Classe 1994, nato in Puglia e come millesima altri pugliesi si è trasferito a Milano dove ha iniziato a fare l’Artista con le sue sonorità che guardano alla semplicità dei ricordi e all’essenzialità delle emozioni quotidiane. Nei suoi brani più recenti, tra cui Ancora (Maciste Dischi), SCAR tratta temi come la trasformazione personale, il fare pace con sé stessi e la scelta consapevole di percorsi fuori traiettoria, con una scrittura emotiva che racconta la possibilità di perdersi e ricominciare senza smettere di essere fedeli a ciò che si è.

In questa intervista, SCAR, o meglio Massimo Scarabaggio, ci parla del tempo che passa, della scrittura come necessità di vita più che come mestiere e del suo pubblico che lui dice non essere una fan base ma con cui ha una vera relazione e ovviamente di Milano, il suo inferno utile.

Partiamo dal tuo nome: SCAR. Cosa rappresenta per te e quanto racconta il tuo modo di scrivere canzoni?
In realtà non è altro che l’abbreviazione del mio cognome, Scarabaggio. Io lavoro anche con i videoclip musicali e quando ho iniziato, ormai una decina d’anni fa, mi facevo chiamare Massimo Scar. Da lì il nome d’arte è rimasto. Molti ragazzini pensano derivi dal fucile che si chiama SCAR, ma non c’entra nulla: non è un’arma, è solo la radice del mio cognome.

Nelle tue canzoni c’è spesso una nostalgia molto concreta, quotidiana. Da dove nasce questa esigenza di raccontare il tempo che passa e le cose che cambiano?
Sono una contraddizione: ho iniziato il mio percorso musicale relativamente tardi, ma ho superato i trent’anni. Non posso non guardare quello che faccio con un certo distacco. Intorno a me ci sono persone molto più giovani e io cerco semplicemente di raccontare quello che succede a tutti, dal mio punto di vista. Alla fine viviamo più o meno le stesse cose, in momenti diversi. Scrivo partendo dalla mia vita, da qualcosa di personale, con l’idea che possa essere un supporto per chi ascolta. Le canzoni sono mie finché le ho dentro: quando escono, diventano degli altri.

Le tue sonorità si muovono tra cantautorato classico e una sensibilità pop più contemporanea. Quali mondi musicali senti vicini al tuo percorso?
Sicuramente il cantautorato italiano degli anni Sessanta: Gino Paoli, Lucio Dalla, Battisti. Per quanto riguarda il presente, sono stato molto segnato dall’indie tra il 2016 e il 2019. In particolare da un gruppo che per me è stato fondamentale: una loro canzone l’ho dedicata a mia nonna quando è morta ed è stata la prima che ho provato a suonare al piano, anche se non so suonare davvero nessuno strumento. La cosa curiosa è che poi il mio percorso è culminato proprio nell’etichetta che aveva lanciato loro. Quando si sono interessati al mio progetto ho pensato: sì, è giusto così. Era come chiudere un cerchio enorme. In generale, io sto esattamente in mezzo tra indie e cantautorat

Sei pugliese ma vivi a Milano da cinque anni. Che rapporto hai con la città e quanto ha influenzato il tuo modo di fare musica?
Probabilmente non avrei mai fatto musica se non mi fossi trasferito qui. Milano ha distrutto completamente la vita che avevo prima. Il primo anno è stato terribile: una convivenza finita male, sono tornato in Puglia, ho smesso di fare arte, ho preso un’abilitazione per lavorare in ferrovia. Finita quella, sono tornato a Milano a fare arte. E avanti così, per anni.
Milano è un inferno, ma è un patto col diavolo: ti dà tantissime possibilità, a patto che tu sia disposto a viverci dentro. Oggi posso letteralmente guidare una persona dentro questo inferno, come dico anche in una canzone. È devastante, ma mi ha dato tutto.

I tuoi brani parlano spesso di amicizia, smarrimento, crescita. Scrivi partendo da esperienze precise o lasci spazio all’immaginazione?
Scrivo solo dal mio vissuto. Non invento nulla. Se devo inventare, diventa un lavoro e perde il senso. Mi chiedo spesso se quello che faccio è utile: per me lo è, e già basterebbe. Ma quando le persone mi scrivono dicendomi che una canzone le ha aiutate, capisco che è utile anche per altri. Sto semplicemente facendo quello che facevano gli artisti che ascoltavo da piccolo. E sì, questa roba che sto facendo è utile.

Che tipo di relazione hai con chi ti ascolta?
Per quanto possa sembrare ridicolo, mi piace l’idea di una confidenza. Mi sento quasi come un fratello maggiore. Ai concerti vedo persone di sessant’anni, miei coetanei, ma anche ragazzi di quindici. Una volta un ragazzino mi ha detto che si ispira a me per fare musica: è una cosa enorme. C’è chi mi scrive chiedendomi consigli di vita, come fossi uno psicologo. Io rispondo sempre, finché posso, anche dicendo: guarda che sto peggio di te. Ma cerco comunque di essere gentile.

La tua voce è ruvida, fragile, molto riconoscibile. È una scelta o qualcosa che hai imparato ad accettare?
Mia madre e uno dei miei migliori amici mi dicevano che non avevo una voce riconoscibile e che non sapevo cantare. Quindi no, non è una scelta. È tutto spontaneo. Spesso non ho nemmeno un testo quando scrivo: creo linee melodiche con la voce e poi ci incastro le parole. Alla fine è l’emozione che tiene insieme tutto.

Se qualcuno ti ascoltasse per la prima volta, che tipo di viaggio vorresti fargli fare?
Mi viene in mente l’immagine di un genitore che viaggia col figlio. Mi hanno detto che la mia musica ha aiutato ragazzi a parlare con i propri genitori. Vengo dal Sud e certe cose emotive lì non si affrontano. Se la musica riesce a creare quel ponte, per me è inestimabile.

Sembra quasi che tu voglia costruire un personaggio anche attraverso il look. È così?
In realtà no. Ho iniziato a tagliarmi le sopracciglia un pezzetto alla volta, poi sono arrivato a questa faccia. I capelli biondi invece li ho sempre voluti, fin da piccolo. Finché la genetica regge, vado avanti così.

Dai singoli più recenti senti di aver trovato una direzione?
Sì, so esattamente dove voglio andare. Sto lavorando al disco in modo molto preciso. All’inizio avevo dei dubbi, ora no. Suonando e vedendo le reazioni del pubblico ho capito che quello che sto facendo ha un senso.

Milano è stata più uno stimolo o una complicazione?
Uno stimolo, pieno di difficoltà. Mi ha dato materiale da scrivere, da crescere, e anche da mangiare: sono riuscito a vivere d’arte. Vivi in mezzo ai demoni, ma puoi realizzare quello che vuoi. Devi solo imparare a giocare.

Quanto conta oggi l’urgenza personale rispetto alle logiche di mercato?
Ho scartato almeno venti canzoni perché sentivo che stavano piegandosi a delle logiche che non mi appartenevano. Ogni canzone del disco ha un messaggio. Non mi interessa scrivere canzoni che funzionano, ma canzoni che servono. Almeno una frase deve lasciarti qualcosa.

C’è qualcosa che non hai ancora avuto il coraggio di dire in una canzone?
Sì, l’ho detto in una canzone che però è stata scartata. Esiste solo nel mio computer. Ma averla cantata mi è bastato. Magari un giorno uscirà.

L’ultimo disco di cui ti sei innamorato.
L’artista è Sen Senra. Il disco è PO2054AZ Vol. 3, uscito a giugno 2025.

Foto Alex Vaccani

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Con Orrore! Protopapa apre una porta su una stanza buia, dove pulsioni e paure si intrecciano al ritmo di synth spettrali e una bassline ossessiva. Il brano — estratto dall’atteso album in uscita a gennaio 2026 per FLUIDOSTUDIO — è un racconto personale e generazionale sull’intimità digitale, sull’ansia dell’incontro e sulla libertà (ancora scomoda) dei corpi.

Più che una canzone, Orrore! è un rituale: un viaggio dentro il lato oscuro del desiderio, dove il piacere è anche vertigine. Per l’occasione lo abbiamo intervistato per parlare di sesso, paura e libertà queer, mentre @pizzakinky_spicy ha realizzato una serie di scatti esclusivi che raccontano, con il suo immaginario sensuale e ironico, l’universo visivo di Orrore! — tra maschere, corpi e ombre che si muovono all’unisono.

“Orrore!” esplora il lato oscuro e istintivo del sesso contemporaneo. Cosa ti spaventa — o ti affascina — di più di questa dimensione fatta di corpi anonimi, chat e incontri fugaci?

Pur avendo iniziato da molto, forse fin troppo giovane a usare le chat per incontri, non ho ancora smesso di provare una discreta dose di ansia, sia da prestazione che dovuta all’incontro con uno sconosciuto.

Mi spaventa tutt’ora il momento subito precedente a un date per sesso, un mix di agitazione, paura e eccitazione.

Mi affascina molto il sexting, flirtare con uno sconosciuto o anche con una persona amica o con cui ho collaborato.

Nelle chat gay e kinky spesso si alternano desiderio e alienazione. Quanto c’è di te e delle tue esperienze reali in questo brano?

Ci sono sia esperienze personali che fantasie ancora inesplorate – come in tutti i miei brani – questo perchè mi piace tanto sperimentare in ogni ambito. Le chat mi hanno insegnato molto su kink e pratiche tra le più assurde e mai sentite prima, sono state il mezzo per incontrare tanti amanti e persone che sono tutt’ora parte della mia vita.

E, chissà se è capitato anche a voi, le serate finite a dormire col telefono in faccia con le chat aperte e una mano nelle mutande sono state tante, dopo ore di vuoto e alienazione pura. Confermo.

Il titolo “Orrore!” è fortissimo. L’orrore sta nel sesso o nel modo in cui la società continua a giudicarlo?

Ma grazie, questa domanda è molto a fuoco con il mondo di questo singolo appena uscito. Il titolo nasce dal terrore che ho provato fin troppe volte prima di un incontro, ma anche dalle tante volte che un semplice scambio di messaggi è letteralmente finito in orrore.

Sono un curioso per natura quindi ho provato qualsiasi dating app o sito per incontri ed è come se fossero un mondo parallelo, una dimensione in cui ci comportiamo in modo del tutto scollato dalla realtà e spesso anche dalla civiltà, dando sfogo puro agli istinti animali e primordiali; possono diventare dei luoghi molto violenti, purtroppo.

L’orrore è questo, ma è anche l’eccessivo tabù sociale riguardo sesso, kink e libertà dei corpi, anche all’interno della stessa comunità LGBTQ+.

Viviamo in un’epoca iper-sessualizzata ma allo stesso tempo moralista. Pensi che oggi abbiamo davvero più libertà sessuale, o solo più modi per nasconderci dietro uno schermo?

Mancando le basi di educazione sessuale durante l’adolescenza, cresciamo imparando cos’è il sesso, come si fa e come ci si relaziona al nostro corpo e a quello dell’altrə tramite i canali sbagliati: porno, dating app e incontri.

Abbiamo sicuramente la libertà di poter sperimentare in tanti modi e luoghi, prima però dovremmo imparare a dialogare col nostro corpo e a praticare il consenso verso gli altri… Vedo troppo spesso tanti amici lasciarsi andare sessualmente solo dopo aver preso droghe, questo penso sia sinonimo di una chiusura emotiva e relazionale molto poco sana e sintomo anche più grande di una società che ci vuole iper-performanti, anche nel sesso.

Nella tua musica c’è sempre una riflessione sulle maschere e sull’identità. Come si intrecciano kink, fetish e libertà queer nel tuo immaginario artistico e personale?

Sono da sempre in fissa con le maschere, sia come oggetto che come mezzo di espressione, sperimentazione e amplificazione di sé.

L’espediente della maschera, per me, serve a indagare tratti della nostra identità dei quali non siamo ancora sicuri.

Come persona queer avevo pochi modelli aspirazionali e ho dovuto sperimentare parecchio per scoprire la mia vera essenza, le maschere mi hanno aiutato ad arrivarci proteggendomi come uno scudo.

E poi quanto è bello fantasticare così tanto da diventare chi vuoi per 5 minuti, un giorno o ogni volta che lo vuoi…

“Orrore!” arriva dopo “Croccante”, che celebrava la chosen family e la libertà dei corpi. È come se ora ci portassi nel retro di quella festa, in una stanza più buia. Che tipo di dialogo c’è tra i due brani?

Le persone queer hanno, per scelta e quasi per definizione, una traiettoria di sperimentazione di identità di genere e sessuale più amplificata del “normale”, un perpetuo viaggio alla scoperta del proprio corpo e delle proprie preferenze, una festa di esperienze e fantasie.

Per me quella stanza non è più buia, è solo un po’ più lontana dal dance-floor.

Chi ha paura del sesso, oggi? E tu, hai ancora paura di qualcosa nel desiderio?

C’è chi strumentalizza il sesso e la liberazione dei corpi per fare propaganda conservatrice e antica, pensando di proteggere quei fantomatici bambini che però un giorno saranno adulti sessualmente disfunzionali che dovranno destrutturare anni di terrore sul sesso, una delle cose più belle e incredibili che l’essere umano possa vivere.

Negli ultimi 10 anni ho affrontato tanti preconcetti legati ai desideri che avevo, sicuramente frequentare un porno attore e sex worker per 2 anni mi ha fatto scoprire mondi che ignoravo e che in gioventù ho giudicato con superficialità.

Ora sono più che mai curioso sessualmente e pronto a qualsiasi fantasia, è un gioco molto divertente.

Questi singoli che stai pubblicando convoglieranno in un album?

SPOILER: sì (ma non posso dire né la data né il titolo, per ora… Ma, indizio: non vedo l’ora di accogliervi nella mia casa!)

Quasi 4 anni di lavoro minuzioso su testi, suoni, visual e tantissime collaborazioni, anche internazionali, stanno per arrivare al culmine: il mio primo album.

Sono carico, emozionato e molto, molto orgoglioso. Sarà come una grandissima festa!

Ultimo disco di cui ti sei innamorato:

Te ne dico tre:

1) Discoteca Vivace di Valentino Vivace

2) ELASIR di ELASI

3) E poi il disco di un artista appena firmato per FLUIDOSTUDIO: Alec Temple, stay tuned! 

Foto e styling: @pizzakinky_spicy

Orrore! Release Party:

27 ottobre at Soho House, Roma

1 novembre at Le Bain, NYC

2 novembre at Animal, Parigi

7 novembre at LaCasbah

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In un’estate che sembra tutta da fuggire, I Only Want You To Love Me è invece la mostra da restare. Un pugno nello stomaco – ma con eleganza.

Al PAC – Padiglione d’Arte Contemporanea, fino al 14 settembre, prende forma una delle esposizioni più potenti e necessarie viste ultimamente in città. A firmarla è il duo artistico Lovett/Codagnone, ovvero John Lovett e Alessandro Codagnone, coppia nella vita e nell’arte, la cui ricerca (attiva dal 1995 fino alla scomparsa di Codagnone nel 2019) si muove su quei territori incandescenti dove amore, potere, identità e desiderio si incrociano e si sfidano.

Il vocabolario visivo e teorico dei due artisti attinge a piene mani all’immaginario leather e sadomasochista, ma non per pura provocazione:

il loro è un lessico radicale, politico, usato per smontare il patriarcato, destabilizzare la norma e far esplodere la molteplicità dei corpi e dei desideri.

Una pratica che trova affinità con l’Antiteatro di Rainer Werner Fassbinder, il Teatro della Crudeltà di Artaud, e che si iscrive in una genealogia di pensiero queer critica e militante.

È in mostre come questa che Milano mostra il suo lato migliore – quello che osa, che si confronta, che accoglie le identità complesse senza cercare di normalizzarle.

E allora viene da chiedersi: perché non ce ne sono di più? Perché le grandi città, specie in Italia, faticano ancora ad aprirsi a narrazioni che non siano rassicuranti?

I Only Want You To Love Me ci ricorda che la cultura serve anche a rompere le scatole, a scardinare la morale borghese, a raccontare vite che esistono davvero ma che ancora fanno paura.

E se passerete l’estate in città – invece di cercare refrigerio altrove – fatevi un favore: entrate al PAC. Non è solo aria condizionata, è aria nuova.

È il tipo di arte che non si limita a piacere, ma che ti guarda dentro e ti costringe a fare lo stesso.

Ben venga una Milano con più mostre come questa. Ben venga una cultura che non ha paura di sporcarsi le mani con la realtà.

A cura di Alessandro Marzo
Fotografie di Alex Vaccani

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Giulia Mei racconta: «Volevo solo fare un disco pieno di vita ordinaria, il diario di una bambina che parla di tutto senza preoccuparsi della forma, senza sovrastrutture, volevo colorare fuori dai bordi, giocare. Questo disco per me è una dichiarazione d’amore al disordine che non mi sono mai concessa per paura, a quella curiosità infantile che non mi ha mai abbandonata, a quel divergere che mi ha fatto sbagliare strada tutte le volte che ho avuto bisogno di liberarmi dalle pressioni esterne della “musica che funziona”. Ma questo disco è dedicato a chi non sa funzionare, se non coi propri unici ingranaggi, e a chi ascolta tutto come se non avesse mai ascoltato niente.» L’abbiamo intervistata.

Nel disco confessi di non averci mai capito niente di musica, eppure sembri decostruirla con rara lucidità. Che rapporto hai oggi con la confusione creativa?

Sì, c’è stato sicuramente un grande lavoro di decostruzione e ricostruzione. Quel disordine che mi sono creata – anche uscendo dai binari che a volte mi ero imposta – mi ha permesso di trovare un nuovo ordine. Oggi cerco ancora la confusione: penso che il caos debba far parte del processo creativo. Il caos è destabilizzante, ma è fondamentale. Anche nella vita: se non esci dalla tua comfort zone, magari riesci comunque a scrivere, ma cadi sempre nello stesso punto.

Credo profondamente nell’evoluzione artistica, soprattutto quando fai un lavoro creativo come il nostro. La vita cambia costantemente, quindi se vivi davvero ma resti sempre uguale a te stesso nella scrittura, forse non stai analizzando a fondo quello che fai. Per me è importante mantenere un rapporto – sì, ancora controverso – con il caos. Ma ci sto.

A proposito di binari, una volta hai detto di voler “colorare fuori dai bordi”. Qual è stato il bordo più difficile da varcare per chiudere questo disco?

Ce ne sono stati diversi. A livello musicale, per esempio, ho dovuto trovare un modo nuovo di suonare il pianoforte, nonostante anni e anni di musica classica alle spalle. Ma il vero bordo difficile è stato umano: superare il dolore di raccontare certe cose molto personali. Mettere quei dolori dentro le canzoni è stato faticoso, ma anche bellissimo. Riascoltandole, mi accorgo che la musica mi ha permesso di dire quelle cose nel modo migliore. A parole non sarei riuscita ad analizzarle con la stessa lucidità.

In “Bandiera” canti: “Voglio uscire la sera e tornare da sola senza la paura del tipo della spazzatura”. Com’è nata l’urgenza di trasformare un’insicurezza personale in un inno collettivo?

Quella frase è stata una delle prime che ho scritto per il disco. Mi sono resa conto che una delle cose che non sono libera di fare è uscire da sola la sera. Da lì ho iniziato a riflettere su tutto ciò che non posso fare. È nato da un’esperienza personale, ma avevo bisogno di parlarne, di sentirmi meno sola. “Bandiera” è un’esigenza di collettività: volevo creare qualcosa che parlasse anche per le altre persone, soprattutto per chi si sente limitato nella propria libertà.

