La collezione presentata da Leo Dell’Orco, storico braccio destro del fondatore per quarant’anni, ha il sapore di un esercizio di fedeltà e misura. Liscia, morbida, profondamente Armani. Sartoria ampia, fluida, tessuti accoglienti, pantaloni pieni che si appoggiano sulle scarpe in suede come se fosse sempre domenica pomeriggio.
C’è qualche segnale di movimento: trame iridescenti, tocchi di ametista, ma sempre filtrati da quella compostezza quasi allergica allo strappo. Persino il velluto blu più acceso flirta con l’appariscente senza mai concederglisi davvero.

I bomber carnosi, le giacche da aviatore, i maglioni larghi con spalle cadenti infilati in pantaloni enormi parlano a una giovinezza possibile, mai inseguita. In totale 136 uscite che ribadiscono una verità semplice: Armani non sceglie tra monopetto e doppiopetto, tra collo a scialle o a fascia. Sceglie la languidezza. E basta.

Due show, zero scenografia nella pista sotterranea di Via Borgonuovo, modelli storici che sfilano con quell’andatura ventilata, mento alto, aria di chi non deve dimostrare nulla perché ha già dimostrato tutto. Continuità e nonchalance come manifesto politico.
Gli anni ’80 e ’90 stanno tornando ovunque, e Armani è paradossalmente in pole position proprio perché da li non se n’è mai andato. Il vero punto interrogativo è: cosa potrebbero fare i giovani designer interni se qualcuno li lasciasse davvero pescare nell’archivio, come accaduto da Paul Smith?

Il finale con le coppie uomo-donna ribadisce il ruolo pionieristico del fondatore nel riscrivere la sartoria come stile di vita totale, mentre la collaborazione con Alanui (cardigan geometrici per lui e per lei) è forse l’unico vero segnale di un sentiero nuovo.
Dell’Orco saluta alla maniera di Giorgio, inchino misurato, poche mosse. Giustissimo

Milano moda uomo fw 26: Prada: l’inquietudine come alibi (e Raf Simons come rimastone)

Da Prada, invece, l’asticella delle intenzioni viene fissata altissima: “valori umani universali, civiltà, cultura, intelligenza, cura”. Tutto affidato a camicie con taglio francese stirato a ferro e pantaloni di lana asciutti come se da un minuto all’altro avessero preso l’Ozempic e l’avessero prescritto a tutto il guardaroba maschile.

La scenografia che vuole essere un condominio sventrato, modanature borghesi superstiti, caminetti appesi alle pareti, forse funziona più dei vestiti. La colonna sonora (Virgin Prunes, Suicide) ringhia il disagio. L’atmosfera è volutamente scomoda e qui arriva il punto: Prada parla di “scomodità” come categoria esistenziale, ma la traduce in una forma ormai rassicurante che sinceramente non sorprende più.

In passerella cappotti tubolari, alti, abbottonati fino al collo ma portati con l’attitudine disinvolta di un bomber; linee asciutte, quasi ascetiche; una palette di rosa antico, malva, verde anice, viola profondo che sorprende senza mai diventare folkloristica.
doveroso sottolineare che la silhouette snella resta impressa perché diversa dal resto di Milano, non perché “rivoluzionaria”. come non sono rivoluzionarie le tecniche d’invecchiamento dei capi utilizzate da Miuccia e Raf, e Simons questo lo sa molto bene dal momento che fruga nel passato e nell’archivio immaginario e immaginifico di Margiela facendo sue, alcune delle tecniche più riconosciute e utilizzate da Martin come il memory of, ovvero la rivelazione di ciò che c’era prima: cuciture abrase, strati precedenti che riaffiorano, tessuti sottostanti che diventano parte del disegno; e il
décortiqué, con capi “scorticati”, consumati, smontati per mostrare la loro costruzione e il loro passato.

In Martin Margiela queste pratiche erano atti radicali: mettevano in crisi l’idea di lusso, di novità, di perfezione industriale. Erano gesti concettuali, spesso violenti, che parlavano di memoria, lavoro, anonimato, sistema. In Prada diventano linguaggio raffinato, colto, controllato. Funzionano, sì. Ma non destabilizzano.

Ed è qui che Raf Simons si rivela per quello che è: un rimastone, musicalmente e concettualmente: non perché sia fermo, Simons è lucidissimo, ma perché continua a muoversi dentro un’estetica e un immaginario formatisi negli anni ’90 e 2000, quando la reference sapeva ancora di trauma, sottocultura, tensione reale. Oggi quelle stesse coordinate vengono riproposte come grammatica consolidata.
Il disagio diventa stile, l’imperfezione diventa codice, la citazione diventa comfort zone.

Il risultato è una collezione riuscita, quantomeno nell’intenzione ma non rivoluzionaria. E va benissimo così. Prada non deve essere ogni volta un evento salvifico. Può essere, come qui, una prova di intelligenza sartoriale e culturale, senza bisogno di urlare al genio perché tanto di geniale non c’è niente. Anzi!

Milano Moda uomo FW26: L’Armadio di famiglia di Zegna rivela la bravura di Sartori.

Con Zegna Alessandro Sartori conferma qualcosa di semplice ma raro: è veramente bravo. Cappotti ampi che cadono naturali, trench fluidi, pantaloni morbidi, lane lavate che sembrano già vissute senza essere stanche. È un’idea di modernità sobria e concreta che respira sul corpo, senza tanti teatrini. Tra le pieghe ci sono richiami a Hermès by Margiela, sartoria invisibile e precisa, cuciture e volumi studiati per far emergere la memoria del capo, ciò che c’era prima senza essere pedante. I colori restano sobri, con qualche lampo di verde oliva e blu profondo. Sartori mescola rigore e leggerezza, memoria e innovazione, senza perdere personalità. Zegna ti ricorda che il mestiere conta ancora, che il lusso vero è invisibile e che l’armadio di famiglia può essere rivoluzionario quando è fatto bene.

