Al contrario, ci invitano a entrare in uno spazio più silenzioso, dove la memoria si intreccia all’osservazione e il desiderio continua a vibrare appena sotto la superficie. Se i primi lavori di Ruben erano popolati da giovani uomini sospesi tra vulnerabilità e scoperta di sé, oggi quella stessa sensibilità sembra essersi riversata nei paesaggi.

Colline, alberi solitari e sentieri familiari diventano presenze cariche di emozioni, luoghi che raccontano meno una geografia che uno stato d’animo.

In questa conversazione, Ruben Baghdasaryan riflette sul desiderio, sulla nostalgia, sul mistero e sulle storie che abitano tanto le persone quanto i luoghi. Ne emerge una pratica pittorica che non cerca semplicemente di rappresentare il mondo, ma di trattenere qualcosa di più fragile: un’atmosfera, una sensazione, un’emozione destinata a trasformarsi.

Forse, come lui stesso suggerisce, ciò che i suoi dipinti cercano davvero di preservare non sono persone o paesaggi, ma quelle particolari condizioni atmosferiche dell’anima che attraversano le nostre vite prima di dissolversi.

I tuoi paesaggi più recenti appaiono sorprendentemente intimi. Pensi di stare ancora dipingendo dei ritratti, solo senza i corpi?

In un certo senso sì. Non credo di aver mai smesso di dipingere persone. La differenza è che ora la presenza umana è implicita anziché visibile. Un sentiero che ho percorso centinaia di volte, un albero solitario o una collina al tramonto possono raccontare una persona tanto quanto un volto. I paesaggi che dipingo sono spesso luoghi che sono diventati parte della mia quotidianità.

Mi interessano meno come geografie e più come presenze emotive. In questo senso, sono ritratti di uno stato d’animo.

Molte delle tue opere precedenti erano incentrate su giovani uomini le cui storie sembravano rivelarsi solo in parte. Cosa può esprimere un paesaggio che un volto non può raccontare?

Un volto può comunicare un’emozione specifica in modo molto diretto, mentre un paesaggio permette una maggiore ambiguità. Può contenere allo stesso tempo solitudine, conforto, nostalgia, speranza e incertezza. Davanti a un paesaggio lo spettatore non osserva la storia di qualcun altro: è invitato a portare nella pittura le proprie esperienze. È proprio questa apertura che mi interessa.

Guardando ai tuoi ritratti, stavi dipingendo persone specifiche o emozioni specifiche che abitavano quelle persone?

Credo che fosse sempre una combinazione delle due cose, ma l’aspetto emotivo era ciò che mi interessava di più. Quando mi sono trasferito negli Stati Uniti conoscevo pochissime persone. Disegnare ritratti è diventato un modo per entrare in contatto con gli altri, iniziare conversazioni e costruire amicizie. Attraverso quelle interazioni ho trovato una comunità e, in seguito, anche i primi riconoscimenti professionali. Guardando indietro, quei ritratti non parlavano soltanto delle persone che dipingevo, ma anche della mia ricerca di connessione, appartenenza e comprensione.

Le emozioni contavano più della somiglianza.

Il tuo lavoro sembra spesso sospeso tra memoria e osservazione. Quanto di ciò che vediamo è reale e quanto è stato riscritto dalla nostalgia?

La maggior parte dei luoghi che dipingo è reale e osservata direttamente, spesso dipinta dal vero prima di essere ulteriormente sviluppata in studio. Ma la memoria inevitabilmente li trasforma.

Quando torno su un dipinto, non mi interessa più registrare ogni dettaglio con precisione. Dipingo ciò che è rimasto con me.

È anche per questo che cerco spesso di completare un dipinto in un’unica sessione, quando possibile. In quel momento il legame emotivo con un luogo o un soggetto è al suo massimo. Il giorno dopo quella sensazione è già cambiata e con essa tendono a cambiare persino le mie scelte cromatiche. In un certo senso, il dipinto diventa la traccia di uno stato emotivo molto preciso.

La nostalgia entra naturalmente in questo processo di ricordo, perciò il lavoro finisce per esistere in uno spazio intermedio tra osservazione e memoria.

Nelle tue opere ritorna spesso un senso di desiderio e nostalgia. Lo consideri una forza creativa o qualcosa che ci impedisce di vivere il presente?

Penso possa essere entrambe le cose. Il desiderio può distrarci da ciò che abbiamo davanti, ma può anche rivelarci ciò che conta davvero. Per me diventa spesso una forza creativa. Molti dipinti nascono dal desiderio di trattenere qualcosa di fugace: una certa luce, un luogo particolare o una sensazione che so non durerà per sempre.

Molti dei tuoi titoli sembrano frammenti di conversazioni, pagine di diario o versi di canzoni. Arrivano prima dell’immagine o ti aiutano a comprenderla dopo?

Quasi sempre dopo. Il dipinto viene prima. Il titolo è di solito il mio tentativo di capire cosa il dipinto stia cercando di dirmi. A volte sembra meno un modo per nominare un’opera e più il completamento di una frase che il dipinto aveva iniziato.