Alcuni si sono offesi per la frase sul tipo della spazzatura, ma chi ascolta davvero capisce che sto parlando d’altro. Non c’è nessuna accusa, è solo una metafora. Volevo che si parlasse di questo tema, e usare il mio linguaggio – la musica – è stato il modo più sincero per farlo. La risposta del pubblico mi ha confermato che c’è un bisogno reale di raccontare queste cose. Per me, “Bandiera” è una canzone di autodeterminazione, che può parlare a chiunque. Per questo sono felicissima di suonarla al Padova Pride: sarà un momento importante, per me e per tutti quelli che si sentono minati nella propria libertà.

Oltre al significato, “Bandiera” ha anche una struttura musicale potente: dalla marcia nuziale a una sorta di rivoluzione sonora. È una canzone vera, un piccolo capolavoro. Ma parlando di macelli… parliamo di X Factor?

(Ride) Sì, portai “Bandiera” anche lì. È stato un momento importante, anche se breve. Io lo rifarei esattamente com’è andato. È facile dirlo a posteriori, ma mi ha dato tanto: è stata la mia prima esperienza televisiva e mi ha formata, soprattutto a livello di performance. E poi ho potuto portare una mia canzone davanti a tantissima gente, con una risonanza enorme.

Spesso mi chiedono se sono arrabbiata per com’è andata. No, per niente. Sono grata. Per me X Factor è stata una tappa, un passaggio. Stavo già lavorando al disco, già con le persone con cui continuo a lavorare. Dopo X Factor abbiamo lanciato il disco, il tour… sono successe tante cose belle. È stata una corsa breve, sì, ma molto rumorosa. E ne è valsa la pena.

Nel disco dici che “la vita è brutta, ma la faccio ballare”. È più catartico cantare la disillusione o riderci sopra?

Entrambe le cose. Sono due facce della stessa medaglia. Cantare la disillusione ballando è una delle prove più difficili per un autore. L’ho imparato ascoltando De André: un valzerino che racconta di Miché che si impicca, oppure “Volta la carta” che parla di dolore su una melodia leggera.

Quella è una forma potentissima di catarsi. Anche io l’ho cercata: parlo del baratro, dell’Europa che si sfalda sotto i piedi, ma ci ballo sopra. E ballarci sopra è già una forma di resistenza. Per me la leggerezza, l’ironia, la satira, anche la frivolezza – quella sana – sono necessarie. La musica deve contenere tutto, altrimenti non racconta davvero la vita. Io in una giornata provo 700 emozioni, e oggi ho anche il ciclo, quindi raddoppia! (ride)

Anche la tracklist del disco rispecchia questa altalena emotiva: da ballad al piano come “Genitori” a momenti punk come “H&M”. Come costruisci l’equilibrio tra forma musicale e urgenza testuale?

In realtà, ogni volta è diverso. È un equilibrio che si costruisce nel processo stesso della scrittura. In questo disco ho davvero cercato di uscire da me stessa, anche a livello tecnico: non partire sempre dal piano, non seguire per forza un iter tradizionale. Lavorare con l’elettronica mi ha aiutata tanto: ho iniziato canzoni partendo da un beat, da un suono, da un frammento di synth, anche da una voce tagliata a caso.

Questo approccio mi ha liberata. Mi ha permesso di trovare forme nuove, anche linguistiche, per parlare di quello che avevo urgenza di dire.

Ti abbiamo vista anche parlare di libertà e di corpi femminili con Non Una di Meno. Volevo chiederti: in che modo la tua musica amplifica o complica il tuo impegno politico?

Diciamo che anche qua io dico sempre che il mio impegno politico è una sfumatura della mia musica. Ecco, io non mi permetterei mai di dire di essere un’attivista, per rispetto agli attivisti che fanno un lavoro enorme, straordinario.
Giorno dopo giorno, nella mia musica parlo di un’urgenza anche politica ed è importante farlo per me, prima di tutto, poi perché amplifico e quindi creo comunità, creo riflessione, arriva magari a piani anche molto più alti.
Questa canzone è stata… non lo so, adesso ricordo veramente: una deputata l’ha letta, è arrivata anche a essere recitata dai giornali, in situazioni appunto di cronaca, non per quanto riguarda il discorso musicale.
Diciamo che questa cosa per me è importante perché mi aiuta a trovare persone attorno a me che vogliono, come me, cambiare le cose, arrivare piano piano verso un mondo in cui non si perseguitano più le persone, in cui le persone non muoiono come è successo qualche giorno fa, che una ragazza di 14 anni è stata ammazzata dal fidanzato perché lei non voleva più star con lui. Sempre di più ci stiamo riavvicinando a una forma, proprio a un immaginario patriarcale e reazionario della prevaricazione, della violenza.
Per cui, in questo senso, parlarne attraverso la musica è molto importante.

A proposito di violenza, anche tu hai subito odio nei tuoi confronti… era la prima volta o purtroppo era già accaduto? 

Sarà accaduto qualche volta così, ma con questa mole, con questa forza, no, cioè…
Okay, dico che è la prima volta perché comunque è stata veramente… c’è stata una ondata molto, molto forte.
Ce ne sono state più ondate, anche dopo il 1° maggio, perché è chiaro che quando hai tanta risonanza, prendi tutto quello che c’è, lo trovi ovunque.

E dico stronzi perché è chiaro che io accetto e metto in conto che una persona possa non condividere la mia direzione, il mio modo, il mio messaggio.
Ma quando stiamo parlando di questo, stiamo parlando di persone che… cioè, neanche te li dico i commenti, ma immaginerai: ci sono cose inqualificabili e lì sei stronzo.

Beh, come si dice a Palermo chiesta è acqua mischiata ca terra.

Drammaturgia sembra una meta-canzone, un racconto su come si racconta. Che ruolo hanno la narrazione e il teatro nel tuo modo di scrivere?

Io sono cresciuta con Giorgio Gaber. A 15 anni facevo teatro-canzone, proprio nel senso più letterale del termine. Cantavo, recitavo, scrivevo. Mi sentivo Gaber, nel mio piccolo.

Questa teatralità me la porto ancora dietro, anche se oggi si è un po’ smussata. Mi piace ancora molto il contatto diretto con chi ho davanti, il dialogo nello sguardo. Per questo, per esempio, non riesco a cantare con gli occhiali da sole.

La teatralità è anche nell’arrangiamento, nei live, nel modo in cui certi pezzi vengono interpretati. “Drammaturgia” racconta una relazione e alla fine diventa quasi una carezza al “tu” che mente, perché quando si mente a quel livello, chi ci rimette davvero sei tu. Rimani solo.

Ne “La vita è brutta” parli di “cuore, culo e minima barocca”. È una definizione meravigliosa. Ti chiedo: la contraddizione è un metodo di lavoro per te?

Assolutamente sì. Si vede anche dal fatto che sono palermitana! [ride]

Per me la contraddizione è un punto di partenza, non un ostacolo. È come in quella sonata di Mozart, la n.12, dove c’è una base semplice e sopra qualcosa che sembra dissonante, ma poi tutto si ricompone.

Mi piace pensare alla sintesi, ma non nel senso di semplificare o togliere. Al contrario: aggiungere, costruire. Una sintesi che accoglie le contraddizioni e le trasforma in qualcosa di nuovo.

E poi sì, siamo tutti contraddittori. Tutti. Parlo spesso di ipocrisia, di cattiveria atavica, di quei meccanismi che ci auto-insegniamo e che poi ci incastrano. La creatività, per me, nasce anche da lì.

Facciamo un passo indietro. Dal tuo disco precedente, “Diventeremo adulti”, oggi sembri più tagliente, meno accomodante. Cos’è cambiato?

La vita. Le cose che mi sono successe. Un certo livello di disillusione.

In sei anni si cambia tanto. Mi sono accorta che i fiorellini ci sono, sì, ma ci sono anche le spine. Prima avevo un modo di cantare un po’ più carico, più sovrapposto. Oggi ho cercato un’intimità diversa, più scarna ma anche più autentica.

Con i miei produttori ho fatto un lavoro per ritrovare una vocalità essenziale, che fosse più vera. Che mi permettesse di dire delle cose che, forse, non saprei nemmeno spiegare a parole. Ma che nel canto trovano forma.

Ci sono degli artisti, autori, poeti, cantanti che ti fanno proprio venir voglia di sederti al pianoforte?

L’altro giorno ho riscoperto la produzione di Fanny Mendelssohn, sorella di Felix Mendelssohn. Di lei non se ne parla mai, perché è stata sotterrata dalla storia e perché è donna. Un talento molto maggiore rispetto a quello del fratello. Scriveva delle cose bellissime, era la sua mentore… ma era donna. Ho riscoperto i suoi lavori, delle cose bellissime e proprio mi ha fatto venire voglia di suonare.

Il pubblico che canta “Bandiera” con te ha cambiato il senso della canzone? C’è stata una reazione dal palco che ti ha spiazzata?

Intanto, per quanto riguarda Bandiera, già il fatto che le persone la cantino per me non l’ha portata a termine: è arrivata a destinazione.
Cioè, questo è quello che io speravo: che arrivasse alle persone, proprio quella canzone — ma in realtà tutte le canzoni. A Roma, l’ultima volta sono scesa dal palco ad abbracciare una ragazza in prima fila, perché piangeva a dirotto. Ho sentito proprio questa connessione enorme con lei. Queste cose mi danno consapevolezza e mi fanno pensare che allora quello che ho scritto è vero.

Ci tengo molto alle persone che mi vengono a sentire. Anche dopo il concerto, sono sempre molto disponibile a parlare, ad ascoltare, perché comunque ho sempre l’impressione che è — boh — è bilaterale, questo rapporto. E questa cosa l’ho capita veramente da quando è iniziato questo tour, perché è successa questa cosa, di questa connessione così forte.
La gente veramente viene per te, ascolta. È venuta col disco, magari è venuta per le tue canzoni. E questo, sì: ha dato un nuovo significato a quello che faccio. Senz’altro.

Senti, se domani qualcuno ti dicesse o ti scrivesse che grazie alle tue canzoni si sente libero, o grazie alle tue canzoni si sente una persona diversa, ecco, cosa gli diresti? 

Ma guarda, in realtà questa cosa già mi è successa, mi hanno già scritto tante persone
E io ho sempre risposto. Chiaro è che ogni risposta è diversa ma più o meno dico “grazie per averlo condiviso con me” intanto, perché non è detto e non è scontato che una persona si apra.
Cioè, chi cazzo sono io alla fine? Sono un’estranea
È bello sentirmi connessa con le persone che mi scrivono.

Qual è la cosa più incomprensibile che la musica ti ha insegnato finora?

I limiti. Nell’amore, nella musica. Questo disco parla anche di limiti di come puoi riscriverli e ridefinirli. Trovo i limiti incomprensibili.

L’ultimo disco di cui ti sei innamorata?

Mi è molto piaciuto l’ultimo disco di Giorgio Poi, ultimamente sto ascoltando un po’ di elettronica e sto aspettando con ansia il nuovo disco degli Odesenne che è questo questo gruppo francese perché mi piace molto il pop francese, E poi sto riscoprendo non più da studentessa ma con con orecchie nuove, le sinfonie di Mozart.

Giulia Mei – Io della musica non ci ho capito niente

Giulia Mei

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Un’arena polisportiva aperta a tutta la città, una serata a teatro interamente dedicata alle arti performative queer evun progetto sinestetico che traduce la bandiera arcobaleno in una composizione sonora per i non vedenti. Diventa
sempre più ricco e a 360° il programma di Milano Pride 2024.

Nelle Pride Square sono in programma talk con attivisti ed esperti che spaziano dai temi della salute alla situazione geopolitica attuale e ai diritti LGBT+ in Cina evin Palestina, ma anche giochi, bolle di sapone e favole arcobaleno per i più piccoli, e un queer tango in piazza. Oltre 300.000 sono le persone attese alla parata e allo show del 29 giugno per un evento con attivisti, politici, performer e cantanti.

Organizzato da CIG Arcigay Milano in collaborazione con le associazioni del Coordinamento Arcobaleno, l’insieme delle associazioni LGBT+ del territorio, Milano Pride 2024 ha il Patrocinio della Commissione Europea e del Comune di Milano, oltre che di numerosi altri Comuni del territorio.

“L’invito al Pride è aperto a tutti, nessuno escluso, vi aspettiamo per condividere un messaggio comune, forte e chiaro: basta discriminazioni, basta violenze. In primo piano la lotta contro l’omolesbobitransfobia, il bullismo e per diritti di tutte le famiglie.” Commenta Alice Redaelli, Presidente di CIG Arcigay Milano che quest’anno festeggia
40 anni di attivismo. “Da anni il Milano Pride è un evento intersezionale, che parla di diritti a 360° andando anche oltre i confini italiani: dai femminicidi e la parità di genere fino ai conflitti in Ucraina e in Medio Oriente. Questi i temi che affronteremo sul palco, in parata e nel programma di talk e incontri delle Pride Square”.

Il messaggio che questa 23esima edizione vuole lanciare è forte, nel segno della libertà individuale e del diritto a essere sé stessi. In un momento storico complesso come quello che ci hanno consegnato anche le recenti elezioni

Milano Pride 2024 MESSAGGIO + DOCUMENTO POLITICO

Liberə di essere è il motto e tema portante di Milano Pride 2024. Libertà, autodeterminazione, rispetto della dignità e dell’integrità fisica e morale di ogni individuo sono i principi basilari della convivenza civile, riconosciuti dalla
Dichiarazione Universale dei Diritti dell’Uomo così come dalla Costituzione della Repubblica Italiana. “Se guardiamo alle nostre società e a quanto accade in molti Paesi del mondo, dobbiamo constatare che questi alti valori non solo non sono praticati ma vengono consapevolmente disattesi, screditati e calpestati,” commentano le
associazioni organizzatrici di Milano Pride nel Documento Politico.

Liberə di essere è il fil rouge della dichiarazione. Liberə di esistere/essere se stessə in nome dell’integrità fisica, del rispetto, della lotta contro l’omotransfobia e i femminicidi, e con una forte richiesta di Cessate il Fuoco! a Gaza.

Liberə di essere una famiglia a supporto delle famiglie omogenitoriali, perché non esiste un concetto di famiglia “giusta” o “sbagliata”. Liberə di crescere per contrastare la violenza di genere e bullismo di matrice omolesbobitransafobica nelle scuole, così come supportare le persone transgender nel loro percorso di studi a partire una implementazione delle carriere alias.

Milano Pride 2024 GLI EVENTI

Presentazioni di libri, sport, concerti e molto altro. Il Pride Month avvolge e coinvolge l’intera città con spettacoli di teatro, tour guidati e mostre d’arte ma anche stand-up comedy, talk e party. Il calendario completo di tutte le iniziative è pubblicato nella sezione Eventi sul sito ufficiale di Milano Pride.

● Sabato 22 e domenica 23 giugno, piazza dell’Arco della Pace si trasforma in un’arena polisportiva con tornei, eventi, musica, dj-set e cultura aperti al pubblico. Protagoniste le squadre sportive LGBTQ+ di Milano ma anche le loro alleate sul territorio nazionale, le federazioni e personalità dello sport. L’iniziativa è un progetto di Pride Sport Milano, l’associazione che unisce tredici associazioni e oltre 700 atletə che scelgono di promuovere l’inclusione la gentilezza e il rispetto attraverso lo sport.

● Domenica 30 giugno, il giorno dopo la parata e l’evento all’Arco della Pace, Milano Pride invita tutt* al Teatro Elfo Puccini per Sempre Liberɜ – Queer on Stage, una serata interamente dedicata alle arti performative queer dal teatro alla danza, dalla stand-up comedy all’opera. “Ispirata a una nota aria della Traviata, Sempre Liberɜ è un format multidisciplinare e intergenerazionale che porta il mondo del Pride
dalla piazza al teatro.” Commenta Michele di Giacomo, fondatore di Alchemico Tre e Direttore Artistico dello spettacolo.

Sempre Liberɜ è un’iniziativa di CIG Arcigay Milano. Michele Di Giacomo conduce la serata insieme a Marta Pizzigallo con musiche di Gipo Gurrado. Tra gli ospiti: Matteo Bittante con Dancehaus Company, l’autore di prosa Tobia Rossi, la cantante Romina Falconi, la performer Angelica Squicciarini con Filippo Ermanno Pizzocri e Rafael Candela, il ballerino Yesid Quejada Moreno, e la cantante Maria Elena Pepi accompagnata dal maestro Andrés Jesús Gallucci. I biglietti sono acquistabili presso il Teatro Elfo Puccini.

Da mercoledì 26 a venerdì 28, nel quartiere arcobaleno di Porta Venezia, tornano le PRIDE SQUARE. Piazza Santa Francesca Romana e Piazzale Lavater ospitano talk, dibattiti, arte e cultura, oltre che momenti dedicati alle famiglie e ai più piccini. In Piazza Bellintani sarà presente un presidio dedicato a salute e prevenzione, con infopoint e test HIV e sifilide, rapidi, anonimi e gratuiti in collaborazione con Milano Checkpoint. La conduzione delle Pride Square è affidata a Alessandro Lussiana, La Wanda Gastrica e La Trape. A seguire alcune delle iniziative in programma.

● QUEER TANGO. Ballare Tango Queer, così come si intende internazionalmente, significa incontrare nell’abbraccio l’altra persona senza pregiudizi, al di fuori degli stereotipi di genere. Il progetto “Queer tango Milano” si propone di far conoscere e diffondere il tango argentino come possibilità aggregativa. Piazzale Lavater, Mercoledì 26 giugno, ore 21.55.

● LISTEN! è la serata concerto con Checcoro, Good News Female Gospel Choir e Diversa Vox, i tre cori LGBTQIA+ di Milano per cantare a gran voce l’orgoglio e la libertà di essere e di amare. Piazzale Lavater, Giovedì 27 giugno, ore 19.50.

● PALESTINA QUEER: ESISTENZA È RESITENZA. Elias Wakeem, artista e performer queer palestinese, ci condurrà in un racconto sulla condizione delle persone LGBTQIA+ palestinesi in Israele e nei territori occupati; si parlerà della situazione attuale, del conflitto e delle molteplici forme di oppressione e discriminazione. Piazzale Lavater, Venerdì 28 giugno, ore 19.00.

● CULTURA BALLROOM. La scena Ballroom è una corrente LGBTQIA+ della comunità afroamericana e latina. Ora anche a Milano e in Italia. A raccontarla, suonarla e ballarla ci sarà La B. Fujiko con Ken Jii, Medusa, Havva e Icy Ninja che si alternano in un Roll Call, momento tipico delle Ball in cui ognunə performa, per poi aprire la pista a chiunque voglia ballare. Piazzale Lavater, Venerdì 28 giugno, ore 22.30.

● IL POTERE ECONOMICO DELLE DONNE. Quanto il lavoro delle donne pesa sull’economia di un Paese? Aminata Gabriella Fall alias @pecuniami, Anna Granata e Piera Mottola discutono su come la società influenzi i comportamenti delle persone socializzate come donne e come i comportamenti economici nei quali siamo immersi intervengono nei nostri contesti familiari. Piazza Santa Francesca Romana, Giovedì 27
giugno, ore 18:35.

● PRIDE 7 E LA SFIDA DEL G7, un talk sui diritti LGBTQIA+ e i diritti umani in un mondo globale. Il Pride 7 è il gruppo che raccoglie le principali associazioni LGBTQIA+ dei 7 paesi del G7, con l’obiettivo di incoraggiare i Paesi membri del G7 di garantire il rispetto dei diritti delle persone LGBTQ+ e ad assicurare che le questioni LGBTQ+ emergano come un punto chiave dell’agenda per la discussione e l’azione in tutti i futuri vertici del G7. Ne parliamo con Akira Nishiyama, vice presidente di Japan Alliance of LGBT legislation e rappresentante del P7. Piazza Santa Francesca Romana, Giovedì 27 giugno, ore 19:25.

