere contemplativa. Il lavoro è il culmine di ricordi e fantasticherie sulla boscaglia che ho lasciato a casa. I dipinti sono piccole lettere d’amore: Un’ode all’Australia.

Dal giorno in cui ho visto i tuoi lavori sono rimasto sbalordito dalla potenza del colore, puoi parlarci della decisione di utilizzare una tavolozza così profonda?

Meraviglia infantile! È così che è nata la tavolozza. La storia è che mi sono formata come scultrice e ho realizzato sculture, installazioni e performance per quasi un decennio, ma sono rimasta bloccata nella mia pratica. All’epoca stavo lavorando in una scuola d’arte e abbiamo ricevuto una chiamata che diceva che un artista dell’Upper West era morto e volevano donare tutto il materiale del suo studio alla scuola. Quindi io e il mio capo abbiamo guidato un furgone nei quartieri alti e siamo entrati in questo minuscolo appartamento all’ultimo piano che sembrava una distorsione temporale: siamo tornati alla vecchia New York di cui tutti parlano.

Questo ragazzo ha avuto questa bella piccola situazione di vita e lavoro in un appartamento rustico in legno del 19° secolo. Aveva grandi scatole riempite di tubetti a tempera. Sto parlando, tipo, di migliaia di tubetti, anche di buona qualità: Horadam e Holbein. C’erano tutti i colori sotto il sole, il violetto spettro, il blu ceruleo, il verde Phthalo e il rosa opera.

Alcuni aperti, la maggior parte non aperti. Abbiamo riportato tutto a scuola e ho detto al mio capo: “Senti, devi farmi avere questi. Non so cosa farò con loro, ma ho bisogno di tutti questi colori”. E poi ho iniziato a dipingere e divertirmi allo stato puro.

È un rapporto immediato e abbastanza onesto che ho con il colore. Quando penso al paesaggio australiano, i colori sembrano davvero così vividi. Il cielo a casa è così blu, completamente diverso dal cielo nell’emisfero settentrionale. La qualità della luce sembra più brillante, più bianca e fa avanzare lo spettro dei colori. Inseguo costantemente quell’intensità di quell’atmosfera da casa.

C’è un senso di nostalgia, calma e mistero nelle tue opere. Da dove pensi che provenga?

Oh sì, questi sono sicuramente dipinti pesanti e nostalgici. Sento che sia il risultato della mia elaborazione della vita all’estero, dei miei genitori che invecchiano, loro che si sono trasferiti fuori dalla casa della mia infanzia. Della comprensione della tua mortalità, del tempo che passa e non torni indietro. A volte non riesci nemmeno a recuperare quei posti perché il posto cambia. Il mondo in questi dipinti sembra uno spazio di transizione, dove tutti i miei ricordi stanno convergendo con tutte le possibilità del futuro. E immagino che lo spazio sia calmo e, si spera, contenga un piccolo mistero.

Vedo anche molto romanticismo, quanto è importante per te? Come funziona nella tua visione e poi nei tuoi dipinti?

Il romanticismo ha un brutto colpo, e per una buona ragione, ma ne sono assolutamente affascinata e disorientata. Osservando le numerose manifestazioni del romanticismo nella storia dell’arte occidentale dal barocco ai preraffaelliti del XIX secolo, anche artisti moderni come Frank Frazetta, si vede questo modo molto particolare e francamente bizzarro di rappresentare e rapportarsi ai corpi femminili. Trovo isterico che “Le donne che fanno cose nude (o semplicemente siano nude)” sia un genere completamente a sé stante che attraversa i secoli. Ma lo amo anche con tutto il cuore.

Il mio lavoro è una risposta genuina a questo, spero che catturi l’umorismo, l’imbarazzo, la realtà di cosa significhi fare la vita nuda dal diretto sguardo dell’occhio maschile. Sento che, se lo si lascia, il romanticismo al suo meglio, ha un umorismo consapevole che è in grado di ridere di se stesso senza ironia o odio per se stessi.