I tuoi dipinti raramente appaiono drammatici, eppure portano con sé un forte peso emotivo. Cosa ti interessa della quiete come soggetto?

Sono sempre stato attratto dai momenti silenziosi. Credo che molte delle esperienze che ci plasmano avvengano senza alcuno spettacolo. Una passeggiata al mattino, stare seduti sotto un albero, un sentiero familiare, un breve momento di solitudine: esperienze del genere possono restare con noi per anni. La pittura mi permette di rallentare quei momenti e concedere loro uno spazio.

Los Angeles appare spesso nel tuo lavoro, ma non è mai la Los Angeles delle cartoline o del cinema. Quale versione della città stai cercando di preservare?

Mi interessa la Los Angeles che esiste tra una destinazione e l’altra. I sentieri escursionistici, le colline trascurate, le strade tranquille e quei luoghi che le persone attraversano ogni giorno senza notarli. Essendo arrivato qui da un altro Paese, ho scoperto Los Angeles attraverso l’esplorazione e non attraverso il suo mito.

La città che dipingo è una città personale. È la Los Angeles che ho scoperto da solo.

Le persone nei tuoi ritratti sembrano spesso custodire un segreto. Pensi che il mistero sia qualcosa che costruiamo consapevolmente o qualcosa che portiamo naturalmente dentro di noi?

Credo che il mistero faccia semplicemente parte dell’essere umano. Per quanto possiamo essere aperti, esistono sempre parti di noi che rimangono private o persino sconosciute a noi stessi.

Mi interessa quella tensione tra ciò che è visibile e ciò che resta nascosto. È spesso lì che si trovano le storie più interessanti.

Quando dipingi un luogo, ti interessa di più documentarlo o registrare la sensazione di esserci stato?

Senza dubbio la sensazione di esserci stato. L’accuratezza è importante, ma l’accuratezza emotiva lo è ancora di più. Voglio che chi guarda possa percepire l’atmosfera di un luogo, non semplicemente riconoscerlo. Se quella sensazione sopravvive, allora il dipinto ha raggiunto il suo scopo.

I tuoi dipinti lasciano spesso spazio allo spettatore per completare la storia. Ti è mai capitato che qualcuno interpretasse un’opera in un modo che ti sembrasse più vero della tua intenzione originaria?

Sì, e lo trovo sempre affascinante. A volte gli spettatori colgono emozioni o narrazioni di cui io stesso non ero consapevole mentre dipingevo. A quel punto l’arte diventa una collaborazione. Quando un dipinto lascia lo studio, inizia ad appartenere anche a chi lo osserva.

Se i tuoi ritratti e i tuoi paesaggi fossero personaggi alla stessa cena, cosa si direbbero?

Credo che sarebbero i ritratti a parlare di più. I paesaggi rimarrebbero seduti in silenzio ad ascoltare. E alla fine della serata, probabilmente, i paesaggi conoscerebbero tutti meglio di quanto chiunque possa immaginare.

I giovani uomini che dipingi sembrano spesso sospesi tra consapevolezza di sé e vulnerabilità. Cosa continua ad attirarti di quel momento particolare?

È un momento di transizione. Stai iniziando a capire chi sei, ma non sei ancora arrivato del tutto a quella consapevolezza. C’è incertezza, ma anche possibilità. Credo sia un’esperienza profondamente universale, ed è qualcosa che stavo esplorando sia nelle persone che dipingevo sia in me stesso.

Il tuo lavoro raramente appare apertamente romantico, eppure il desiderio sembra sempre affiorare appena sotto la superficie. Pensi che il desiderio possa essere dipinto direttamente o sia visibile solo attraverso l’assenza e la suggestione?

Per me il desiderio diventa più potente quando è suggerito anziché dichiarato. Le cose che desideriamo si rivelano spesso indirettamente: in ciò che manca, in ciò che ricordiamo o in ciò che resta irrisolto. La suggestione lascia spazio all’immaginazione, ed è spesso nell’immaginazione che il desiderio prende forma.

Molte delle tue figure sembrano sul punto di dirci qualcosa, oppure hanno appena deciso di non farlo. Cosa ti affascina di quello spazio tra la rivelazione e il silenzio?

Quel momento contiene possibilità. Quando qualcosa viene spiegato completamente, il suo significato tende a fissarsi. Lo spazio tra la rivelazione e il silenzio, invece, rimane aperto. Permette allo spettatore di partecipare alla storia anziché limitarsi a riceverla.

A volte sembra che tu non stia dipingendo persone o luoghi, ma condizioni atmosferiche emotive. I tuoi dipinti sono un tentativo di preservare uno stato d’animo prima che scompaia?

Adoro l’espressione “condizioni atmosferiche emotive”. In molti modi è esattamente ciò che cerco di dipingere.

Che si tratti di un ritratto o di un paesaggio, sto quasi sempre cercando di preservare qualcosa di intangibile: un umore, un’atmosfera, una sensazione che esiste solo per un breve istante prima di trasformarsi.