● SHANGAI PRIDE E I DIRITTI LGBT+ IN CINA. Un evento con testimonianze di attiviste di Shanghai PRIDE e unə rifugiatə queer. Il fotografo Shawn Zhang presenta anche il progetto “Better Together” che offre uno sguardo intimo sulla vita delle persone queer cinesi. Piazza Santa Francesca Romana, Giovedì 27 giugno, ore 19:55.

● COME È CAMBIATO L’ORGOGLIO LGBT+? Con il format MyGen per l’occasione dal vivo in piazza, un dibattito incentrato sul confronto intergenerazionale fra attivisti su cosa sia cambiato del movimento LGBTQIA+ e delle esperienze delle persone della comunità. In collaborazione con VD News. Quali differenze o punti in comune emergeranno? Piazza Santa Francesca Romana, Giovedì 27 giugno, ore 20:55.

● RACCONTI DAL MATRIX. Le persone transgender vengono spesso raccontate nei media attraverso pregiudizi, luoghi comuni, visioni distorte e transfobiche. Approfondiamo come lavorare per una corretta narrazione, anche grazie a persone transgender che con il loro lavoro nel settore portano un cambiamento
positivo. A cura di ACET (Associazione per la Cultura e l’Etica Transgenere), con Arono Celeprin, Jessica Giorgia Senesi, Cristina Bugatty e Clotilde Petrosino. Piazza Santa Francesca Romana, giovedì 27 giugno, ore 21:45.

● QUEER FAMILIES. NUOVE PROSPETTIVE SULLA FAMIGLIA. La famiglia nucleare è davvero l’unico modello perseguibile? Quali nuovi orizzonti si prospettano e quali possibilità ci sono già oggi? Decostruiremo la famiglia in un’ottica decisamente queer, andando a indagare se e come ripartire da quelle macerie, quali scenari e nuovi cammini si aprono e la loro reale praticabilità dal punto di vista legale. Piazza Santa Francesca Romana, Venerdì 28 giugno, ore 17:30.

Progetto Speciale: IL PRIDE IN TUTTI I SENSI. Partendo dal concetto di inclusività a 360° il Milano Pride abbraccia a pieno tutte le comunità e trasforma l’accessibilità da un semplice servizio a dei veri e propri contenuti. Per questo in Pride Square la bandiera arcobaleno potrà essere esperita con tutti i sensi, non solo la vista – ma anche con tatto, gusto, udito. Sarà presente infatti l’installazione artistica Emozioni Tattili di Arman Avetikyan con sei totem arcobaleno composti da tessuti di diverse consistenze, che rimanderanno ai significati dei colori e delle loro emozioni. La gelateria Wally preparerà un gusto di gelato rainbow con diverse consistenze e sapori, invitando le persone a indovinare gli ingredienti con un piccolo contest. Infine verrà presentato l’innovativo The Sound of Pride: i sei colori della bandiera diventano musica. Grazie a una collaborazione con TBWA\Italia, le frequenze dei colori sono state tradotte in musica permettendo alle persone con disabilità visive di sentirsi pienamente incluse, e vivere
attraverso la musica, un momento corale. Il progetto è stato realizzato grazie anche al biofisico quantistico Daniele Gullà e allo studio di produzione Human Touch Music di Alessandro Branca e Serena Menarini. Il brano sarà poi reso disponibile sul sito del Milano Pride.

• The sound of pride nella sua parte classica sarà interpretata dall’Orchestra Sinfonica di Milano. Il brano sarà presentato live mercoledì 26 giugno alle 18 in piazza Lavater.
IL RAINBOW SOCIAL FUND “Il Rainbow Social Fund è un modo per tradurre l’energia della partecipazione del Milano Pride in azioni concrete per costruire una società più aperta e generosa, intersezionale e proiettata verso il futuro.” Commenta Alice
Redaelli, Presidente di CIG Arcigay Milano. “Grazie ai fondi raccolti in occasione del Milano Pride siamo in grado di rispondere ai bisogni di chi è ai margini, finanziare servizi rivolti alla comunità LGBTQIA+ ma anche dare gambe a attività sociali, culturali, artistiche e che pensano al futuro. La lotta per i diritti passa anche dalla
solidarietà, e questo è possibile solo grazie alla generosità di chi ci supporta.”

Tra i progetti sostenuti dal Rainbow Social Fund ci sono Casa Alba per donne senza fissa dimora, housing assistito per i richiedenti asilo politico LGBTQIA+, assistenza legale per le vittime di violenza omotransfobica, il progetto Milano Checkpoint dedicato alla salute e alla prevenzione, il MIX Festival, la piattaforma PESSIMA Art che promuove e supporta artisti transgender e non binary, l’iniziativa Milano per gli alberi che mira a ripristinare del patrimonio del verde pubblico in seguito al nubifragio di luglio 2023, e ACETeam, la squadra di calcio di persone trans.

MILANO PRIDE 2024 LA PARATA + EVENTO

Nel pomeriggio di sabato 29 giugno torna la grande parata tra le strade di Milano. Centinaia di migliaia di persone coloreranno le vie della città.
IL PERCORSO – L’inizio del concentramento sarà alle ore 15.00 in via Vittor Pisani, davanti a Piazza Duca d’Aosta di fronte alla Stazione Centrale. Il corteo parte da piazza Repubblica alle 15:30 per continuare lungo via della Liberazione, connettersi a via Melchiorre Gioia e raggiungere piazza XXV Aprile, i Bastioni di Porta Volta e viale Elvezia.
Giunto di fronte all’Arena, il tragitto continua lungo viale Byron, viale
Melzi d’Eril, e corso Sempione per concludere all’Arco della Pace.

Dal grande palco in Arco della Pace si leveranno le voci delle associazioni, le
richieste della comunità LGBTQIA+ e le rivendicazioni degli attivisti, oltre ai saluti delle istituzioni e a momenti di intrattenimento. A seguire celebreremo il Pride in piazza con la musica di artisti che supportano i valori di Milano Pride.

● I presentatori della serata sono Marta Pizzigallo, Edoardo Zaggia, Francesco Cicconetti, Kaze e Fabrizio Colica.
● Gli artisti che si altereranno sul palco sono: Orietta Berti, La Cesira, Clara, Daniele Gattano, Michele Bravi, Gianmaria, Karma B, N.A.I.P., Debora Villa, Ditonellapiaga, Ricchi e Poveri, BigMama, Beatrice Quinta, Sethu, Gaia, Chadia e Francesca Michielin.

PRIDE MIX Fest – Tutte le iniziative del FESTIVAL MIX

Il Pride del MiX Fest sarà un viaggio itinerante in città! Abbiamo preparato una line up di eventi e proiezioni a giugno e luglio, vieni a trovarci! •⁠  ⁠ Film in realtà aumentata! 4 cortometraggi queer in virtual reality, per la prima volta a Milano.

18 e 19 giugno al Palazzo del Cinema, walk in dalle 17 alle 23, info e prenotazioni qui: https://bitly.cx/UkQl •⁠  ⁠

Cinema all’aperto a Dergano: il 19 giugno DJ set dalle 18:30 e poi ore 21:30 Deserto Particular al Nuovo Armenia, introdotto dalla nostra senior programmer Margherita Ghetti, info e prenotazioni qui: https://bitly.cx/m6VzK •⁠  

⁠ 26 giugno, proiezione di Kokomo City in Santeria Toscana con talk e DJ set di David Blank a seguire, evento in collaborazione con MUBI e My Queer Blackness My Black Queerness: biglietti a breve disponibili su DICE!•⁠  

⁠ Ci troverete anche in Pride Square (piazzale Lavater) il 27 e il 28 giugno dalle 17 alle 24, quartier generale del Milano Pride: presenteremo il MiX38, sarà possibile fare la tessera 2024 e acquistare il nuovo merch a tema #noshame.

Ci sarà musica, talk, drinks, ricchi premi e cotillon! •⁠  ⁠ A luglio, cinema all’aperto amore mio: ogni giovedì in collaborazione con Anteo presenteremo un film a tema queer della rassegna estiva AriAnteo a City Life. Info e prenotazioni sul sito del Palazzo del Cinema: https://bitly.cx/ppp5 

Buon Milano Pride 2024 a tuttə!

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Thinking Blind è una riflessione sull’uomo, vittima e carnefice del suo stesso stare sulla terra, sulla contaminazione di se stessi e del mondo, sul procedere implacabile del tempo. Ma è anche uno spettacolo sulla malattia, sull’HIV, sulle epidemie lecite e illecite, sull’omosessualità, sulla lotta per i diritti civili e sugli atti creativi come forme di resistenza.

Fight the fear of the Beginning, the Middle and the End!, recita Tilda Swilton in Blue: creare atti di resistenza alla decadenza e all’orrore, per (ri)costruire – come fece Jarman – il giardino perduto dentro di noi o quanto meno tentare di renderlo concreto nel nostro agire sulla terra.

Lo spettacolo si sviluppa su molteplici piani comunicativo-linguistici in cui le partiture visiva, sonora, performativa e drammaturgica si intrecciano tra loro rendendo la narrazione poetica e intima, anche grazie all’ascolto in cuffie wireless.

Nonostante in Blue sia predominante l’assenza di visione in favore dell’ascolto, la performance sviluppa una forte componente visiva ispirata a immagini iconiche e alla simbologia delle arti visive e pittoriche.

• Regia Ivonne Capece
• drammaturgia Ivonne Capece
• con Giulio Santolini, Ivonne Capece
• costumi e concept visivo Micol Vighi
• Sound designer Simone Arganini
• foto di scena Luca Del Pia
• performance in cuffie wireless 

Lo spettacolo, parte della rassegna Itaca. Occhio al futuro, è FINALISTA BIENNALE COLLEGE TEATRO 2021 – Sezione performance internazionale Under40.

KISS ME AGAIN: Tra cinema, teatro e mondo LGBTQIA+

Talk diretto da Diego Vincenti – giornalista per Hystrio e Il Giorno, in programma sabato 20 aprile dalle ore 17.30.

Interventi di:

• Bruno Fornasari e Tommaso Amadio – direttori artistici del Teatro dei Filodrammatici di Milano
• Michele di Giacomo – direttore artistico di Lecite Visioni Festival Teatrale LGBTQIA+
• Priscilla Robledo – co-direttrice artistica di Mix Festival di Cinema LGBTQ+ e Cultura Queer
• Mauro Giori – docente di storia del cinema e autore del saggio Omosessualità e cinema italiano. Dalla caduta del fascismo agli anni di piombo
• Ivonne Capece – direttrice artistica del Teatro Fontana, regista e performer.

Ingresso libero fino a esaurimento posti; prenotazione consigliata scrivendo a stampa.fontana@elsinor.net

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Per chi non conoscesse i Gossip, la band è stata fondata nel 1999 nella città di Olympia, Washington, da Beth Ditto (voce), Brace Paine (chitarra) e Hannah Blilie (batteria). Con il loro mix esplosivo di punk rock, indie e dance-punk, hanno rapidamente catturato l’attenzione del pubblico e della critica, diventando uno dei gruppi più iconici degli anni 2000.

Dopo una pausa di qualche anno dedicata ai progetti solisti e alle esplorazioni artistiche personali, i membri della band hanno deciso di riunirsi per creare qualcosa di veramente speciale. Il risultato è “Real Power”, un album che riflette l’energia travolgente e la passione senza limiti che hanno sempre caratterizzato i Gossip.

L’album dei Gossip si apre con “Act of God”, una delizia space-age soul in cui i cori stregati e le tastiere tormentate accompagnano lo strazio di Beth Ditto, fresca di divorzio da sua moglie Kristin Ogata.

Seguendo questo inizio esplosivo, “Real Power” continua a esplorare una varietà di temi, dall’amore e dalla perdita alla politica e all’identità personale. I brani iniziali catturano l’essenza della ribellione e della determinazione, mentre altri offrono momenti di intimità e vulnerabilità.

Ciò che rende “Real Power” così straordinario è la sua capacità di mescolare suoni e stili in modi sorprendenti e innovativi. I Gossip dimostrano una volta di più la loro versatilità, spaziando dal punk furioso al pop irresistibile senza mai perdere la loro identità unica.

Ma è la voce di Beth Ditto a dominare veramente l’album, trascinando l’ascoltatore in un viaggio emozionante attraverso ogni traccia. Con la sua gamma vocale impressionante e la sua presenza magnetica, Beth si conferma come una delle voci più potenti e carismatiche della musica contemporanea.

“Real Power” è un album che non solo soddisferà i fan di lunga data dei Gossip, ma che attirerà anche nuovi ascoltatori con la sua freschezza e la sua audacia. È un promemoria del potere della musica di connettere, ispirare e muovere le masse.

In un’epoca in cui il mondo ha più che mai bisogno di unione e di speranza, i Gossip si ergono come un faro di luce e di energia positiva. Con “Real Power”, la band si conferma come una forza da non sottovalutare nella scena musicale contemporanea.

I Gossip suoneranno a Milano il 23 giugno al Magnolia Summer 2024. Per comprare i biglietti clicca qui

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Classe ‘86, cresciuto in una realtà artisticamente sterile dopo il liceo si iscrive allo IED nel corso di fotografia. Da sempre vicino alla musica inizia la sua carriera documentando fotograficamente i Marlene Kuntz dal 2008  al 2012 passando poi per l’etichetta Sùgar. 

Gradualmente si avvicina al mondo della moda e a quello del video e nel 2013 scrive e dirige “Nothing more than whispers” un fashion film che Diane Pernet sceglie per il festival ASVOFF6 in programma al Centre Pompidou di Parigi.

Dal 2016 collabora con Grazia Italia realizzando video editoriali con le celebrities protagoniste della cover story del magazine oltre a firmare svariati fashion video per Armani, Pinko, Shiseido, Replay e Bulgari. 

Il suo primo cortometraggio Mèmori si è aggiudicato al Montecatini International Film Festival ‘23 il premio come Best Italian Film e ha vinto la miglior sceneggiatura al Milano Short Film Festival ‘24. Lo abbiamo intervistato:

Come è nata l’idea per questo corto?

Prima di tutto volevo fare qualcosa per me in cui potessi sperimentare tecnicamente e narrativamente, ma mancava la storia.

Un giorno sono capitato al Giardino Carmelo Bene a Milano, dove poi abbiamo girato la prima scena, e pensai che sarebbe stato bello girare lì una storia ambientata nel futuro ma che avesse degli echi del passato.

Ho cominciato a scrivere quasi a flusso di coscienza e poi dopo qualche mese ho ripreso in mano quegli appunti e ho cominciato a dare nomi, motivazioni e soprattutto un passato ai protagonisti.

Memorì, perchè?

È una storia che ha a che fare tantissimo con la memoria. Internet ad esempio gioca in ruolo fondamentale in questo corto e viene raccontata come “la memoria collettiva del mondo”. Jo (Marco Curci) Non riesce a lasciar andare nulla è quasi ossessionato dal suo passato. E poi c’è Jeremie (Gian Mattia Baldan) che ha “meno ricordi di un bambino di sei anni”

Ci sono molti dialoghi in Memori come ti sei approcciato alla sceneggiatura?

Cazzo parlano davvero tantissimo quei due. La prima metà del corto racconta dei primi momenti che loro due passano insieme. Volevo che risultasse vero, che si arrivasse al punto fondamentale della storia  in maniera realistica.

Avrei potuto mettere un cartello in apertura del film per dire al pubblico in che mondo si sarebbero trovati davanti ma era troppo facile.

Perchè hai scelto il bianco e nero?

Il bianco e nero è stata una scelta quasi obbligata. Dovendoci arrangiare con quello che avevamo a disposizione ci permetteva di rendere tutto più omogeneo. Ma è stato divertente perché con una luce sola potevamo creare tantissimo in bianco e nero.

Simone Biagini, il direttore della fotografia ha creato delle immagini che quasi stanno in piedi per sottrazione, molto grafiche, e ha messo in freno al mio barocchismo che ogni tanto prende il sopravvento.

Come hai scelto le musiche, e la canzone della scena con i fuochi d’artificio?

Le musiche strumentali sono state composte apposta per il corto da Brian Matichecchia, un caro amico di Fabrizio rabacchi, il nostro fonico. Abbiamo passato 10 ore in collegamento con lui che sta a Sheffileld, a sperimentare.

La prima traccia ha un piglio più Jungle, che è una Suono che forse non ti aspetteresti, la traccia del monologo di Aurora (Benedetta Canziani) invece ha campionamenti di modem e altre apparecchiature elettroniche.

La canzone della scena centrale invece era negli archivi di Brian da tempo, stava aspettando il progetto giusto per poterla usare e  appena l’ho vista sulle immagini ho pensato che fosse nata per stare in Mèmori.

La scena più difficile da girare?

La scena finale. In quota durante una tempesta a -5 gradi. Ma è stato anche divertentissimo. Con noi c’è stato sempre Damiano Lilliu che ha fotografato il backstage e ha documentato lo sbattimento e l’energia che si era creata tra tutti noi.

Ci sono tutte le tue radici in questi corto, confermi? 

Il mio prof di sceneggiatura all’università mi ha insegnato che non bisogna raccontare mai quello che non si conosce, quindi ho infarcito i personaggi di parti di me.

Le mie manie, come mi comporto in determinate situazioni, il mio passato, certi modi di parlare. E poi ci sono le mie radici visive, alcune ben nascoste, altre più visibili. Bergman, Lynch, Kassovitz, Noe e Carax.

Cosa è sexy per te?

Il profumo di crema solare sulla pelle. Sa di estate e possibilità inesplorate

La tua scena lgbt preferita di sempre?

Il monologo di Agrrado in “Tutto su mia madre” di Almodovar. “costa molto essere autentica signora mia… e in questo non bisogna essere tirchie, perché una più è autentica quanto più somiglia all’idea che ha sognato di se stessa.”

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Il 2023 è stato un anno importante per Shygirl, il suo secondo album “Nymph” (Because Music) ha ricevuto una nomination al Mercury Music Prize, il più prestigioso dei premi Uk, ha aperto con un dj set al Wembley Stadium della sua Londra il “Renaissence Tour” di Beyoncé, e “Nymph” si è mutato in “Nymph_o”, un rework che vede coinvolti ospiti del calibro di Bjork, Tinashe, Sevdaliza, Eartheter e Arca.

Se non l’avete ancora capito Blane Moise, questo il suo vero nome, è una delle artiste più rilevanti della scena Uk contemporanea amata dalla comunità queer; il nuovo singolo “thicc” si muove tra sonorità house anni ’90 e vocals hyper-pop, e sarà preludio di un nuovo EP in arrivo nel nuovo anno, ne abbiamo parlato via zoom:

Ciao Blane, come stai?

Eccitata! Non vedo l’ora di venire a suonare a Milano sarà il mio primo show da headliner, son già stata in città diverse volte per la fashion week e ho aperto una volta il concerto di Myss Keta, quindi non vedo l’ora di performare il mio album per voi!

E’ la seconda parte del mio tour, sarà una celebrazione e allo stesso tempo la chiusura dell’era di “Nymph”.

Cosa dobbiamo aspettarci dal tuo show?

Tanta energia positiva, è la mia occasione di stare vicino al mio pubblico e sono anche molto curiosa di capire chi sono i miei fans, voglio che mi vedano anche come una persona e non solo come un personaggio, è la mia chance per godermi il momento, suonerò anche qualche canzone nuova…

Quando un tuo concerto finisce, cosa vorresti si portasse a casa il tuo pubblico dall’esperienza?

Vorrei si sentissero ispirati, energici, ma non solo a livello fisico, vorrei che capissero che se vogliono possono fare realizzare i loro desideri. Ricordo una volta prima di fare musica, uscita dal concerto di un artista ho pensato: “se può farlo lui posso anche io“, rimasi ipnotizzata dalla sua trasformazione sul palco e pensai: “voglio provare questa libertà di sentirmi libera e trasformarmi in cosa voglio su un palcoscenico”.