Milano moda uomo fw26: Lessico Familiare e Simon Cracker: quando il discorso è ancora aperto

Fuori dai palazzi istituzionali, Lessico Familiare continua a lavorare sul linguaggio come atto politico. Il vestito non è mai solo vestito, ma frase, grammatica, relazione. Senza nostalgia, ne citazioni sterili: c’è un pensiero sul corpo contemporaneo e sul modo in cui abita il mondo. La collezione di Lessico Familiare unisce codici dello spiritualismo metropolitano e riferimenti storici in silhouette cocoon, sottovesti preziose e capispalla rielaborati.Bellissima la scelta musicale (più o meno hanno suonato l’album ray of light di Madonna) e ambizioso e credibile tutta la parte finale. Bravi

Simon Cracker, invece, resta uno dei pochi a praticare davvero l’upcycling come gesto culturale e non come greenwashing. Casting inclusivo, costruzione sbilenca, layering caotico ma lucidissimo: qui il sistema viene guardato di sbieco, smontato, ricomposto in modo lento, come un piatto che ha bisogno di tempo per regalare sapore, stupore ed emozioni sincere. Da Cracker le cose da mettere a posto sono veramente tante ma nel frattempo Simone Botte sta già compiendo una piccola rivoluzione perché mentre i grandi parlano di valori universali, sono spesso i piccoli a praticarli davvero. E lui oggi è il primo che mi viene in mente.

Milano, ancora una volta, si muove tra continuità rassicuranti, rimastoni illustri e isole di resistenza creativa. Sta a noi decidere cosa vogliamo ricordare. E soprattutto, cosa vale davvero la pena tramandare.

P.S. scrivere due righe su Dolce&Gabbana non mi costava nulla ma penso che il tempo da dedicare a quei due nazi almeno su TOH! MAGAZINE è finito.

MILANO MODA UOMO 2026 MILANO MODA UOMO 2026 MILANO MODA UOMO 2026

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È un potere magico: scrivi quelle due parole sull’etichetta e giustifichi qualsiasi prezzo, anche 3.000 €, anche se dietro c’è un laboratorio dove dormi in piedi e lavori 90 ore a settimana. Il caso Dior nel giugno 2024 e quello esploso giusto pochi giorni fa con Loro Piana, brand simbolo del cashmere italiano, e del quiet luxury hanno spaccato l’immagine patinata, ma anche un po’ sbiadita, di un intero comparto.

Per chi non lo sapesse Il “quiet luxury”, o lusso discreto, è una tendenza che valorizza la qualità, la sobrietà e la raffinatezza senza ostentazione,contrapponendosi al lusso sfarzoso. Si concentra sull’artigianalità, i materiali pregiati e la durata nel tempo, piuttosto che su loghi vistosi o design alla moda. In pratica, si tratta di un approccio all’eleganza che privilegia la sostanza alla forma, la discrezione all’esibizione. 

Ma la verità è un’altra: Dior-Manufactures Italia è stata commissariata a giugno 2024 dalla sezione misure di prevenzione del Tribunale di Milano. Alla base della scelta: operai cinesi impiegati in opifici italiani (Scandicci, Monza, Fosso) con condizioni disumane, pagati poche decine di euro, turni massacranti, assenza di sicurezza, residenze abusive dentro i capannoni.

Ecco le cifre registrate: borse vendute a 2.600 €, prodotte per 53 €. Un profitto che macchia e definisce il “lusso italiano”. Il trucco? L’ultima cucitura, magari fatta in Italia, trasforma l’ignoranza operativa in Made in Italy legale.

Poi Loro Piana, il 14 luglio 2025: il Tribunale di Milano ordina un anno di amministrazione giudiziaria sul brand. Il motivo? Aver “colposamente agevolato” lo sfruttamento. E qui fatalmente cambia poco l’elegante narrativa dei filati pregiati italiano.

Le indagini rivelano filiere di cartiera – Evergreen Fashion Group e Sor‑Man –, subappaltate a laboratori cinesi (Clover Moda a Baranzate, Dai Meiying a Senago) dove operai clandestini erano costretti a dormire dentro gli stabilimenti, lavorare fino a 90 ore settimanali per 4 € all’ora, senza ferie, tutele, corsi o sindacati.

Uno di loro ha denunciato di essere stato pestato con tubi perché aveva chiesto pagamenti arretrati. Forse dovrei fermarmi qui perché il limite della dignità è già superato. Ma c’è di più: Il costo di produzione pattuito era 118 € a giacca, pagato al fornitore italiano; loro lo compravano per 80 € dai cinesi. Poi lo vendevano tra 1.000 e 3.000 €. Un’impronta di bugia lucida, pagabile con carta di credito ma anche cash (gli arricchiti amano avere le mazzette in tasca tenute da elastici gialli)

La giurisprudenza parla chiaro: Loro Piana non ha crimini diretti, ma ha permesso che il sistema si radicasse, dimostrando di non avere alcun modello organizzativo credibile. Uno streaming aziendale fatto di audit formali, controlli allo specchio, rescissioni tardive.

Ora, più o meno, è chiaro a tutti che è tutto il sistema moda che mente, LVMH incluso. Armani, Valentino e Dior: tutti sotto amministrazione tra il 2023 e il 2025. Le denominazioni, il made in, il saper fare… sono diventati sinonimi di evasione, silenzi di ufficio stampa, adv che tengono le redazioni in ostaggio.

I giornali di settore, si anche quelli indipendenti, continuano a raccontare sfilate, sostenibilità, heritage. Non dicono niente del sangue che c’è sotto. Perché “non conviene”, perché dietro ogni review c’è un viaggio stampa, un regalo, un contratto pubblicitario. Il sistema regge perché nessuno rompe davvero le palle, se no si corre il rischio di perdere tutto.

Eppure, esistono ancora brand che puntano davvero sul Made in Italy, marchi come Brunello Cucinelli, che ha fatto della dignità del lavoro una bandiera concreta, non solo estetica. 

Cucinelli, con la sua fabbrica e scuola a Solomeo, offre salari veri e storie di dignità. Slowear, Herno, Vitelli, Il Bisonte, Alberta Ferretti, alcune linee di Zegna: realtà che producono internamente, con lavoratori regolari, tutele e trasparenza. Ma sono eccezioni anche se il loro silenzio facilita il mitomane signor marketing del lusso mainstream.

In questa narrazione, il Made in Italy è diventato un “brand estetico, non produttivo”, una barzelletta che non fa ridere, un paravento da boutique che nasconde scheletri in magazzini fatiscenti. Una truffa consensuale: il cliente paga l’immagine, non il lavoro. E l’etichetta? Serve a coprire un sistema di caporalato legalizzato, ottimizzazione dei costi, profitto sopra ogni cosa.

