I Frost Children non si limitano a seguire le tendenze; le ridefiniscono. In questa intervista esclusiva, esplorano come la loro identità e le loro esperienze personali – come la collaborazione con il designer Francesco Risso e la creazione del “Frost Fest” – abbiano plasmato la loro carriera e la loro visione musicale. In occasione del loro dj-set travolgente, tenutosi in apertura del concerto di Dorian Electra lo scorso giugno a Milano, abbiamo intervistato e fotografato Lulù e Angel che ci hanno trasportato nel loro mondo che sembra un miscuglio di funghetti magici, esoterismo, colori fluo, sperimentazione e libertà d’espressione. 

Come è iniziata la vostra passione per la musica e quando avete deciso di formare i Frost Children? 

Siamo fratelli, quindi non abbiamo mai smesso di fare musica. Tecnicamente, abbiamo formato il gruppo nel 2019, ma non abbiamo mai suonato dal vivo prima del 2022.

Come descrivereste il vostro stile musicale e quali sono le vostre principali influenze? 

EDM. Club EDM. Canzoni pop da ballare. Musica emozionale. La nostra principale influenza al momento è Avicii, oppure gli Swedish House Mafia e Steve Aoki.

Qual è il processo creativo dietro le vostre canzoni? Avete un metodo specifico per scrivere e produrre musica?

Utilizziamo la guida oscura di nostro zio Theo Burgess-Frost per fare musica, chiamata “How to Summon an Abrys, 5 Steps for Summoning a Pop Music Muse.” Aveva questo circolo spirituale di musica nel nord dello stato negli anni ’70 e lo consultiamo sempre prima di fare una traccia. A volte iniziamo con un memo vocale alla chitarra, o a volte con un beat già completamente sviluppato. Cerchiamo di essere il più bravi possibile quando facciamo musica.

Cosa vi ispira di più quando componete nuove canzoni? 

Il desiderio di creare qualcosa che faccia sorridere i nostri cuori. Qualcosa che faccia battere il cuore e ci faccia sentire pazzi.

In che modo la vostra identità di genere influisce sulla vostra musica e espressione artistica? 

Penso che siamo più ispirati dalla fiducia e dalla bellezza. Dalla forza e dall’essere inarrestabili.

Potete condividere qualcosa di interessante o divertente che è successo durante una delle vostre sessioni di registrazione? 

Angel è rimasta chiusa nella cabina vocale recentemente e ha dovuto farsi strada coi graffi per uscire. Nessuno poteva sentire le sue grida a causa dell’isolamento acustico!

Come lavorate insieme in quanto fratelli? Ci sono mai momenti di tensione o conflitti creativi? 

Abbiamo un linguaggio condiviso che è qualcosa come la telecinesi. Non litighiamo molto. Cuciniamo l’uno per l’altro e prendiamo cose dal Bodega l’uno per l’altro, abbiamo la maggior parte degli stessi amici. In studio a volte non siamo d’accordo su alcune cose, ma di solito entriamo rapidamente in sintonia.

Qual è stato il momento più significativo o emozionante della vostra carriera finora? 

Il 2025 sarà un anno che cambierà la vita per i Frost Children. È anche fantastico sentire che molti idoli con cui siamo cresciuti ora ascoltano la nostra musica. Come quando Elton John ci ha menzionato nel suo show radiofonico su Apple Music mentre eravamo nei Poconos in Pennsylvania a registrare il nostro album “Hearth Room.”

Vi piace molto sperimentare con il suono. Come immaginate che la vostra musica evolverà nei prossimi anni? Ci sono nuovi generi o stili che vi piacerebbe esplorare?

Al momento siamo estremamente anti-chitarra e cerchiamo di attenerci all’elettronica. Penso che faremo decine di altri album con la chitarra in futuro. Stiamo iniziando a renderci conto che i nostri gusti semplicemente attraversano delle fasi. Ma al cuore di tutto c’è il carattere della nostra scrittura e produzione.

Quali sono i vostri obiettivi a lungo termine come Frost Children e cosa sperate di raggiungere nella vostra carriera musicale? 

Vogliamo suonare al Las Vegas Sphere, a Red Rocks, avviare un’etichetta, comprare molte case, ottenere posti migliori sui voli, mangiare fuori tutto il tempo e ubriacarci con liquori pregiati. Obiettivi di tipo dionisiaco…

Avete qualche consiglio per i giovani artisti che cercano di entrare nella scena musicale? 

Continuate a creare cose TUTTO IL TEMPO. Sento che questo mondo ha iniziato a chiudersi nell’inerzia, specialmente nella nostra generazione. Ci sono un milione di scuse per cui NON dovresti fare qualcosa, e saranno sempre lì per fermarti se non stai attento. Continua a fare cose e inizierai a capire cosa ti rende unico nel processo. E non farti male quando le persone non capiscono subito. Ama i tuoi haters.