Amo quando ai miei concerti le persone credono in loro stessi e mi parlano della loro musica o me la lasciano sul palco da ascoltare, credere nelle possibilità di ciò che vuoi diventare è quello che più mi piace.

Quest’anno sei stata invitata da Beyoncé ad aprire con un dj set una data del “Renaissance Tour” al Wembley Stadium, com’è stato?

Avevo i piedi che non toccavano terra quando mi è stato proposto, anche perché non me lo aspettavo per niente! E’ stato un’onore ed un’esperienza emozionante, mi hanno lasciato carta bianca nella scelta dei pezzi, ero in mezzo alla gente al livello del prato quindi avevo tutti gli occhi puntati addosso da uno stadio, è stato strano.

Il team di Beyoncé è il più gentile e professionale che abbia mai incontrato, non è scontato vedere quando un artista di quel calibro ha un entourage così premuroso nei confronti dei suoi ospiti. Beyoncé è sempre stata fonte di grande ispirazione per me, vorrei vederla protagonista di un TED Talk.

Quest’anno hai pubblicato “Nymph_o” un album di remix e rework di “Nymph” uscito nel 2022, hai coinvolto artisti incredibili ma vorrei sapere come è stato lavorare con Bjork?

Ero molto nervosa, anche perché inizialmente è stata lei a contattarmi per fare il rework di un suo pezzo, “Ovule” remixato da Sega Bodega, però questo incontro mi ha dato il coraggio di chiederle di collaborare con me a sua volta!

E’ una persona adorabile, ma avevo paura non le piacesse il pezzo anche perché la musica di Bjork ha un range così vasto che espormi al suo cospetto mi faceva paura… avevo i nervi a fior di pelle!

Invece mi ha risposto dicendomi direttamente su cosa stava lavorando per rimaneggiare la canzone, è stato incredibile mandarsi file avanti e indietro con un’artista che stimo così tanto e che ho sempre preso come esempio anche per la sua integrità artistica.

Restando in tema remix, la versione di “Shlut” con Sevdaliza è incredibile, l’aggiunta della chitarra acustica ha dato un nuovo twist al pezzo!

Amo Sevdaliza, spero di lavorare ancora con lei per le mie canzoni in futuro. Ci sono molti artisti che stimo e che m’ispirano ed è stato anche la possibilità di poter dare spazio alla loro creatività se è nato “Nymph_o”.

Questi rework delle mie canzoni sono stati una collaborazione a tutto tondo, ho chiesto a ciascun artista coinvolto quale fosse la canzone del disco con cui si sentiva più connesso a cui avrebbe potuto aggiungere qualcosa e così hanno portato le mie canzoni in nuovi territori, espandendo la mia visione.

Se penso a te e agli artisti che hai coinvolto vedo una generazione che ha cominciato e ridefinire l’amore, la tua musica incanala l’idea che l’amore e l’intimità non sono solo riconducibili a relazioni romantiche, sei d’accordo?

Penso che in amore ognuno abbia il suo viaggio da compiere per poter capire veramente cosa si vuole, ma è anche qualcosa in evoluzione, io non sono la stessa della mia prima cotta.

Vedo i miei album come delle capsule del tempo che mi dicono chi ero e cosa mi stavo chiedendo come l’essere amata, mi sono chiesta se fosse giusto manifestare questo desiderio d’amore in quanto donna, sono tutte emozioni che cerco di processare anche per stare meglio.

Hai di recente pubblicato il singolo “thicc feat. Cosha” è il preludio ad un nuovo capitolo più direzionato al clubbing?

La musica clubbing ha sempre fatto parte del mio dna, mi piace spingere me stessa e sperimentare musicalmente in ogni lavoro che faccio; “thicc” è stata scritta nello stesso periodo in cui ho scritto “Coochie” e altri pezzi di “Nymph”, mi piaceva, l’amavo molto ma non centrava nulla con il disco.

“thicc” è un pezzo pop divertente da ballare, così l’ho ripescata per questo nuovo progetto che sarà composto da 6 pezzi, che sono demo mai pubblicate che suono sempre durante i mie dj set e durante i miei house party, i miei amici le conoscono benissimo queste canzoni!

Hai un’estetica molto curata e definita da sempre, dai tuoi look, agli artwork, ai visual, è dovuta anche al tuo background da fotografa?

Sicuramente e anche perché sono una persona molto curiosa, ma penso che l’arte che più m’influenza sia il cinema. La vita è come un film e devi convogliare emozioni e significati come se fossero tante sue scene, non si tratta solo di sentirsi composta e apparire bella, voglio provare qualcosa e spero che le persone sentano a loro volta qualcosa.

Ora sono curioso di sapere quali film ti piacciono!

Io e il mio fidanzato guardiamo tantissimi film! Di recente ho visto questa commedia americana che s’intitola “Bottoms” che è super divertente, mi piace vedere come le donne si esprimono, non c’è un solo modo di essere donne e in questo film ci sono due antagoniste che sovvertono gli stereotipi della commedia americana degli anni novanta.

Non mi prendo mai troppo sul serio, ho visto anche “Love Hurts” di recente ahahahahah! come nelle mie canzoni quando parlo di qualcosa che m’infastidisce cerco sempre di parlarne con gentilezza. Ho anche un cane ed ogni tanto compare in qualche mio brano!

Qual è la canzone che ti piace di più suonare durante un dj set adesso?

Una canzone mia che non è ancora uscita ma che farà parte del nuovo EP, è dark e sexy è il mio gay club anthem si chiama “Faith” e il testo parla di divertirsi, di travestirsi per essere favolosa anche per una sera, parla di parrucche, tacchi, di sentirsi sexy e credo sarà il prossimo singolo.

shygirl shygirl shygirl shygirl shygirl shygirl shygirl shygirl shygirl

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Ad aprire la kermesse la poesia di Antonio Marras, il designer sardo che punta tutto sull’emozione, sulla forza delle donne partendo da Grazia Deledda come riferimento.

Grazia Deledda è un personaggio che non avevo mai avuto il coraggio di sfiorare, che ho sempre ammirato da lontano per pudore ma questo mi sembrava il momento giusto per raccontare la storia di come una donna determinata può raggiungere i suoi obiettivi.

Antonio Marras

Grazia Deledda nasce a fine Ottocento, ha la quarta elementare, decide di fare la scrittrice e si trasferisce a Roma dove sposa un uomo che diventa il suo segretario: con costanza, forza e determinazione alla fine ottiene il premio Nobel nel 1926 per la letteratura.

Per raccontare questa storia che, come sempre per lo stilista, parte dalla Sardegna, Marras ha disegnato una collezione “nuragico-moderna, arcaico-contemporanea”. In passerella, cappotti e abiti realizzati come antichi tappeti sardi, maglioni di lana grossa incrostati di pizzi e ricami, stampe floreali e pantaloni-calza, completi di broccato e maxi felpe portate con il kilt lungo per tutti.

Diesel da sempre combatte per la democrazia e non è solo la montagna di 200.000 preservativi che fa da scenografia ad una collezione libera, piacevole e sperimentale il cui punto di partenza è la sex positivity.

Glenn Martens poco alla volta sta portando il brand di Renzo Rosso verso un mondo più couture senza dimenticare lo streetstyle e il clubbing. Il suo approccio ironico ma riflessivo non è da sottovalutare.

Insoddisfazione, inadeguatezza, disagio esistenziale e il tipico atteggiamento di chi è abituata alla nonchalance: più che l’abito può l’attitude misto al linguaggio del corpo che da solo racconta e abbatte i cliché trasformando le regole in possibilità di cambiamento, stravolgendo le abitudini e i riferimenti che perdono il loro significato primo.

La collezione di n21 by Alessandro Dell’Acqua mette in crisi le certezze e mette in discussione abiti e luoghi d’abitare (che poi sono i vestiti stessi) riempiti di cultura e di abitudini culturali che segnano la vita e la moda nel nostro contemporaneo.

In sottofondo la voce di Monica Vitti, negli abiti la sensualità e la femminilità di Jeanne Moreau e le contraddizioni rinchiuse tutte dentro la nuova borsa, Edith che è desiderabile senza avere l’arroganza di voler diventare una it bag. 

Alessandro Dell’Acqua ha iniziato a lavorare pensando a due figure femminili create dal cinema degli anni Sessanta ma che sembrano caratterizzare molto i nostri tempi. Monica Vitti e Jeanne Moreau nel film La notte, ma anche la sola Vitti in Deserto rosso, di Michelangelo Antonioni.

Sono gli anni della messa in discussione e dell’insoddisfazione provocata dai traguardi sociali raggiunti. Ma anche quelli della scoperta della sensualità, perfino dell’erotismo, insieme all’uso spregiudicato per l’epoca – della scaltrezza e della perfidia. Sono gli anni in cui cliché della provincia italiana e della media borghesia si sgretolano messi di fronte a un mondo in mutazione. Certo, poi ci sono riferimenti al periodo d’oro di Prada e di Lang ma ci stanno tutti perché non sono urlati, non sono copiati, sono omaggi.

Oggi al designer interessa lo stesso atteggiamento che ricerca il nuovo senza nascondersi nella comodità delle certezze e per questo ha messo insieme molti cliché del guardaroba femminile per meglio identificarli, stravolgerli, abbatterli o semplicemente sdrammatizzarli. In questo modo Dell’acqua sceglie di lavorare non attraverso le forme e volumi ma dando ai vestiti la possibilità di mettersi al servizio di un linguaggio del corpo molto libero che così diventa automaticamente anche molto sofisticato. BRAVO.

A quanto pare la sartoria è il “nuovo” Graal della moda e questo vuoldire che MM6 è sulla buona strada. Il team di creativi per la prossima stagione ha presentato pezzi ibridi su misura, stratificati di cultura, umanità e poi decostruiti/ricostruiti.. come fosse un best of degli insegnamenti di Martin.

Da sempre il team di creativi di MM6 ha delle regole ben precise tra cui quella di avere sette modi diversi per interpetare il concetto del gruppo di tre (modulazione di assemblare e smontare i capi dando loro diversi significati e funzioni).

Ora, anche se alcuni pezzi sembravano piuttosto elaborati i risultati li ho trovati interessanti per via della loro realtà concettuale. Il compito di MM6 è quello di rendere i vestiti cool ma comunque indossabili per questo non gliene frega niente di finire sulle riviste patinate ma di essere indossati dalle persone vere perché la moda deve scatenare emozioni.

Va precisato che MM6 non ha un atelier, lavora industrialmente e che il più delle volte utilizza materiali umili e molto semplici perché come ai tempi di Martin il tutto è creato da molte persone poiché si tratta di umanità e va costruita insieme. 

La prima volta che vidi uno show di Marco Rambaldi (credo il primo) piansi, ricordo di avergli scritto personalmente dicendogli che in lui vedevo la speranza di una rinascita della moda italiana, una novità, una via d’uscita dallo stereotipo. 

Col tempo ho cambiato idea, penso sempre che abbia grande talento ma penso anche che le persone intorno a lui non lo stiano aiutando a metterlo in mostra. 

La sua ultima collezione, Supernova, Non ha brillato come il nome suggerirebbe anzi l’ho trovata piuttosto sottotono. I riferimenti al Cocoricó non hanno legato bene la storia che forse il designer voleva raccontare.

Pochi colori, stampe opinabili, a salvare il tutto le pelli recuperate dal deadstock e il lavoro magistrale sulla maglieria, infatti è finalista del woolmark prize 2023.Si può fare di più e Marco ha tutto il tempo per farlo. 

Kim Jones da Fendi inizia a perdere colpi, o forse la bussola del suo Apple Watch non funziona più benissimo. La collezione per il prossimo autunno/inverno è tutto un gioco di archivi, di Karl Lagerfeld e di tirate di orecchie da parte di Silvia Venturini Fendi.

In passerella look per certi versi severi, spesso colorati e molto lineari. Ci sono le stampe del 1996 e alcuni disegni di Lagerfeld dell’81, poi ci sono le gonne tagliate a metà e altre che si allargano ai lati per via di alcuni pannelli e qui Karl si sente ancora fortissimo. Le borse, vero fiore all’occhiello del brand, questa stagione pare passino in secondo piano. Kim cosa devo fare con te?

Marco De Vincenzo mi è sempre piaciuto perché ha sempre fatto le cose a modo suo. Il suo lavoro da Etro, iniziato da pochissimo, lo vedo più come uno studio di estrazione, una ricerca del suo io più creativo. 

Questo significa che il ragazzo di Messina è disposto a scendere a compromessi con l’eredità di un brand dall’estetica bohemien anni ‘70 accostato alla precisione strutturata e geometrica tipica del designer a cui ci ha abituati dal 2010 con la sua linea omonima, purtroppo oggi fuori produzione.

La nuova collezione si chiama Radical Etro e Marco come un archeologo affronta il passato per scoprire la luce del suo futuro. 

In passerella abiti romantici molto etro ma con il tocco di Marco e cappotti con accenni che richiamano i copriletto (qui il collegamento con la collezione molto domestica presentata a gennaio) Per De Vincenzo, migliorare la competenza tessile di Etro “è un dovere”.

A tal fine, ha intervallato numeri di chiffon ariosi con tute slim-fit con stracci allungati, tagliati in ricchi broccati del XVIII sec. o cappotti realizzati in trame a maglia multicolor malleabili a doppio petto, la prova inconfutabile che Marco rispetta il brand ma non è succube. Marco De Vincenzo non è cambiato, ama il rischio anche se non è un sovversivo. E oggi niente è più radicale di questo. 

Andrea Incontri da Benetton porta in passerella l’idea della serialità e del ciclo che si ripete dando alla collezione il titolo di Infinity.

Nel ciclo della ripetizione della moda, l’infinito definisce perché, come indica il suo segno (un 8 sdraiato in orizzontale) è un percorso che non ha mai fine: come Benetton, che nato nel 1965 ha percorso cicli su cicli per arrivare a questa collezione che è il secondo appuntamento di Andrea Incontri, designer sottovalutato ma con un grande potenziale.

Sono convinto che l’approccio del nuovo direttore creativo che ha il compito, seppure non dichiarato, di riportare Benetton a quella notorietà che l’ha portato a rappresentare la moda possibile all’Italiana ancora prima della nascita del pret-à-porter e del made in Italy possa funzionare.

Filippo Grazioli alla sua seconda collezione da direttore creativo di Missoni convince sempre di più.

Se alla sua prima ho scritto che mi sarebbe piaciuto vederlo giocare con i codici della casa con un approccio più libero e audace, senza paura posso dire di essere stato accontentato.

Per la sua nuova prova per Missoni, parte da una fioritura di rose incontrata in archivio.

Ho visto le cartella stampa scritta da Anna Piaggi per una sfilata del 1984. Parlava delle rose e della storia d’amore tra Rosita e Ottavio Missoni.

Filippo Grazioli

Lo show si tiene a Palazzo Mezzanotte e varcato l’ingresso anni 30, si entra in una sala dagli sgabelli circolari con velari di tela dalle rouches, in tre curve continue. Sui seat, ma anche su alcuni inviti la scritta, «Do you remember the first kiss?». Lo show parte e subito si respira aria di evoluzione.

La sua una donna che nella molteplicità trova se stessa, in bilico tra le silhouette che segnano il corpo e lo allungano e i volumi decisi che lo avvolgono nel tailoring di ispirazione mannish.

Il gioco delle proporzioni è costante, nei capi e nei disegni, nel micro e macro che continuamente si congiungono e alternano, dai blouson ai fiammati, fino al famosissimo e ai noioso zig-zag.

Fiammati, zig zag i e poi un tripudio di rose, finanche selvagge quando fuse con macchie animalier.

Giustissimo lo styling di Lorenzo Posocco, uno tra i pochi stylist in Italia che sa come fare il suo lavoro. Bellissime le borse che ricordano i codici della casa e che potrebbero, finalmente, far entrare Missoni nell’universo sempre più vuoto degli accessori. Bravo!

Matthieu Blazy è per me uno tra i migliori nuovi designer in circolazione. Sa tagliare un abito, dare un senso di novità e appeal a qualcosa che visto fino a ieri sembrava irrilevante.

Questa nuova visione di Bottega Veneta è praticamente perfetta, il designer ha il potere di ribaltare ogni pensiero che si ha sulla moda che vediamo oggi. Blazy riesce ad arrivare al punto in cui il desiderio della moda incontra la necessità del vestito e manda in scena una collezione che riesce a raccontare tutte le tensioni del presente.

Se poi mixi l’incontro tra la classicità del passato e l’urgenza futurista di Boccioni che spiega non solo la voluta dissonanza dei vestiti che si incrociano in passerella ma un procedimento creativo che ha del coraggioso in un’epoca di appiattimenti sulle figure rassicuranti, Blazy rischia ma comunque riesce ad indicare un sentiero, una strada, una direzione per un percorso futuro che non ha bisogno di urlare quanto siamo fighi e quanto siamo bravi. A questo giro, il migliore in assoluto.

Che dire di Prada? Per uno come me che ama profondamente il brand di Miuccia oggi è molto difficile dire qualcosa di positivo. Prada non si ripeteva mai, Prada dava sempre lezioni di stile, di moda e di cultura, oggi Prada fa vestiti o almeno è così da quando c’è il badante Raf. Anche la scelta musicale sta diventando banale, i concetti che provano a raccontare qualcosa che è esattamente come le ultime collezioni dal 2020 in poi servono come specchietti per le allodole e per riempire le pagine dei quotidiani finanziati dal gruppo. I fiori applicati sulle gonne, i ricordi di fw14 – fw2007- e le ossessioni di Raf ridotte all’osso per dargli il contentino. Peccato.

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L'articolo MFW Milano Fashion Week, le review delle sfilate proviene da Toh! Magazine.

Diciamo che la transizione è stata abbastanza facile per chi ha una storia; ma che si sta rivelando invece assai più insidiosa per chi, invece, si trova a dover fare i salti mortali per compierla.

È nel punto di equilibrio tra eleganza, sport e comodità che si trova la sintesi di questa tre giorni di moda uomo, settore che sta vivendo così la sua età della Restaurazione, con il ritorno di quei pezzi considerati intramontabili e identitari di ogni marchio, accompagnati da nuove creazioni all’insegna dell’altissima qualità dei materiali, per un lusso realmente esclusivo. 

Ad aprire le danze è stato Gucci che, dopo i sette anni sotto la “geniale” e sovversiva direzione creativa di Alessandro Michele, sta tornando ad un’estetica più classica: la sua sfilata uomo Autunno/Inverno 2023-2024 per via dell’accaduto era la più attesa ma si è rivelata una comprensibile delusione, per non dire flop.

È toccato al team creativo interno all’azienda il compito di raccogliere un’eredità pesante come quella di un creativo a cui si associa il gender fluid non come stile ma come visione di vita.  In tal senso, il ritorno (dopo tre anni) a collezioni separate per uomo e donna è stato già un primo sostanziale e aggiungerei inutile passo. Ecco quindi che il team ha lavorato per sottrazione, consegnando un guardaroba ai limiti dell’anonimato, con declinazioni libere delle tante mascolinità contemporanee che fondono influenze diverse, derivate dagli archivi e da ispirazioni contrastanti, in primis lo streetwear.

Da Fendi solo l’allestimento della sala con i suoi binari aerei che trasportavano sfere argentate creata da Nico Vascellari bastava a far intendere che lo spettacolo e la collezione sarebbero stati ipnotizzanti, e già dal primo look la sensazione era confermata.
Considerando i costosissimi componenti come i cappotti in pelle dipinti a mano e con finiture antiche, giacche in shearling, lunghi giubbotti in pelle plongé, giacche in cashmere intrecciate a mano, borse imbottite con coperte di cachemire e stivali di coccodrillo con tacco cubano impossibile comprare qualcosa con meno di cinque mila euro.