È tempo di fare ciò che i giornalisti dovrebbero fare: raccontare quel che sanno, senza censure, senza paura. È tempo che i consumatori chiedano trasparenza sul chi, come, dove. Solo così il Made in Italy potrà (forse) tornare a significare qualcosa.

Perché oggi, se vedi una giacca da 3.000 € con su scritto Made in Italy, chiediti: Italia di chi? Forse quella della Santanchè che alimenta più di tutti il fuoco del contraffatto ma fatto comunque bene, in Italia, che per citare una canzone mai presa troppo sul serio, è il paese delle mezze verità. 

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In calendario? Solo 15 sfilate. Tra debutti incerti, ritorni dimenticabili e conferme che sanno di muffa, Milano si è fatta scavalcare pure da Firenze. Ma procediamo con ordine, che almeno qui abbiamo ancora senso critico.

Setchu apre le danze. Satoshi Kuwata, dopo il Pitti di gennaio, decide di esordire a Milano con la sua “trasformabilità sartoriale funzionale”, un’idea ambiziosa e teoricamente interessante.

Il lavoro di Satoshi Kuwata, fondatore di Setchu e vincitore del LVMH Prize 2023, è sempre stato orientato alla sintesi tra culture e tecniche. Il termine “Setchu” – che in giapponese significa “fusione di elementi opposti” – è già tutto un programma. Nella collezione ss26 questo concetto si fa ancora più radicale: la collezione smonta, spezza, scompone, riassembla.

La destrutturazione non è solo un gesto formale, è il modo con cui Kuwata riflette sull’identità dell’uomo contemporaneo.

Molto interessante il lavoro su alcuni pezzi creati insieme ad artigiani locali (la sfilata voleva essere un punto di incontro tra Africa e Giappone) ma in toto la collezione non spicca il volo nonostante le intenzioni di volare alto fossero tante. Ma hey, questo brand fuori dal sistema non è ancora conosciuto, quindi può ancora permettersi il lusso dell’errore. Goditelo finché dura, Satoshi.

Alessandro Dell’Acqua con la sua N21 non sfila ma presenta la sua collezione maschile offrendo una sorta di antidoto alla confusione (creativa, sociale e politica) attraverso una collezione che evita qualsiasi tipo di concetto astratto (Alessandro sa bene che a quelli della moda piace tantissimo buttare fumo negli occhi quando non hanno niente da dire) affidandosi alla sicurezza della sua visione e della sua estetica con un tocco di leggerezza in piú.

Cosí ecco gli elementi essenziali del guardaroba che pur apparendo semplici non risultano mai banali come non risulta banale la nuova idea di composizione: gli anorak e le camicie con lo stesso tessuto di cotone a righe, i giubbotti con i tessuti uguali ai pantaloncini e alla camicia e la borsa unisex Cabiria.

MSGM MA PER FAVORE: il brand italiano, (prossimo al fallimento?), organizza la presentazione della nuova collezione nella boutique sempre vuota di Via Broletto. Per farla breve Giorgetti, che si é scoperto appassionato di mountain bike, ha preso le foto scattate con il suo iphone durante queste passeggiate adrenaliniche e le ha stampate su tutto quello che gli capitava sotto mano. Che genio, che bravo, che paraculo. 

Fiorucci, sotto la direzione di Francesca Murri, continua a sanguinare. Una collezione che sembra il risultato di un laboratorio creativo per bambini bendati. Meglio della scorsa? Sì. Ma solo perché quella alla Triennale sembrava un attacco personale al buon gusto. Look da cartoon, pois, Minnie, angioletti: un patchwork visivo al limite dell’involontario dadaismo. L’ironia di Elio Fiorucci c’era, ma stavolta piange.

Vivienne Westwood torna a Milano per presentare la collezione maschile (non lo faceva dal 2017) e anche Andreas Kronthaler sceglie la strada come location, nello specifico un bar vicino San Babila. Il mood è quello di un dandy di oggi: tutto è all’insegna dell’estate: ci sono la canapa leggera e il morbido tweed, il suede pregiato, i cotoni a righe vivaci, il popeline lavato e stampato, i fiorellini delicati disegnati a inchiostro dall’artista Dominic Myatt.

L’eleganza senza tempo della sartoria inglese e il “raffinato non so che milanese” che vuol dire tutto e non vuol dire niente. Le scarpe esageratamente alte, simili a quelle che fecero ribaltare Naomi Campbell, non stavano bene a nessuno dei modelli e non staranno bene nemmeno alle drag queen di Milano che le riceveranno in omaggio dal brand in cambio di qualche stories accompagnata dall’hashtag #suppliedby. Quando si dice Punk Capitalista!

Ma d’altronde come recita il comunicato stampa “Quando un uomo ha stile, significa molto. Non ha nulla a che fare con la moda, è tutta una questione di stile.” Ma quale? 

Anche Paul Smith ritorna a Milano e fa il suo. Come sempre, sempre bene. 

Lo stesso succede da Emporio e da Giorgio Armani senza Mr. Armani a prendere gli applausi alla fine dello show, al suo posto Leo Dell’Orco, da troppo tempo dietro le quinte, da un twist leggero ma significativo ad entrambi le collezioni. 

Domenico Dolce e Stefano Gabbana hanno pensato alla pigiameria sartoriale, ok! Ma non rendiamola più noiosa di così.

Un po’ meglio Simon Cracker, il Margiela wanna be, che con la sua collezione riciclata porta in scena una proposta ricca di dettagli invitando il consumatore finale a non guardarsi indietro poiché é la direzione sbagliata. 

Bravissimo Magliano, l’unico italiano da tenere in considerazione, che anziché sfilare proietta un piccolo film chiamato Maglianic, schiacciando l’occhio a Titanic, infatti la collezione viaggia su un traghetto e si sviluppa attorno al tema del workwear, reinterpretato in chiave contemporanea e futurista.