Il tempo è fugace, ed è una cosa di cui sono diventato sempre più consapevole. Non possiamo fermarlo né trattenerlo. L’unica cosa su cui abbiamo davvero controllo è ciò che scegliamo di creare e il modo in cui decidiamo di condividerlo con gli altri.

Per me, dipingere è un modo di rispondere a questa realtà. Se un dipinto riesce a conservare una sensazione ancora per un po’, oppure a ispirare qualcuno a guardare le proprie esperienze da una prospettiva diversa, allora ha compiuto il suo lavoro.

Fotografie di Logan Lee Mock

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I losangelini Son Lux hanno musicato il tutto con il loro stile inconfondibile fatto di stratificazioni, dove suoni non correlati tra loro si unificano trovando il loro posto, in Everything Everywhere all at Once, un frenetico film, che vi terrà per oltre due ore incollati alla poltrona.

Al trio è attribuita la creazione della colonna sonora massimalista di 49 tracce che porta il pubblico in un viaggio attraverso una sfilza di mondi stravaganti.

Un fantasy ricco di arti marziali che vede protagonista l’acclamata attrice Michelle Yeoh, nei panni di Evelyn Wang, una donna che viene inaspettatamente catapultata nel multiverso e costretta a fare i conti con chi avrebbe potuto essere se avesse condotto la vita in modo diverso.

In un caleidoscopio di universi in cui un momento le persone hanno degli hot dog al posto delle dita e il momento successivo degli occhi in plastica per pupazzi su tutto il corpo, un film senza limiti d’immaginazione.

Li abbiamo intervistati a ridosso delle loro tappe estive in Italia, il 23 luglio al ROAM Festival di Lugano (CH), il 24 a Paesaggi Sonori Peltuinum (AQ)per poi tornare nel 2023, l’8 marzo al Circolo Magnolia a Segrate (MI) e il 9 al Locomotiv Club di Bologna.

Ciao, come state?

Alla grande, grazie per averlo chiesto. Attualmente siamo a Lisbona, stiamo facendo un tour di festival estivi in ​​Europa e abbiamo anche uno concerto in Tunisia.

In Italia uscirà in autunno, ma ho avuto la possibilità di vedere “Everything Everywhere all at Once” a Londra, ed è il mio film preferito dell’anno fino ad ora. Come siete stati coinvolti nel progetto?

I registi del film, i Daniels, ci hanno contattato all’inizio del processo creativo. Ci hanno detto che hanno immaginato i Son Lux comporre le musiche per il film mentre stavano scrivendo la sceneggiatura.

Il suono è così importante nel film, è stata una sfida per voi lavorare ad una pellicola con un montaggio così veloce e vorticoso?

È stato il progetto più impegnativo che abbiamo intrapreso come band fino ad oggi ma anche uno dei più gratificanti. Fortunatamente il montaggio è stato in conversazione con la composizione, non è stato tutto deciso in post-produzione, che è un’opportunità unica per noi come compositori.

Siete stati molto sul set?

La maggior parte di questo film è stata girata durante il Covid. Siamo stati sul set solo una volta, in quello che doveva essere il penultimo giorno di riprese e il giorno prima che il mondo si chiudesse a causa della pandemia. Siamo riusciti a entrare in studio insieme per qualche registrazione nella fase successiva della pandemia, ma la stragrande maggioranza della colonna sonora è stata creata nei nostri home studio.

Vi aspettavate che il film sarebbe stato così amato dal pubblico?

Sapevamo che si trattava di un film molto speciale e che si sarebbe connesso profondamente con coloro che gli avrebbero dato l’opportunità. Fortunatamente molte persone lo hanno fatto!.

Com’è stato lavorare su una partitura dopo quasi 10 anni da “La scomparsa di Eleonor Rigby”?

Ryan ha lavorato a due film da allora, “Città di Carta” nel 2015 e “Mean Dreams” nel 2017, mentre Rafiq e Ian hanno entrambi lavorato ad altri progetti cinematografici e televisivi, quindi quell’aspetto non era nuovo. Ma l’ambizione di questo progetto era certamente al di là di ciò che abbiamo tentato prima individualmente, e questo è stato il primo progetto cinematografico che abbiamo seguito come band.

Anche se penso che i tuoi tre volumi per “Tomorrow”, album non convenzionale, erano già composti come una colonna sonora, che pensate?

Non era necessariamente questa l’intenzione, ma accogliamo questa tua esperienza.

Sono curioso di sapere: la trilogia di “Tomorrow” è stata pianificata o è successa?

La trilogia era molto pianificata. L’ordine delle canzoni e la costruzione degli album, come si intrecciano. Temi, idee e suoni emergono e riemergono nei tre volumi. Anche i titoli e la loro sequenza sono voluti.

Sembra che abbiate un legame speciale con la coppia di registi Daniels, penso che visivamente siano dei geni, non credo che ci siano molti film più pazzi di “Swiss Army Man”. Cosa pensate di avere in comune?