Ho avuto molte critiche sentimentali e romantiche nella mia pratica e da artista più giovane ero davvero imbarazzata e me ne vergognavo. È stato solo quando mi sono seduta con tutta la mia pittura a tempera e mi sono avvicinato così tanto a quella, che ho trovato me stessa e il lavoro in un modo genuino.

Qual è il tuo rapporto con la natura? È sempre presente nel tuo lavoro…

Quando ci penso, penso che il mio rapporto con la natura a questo punto sia di dolore al cuore. Ricordo quando mi sono trasferita per la prima volta a New York, nell’ottobre 2015, e stava iniziando a fare freddo, a marzo mi è venuto in mente un pensiero: “Non ho sentito erba o terra sui miei piedi in sei mesi”. Era così strano per me, ero praticamente cresciuta correndo in giro senza scarpe. Era la sensazione di rendersi conto che stavo lentamente divorziando dal senso della natura. Un senso che non mi rendevo conto era così intessuto nel modo in cui mi muovo nel mondo: la mia anima, la mia salute mentale.

Voglio dire, so che posso andare al parco qui, o prendere il traghetto per la spiaggia di Rockaway, ma quelle esperienze sono fugaci. È un’escursione e poi si torna sul cemento. Forse continuo a dipingere la natura perché questo è il più vicino possibile a New York su base giornaliera. Devo continuare a ripassarlo perché ho paura di dimenticarlo.

Perché hai deciso di utilizzare il colore blu per rappresentare la pelle?

Per me era importante che le donne non fossero reali. Non li considero alieni o altro, ma non rappresento una realtà. La loro pelle blu dà loro la licenza di fare tutto ciò che vogliono senza le regole di gravità o nessuno dei problemi che affrontiamo come esseri umani. Queste donne sono il mio veicolo per fare di tutto. Il blu è anche un modo per tenermi aperto alle possibilità e alla sperimentazione, in senso formale, perché se queste donne non sono reali, allora forse la luce nel loro mondo agisce in modo diverso o forse attraverso alcune cose strane nella composizione, io non lo sono. Posso non essere così vincolata.

Aria aperta, viaggio in campeggio sotto il cielo, gli scenari dei tuoi quadri, cosa significano per te?

Forse significa che non dovrei vivere in città.

C’è un senso di libertà nel tuo lavoro che amo. Che cosa significa per te la libertà? Pensi che oggi siamo completamente liberi o dobbiamo ancora lottare per ottenere quella libertà che meritiamo?

La libertà è uno stato d’animo. Il modo migliore per lavorare verso quella libertà è vivere la tua vita. Ama e lasciati amare. Si sta avvicinando abbastanza alla libertà. Immagino che l’altro lato della libertà siano i diritti umani fondamentali e il rispetto come persona autonoma. A tal proposito sì, abbiamo ancora tanto, tanto lavoro da fare.

Parlando ancora di libertà, e dal fatto che sei un’artista che rappresenta le donne nel tuo lavoro, qual è il tuo punto di vista sull’aborto? Non pensi che gli USA abbiano fatto troppi passi indietro?

Penso che l’aborto sia una questione profondamente personale e privata e nessuno ha alcun motivo per costringere qualcuno a mantenere una gravidanza e per questo sono Pro-Choice. Non esaminerò tutte le situazioni in cui l’aborto è una procedura medica salvavita. Odio l’idea che una persona incinta debba giustificare a chiunque cosa sia una decisione personale così difficile. È un enorme passo indietro per gli Stati Uniti e colpirà in modo sproporzionato i poveri. Ma fortunatamente gli Stati Uniti hanno tre rami del governo democratico, quindi spero che questa decisione non sia permanente per sempre.

Mi piacciono i tuoi dipinti perché non importa colore, genere, sessualità o stato d’immigrazione. Sono esattamente come dovrebbe essere il mondo. Qual è il tuo punto di vista?