Il concetto di retrofuturismo utilitario diventa il cuore del progetto stilistico: una fusione tra la tradizione dell’abbigliamento da lavoro, con le sue divise e uniformi cariche di storia, e l’innovazione di un futuro che richiede funzionalità, comfort e sostenibilità (che si possono permettere forse in tre, visti i prezzi che manco Hermès)

Nel corto, i protagonisti non sono persone comuni, ma i look stessi: zaini da trekking robusti, capispalla tecnici, gilet stratificati, camicie essenziali, scarpe antinfortunistiche e modelli da calcetto progettati in collaborazione con Veja, brand noto per la sua attenzione all’etica e all’ambiente. Ogni pezzo è pensato come una “tenda per corpi senza riposo”, una protezione per chi vive in un mondo instabile e sempre in movimento.

Le stampe e i lunghi cappotti che avvolgono le silhouette sono anche qui un chiaro riferimento al lavoro, ma anche alla dignità e alla classe di chi lo compie. Nelle mani e nella mente di Luca, la moda non è solo estetica, ma diventa un messaggio etico forte: un tributo ai lavoratori e a chi si impegna ogni giorno, un modo per raccontare la realtà con rispetto e sensibilità.

(Ma tanto la maggior parte di voi che leggerete queste review, non é andata a votare l’ultimo referendum che riguardava anche il lavoro, quindi non potete capire di che parlo io e di cosa parla la collezione). 

E poi c’é Prada che per la prossima stagione riflette sul discorso che vogliamo andare in vacanza ma non riusciamo a staccarci dal lavoro. E quindi Miuccia e il suo badante Raf forniscono una collezione leggera e apparentemente semplice ma carica di significato. 

In passerella tessuti femminili, richiami all’abbigliamento da spiaggia, mocassini tagliati che rivelano le dita e borse da viaggio ripescate dall’archivio ma in colori nuovi.

A completare la collezione trench da ufficio leggerissimi ma rigorosi e cappelli della collezione femminile del 2005 rivisitati. Raf Simons, ancora incerto sul suo ruolo, piazza spille a caso per ricordarci che esiste. Ah Se vi state chiedendo se la scenografia avesse significato la risposta é no, non ne ha, se non un ricordo della collezione donna 2013 tramutata in tappeti acquistabili su Sklum. 

Insomma, dopo anni e anni in cui i brand facevano a gara per lo storytelling migliore, per l’influencer piú quotato e collezioni prive di qualità ma piene di sensazionalismi oggi la moda (a parte qualche eccezione) non vuole parlare piú di cosa succede nel mondo, di cosa realmente vogliono i consumatori e di essere avanti rispetto alla realtá ma vuole fare solo vestiti che nella maggior parte delle volte non arriveranno nemmeno in boutique. 

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I CEO giocano a Risiko con gli stilisti e i consumatori seguono il via vai come le signore di una certa guardano beautiful dopo pranzo, ma con la stessa sensazione che tutto cambi perché nulla cambi davvero.

Alessandro Michele, il mistico visionario con la sindrome di D’Annunzio che ha preso l’MDMA, è arrivato da Valentino, brand che aveva appena trovato una specie di equilibrio con Piccioli e che ora si ritrova a fare da palcoscenico a un’estetica che conosciamo fin troppo bene: drappeggi, poesia a caso, tappeti orientali, e perché no una passerella che pareva il bagno di un night di Amsterdam.

Genio? Forse per chi non ha referenze. Innovatore? Non più. Ma nel vuoto d’immaginario collettivo attuale, meglio una copia di sé stessi che il nulla cosmico. Ed è forse per paura che il vecchio Valentino venga dimenticato per sempre che il fondatore Garavani insieme al suo partner di vita Giammetti ha allestito una mostra tutta rossa, tutta Valentino, tutta moda, tutta vera. 

Pierpaolo Piccioli, l’ultimo romantico, ha preso il posto più radioattivo dell’intero sistema: Balenciaga. Lì dove l’estetica post-umana, post-bellezza, post-tutto di Demna aveva creato un culto, Piccioli porterà il suo umanesimo sartoriale? Sicuramente proverà a far dimenticare gli scandali di certe adv, ma non è detto che non verrà fagocitato dal sarcasmo nero pece che aleggia ancora su quel marchio. Lo scopriremo a Ottobre. Intanto, ci si chiede se abbia accettato per passione o per spirito di martirio. (Lasciatemi sognare, lo so che ha accettato solo per soldi).

Nel frattempo Demna è volato da Gucci. E se vi sembra una barzelletta, è solo perché lo è. Dopo aver reso Balenciaga il brand più controverso (e redditizio) del decennio, Demna resta alla corte di Kering, ma in una casa — Gucci — che non sa più se essere sexy, popolare, intellettuale o tutto questo insieme. Il rischio? Che diventi una nuova Balenciaga, ma con il logo più leggibile.

Intanto, il brand che non fa mai notizia ma che detta ancora legge, Chanel, ha scelto Matthieu Blazy. Una decisione precisa: dopo la morte creativa (e commerciale) dell’era Viard, serve un volto pulito, serio, autorevole. Blazy ha il gusto e la disciplina per evitare scivoloni, ma anche l’aria di uno a cui la parola cambiamento mette più paura che voglia. Chanel non rischia, non l’ha mai fatto, ma nemmeno sogna, fa sognare noi una fottutissima collezione maschile che mai e poi mai arriverà. Ma in di questi tempi dove tutto è il contrario di tutto, aver preso Blazy è già una strategia.

Glenn Martens, invece, sfida la logica e i turni di lavoro: sarà a capo di Margiela pur restando da Diesel. Margiela, ovvero il tempio del silenzio, della sottrazione, del pensiero critico, del non logo, ora nelle mani di un designer noto per denim industriali, show spettacolari e dichiarazioni forti. Sarà interessante vedere come gestirà la schizofrenia. L’importante è non aspettarsi il fantasma di Galliano che negli uffici di Place des États-Unis ci andava solo quando se lo ricordava e tanto meno quello di Martin. Non c’è più. Anche se tutti ne sentiamo la mancanza. 

Ma il vero colpo di scema arriva da Versace, dove Prada ha calato l’asso. Mossa fredda, da vero killer, spietata: Donatella fuori, Dario Vitale dentro. E se non sapete chi sia, è perché non dovete. Prada non sceglie per hype, ma per strategia. In un mondo in cui tutto urla, loro sussurrano. E poi colpiscono. Versace ora è parte del “sistema Prada” — leggasi: meno trash, più margini. Addio paillettes? Non subito. Ma a Donatella, se non altro, non toglieranno mai il mito.

