Nato dall’amore per i bozzetti di grandi nomi come Karl Lagerfeld e Yves Saint Laurent, il suo percorso lo ha portato a lasciare il mondo del design di moda per abbracciare pienamente la sua identità artistica. Con uno stile che combina colori audaci, senso narrativo e un’irresistibile vena di leggerezza, Justin Teodoro celebra il glamour, la fantasia e il fascino intramontabile delle celebrità.

Dai progetti con marchi iconici come Hugo Boss e Shiseido, fino alla recente collaborazione con Madonna per il “Celebration Tour,” Justin ha dimostrato la capacità di tradurre il suo personale punto di vista in opere che emozionano e raccontano storie. In questa intervista, esploriamo il suo mondo creativo, le sue ispirazioni e la visione di un artista che continua a lasciare il segno nell’industria della moda e oltre.

Quali sono le principali ispirazioni dietro il tuo stile?
Sono sempre stato ispirato dalla cultura pop, come la moda, l’arte, la musica e i film. Tutti questi elementi influenzano il mio stile. Mi piace molto disegnare persone, quindi nei miei lavori ci sono sempre volti e ritratti. Inoltre, i miei disegni hanno spesso un senso narrativo. Penso che avere un messaggio e un punto di vista in ciò che disegno influenzi il modo in cui lo faccio.

La moda e le celebrità giocano un ruolo importante nelle tue illustrazioni. Come la cultura delle celebrità e il mondo della moda influenzano il tuo stile?
La cultura pop ha sempre influenzato il mio lavoro e il mio stile. Da bambino ho scoperto la moda grazie alle riviste Vogue e Harper’s BAZAAR di mia madre, e guardavo sempre film, televisione e video musicali. Tutte quelle immagini vivide sono rimaste impresse nella mia immaginazione, aiutandomi a sviluppare il mio occhio e il mio gusto estetico.

Ciò che amo della moda e della cultura pop è che si tratta di un mondo di fantasia, qualcosa di più grande della vita che può offrire una fuga dalla quotidianità.

Cerco quindi di portare quella fantasia e leggerezza nei miei lavori, attraverso l’uso dei colori, l’inclusione di citazioni specifiche o testi di canzoni, mantenendo sempre un tocco di divertimento e umorismo per rendere tutto più pop.

Cosa ti ha portato a combinare moda e arte dopo anni come designer di moda? Come si è evoluto il tuo stile nella transizione all’illustrazione?
Sono stato molto fortunato nella mia carriera nella moda. Ho vissuto un’esperienza straordinaria e ho imparato moltissimo. Tuttavia, dopo otto anni come designer di moda femminile a New York, mi sono reso conto che, pur amando la moda, forse non ero destinato a essere un designer. Ero sempre più attratto dal lato illustrativo del design. Ricordo che i bozzetti di Karl Lagerfeld e Yves Saint Laurent sono stati molto influenti per me.

Quando ho iniziato a orientare la mia carriera fuori dal design di moda, ho ricominciato a disegnare per me stesso e ho riscoperto il mio amore per l’illustrazione.

Così, combinando il lato artistico con quello legato alla moda, tutto ha iniziato a prendere senso: era una combinazione naturale dei due mondi.

Come artista, il tuo stile cambia ed evolve sempre con te man mano che cresci, ma credo che l’essenza rimanga la stessa. Forse oggi disegno in modo leggermente diverso rispetto a cinque anni fa o uso nuovi strumenti, ma quella sensazione e quel punto di vista restano costanti. Se c’è stata un’evoluzione importante, penso sia che ora sono più sicuro del mio lavoro e della mia visione.

Puoi raccontarci della tua esperienza nel team costumi per il “Celebration Tour” di Madonna?
Lavorare per un’icona come Madonna e far parte di quel team è stato davvero un sogno che si avvera. Tutti quelli con cui ho collaborato erano gentili e incredibilmente talentuosi, il che ha reso l’esperienza ancora più memorabile.

È stato sicuramente un lavoro molto impegnativo, ma ero pronto a fare tutto ciò che era necessario. Sono stato coinvolto come illustratore nel team dei costumi e ho collaborato con i designer per interpretare le loro idee e illustrare gli outfit che sarebbero finiti sul palco durante il tour.

