Tra ispirazioni francesi, club culture e narrazioni sensuali, Babymorocco mescola caos e romanticismo per creare un’opera electro che va oltre il semplice divertimento. Con il suo stile unico e provocatorio, Babymorocco (al secolo Clayton Pettet) ha sempre saputo come canalizzare il desiderio in arte.

Dai suoi esordi su Tumblr fino all’uscita del primo album Amour lo scorso dicembre, la sua evoluzione lo ha portato a fondere edonismo e vulnerabilità in un sound che celebra la cultura dei club e l’eredità electro degli anni 2000. Il disco, che ha ottenuto un 7.1 su Pitchfork, trasforma il romanticismo e la sfrontatezza in un’esperienza sonora travolgente, capace di coniugare melodie nostalgiche e sonorità audaci.

Tra riferimenti a Daft Punk, feat con i Frost Children, monologhi parigini e il fascino ribelle di un rave londinese, Amour non è solo un disco per ballare, ma un viaggio emotivo che esplora il rischio e la ricompensa di aprirsi all’amore. Babymorocco si racconta a TOH! Magazine toccando temi come la sessualità, l’autenticità nell’arte e il significato di creare musica in un’epoca di disconnessione e ricerca.

Ciao, come stai e dove ti trovi?
Sono a New York in questo momento, nell’ufficio della mia etichetta discografica.

Internet ha sempre fatto parte del tuo mondo, come descriveresti il legame tra il tuo passato su Tumblr e la tua carriera musicale attuale?

Internet è sempre stato una parte intrinseca di chi sono; onestamente, non riesco a ricordare un momento della mia vita senza. Crescere fuori da una grande città ha fatto sì che Tumblr fosse come la mia scuola. Era come se tutto il mio cervello vivesse lì. Non saprei dire con certezza come mi abbia influenzato in modo diretto. Più che altro, mi affascina il modo in cui le cose dovrebbero apparire, più che sentire il bisogno di realizzarle per forza, credo.

La sensualità è centrale nella tua immagine pubblica. Quando ti sei reso conto di poterla usare come strumento di potere e influenza?

Quando avevo 19 anni.

La tua musica è fortemente influenzata dalla cultura dei club e dalla scena pop degli anni 2000/2010. Cosa ti attrae di quell’epoca e come la reinterpreti oggi?

Quella era un’epoca a sé stante, ma io penso che quel tipo di musica – quel suono electro che amo così tanto – non sia mai stato sviluppato fino in fondo. L’electro ha ancora molto da offrire: melodie e idee che sono state messe da parte durante la recessione. È come se fosse rimasto qualcosa di incompiuto, e io voglio esplorarlo, semplicemente sperimentando e divertendomi con esso.

Hai detto che ogni nuovo progetto è come creare un nuovo personaggio. Quali parti di te stesso porti in questi personaggi e quali lasci fuori?

Dipende dal personaggio. Jean Paul è la mia sessualità: è il lato più gay di me. Rappresenta una femminilità che Babymorocco non ha. Devo pensare a queste cose con regole molto rigide, perché, per quanto la gente finga di non preoccuparsi delle etichette, in realtà lo fa. E quelle etichette vendono. Lascio fuori le parti inutili, come l’onestà.

In che modo l’esperienza virale della performance Art School Stole My Virginity ha influenzato la tua comprensione della fama e il tuo rapporto con il pubblico?

Ho capito che, anche se le persone ammirano il tuo lavoro, possono comunque provare un certo fascino nel vederti vulnerabile. Durante il mio show a New York quest’estate, mi sono procurato una brutta ferita alla mano che sanguinava e, nell’ultimo spettacolo, qualcuno mi ha rubato il telefono mentre era sbloccato. Entrambi gli episodi sono stati causati da fan. A volte, l’amore delle persone è così intenso da trasformarsi quasi in un sentimento di odio.

Hai citato Yelle e la scena electro francese come ispirazioni. Come incorpori queste influenze internazionali nella tua musica?

Semplicemente vado in Francia e cerco produttori francesi. Onestamente, cercare produttori è la mia attività preferita, soprattutto francesi. C’è qualcosa di speciale nel loro approccio alla musica. Mi piace.

Hai descritto il tuo nuovo album come il tuo lavoro più personale e onesto fino ad ora. Quale lato di te pensi sia più esposto in questo progetto?

Questo disco è come uno specchio che riflette le mie stesse contraddizioni.

Nel mondo LGBTQ+, la tua immagine è stata talvolta associata al queerbaiting. Come rispondi a queste accuse? Pensi che le persone non sappiano chi eri prima di diventare Babymorocco?

Penso che ora come ora le persone possano pensare ciò che vogliono. Se sono etero, sono etero. Se sono gay, sono gay. Posso essere ciò che vogliono che io sia perché non sembrano convalidarlo in nessun modo. Se sono uno spettacolo, sono loro a decidere con chi voglio andare a letto. Non è così importante per me come lo è per loro.

In Interview Magazine hai detto che volevi chiarire la tua sessualità. Quanto è importante per te che il pubblico capisca questa parte della tua identità?
Onestamente, non è più importante per me. In realtà voglio che tutte le conversazioni sulla mia sessualità online finiscano. È estenuante.

Hai detto che essere sexy può sembrare una “prigione.” Come bilanci il tuo desiderio di autenticità con le aspettative della comunità LGBTQ+?

Voglio essere super chiaro: per me, qualsiasi cosa che abbia a che fare con il sesso e la sessualità ora mi sembra arbitraria. Pensavo che fosse tutto, ma mi sono reso conto di quanto sia temporanea la sensualità. Non ha senso tenere Babymorocco in quella prigione. Se inizio a sentirmi meno attraente, penso che questo mi renderà più umile, e forse ne uscirà una musica migliore. Ma la verità è che mi sono messo io stesso in quella prigione, e ora convincere le persone a vedermi diversamente è quasi impossibile.

Come ha influenzato crescere a Bournemouth ed essere parte della cultura “chav” il tuo stile estetico e musicale?

Sono un chav, un chav orgoglioso, solo con più swag adesso. Bournemouth mi ha plasmato. Devo molto anche alla scena emo di lì.