Chi invece ha tolto il disturbo senza troppi drammi è Dries Van Noten. Un addio elegante, senza caos né gossip. L’uscita di scena di chi sa che la moda non è più il posto per chi vuole creare con lentezza, bellezza, e una certa forma di poesia. Rimarrà il marchio, certo, ma l’anima è uscita con lui. E forse è meglio così.

E infine, Maria Grazia Chiuri lascia Dior. Dopo anni di t-shirt femministe, frasi ricamate e passerelle che sembravano simposi ONU, la designer abbandona il campo lasciando Dior senza una voce fintapolitica. Il bilancio? Diviso. Ha portato il femminismo sulla passerella, ma spesso l’ha ridotto a merchandising. Adesso che se n’è andata, la domanda è: chi si prenderà la responsabilità di raccontare il femminile? Ma JW Anderson ovviamente, che dopo l’operazione difficilissima di rianimare lo spagnolo LOEWE (che con il duo di Proenza Schouler è pronto a tornare in cantina) è stato chiamato da Dior prima uomo e ora anche donna. Ma non sono sicuro resti li per molto tempo.. sarà un raf simons bis?

Insomma in un mondo sempre più dominato da uomini, quasi tutti quarantenni e quindi per la moda appena maggiorenni, a parte Miuccia con a seguito il suo badante e Louise Trotter da Bottega Veneta, siamo tutti in attesa di tornare a vedere collezioni disegnate da chi sa farlo, da chi ha studiato e non dalla Bellettini ne tanto meno da Cantino o qualche altro direttore marketing, perché se è vero che il sistema moda è ormai un palcoscenico instabile dove le direzioni creative cambiano più in fretta delle tendenze, e mentre gli stilisti si passano il testimone come in una staffetta ad alto rischio reputazionale, i brand e i loro CEO inseguono l’illusione che un solo nome possa salvarli. Ma la verità oggi sembra un’altra: la moda ha smesso di cercare idee, ora cerca solo colpevoli.

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In un miscuglio di ironia, sincerità e ritmi pop, Claydym si rivela come un’autrice e interprete in grado di cogliere l’essenza delle esperienze quotidiane e trasformarle in canzoni che risuonano autentiche e coinvolgenti.

L’avevamo già incontrata con il suo primo EP UN-POPULAR, ma con il suo primo album Incidenti di Percorso, la giovane artista milanese si apre al pubblico con una serie di brani che mescolano racconti personali, narrazioni tragicomiche e melodie orecchiabili.

In questa chiacchiera che ci siamo fatti a ridosso dello shooting, Claydym ci porta dietro le quinte della sua musica, raccontandoci il processo creativo, le influenze e le sfide incontrate lungo il cammino.

Tra riflessioni sulla scrittura dei testi, la produzione del disco e l’impatto della sua presenza sui social media, Claudym si svela come un’artista che affronta il mondo con ironia e determinazione, senza mai perdere di vista la propria autenticità.

*a due mesi di distanza dall’uscita del disco Claudym pubblica un nuovo singolo che s’intitola “Complici”. non ci siamo fatti sfuggire l’occasione di farle alcune domande ampliando l’intervista, le trovate qui sotto:

*Come è nato questo nuovo “Incidente di Percorso”?

É in realtà uno dei primissimi brani del disco, nato due anni fa. In quel periodo ero presa tra i live estivi e quando sono tornata in studio (era agosto) ho sentito il bisogno di spezzare un po’ le catene dall’ep, che era uscito da poco, e di scrivere qualcosa giusto per gioco.

Diciamo che é tutto partito da un vocale che ha influenzato il sound che a sua volta ha influenzato la scrittura. Non ero infatti del tutto convinta di questa contaminazione un po’ country, ho custodito il pezzo per un po’ fino a risentirlo solo di recente, con la chiusura del disco e riconoscermici un sacco.

Complici è una Bonnie & Clyde 2.0 in salsa spaghetti western, contraddistinta dal tuo humor inconfondibile, cosa l’ha ispirata?

Non lo so di preciso, come dicevo prima credo il sound. Il fatto che fosse più distante da quello che facevo solitamente e che avesse questa vena appunto un po’ spaghetti western, mi ha permesso di staccarmi dal mio racconto e immaginare una storia a parte.

Che poi mi sono resa conto dopo essere comunque nata dal mio vissuto ahaha. Però é stata in effetti la prima volta che giocavo così col testo, parlando di qualcun altro, e questa cosa me la sono portata dietro in altri brani del disco. Alla fine Complici è stata un po’ un’apripista in questo senso.

Com’è stato lavorare con OkGiorgio alla produzione ora che è nel suo momento meritatamente hype?

Complici é nata appunto due annetti fa, in un momento in cui Giorgio non era in hype ma sapevo che aveva tutte le carte in regola per farcela. Ho sempre creduto in lui a prescindere dagli ascolti e da quanto il nome fosse chiacchierato, così come faccio sempre. Mi fido forse più degli artisti non in hype che il contrario ahaha.

Ricordo che questo brano é nato proprio da un vocale che avevo fatto a caso. Gliene stavo facendo ascoltare un po’ e su questo si era illuminato. Gli faccio “ma davvero?” ahahah e da lì ci siamo influenzati a vicenda nella scrittura e produzione: nella prima session c’era solo la linea vocale del drop e più strumentale. Su quella ho scritto e poi gliel’ho riportata con una mezza bozza di prod della seconda strofa. Poi insieme abbiamo lavorato all’intro e altre parti.

In genere sui pezzi sono più “controllante” perché ho un’idea più precisa di struttura, prod ecc. Questo é uno di quelli in cui però ci siamo guidati a vicenda scoprendo man mano cosa sarebbe uscito.

Finalmente è uscito il tuo primo disco “Incidenti di Percorso”, come la vivi?

Al momento mi sento un po’ in un frullatore! (ride, ndr). Però sono davvero orgogliosa di questo disco e felice del fatto che finalmente lo possano sentire tutti. É stato un lavoro lungo, di maturazione e mi piacerebbe riuscisse a far sentire un po’ di più la mia voce. Ma i feedback di questi giorni sono positivi e ne sono contenta.