Parlando di artisti emergenti, il 22 agosto 2024 si svolgerà il primo Frost Fest a Williamsburg, con due giorni dedicati a molti artisti emergenti scelti da voi. Come li avete selezionati? 

Fondamentalmente ci siamo chiesti: “Cosa succederebbe se ci fosse una lineup perfetta per un festival?” E poi l’abbiamo fatta noi. Danny Brown è stato molto esplicito riguardo al fatto che gli piace la nostra musica nel suo podcast, il che è stato sconvolgente perché siamo suoi fan da oltre un decennio. Ci siamo messi in contatto con lui molte volte da allora ed era entusiasta di fare una performance dove suoniamo come sua band dal vivo. Tutti gli altri sono artisti con cui abbiamo lavorato personalmente o di cui siamo attualmente entusiasti. Tutti gli artisti coinvolti stanno creando qualcosa di estremamente fresco e high-energy. Stiamo cercando di avviare una rivoluzione di Electro-Mania.

Potete parlarci della vostra relazione speciale con il designer Francesco Risso di Marni e di come potrebbe avervi influenzato in qualche modo? 

Fondamentalmente, Angel è stata ingaggiata per uno show di Marni subito dopo essersi trasferita a New York nel 2017 e da allora ha iniziato a fare tutte le loro sfilate e molte delle loro campagne. Sono tornato molte volte e ho visto Francesco evolversi in tempo reale e affermare il suo genio ancora e ancora. Marni è il miglior brand nella moda europea. Duhhh. Sono giocosi, senza tempo, fighi come l’inferno, adorabili, senza mai essere piattamente kawaii. È sexy e strano. E lo spirito collaborativo di Francesco è stato contagioso per me come modella timida di 18 anni. Abbiamo anche incontrato l’artista leggendario George Clanton attraverso Marni e abbiamo finito per fare un tour con lui lo scorso anno. Amiamo Marni!!

Qual è il tuo capo d’abbigliamento preferito: 

Francesco (Risso ndr) ci ha inviato due enormi giacche a vento lo scorso inverno, una gialla di lana per Angel e una a quadri per Lulu. Le abbiamo indossate insieme per un sacco di tempo, insieme a stivali alti arancioni e blu. Angel le ha indossate anche molto sul palco durante il nostro Double-Headed Tour la scorsa primavera.

Le vostre performance dal vivo sono molto energetiche e coinvolgenti, e trasmettete un’energia che può davvero catturare il pubblico. Qual è il vostro segreto? 

Lo swag non ti cade in grembo. Devi attrarlo con il Corpo.

Film preferito dei Frost Children: 

Angel: Paddington 2 

Lulu: Night at the Galactic Railroad

Qual è l’ultimo album di cui vi siete innamorati? 

Angel non può smettere di ascoltare “Top of the World” (feat. Dev) dei Cataracs. Lulu sta ascoltando il disco omonimo dei Modjo, che contiene l’iconico singolo “Lady, Hear Me Tonight.”

Production: Giuseppe Di Rosalia

Interview: Marco Cresci

Photo: Alex Vaccani

Styling: Alessandro Marzo

All clothes by MARNI

Thanks to :

KD House

Francesco Risso

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E’ bello vedere che anche in Italia ci sono realtà che si discostano dal mercato, artisti che sperimentano, che creano mondi che valicano il confine delle chart, che suscitano riflessioni e che scuotono le orecchie anche a costo di dar fastidio, ma che mantengono intatta una visione; PIOVE. è sicuramente tra questi.

Uscito il gennaio scorso, “MIRACOLO” (Woodworm/Universal) racconta di quanto sia più facile per le nuove generazioni rifugiarsi in un mondo che ci si è costruiti a tavolino, in cui ci si sente a proprio agio e che permette di essere ovunque, senza in realtà muoversi dalla propria stanza.

Il contatto virtuale sostituisce il reale, finalmente possiamo essere chi vogliamo, quando vogliamo, con il corpo che desideriamo in una dimensione priva di diversità e sofferenza fatta di livelli, 10 in questo caso, una per ogni traccia di “MIRACOLO”.

Abbiamo fatto due chiacchiere con PIOVE. per cercare di capire un almeno un poco chi si cela dietro questa misteriosa maschera stampata in 3D.

Come nasce PIOVE. ?

PIOVE. è un progetto a 360° che comprende musica, grafica e visual sviluppato anche insieme a Woodworm, è il frutto di un percorso fatto insieme.

Mi appassiono sempre a progetti coraggiosi come il vostro, fate un genere che musicalmente va al di là del mercato discografico italiano, penso ad Arrsalendo o a Rareș tra le cose più nuove uscite, ti senti un outsiders o semplicemente stai facendo quel che ti piace?

Grazie per questa osservazione, è difficile in realtà perché cerchiamo di fare qualcosa che ci piace ma che allo stesso tempo riesca ad arrivare ad una comunicabilità trasversale.