Poiché al di là dell’analisi approfondita della sfilata in superficie era ed è evidente che quella di Fendi è stata una delle collezioni più lussuose di Milano, con una texture morbida nella sua consistenza e avvolgente nelle sue proporzioni generose e nei suoi molteplici strati di tessuti pregiati. 

Tornando ai vestiti si dice che quando Silvia Venturini Fendi viveva a New York negli anni ’80 e lavorava da Bergdorf Goodman, era solita indossare un top monospalla sotto i suoi look da lavoro, in modo da essere pronta per un giro allo Studio 54, o per un giro al Roxy. Ecco rivivere in passerella questi modelli monospalla per gli uomini in aggiunta a maglioni sexy o un’insolita camicia da sera a righe che offre uno scivolone ad ogni passo.

Analizzando la collezione, si trovano pezzi che costeranno come tre anni di affitto di una stanza a Milano in colori sobri e classici come il grigio, l’avena il blu e il nero ma che sono reversibili, così da giustificare il prezzo.

Una collezione meravigliosa ha segnato il debutto di Marco De Vincenzo nella moda maschile di Etro e ha dato prova di un’irresistibile progressione creativa.

In un momento storico in cui gli stilisti appena nominati Direttori creativi di un brand vengono messi sotto pressione per fornire un’immagine definita e d’impatto fin dall’inizio, è molto più interessante vedere un designer che sviluppa la sua visione gradualmente; facendo sentire gli spettatori coinvolti nel processo di scoperta.

A questo scopo, gli ospiti che arrivavano nella fabbrica di Via Orobia potevano vedere e toccare con mano il motivo per cui De Vincenzo si impegna a mettere l’eredità tessile di Etro al centro della sua attività, mentre scaffali e rotoli di campioni di tessuto d’archivio hanno offerto uno sguardo al know-how di Etro.

Se l’allestimento non fosse abbastanza esplicativo, lo stilista ha messo in evidenza modelli desiderabili  e ricchi tessuti nella collezione, aggiungendo una parte della sua storia personale.Prendiamo il primo look: un lungo cappotto di lana con un motivo geometrico all over che riproduceva una coperta di velluto che lo stilista possedeva da bambino.

Come una sorta di talismano, ha guidato una convincente sequenza di maglieria artigianale, capispalla accoglienti e sartoriali, tutti impregnati di una freschezza riconducibile ai nuovi consumer.

Un elemento chiave, il tartan, rimandava ai primi tempi di Etro, mentre i bellissimi maglioni con motivi optical strizzavano l’occhio agli effetti ottici di De Vincenzo. Una reintroduzione del paisley è stata filtrata attraverso la lente dello stilista in tute e abiti-camicia.

Mantenendo le forme non complicate, la silhouette allungata degli anni ’70 aveva accenti grungy. Un altro elemento degno di nota sono i pantaloni da smoking delicatamente ricamati con fiori in vita abbinati  a camicie a quadri per outfit che evocavano il DNA  di Etro senza la necessità di altri riferimenti. Bravo.

DSquared2 e MSGM non pervenuti. Entrambe le collezioni prive di emozioni, ancora una volta fumo negli occhi per nascondere vestiti che servono per coprirsi, per gente convinta che basti il logo su una felpa o un cappellino per trovare un posto nel mondo.

In una stagione maschile milanese povera di emozioni è stato lasciato a Miuccia Prada e Raf Simons il compito di alzare l’asticella oltreché il soffitto.

Gli applausi scroscianti alla fine della loro fantastica sfilata di domenica, che ha visto una collezione austera creata esclusivamente per vendere.”Sartorialità riduttiva, schegge grafiche di stampa e maglia, messi a nudo sulla pelle”, si legge sulle note della sfilata che tradotto significa: Colletti appuntiti e frammenti di maglione abbottonati nelle giacche o nei cardigan, come nuovi dickies, lasciando il petto scoperto. Come tutte le sfilate di Prada, era ripetitiva.

Eppure, è stato difficile trovare difetti nell’impareggiabile sartoria delle giacche, che si contrapponevano a pantaloni sottili e affusolati con pieghe permanenti davanti e dietro.

I capispalla erano sensazionali: cappotti di lana classici fino al midollo tranne che per le quattro cerniere orizzontali bianche – o vivaci nastri lungo le maniche e il carré, che davano loro un tocco visivo; giacche e tuniche in pelle scamosciata, squadrate o sottili, nel più profondo il più delizioso dei colori caramello, e i bomber militari ridotti a uno sbuffo di raso verde o navy, con la fodera arancione come unico dettaglio.

Poi la punta di minimalismo: un giubbotto bianco che assomigliava a un cuscino il cui riferimento è Margiela 1990 e Margiela 1999.
Salvo alcuni colletti a punta, questa collezione è stata completamente priva di stampe, lasciando la parola alla precisione delle forme e combinazioni di colori così desiderabili come limone pallido e giada, cammello e arancio, oppure malva e marrone cioccolato.

Prada e Simons, che di solito prima o dopo lo show rilasciano interviste questa volta hanno detto che il ritorno all’essenziale può essere la strada migliore da percorrere in tempi duri e bui come questo.

“C’è un premio per l’abito più stupido alla settimana della moda maschile a Londra?”, scriveva il  Daily Mail nel gennaio 2013. In testa alla lista c’era quello di Jonathan Anderson.

“Da J.W. Anderson l’umiliazione dei modelli è stata resa completa, dato che lo stilista ha mandato in giro il suo clan di bellezze maschili con pantaloncini a balze”, ha commentato il tabloid britannico non ancora pronto ai discorsi sull’identità di genere.

A distanza di 10 anni, quei pantaloncini sono tornati, questa volta in pelle e con un lucchetto in vita.

Trovo che Anderson sia uno dei più promettenti in circolazione, lo dico da anni e non mi stancherò di dirlo anche se nel complesso, questa collezione è stata povera di nuove idee, e piuttosto povera di abiti: un buon numero di modelli hanno sfilato vestiti solo di soffici slip infantili, alcuni stringendo un lungo rotolo di tessuto di lana, o abbracciando un cuscino.

“Si tratta di intimità, di domesticità, è un riavvio”, ha dichiarato Anderson aggiungendo che il suo marchio è in forte espansione tanto da aprire un nuovo negozio in primavera in Via Sant’Andrea a Milano dove le scarpe con gli occhi di rana arriveranno ad aprile, solo in taglie da adulto.

Se non trovate altre review è perchè evidentemente non mi hanno trasmesso niente, anzi si… Armani con la sua parata eteronormativa mi ha solo arrabbiare e onestamente difficilmente troverà spazio su questo magazine.

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La Milano Music Week torna ad animare Milano dal 21 al 27 novembre. Organizzata per il secondo anno dalla Fondazione Italia Music Lab, la rassegna musicale di quest’anno vedrà due curatori d’eccezione: Colapesce e Dimartino che affiancheranno Nur Al Habash nella direzione artistica dell’iniziativa.

Il programma prevede incontri e appuntamenti imperdibili con artisti dall’Italia e dal mondo, per una settimana all’insegna della musica e dell’intrattenimento. La programmazione comprende tutti i protagonisti del settore musicale di oggi, per questo, abbiamo scelto degli appuntamenti da non perdere tra occasioni di confronto e di puro divertimento.

La nostra selezione di concerti:

Alcatraz: Jack Harlow, Verdena e Bastille

Arci Bellezza: Sissi

BASE Milano – Linecheck Music Meeting and Festival: Cyril Cyril, Bawrut, La Niña, Marina Herlop, Arrsalendo, Tatum Rush, Venerus e Blinky

Circolo Magnolia: Julia Jacklin

Fabrique: La Rappresentante di Lista, Kid Cudi, Alex W, Lost Frequencies, Wolf Alice, Clutch, e Alfa

Forum di Assago: Luchè

Magazzini Generali: Hearthgang

Santeria Toscana: Les Amazones D’Afrique, Night Skinny, Bresh e Emma Nolde

Oltre agli eventi musicali, durante la Milano Music Week 2022, saranno organizzati eventi collaterali tra cui talk e incontri con gli artisti che permetteranno a fan e addetti ai lavori di conoscere meglio l’industria musicale italiana. I biglietti sono disponibili su DICE.

Lunedì 21 novembre

YellowSquare Milan ore 15.30 – 16.15: RADIO ITALIANE E RAP: QUESTO MATRIMONIO S’HA DA FARE?. Intervengono: Ma;eo Villaci, Marta Tripodi, Michele “Wad” Caporosso. Modera: Riccardo Primavera.

Apollo Club ore 17.30 – 18.15: TORNARE AD AMARE I CONCERTI. Intervengono: Laura Marchesi, Pietro Camonchia, Emiliano ColasanQ. Modera: Margherita Devalle.

Martedì 22 novembre

Apollo Club ore 16.30 – 17.15: MUSICA VECCHIA VS MUSICA NUOVA: PER LA GEN Z TUTTA LA MUSICA È UGUALE SE DIVENTA VIRALE. Intervengono: Luca Fantacone, Massimo Ba;aglia, Giulia Lizzoli, Vincenzo Marino. Modera: Andrea Girolami.

Apollo Club ore 17.30 – 18.15: COME TIK TOK STA TRASFORMANDO LA MUSICA. Intervengono: Enrico Pugni, Ma;eo Romano. Modera: Giulio Pasqui.

Mercoledì 23 novembre

Apollo Club ore 14.30: IL FUTURO DELL’INTERNAZIONALIZZAIZONE DELLA MUSICA ITALIANA – ANALISI E PROSPETTIVE. Organizzato da ASSOMUSICA

YellowSquare Milan ore 18.30 – 19.15: L’IMPORTANZA DI RACCONTARE LA MUSICA: ESSE MAGAZINE IN CONVERSAZIONE CON CLAUDIO CABONA. Intervengono: Claudio Cabona, Gabriele Baldassarre, Alessandro Quagliata

Giovedì 24 novembre

Arci Bellezza ore 17.30 – 18.15: A FAR L’AMORE COMINCIA TU, IL SESSO NELLA MUSICA ITALIANA. Incontro curato da Colapesce e Dimartino.

Venerdì 25 novembre

Apollo Club ore 16.30 – 17.15: FIGHT FOR YOUR RIGHT (TO PARTY). Intervengono: Francesca Barone, Diletta Polleri, Federico Rase\. Modera: Letizia Angelini.
Apollo Club ore 17.30:
LEADERSHIP FEMMINILE NELLA MUSICA ITALIANA.

Sabato 26 novembre

YellowSquare Milan ore 17.00: COME SI ORGANIZZA UN FESTIVAL DA ZERO. Workshop Italia Music Lab. Intervengono: Stefano Pharm, Nahid Aliyari. Modera: Chiara Gallerani.

Domenica 27 novembre

YellowSquare Milan ore 14.30: DALLA TEORIA ALLA PRATICA: COSA FA IL MANAGER. Workshop Italia Music Lab. Interviene: Filippo Giorgi. Modera: Riccardo Primavera.

YellowSquare Milan ore 17.00: DALLA TEORIA ALLA PRATICA: COSA FA L’AGENTE DI BOOKING. Workshop Italia Music Lab. Interviene: Mariasiria MarQni. Modera: Chiara Gallerani.

Incontri con gli artisti:

Lunedì 21 novembre – YellowSquare Milan:

17.30 – 18.15: Sick Luke. Modera: Giacomo Guerinoni.

18.30 – 19.15: Paola Zukar di e con Luca de Gennaro.

Martedì 22 novembre – YellowSquare Milan:

16.30 – 17.15: Nada. Modera: Giulia Cavaliere.

17.30 – 18.15: Alan Sorrenti, Ceri, Colombre. Modera Carlo Pastore.

8.30 – 19.15: Africa Unite. Modera: Damir Ivic.

Mercoledì 23 novembre.

YellowSquare Milan – 16.30 – 17.15: Inoki e Dj Shocca. Modera: Matteo Villaci.

Santeria ore 16.30 – 17.15: Clever Gold e Dutch Nazari.
Santeria ore 17.30 – 18.15: Selton di e con Alessandro Grieco.

Giovedì 24 novembre

YellowSquare Milan ore 18.30 – 19.15: Venerus di e con Alessandro Grieco.

Arci Bellezza ore 18.30 – 19.15: Margherita Vicario. Modera: Nur Al Habash.

Venerdì 25 novembre

YellowSquare Milan ore 16.30 – 17.15: Ginevra di e con Alessandro Grieco.

Apollo Club ore 18.30: Amadeus – Il Sanremo che verrà. Intervengono Federica Lentini, Tommaso Sacchi, Nur Al Habash. Modera: Luca de Gennaro.

Sabato 26 novembre

LaFeltrinelli di Piazza Piemonte ore 17.00: Francesco Guccini. Modera: Luca de Gennaro.

Domenica 27 novembre

UniCredit Auditorium ore 18.30 – 19.15: Colapesce e Dimartino. Modera: Filippo Ferrari.

YellowSquare Milan ore 19.30: Coma Cose. Modera: Dario Falcini.

La Milano Music Week, è arricchita altri appuntamenti tra cui performance di arte contemporanea, proiezioni, presentazioni di libri consultabili dal programma dell’evento.

Tra concerti, incontri, talk e workshop, la Milano Music Week rappresenta condivisione e riflessione per un settore come quello della musica che ci dà modo di ascoltare e di prendere parola, confrontandoci con chi, solitamente, sta dall’altra parte delle cuffiette.

L'articolo Milano Music Week: una settimana per ascoltare proviene da Toh! Magazine.

Durante il suo evento al Labrutepoque di Milano, Assurditè si presenta come il ritratto autentico del suo primo disco: energica, divertente e emozionante.

Il suo primo EP, omonimo, racchiude tutti i brani che l’hanno accompagnata durante il suo esordio con l’aggiunta di “Al terzo sbadiglio”, che vede la partecipazione di Giuse The Lizia. “Assurditè” – spiega – indica il suo approccio alla vita, un istinto che va oltre la convenzionalità per essere incanalato in ciò che è arte.

La giovane artista, infatti, si dedica anche a altre produzioni, opere figurative e sculture, nelle quali conserva comunque un’identità definita.

Dopo essersi esibita sul palco del MiAmi e aver concluso il suo “Vorrei che fosse un Tour” di quest’estate, l’uscita di questo primo disco dà una prima descrizione di un’artista in divenire e, per questo, le abbiamo chiesto qualcosa in più sulla sua personalità e sul suo modo di vivere e fare musica.

“Assurditè” a cosa è dovuta la scelta dello stesso nome sia per il tuo primo EP che per il tuo progetto artistico?

Assurditè è il mio ritratto musicale ed essendo il mio primo EP, dove dichiaro la mia visione artistica, non poteva avere un altro nome.

Come nascono le tue canzoni? Hai un metodo preciso?

Principalmente nascono piano e voce. Mi siedo davanti al piano e se ho qualcosa da dire la scrivo e contemporaneamente al testo scrivo anche l’armonia, è il mio metodo naturale. Mi è capitato anche di scrivere su base ma di solito preferisco il piano.

Oltre alla musica ti dedichi anche all’arte. Come comunicano questi lati della tua personalità?

Diciamo che ci tengo a dare un’impronta stilistica a tutte le cose che faccio. Adoro supervisionare ogni mio progetto in tutto e per tutto, dall’immaginario alla musica. Ultimamente sto dipingendo di meno, anche perché ho meno tempo.

Trovi un’impronta comune e sempre riconoscibile nelle tue creazioni nonostante gli ambiti diversi?

Sì! Diciamo che sia le mie canzoni che i miei quadri parlano di realtà ma la descrivono in modi diversi.

Hai dedicato un brano alla forza della parola, “1000 parole”. Come hai trovato la tua voce e il tuo dizionario di parole a te care?

Non ho cercato con un metodo preciso le mie parole e il mio modo di fare. Ogni volta che mi trovo davanti ad un piano a scrivere mi lascio andare nel modo più naturale possibile. Semplicemente: penso poco e agisco. Di solito trovo ispirazione da tutto quello che mi circonda, da quello che provo, e anche da una serie di ascolti che mi influenzano involontariamente.

In “Vorrei che fosse odio” sembri respingere con forza i tuoi sentimenti reali. Come affronti i sentimenti e come li incanali nella tua musica?

Se devo essere sincera la musica per me è pura terapia. La maggior parte delle canzoni che ho scritto le ho scritte in un momento di bisogno. Non sono una a cui piace far vedere le proprie debolezze e la musica mi aiuta ad esorcizzarle.

Ti definisci una cantautrice, cos’è per te il cantautorato oggi?

Il cantautore oggi è una persona che scrive e canta le proprie canzoni. Se penso al “cantautorato italiano” di sicuro non penso ai miei coetanei ma penso ai primi che lo hanno praticato. Le generazioni e gli stili poi cambiano e, per questo, per me non è definibile come un “genere musicale”.

Quest’estate hai girato l’Italia con il tuo “Vorrei che fosse un Tour”, quali sono le sensazioni che ti sono rimaste addosso di questa esperienza?

Vedere le persone coinvolte durante un concerto è una sensazione tanto appagante. Sul palco mi diverto e, se chi mi ascolta lo fa con me, sono la persona più felice del mondo. Ho ascoltato artisti meravigliosi con cui ho condiviso il palco in diversi festival e ho fatto opening act ad altrettanti artisti. Insomma, ho ascoltato un sacco di bella musica e questa è un’altra nota positiva del tour.

Qual è l’ultimo disco di cui ti sei innamorata?

“Harry’s House” di Harry Styles.

Nel mondo di Assurditè, quindi, che descrive l’oggi con sonorità Indie Pop e influenze R&B, osserviamo uno sguardo al passato che, però, non risulta nostalgico.

Nella voce di una giovane cantautrice che vive il contemporaneo, e lo rappresenta in più forme artistiche, possiamo ritrovare la leggerezza e la positività di cui la musica può renderci partecipi.

L'articolo Un disco pieno di cose assurde anzi, di Assurditè proviene da Toh! Magazine.

Gli ombrelloni restano chiusi e i tessuti a righe colorate sono mossi a malapena dal vento. Le vacanze estive stanno giungendo per molti al termine ma non si vuole rinunciare a portare con sé lo spirito leggero dei periodi appena trascorsi.

La musica diventa lo strumento grazie al quale, nei viaggi verso casa, si respira ancora un po’ di salsedine e si trova qualche granellino di sabbia caduta dalle ciabatte.

Milano è pronta ad accoglierci con ritmi serrati, ma sempre conciliabili con la nostra musica del cuore. Per questo, abbiamo creato una selezione di concerti per tornare alla routine senza rinunciare ai suoni dell’estate.

Alcatraz

Aurora – 07 settembre

Circolo Magnolia

Fulminacci – 06 settembre

Fine before you came – 07 settembre

Spaghetti Unplugged con Ditonellapiaga, Laila al Habash and more – 12 settembre

Fabrique, via Fantoli 9, Milano

Passenger – 06 settembre

LP – 08 settembre

Fred De Palma – 22 settembre

Carroponte, Sesto San Giovanni (MI)

Frah Quintale – 03 settembre

Ernia – 06 e 07 settembre

Fast Animals and Slow Kids – 15 settembre

Cosmo – 24 settembre

Ippodromo Snai San Siro

Tame Impala – 07 settembre

Liberato – 09 settembre

Martin Garrix + Ghali – 10 settembre

Blanco – 16 e 17 settembre

Mediolanum Forum, Assago (MI)

David Garrett – 11 settembre

Marracash – 13, 14, 16, 18, 20, 21 settembre

Arcade Fire + Feist – 17 settembre

Franco126 – 22 settembre

Mika – 30 settembre

Santeria 31

Durand Jones & The Indications – 11 settembre

The Snuts – 16 settembre

Anomalie – 20 settembre

070 Shake – 21 settembre

Ritmo urbano

Settembre smette di essere solo ritorno alle attività di tutto l’anno ma si arricchisce di appuntamenti all’insegna della musica e del divertimento.