Lavorare per Madonna e vedere la mia arte orbitare intorno a lei è stato un sogno.

È stata un’esperienza intensa ed entusiasmante che mi ha messo alla prova in modi creativi straordinari. Ho imparato moltissimo ed è stato un onore far parte di quel progetto.

Come hai reagito quando ti hanno detto che avresti lavorato con la Regina del Pop?
Ero al settimo cielo! Ogni giorno al lavoro pensavo:

“Se quel Justin di 12 anni che passava il suo tempo a disegnare e ascoltare la musica di Madonna, potesse vedermi ora, impazzirebbe!”.

È stato davvero un sogno oltre ogni immaginazione.

Qual è stata la sfida più grande nel creare campagne per marchi importanti come Hugo Boss, Richemont e Shiseido?
La sfida principale è sempre quella di trovare il modo di adattare le proprie idee e il proprio stile all’identità del cliente e del brand. Bisogna anche lavorare con grandi team e personalità diverse, gestendo le dinamiche di gruppo e le comunicazioni. Sono stato fortunato perché i marchi con cui ho collaborato erano interessati a lavorare con me per utilizzare il mio stile e la mia arte per promuovere i loro prodotti e la loro immagine. Penso che queste collaborazioni, quando aperte e reciproche, rendano il processo più facile e anche più divertente.

Pensi che il consumismo frenetico nella moda contemporanea e il frequente cambio di designer tra i marchi abbiano un impatto negativo sulla creatività?
Dal mio punto di vista, osservando l’industria da dentro e da fuori, credo che il consumismo frenetico e il continuo cambio di designer possano rendere le cose un po’ caotiche. Ma questo è il mondo in cui viviamo, soprattutto con i social media.

Non solo vogliamo sempre novità, ma le pretendiamo e le diamo per scontate.

Siamo bombardati da idee e informazioni continuamente. Quindi, mentre questa esigenza di creare costantemente può a volte diluire la creatività, penso che il pubblico abbia ancora l’occhio per riconoscere la genuina creatività in mezzo a tutto questo caos. Potrebbe non essere sempre evidente, ma riusciamo comunque a coglierla.

Quali marchi o designer trovi più interessanti al momento?
Mi piace molto Jonathan Anderson da Loewe. Amo tutto quello che sta facendo lì. È davvero brillante nel branding e nello storytelling, e ha una visione che combina moda e arte, che adoro. Inoltre, penso che sia uno dei pochi designer innovativi che fanno avanzare l’industria.
Mi piace anche la nuova ondata di giovani designer come Christopher John Rogers, Zankov, Bode, Commission, Willy Chavarria e Wales Bonner. Tutti loro creano abiti non solo ben realizzati ma con un forte punto di vista e individualità. E fanno abiti super portabili, bellissimi e davvero speciali, proprio il tipo di stile che mi piace indossare.

Secondo te, quali sono i principali cambiamenti di cui l’industria della moda ha bisogno per rimanere rilevante e sostenibile?
Penso che ci siano troppe stagioni, troppe collezioni, troppe capsule e collaborazioni che ti fanno pensare che non abbiamo bisogno di così tanti prodotti. 

Quali aspetti del mondo delle celebrità ispirano e influenzano maggiormente il tuo lavoro?
C’è quel senso di glamour e fantasia “old school” nella cultura delle celebrità che mi attrae molto. Ma penso che molte delle illustrazioni che faccio di celebrità non siano solo perché sono famose, ma perché sono persone che ammiro e che significano qualcosa per me. Quindi, che siano attori, cantanti, modelli, artisti o scrittori, sono tutti creativi che hanno influenzato il mio lavoro, e i miei disegni sono, a modo mio, un omaggio a loro.

Se potessi disegnare un abito per una figura storica, chi sceglieresti e cosa gli faresti indossare?
Mi piacerebbe disegnare e progettare con Cecil Beaton. Ho sempre amato il suo stile personale e la sua estetica. Non so se mi permetterebbe davvero di disegnare per lui, ma mi piacerebbe avere una sessione di disegno con lui, mentre posa con i suoi iconici completi da dandy.