Grazie, lo apprezzo. Non sono sicura di realizzare questi dipinti come una critica alla società, non sto necessariamente raccomandando a tutti di andare a vivere nella boscaglia come un culto del nudo blu, guidando in un fuoristrada. Questi dipinti sono roboanti, sono divertenti, si spera che siano consapevoli di sé, forse sono una tregua dalla vera follia della vita. Penso che anche il mio lavoro dia la priorità alla gioia, e questo è ancora un gesto radicale per i queer, un modo per loro di annunciare che pensano che la vita sia bella.

Trovare la tua pace e la tua gioia è la cosa più potente che puoi fare. Sai, l’unico modo in cui sembro essere in grado di fare il mio lavoro è se spengo il mio cervello accademico, attivo, ipercritico. Non ho mai fatto niente di così buono con quella parte del mio cervello con lui alla guida. Queste non sono immagini che sono state progettate in quel modo.

Mi piace giocare con i concetti formali della composizione, ma le immagini si uniscono in un modo che sembra un’esplorazione molto onesta e infantile.

Non ci sto pensando troppo, sto solo considerando ogni passo con attenzione e poi vado avanti. Forse questo rende me e il lavoro “semplici”, ma mi fido di più di tutto ciò che ho realizzato da un po’ di tempo.

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Justin lo riconosci dai grandi muscoli e i numerosi tatuaggi che ricoprono maggior parte del suo corpo. Secondo gli innumerevoli fan di Magic men, i suoi capelli, la sua pelle impeccabile e lo sguardo da duro lo fanno sembrare un dio del sesso, e il suo corpo flessibile e forte è il sogno di tutti.

Tra uno scatto e l’altro, Justin racconta di essere un ragazzo misterioso che si tiene lontano dai social e dalla stampa il più possibile. Ci sono solo un paio di interviste in cui lo stallone parla della sua crescita e della sua carriera, ma non abbiamo abbastanza info sulla sua vita privata. Ad ogni modo per chi volesse vedere cosa si nasconde sotto i pantaloni di Justin, una visita sulla sua pagina Only Fans non è una cattiva idea.

Photography, Casting, Styling, Creative direction by Elvis Di Fazio 
Starring Performer, Justin Michaels from Magic Men Australia 

WORDS: Giuseppe Di Rosalia

Brands: Dolce&Gabbana, Lotto, Sport Italia, Versace, Di Fazio cigars, Kappa, Umbro, Tom Ford, Irwin, Bosch, Hard Yakka, Tooheys, Lufkin, FILA 

Tutte le informazioni su tour, party privati e store dei Magic Men Australia le trovi qui:

www.magicmen.com.au

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Anche per questo, per la cover di Agosto di Toh! Magazine, abbiamo chiesto a Elvis Di Fazio di immortalare, come meglio sa fare, in uno shooting sexy ma spensierato, il momento stesso in cui si è mentalmente in pausa, dove vediamo il protagonista che, una volta impostato il suo out of office scappa dal letto, ma non prima di aver mandato l’avviso a tutti i suoi abbonati onlyfans ; qui inizia a smontare i ruoli e gli stereotipi della mascolinità giocando con le divise da football e i completi da calcio del fratello o del vicino di casa, 100% straight.

Photos by Elvis Di Fazio

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Le Haiku Hands sono australiane. Claire e Mie Nakazawa, sorelle, sono di Sydney mentre Beatrice Lewis è di Melbourne. A loro nella formazione live si aggiunge Mataya Young che è Australiana ma non so di dove e poco importa. Quel che importa è che in un anno piuttosto triste hanno pubblicato un album omonimo che è una bombetta sul dancefloor. Ci hanno messo un po’ a pubblicarlo, se pensiamo che il loro primo singolo Not About You è del 2017 ma poco importa, perché è arrivato nel momento giusto. Una miscela che frulla pop, punk, electro che renderebbe orgogliosa Kathleen Hanna. Mettetevi le vostre scarpette da ballo migliori e leggetevi l’intervista. E’ Claire a parlare con me:

Ciao! Dove vi siete incontrate e quando avete cominciato a fare musica insieme?