Hai detto che l’arte è diventata uno spazio di performance per te. Ti senti mai in conflitto tra l’essere autentico e dover intrattenere?

Non penso si possa essere un buon artista e allo stesso tempo rimanere completamente autentici. Non conosco nessun artista che non sia una versione esagerata di un’idea che ha avuto. Quindi non mi sento in conflitto: se nessuno è autentico, allora non devo sentirmi in colpa per questo.

Guardando al futuro, pensi di continuare a creare personaggi e narrazioni, o immagini una transizione verso una versione più “pura” di te stesso?

Spero che un giorno troverò uno scopo o una ragione per essere completamente onesto. Ma dubito che accadrà. Non riesco a uscire dalla mia testa, e anche se iniziassi un diario, desidererei che la gente lo leggesse, quindi mentirei comunque un po’.

Cosa trovi sexy?
L’R&B.

Qual è l’ultimo disco di cui ti sei innamorato?
Cece Natalie – Miss Behaves.

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Lynks è un nome che risuona forte e chiaro nella scena musicale queer di Londra. Con un background che spazia dalle performance in cantine, agli spettacoli di apertura per artisti come Frank Carter, Lynks è diventato un simbolo di fluidità di genere e di espressione artistica senza filtri.

La sua musica, electro-pop ruvida è caratterizzata da testi espliciti e una forte attitudine punk, è un grido di liberazione e una sfida agli stereotipi. Abbiamo chiacchierato con lui dei suoi inizi, dell’impatto del trasferimento a Londra sulla sua carriera e l’influenza di icone come Lee Bowery sulla sua estetica e ovviamente della sua scelta di rimanere anonimo.

Preparatevi a entrare nel mondo trippy e affascinante di Lynks, dove la musica e la teatralità si fondono in uno spettacolo unico.

Cosa puoi dirmi dei tuoi inizi? È vero che Lynks ha preso forma nel tuo seminterrato?

Ahah, beh non proprio. È stato un concerto nel seminterrato di un mio amico. Preferisco però la tua versione – tipo magari sono cresciuto in qualche macchia di muffa o qualcosa del genere.

Ti sei trasferito da Bristol a Londra. Com’è la scena musicale drag in questo momento nella capitale?

La scena drag a Londra è incredibile. Non vedo molta musica originale provenire dai performer in questo momento… Ma penso che sia destinato a cambiare. C’è un gruppo di drag che sta creando cose davvero cool – Virgin X e Hey Baby sono favolose.

A nessuno piacciono le etichette, ma consideri Lynks un personaggio fluido, o è più un modo per esplorare il tuo lato femminile?

E’ nato decisamente per esplorare il mio lato femminile, ma col tempo è diventato molto più fluido. Non credo di aver realizzato all’inizio quanto sarebbe stato divertente giocare con la mascolinità…

Adoro il tuo atteggiamento punk. Com’è stato per un riot queer come Lynks stare sul palco aprendo per Frank Carter, icona della scena hardcore UK?

Abbastanza folle! Non avevo davvero pensato a me stesso come a un punk fino a quel momento a dire il vero. Ma poi vedere come mi ha accolto bene il seguito hardcore punk di Frank Carter mi ha fatto pensare, “uh, forse sono davvero il più punk”. Una realizzazione divertente.

Perché hai deciso di rimanere anonimo?

Per tantissime ragioni. È una sana separazione tra me e la mia arte, posso essere in posti dove la gente potrebbe conoscere la mia musica senza mai essere riconosciuto, il mio ego rimane (leggermente) più piccolo, ma principalmente la maschera aiuta ad assorbire parte del sudore.

Sono un italiano cresciuto in una provincia cattolica. La religione è sempre stata intorno a me, purtroppo. Hai chiamato il tuo album ‘Abomination,’ una parola che la Bibbia, ma anche alcuni politici oggi, usano per descriverci. Ho pensato a questo prima di ascoltare ‘Leviticus18.’ È questo il tuo modo di esorcizzarlo e farlo diventare la tua forza?

Sì, assolutamente. Volevo prendere quella parola che ha creato tanto dolore e reclamarla, come si farebbe con un insulto. Perché è un insulto. Solo perché è nella Bibbia non cambia questo fatto.

Trovo che ci sia una certa franchezza sessuale nei tuoi testi, che apprezzo perché è piuttosto rara nel pop queer. Cosa ti ha portato ad essere deliziosamente esplicito?

Hmm, credo di aver scoperto che più sono senza filtri nei miei testi, più la gente sembra apprezzarli… Un po’ di tempo fa ho pensato “al diavolo”. Scriverò i miei testi come parlo ai miei amici. Niente più filtri. È stato molto liberatorio.

Con quale tipo di musica sei cresciuto?

Ero profondamente ossessionato da Florence and the Machine nei miei primi anni dell’adolescenza. Poi sono passato gradualmente alla Basic Boy house music durante l’era dei Sweet 16. Ossessioni per M.I.A., Peaches e Little Dragon sono seguite poco dopo.

Quanto ha influenzato il tuo look Lee Bowery?

Enormemente. Era un po’ l’ispirazione originale: tipo cosa succederebbe se entrassi in un club e Leigh Bowery stesse eseguendo musica dance esplosiva.

Come descriveresti la tua estetica?

Calda, sexy, pignatta.

Nella vita reale sei ironico come nei tuoi testi?

Assolutamente. A volte anche io faccio fatica a capire se sono serio o no.

Per te, il punk è un atteggiamento o uno stile di vita?

Pensavo fosse un genere musicale.

Come descriveresti uno dei tuoi spettacoli dal vivo?

Il miglior modo in cui sono riuscito a descriverlo finora è che sembra di guardare un concerto delle Spice Girls, mentre sei sotto l’effetto di funghi allucinogeni. Coreografia completa, teatralità completa, ma tutto trippy, disordinato, sudato e strano. È un bel momento.

L’ultimo disco di cui ti sei innamorato:

Il nuovo album dei Vampire Weekend “Only God was above us”!!! Lo adoro.

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Sarà forse per questo, paradossalmente, che in una società sempre più conservatrice, la moda si ribella e mette al centro una coscienza della propria fisicità che prescinde dal genere, dall’orientamento sessuale, da falsi ideali di perfezione, perfino dalla seduzione. 