Sicuramente con Arssalendo condividiamo una passione per un certo tipo di elettronica sperimentale e veniamo anche dalla stessa città (Torino n.d.g.), quindi abbiamo delle conoscenze comuni e abbiamo ascoltato insieme un sacco di musica.

Spero un giorno di poter anche creare qualcosa insieme perché quello che fa è davvero nuovo per questo paese…

Mi sembra che ci sia una bella scena trasversale in questo momento e come si dice chi cerca trova anche se non c’è spinta dai media…

Sì vero, la musica sperimentale ha una bella scena, fatta anche di giovanissimi che hanno cominciato a smanettare in casa durante il lockdown. Certo anche gli addetti sembra che se ne stiano accorgendo, quindi speriamo!

PIOVE. è un progetto che ha una forte connotazione audiovisiva in cui musica e immagini creano un mondo, me ne parli?

La parte visual è curata insieme ad Angelo Guttadauro che è un mio caro amico e un artista 3D davvero bravissimo che stimo. Quando ha saputo che stavo per uscire con nuova musica mi ha proposto di lavorare insieme e io ero dubbiosa perché esteticamente era lontanissimo da me.

Poi è successo che per mesi ci siamo fatti il lavaggio del cervello lun l’altro, continuando a inviarci riferimenti, immagini, fin che non è letteralmente sbroccato e ha aperto Blender che è un programma di grafica 3D e ha cominciato a disegnare.

Da questo scambio è nato tutto il mondo di PIOVE. Calcola che Angelo viene dalla fotografia, ha un gusto retrò, ama i colori caldi, quindi mai avrei pensato che sarebbe riuscito a creare questo mondo digitale gelido ispirato a una dimensione estetica fantasy e in 3D.

Posso dire che PIOVE. è il tuo alter-ego virtuale?

Lo è, all’inizio pensa addirittura di aprire una pagina Instagram in cui io non esistevo, un profilo senza connotazione umana dietro questa musica. Ma avrei dovuto essere più ricca… quindi alla fine ho optato per questa soluzione che sta a metà tra il digitale e l’umano.

Non sono assolutamente una gamer, ma stare online mi piace tantissimo, ho dei miei luoghi di frequentazione come Discord e Reddit e sono appassionata di lo-fi pop.

Piove.

Quello che vorrei fosse chiaro è che ho cercato di evidenziare un passaggio che è quello tra il mondo umano e il mondo digitale, che ci sta riguardando tutti sempre di più, esplorare questo mondo tramite le grafiche 3D mi ha permesso di sperimentare il Metaverso e tutta la sfera fashion che sta nascendo con questi creator che sono a metà tra le due dimensioni.

Ho intenzione di spingermi sempre più dentro a tutto questo. Il mondo degli NFT lo trovo interessantissimo, sto costruendo una galleria all’interno di un nuovo social che si chiama Spatial per cercare di sperimentare in un modo alternativo.

E’ difficile questa domanda perché mi sento ancora in fase di definizione.

Se la musica è sperimentale, i testi li trovo più lineari, sei d’accordo?

So che mi piace l’idea di trasmettere delle immagini chiare per tutti. Tenermi più pazza per le strutture e la ricerca di alcuni suoni e mantenere la connessione con i testi, la lingua italiana e la forma canzone.

Parlami dell’artwovrk del disco, cosa rappresenta?

Mi piace che ognuno possa trovarci la sua spiegazione, tu cosa ci vedi?

Vedo una figura nera un demone, che spacca questa figura bianca in cui era imprigionato

E’ una visione interessante, non l’avevo mai vista sotto questo punto. Ci sta sai, perché è una sorta di androide che si trasforma in una macchina, alla base del concept c’è questo transumanesimo, questa trasformazione da dimensione umana a digitale però rappresentata come se fosse un umanoide all’interno di un feto e infatti c’è questo liquido che lo circonda. Inoltre ha queste ali che rappresentano un po’ la parte mostruosa che ci hai visto tu.

L’ultimo album di cui ti sei innamorata?

Mhhhh allora dal lato della produzione “CheetahBend” di Jimmy Edgar un disco che mi fa ballare da morire, invece lato pop e qui si evince la mia anima rotta, è “Flop” di Salmo.

PIOVE. “MIRACOLO” (Woodworm/Universal)

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“Femmina” di Rareş è un disco pazzo nel senso buono del termine, di quelli che ti fanno esclamare: “Weird is cool!”. Sperimenta con i synth, decostruisce la forma canzone, mescola elettronica, pop, punk e hyper-pop , giocando a storpiarsi la voce in mille modi con testi apparentemente criptici ma profondamente personali.

In questo secondo album – anche se lui lo considera il primo perché lo rappresenta al meglio – l’artista venticinquenne di origini rumene si mette a nudo, mostrando le sue fragilità e la sua attitudine da nerd del suono.

“Femmina” è anche un percorso alla riscoperta di se stesso, dopo la lunga ricerca di una figura femminile che alla fine ha trovato dentro di sé, e che lo ha portato a scontrarsi con gli stereotipi della mascolinità tossica accettando così la sue fragilità.