Milano alza il volume dopo mesi estivi di quiete apparente per riconquistarci e attrarci con il suo ritmo metropolitano che sale dall’asfalto.

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Milano Pride è organizzato dal CIG Arcigay Milano in collaborazione con le associazioni del Coordinamento Arcobaleno, il coordinamento delle associazioni LGBT+ di Milano e Città Metropolitana.

LE DATE DEL MILANO PRIDE

Dal 16 giugno si parte con la Pride Week , il ricco calendario di iniziative diffuse su tutta la città.
L’apertura della Pride Week sarà insieme al Festival di Cinema LGBTQ+ e Cultura Queer [16-19 giugno] che porta in sala il meglio della cinematografia indipendente a tematica LGBTQ+.

Dal 30 giugno al 1 luglio tre Pride Square animano il quartiere di Porta Venezia creando un vero e proprio festival di eventi diffuso interamente aperto al pubblico.

L’appuntamento è in Largo Bellintani, Piazzale Lavater e Piazzale Santa Francesca Romana che ospiteranno incontri, talk e dibattiti ma anche momenti dedicati ad arte e cultura.

Torna poi finalmente la parata, in programma il 2 luglio con un nuovo percorso.

Si parte come sempre dalla Stazione Centrale per attraversare la città con direzione Arco della Pace.
Qui a seguire si terrà poi il grande evento finale di chiusura che coinvolge le associazioni LGBTQIA+ e le loro rivendicazioni, i saluti delle istituzioni ma anche performance e entertainment.
Il calendario completo dell’iniziativa verrà aggiornato sul sito di Milano Pride: www.milanopride.it

Foto di Roberta Gianfrancesco LR

L'articolo Milano Pride 2022: diciassette giorni di libertà proviene da Toh! Magazine.

Un punto di riferimento per la comunità queer milanese e italiana che, come ogni anno, propone una rassegna – non solo di cinema – che fotografa i grandi e piccoli temi che caratterizzano la cultura LGBTQ+. 

Il MiX Festival, di cui Toh! Magazine è media partner, ritorna in forma ibrida in tre diverse location : Piccolo Teatro Strehler, il Teatro Studio Melato e il cortile di Palazzo Reale che ospiterà la Flying Tiger Mix Young Arena. Inoltre il Festival potrà essere seguito in streaming tramite la piattaforma online Nexo+.

Cosa vedremo nei tre giorni del MiX Festival?

Di sicuro i premi più attesi che caratterizzano il festival, dal premio More Love, consegnato a chi ha speso la sua vita lottando contro ogni tipo di odio e discriminazione, che verrà assegnato alla senatrice Liliana Segre. 

E poi i premi Queen of Comedy e Queen of Music, rispettivamente a Veronica Pivetti e Francesca Michielin, quest’ultima sarà premiata da Ema Stokholma, madrina della serata conclusiva del Festival. 

Tanti eventi speciali, come l’anteprima della serie tv spagnola rivelazione  Veneno, e tanti incontri con personaggi, influencer e intellettuali che, con il loro lavoro, si battono per portare la cultura queer nel mondo.

Non mancano di certo, come di consueto, i tre concorsi che negli anni, dal 1986 ad oggi, hanno fatto e continuano a far conoscere al pubblico opere e cineast*, affermati e non. Lungometraggi, Documentari e Cortometraggi: queste le tre sezioni che costituiscono una kermesse di oltre settanta titoli da tutto il mondo e giudicati da tre giurie presiedute da Juliette Canon, Pilar Monsell un gruppo di giovani universitari rappresentanti lo spettro della comunità LGBTQ+. 

Tra lungometraggi e documentari, Valentina e Madalena sono le prime due anteprime italiane che apriranno il festival.

Ma troveremo anche Swan Song con il mito di Udo Kier, Aos Nossos Filhos di Maria de Medeiros e Jump Darling di Phil Connell. 

Film già acclamati in molti festival internazionali come Feast, sul caso HIV di Groningen, il bel Glück di Henrika Kull e Poppy Field del rumeno Eugen Jebeleanu. 

Spazio anche alla ricostruzione del passato, con un gruppo di opere che ripercorrono la storia del movimento LGBTQ+ in diverse parti del mondo. Mix Festival

Sette sezioni per i cortometraggi che spaziano tra i più svariati temi, con protagonist* alla ricerca della propria libertà e identità, mantenendo anche uno sguardo rivolto al pubblico più giovane.

E accanto alle proiezioni, incontri, discussioni, musica, cabaret e spettacoli dal vivo con MiX Book Klub e MiX Music! 

Torna al MiX festival anche il consueto spazio dedicato alla musica, MiX Music!. Ospiti d’eccezione saranno i Melancholia che, dopo aver confezionato la sigla Love Matters dell’edizione di quest’anno, saliranno sul palco dello Strehler nella serata conclusiva del 19 settembre e accompagneranno l’assegnazione dei premi finali con il loro rock graffiante.

MiX Music! è la programmazione musicale del MiX, a cura di Simone Bisantino e Protopapa, già lanciata nella precedente edizione, che animerà le notti del festival di quest’anno non solo sul palco dello Strehler ma anche nell’inedita “Flying Tiger Mix Young Arena”.

Nel cortile di Palazzo Reale, con la collaborazione delle più importanti crew della scena musicale italiana e la partecipazione degli artisti che più rappresentano l’identità  poliedrica del Festival, a favore dell’intersezionalità e dell’inclusione.

Durante le quattro giornate MiX Music! con una programmazione che guarda al panorama musicale giovanile ospiterà il glam-pop elettronico di Sem & Stenn, l’R&B vellutato di David Blank e la disco retro-futurista di Thomas Costantin. MiX Music! si farà sentire anche attraverso le sperimentazioni elettroniche, con il reggaeton romantico di Vergo, le sperimentazioni audio-visive di NAVA e il pop raffinato di Blue Phelix.

Sul palco dello Strehler anche le performance creative di Ella Bottom Rouge e la sua scuola di burlesque Rogue Academy e della crew di DRAMA Milano, noto queer cabaret milanese.

Inoltre, in occasione del 40° anniversario del mitico Club Plastic, sarà consegnato il 17 settembre un premio speciale in memoria di uno sei suoi fondatori, Lucio Nisi.

Non mancheranno poi le performance che animeranno il sagrato del Teatro, a cura della compagnia Dogma Theatre e dell’artista Nicola Mette

La 35a edizione del MiX Festival riapre i battenti all’insegna del motto Love Matters, includendo non solo le vite della comunità queer, ma anche di tutte quelle minoranze che ancora oggi, in ogni parte del mondo, si battono per vedere riconosciuti i propri diritti. 

Un festival all’insegna dell’inclusione, dell’amore e dell’accettazione che diventa sempre più imprescindibile, pronto a tingere di colori la metropoli milanese. 

Non ci resta che aspettare che si aprano le danze del MiX Festival, e seguirlo con Toh! Magazine dal 16 settembre.

Testo di Giuseppe Di Rosalia

Le proiezioni del MiX festival consigliate da TOH! Magazine

Aos Nossos Filhos

Regia di Maria de Medeiros
Lungometraggio, 107’. Brasile, 2019

Sabato 18 Settembre, ore 20.00.
Piccolo Teatro Studio Melato

Tratto da un’opera teatrale di Laura Castro, qui in veste di attrice nel ruolo di Tânia e sceneggiatrice accanto a Maria de Medeiros, nota attrice e regista portoghese, Aos Nossos Filhos – come il titolo di un noto canto di lotta brasiliano – è un ritratto intergenerazionale che racconta molto dei nostri tempi.

Da un lato troviamo Vera, ribelle ai tempi della dittatura militare brasiliana e ora coordinatrice di una ONG, un rifugio per orfani da AIDS, dall’altro la figlia Tânia, aspirante giudice – non televisivo – che insieme alla compagna sta tentando la strada dell’inseminazione.

Quello di Maria de Medeiros è un film che racconta una storia di donne e al contempo investiga in maniera puntuale su questioni come la maternità, la democrazia – l’ombra di Bolsonaro, l’accettazione del lutto, lo stigma dell’HIV, l’adozione e le coppie omogenitoriali.

Senza morale o dispensare verità, ma con passo felpato – come il gatto della prima inquadratura – fornendo spunti interessanti.

Su tutti, sembra emergere lo scontro generazionale: da un lato chi ha combattuto le sue battaglie e fatica a comprendere quelle odierne, dall’altro nuove generazioni che sembrano poco predisposte alle critiche e al dialogo.

Così una madre graffiante viene allontanata se esprime il suo punto di vista o una figlia ci sorprende con pregiudizi che non dovrebbero appartenerle.

Maria de Medeiro, invece, sembra assente dal giudizio e mette in luce le contraddizioni dei nostri tempi in un film che invita a non tacere e alla profonda comprensione dell’altro da sé.

Testo di Francesco Mascolo

Feast

Regia di Tim Leyendekker
Lungometraggio, 84’. Paesi Bassi, 2021.
Anteprima italiana con la presenza del regista

Sabato 18 Settembre, ore 22.15
Piccolo Teatro Studio Melato

Non un vero film di finzione, ma nemmeno veramente un documentario: forse un «saggio cinematografico», come l’hanno definito alcuni – o «un insieme di cose», come l’ha definito il regista stesso.

Divisa in sette parti (riprese da sette diversi autori della fotografia), la pellicola «non fa un resoconto di ciò che è realmente accaduto», ma anzi cerca di smembrare i fatti del caso di Groningen – cittadina nei Paesi Bassi in cui, tra il 2007 e il 2008, tre uomini furono processati e condannati per aver deliberatamente trasmesso l’HIV a dodici persone, durante quelli che oggi definiremmo chemsex party.

I media nazionali (e si intende: nazionali olandesi) affrontarono il caso giudiziario identificando subito i buoni e i cattivi, indignandosi per la scarcerazione anticipata di uno degli “untori”, che tornò a esercitare la professione di infermiere prima di essere definitivamente radiato.

Ma, col passare del tempo, la storia mostrava tutta la sua ambiguità, evidenziava quanto sia labile il consenso e quanto pregiudizio si celi dietro a un certo tipo di desiderio; alcuni chemsex party, alcune orge senza preservativo, vengono tuttora organizzate anche per volontà di chi è sano, che vuole contrarre il virus e smettere di preoccuparsi della malattia.

È all’interno di questa cornice che si inserisce uno dei capitoli – solo apparentemente fuori traccia – fra i corpi esanimi di questi maschi, fra le voci degli infetti e quelle degli infettanti, tra cui il regista (l’olandese Tim Leyendekker, conosciuto in patria per i suoi corti, tutti disponibili su Mubi) non prende mai posizione.

Come una sorta di intervista alla biologa Katerina Sereti, studiosa dei virus che colpiscono i tulipani: da persona del mestiere, Sereti parla non dal punto di vista dell’uomo ma di quello del virus – che in certi casi ha ripercussioni visibili solo sulle striature rosse nei petali gialli del fiore. È un male? «Soltanto se il nostro desiderio è che il fiore sia giallo».

Ma il capitolo più potente, spaventosamente attuale, è quello in cui la trasposizione di uno dei ragazzi coinvolti sporge denuncia contro i tre “untori”, e si ritrova sottoposto a un interrogatorio da parte degli agenti talmente serrato e giudicante che gli è praticamente impossibile parlare.

«Avevi conosciuto questi uomini su internet?», «e avevi già avuto rapporti sessuali con almeno uno di loro?», «ed eri consapevole che queste fossero orge, no?», «e prima avevi bevuto, fatto uso di cocaina?»; «eri anche consapevole che avreste fatto sesso non protetto: loro ti hanno detto di essere negativi all’HIV e tu gli hai creduto» lo rimproverano, finché il poverino non conferma la loro tesi: «sì, sono stato stupido: e sono stato punito per questo».

Ennesima colpevolizzazione della vittima su cui cascano anche molti media nazionali (e si intende: nazionali italiani) quando raccontano per esempio casi di femminicidio dal punto di vista sbagliato: del virus appunto, che in questo caso è l’assassino

Testo di Luca Fontò

How To Fix Radios

Regia di Casper Leonard, Emily Russell
Lungometraggio, 90’. Canada, 2021.
Anteprima italiana

Venerdi, 17 Settembre, ore 21.30
Flying Tiger MiX Young Arena

Negli ultimi decenni la fioritura del cinema queer si è concentrata su drammi relazionali oppure storie di coming out. A volte invece capita di trovare un film come HTFR che invece è come se fosse stato fatto per osservare i lati quotidiani, magari meno sensazionali, come il senso di appartenenza al piccolo paese d’origine.

Come ricordi sfocati di ciò che voglia dire essere considerato un outsider perché diverso, perché gay in una piccola provincia.

È in luogo come questo dove ha inizio la storia di Evan (James Rudden) abitante rurale dell’Ontario meridionale. Un luogo dove molte volte la ripresa si sofferma sulla vastità sul lontano, come se fosse presente nei protagonisti il desiderio di fuggire lontano.

La vita incerta dopo la scuola lo porta Evan ad accettare un lavoretto estivo nel negozietto locale di esche.

Il lavoro mette Evan a contatto con Ross (Dimitri Watson) un giovane adolescente che si fa notare subito per i suoi capelli tinti di rosa che lavora con lui al negozio.

Per Ross ogni momento è un’ottima opportunità per darsela a gambe quando il capo li lascia da soli.

In quell’estate nasce un’amicizia inaspettata che metterà Evan a contatto con la realtà di Ross e a tutto quello che Ross è costretto a subire dai bulli del paese per la sua diversità.

Evan osserva la capacità di Ross di vivere in un ambiente ostile dove il fatto di non volersi omologare è solo perché tanto sarebbe infastidito lo stesso, meglio quindi rimanere rimanga fedele a se stesso.

Nonostante sia un film low budget, la pellicola trasmette una perfetta sinergia tra il luogo e i personaggi. Lo spazio e il luogo presenti sembrano quasi giustificare la loro presenza per aggiungere pressione ai protagonisti, che riescono a ritagliarsi momenti di gioia in luoghi dove non c’è nulla da fare.

Il film riesce a trasmette dei lati meno definibili, come la sensibilità delle persone, che emerge profondamente, mentre cercano una loro voce e un posto nella vita.

HTFR racconta una storia semplice sicuramente uno spaccato di un’amicizia che però per qualche motivo è sempre trattenuta e nonostante tutto un po’ rassegnata.

Le basi della storia avrebbero sicuramente potuto portare ad un altro sviluppo, e il finale ha un sapore un pò amaro della sconfitta.

Testo di Alex Vaccani

Poppy Field

Regia di Eugen Jebeleanu
Lungometraggio fuori concorso, 81’. Romania, 2020
Disponibile in streaming su NEXO+ dalle ore 14:00 del 17/09 alle ore 14:00 del 20/09

Poppy Field (Camp du Maci) segna l’esordio di Eugen Jebeleanu e conferma la lucidità dello sguardo sul contemporaneo del cinema rumeno degli ultimi 10 anni.

La pellicola si ispira a fatti realmente accaduti. 2013, Bucarest: la proiezione di un film LGBT viene interrotta da un gruppo di manifestanti, The Orthodox Brotherhood of the Great St. George: fanatici religiosi e nazionalisti armati di cartelli, icone e rosari. Il film era I ragazzi stanno bene con Julianne Moore e Annette Bening.

Negli anni seguono altre manifestazioni simili, nel 2018 contro la proiezione di Soldiers. Story from Ferentari della regista serba Ivana Mladenovic (il suo Ivana the Terrible in concorso e visibile gratuitamente in streaming al Kino Arte Film Festival) e 120 BPM di Robin Campillo.

Questa è la premessa che Jebeleanu usa per costruire il tessuto sociali in cui si muove il suo protagonista, Cristi, un poliziotto – anzi, un gendarme – rumeno segretamente gay.

Il film inizia con l’arrivo in città del suo compagno, Hadi, un assistente di volo. Per di due si prospetta un weekend casalingo d’amore, Cristi difatti non ha intenzione di farsi vedere in pubblico col fidanzato, a cui non dispiacerebbe anche una semplice gita in montagna. Ma è subito chiaro che i due hanno davanti a loro orizzonti differenti.

Seguiamo quindi Cristi in un turno di lavoro. La sua squadra è chiamata a gestire la protesta di un gruppo di attivisti religiosi che hanno fatto irruzione in un cinema (di proprietà statale) per interrompere la proiezione di un film indecente. La situazione è tesa, i poliziotti non sanno che fare.

Da una parte guardano ai fanatici con pena, dall’altra non hanno la minima intenzione di prendere le parti del pubblico, per paura di essere ritenuti simpatizzanti o peggio ancora loro stessi gay.

La tensione aumenta, il disagio si fa palpabile: il cinema diventa una polveriera. Uno degli spettatori riconosce Cristi, tra i due evidentemente ci sono dei trascorsi e il suo segreto – che deve mantenere a ogni costo – scatena un complesso effetto domino e lo scoppio della violenza.
La cornice sociale della storia innesca nel protagonista un conflitto interiore che lo porta a confrontarsi con sé stesso.

Cristi è costretto a uniformarsi ai meccanismi etetonormativi del suo ambiente di lavoro, incarnando così il conflitto e la vulnerabilità di molte persone queer esposte ad ambienti machisti e tossici.

I colleghi sanno di lui? Lo sospettano? Il regista è abilissimo nell’insinuare il dubbio, senza dire troppo o mostrare, il cameratismo della squadra si esprime anche in questo.

Jebeleanu dirige in maniera sobria e efficace uno spaccato intimo, quello di Cristi è un ritratto complesso che non scade in toni giudicanti o facili morali preconfezionate, osserva il suo protagonista con un misto di distacco e tenerezza.

Testo di Lorenzo Peroni

Sediments

Regia di Adrián Silvestre
Documentario, 80’. Spagna, 2021
Disponibile in streaming su NEXO+ dalle ore 14:00 del 17/09 alle ore 14:00 del 20/09

«Quelli sono i sedimenti, gli strati della terra, li abbiamo studiati alle superiori. La terra svela la sua storia. Quando gli elementi si muovono avanti o indietro, finiscono per trasformare persino le rocce».

Adrián Silvestre, classe 1981, è un regista valenciano che ama lavorare intorno ad una comunità specifica con la quale costruire i suoi film, dove realtà e fiction spesso coesistono.

Se nel precedente lungometraggio Los Objetos Amorosos del 2016 ha investigato la migrazione femminile nella città di Roma, per Sedimentos è stato decisivo l’incontro con Tina Recio, fondatrice e direttrice del centro I-Vaginarium: un progetto di pedagogia sessuale di supporto alle donne transgender che affrontano il percorso della vaginoplastica.

E Tina Recio è proprio una delle protagoniste di questo documentario insieme ad altre cinque donne su cui il regista ha posato la sua macchina da presa: Lena Brasas, Alicia de Benito, Cristina Millán, Saya Solana e Yolanda Terol.

Sei donne quindi, di generazioni, estrazione e vissuti diversi, che si raccontano in questo vivace road movie rurale transfemminista, tra stratificazioni drammatiche e venature di corale umorismo, visivamente dominato dai loro volti, dalle loro parole e dalla natura: tra boschi, montagne, grotte e un imponente bacino minerario, quello dei sedimenti che danno il titolo al documentario.