È dunque questo il motivo per cui tutto sembra così vecchio quando si legge in giro che “è tornato il sexy” tanto da pensare che c’è chi lo fa secondo canoni statici e ormai considerati obsoleti come Tom Ford, o invece modernissimi e carichi di erotismo come Nensi Dojaka.

Al di là di facili considerazioni femministe, la centralità della “moda senza vestiti” è più contemporanea se disegnata da una donna per le donne? Non parliamo solo di esaltazione della diversità, ma ci riferiamo al corpo visibile come punto di partenza per diffondere messaggi anche politici. O forse no?

Ad ogni modo domani cominciano le sfilate a Milano e quindi beccatevi le review di alcune delle sfilate più interessanti di New York e Londra.

Da Tom Ford, passando per Proenza Schouler fino a qualche new Guest come Francesco Risso che porta la sua Marni in un tour itinerante che parte proprio dalla grande mela, Fendi che ha festeggiato i 25 anni della baguette con una sfilata evento fino a Collina Strada che ha collaborato con Vitelli. 

Non è sempre facile dare il via alle settimane della moda, ma Jack McCollough e Lazaro Hernandez, designer di Proenza Schouler, hanno imparato nel tempo a regalare la giusta atmosfera per iniziare la fashion week. 

La loro collezione S/S 23 è una celebrazione di spirito, gioia ed energia, ideata con l’intento di incarnare “lo spettacolare senso di libertà insito in un’estate vissuta al massimo, piena di sole, acqua, pelle e corpi in movimento”.

Aperta da Arca – che ha indossato un top con frange sull’ombelico e una gonna nera a palloncino -, la sfilata ha trasformato la Hall des Lumières in una passerella in cui abiti dai volumi ricchi di svolazzi hanno trasmesso un nuovo senso di fluidità e movimento.

Mi è sembrata una vera e propria conversazione sulle identità: identità di genere, identità culturale, quasi a voler esplorare mondi personali che diventano collettivi. 

Collina Strada ha invitato il suo pubblico in un ex cimitero, oggi trasformato in riserva di farfalle monarca, per scoprire GOT MILKWEED?, la collezione S/S 23 spensierata ed elegante del brand newyorkese. E così, accompagnata da questa particolare location, una colonna sonora (intenzionalmente?) glitch e un casting irriverente (un mix di modell* e membri della community del marchio) 

Utilizzando materiali di scarto per tutta la collezione, la fondatrice del brand Hillary Taymoure il suo co-direttore creativo Charlie Engman hanno sottolineato l’importanza di proteggere “Mommy Earth” pur continuando a creare look con un fattore wow—insomma, l’obiettivo di chi li indossa è quello di essere “pronti a dominare il tappeto rosso” anche acquistando capi realizzati in modo responsabile.

E a chi rivolgersi per creare capi sostenibili, etici, innovativi e anche tremendamente fashion se non ad uno dei brand italiani più “nuovi” della scena come Vitelli?

In occasione della nuova collezione del brand, la realtà milanese ha infatti progettato per Collina Strada Lace e Warp, due tessuti “100% rigenerati” che hanno preso le sembianze di pizzi e macramè—e che debutteranno anche a Milano nella collezione S/S 23 di Vitelli, in programma il prossimo 23 settembre.

Ma le collabo sostenibili di Collina Strada non finiscono qui: in passerella, c’erano anche le jelly shoe realizzate con plastica di canna da zucchero del brand Melissa e un’altra collaborazione con il marchio di stivali sostenibili Virón—oltre a un sacco di upcycling con il denim firmato Levi’s.

Che bravi.

Ambientata a Dumbo, Brooklyn, sotto il Manhattan Bridge, dove, in realtà, è praticamente impossibile vedere il tramonto illuminare lo skyline della città, la sfilata ha ospitato un pubblico eterogeneo—tra cui anche Doja Cat a Madonna—che si è radunato sotto gli archi cavernosi del ponte quando il sole era già tramontato.

Ma a Francesco Risso e al suo Marni tutto questo non importava, perché sono stati gli abiti della collezione che, come raggi del sole, hanno illuminato la passerella e tinto l’atmosfera—immersa in una composizione originale di Dev Hynes e musicata dall’Orchestra d’archi di Brooklyn, con il direttore creativo al violoncello, il tutto sotto la luce tersa della luna piena.

In ogni collezione Marni persistono una gioia e un’eccentricità particolari, qui enfatizzate dai colori vivaci degli abiti che incorporavano al loro interno i vortici e i drappeggi ispirati ai dipinti dell’artista Flaminia Veronesi.

Le gonne di seta arancione brillante e cremisi erano decorate con sfere in tonalità calde complementari e ritagli strategicamente posizionati creavano una pletora di forme organiche sul corpo, richiamando alla mente una dimensione surreale e i film di fantascienza degli anni ’70. In uno dei primi look, le estremità effervescenti di una gonna a ruota si avvolgevano all’indietro per scivolare sulle braccia come guanti da opera, mentre una moltitudine di soli infuocati campeggiava sul petto delle modelle.

“Il tramonto non è un fenomeno del sole—che accade all’orizzonte,” si legge nelle note di sfilata, “è invece un fenomeno del corpo—che dà fuoco al cielo.”

La sfilata ha segnato l’inizio del “tour mondiale” di Marni, in cui la visione della maison italiana viaggerà in alcune città selezionate prima di tornare a Milano per il suo 30° anniversario nel 2024.

Se ti stai chiedendo perché proprio New York, perché proprio un tour itinerante, la risposta è abbastanza semplice: “perché, quando ti muovi, lo puoi sentire,” concludono le note di sfilata. Solo, non dimenticare di guardare in alto, ogni tanto.

Ci sono compleanni che è impossibile non festeggiare, come nel caso del 25esimo della baguette di Fendi che per l’occasione ha arruolato alcuni dei nomi più rilevanti della città—come Marc Jacobs, Tiffany & Co. e Carrie Bradshaw—per la sfilata Resort S/S 23 Fendi organizzata all’Hammerstein Ballroom di New York.