Nelle sue canzoni spesso scritte improvvisando, mescola maschile e femminile all’italiano, all’inglese e al rumeno, trasformando così le sue origini che in passato ha allontanato, in un punto di forza.

Che piaccia o meno Rareş ha creato qualcosa di nuovo e inaspettato in Italia; lo abbiamo intervistato:

Ciao Rareş, come stai?

Abbastanza bene, in attesa di scoprire come verrà recepito il disco.

Partiamo dal titolo del disco “Femmina”, in questo momento storico in cui si parla tanto di genere è una parola che può avere diversi significati, a me lo urlavano per offendermi alle elementari perché non giocavo a pallone nel’intervallo… come mai lo hai scelto?

Innanzi tutto mi dispiace per questa tua esperienza. E mi fa pensare a quando con un amico giocavo ai Lego di Star Wars e dopo averli costruiti giocavamo ai “drammi” tipo che li facevamo litigare oppure non si amavano più e quindi i Lego si separavano. Mi hai ricordato che nemmeno io giocavo a calcio…

Tornando al titolo è stato oggetto di una lunga discussione proprio per il periodo storico che stiamo vivendo. C’è un po’ la scommessa dietro perché venga interpretato nella maniera giusta, oppure nel caso così non fosse ascoltando l’album si capisce da che parte è schierato.

L’ho tenuto sicuramente per l’impatto attuale ma è arrivato leggendomi, mi sono reso conto che è un lavoro ossessionato dalla femminilità, pieno di queste donne evanescenti.

Quando ho scritto il pezzo che porta il nome del disco “Femmina” ho giocato sul significato della parola fino ad accorgermi che quando cantavo “voglio la mia femmina”, che è una frase pesante, quasi borderline anche per me, chi cercavo era me stesso. L’ho dovuto accettare per smettere di censurarmi e trovando il coraggio di metterci la faccia.

E’ tutto un cercare fuori le cose che trovi dentro e far pace con la propria femminilità per stare bene con se stessi, è un disco di mega terapia per me.

Questo album ha avuto una lunga gestazione, le take vocali sono quasi tutte improvvisate quindi dopo averle cantate per mesi e anni, me le sono riascoltate per capire bene cosa intendessi.

Certe parti sono pese proprio perché non sono state filtrate, anche per questo alcuni pezzi hanno 2 o 3 anni, perché volevo capire bene cosa stavo facendo essendo testi scritti di pancia.

Hai un approccio alla scrittura evocativo, i tuoi testi non sono lineari vanno interpretati, com’è il tuo metodo di scrittura?

Non è stato facile, perché la cifra stilistica di questo album è proprio quella di eliminare lo stilema, trovavo un loop di chitarra, lo mettevo in loop con se stesso, aggiungevo una batteria sotto, accendevo il microfono e cantavo dritto. Quindi sono rimaste voci sporche, rumori, sottofondi di risate.

Stilisticamente è difficile rispondere, ho sicuramente fatto delle citazioni, ma è così autoreferenziale che faccio fatica a dirti da dove tutto questo sia venuto. So che per me è un disco totalmente lineare, ma poi parlando con chi lo ha ascoltato, con gli amici, mi sono accorto che ne ho una visione completamente sfalsata.

Se mai dovessi scegliere tra abbandonare i testi o la musica accantonerei la musica, mi piace di più scrivere, diciamo che negli anni ’60 avrei voluto fare Mogol e non Battisti.

Sei nato in Romania, cresciuto in Veneto e ora studi e vivi a Bologna giusto?

Si, sto studiando sound design a Bologna mi mancano un paio di esami ma la cosa si sta espandendo e ho lavorato alle musiche di un lungometraggio.

Ti è venuto naturale scrivere i testi in italiano e rumeno insieme?

Sì, essendo bilingue per me è uguale esprimermi in italiano o rumeno è un pò come parlo, come penso, come sogno.

Il tuo primo album “Curriculum Vitae” del 2020 aveva riferimenti più vicini all’indie americano, penso ad artisti come Passion Pit o Mac deMarco, qual è stato il percorso che ti ha portato verso le sonorità opposte di “Femmina”?

A livello musicale è stato un momento di grande gioco, subito dopo la pubblicazione di “Curriculum Vitae” ho cominciato a improvvisare davanti al computer col microfono, e questo sound un po ironico nato anche come un po’ come risposta alla compostezza della band e al registrare in presa diretta.

In realtà è stato un percorso personale, quasi tutte le demo di “Curriculum Vitae” erano delle produzioni elettroniche fatte da me insieme ad amici, quindi originariamente avevano un piglio molto simile a “Femmina” anche se molto più educato e infantile.

Le intenzioni elettroniche sono sempre state nella mia vita, il paradosso è che ora devo correggere come se fossi un occhiale la miopia che io ho dato della mia immagine. Questa sarà una cosa divertente perché “Femmina” è molto più Rareş di quanto non lo sia mai stato.