Abbiamo sempre apprezzato molto il potere della giustapposizione nella nostra musica e lavorare con i Daniels è stato come seguire un master in questo. Penso che il nucleo emotivo del film sia così potente a causa di quanto siano disarmanti i momenti strani e sciocchi. Crea uno spazio per la vulnerabilità.

Cosa dobbiamo aspettarci dalle vostre prossime date in Italia?

Cime e valli estreme, calma e caos, disagio e catarsi.

Ultimo disco di cui vi siete innamorati:

“Moor Mother” di Jazz Codes, “Not Mine” di Carlos Truly, “Luhvit<3” di Maurice II, “The Sacrificial Code” di Kali Malone e “Deathfame” di Quelle Chris.

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Katie Gavin (cantante/produttrice), Naomi McPherson (produttrice/chitarrista/synths/voce), e Josette Maskin (chitarra/voce), sono le MUNA, che hanno appena pubblicato il loro terzo album omomino per la Saddest Factory, l’etichetta di Phoebe Bridgers. La loro precedente label le ha scaricate in pieno lockdown e questo le ha portate a mettersi in discussione creando “MUNA” un inno alla gioia di essere queer, l’album che loro stesse avrebbero voluto ascoltare da giovani per sentirsi meno sole, sapendo che lì fuori c’è una comunità pronta ad accoglierti, anche se vivi nel posto più sperduto al mondo.

MUNA è un album vivace ma anche intimo, che si spoglia di quell’alone dark che ha contraddistinto i primi due album (“About You” 2017 e “Saved the World” 2019), ma con un messaggio ancora più forte e diretto, perché dopo due anni di clausura forzata abbiamo tutti voglia di tornare a cantare, sudare e ballare ricordando al mondo chi siamo! Le abbiamo incontarte via Zoom: 

Ciao Muna, come state, dove siete?

Naomi: Bene, siamo a Los Angeles, anche se ti stiamo rispondendo ognuna da una stanza diferente! (Ridacchia…) Ognuna ha la sua routine mettutina, viviamo nell’east side di L.A. e si preannuncia una giornata rovente!

Come vi siete approcciate al nuovo album?

Naomi: Onestamente lavoriamo sulla musica sempre, come abbiamo del tempo libero ci mettiamo a suonare a prescindere dall’uscita di un album o altro, è come una necessità.

Per questo nel nuovo album ci sono canzoni che abbiamo cominciato a scrivere subito dopo il nostro secondo album, quindi nel 2019, e altre che abbiamo scritto due settimane prima di chiudere il disco, ma diciamo che abbiamo sempre materiale da cui attingere. Non credo che ci siamo avvicinate al disco in modo diverso, volevamo essere sicure di avere delle canzoni buone, le più buone possibili, cercando poi di farle funzionare come un unico corpo di lavoro.

Molto spesso il disco prende forma dopo che abbiamo un quantitativo di canzoni di cui siamo completamente soddisfatte tra cui scegliere, e così cominciamo a scrivere i testi per dare il senso che vogliamo al disco.

Siete state scaricate dalla vostra etichetta (La RCA ndg) durante la pandemia, è una cosa terribile… anche se ora avete firmato per la Saddest Factory, etichetta fondata da Phoebe Bridgers. Mi raccontate com è andata?

Naomi: E’ stato terribile, anche se ora non portiamo rancore, le persone con cui abbiamo lavorato sono fantastiche, è successo all’inizio della pandemia, non potevamo andare in tour e tanto meno potevamo pensare di metterci a fare un nuovo album. 

Jo: Credo che per la label sia stata solo una decisione finanziaria, ma siamo ok, lo capiamo, avevamo anche dei dubbi su ciò che l’etichetta si aspettava da noi e dalla nostra nuova musica.

Essendo in tre e avendo materiale a disposizione, come gestite la scaletta del disco, ascoltandolo mi sembra una sorta di viaggio emozionale, era il vostro intento?

Katie: Abbiamo sempre idee diverse per quanto riguarda la tracklist, facciamo liste diverse e sì, per quanto mi riguarda all’inizio volevo dare al disco un senso narrativo per raccontare una storia, ma in realtà alcune delle canzoni che avevamo scelto erano contraddittorie per seguire una linearità. Alla fine abbiamo scelto le canzoni per far vivere un’esperienza a chi le ascolta, tramite mood e sonorità differenti. 

Naomi: Abbiamo scelto le canzoni che ci facevano sentire meglio ascoltandole. 

Avete esplorato di più il lato della produzione in questo album, siete d’accordo?

Katie: Assolutamente! Fare musica in questo periodo senza tour e chiusi in casa ci ha dato più confidenza, alla fine abbiamo capito che solo noi potevamo chiudere questo lavoro e nessun altro. Così abbiamo deciso di lavorare al disco sotto ogni aspetto, ci siamo messe ad imparare nuove tecniche per poterlo fare. Durante il processo di questo disco mi sono sentita molto più confidente come produttrice e anche come musicista. 