Proprio come le stratificazioni della terra, siamo tutti formati da più strati che ci identificano e ci rendono unici; raccontare la nostra storia non è sempre facile, ma alle volte cercare supporto, in una comunità ad esempio, può aiutare a trovare il coraggio di affrontare il mondo là fuori, ma innanzitutto se stessi.

Testo di Francesco Mascolo

Sublet

Regia di Eytan Fox
Lungometraggio. 90’. Israele/USA, 2020

Venerdi 17 Settembre, ore 22.00
Piccolo Teatro Strehler

Sublet è un film che mette in evidenza l’impatto che ogni uomo può avere su un altro uomo. Il film è sottile, credibile ed evita abilmente alcuni cliché. Ha tanti ottimi spunti e ti fa vedere una Tel Aviv che incuriosisce.

Il film comincia con l’arrivo a Tel Aviv dell’americano Michael (John Benjamin Hickey) uno scrittore di mezza età che arriva in città per fare ricerche per un articolo che sta per scrivere. Come preannuncia il titolo il suo soggiorno a Tel Aviv è un appartamento in affitto, che però al suo arrivo è ancora occupato dal ragazzo che glielo ha affittato, essendosi confuso sulla data del suo arrivo.

Dopo qualche momento di imbarazzo Tomar (Niv Nissim) lo studente proprietario dell’appartamento convince Michael a restare dopo aver ammesso francamente di aver bisogno di soldi.

Poiché Tomar ora non ha un posto dove andare, Michael si offre di lasciarlo rimanere in cambio di fargli da guida turistica per mostrargli i luoghi meno turistici della città.

Michael vede così la Tel Aviv attraverso gli occhi di un bohémien ventenne che è sempre stato libero nel suo suo orientamento sessuale.

Nel corso di cinque giorni, Tomar mostra a Michael la città e nel mentre i due si conoscono. Michael è tranquillo e riservato, ogni sera richiama il marito a casa ogni e si capisce che ha chiaramente qualcosa che lo tormenta.

Tomar, invece è un edonista che sembra pensare nient’altro che all’attimo e a quello che gli provoca piacere. Col trascorrere delle giornate i due sviluppano un’amicizia e un’attrazione sessuale.

Quello che è maggiormente riuscito nel film sono i momenti in cui i due protagonisti di generazioni diversi cercano di trovare un terreno comune su cui incontrarsi.

Nonostante questi mettano anche in risalto le diversità generazionali e di come siano vissuti alcuni atteggiamenti e situazioni oggi rispetto a prima. Questi sono scene che inducono ad una riflessione e mettono luce su alcuni drammi generazionali.

Sublet ha una vena romantica che si manifesta soprattutto nella seconda metà del film, un po’ ci si spera o ci si aspetta questa svolta anche se forse nella realtà sarebbe stata più indirizzata verso un’attrazione fisica; più lussuria che romanticismo.

Comunque questo incontro cambia entrambi i protagonisti o almeno in parte li rende più consapevoli anche su l’altro.

Sublet fa parte del genere di film: dramma del “breve incontro” come il cult Weekend con il quale il paragone sembra spontaneo. Ebbene Sublet riesce a mantenere un fascino sottile soprattutto per la rappresentazione dolce di due uomini che creano una connessione inaspettata.

Sublet alla fine è malinconico riguardo a ciò che lega inaspettatamente due uomini gay che hanno tutto per essere così distanti, ma nonostante o forse a causa delle loro differenze generazionali riescono proprio ad incontrarsi.

Il regista Fox ha già esaminato gli aspetti della vita gay israeliana in film come Yossi and Jagger, il suo sequel, Yossi e The Bubble.

Testo di Alex Vaccani

Valentina

Regia di Cássio Pereira dos Santos
Lungometraggio, 95’. Brasile, 2020
Anteprima Italiana

Giovedì 16 settembre, ore 20.00
Piccolo Teatro Strehler

La proiezione è preceduta dalla cerimonia di apertura presentata dal comico Paolo Camilli, con la presenza della Vicepresidente del Consiglio Comunale di Milano Elena Buscemi, da una performance di danza del ballerino solista del Teatro alla Scala Massimo Garon e della prima ballerina del Teatro alla Scala Antonella Albano, dall’intervento del deputato Alessandro Zan e da un importante riconoscimento: il premio More Love alla senatrice Liliana Segre.

Valentina è un coming-of-age opera prima del regista brasiliano Cássio Pereira dos Santos, che esamina l’emarginazione dei giovani trans.

Valentina, interpretata dalla trans YouTuber Thiessa Woimback, esamina il modo in cui i giovani trans sono emarginati dal sistema educativo, attraverso una storia di formazione che segue la sua vita mentre si trasferisce in una piccola città con la madre.

Nel suo adattarsi alla nuova vita, sarà proprio la burocrazia scolastica l’ostacolo più insidioso, perché Valentina dovrà avere il consenso e la firma di entrambi i genitori per far si che l’istituto accetti di chiamarla con il suo nome prescelto, ma suo padre è scappato con una donna più giovane e risulta irreperibile.

Nella sua avventura Valentina trova spiriti affini tra i suoi coetanei: Júlio (Ronaldo Bonafro) e Amanda (Letícia Franco), personaggi secondari che non sono proprio quello che sembrano a prima vista.

Júlio, nonostante la sua spavalda sicurezza brama l’intimità di un primo bacio da un ragazzo. Amanda che è incinta, nel frattempo, dimostra di essere un asso degli hacker.

I tre giovani attori condividono una dolce alchimia ogni volta che sono tutti insieme sullo schermo, ed è la loro relazione che alla fine dà speranza alla storia.

Valentina viene continuamente ferita e delusa dagli uomini in un crescendo che culmina con una scena in un bar, dove un ragazzo con cui si sta baciando la prende per la gola dopo aver scoperto che è trans.

Da qui la violenza degenera trasmettendo allo spettatore come la trasmisoginia possa intensificarsi, e quanto sia pervasiva all’interno della società in generale.

Testo di Marco Cresci

Veneno

Regia di Javier Ambrossi, Javier Calvo
Serie TV, Spagna, 2020

Domenica 19 Settembre
Piccolo Teatro Studio Melato ore 18:00
Proiezione di due episodi con la presenza dei registi e dell’attrice Lola Rodriguez.

Quella di Veneno non è semplicemente una storia, è – in fin dei conti – tutte “quelle” storie. Quella di Cristina Ortiz Rodríguez innanzitutto, ma non solo.

Facciamo un passo indietro. Spagna, 1996: in un talk della seconda serata di Telecinco (Esta Noche Cruzamos el Mississippi) fa il suo esordio televisivo la Veneno: prostituta transessuale, sboccata, bellissima.

Nasce una star. La Spagna la ama, l’audience si alza: per lei è il riscatto da una vita in fuga. In fuga dalla provincia bigotta, da una famiglia che non la ama, dalla miseria. Forse per la prima volta in vita sua, gli applausi del pubblico, la fanno sentire veramente amata. Ovviamente è un grandissimo errore.

Un altro passo indietro. Nella spagna post-franchista, libera dalla censura di regime, prende il via una rivoluzione culturale, la Transición española.

Vicente Aranda nel ‘77 gira Cambio de sexo, film con Bibi Andersen, attrice transgender che diventa musa e icona di Pedro Almodóvar, vate assoluto della movida madrilena.

La capitale diventa un motore propulsore per la creatività e la liberazione dei costumi: cinema e musica sono veicoli per disintegrare anni di tabù e repressioni.

Dalla fine degli anni ‘70 Susana Estrada diventa il simbolo di questa “transizione”: film erotici, canzoni piccanti, fotografie esplicite, la liberazione sessuale viaggia alla velocità della luce.

Eppure, nonostante il sesso, l’omosessualità e la transessualità ormai da quasi due decenni vivano “tranquillamente” al cinema e nella cultura visuale spagnola (prima underground e via via sempre più mainstream), l’apparizione sul piccolo schermo della Veneno è qualcosa di diverso, di nuovo, di oltraggioso: non è un’artista.

In TV (che al contrario del cinema è un oggetto domestico, familiare) trova posto una prostituta di strada che parla di sé stessa, e in breve tempo la sua vita diventa un proto reality.

Sua madre – che mai ha accettato l’identità della figlia – viene invitata in trasmissione, volano parole grosse, Cristina è un fiume in piena, l’audience si alza.

Quello che la Veneno ancora non sa però è che lo spettacolo preferito del pubblico è gustarsi la caduta dei propri idoli. La gente ama la Veneno, ma non la rispetta. Chiuso il programma che l’ha resa un’icona seguono anni difficili. L’epilogo è tragico.

La serie di Javier Ambrossi e Javier Calvo (quelli di Paquita Salas, su Netflix) mette in scena un melodramma larger than life, totalizzante: è triste, euforico, violento, esplicito, non risparmia colpi bassi – tutti assestati alla perfezione.

Gli 8 episodi ricostruiscono la vita di Cristina la Veneno sviluppando ogni puntata su un nucleo tematico, mescolando i piani della rappresentazione e della narrazione: passato e presente dialogano in un incastro costruito alla perfezione.

Impressionante il lavoro sulle e delle tre attrici che hanno interpretato Cristina: Jedet (nei primi anni di transizione), Daniela Santiago (giovane, esplosiva e furibonda) e Isabel Torres (sfatta, invecchiata a sconfitta).

La regia e la sceneggiatura sono piene di idee, di vita; non c’è nulla fuori posto, il racconto fugge della mera biografia e espande i suoi confini verso il romanzo storico: immortala epoche diverse che cedono il passo, una dopo l’altra, a qualcosa di nuovo, di giovane.

Veneno riflette su come i mass media rappresentano un confine: ciò che appare c’è, è lecito, può essere ammirato, denigrato o discusso, ma esiste e ha in sé la dignità di ciò che può apparire; è il confine tra cosa è legittimo e cosa no.

La Veneno, irrompendo nel piccolo schermo della Spagna anni ‘90, legittima l’esistenza delle persone transessuali al di fuori dell’alibi artistico e intellettuale, al di fuori della politica e dell’attivismo. Lei è unica, è una scheggia impazzita, ma la sua è una vita come tante.

Ma la serie racconta anche altre storie: c’è quella di Valeria Vegas (anche la sua una storia vera), studentessa transgender che ha nella Veneno il suo idolo assoluto. Quando riesce finalmente a conoscerla decide di scrivere un libro sulla vita, ¡Digo! Ni puta ni santa.

Ed è qui che inizia la serie. Questo incontro cambia la vita di Valeria, che grazie all’amicizia con Cristina fa chiarezza sulla propria identità e trova il coraggio di essere sé stessa.

Scrivere le memorie della Veneno però si rivela più complicato del previsto: cosa è vero e cosa no di quello che le sta raccontando? Quanta la vita e quanto il racconto? Dall’infanzia nella provincialissima Adria, in Andalusia, ai riflettori che fanno di lei una star, fino a una spirale autodistruttiva alimentata da rimpianti, risentimenti e paure.

Quello sui passi della Veneno diventa per Valeria – e per lo spettatore – un viaggio universale, alla scoperta del lato umano di un’icona controversa, spesso contestata e ritenuta problematica dagli stessi attivisti LGBTQ+ (troppo trash, distante dal movimento per i diritti civili, dalla nuove generazioni, dalla nuova sensibilità).

Quello di Paca “La Piraña”, poi, è un personaggio meraviglioso, la migliore amica della Venone, ferita e tradita a morte per pura vanità, interpretato divinamente dalla stessa Paca “La Piraña” – in un perfetto cortocircuito di quella cosa dell’arte che imita la vita e la vita che imita l’arte.

Veneno – attraverso un intreccio corale in cui vengono indagati i significati di famiglia, la natura dell’amore e le radici dalla paura – metta in scena la potenza e l’importanza del “racconto”, la capacità di costruire e di riappropriarsi delle proprie storie, delle proprie fragilità e della propria identità attraverso le parole che scegliamo.

Testo di Lorenzo Peroni

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L'articolo 35° MiX Festival. Le proiezioni consigliate da Toh! proviene da Toh! Magazine.

Manifesti con un messaggio diretto, che dichiarano ciò che ci piace senza nessuna vergogna. Lottando contro i pregiudizi, contro le continue aggressioni omofobe e di genere di cui ne abbiamo abbastanza le tasche piene. Una dichiarazione positiva in maniera ironica e graficamente lineare. 

Ne abbiamo parlato con il co-founder di TheComplainers Cesare Morisco.  

Com’è nata l’idea di collaborare con Manifesti Abbastanza Ostili?

Abbiamo scoperto la sua pagina quasi per caso (l’algoritmo di Instagram funziona, a volte) e ci siamo rivisti nel suo stile di comunicazione “ostile” ma in modo costruttivo e intelligente.

Quale era l’intento dietro questi manifesti?

Mandare un messaggio di libertà, dire le cose senza mezzi termini, prendere una posizione chiara e inequivocabile rispetto a dei valori che per noi sono imprescindibili:

l’inclusività, l’uguaglianza nella differenza, l’integrazione e il dialogo.

Reputi che questi manifesti possono essere una provocazione? Una dichiarazione? O Entrambe?

Entrambe. La provocazione è qualcosa che ti colpisce costringendoti a riflettere. 

Ma è anche una dichiarazione: abbiamo dei valori e vogliamo condividerli senza esitazioni.

Giudicare o categorizzare le persone in base al loro orientamento sessuale non fa parte di TheComplainers e siamo fieri di dichiaralo. 

Dove ti piacerebbe che le persone attaccassero questi manifesti in casa?

In camera da letto o in bagno. I posti più privati e dove più ti metti a nudo. 

C’è una tua foto su IG dove tieni in mano i tuoi manifesti, una sorta di guerriglia urbana, se le persone ti hanno osservato come ti sei sentito?

Sì, alcune persone si sono fermate a guardare, dai ragazzi alle persone più anziane. Il fatto che i manifesti abbiano incuriosito TUTTI, nel bene o nel male, è un fatto positivo. Perché l’argomento sessuale e il discorso sul genere vale sempre la pena di essere approfondito:

fa parte dell’essere umano e non bisogna vergognarsi di nulla. 

Quanto pensi sia importante dichiarare quello che ti piace sessualmente?

Non penso sia importante portante, è proprio questo il punto. E in questo senso i manifesti sono stati una provocazione. 

Cosa pensi del Pride di quest’anno dopo due anni di lockdown?

Penso che sia stato un ottimo punto di (ri)partenza e che l’interruzione forzata abbia dato ancora più valore a questo momento di contatto umano e rafforzato il senso di appartenenza a una comunità. 

Che reazione hai visto nelle persone?

Erano super entusiaste, abbiamo anche distribuito i nostri manifesti tra le persone e tutti, guardando la grafica si sono sentiti liberi di esprimersi, no matter what. Il messaggio è stato recepito e appoggiato in pieno.

La grafica è molto lineare e immediata come mai questa scelta?

Perché quello che c’è scritto è lineare e immediato. Il contenuto e il contenitore sono due facce della stessa medaglia, almeno per chi si occupa di comunicazione. 

L'articolo Manifesti abbastanza ostili e TheComplainers mandano messaggi di libertà. proviene da Toh! Magazine.

Di bello c’è che è stato dato il giusto spazio a brand sconosciuti ai più, che hanno avuto l’occasione di farsi conoscere come Children of the discordance, APN73 e Han Kjøbenhavn. 

Ma partiamo dall’inizio

Zegna ha aperto il calendario portando in scena un discorso sull’importanza dell’adattamento dell’essere umano (in questo caso l’uomo) alle situazioni che vive.  Così il direttore artistico del brand, Alessandro Sartori, fa reset discostandosi dalla formalità più assoluta, ma non da una sartorialità riflessiva, per scrivere una nuova grammatica dello stile Zegna. 

Giudizio: Zegna è uno di quei brand intoccabili, e nonostante non mi ritrovi nel gusto del brand, penso che ultimamente si stia svecchiando tantissimo. Bravo Sartori.

N21 ha disertato il calendario della moda ma ha comunque presentato la collezione maschile all’interno della collezione donna pre-fall 21 che richiama il concetto di femminilità e sensualità di Marilyn Monroe. Per l’inverno prossimo Alessandro Dell’Acqua gioca con materiali e riferimenti e dunque ingrandisce i cardigan lavorati in jacquard che si aggiungono ai gilet in mohair, al cappotto in panno a forma di camicia allungata, ai pantaloni, alle polo e all’anorak in pizzo grigio, alle camicie doppiate in popeline bianco e tulle con le bocche rosse stampate o in tartan sfumato, al parka in eco montone dal check maschile doppiato. 

Giudizio: Secondo me Alessandro Dell’Acqua da quando ha messo su N21 vive uno stato di grazia eterno. Mi piace ogni volta di più. 

Children of the discordance è un brand giapponese diretto da Hideaki Shikamai fondato nel 2011 e questa è la sua seconda volta in calendario. Dawn, il nome scelto per la collezione, scaturisce un senso diffuso di confronto e conflitto per comunicare un forte sentimento di speranza, come a voler ricordare che non può piovere per sempre. Le parole del designer tradotte in moda diventano pezzi sportivi con riferimenti militari che si inseriscono perfettamente nel filone genderless grazie anche all’utilizzo di materiali come il denim e la lana double. Da tenere d’occhio. 

Giudizio: Un po’ urban un po’ centro sociale. Però mi piace.

Da Fendi ci si chiede cosa sia normale oggi, la risposta la conosciamo tutti o forse non la conosce nessuno. Ad ogni modo la moda di Silvia Venturini Fendi torna ad essere desiderabile, curiosa e divertente come la colonna sonora creata da Alessio Natalizia spudoratamente copiata da Junior Vasquez. Tornando allo show cromoterapeutico, Fendi, con la sua sfilata, vuole indirizzare alla molteplicità, all’accettazione del fatto che non esistano generi, colori giusti e colori sbagliati, abiti da passerella o da passeggiata, esiste l’essere se stessi, la comodità, la voglia di vivere, l’umanità, come più volte ricorda la voce in sottofondo. Propone, in tal senso, vestiti che diano modo a ciascuno di esprimere la propria personalità, di sentirsi al sicuro nell’incerto, senza mai perdere l’eleganza.

Giudizio: Mi ha messo di buon umore e per almeno 3 uscite ho detto: “wow, che cool”

Se non conoscete APN73 è arrivato il momento di farlo, perchè questo brand cinese vede la collaborazione di Andrea Pompilio. Profondamente radicata nella cultura anni 60, e ispirata ai film di Bertolucci, la f-w 2021/22 di Apn73 è un mix di tonalità audaci accostate a colori più naturali. La collezione co-ed è caratterizzata da volumi oversize e da colori accesi come il blu elettrico, il giallo limone, l’arancio, il verde ma a prevalgono le tinte smorzate come cioccolato, caffè e antracite. Molti quadretti e righe, una caratteristica di Andrea Pompilio. Molto molto interessante.

Giudizio: A me Pompilio piace da sempre, anche se non ho mai capito bene perchè. Spero che con APN73 vada tutto come deve andare.

Perché tutti, nella moda, guardano da oltre 20 anni con attenzione cosa ha sfilato in passerella da Prada? La risposta sta, nella sfilata di questo autunno/inverno 2021, la prima maschile creata dai congiunti Miuccia/Raf: Sta nei cappotti e nelle scarpe e nel fit dei pantaloni, nelle stampe.

Perché Prada ha lasciato a altri il branding più immediatamente comprensibile dello chic, del sexy, del rilevante, e ha assunto su di sé la responsabilità di presentarsi come la casa che indica cosa è contemporaneo, mescolando l’avanguardia alle necessità commerciali di un enorme gruppo globalizzato.