Beatrice e io ci siamo conosciute per la prima volta all’Earth Frequency Festival nel Queensland, abbiamo iniziato a fare musica insieme a Melbourne. Circa un anno dopo e si è aggiunta anche Mataya che suona con noi dal vivo. Mie è mia sorella, si è unita al gruppo quando abbiamo iniziato a suonare.

Il vostro primo singolo Not About You è stato pubblicato nel 2017 e apre il disco, perché avete impiegato così tanto tempo per realizzarlo?

Quando abbiamo pubblicato Not About You le cose sono davvero decollate, persone che ci contattavano, spettacoli, opportunità, tour. Non ce lo aspettavamo, abbiamo dovuto apprendere il settore e mettere insieme un team. Così lo scrivere e il completare le canzoni sono finiti nel dimenticatoio, viaggiavamo così tanto! Ma ogni volta che avevamo una settimana o qualche giorno per fermarci e scrivere a Melbourne lo facevamo. Siamo state anche felici di pubblicare singoli per un pò, ma ad un certo è arrivata una deadline e abbiamo dovuto rispettarla!

Sono onesto quando dico che la prima volta che ho ascoltato la tua musica è stato come aprire una porta e ritrovarmi nei primi anni 2000. L’elettroclash era qualcosa di enorme, con band come Chicks on Speed, Miss Kittin o Le Tigre, ma ovviamente con un twist contemporanet, siete fan di quell’epoca musicale?

Eravamo adolescenti all’epoca e penso che sia stato il periodo in cui molti dei nostri gusti musicali si sono formati realmente, tuttavia non ascoltavo nessuno di quel genere musicale. Ascolto principalmente hip-hop, R&B, musica elettronica o emo downtempo. Ma forse in modo subliminale alcune influenze mi sono arrivate, ricordo di aver visto Peaches a un Big Day Out Festival all’inizio degli anni 2000. Joel Ma con cui scriviamo i pezzi, all’inizio delle nostre sessioni ci fece guardare The Punk Singer, un documentario su Kathleen Hanna fondatrice de Le Tigre. Quindi penso che abbia portato un pò d’influenze da quello stile nella nostra sessione di scrittura e nel metodo con cui ha elaborato la nostra voce.

Un aspetto che mi piace della musica delle Haiku Hands è che è davvero contagiosa, è impossibile tenere fermo il corpo mentre ascolti l’album, come raggiungete questo risultato?

Sì, rispondiamo sempre a come un ritmo ci può influenzare fisicamente, è una delle prime cose che facciamo quando scegliamo la musica su cui scrivere. Quindi sono contenta che abbia quell’effetto anche su di te!

Un ritmo deve farmi commuovere o sentire qualcosa dentro per poterci scrivere sopra.

Tramite le canzoni le Haiku Hands cercano d’inviare un messaggio usando l’umorismo. Vedo i vostri testi come una sorta di dichiarazione, qual è il tuo punto di vista?

Sì, rilasciamo dichiarazioni, commenti e facciamo domande dal nostro punto di vista. A nessuno di noi piace davvero sentirsi dire cosa fare e non intendo a noi come band, ma mi riferisco a chiunque. Quindi nei nostri testi facciamo dichiarazioni, commentiamo e mettiamo in discussione le cose che ci interessano e speriamo che le persone ne traggano qualcosa. Quando c’è umorismo le persone possono prendere quello che dici sul serio o meno, come vogliono. Adoro questa libertà che si crea quando scriviamo.

Eat Your Bass è una delle mie canzoni preferite dell’album, adoro la voce con quelle vibrazioni punk e il modo in cui cantate tutte insieme, è così liberatorio, è così anche per voi?