Non mancava proprio nessuno: da Jocelyn Wildenstein a Kim Kardashian, fino ai super nomi direttamente dalla scena degli anni Novanta, quello dello scorso venerdì è stato quel tipo evento che città non vedeva da tempo.

Il gran finale di Fendi? Dopo 15 anni lontano dalle passerelle, Linda Evangelista ha fatto il suo ritorno per chiudere la sfilata.

Ma non si trattava di un evento qualsiasi—quest’anno, la maison romana festeggia il 25° compleanno dell’iconica Baguette.

JW Anderson non smette mai di sorprendere e di far riflettere anche solo per un secondo chi guarda i suoi show.

Per la prossima stagione estiva il centro del mondo per lo stilista è una sala giochi: un luogo di altre realtà, false o alternative, dove cadere e tuffarsi, a capofitto.

Un mondo parallelo di persone intrappolate nei loro computer, mescolati con tastiere e screensaver, mentre esplorano altre dimensioni. La natura filtrata dall’ego digitale, diventa una garanzia personale. L’arcade, nonostante tutto, non è solo per i giocatori.

Proporzioni che vestono larghe, la tecnologia che diventa degradata e che luccica e scintilla. Oggetti intrappolati all’interno di capi di abbigliamento e screensaver che atterrano sul corpo, su borse e accessori: questo è ciò che accade nella sala giochi. Il messaggio è un messaggio di realismo – per quanto di reale si possa palare oggi – diffuso con un linguaggio riduzionista che carica ogni singolo pezzo con lo status di una dichiarazione diretta.

Seguendo un viaggio che va dall’alba al tramonto, il percorso enfatizza le forme essenziali, i dettagli esagerati, l’ovvietà semplice ma complessa. T-shirt stropicciate con giganteschi etichette di lavaggio; camicie grandi, una coppa di reggiseno diventa un top; il girovita si sposta verso la scollatura; i tasti giganti di una tastiera come decorazioni, un piccolo tasto come un pavé su tutto il top.

Gli abiti sono completamente astratti nella loro forma a palloncino: un sacchetto di plastica, con un pesce rosso intrappolato all’interno; uno specchio scolpito; coperto di stampe degne di una sedia da giardino. Il tempo libero è importante, cosi un’amaca si trasforma in un vestito, mentre maglioni e magliette sono appesi a grucce da lavanderia.

Un focus sulla spalla, scavata dall’interno; sartoria e abiti cangianti. Magliette, letteralmente, come tavole da surf. Infine, il tramonto su una seconda pelle. Tutto questo su stivali, pantofole e borse che occasionalmente, diventano minuscole.

Le dimensioni contano, per davvero.

Nensi Dojaka, nonostante abbia iniziato da poco, continua ad aggiornare il suo codice stilistico ed è già pronta a introdurre qualche novità nel suo repertorio.

Come la palette che si ispira ai fiori e che, all’immancabile (tanto) nero, aggiunge i rosa e i lilla. O come il lurex e il pizzo, in una nuova indagine materica. Oppure come gli elementi activewear, tra tutti il jersey, le zip sportive che chiudono le giacche e tessuti tecnici degli sleep dress.

Al debutto, poi, è la linea di calzature che presenta mules sormontate da una gabbia in pelle, ricoperta di cristalli, a mo’ di tomaia. Il cui tacco scultoreo richiama le geometrie di quel tailoring fatto di blazer dalla vita stretta e dalle spalle affilate, che sta prendendo sempre più piede.

Il gran finale di Nensi Dojaka con le supermodelle in lungo sigilla uno show in cui si applaudono le piccole gonne, i piccoli top, i piccoli abiti. Per piccole donne? Nient’affatto. Per personalità grandi.

Cover image: JW Anderson

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Canzoni come poesie, sussurrate, intime e scritte col cuore a mente libera, con una delicatezza che non si sentiva da tempo nel pop. Da un po’ si parla di Arlo Parks, da quando nel 2018 uscì il suo primo brano Cola, con cui attirò subito l’attenzione.

A questo aggiungiamoci il suo carattere deciso, la sua bisessualità dichiarata, e il suo essere cool senza nessuno sforzo. Non ha caso è stata voluta da Alessandro Michele in un episodio del Guccifest e poi in veste di regista per un corto della sua maison. Ma l’attesa è finita, domani esce finalmente Collapsed In Sunbeams, l’esordio di Anaïs Oluwatoyin Estelle Marinho in arte Arlo Parks, classe 2000.

Ciao Arlo come stai e dove ti trovi?

Ciao Toh! In realtà mi sento relativamente tranquilla, il cielo è blu, oggi ho praticamente solo fatto musica e scritto poesie tutto il giorno. Sono seduta a casa della mia famiglia a West London.

Hai 20 anni, quando hai scoperto la tua voce?

Sì, ho 20 anni. Direi che sono costantemente in procinto di scoprire la mia voce, però, la cosa più eccitante dell’essere un musicista è che la sperimentazione e il superamento dei limiti sono un esercizio costante. Ho iniziato a scrivere racconti quando avevo circa 7 o 8 anni e canto da tutto il tempo che riesco a ricordarmi, quindi c’è sempre stato in me un amore innato per la musica e la scrittura.

Per i tuoi testi diretti e personali qualcuno ti ha definito la voce di una nuova generazione, qual è il tuo punto di vista?

Capisco perché mi è stato dato quel titolo, soprattutto perché molte delle mie canzoni ruotano attorno all’adolescenza e all’esperienza del raggiungimento della maggiore età. Detto questo, non mi sento come se stessi parlando per o di nessun altro, oltre a me stessa e di ciò che ho visto con i miei occhi. La mia generazione è composta da individui unici con esperienze di vita, gusti, punti di vista e sfide estremamente diversi, quindi non credo che possiamo essere racchiusi tutti insieme.

Quando ascolto una delle tue canzoni è come se convertissi poesie in testi, com’è il tuo processo creativo?

Sì, i miei testi iniziano sempre dalla poesia. Di solito accendo una candela, mi siedo alla scrivania e scrivo continuamente per circa 10 minuti, questo mi permette di essere completamente onesta con me stessa e di attingere a quella parte inconscia e cruda della mia mente.

Scelgo frasi, parole o sentimenti che mi piacciono e li trasformo in poesia, quindi creo una struttura e modifico quella poesia in un testo. La poesia e le parole sono molto interconnesse per me.