Un album frutto di un lungo lavoro. Come ti trovi come artista esordiente nel calderone della musica italiana?

Penso che soprattutto in questo periodo si faccia una fatica immensa. É scoraggiante perché a volte sembra non ci sia proprio spazio. Servirebbe un po’ di fiducia in più verso i progetti nuovi. Però sono felice di avere avuto la libertà di fare la musica che volevo io, non é scontato.

I tuoi testi sono ancora un mix tra esperienze personali, amici e di fantasia, perché mi sembrano più personali rispetto ad Un-Popular, sbaglio?

É molto interessante questa cosa perché pensavo di aver avuto una scrittura più personale in Un-Popular e più narrativa in questo album.

Probabilmente pur essendo passata (rispetto all’ep) a racconti di situazioni o storie altrui, il mio approccio alla scrittura é diventato più aperto e quindi chiaro in questi anni, permettendomi di far uscire meglio la mia personalità anche quando non parlo di me, e questo mi fa molto piacere.

Ti piace sempre scherzare sulle sfighe della vita, quelle legate al quotidiano, dalla gomma da masticare attaccata sotto alla scarpa ad un bubble tea rovesciato, queste allegorie pop nascondono messaggi più seri?

Ci sono sicuramente dei brani più leggeri, come “Cose che si dicono” per esempio, ma quasi tutti nascondono un “amaro in bocca”, un racconto più profondo rispetto a quello che si pensa.

L’ironia é proprio un modo che ho tutti i giorni per comunicare ed é quindi uscita naturalmente nei testi delle canzoni, filtrando un po’ il contenuto.

Penso ci siano vari layer nei brani del disco, che passano, come dicevi tu, da quello visivo più pop e rassicurante (con le allegorie funny) fino ad arrivare ad una parte più profonda in cui capisci che la maggior parte dei testi parlano di una persona che é in continua lotta con sé stessa.

Sento un approccio più maturo sia nella musica che nella vocalità e anche nei testi, direi che c’è meno caos. È stata una scelta voluta?

Credo sia stato il risultato di una necessità più che di una volontà. Penso per esempio che questo disco suoni anche più pop, ma semplicemente perché é più chiaro.

Maturando, scrivendo, riascoltando, ho visualizzato degli errori che facevo e li ho corretti. Non perché volessi essere più efficace in termini di numeri, ma perché volevo essere più comprensibile.

Ho dato tantissima attenzione alla scrittura perché non mi sentivo abbastanza come cantautrice e questa insicurezza credo mi abbia fatta migliorare tanto. Ho capito, crescendo in questi anni con la musica, cosa fosse necessario e cosa no. 

Succede ancora che ti chiedano se scrivi veramente tu i tuoi testi perché sei donna?

É da un po’ che non mi succede in realtà (ride, ndr). Forse ci si sta abituando a questa cosa? Negli ultimi mesi, anzi, ho trovato tantissime persone attente e partecipi, che sottolineavano il mio ruolo nelle canzoni che ascoltavano. 

Sei molto esposta sui social, a volte sembri scazzata, altre super energica, altre sbadata. Mi chiedo qual è, se c’è, differenza tra ClaUdym e Claudia.

Nessuna, anzi a volte non mi rendo conto del contesto in cui mi trovo e rischio di sparare delle robe che forse dovrebbe dire solo Claudia!

Claudym é la parte di me che si mette più in gioco perché generalmente nella quotidianità non vivo situazioni molto adrenaliniche.

Però quando capitano a Claudia (che, per abitudine é più composta e tranquilla) le affronta allo stesso modo. Non c’é un alter-ego, sono esattamente così. Mi piace essere un po’ l’antieroe, la pop star che non é star per niente.

Ascoltando l’album e le sue derive anni ’90 è come se avessi assorbito tutte l’energia di quel periodo in cui eri una teenager e l’hai fatta defluire attraverso la Claydum di oggi con un risultato che suona nostalgico ma moderno, è così?

Assolutamente. La musica dei Novanta / Duemila é quella che mi ha formata sia umanamente che musicalmente. Sono i miei riferimenti, stampati in modo indelebile dentro di me perché legati anche ai ricordi d’infanzia: non c’é niente di più potente.

Non é un caso che, in un periodo in cui non c’é grande varietà nella musica, le novità che ho ascoltato in questi anni erano gli artisti che riportavano gli anni ’90 nei giorni nostri.

Renforshort, Upsahl, Willow Kayne, Master Peace, e via dicendo. Mi sono ritrovata in questa corrente. Già in Un-Popular c’erano delle influenze dei ’90, ma in Incidenti Di Percorso si sono definite di più.

Con chi hai lavorato alla produzione del disco? Ci sono dei pezzi bomba da questo punto di vista, penso a come ti travolge “Trigger” che sfiora la gabber, o “Blahx4” che mi riporta un po’ al mondo dei primi No Doubt.

Il disco é stato prodotto per metà da okgiorgio e per metà da Marcello Guava. Nonostante ciò penso ci sia un sacco di coerenza e sintonia tra i vari brani. Quando mi fido professionalmente di una persona mi piace mantenere quel team, per questo non ci sono tanti nomi coinvolti in questo album.

Le canzoni sono state quasi tutte scritte da me e poi prodotte in studio con Giorgio o Marcello, ad eccezione di tre brani in cui ho collaborato con Wako, Celo, Itto piuttosto che Palmitessa.

Con Wako in particolare si é stretto un bel legame ed é stato umanamente di supporto su un po’ di pezzi del disco, facendoci compagnia in studio quando ci stavamo lavorando.

Che ascolti hai fatto mentre registravi il disco? 

Un po’ di quelli citati prima (Renforshort, Upsahl, Master Peace, Willow Kayne) più tanti dell’epoca ’90-2000, come le All Saints, i Blur, Prodigy, Gorillaz, e via dicendo.

Sui social hai sempre un sacco di idee divertenti. Dal cartonato di Danny De Vito, a tu che ti fai doppiare da tua nonna, alla vita dei tuoi cari topini… si vede che hai un background creativo. Pensi ti sia stato utile nel tuo lavoro di cantante che fa parte di un meccanismo così esigente? Perchè si da per scontato che per fare una storia ci vogliono 15 secondi ma in realtà può diventare stressantissimo farne una. Cosa ne pensi?