E’ una cosa che andrà spiegata con il contagocce ma prima giocavo molto sul sicuro per non espormi, perché avevo paura dell’attenzione che avrei potuto destare.

Fai un tipo di musica che non è facile al primo ascolto ma in realtà al terzo ti canticchi le canzoni, pensi sia un deterrente in questo mondo di canzoni fast food?

Mi stai dicendo che non ci mangio con sta roba… sai che mi trovo d’accordo con te? (ride ndg). Spero di non peccare di presunzione ma mi rendo conto che non è un ascolto immediato e che vedendo quello che funziona oggi potrebbe remarmi contro.

Le mani che ti toccano sulla cover di “Femmina” non sono solo femminili giusto?

Esatto, se dobbiamo trovare una metafora é che la femminilità non riguarda solo le donne e quindi è bello vedere un compendio più possibile di forme e colori e noi lo abbiamo fatto con le mani.

Quando guardo la cover io ci vedo stress, non ne ho mai parlato con Bianca Peruzzi che è la fotografa bravissima che ho chiamato dopo averla scoperta su Instagram e che usa questi chiaroscuri meravigliosi e delicati che vanno anche in contrasto con la musica.

Penso che a tutti sia capitato di sentirsi tirare da tutte le parti come a me nello scatto di cover, e anche se non era voluta la foto che abbiamo il mio viso tirato in quel modo è molto pavonesco, quasi femmineo ed è questo che me l’ha fatta scegliere.

Questo album come hai accennato ha segnato anche un percorso personale di analisi e di scoperta, me ne parleresti?

Il mio percorso di scoperta è qualcosa di molto spirituale, ho dovuto mettere insieme un sacco di punti diversi della mia vita per arrivare a coprire delle voragini che non si sono mai capite, atteggiamenti nvn spiegati.

In questo caso specifico per ora non ha un risvolto sessuale o identitario, anzi accettando la donna che c’è in me mi si è riempita la pancia, e questa consapevolezza mi ha portato molto avanti rispetto a chi sono e a cosa so fare.

Questo unito a un percorso di psicoterapia che ho iniziato mi ha portato consapevolezza e mi ha fatto cambiare lo sguardo sul fuori perché ti fa vedere dove queste due sfere, quella maschile e quella femminile, non sono bilanciate negli altri.

Sono grato a tutti i protagonisti di questa grande storia che però si chiude su se stessa e non ti spega un cazzo, è un disco mega masturbatorio di cui io so tutto e gli altri niente.

Cosa mi dici del tour che partirà a breve passando anche per il MIAMI Festival?

Stiamo provando in questi giorni, saremo in quattro e abbiamo trovato una forma che secondo me funziona, è un album spinto, elettronico, estroverso, che porge la guancia e si lascia suonare. Mi sono preparato una pedaliera per la voce quindi quest’anno suonerò la mia voce, mi son concesso questo lusso. Sono molto curioso di come verrà accolto.

L’ultimo album di cui ti sei innamorato:

Oh cazzo… fammi pensare, in realtà ne ho due, uno italiano che è “Cosmic Res” dei C+C=Maxigross e uno francese che è “Flaming Swords” dei Fievel is Glauque.

Rareş Live 2023 (in aggiornamento):

19 marzo Fermata 23 – Camposanto (Modena)

30 marzo Magazzino sul Po – Torino

31 marzo Argo16 – Venezia

15 aprile Covo Club – Bologna

26 maggio Mi Ami Festival – Segrate (Milano)

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Producer e artista romano Arssalendo, nome d’arte di Alessandro Catalano, è passato da talento da tenere sott’occhio con il suo album di debutto “Litania” (2020) ad artista consolidato grazie al suo secondo lavoro “Tutti ammassati senza affetto”, uscito lo scorso anno.

“Ma tu ci tieni a me?” (GRAZIE1000) è il titolo del nuovo ep, quattro tracce che fotografano l’anno appena trascorso di Arssalendo, con quel centrifugato di suoni pazzi a cui ci ha abituati, tra hyper pop, avant pop e contaminazioni punk, ha trovato la sua dimensione in un genere che in Italia è ancora poco esplorato, riuscendo a farlo suo.

Ciao Arssalendo, come stai?

Bene, anzi in fibrillazione perché è appena uscito il nuovo ep.

Come ti senti cambiato musicalmente rispetto al tuo primo album “Tutti Ammassati Senza Affetto”?

Direi che “Ma tu ci tieni a me?” è il proseguimento di tutto quanto successo dall’album ad oggi che ho acquisito un minimo di fama, o di conoscenza diciamo così, da parte del pubblico. C’è stato un tour, delle interviste e l’ep parla di questo, delle relazioni umane che ho vissuto nell’ultimo anno.

Sono principalmente conoscenze effimere perché il fan ti conosce tramite la musica, ma non sa chi sei personalmente.