Chi sono gli artisti o gli autori che hanno ispirato il tuo modo di scrivere?

Ce ne sono così tanti! In termini di artisti direi Adrienne Lenker, Elliott Smith, James Blake, MF Doom e Soko. In termini di autori direi Zadie Smith, Eileen Myles, Patti Smith e Mary Oliver. Ho sempre gravitato su una scrittura piuttosto sensoriale e coinvolgente, che ti immerge davvero nel mondo dello scrittore.

Ho notato che nei testi delle tue canzoni ci sono sempre nomi, siano essi di artisti come Robert Smith, Sylvia Plath, Jai Paul, Thom York, o amici come Caroline, Eugene, Charlie, Kaia, Violet, come è iniziato questo gioco?

Non direi che è un gioco ma una questione di gusti. Penso che includere gli album/artisti che hanno fatto da colonna sonora alle storie, alle rotture, alle esplosioni e alle cotte di cui parlo, li faccia sentire ancora più reali. Sono interessata a quei dettagli iper-specifici. Inoltre mi piace includere i nomi perché voglio che l’ascoltatore si senta come se stesse leggendo una lettera personale, o una voce di diario che ho scritto su qualcuno in particolare.

Dimmi qualcosa di più sulla tua connessione con i nomi?

Molte di loro sono persone che conosco davvero. Per esempio Sophie è un’amica che ho da quando avevo 16 anni, a volte i nomi rappresentano idee, a volte creo nomi che si adattano esteticamente o che suonano bene. In generale, penso che i nomi contengano qualcosa di molto potente e umano.

La salute mentale è una questione rilevante nelle tue canzoni, ho letto che sei diventata un ambasciatore CALM, (ente che sensibilizza le persone sull’importanza della salute mentale), ma parlando di te personalmente, cosa ti dà forza e vita nei moment i difficili?

Trascorrere del tempo con le persone care che mi fanno sentire a mio agio e mi tengono stretta, bere un caffè dolce, cucinare fajitas di pollo, scrivere un diario, leggere libri sulla spiritualità e la poesia, passeggiare lungo il fiume quando c’è vento e chiamare il mio migliore amico che è attualmente all’estero e parlare con lui per 4 ore.

Come hai vissuto il lockdown? A volte non è facile quando hai molto tempo per pensare e sei solo, quindi si cerca di trovare un equilibrio e di fare qualcosa per occupare il tempo. Hai usato questo tempo per finire l’album?

Per me, come essere umano che riceve molta energia dall’essere intorno agli altri, il lockdown è stato molto difficile. Stare seduto con te stesso e con i tuoi pensieri può portare a un livello scomodo di autocoscienza, ma a livello creativo è stato un periodo molto appagante, ho scritto la maggior parte dell’album durante il lockdown in un airbnb a Hoxton – ci siamo semplicemente seduti nel mondo dell’album, vorrei estrarre i miei vecchi diari per l’ispirazione e scrivere tutta la notte – era un periodo di grande libertà creativa e distrazioni limitate.

Il singolo Green Eyes ha cori e chitarra di Clairo, un artista che amo, da dove viene questa collaborazione?

Sono sempre stata una fan di Clairo: c’è uno stile così distinto nel suo lavoro e la sua voce è così eterea e gentile. Volevo davvero averla nell’album in qualche modo, quindi le ho mandato un messaggio su Instagram, mi ha gentilmente inviato i backing vocals e poi ha inserito alcune belle parti di chitarra in modo spontaneo. Penso che Clairo aggiunga qualcosa di veramente speciale a questa canzone.

La canzone Green Eyes è una celebrazione dell’amore queer, adoro il modo in cui parli della tua bisessualità in modo spontaneo e naturale come dovrebbe essere. Penso ci voglia coraggio soprattutto nell’industria musicale…

Voglio solo essere completamente me stessa in ogni momento, quel senso di apertura mi viene naturale e sono grata di vivere in uno spazio in cui mi sento abbastanza al sicuro da essere così trasparente, con tutte le diverse parti che compongono la mia identità.

Con Gucci ti abbiamo incontrato come attrice in un episodio del suo Guccifest e anche regista con il cortometraggio Knotted Gold. Com’è stato lavorare con la gang di Gucci e Gus Van Sant?

Onestamente è stato uno dei momenti salienti della mia carriera. Alessandro e Gus sono esseri umani creativi così eccentrici e di buon cuore, quindi avere intorno quel tipo di energia mi ha davvero ispirato. Era anche la mia prima volta a Roma, quindi anche la città stessa mi ha intimorito.

Alessandro Michele mi ha dato l’opportunità di co-dirigere un cortometraggio incentrato sulla poesia e ispirato a Wes Anderson, Wong Kar Wai e Xavier Dolan, qualcosa che ho sempre voluto fare, realizzare un sogno davvero speciale.

Parlando di moda, hai uno stile semplice e pulito e posso dire che preferisci i color block alle stampe. Come definisci il tuo stile?

Lo definirei fluido, androgino e giocoso: è in continua evoluzione. Mi ispiro alla moda skater degli anni ’90 e allo streetwear, mi piace il layering, mi piace la maglieria, mi piacciono gli abiti oversize, mi piace il mesh e i gioielli sono al centro del mio stile.

Come definiresti il tuo rapporto con la moda?

È qualcosa a cui penso sempre. Per me i vestiti possono essere sia un’armatura che una finestra per l’anima. Mia madre è cresciuta a Parigi ed è sempre molto elegante, quindi sono stata esposta a questo mondo fin dalla mia giovane età. Adoro leggere anche di moda e conoscere i giovani designer e gioiellieri come Bleue Burnham o i viaggi di Simone Rocha.

Vieni spesso descritta come una persona timida, come hai affrontato questo con salire sul palco, recitare e dirigere, è strano che una persona timida riesca a esporsi così tanto, raccontaci la tua formula magica:

Oh, decisamente non sono una persona timida! Sono introspettiva ma decisamente estroversa. Esporsi ed essere aperto al mondo e alle persone è qualcosa che mi viene molto naturale: sono sempre stata un artista nel cuore.