Sarebbe incredibile.

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Come e quando hai cominciato ad interessarti all’illustrazione?
Robson Stannard. C’è sempre stata una forte componente artistica lungo tutto l’arco dei miei studi, ed è stato questo che mi ha portato all’illustrazione di moda. Mi dicevano sempre che i miei lavori avevano una forte componente di illustrazione, così ho cercato di approfondire quale tipo di studio potevo fare a riguardo. E ho capito subito che era la strada giusta per me.

Qual’è la tua più grande fonte di ispirazione?
L’ispirazione può arrivare da un sacco di media diversi. Ricordo che sono rimasto profondamente ispirato dove aver visto “Francis Bacon – A Brush with Violence”, un documentario della BBC che mi era stato consigliato di vedere durante gli studi all’università. Dopo questo film ho cominciato a dipingere in maniera totalmente diversa, e a sentirmi molto più sicuro del tipo di tratto verso cui mi sentivo diretto. In termini di palette cormatiche, invece, sono sempre stato ispirato dal colore, ma per molto tempo ho fatto fatica a trovarne la giusta rappresentazione. Ho così cominciato a dipingere utilizzando strati diversi di colori contrastanti, e mi sono reso conto che era la strada più consona al mio lavoro.

Quando realizzi una illustrazione incentrata su un capo o su una collezione, cosa cattura maggiormente la tua attenzione?
Ho un grandissimo amore e una grande stima per una serie di designer che – a mio parere – non sbagliano mai un colpo, e non smetterò mai di essere ispirato dal loro lavoro. Tuttavia, durante il lockdown, mi sono ritrovato con più tempo a disposizione e ho deciso di cimentarmi con pattern e tagli più complessi a cui dare vita con le mie illustrazioni. È stata una sfida con me stesso a livello tecnico, ma anche una esperienza che ho trovato molto terapeutica.

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Ciao Xavier, puoi presentarti ai nostri lettori?
Eccomi, sono l’uomo che si cela dietro l’orsetto Mr. Saint Georges. Non sono un illustratore professionista e in realtà non lavoro neanche nella moda. Studio a Lille, nord della Francia, e mi piace disegnare, cercando di dare spunti di ispirazione con gli outfit che scelgo per il mio personaggio e cercando di promuovere una moda più etica e attenta all’ambiente. La moda e l’ecologia sono le mie più grandi passioni.

Come e quando hai cominciato ad interessarti all’illustrazione?
Disegno sin da quando ero bambino. Non ho mai preso delle lezioni a riguardo, semplicemente, cerco di disegnare ogni volta che posso. E quando ho deciso di aprire un nuovo account instagram, l’illustrazione mi è sembrata la scelta più naturale.

Com’è nato il personaggio dell’orso Mr. Saint Georges?
Mr. Saint Georges è un po’ una summa di tutto ciò che amo di più. Il mio guardaroba non è di certo sconfinato, e lui mi da la possibilità di immaginare e dare vita a combinazioni infinite. Perchè un orso? Innanzitutto perchè tutti possono identificarsi con lui. E poi, beh, perchè un orso molto, molto più semplice da disegnare!

Qual’è la tua più grande fonte di ispirazione?
Instagram! Già – mi sarebbe piaciuto tirare in ballo dei grandi artisti. Un Hockney, un Dalì… Invece no. La mia fonte di ispirazione principale è Instagram, sorry.

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Mika Ingerman è un’illustratrice di venticinque anni, vive tra le montagne del Vermont, e ci ha colpito per il ricercatissimo gusto sartoriale del suo personaggio e, soprattutto, per il suo insolito compagno d’avventure. Del resto, chi non vorrebbe un lama per amico?

Come e quando hai cominciato ad interessarti all’illustrazione?
Credo di aver iniziato già da bambina. Ero affascinata dagli album per l’infanzia, potevo passare intere ore a contemplarli e cercavo poi di disegnarne i protagonisti. L’altra mia grande passione, giunta più tardi, è la sartoria, così al liceo ho combinato i miei interessi e ho iniziato a studiare illustrazione per la moda così da trasferire il mio mondo su carta.