Mi sento più cosciente della mia strada, perché l’ultimo anno è stata la conferma che quello che voglio fare dai tempi di “Tutti ammassati senza affetto” non piace solo a me. Il responso ottenuto mi ha dato la consapevolezza di spingermi oltre, di osare di più, non che prima non l’avessi fatto ma ora mi sento più sicuro.

Se l’album aveva un concetto di fondo molto buio, il nuovo ep è formato da tracce a sé che però si legano bene insieme, creando un filo unico. Ci sono molte più chitarre, c’è anche una ballad, ma tutto è sempre fatto a modo mio. La follia non è cambiata.

Hai 23 anni e fai una musica eclettica e destrutturata, parlami del tuo background musicale:

Ho cominciato a suonare la chitarra a 14 anni ma già nei locali, sono cresciuto ascoltando i Sonic Youth, gli Slow Dive e lo shoegaze, moltissimo i Placebo, sono stato dentro la scena emo punk noise. Poi ho avuto una sorta di rigetto alle chitarre e al punk e ho cominciato ad ascoltare elettronica, soprattutto ambient e noise.

A 18 anni circa ho iniziato il progetto Arssalendo che lentamente è diventato sempre più definito, è cominciato da un discorso più deconstructed club, quindi sempre elettronica senza voce che ha visto la luce in “Litania” il mio primo album.

Poi per “Tutti ammassati senza affetto” ho sentito l’esigenza di prendere una direzione più pop e quel lirismo italiano indie come quello de I Cani o dei Fine Before You Came e l’emo italiano. Da qui è nato il tentativo di fondere tutto quello che mi piace insieme e nel mio modo.

Sostanzialmente cerco di riprendere le canzoni suonate trovando il modo di farle mie, smontandole e ricostruendole con il computer. 

“Ma tu ci tieni a me?”, a chi è rivolta questa domanda?

A tutte le persone che ho incontrato quest’anno. Tieni alla mia musica, ti piace il mio progetto ma tieni ad Arssalendo e non tieni ad Alessandro, perché non sai chi sono veramente e io stesso non voglio aprirmi per forza con gli sconosciuti.

In me c’è questa dicotomia per cui sono molto chiuso con le persone in generale, mentre con le quattro che formano la mia “chosen family” ho legato ancor di più. E’ una domanda retorica che faccio anche a me stesso.

Sei un ragazzo solitario?

Sì, cerco molto di star da solo perché la solitudine e il viaggiare da solo mi danno una botta in faccia maggiore, sei meno protetto da solo. 

C’è un momento della giornata che prediligi per creare la tua musica?

Appena mi sveglio, e sono piuttosto mattutino, o quando sono molto stanco e fuori è buio. 

Descrivi un tuo live:

Come approccio sonoro si avvicina molto ad un dj set e a quell’idea di mixare due tracce assieme per creare un flusso che non si stoppi alla fine di ogni brano. In realtà è un procedimento abbastanza maniacale: scelgo dei suoni di un brano e li decostruisco di nuovo, fino a che non perde il senso originale e ne acquista uno nuovo, che ti accompagna da un brano all’altro. Quindi a volte le parti cantate vengono spostate, o le batterie non arrivano quando dovrebbero.

L’ultimo album di cui ti sei innamorato:

Ho scoperto di recente “Details” dei Frou Frou con Imogen Heap alla voce e mi ha letteralmente ucciso.

Arssalendo “Ma tu ci tieni a me?” Tour 2023

17/02 – Fanfulla5a – Roma
04/03 – Musici per Caso – Piacenza
11/03 – Spazio211 – Torino
16/03 – Freakout Club – Bologna  
17/03 – District272 Milano x @funclab.records – Milano
28/04 – Giardini Luzzati – Genova

L'articolo Arssalendo e le sue decostruzioni sonore proviene da Toh! Magazine.

“Per un periodo della mia vita ho pensato di essere un Evangelion dove dei mini-me stavano seduti dentro alla mia testa come in una cabina comandi a gestire ogni impulso del mio corpo”. Benvenuti nell’universo di Yeule pseudonimo di Nat Ćmiel, artista natə a Singapore ma d’adozione londinese.

Yeule per anni ha vissuto su internet tra alter-ego, gaming e viaggi virtuali, tanto che ad un certo punto si è dissociatə dalla realtà. “Glitch Princess” è il titolo del suo secondo album, in uscita il prossimo 4 febbraio per Bayonet Records, con cui ha creato un’entità musicale enigmatica e oscura, guidata da una voce onirica e un’estetica distopica, la cui produzione prende spunto da videogames, installazioni artistiche, fanzine e stream su Twitch, ancor prima che la pandemia rendesse la piattaforma popolare.