L’ultimo album e libro di cui ti sei innamorata:

Mi sono innamorata di nuovo di We are Family di Sister Sledge e mi sto innamorando di L’Uomo e i suoi Simboli di Carl Jung.

*L’album verrà presentato con una performance live su Amazon Prime Video disponibile dalle 21 di venerdì 29 gennaio. Ad accompagnarla on stage ospiti d’eccezione quali Romy xx, Dave Okumo e Glass Animals.

A tal proposito Arlo dice: “Ho sempre desiderato organizzare una serata di musica dal vivo e conversazioni intime e in momenti come questi sembra ancora più speciale. È una benedizione poter invitare le persone nel mio mondo musicale e diffondere un po ‘di luce . “

L'articolo Arlo Parks: canzoni fragili per persone forti. proviene da Toh! Magazine.

Che Sophie Ellis-Bextor fosse una regina della disco lo sappiamo dai tempi in cui giovanissima scalò le classifiche con Groovejet featuring del dj Spiller. Un classico che ancora oggi (se si potesse) balleremmo nei club.

Erano i primi anni 2000 quando uscì il suo primo album Read My Lips e il suo concentrato di hit da Take Me Home alla leggendaria Murder on the Dancefloor. Da allora Sophie Ellis-Bextor ha flirtato con diversi lati della musica, dall’indie. al pop, al romanticismo di un orchestra e oggi torna con un greatest hits nato per caso in pandemia.

Kitchen Disco era il venerdì sera di Sophie Ellis-Bextor quando dalla sua cucina in un outfit rigorosamente in paillettes e zatteroni ai piedi, intratteneva il suo pubblico da Instagram cantando canzoni dal suo repertorio e cover, per sconfiggere la noia.

Una diretta che è diventata virale e che ha visto Sophie Ellis-Bextor incantare l’Inghilterra e non solo. Il tutto attorniata dai suoi cinque figli, tra gattonamenti, salti sul divano e urla come fosse un loro momento famigliare privato.

Insomma Sophie Ellis-Bextor aprendo le porte della sua cucina per cantare, ha contribuito ad innalzare lo spirito di una nazione e non solo. Ecco cosa mi ha raccontato:

Seguo la tua carriera dai tempi dei Theaudience sul finire degli anni ’90, per cominciare ti chiedo qual è il ricordo più bello che hai di quegli anni?

Oh wow, difficile rispondere… ma pensandoci direi il giorno in cui ho firmato il mio contratto discografico: avevo 18 anni e avevo appena fatto l’esame di maturità e portai con me due amiche, la casa discografica mi aveva regalato una bottiglia di champagne e abbiamo passato una giornata lungo la riva del fiume super entusiaste a bere. 

Ho visto alcune delle tue dirette IG dalla tua Kitchen Disco e devo dire che sei diventata la regina del clubbing durante i giorni di quarantena. Sei stata così glamour e spontanea in quella dimensione con i tuoi cinque figli che gironzolavano. Come ti è venuta l’idea di cantare i tuoi successi in cucina e ti aspettavi un così grande successo?

E’ stata un idea di mio marito Richard, un giorno mi disse perché non facciamo uno show e io ho pensato fosse impazzito. E’ stato anche un po’ rischioso perché il mio ultimo figlio aveva 14 mesi e gattonava ovunque quindi dovevo avere mille occhi mentre cantavo. Non avevo la minima idea del responso che avremmo ottenuto ma non parlo solo in termini di visualizzazioni, ma cosa avrebbe significato per noi, è stato un momento felice e liberatorio in un momento molto pesante per tutti. Ci ha veramente aiutati a sorridere, ci teneva occupati anche nello scegliere e nel provare le canzoni, è stato un momento di sollievo. 

Credi che le dirette di Instagram ci abbiano aiutato a superare il lock down?

Credo che siano state un modo simpatico per connetterci, abbiamo perso un po’ tutto ciò che è spontaneo e carino, le persone tendono a condividere poco di se stesse e a mostrare più l’apparenza sui social. Credo che queste dirette abbiano liberato la spontaneità delle persone. Non parlo di celebrità ma di tutti, Instagram in quarantena era molto democratico perché vedevi semplicemente amici che chiacchieravano, persone che mostravano loro abilità artistiche, veramente di tutto e questo mi è piaciuto. Mi sono fatta un sacco di amici nuovi su Instagram, persone che hanno piccole attività, artigiani, profili che ho scoperto e cominciato a seguire.

Quando hai deciso di trasformare questa serie di livestream in un greatest hits?

Non era pianificato, quando è arrivato il lockdown tutto quello che avevo pianificato è stato messo in pausa. Subito dopo però mi sono resa conto di quanto fosse stato importante per me questa esperienza e quanto sarebbe stato bello portarla in giro, così nel mentre ho deciso di immortalarla in un greatest hits con tutti i singoli e alcune cover che ho cantato durante le dirette. Songs from the Kitchen Disco: Sophie’s Ellis-Bextor Greatest Hits è un tributo, una celebrazione a questa esperienza meravigliosa. 

In Songs from the Kitchen Disco ci sono tutti i tuoi singoli pubblicati più alcune cover che hai cantato durante le dirette come True Faith dei New Order, My Favourite Things di Judy Garland, il singolo Crying at the discotque e Do You Remember the First Time? dei Pulp che è quella che mi ha più incuriosito, come le hai scelte?

Sì sono tutti i miei singoli più una versione nuova di Groovejet perché non ho mai avuto la possibilità di pubblicare l’originale così ho fatto la mia versione. Le cover sono state scelte per puro divertimento perché Kitchen Disco aveva questo scopo, potrei esibirmi in cucina tutto il giorno ora!Ahahahah! Per quanto riguarda i Pulp sono una loro grande fan, mi ricordano quando avevo 15/16 anni e tutto ero una scoperta compreso il mio gusto per la musica. Andavo a ballare con le amiche, c’era il brit pop… sono tutt’ora connessa con quel periodo della mia vita.

Hai scelto come singolo Crying at the Discoteque nella versione resa celebre dagli Alcazar e il video è girato in tutte le venue per concerti più famose di Londra tra cui la Bush Hall, l’Heaven, l’Apollo Theatre. me ne parli?