A volte sono un po’ in difficoltà. In generale mi diverte sempre fare contenuti creativi perché ho vari stimoli e quindi diventano semplicemente delle valvole di sfogo aggiuntive, altre vie di comunicazione.

Questa mia indole coincide bene con la necessità di farlo, però é molto stancante.

Adesso a un artista si richiede tutto un mischione di cose che rischiano di distogliere dal focus centrale.

Oltre al fatto che assorbono davvero tante energie. I social infatti li trovo un po’ meno invitanti rispetto a tempo fa.

Non mi diverto più a postare quello che sto facendo nelle storie, per esempio. Me lo vivo e basta. Anzi, soprattutto non lo faccio quando sono in compagnia. Instagram e TikTok sono diventati più una sorta di portfolio per me.

Mi dispiace un po’ però quando la serietà di un artista viene sminuita da quanto é attivo sui social, non pensando al fatto che nel 2024, soprattutto per un emergente, é una modalità meno controllata (anche se comunque dipendente da logiche algoritmiche) di far arrivare il proprio lavoro a più persone.

“Uomini Alfa” è una canzone che attacca il patriarcato ma con strafottenza, direi che è una girl power che l’ha scritta. Quanti uomini alfa hai incontrato nella tua vita?

Abbastanza, e nel contesto studio potrebbe essere una continua sfida interfacciarsi con nuove persone.

A volte non veniamo prese sul serio: sottili atteggiamenti di mansplaining, esperienze comuni a tutte e stancanti.

Però sono fortunatamente stati incontri sporadici e non particolarmente significativi. Non vorrei essere fraintesa, ognuna di queste esperienze ha lasciato una traccia, ma si parla di sconosciuti o persone con cui non ho mai più dovuto avere a che fare direttamente.

Gli uomini che mi sono vicini sono sempre stati empatici: un safe place che a volte rende più scioccante mettere la testa fuori e scoprire che c’é ancora chi si atteggia diversamente.

Quanto è importante per te raccontare le tue esperienze ma in un modo che definirei tragicomico, come se mettessi in piazza le tue sfighe quotidiane ridendoci sopra; fa parte della tua cifra stilistica?

Più o meno, però farlo é fondamentale per me per sopravvivere. Sono una persona molto ironica e lo sono soprattutto nel comunicare la mie fragilità e i miei problemi agli altri.

É un modo per esorcizzarli e prenderne il controllo, ma anche per cercare di farsi una risata. Però in realtà prendo tutto in modo mega drammatico! Forse é per questo che cerco di alleggerire.

Vivo ogni ostacolo come una fatica enorme. Sono… un po’ pesante! (ride, ndr)

Il pop ultimamente si prende molto sul serio, a me manca un po’ di spensieratezza o anche di scazzo e tu ce lo hai riportato! È una scelta intenzionale?

Sì e no. Come dicevo prima é un lato di me che é uscito naturalmente perché fa parte della mia quotidiana comunicazione e del mio modo di essere. Però, se dovessi analizzarmi, é una cosa che non andrei a togliere, un po’ una mia cifra stilistica che mi piace.

Quindi se mai dovessi perdermi o sentirmi dire di fare altro, me lo voglio ricordare. Ho vissuto io stessa il peso di questo prendersi sul serio e della distanza col pubblico messa dai miei artisti preferiti.

Non mi piace e non mi faceva sentire adatta a provare a fare anch’io musica, perché diversa da quella cosa lì. Io voglio essere normale.

É un periodo in cui in Italia ci sono tantissime artiste donne, alcune riescono ad emergere altre restano in un sottosuolo che va scoperto e una volta fatto è meraviglioso, c’è solidarietà tra di voi?

É molto difficile rispondere senza cadere nella generalizzazione, però di base direi che quello della musica é in partenza un club, con tanti alla ricerca di una salvezza, un modo per esserci o rimanere, e di conseguenza se non rispetti certi requisiti difficilmente vieni calcolato.

Fatta questa premessa, é oggettivo che l’industria musicale porti ad una maggiore competizione tra le artiste femminili, perché siamo meno e perché vittime di un divieto di ogni genere di sovrapposizione, (look simili, colore di capelli uguale, o capelli colorati in generale, e tante altre cose sono già abbastanza per definire un’artista la copia di un’altra, mentre a livello maschile questa cosa non succede).

Diventa quindi un po’ una gara a chi ci riesce prima. Uscire da queste dinamiche e capire che lo spazio dato ad un’altra persona non lo leva a te (ma questo in generale) é difficile, ma é una cosa che ho cercato e che cerco sempre di fare perché ho capito che supportare mi fa sentire bene.

Non posso dire, sinceramente, di sentirmi parte di un gruppo, ma non posso nemmeno dire che sia sempre una questione di mancanza di solidarietà. Forse la motivazione é semplicemente relazionale.

Per carità, ho delle amicizie e artiste con cui ci sosteniamo, sto facendo una generalizzazione. Però se si vuole far credere che a prescindere ci sia una squadra e tanta empatia, questo secondo me purtroppo non é ancora arrivato.

Com’è stato aprire le date al Forum di Assago dei Pinguini Tattici Nucleari? Ti è servito a farti conoscere un po’ di più? Io penso che in Italia dovrebbe esserci più spazio ai giovani artisti in apertura dei concerti dei big come succede all’estero

Sì, sarebbe bello e sono molto grata ai Pinguini per avermi dato questa possibilità, assolutamente non scontata, soprattutto considerando la responsabilità di aprire un concerto in un palazzetto per un’artista con pochissimi live alle spalle, quasi zero. É stata un’emozione incredibile e bello vedere sostegno ed entusiasmo da un pubblico non tuo.

Ci sono per fortuna quelli così felici di sostenere il loro artista/la loro band, che tutto ciò che poi é legato a loro lo accolgono a prescindere nella propria famiglia. Mi sono sentita così e alcune persone sono rimaste.

Questa tua predilizione per un look street da maschiaccio da dove arriva?

Già da quando ero piccola, ma in modo variabile. Io dico sempre che ho un sacco di contrasti, é come se fossi divisa in due persone, così come penso che esca in Claudym e nelle mie canzoni. Quindi ricordo una me con un look mega maschiaccio e una me con gonnellina e fiocchetti.