Considerate “Muna” un album estivo? Ti fa venir voglia di cantare, urlare, pensare e di tornare a ballare! La prima canzone che mi viene in mente è “What I Want” un pezzo che mi trasmette euforia.

Naomi: Grazie, quella è una canzone davvero speciale per noi, è il nostro nuovo singolo. Ricordo che Katie ha lavorato alla produzione via Zoom con Lealand, che è un nostro caro amico e ricordo che quando è arrivato il pezzo finito, ervamo in macchina e abbiamo tutte urlato: “Questa sarà una hit!”.

Ci siamo divertite molto a scrivere “What I Want” e speriamo che tutti la ballino quest’estate perché sono felici di essere gay, e hanno voglia di fare festa!

A proposito della comunità LGBTQ+, so che il primo singolo estratto dal disco “Pink Chiffon” che vede la partecipazione di Phoebe Bridgers è diventato un gay indie-op anthem, divenuto virale su TikTok, me ne parlate? Anche il video ispirato al film degli anni ’90 “But I’m a Cheerleader” è divertente.

Katie: Sai quando sei un artista queer, guardi il lavoro dei tuoi predecessori e cerchi di trovare la strada per essere te stesso, ci piace prendere cose degli anni passati e dargli un contesto diverso, il film “But I’m a Cheerleader” è una commedia che comprene anche la comunità lgbtq+ fu una scelta tagliente all’epoca. 

E’ stato molto divertente per noi girare il video con un gruppo di persone queer a L.A. è importante divertirsi sul set. Spesso scriviamo musica dark, dunque è stato stimolante esplorare qualcosa di più luminoso e colorato. Questa canzone ha un potere saffico. Per quanto riguarda TikTok non ce lo aspettavamo per niente! Siamo contente che una canzone gioiosa che parla della felicità di essere queer sia diventata così popolare.

In questi giorni si parla molto degli artisti forzati dalle loro etichette a fare TikTok, cosa ne pensate?

Katie: Che fortunatamente non dobbiamo preoccuparci troppo di questo aspetto! So che molte persone sono attratte da chi sarà la “next big thing” che farà far soldi a chi lavora nella musica, ma è diventato qualcosa di malleabile che cambia di anno in anno, oggi è TikTok, che per altro amo, mi piace guardare i video e credo che le canzoni che diventano virali su TikTok siano valide. Chi ottiene successo tramite questa piattaforma di base se lo merita, ma credo anche che quello che sta dietro a questo medium non sia così divertente come per chi lo usa. Va visto solo per farsi una risata e finisce lì. Non va preso troppo sul serio.

Penso che i vostri testi siano sinceri, diretti e coraggiosi, e che possono aiutare i ragazzi che si sentono soli e che hanno problemi ad accettarsi o a fare coming out. Avete mai pensato alle vostre canzoni in questo modo?

Katie: È il nostro traguardo.

Naomi: È facile per noi avere una certa prospettiva su una canzone perché siamo un trio quindi, quando Katie ci manda una canzone, io e Jo cerchiamo di analizzare come ci fa sentire, come se fosse un test preliminare sul pubblico che l’ascolterà. 

Sarebbe stato incredibile vedere uno dei nostri video su MTV quando ero una ragazzina, o ascoltarla alla radio, e vedere persone queer come me, felici e con una vita normale.

La cover del disco ha un’ispirazione molto anni ’90. cosa vi ha portato in questa direzione stilistica?

Katie: Grazie per questa domanda, ci tengo, Siamo della 90’s babies, siamo nate in quegli anni, quindi abbiamo messo un po’ di nostalgia retrò nella cover, omaggiando anche quegli album che ci piacevano da ragazzine come tutto il filone indie di donne portato avanti da Lilith Fair.

Trovo i film, la muisca, l’immaginario di quegli anni molto accattivante. Amiamo fare moodboard, quando dobbiamo scattare la cover parliamo molto con il fotografo, in questo caso Isaac che è un nostro caro amico, e cominciamo a scambiarci foto che ci piacciono, finche non troviamo il modo giusto per rappresentare le canzoni che abitano il disco.

Credo che le nuove canzoni abitino in un mondo pop anni ’90 quindi tutto tornava, non sto dicendo che considero questo album un disco anni ’90, anzi ci sono molte canzoni moderne, ma se ci pensi gli anni ’90 sono stata l’ultima decade analogica, si scattava in pellicola e non c’erano gli smartphone.

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Mi dite qualche altro nome di artiste anni ’90 di cui siete fan?

Katie: Ce ne sono molte! Tracy Chapman, Alanis Morisette, Sinead O’Connor, The Cranberries, Sade.

E dove lasci la trilogia Pj Harvey, Tori Amos e Bjork?

Katie: Amiamo Bjork! Io sono una fan del periodo “Vespertine” ma la amo fottutamente e Robyn! La amiamo! Così come amiamo le grandi hit di quegli anni, come quelle dei Backstreet Boys che Jo andrà a vedere questa sera dal vivo. Siamo amanti della musica alla fine e amiamo tanti generi diversi.

Quando tornerete in tour in Europa?