Ci si può avvitare, elegantemente, in discussioni sui riferimenti della collezione, sul senso di quel long-john proposto con insistenza. Si può prendere atto del restyling della sala dove sfilano le collezioni, trasformata questa volta in stanze-scatole dove si muovono i modelli, i quali capita che interrompano la loro camminata per ballare sulle note della colonna sonora di Plastikman (Richie Hawtin, collaboratore e amico di Raf Simons), sono però una buona rappresentazione dello spazio mentale che molti di noi hanno abitato nell’ultimo anno, chiuso ma allo stesso tempo votato all’aperto, duro e morbido, caldo e freddo, claustrofobico ma rassicurante. Perché da Prada sanno da tempo che la realtà non è più quella di una volta, e se il new normal è sempre più difficile da definire ecco con una delle collezioni più forti

non diciamo «bella»: la bellezza, per Prada, è un parametro per definizione ambiguo, ideologicamente sospetto e non necessariamente desiderabile di questi ultimi anni.

Sfilano modelli, tutti al loro debutto, con indosso una collezione fatta di abiti dal tailoring perfetto dal quale sbuca l’ormai ricercatissimo long-john. I cappotti over con i bottoni sbagliati. Capi e accessori non proprio nuovi ma desiderabilissimi: la quadratura del cerchio, quando si parla di moda, e il motivo del successo ultraventennale di Prada.

I ricordi di un passato troppo recente (vedi alcune giacche a cui sono state sostituite le etichette Calvin Klein by Raf Simons per metterci quelle di Prada)  

Ragazzi dai cappelli alla Willy Wonka di Tim Burton, che potrebbero ricordare la lezione di David Bowie — va bene essere extraterrestri, si può tranquillamente essere strani in un mondo così preoccupante e insicuro di sè. In che era siamo, con questa sfilata? La linea cross-temporale ci dice che siamo negli anni ’60 secondo le forme geometriche ma anche negli anni ’90 se guardiamo le forme. Su quale pianeta? Sul pianeta Prada, nell’era di Miuccia e Raf. Nelle stanze-scatole della Signora Prada sfila la collezione che ripete, a chi nell’ultimo anno ne avesse dubitato, che l’innovazione della moda mondiale passa ancora da qui. Non soltanto da qui, ovviamente, ma Prada — con il suo intimo esibito — continua a offrire un punto di vista precisissimo, soluzioni non banali e un punto di riferimento importante nelle acque confuse della moda.

Giudizio: Ve lo dico non sono felicissimo di questa condirezione perchè Miuccia è il sole e Raf è un pianeta stupendo che gli gira intorno, e così doveva restare. Però che bella collezione.

Etro, pervaso da un irresistibile «desiderio di cambiamento, di uscire vestiti e non travestiti. Pronti a esprimere la nostra personalità, a far vivere noi stessi oltre i confini, in modo iconoclasta» presenta una collezione che mai come questa volta si concede divagazioni allo statement del brand, creando un nuovo vocabolario fra classicità e ironia: i bermuda di cashmere sulla giacca-camicia e il pullover a trecce; il gilet maschile ma fluo; il cargo stampato; il blazer di velluto floreale; la camicia di raso-fodera; il cappotto perfetto portato a vestaglia; il maglione tatoo. «Abbiamo avuto tanto tempo in questi mesi per mettere a posto gli armadi e scoprire nuove identità, mescolando giorno e sera, dentro e fuori, e scoprendo che si può. Continuiamo allora». Nel finale lo stilista apre le porte del suo show (chiuso) e manda per strada i modelli: ed è subito i wanna be free in a red zone.

Giudizio: Se non ci si prende troppo sul serio alla fine risulta pure simpatico. Seguirò il brand su Instagram.

Massimo Giorgetti per me è come quei compagni di scuola che hanno un potenziale enorme ma che anziché usarlo si dimenticano di averlo, come direbbero a scuola: è intelligente ma non si applica. Se l’anno scorso la collezione era ispirata ai film di Dario Argento e non a Prada, la nuova collezione MSGM, vertigini, è ispirata alle sensazioni e alle emozioni che la montagna può regalare, ma anche a Bonatti, quindi non a Prada. Così i modelli sono i nuovi alpinisti vestiti di giacche di tweed classiche o pantaloni cargo, felpe o camicia stampa cartoline da Chamonix a Courmayeur. Peccato, davvero peccato.

Giudizio: Un po’ gli voglio bene a Giorgetti, solo vorrei fosse se stesso. Completamente.

La visione del prossimo autunno/inverno secondo Jannik Wikkelsø Davidsen, il direttore creativo del marchio danese Han Kjøbenhavn è un po’ dark. La collezione intitolata «Sweet Melancholia» è un insieme di visioni mistiche ma anche di una certa eleganza dove si intravedono capi ricamati, cappotti dalle silhouette allungate e materiali come la pelle, il cotone e la pelliccia ecologica. Interessante la linea di gioielli, metallici e gotici anche quelli. 

Giudizio: Ahimè, in Italia non lo capiranno mai uno così.

Sunnei mi interessava tantissimo, ora non più.

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Prada non sta vivendo un momento bellissimo, nessuno lo dice, ma da quando Manuela Pavesi purtroppo è scomparsa, la Signora Prada, che con la Pavesi aveva un legame che andava oltre ogni cosa, è come se si fosse persa, come se non sapesse più che strada prendere e così ha dato vita a collezioni messe in piedi per riempire i negozi e per non farsi sgridare da Bertelli, ceo dell’azienda.

Per rimarginare questa ferita, la Signora ha chiamato il figlio adottivo, Raf Simons, a co-dirigire Prada, concependo una collezione frutto di un dialogo, di una conversazione creativa in itinere. Inutile dire che la collezione ha funzionato, e che ha lanciato le basi per un nuovo modo di vedere, vestire e pensare la moda.

Ora, nel periodo in cui le aziende di moda fanno collaborazioni anche col panettiere di fiducia, ecco che Prada sceglie Adidas, il marchio tedesco (sarà un caso?!?) per una capsule, già al secondo drop, in uscita mercoledì 9 dicembre.

Sulla nota stampa della prima uscita si leggeva che i due brand avrebbero unito le loro forze per dar vita a un nuovo percorso collaborativo con lo scopo di esplorare gli aspetti legati alla tradizione, alla tecnologia e all’innovazione, sfidando le convenzioni attraverso strategie inaspettate.

Ma cerchiamo di capire meglio.

Quando nel settembre 2019 Prada ha presentato due sneakers caratterizzate da una tomaia in maglia attraversata nella sua lunghezza dal logo del brand a contrasto, furono in molti a vedere una somiglianza neanche troppo velata con una delle silhouette simbolo di adidas Originals, la Hu NMD. Quella sneaker fu disponibile per breve tempo in un pop-up di Tokyo e molto presto anche gli sneakerhead più attenti se ne dimenticarono. 

Ad un primo sguardo la maison di Miuccia Prada e il brand tedesco non potrebbero sembrare più lontani, sia per gusto che per tipo di pubblico ma un vero punto di contatto potrebbe esistere, e potrebbe trattarsi della sostenibilità.

Parallelamente negli ultimi anni entrambi i marchi hanno infatti riservato sempre maggior attenzione a questa tematica, introducendo azioni concrete nella loro produzione. 

Da più di un anno Adidas collabora con l’associazione ambientalista Parley for the Oceans, con cui ha realizzato tre modelli di sneaker sostenibili realizzate con bottiglie di plastica riciclate: UltraBoost Parley, UltraBoost X Parley e UltraBoost Uncaged Parley.

In un solo anno sono state vendute oltre un milione di queste sneaker, e non sono noccioline.

Dal canto suo Prada, dopo aver annunciato nel maggio scorso lo stop all’uso delle pellicce, ha deciso di concentrarsi sul suo tessuto per eccellenza, il nylon: oltre all’impegno ad utilizzare solo nylon rigenerato a partire dal 2021, Miuccia ha presentato Re-Nylon, una capsule composta da sei modelli classici di accessori per l’uomo e la donna tutti eco-friendly e contraddistinti da una reinterpretazione originale del logo del marchio.

Il dialogo tra i due brand è partito proprio da questo terreno comune, cercando di trovare una sintesi equilibrata tra estetiche diverse ma accomunate da una forte attenzione verso le tematiche ambientali. (che noia).

Il secondo comunicato dice invece che nell’immaginario collettivo la vela è uno sport associato a valori precisi e bla bla bla.. così la “nuova” scarpa PRADIDAS, che gira su Instagram da quest’estate mette insieme la scarpa iconica del ’97 legata all’America’s Cup e al ricordo di un team “Challenger” vestito tra il 2005 e il 2007 da Adidas.

Da questa passione verso un’immaginario condiviso in cui entrambi i brand si rispecchiano nasce una sneaker, opinabile, che vuole incarnarne l’essenza e l’eleganza.

 A+P LUNA ROSSA 21, ideata e progettata dal team creativo di Prada e Adidas, è un connubio che vuole omaggiare tanto lo sport stesso quanto ogni membro del team velico Luna Rossa Prada Pirelli, che vestirà la sneaker proprio in gara, e ogni consumatore, a cui verrà proposta una versione lifestyle.

Ad ogni modo Miuccia Prada ci ha insegnato che da lei non bisogna mai aspettarsi niente, perché la sua visione sovversiva della moda, della società e del lusso ci ha portato a riflettere su quello che indossiamo nel momento che stiamo vivendo. Forse per questo la collabo con Adidas, arriva come un fulmine a ciel sereno.

Seppur Prada e Adidas (PARE) abbiano molte cose in comune, non sono del tutto convinto su questa “unione” vuoi perché Prada per me rappresenta l’inarrivabile, o forse perché Adidas, nonostante abbia una storia e un archivio immenso, per me rimane una tuta a righe. 

Ad ogni modo, trovate  A+P LUNA ROSSA 21 a partire dal 9 dicembre 2020 presso le boutique Prada, i flagship store adidas e selezionati rivenditori in tutto il mondo. La gamma è disponibile anche sui siti Prada e adidas.

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La incontriamo virtualmente tra le nuvole, in uno dei punti più alti di Milano, la Torre Galfa. Lei compare in video davanti a 80 giornalisti divisi in tanti quadratini ed è subito Gianni Boncompagni in cabina regia a Non è La Rai.

Quando M¥SS KETA compare sul monitor mi metto a ridere, arriva sgargiante in un inaspettato tailleur pantalone rosa shoking e capello frisée con frangetta. Sono subito catapultato in una puntata di Non è la Rai e non vedo l’ora di farmi dirigere da M¥SS. “Sono sciura oggi ragazzi, e sono contenta di esserlo, sarà colpa del look”.

Il Cielo non è un Limite è il nuovo e.p. anticipato dai singoli Giovanna Hardcore e DUE, e mostra il lato più dance di M¥SS KETA in un momento in cui di ballare non se ne parla proprio, siamo messi peggio degli studenti di Bomont. Avete presente Footloose?

Ma questo e.p. è un antidoto, è uno sprono a non mollare le proprie ambizioni e a continuare a volare in alto, senza smettere di ballare. Abbiamo bisogno di sfogarci, dopo mesi di repressione forzata e una parentesi di semilibertà ci ritroviamo punto a capo e da ridere non c’è un cazzo.

Sarà che il lockdown ci ha fatto tutti un po’ riflettere e M¥SS KETA torna con un lavoro diretto che non fa sconti, ti urla in faccia facendoti sia sorridere che riflettere.

Su Rider Bitch canta contro il capitalismo in difesa dei Rider, in GHMB diventa una maitress di Berlino, poi cita come riferimenti J.C.Ballard e Crash di Cronenberg, canta in tedesco, inglese e greco antico.

Tutto in sette tracce inno alla dance che passano dalla house di Detroit all’electroclash e in cui la nostra M¥SS KETA si diverte a mutare pelle interpretando per ciascuna delle 7 un personaggio diverso. Dopo la videocall collettiva, ho un incontro privato al telefono, lontano da orecchie indiscrete, come Dodi e Diana altra sua eroina a cui intitola un pezzo prodotto dal suo bf Populous. Ecco cosa ci siamo detti:

Ciao M¥SS come stai? Oggi quando sei apparsa in video call in tailleur e capelli frisée è stato subito Non è la Rai! Mi hai divertito molto e ci voleva dopo questo ritorno in zona rossa…

Madò davvero… Ma secondo te perché io mi vesto così, perché sono la prima che vuole divertirsi! Sono contenta che mi dici questo perché anche io mi sento più tranquilla, serena e allegra, M¥SS ha anche un lato divertente ed è contenta di fare anche divertire.

Il dualismo nella tua musica c’è sempre stato, sei divertente, fai ridere ma in alcuni testi se ti si ascolta bene fai anche pensare, sono cattivelli. Mi viene in mente dal passato Burqa di Gucci e nel presente Rider Bitch…

Il linguaggio di M¥SS è sicuramente più ironico che descrittivo, la satira fa ridere di gusto e poi ci rifletti ed è un riso amaro perché cela una realtà che ti trasmette amarezza.

Senti Il Cielo non ha un Limite, un bel disco HI-NRG contaminato dalla tua leggendaria esperienza da clubber, gli anni del Glitter Club di Milano hanno segnato bene te e RIVA! (il suo produttore ndr)…

Minchia se ci hanno segnato! Ahahahahah Non ne usciamo più dagli stati mentali del Glitter ma non ci uscirei nemmeno tra dieci anni! Comunque è vero, è un disco super dance, super clubbing, proprio quel tipo di atmosfere a cui siamo affezionati noi, fa molto parte di quel mondo.

Quando oggi hai citato in videocall le influenze musicali del disco tra cui Benny Benassi, i Crookers, Miss Kittin, sembrava una mia playlist del Glitter!

Ma Marco… lo sai anche tu, che te lo dico a fare! Musicalmente è un disco super sperimentale e con delle sonorità spinte, cantarle è stato uno sfogo. E’ un disco decisamente da clubbing che esce in un momento in cui non si può andare nei club. Ma ricordatevi che qualsiasi stanza può diventare un club se l’acconciatura è un bel frisèe! La parte clubbing e i concerti mi mancano e ci mancano tantissimo a noi che siamo sempre un po’ stati animali notturni.

Potermi svagare con la musica durante il lockdown è stato salvifico. La musica mi tira sempre fuori da mood brutti e oscuri.

Il bello della musica è che anche se senti la mancanza della collettività puoi usufruirne anche da solo e ti può trasportare in mondi diversi e lontani. E’ immaginifica.

Il Cielo non è un Limite, quando ho letto il titolo la prima cosa che ho pensato è stato il lockdown, quando l’unica cosa visibile dalla finestre di casa è il cielo…

E’ nato esattamente da questo, dal vedere il cielo come un quadro, la finestra come una cornice per poi accorgersi che in realtà tu stai cercando di delimitare una cosa che è infinita, illimitata. Bisogna però cercare di capire che anche il punto di vista in cui ti trovi in un preciso momento ti può dare una visione limitata che però di fatto non lo è. Questa è la leva che volevo azionare, uno spazio che non ha confini, che poi è lo spazio mentale. L’apparenza di guardare qualcosa di ristretto che però in realtà è infinito. Gli spazi esteriori vuoti del lockdown non devono corrispondere ad un deserto interiore è difficile in queste situazioni difficili e complicate riuscire a rimanere aperti mentalmente. Ma dobbiamo ricordarci che possiamo spalancare la mente anche nei momenti più duri.

Questo è anche l’ispirazione dell’artwork realizzato da Davide Busnelli ritrae una M¥SS-jet che vola nel cielo che mi ha divertito un sacco. Mi ha ricordato Lady Gaga e la cover di Born This Way in cui il suo corpo è fuso ad una motocicletta…

ahahahah! E’ una cosa che ha notato anche Riva, alla fine sono io fusa con un aereo e lei era fusa a una motocicletta, ma che ti devo dire Marco… Great mind think the same!

Il tuo artwork è più figo! ahahahah

Ecco magari questo non diciamoglielo, lo sappiamo noi che è meglio M¥SS!

Quali sono state le influenze non musicali di ICNEUL?

La Playstation I con Whipeout 2097 e tutto il suo immaginario, le foto di Helmut Newton in bianco e nero ambientate nei grattacieli di vetro, i libri di J.C.Ballard, un testo di James Bridol che si chiama Nuova Era Oscura che parla del Medioevo digitale. E’ interessante perché è un libro uscito prima della pandemia ma già prevedeva quel che sarebbe successo a livello digitale. I film di David Cronenbherg che adoro. E’ un e.p. carico d’istintività, che contiene tanta della sperimentazione che ci ha sempre contraddistinto. Uscire in questo momento con musica nuova è un onore estremo.

Uno dei personaggi che interpreti nell’e.p. è Lady D. nella canzone Diana prodotta da Populous ormai tuo partner in crime conclamato dopo Xananas, Clique e Hous of Keta. Cosa crea secondo te questa speciale alchimia tra di voi?

Ti do una notizia esclusiva io e Populous in passato siamo stati amanti. Sarà questo? Chi lo sa… La verità è che sì siamo connessi, è inevitabile, abbiamo interessi musicali e non comuni, passiamo molto tempo insieme, siamo amici, ci scambiamo idee e ci capiamo al volo. La base di Diana è pazzesca e Populous si è spinto verso di noi e noi verso lui, si sente che è uno scambio. E’ una canzone raffinata proprio come Lady D.

In Rider Bitch troviamo invece una M¥SS KETA che sfida il capitalismo contro lo sfruttamento dei rider. Sei attualissima con gli scioperi che stanno mettendo in atto a Milano e non solo!

Uno schifo guarda! Uno degli argomenti caldi dell’anno. Rider che erano gli unici a poterci portare qualcosa da una parte all’altra di città deserte, ma schiacciati da un sistema economico indecente e assurdo. Sono quelle contraddizioni del mondo contemporaneo che ti fanno domandare “ma perchè?” Abbiamo ringraziato giustamente categorie di persone in questo lockdown come dottori, infermieri e cassieri dei supermercati persone diventate indispensabili, mentre i rider sono stati totalmente schiacciati nonostante ci abbiano salvato in una situazione del genere. Gli eroi denigrati. Gli abbiamo dedicato una canzone dal punto di vista myssketiano senza nessuna velleità, noi non abbiamo la verità in pugno, ma ci sembrava giusto farlo.

Inglese, tedesco e greco antico, da dove arriva questa M¥SS KETA poliglotta?

Abbiamo dato al mio personaggio una teatralità. Utilizzo tanti idiomi perché lingua, testi, musica non devono essere limiti proprio come il cielo del titolo.

Ma in greco antico cosa canti?

E’ un antico proverbio che praticamente dice che se chiedi qualcosa devi anche essere disposto ad ascoltare quel che non vorresti sentire.

Due il nuovo singolo che ha la base di Two Times è forse il pezzo più pazzerello del disco con quella coda strumentale totalmente RIVA!

Sì, Due è una canzone assurda, è matta, satura, ipercarica, raddoppiata, potenziata, una Myss Keta sguaiata che non si tiene assolutamente. Riassume il nostro pensiero sul mondo contemporaneo, in cui siamo sempre sovra-stimolati, sovraeccitati. Un mondo che ci porta inevitabilmente ad un’entropia totale. È il riassunto, la somma di tutto e qui RIVA sì, si è sbizzarrito.

Prima hai dichiarato di sentirti sciura? Devo pensare che la party girl che conosco è cambiata?

Oggi mi sento sciura per il tailleur pantalone che indosso e per la location pazzesca in cui siamo, perché passare una giornata in cima alla torre Galfa ci fa sentire signorissimi e ricchissimi! Poi ovvio che M¥SS rimarrà sempre la party girl che tu hai ben conosciuto, diciamo che quel lato lì non glielo togli, purtoppo o per fortuna ai postumi l’ardua sentenza! Io ti dico per fortuna perchè M¥SS KETA è vera ed è così sempre sulla scena e fuori.

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