Come sono nati i personaggi di Bob e il suo lama Bunny?
Bob è nato da un semplice schizzo di moda: un tipo snello e rilassato con un vasto guardaroba che attinge a piene mani dallo sportswear anni ’30. Sembrava un personaggio a sè, così gli ho dato un nome – Bob – e l’ho trasformato in una sorta di cartoon, in un universo di maglioncini college e sportive a quattro ruote. Gli serviva però un amico, un compagno di avventure, e così è arrivato il lama Bunny. Il suo nome è un omaggio a Bunny Austin, (sex) simbol del tennis inglese di quegli anni e vero pioniere della moda maschile; fu lui a introdurre per primo i pantaloncini su un campo da tennis. 

Ma perchè proprio un lama?
Avevo notato alcune vecchie foto in bianco e nero di uomini vestiti di tutto punto che cavalcano dei lama; mi son reso conto che era l’animale perfetto per accompagnare un giovane gentleman degli anni 30 con un debole per la moda. In natura i lama sono animali coraggiosi e protettivi, ma anche molto forti e affidabili: il compagno ideale per chi è in cerca di avventure. 
Sotto lo spesso manto di lana, poi, i lama hanno dei lineamenti veramente armoniosi, una grazia che ben si addice alle linee art deco del periodo. La ‘sprezzatura’ del loro portamentoaltezzoso, combinata al grosso naso e alle sopracciglia penzolanti, li rende veramente dei personaggi esilaranti – divertentissimi da disegnare.
E non dimentichiamo che avere un amico che possa fornirti la materia prima per dei coloratissimi maglioni di lana è impagabile!

Qual’è la tua più grande fonte di ispirazione?
Una delle mie referenze principali per ‘Bob an his lama’ sono le coppie comiche di inizio secolo. Penso ad esempio alla sitcom ‘The Andy Griffith Show’ o la serie di film ‘Broadway Melody’. Sono situazioni in cui amicizia, lealtà e un pizzico di follia possono colmare le differenze tra persone molto diverse tra di loro e creare dei legami duraturi. Il guardaroba di Bob invece deve molto alle illustrazioni di moda del periodo. In particolare Laurence Fellows – che rappresentava l’ideale di uomo alla moda su Esquire e Apparel Arts. O ancora, l’illustratore Leslie Saalburg, che racconta un mondo gentlemen inglesi con una intensissima vita sociale fatta da ristoranti alla moda, teatri e una insaziabile passione per i motori.

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Ciao Juan, puoi presentarti ai nostri lettori?
Juan Miguel Galera. Sono un illustratore spagnolo basato in Andalusia, nel comune di Almerìa. Dopo aver studiato Arte, ho approfondito diverse discipline – dalla pittura alla scultura, fino alla scenografia – per poi decidere di concentrarmi sul disegno e sull’illustrazione.

Come e quando hai cominciato ad interessarti all’illustrazione?
Ho iniziato a lavorare come illustratore soltanto tre anni fa, quasi per caso. Alcuni amici stavano lavorando ad un magazine online e mi hanno chiesto di realizzare delle illustrazioni di moda. Ho continuato a collaborare con loro per un anno, dopodichè ho deciso di prendermi del tempo per capire quale tipo di illustrazione volevo fare e che cosa volevo raccontare. Poco a poco, ho cominciato a trovare la mia strada e a definire il mio stile, ma la ricerca è sempre in corso.

Qual’è la tua più grande fonte di ispirazione?
La figura umana, sicuramente. È l’ispirazione più grande. Il resto della composizione arriva dopo, in base alle suggestioni che riescono a creare un dato volto o figura.

Cosa cattura la tua attenzione quando scegli un modello per i tuoi dipinti?
Il suo volto, la sua espressione. L’espressione e la bocca sono per me di vitale importanza, perchè tendo a soffermarmi molto su quelle parti. Quello che cerco di fare è mettere lo spettatore di fronte al modello, come se lo stesse osservando nella vita reale.

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