Katie: Spero presto! Nel 2017 la nostra ultima data del tour fu a Milano, è stato magico, abbiamo allungato il nostro viaggio in Italia ed è stato un viaggio bellissimo.

Prima di salutarci, l’ultimo album di cui vi siete innamorate:

“Absolutely” di Djion e “Crash” di Charli XCX

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La beyond meat è una ricetta che sostituisce la carne ottenendo dei prodotti cruelty-free a partire dalle proteine vegetali dei piselli gialli.

La consistenza e il sapore sono incredibilmente simili a quelli di un burger tradizionale e anche il colore rosato, dato dal succo di barbabietola, rendono questi prodotti una risposta davvero gustosa e concreta alla sfida climatica.

Secondo il Center for Sustainable System dell’Università del Michigan, questo prodotto genera il 90% in meno di gas serra, richiedendo il 46% di energia in meno, con un impatto del 99% inferiore sulle risorse idriche e usando il 93% in meno di terreno rispetto a un comune macinato bovino da allevamento intensivo.

Il cinquantenne Ethan Brown, ambientalista che a 36 anni ha creato questo prodotto nella sua start-up di Los Angeles, oggi è riconosciuto da Bloomberg Media come una delle 50 personalità più influenti nel settore dell’innovazione e della sostenibilità.

In tutti i supermercati puoi trovare diversi prodotti ottenuti con questa ricetta, dalle salsicce alle bistecche, dai burger al macinato; addirittura puoi trovare prodotti che riproducono il tonno in scatola e i gamberoni.

I burger sono distribuiti anche nelle più grandi catene di fast food che, nonostante continuino a vendere prodotti di origine animale, hanno annusato il business e si rinfrescano in un green-washing che ripari il calo di vendite che corrisponde all’aumento dei consumatori vegetariani e vegani.

Nel frattempo, Brown, ha depositato la ricetta del beyond-milk: si tratta di un latte plant-based con lo stesso gusto, stessa dolcezza e cremosità di quello tradizionale e che promette di essere “beyond”  tutte le varie bevande vegetali a cui siamo stati abituati finora, assicurandoci di ottenere un cappuccino così buono da essere indiscernibile da quello tradizionale a base di latte vaccino.

Ingredienti  per 4 persone: 500g fagiolini – 4 burger beyond meat – 4 cucchiai pane grattugiato – 4 cucchiai parmigiano grattugiato – 1 cucchiaino di aglio in polvere – 250 g salsa tartara – 4 uova sode – Qb prezzemolo tritato

Dopo avere lavato e spuntato i fagiolini, tagliali a metà e cuocili a vapore per 25 minuti. Raffreddali con un getto di acqua fresca e mettili da parte.

Metti i burger in una ciotola e aggiungi il pane grattugiato, il parmigiano e l’aglio in polvere. Impasta con le mani fino a ottenere un composto omogeneo. Ungi bene le mani con olio di semi e dal composto ottieni circa 24 polpettine.

Cuoci le polpette al forno, girandole ogni tanto per renderle dorate, oppure cuocile in una padella leggermente unta di olio. Lasciale raffreddare.

Metti in una ciotola i fagiolini, le polpette, le uova sode tritate a pezzetti e tutta la salsa tartara. Mescola bene e conserva in frigorifero fino al momento di consumare l’insalata. S

ervila spolverando un po’ di prezzemolo fresco tritato e… TOH! MANGIALA!

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E’ una storia di famiglia, di amore, sofferenza e rinascita quella che sta dietro ai testi autobiografici che formano Look At Us Now Dad, il primo album della musicista Martha Brown in arte Banoffee, come la più celebre torta australiana.

Uscito un anno fa non ha avuto una promozione italiana, ma una volta scoperta grazie al singolo Tennis Fan feat. Empress OF, ho deciso di intervistarla catturato dal suo immaginario e dalla produzione dei suoi pezzi, che vedono coinvolta anche la talentuosa Sophie, purtroppo scomparsa di recente.

Stiamo parlando di pop contemporaneo, non ha caso Martha è stata la tastierista di Charli XCX in un tour negli stadi a supporto di Taylor Swift. I ricordi che incollano Look at Us Now Dad insieme, l’hanno tormentata tutta la vita, a cominciare alla sofferenza condivisa del padre, allontanato dai suoi genitori all’età di quattro anni e cresciuto in una casa per bambini violenti, ha lottato con l’alcol e l’abuso di sostanze per gran parte della sua vita adulta prima di allenarsi in un monastero buddista in Thailandia. Un corso di sopravvivenza per se stessa, la sua famiglia e la sua nuova identità.

Ciao Banoffee! Come stai e dove sei?

Ciao! Sto bene grazie. Attualmente sono nel mio letto a Melbourne in Australia. Son qui da marzo 2020, quando ho lasciato Los Angeles a causa del Covid … non a letto però. Sarebbe strano.

Ho scoperto la tua musica con il singolo Tennis Fan feat. Empress Of. Ho subito amato la canzone e sono andato in rete per trovare qualcosa su di te, per questo ti ho chiesto di fare un’intervista ora. Quindi partendo dal fatto che il tuo album è stato pubblicato un anno fa, stai lavorando a qualcosa di nuovo?