A quasi due anni dal suo debutto “Serotonin II” ho raggiunto Yeule su Zoom; mi appare con quel trucco cyber punk unico che lə contraddistingue e che si fa sempre da solə (puntualizza ndr). Durante la nostra conversazione Yeule non mi guarda mai diritto in faccia, ha il monitor girato di tre quarti lo fissa e sorride spesso, dietro di loro un letto con una coperta a scacchi bianchi e neri che mi riporta subito al film cult “Doom Generation” di Gregg Araki e la nostra conversazione parte da qui:

“Adoro Gregg Araki, capisco perché ti è venuto in mente è per il copriletto! Quella stanza è divenuta iconica, come il film. Ma tu invece dove sei?”

Sono a Milano a casa.

“OOOH! Che bella Milano, le moda, le sfilate, le sue vie inconfondibili, la trovo meravigliosa!”

Ci sei statə spesso?

“Sì! Con il mio visore e Google Maps, ho camminato per tutte le strade della città senza esserci mai statə. Spero un giorno di vederla dal vero, sono ossessionatə dall’architettura europea. Ho viaggiato ovunque virtualmente, ma nella vita reale non esco spesso di casa se non per andare alla St. Martins dove studio”.

Bellissimo che sei entratə alla Central Saint Martins, che indirizzo hai scelto?

Volevo seguire il corso di fashion design ma non sono statə presə, fortunatamente avevo allegato anche un portfolio artistico così mi hanno chiesto se fossi interessatə a seguire il corso d’arte e come avrei potuto non accettare!

La prima traccia che anticipa il nuovo album in uscita a breve s’intitola “The Things They Did For Me Out Of Love”, un pezzo meditativo e ipnotico, sembra il flusso inconscio di un sogno, e dura 4 ore e 44 minuti. Me ne parli?

E’ la traccia che chiude l’album, quando stavo decidendo il concept del disco mi chiedevo come potessi trasformare in musica i pensieri oscuri che ho nel profondo della mia testa. Come hai detto tu volevo trasportare in musica i miei sogni e il mio subconscio, parlavo molto di questo a Danny (L Harle suo produttore e colonna portante della Pc Music), che ha capito subito il concept dell’album, così abbiamo deciso di’ntegrare musica ambient con glitch e distorsioni, che potrei chiamare avant garde pop. Ho utilizzato tutte le mie texture musicali preferite, così abbiamo pensato che questo flusso meditativo fosse perfetto per anticipare “Glitch Princess”.

Perchè dura 4:44 immagino ci sia un motivo…

Mi piacciono moltissimo i così detti numeri degli angeli (I numeri degli angeli sono sequenze ricorrenti di numeri che hanno un significato spirituale come 111, 222, ecc. n.d.r.), e il 4 è un numero che torna spesso nella mia vita, inoltre in Asia, soprattutto nella cultura cinese, simboleggia la morte. E’ una canzone che parla di crisi di identità e volevo uccidere ogni mio alter ego con questo pezzo.

Abbiamo parlato della traccia che chiude l’album passiamo a quella che lo apre “My Name is Nat Ćmiel” una sorta di presentazione che suona umana nei sentimenti ma robotica nella voce…

E’ stata una delle poche volte che ho scritto una canzone in modo maniacale, come quando scrivi sul tuo diario. Chi sono, cosa faccio, come mi chiamo, sono tutte le domande che mi facevo mentre la scrivevo. Hai presente quando sei un bambino e ti chiedono di fare una presentazione di te stesso con nome, cognome, genitori… ecco è stato lo stesso processo, ma è stato molto istintivo. Sono una persona molto timida, per me è stata anche una sfida confessarmi in questa traccia, credo che farla risultare così robotica sia stato il modo per esorcizzare il processo, non ce l’avrei fatta altrimenti.

Hai parlato di diari, è tua abitudine scriverli?

Sono ossessionatə dai diari, scrivo e disegno ogni giorno, questo è il mio quinto albo (mi mostra un quaderno pieno di disegni, frasi e anche collage, che rivela la sua spiccata vena artistica, tanto che ne vorrei una pagina a caso n.d.r.). Quando li guardo, capisco che mi serve anche per andare a costruire una sorta di pattern, i diari sono tutti diversi e mutano forma come i miei pensieri, non scrivo mai ne delle stesse cose, ne nella stessa forma. Lo chiamo “The journal project” e ne sono molto devotə.

Il glitch è un errore di sistema, come mai hai intitolato l’album “Glitch Princess”?

Credo sia perché ho sempre bramato gli opposti, la perfezione sistematica, le cose che rivendicano una struttura, mi definirei un’artista meticolosə. Il glitch è una falla del sistema ma per come la intendo io non è solo a livello tecnologico ma anche emotivo. Ho un sistema quasi ossessivo nell’approcciarmi alle cose, nell’impararle o nell’esibirmi, ma allo stesso tempo amo le distorsioni, sono bellissime. Al liceo ero espertə in astrofisica una materia che mi affascina da sempre: spazio, forza di gravità, buchi neri, molecole, protoni, elettroni e plutoni e l’origine della vita, ne sono ossessionatə.

Una delle canzoni che preferisco del disco è “Electric” mi piace come la tua voce ti porta lontano con il falsetto che cresce e ti avvolge fino a non sembrare più umana. Me ne parli?