La cosa più istintiva per una canzone come Crying At The Discotheque era quella di girare il video in una discoteca o in un club, ma di recente ho pensato così tanto a tutti i miei musicisti e amici della troupe che non possono lavorare in questo momento. Così ho deciso di fare un video ambientato in diverse location vuote di Londra per mettere in risalto tutto quello che al momento è in pausa. È stato strano e commovente esibirmi in quei posti vuoti quando ci ho cantato in precedenza davanti a centinaia di persone ed erano così pieni di vita. Spero che faccia arrivare alle persone il divario culturale di questo momento. Per quanto riguarda la canzone credo abbia un testo molto poetico e che parli di tutte qeulle cose che ci mancano al momento. Mi piace molto la produzione disco di questo pezzo, sta molto bene nel disco e poi uscì nel 2000 quindi è una coetanea di Groovejet, e questo mi diverte.

Nel tuo ultimo album The Song Diaries i tuoi brani più celebri rivivevano suonati da un orchestra, ora direi che con The Kitchen Disco hai pubblicato di fila due greatest non convenzionali…

Ahahahah! E’ vero a distanza di un anno e mezzo, e pensa tutto quello che è cambiato da allora. Quando ho pubblicato The Song Diaries l’ho fatto per portare qualcosa di nuovo alle mie canzoni. Quest’anno mi sono goduta la nostlagia e il poter cantare canzoni che non cantavo da anni nella loro versione originale. La lezione è che sia nella musica come nelle relazioni non sai mai cosa può cambiare. La musica quest’anno è stata importantissima, ma credo per tutti non solo per me.

Hai una fan base LGBTQ+ molto forte, cosa credi abbia creato questa connessione speciale con la comunità?

Non sono molto brava ad analizzarla ma so che molte delle cose che hanno risonanza con me, con i miei gusti musicali, l’amore che ho per l’arte, si incastrano perfettamente con la cultura LGBTQIA. I gay club sono i posti in cui ho imparato ad esibirmi ad acquisire consapevolezza, i concerti nei club gay hanno formato la performer che sono oggi. E’ una relazione molto importante, come quando trovi una tribù in cui ti senti capita, ti trovi a tuo agio e puoi sentirti pienamente te stessa e celebrare la tua diversità invece di conformarti alla società e fingere di essere quello che non si è.

So che avevi in programma di fare alcune date con la serata gay itinerante Sink The Pink, me ne parli anche se ora è in stand-by?

Certo, il mio caro amico Glen ha messo in piedi questo party gay incredibile, c’è un atmosfera bellissima, le persone sono vestite e truccate benissimo, si percepisce quell’atmosfera in cui tutto può succedere. E’ davvero divertente e loro sono molto carini, lo scorso anno come ospite ci fu Melanie C in tour con loro, io recuopererò l’anno prossimo!

Hai cinque figli meravigliosi, qual è il tuo punto di vista sul genere, come ti senti riguardo al fatto che i ruoli di genere sono ancora imposti ai bambini attraverso la cultura del consumismo?

In casa nostra siamo totalmente contro l’imposizione di genere. Non ho nessun problema con i giochi con cui desiderano giocare, è una scelta libera e loro.

Quando ebbi il primo figlio ricordo che rimasi scioccata perché quando mi accorsi che le persone nutrivano nei suoi confronti una sorta di aspetattiva solamente perché è maschio. In casa siamo molto aperti, i bambini possono seguire le loro passioni e abbiamo un dialogo molto aperto e sincero. Saranno chi dovranno essere non sono di certo io o la società a scegliere per loro. Essere un bambino o una bambina è un informazione non è un fattore che ti definisce. Io ho cinque figli maschi ma questo non significa che io debba avere delle aspettative solo in base alla loro identità sessuale. E’ da pazzi.

Dovremmo essere tutti più open minded e non pensare che la personalità di un bambini si possa definire tramite un giocattolo. Dovremmo essere tutti più fluidi, meno binari e la società sarebbe decisamente migliore. 

Parlando di look sembra che tu abbia una passione per paillettes e platform, hai un outfit preferito?

Hahahaha è vero! Amo i catsuit come quello che indosso nel video di Crying at the Discotheque perché credo che mi diano forza, mi rendono più potente, mi fanno sentire un super potere e quando mi esibisco non voglio sembrare vulnerabile. E posso muovermi come voglio senza preoccuparmi di cosa indosso.

L’ultimo album di cui ti sei innamorata?

Ti dico una canzone, Peacefull Afternoon di Rufus Wainwright.

Ah! Un ultima domanda: la tua cucina era arredata per l’occasione o sembra sempre una discoteca?

L’avete vista esattamente com’è sempre in tutto il suo splendore.

Sophie Ellis-Bextor

L'articolo Sophie Ellis-Bextor è la regina della disco in cucina proviene da Toh! Magazine.

Lo fa utilizzando tutto ciò che trova negli undici negozi di questa società che combatte gli sprechi di vestiti. 

Questa è la descrizione volgare di ciò che fa Francesco Colucci, perchè in realtà il suo lavoro è qualcosa di molto più poetico, cool e autentico.

Basti pensare al fatto che ormai a Londra tutti aspettano il momento in cui nasce una nuova vetrina, e per tutti quelli che non hanno la possibilità di essere a Londra, Francesco Colucci posta puntualmente sul suo Instagram ogni suo lavoro alimentando il sogno che diventa sempre più reale.

Ciò che rende Francesco Colucci degno di essere seguito è la potenza della sua fantasia, il coraggio non scontato in cui riconsidera radicalmente qualunque cosa abbia a portata di mano.

Così gli abiti da sera vintage si sovrappongono uno sull’altro, i cappotti sono cuciti a metà e poi uniti con l’ultima cosa che avresti mai immaginato.

E le coperte all’uncinetto assumono un nuovo ruolo, una nuova veste, una nuova vita.

Si lo so, non si può comprare quello che crea, ma non è questo il punto. 

Quel che conta qui è non buttar via niente, ma ridargli un senso scatenando il pensiero, l’estro e la maestria con cui Francesco Colucci ridefinisce il senso delle cose, rispondendo in modo sostenibile al mondo della moda che ha bisogno di frenare un po’ gli sprechi. 