Sì. Sono così entusiasta di cominciare a pubblicare cose nuove. Sono molto orgogliosa di Look at Us Now Dad, ma sono anche pronta a pubblicare tutto questo nuovo materiale che ho realizzato. Sarà presto con voi!

Come mai un’artista australiana si è trovata a suonare le tastiere per Charli XCX quando fece da supporter al Reputation Tour di Taylor Swift? Com’è stato suonare negli stadi?

Haha sì, lo so che è strano. Voglio dire, non ne sono veramente sicura. Mi sono trasferita a Los Angeles 4 anni fa e continuavo a trovarmi in situazioni divertenti. In realtà ho incontrato Charli molto presto, a casa della mia amica Sophie. Stavamo facendo un mini dance party e nel mentre facevamo musica e poi è arrivò Charli con una torta a forma di hamburger – ho capito subito che mi piaceva. Voglio dire: grandi cose!

In realtà ho ottenuto quel lavoro mentre stavo lavorando in uno studio di danza, ero al desk quando un cliente abituale mi ha consigliato a Charli come qualcuno che avrebbe potuto adattarsi al suo brief. Poi il cerchio si è chiuso quando ci siamo rese conto di aver già condiviso una torta insieme, a forma di hamburger.

Liricamente parlando il tuo album Look At Us Now Dad è molto profondo e personale. Si dice che devi toccare il suolo con il culo prima di poterti rialzare, hai attraversato questo processo? Puoi dirmi di più su cosa significa questo album per te?

Il mio culo ha decisamente toccato terra, sì. Questo album è davvero un archivio di molte cose che sono successe nella mia vita. Mi ha seguito attraverso una mezza crisi d’identità, diciamo mi sono rialzata dopo alcuni anni bui. Penso che la maggior parte delle persone che hanno qualcosa da dire, abbiano una voce a causa della loro lotta. So che quando tocco il punto più basso, poi ne traggo le lezioni più importanti. Per me ogni canzone di questo album è una Polaroid di una lezione diversa: ho scelto punti di svolta specifici nella mia vita e ho scritto su ciascuno di essi.

Parliamo del titolo dell’album “Look At Us Now Dad”, può sembrare ironico, ma ascoltando le canzoni posso dire che è qualcosa di molto lontano dall’ironia. È qualcosa di più profondo e ho letto che si riferisce al forte legame che hai con tuo padre e i suoi antenati, puoi dirmi di più a riguardo?

“Look At Us Now Dad” è un titolo divertente, penso che molte persone pensano che io sia amareggiata, ma hai ragione è un’ode a mio padre. Mio padre e io abbiamo una relazione molto speciale. Mio padre è stato messo in un istituto per bambini all’età di 4 anni e davvero non ha mai capito la sua storia.

Come molti, a mio padre non è mai stato insegnato qualcosa sui suoi antenati e nemmeno a sua madre, quindi è cresciuto indovinando. Solo poco tempo fa ha iniziato a trovare possibili collegamenti. Sono diventata ossessionato dalla nostra storia qualche tempo fa, quando leggevo di traumi intergenerazionali, ovvero come il trauma può essere trasmesso attraverso le generazioni.

Attraverso quello che sappiamo di mia nonna e, naturalmente, quello che so di mio padre, penso che ci sia molto da dire su ciò che io e i miei fratelli abbiamo in noi dei nostri antenati. Mio padre e io discutiamo spesso di quello che ha passato mentre solleviamo il velo della sua storia. Le persone sono molto attaccate al senso di appartenenza e questo è qualcosa che la mia famiglia non possiede pienamente.

La canzone (che da il titolo all’abum n.d.g.), parla di guardare oltre, di trovarci d’accordo alla fine della giornata con la consapevolezza che, tutte le cose che ci sono accadute ci hanno portato in luogo in cui ci siamo uniti, perché siamo una famiglia … Quindi c’è un’appartenenza nel nostro senso di non appartenenza.

Nell’album esplori diverse gamme del pop. Qual è l’ispirazione dietro le tue scelte artistiche?

La struttura è stata qualcosa d’importante per me nello scrivere questo album. Invece dei generi, ho spesso cercato di creare trame diverse in tutto l’album. Ad esempio Fuckwit è super croccante e ovviamente e se potessi essere nella mia testa potresti allungare la mano e accarezzarne la superficie, così capiresti la consistenza esatta a cui stavo mirando. One Night Stand invece è abbastanza liscia e burrosa.

Chi o cosa ti ha ispirato di più nello scrivere le canzoni del disco?

Sono stata molto ispirata dalla mia cara amica Sophie, che abbiamo perso di recente. Sophie ha prodotto due delle canzoni dell’album con me, ma è stata un po’ un mentore durante tutto il processo. Sono così grata di averla avuta nella mia vita.