Sono sempre statə attrattə dalle manipolazioni vocali, e mi piace giocare con i suoni artefatti, usare la voce umana ma portarla al livello successivo facendola sembrare prefabbricata, digitalizzata. E’ una sfida cantarla dal vivo ma l’ho provata più volte e ci posso riuscire.

So che siete grandi fan della saga “Final Fantasy” e che ha ispirato la vostra arte. Mi sapreste dire , come mai è fonte d’ispirazione per così tanti artisti e in modo così diverso? Penso a Grimes, Owen Pallet, Arca o a Woodkid, solo per citarne alcuni…

La risposta è molto semplice, perché è un universo totalmente immersivo e intricato, se guardi profondamente in “Final Fantasy” ti accorgerai che il concetto è la morte, pensa a tutte le persone coinvolte per creare questo mondo quanti dettagli hanno introdotto, è stato come creare un universo nuovo. Credo che come artisti riconosciamo e sviluppiamo una sorta di devozione verso questa alternativa alla realtà, così intricata e iconica. Pensa quante persone hanno vissuto in questo mondo che nella realtà non esiste, tutte insieme, non è qualcosa di folle!?

Il tuo nome d’arte stesso deriva da Final Fantasy giusto?

Il nome “Yeule” deriva da una veggente in Final Fantasy XIII-2, Paddra Nsu-yeul, gli sviluppatori di questa saga creano mondi così incredibilmente dettagliati in cui puoi fingere di vivere e le immagini dei luoghi all’interno di questi mondi a volte si insinuano nei miei sogni. A volte dimentico che i personaggi all’interno non sono reali e ho ricordi di queste lunghe avventure con i miei “amici”, che sono i personaggi fittizi di un gioco.

Hai realizzato tu la cover di “Glitch Princess”?

E’ una collaborazione con la Neo Crew che ha realizzato tutti i render dell’album, le referenze che gli ho dato sono state le parti del mio corpo tra cui la spina dorsale, perché fanno parte di una visione che ho avuto, ma è fortemente ispirata da Neon Genesis Evangelion, ma non volevo fosse ne risultasse una copia. Siamo grandissimi fan della saga perché è fortemente influenzata dalla psicologia, dalla religione, dall’estetica cyber punk e dal sacrificio, ci sono questi bambini che entrano dentro dei robot giganti rischiando la vita per salvare l’umanità, è una cosa piuttosto dark e inquietante non trovi? Quando ero più giovane pensavo davvero che questo corpo fosse un Evanagelion e che io fossi sedutə dentro alla mia testa a comandarmi. Ho vissuto molto tempo fuori dal mio corpo.

Parliamo di stile e del tuo make up così personale, come nasce?

Capelli e make up sono il mio territorio, anche quando ho fatto shooting per importanti magazine ho sempre curato io questo aspetto, perché penso che nessuno possa realizzare quello che sta nella mia testa. Quando lasciavo fare agli altri non ero mai contentə. Quindi mi sono forzatə ad imparare, onestamente non sapevo come farmi un eye shadows a 15 anni per esempio, ma ho studiato molto su Internet.

Hai da poco rilasciato il video di “Friendly Machine” e devo dirti che mi ha ricordato “Violently Happy” di Björk, è stata una tua ispirazione?

Ahhhh! Per la tv?! Onestamente quando l’abbiamo girato non ci ho pensato, ma amo Björk tantissimo e ha ispirato molto il mio lavoro. Questa è una delle cose incredibile del fare arte vedi? In un livello subconscio avevo questa idea correlata al video di Björk, ma credo anche che al giorno d’oggi sia impossibile avere delle idee veramente originali, puoi avvicinarti abbastanza ed esprimere qualcosa che per te è simbolico o significa qualcosa, ma poi ti rendi conto che è una sovrapposizione ma ciò non significa che sia una copia.

Ti lascio con una domanda che faccio sempre, l’ultimo album di cui ti sei innamorata:

La musica per me è come un’identità, quando penso ad album penso ad un corpo ad esempio “Depression Cherry” dei Beach House è una donna incazzata che mi urla addosso se non dico che l’ultimo album di cui mi sono innamorata è “Depression Cherry” dei Beach House.

*Poco dopo la nostra chiacchierata Yeule ha realizzato a sorpresa The Code un profumo in edizione limitata in collaborazione con Urania’s Children nota compagnia di profumi gender fluid.

Secondo quanto riportato nella sua descrizione: The Code è un’essenza di assimilazione; l’ethos transitorio e imbottigliato di “Yeule”. Il profumo consolida il sé frammentato in un tutto unico e completo.

The Code funziona come un toccasana per i sintomi umanistici che inibiscono le prestazioni neurologiche causate da divisioni di persona, molteplicità condizionale e/o frammentazione dell’anima.

The Code by Yeule

L'articolo Yeule lancia il pop nel metaverso proviene da Toh! Magazine.