È stato un pezzo molto divertente da scrivere! Avevamo già un riff ma quando abbiamo ascoltato per la prima volta il ritmo ho preso il microfono e ho seguito il modo in cui la canzone mi ha fatto sentire. Il ritmo mi ha travolto. Ho avuto un’esperienza un po ‘catartica “cantando” parole e parole senza senso. Abbiamo quindi cercato di mantenere quell’energia iniziale nei testi e nelle riprese finali. È stato divertente perché è uno stile che non avevamo mai fatto prima e mi sentivo così oltraggiosa in quel momento. Non pensavo che sarei stata in grado di eseguirla dal vivo, ma la facciamo ed è così bello esibirsi.

Siete entrambe australiani, ma come è nata la collaborazione con i Sofi Tukker?

Penso che sia successo perché siamo andati in tour insieme, ci hanno visto suonare e hanno adorato in particolare Fashion Model Art, che già esisteva. Così abbiamo chiesto se volevano essere coinvolti e lo hanno fatto!

Come descriveresti il tuo rapporto con l’arte e la moda?

Ho un background in arti visive, frequento la scuola d’arte e faccio mostre, quindi ho visto un pò di quel mondo, ne ho fatto parte. La moda invece è un pò una cosa nuova che le Haiku Hands mi hanno incoraggiato a esplorare in un modo diverso, ma mi è sempre piaciuto trovare cose da indossare che sono un po’ diverse, combinazioni inaspettate e meno normcore. È un bel modo per esprimerti.

Hai un vestito di scena preferito?

Il mio outfit preferito da stage cambia a seconda di come mi sento, la cosa che preferisco è la libertà di mettermi quel che mi sento in quel preciso momento, ma amo le t-shirt vintage con l’abito di nappe che indossiamo spesso.

Penso che il disco sia fatto per essere suonato dal vivo, come descriveresti un vostro concerto?

Sì, scriviamo sempre pensando ai live, ai festival e pensiamo “questo potremmo dirlo sul palco a una folla?” Descriverei il nostro spettacolo come uno show ad alta energia, coinvolgente, ballabile, ribelle, proviamo ad incoraggiare tutti nel provare qualcosa allo stesso tempo con ballando e cantando i nostri testi. Un bello spettacolo è quando tutti nella stanza sono coinvolti e creiamo l’energia tutti insieme.

Con che musica sei cresciuta?

Tanta e diversa, mia madre ascoltava Van Morrison, Tracy Chapman, Bob Dylan e la world music, ho guardato molti musical da bambina. Poi da adolescente ascoltavo hip-hop, R&B, pop, indie, alternative, down tempo emo e poi sono passata alla musica elettronica strumentale e al ritmo.

Perché vi piace nascondere la vostra identità nelle foto?

È iniziato tutto con la nostra prima uscita Not About You, volevamo far parlare le immagini, che si concentrassero sulla musica e su ciò che diciamo invece che sulle nostre identità oltre che adattarsi al tema della canzone. Era anche una scelta in contrasto con ciò che stava accadendo in quel momento, la cultura dell’auto-promozione era al suo apice, tutti cercavano di essere visti. Quindi era il nostro modo di andare contro quella cultura. Volevamo presentarci come gruppo ed essere rappresentate dalla nostra arte, musica e messaggio, oltre che aspetto e individualità. Ci sono anche altri persone coinvolte nella creazione della nostra musica che non sono visibili nei nostri video, così non facendoci vedere ci sembrava di rappresentare tutti in qualche modo.

L’ultimo disco di cui ti sei innamorata:

Ad essere sincera è passato un pò di tempo dall’ultima volta che ho ascoltato un intero disco. Un paio di anni fa ho attraversato una fase in cui ho ascoltato l’intero album di Frank Ocean “Channel Orange” per un anno intero. È piuttosto raro che ascolto un’intero album e amo ogni canzone senza saltarne nessuna.

L'articolo Haiku Hands: let’s party! (at home) proviene da Toh! Magazine.