Ci sono 4 intermezzi nell’album ma sono curioso di sapere di più su I Lied e I Let You Down – entrambi usano gli stessi testi, ma hanno due vibrazioni totalmente diverse...

Originariamente erano una canzone sola che ho deciso di dividere e ricostruire in modo diverso. Questa canzone parla di quando ho detto addio a mia zia quando è morta, eravamo molto vicini e lei è stata una vera ancora nella mia vita.

Mi sdraiai sul suo petto e le promisi che tutto ciò che era stato un disastro è stato risolto. Le ho detto che stavo meglio, che mi sarei presa cura di mia madre e che tutto era come doveva essere. Ho cantato per lei e ho pianto e mentito e sono mai stata in grado di togliermi quelle parole dalla testa.

Così scelto di dividerla e di produrre le due parti in modo diverso, perché si tratta davvero di rimuginare sulla situazione ed è qualcosa che trovo più appropriato per l’inizio dell’ album quando le canzoni sono più leggere e più contemplative.

Il secondo interlude invece è molto più oscuro ed è quando sono arrivata alla decisione che l’avevo delusa per non essere stata all’altezza delle mie stesse bugie. Non stavo bene, non riuscivo a prendermi cura dei miei cari, mi sembra una grossa bugia con la conseguenza di aver deluso la mia famiglia.
La produzione per me esprime queste fasi molto diverse.

Quanto sei coinvolta negli aspetti creativi e visivi del tuo progetto?

Io stessa dirigo il lato creativo del mio lavoro. Mi piace farlo perché so cosa voglio e questo progetto è molto personale. La mia estetica, la grafica, ecc. sono tutte cose che scelgo o scrivo, questo non vuol dire che non ricevo aiuto. Tutti i miei video sono co-diretti e le persone che ho a bordo sono assolutamente essenziali per il risultato finale. Sono una persona molto più pratica ora, mi piace trascrivere le mie idee e poi portarle a un team, come ad esempio quello di Quinn Wilson per Tennis Fan – ci abbiamo lavorato insieme, ma l’esperienza, la creatività e il genio di Quinn sono ciò che ha fatto la clip.

Parlando di rinascita e accettazioni, qual è il tuo rapporto con la comunità LGBTQIA+?

La comunità LGBTQIA + non è stata altro che di supporto per tutta la mia carriera. Esco e amo tutti i sessi e le identità di genere e mi sento ben vista e accettata dalla comunità queer. Penso che non ci sia spettacolo migliore di uno spettacolo queer. Mi piace questo della scena queer, ci sono molte meno stronzate. Non mi sono mai sentita impacciata o come se dovessi cambiare per adattarmi ed è qualcosa di cui sarò sempre grata.

Hai qualche designer preferito o sei più una persona fai-da-te?

Un po ‘entrambe le cose. Vivienne Westwood è una delle mie preferite di sempre. Ci sono anche alcuni designer locali che amo: Karla Laidlaw, Haus of Helmutti, Garbage e amo qualsiasi tipo di scarpa chunky.

Puoi sembrare fragile e forte allo stesso tempo, è vero che fai boxe e kickboxing? Cosa trovi attraente in questi sport?

Lo faccio! Beh, la realtà è che ero super fragile e non avevo affatto forza fisica. Ma nel 2019 ho giurato di diventare forte e da allora ho continuato a farmi frullati proteici. Mi piacciono gli sport da combattimento perché sono molto catartici. Mi piace liberarmi della tensione e penso che sia davvero salutare interagire con il tuo lato oscuro. Ho anche avuto degli uomini cattivi nella mia vita e volevo imparare a prenderli a calci nel culo se mai si presentassero di nuovo.

LA è una città accogliente? Hai trovato il tuo equilibrio trasferendoti dall’Australia?

Ho trovato un meraviglioso equilibrio a Los Angeles. Ne sono ossessionata. I miei amici sono così speciali per me e adoro poter lavorare sulla musica ogni giorno senza dovermi mai fermare. Los Angeles è davvero una città creativa e non mancano mai le session ne persone con cui creare.

Sembra che musicalmente parlando, il pop sia tornato negli anni ’90. A volte ascolto musica e mi ritrovo spesso a pensare: sto guardando un episodio di Dawson’s Creek?

Sono così coinvolta. Adoro che la chitarra stia tornando al pop in grande stile. Adoro che il country pop sia di nuovo una cosa, quel grunge sta tornando. Mi sento come se avessimo preso tutti i pezzi migliori degli anni ’90 e poi aggiunto qualcosa di più focalizzato sul futuro e non potrei essere più interessata.

Hai pubblicato un album nel 2020, l’anno più strano di sempre. Come ti senti a riguardo?

È stato liberatorio pubblicare qualcosa su cui avevo lavorato così duramente. Sì, è stato difficile non essere in grado di spingerlo come volevo, non essere in grado di fare il tour dei festival ne il materiale promozionale, ma sono ancora molto orgogliosa di quello che ho pubblicato e alla fine è tutto ciò che conta .

L’ultimo album di cui ti sei innamorato è:

333 di Bladee è stato il mio ultimo amore. 

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