L’ho trovato su Instagram e ciò che mi ha colpito di più è la fierezza dello sguardo che ha nei confronti della moda, dal ricordo di Margiela passando per Leigh Bovery riuscendo a toccare punte del teatro Italiano come Zeffirelli arrivando ad Alejandro Jodorowsky.

Detto ciò, noi di Toh! Magazine non potevamo farci scappare di mano questo talentoso, sincero irriverente e anticonformista artista, cosi l’abbiamo intervistato.

TOH! INTERVISTA FRANCESCO COLUCCI

Ciao Francesco, Qual è esattamente il tuo lavoro da Traid?

Vorrei dire, innanzitutto, che Traid è un ente di beneficenza impegnata per il riutilizzo dei tessili, che sostiene lo sviluppo internazionale.

Traid raccoglie indumenti e accessori dismessi per rivenderli ed investirne il ricavato a sostegno di popolazioni svantaggiate e per la realizzazione di progetti come la produzione di cotone biologico.

Il mio lavoro consiste nel creare le vetrine di tutti i 12 negozi dislocati nella città di Londra.

Uso abiti, accessori, e oggetti che trovo in negozio di volta in volta, questi elementi li riadatto sui manichini.
Il risultato finale è un’opera montata su manichino, singoli pezzi costruiti in maniera spontanea.

All’interno di ogni singolo negozio, metto in scena una specie di performance in diretta ridando forma e vita ai miei manichini e il lavoro di creazione può essere molto complesso, perché tendo a sovraccaricare la mia mente con idee sempre differenti e opzioni diversificate.

Cosa ti ispira quando crei nuove vetrine?

Adoro la sfida di pensare costantemente a nuove idee e nuove storie. Le mie idee, tuttavia, potrebbero sempre prendere una direzione completamente diversa dall’originale e può evolversi durante tutto il processo di fabbricazione.

Voglio che il risultato rifletta me stesso e il modo in cui vedo le cose.

Il messaggio che trasmetto attraverso ogni installazione è sempre diverso, ma ad essere onesti, ciò che mi importa è il processo di comunicazione e l’interazione tra me e il pubblico.

Il risultato è aperto all’interpretazione.

Guardando i tuoi lavori i riferimenti ad alcuni grandi designer sono evidenti, chi o quali sono i tuoi punti di riferimento?

 I miei interessi sono naturalmente per tutto ciò che può essere definito Arte: esposizioni, moda, musica, fotografia, la ricerca di libri e di oggetti spesso unici o di antiquariato. Da un altro punto di vista mi ritrovo ad essere un ricercatore del “nuovo”, quindi tutto ciò che mi circonda può essere una buona fonte di ispirazione.
Queste influenze sono incentivi sostanziali al mio lavoro. I miei riferimenti artistici sono tanti e i più disparati, per citarne alcuni: Romeo Castelucci, l’artista Leigh Bowery, il designer Alexander McQueen, John Galliano, Rei Kawakubo e Martin Margiela.
Seguo anche molti designer emergenti.

Se ti dico Leigh Bovery, cosa ti viene in mente?

Ho scoperto Leigh Bowery nel 2006, quando la British School di Roma ha organizzato la sua prima mostra personale, esponendo parte dei suoi meravigliosi costumi.

Ho sentito subito un legame con la sua estetica e la sua indistinguibile creatività nell’esprimere se stesso, prendendo il suo corpo e trasformarlo in una tela, come me e tanti altri, conferma quanto sia stato influente nella scena New Romantic britannica degli anni 80,’ continuando ad esserlo ancora oggi.

Oggi il vintage è il nuovo nero, che relazione hai con l’usato?

Lavorando da molti anni in questo settore, il mio approccio verso l’usato è cambiato sicuramente.

Per uno come me che ama la moda, in questo ambiente è facile trovare qualcosa di unico e interessante, ma soprattutto diventa importante l’occasione di poter conoscere le diverse qualità dei tessuti, oltre che offrirsi l’opportunità di ragionare sul fatto che si possa fare beneficenza avendo con pochi soldi abiti di qualità.

Vintage per me è sinonimo di sostenibilità, quanto c’è di sostenibile nel tuo lavoro?
Il reimpiego e la sostenibilità sono fattori chiave con l’attuale cambiamento climatico, dobbiamo fare il possibile per ottenere il massimo da ciò che già abbiamo e dobbiamo condividere ciò che non ci serve più.

Qui il mio lavoro, è considerato un forte messaggio estetico/visivo ed essendo esposto al pubblico, aiuta l’osservatore a riflettere su queste tematiche globali.

Dal momento che quello che crei non si può comprare, hai in mente la progettazione di un tuo brand?
La gente interessata al mio lavoro, spesso mi chiede se io sia un designer e se mi piacerebbe trasformare il mio lavoro in un brand.

Provenendo da un background di Fine Art in pittura, ho sempre avuto esperienze nella video/arte, nelle performance e nella realizzazioni di costumi.

Più che creare un mio brand, mi piacerebbe continuare, creando qualcosa che unisca l’uso dell’abito e il suo assemblaggio come espressione creativa nella performance art, video arte o semplicemente continuare nello styling per fashion editorial/music video.

Più che un designer, mi piace definirmi un creativo!

Con chi ti piacerebbe lavorare?

Negli ultimi anni ho maturato la mia esperienza di creativo, posso dire di sentirmi comunque soddisfatto di essermi affermato il qualche modo come artista.

Onestamente visto le circostanze in cui ci troviamo, preferisco continuare a sognare e non pensare con chi vorrei lavorare, ma se dovesse capitare ne sarei fiero.

Preferisco che le collaborazioni rimangano delle esperienze importanti da ricordare mia vita.

Che musica ascolti? 

La musica è una fonte di ispirazione per il mio lavoro ed è un elemento fondamentale che permette ad ogni essere umano di interagire con essa come strumento di comunicazione.

Non amo limitarmi nella musica, i miei gusti variano dalla musica classica italiana o d’autore  all’elettronica, dal pop alternativo al house/ techno ecc., ho un interesse spiccato verso sonorità’ e le influenze di genere più ricercate e indipendenti.

L'articolo Francesco Colucci: Make charity shop great again. proviene da Toh! Magazine.