Ho avuto i capelli corti per tanti anni e mi piacevano, salopette e scarpe da ginnastica. La mia Spice preferita era Mel C (ma anche Mel B) ed é scontato dire che amavo Pink, Gwen Stefani, Natalie Imbruglia.

Negli anni dello sviluppo ho vissuto molto male il mio corpo. Ricordo che nel periodo delle medie facevo il bagno con i pantaloncini da uomo, lunghi fino al polpaccio, e la muta sopra. Mi piaceva tantissimo.

Poi ho dei ricordi e fotografie di me, appunto, tutta composta, con la gonna, la camicetta… grandi contrasti, mi sa che mi piaceva già molto giocare con la mia estetica.

Ma in generale le donne con i look street le ho sempre trovate mega stilose e guardate con ammirazione, volevo essere come loro. A questo si aggiunge un disagio nello scoprirmi che, nonostante gli anni passati, non se n’é andato del tutto.

Come sarà il nuovo live di Claudym?

Molto divertente e coinvolgente. Abbiamo preparato un piccolo show, nelle nostre possibilità, ma ben strutturato e con un bel dialogo con il pubblico. Non vedo l’ora di portarlo sui vari palchi.

Ultima domanda di rito: qual è l’ultimo album di cui ti sei innamorata?

“How to make a master peace” di Master Peace. Album recentissimo, che spacca!

Production & words: Marco Cresci

Fotografo Alessandro Esposito
Stylist Alex Vaccani
Grooming Sara Vescia
Stylist Assistant Alessandro Marzo
Photographer Assistant Luca Trelancia

Thanks to: Circus Management, Island Records, GDG PR

L'articolo Claudym non è un incidente di percorso proviene da Toh! Magazine.

Oggi Jeremy Allen White è per Calvin Klein il testimonial della nuova campagna di underwear scattata da Mert Alas. 

Per l’occasione Jeremy Allen White è stato ritratto mentre indossa solo le mutande più iconiche del marchio, con lo skyline di New York a fare da sfondo.

Sfoggiando pose da icona sexy quale è diventato, Jeremy “Mostra la sua connessione alla città e ne amplifica la potente energia”. La campagna di underwear uomo primavera 2024 “Rinfresca i design classici Calvin Klein grazie ad un nuovo trattamento del logo e dei materiali per un comfort quotidiano”. E sinceramente rinfresca anche i nostri occhi e accendendo desideri che è meglio non divulgare.

Chi è Jeremy Allen White?

Per quelle poche, pochissime persone che non lo sanno Jeremy Allen White, classe 1991, sta vivendo un momento d’oro. Dopo aver dismesso i panni di Lip Gallagher in Shameless ha indossato il grembiule da chef in The Bear, serie osannata da tutti

È proprio per questo ruolo che ha ricevuto diverse candidature e premi, tra cui un Golden Globe come miglior attore.
Padre di famiglia fino allo scorso anno, al momento pare che la sua nuova fiamma sia la cantante spagnola Rosalia.

Piuttosto schivo, riservato e quasi sempre fuori dai giri di Hollywood a Jeremy non gli interessa apparire bello a tutti i costi anzi si è detto spesso ‘sorpreso’ di essere considerato un sex symbol, eppure al talento d’attore affianca il talento di essere un bono senza paragoni con il suo fascino naturale di chi non teme di mostrarsi scompigliato dietro le telecamere così come sul red carpet, e forse è proprio per questa immagine poco impostata che ci fa bagnare.. volevo dire sognare.

Godetevi questi scatti in attesa di vederlo al cinema dal 1 febbraio in “The Iron Claw”, la storia vera della famiglia Von Erich che negli anni ’80 fu una leggenda del wrestling americano. Jeremy si trasforma per la pellicola in Kerry Von Erich uno dei tre fratelli wrestler, sullo schermo interpretati da Zach Efron e Harris Dickinson. Inutile dire che i tre si sono fatti il fisico per entrare nei personaggi e il tasso di testosterone è già alle stelle tra jeans attillati anni ’80 e mini slippini sul ring.

L'articolo Jeremy Allen White è nudo per Calvin Klein.  proviene da Toh! Magazine.

“Jonny” è uno dei dischi che aspettavamo di più nel 2023, vuoi perchè il cantante, Jonny Pierce, è un grande amico di Toh! Magazine e anche perchè l’ex The Drums nel nuovo album va oltre, raccontando la sofferenza e la solitudine di chi è cresciuto in una comunità religiosa con un padre Pastore, e ne ha vissuto la violenza.

Per noi “Jonny” è un disco introspettivo, forse il più personale di Pierce dal suo esordio, e tra riverberi e drum machine ci racconta che anche una bestia come la solitudine può far trovare la giusta via per sopravvivere, insegnando a superare i traumi subiti.

Musica.
L’Intervista

The Drums

Chi legge Toh! Magazine sa bene che scoprire nuovi artisti è da sempre una delle nostre mission, per questo 2023 di scoperte ne abbiamo fatte ma Rareş è quella che ci ha colpito di più.

“Femmina” è un disco pazzo nel senso buono del termine, di quelli che ti fanno esclamare: “Weird is cool!”. Sperimenta con i synth, decostruisce la forma canzone, mescola elettronica, pop, punk e hyper-pop , giocando a storpiarsi la voce in mille modi con testi apparentemente criptici ma profondamente personali.

Insomma, Rareş ha creato qualcosa di nuovo e inaspettato in Italia. Dategli una chance.

Musica Italiana.

Rareş

Con le sue illustrazioni, Filip Adrian crea un elogio dell’ironia e del camp condita di sano cinismo che fa risultare tutto assordantemente attraente.
L’artista riesce a creare delle conversazioni figurative a dir poco stridenti, dove si può vedere l’innocenza adolescenziale contaminata dalla mancanza di pruderie, che fa coppia con l’età adulta, ma che è anche enormemente liberatorio. 

Arte.
Illustrazione

Filip Adrian

Timmi Taubenschreck ci mostra una serie di uomini immortalati in momenti insoliti, intimi ma anche in situazioni più studiate e sceniche.

Timmi fotografa ciò che la maggior parte della gente vorrebbe fotografare o osservare, perché è realmente molto eccitante.

Arte.
Fotografia

Timmi Taubenschreck

Ahmad è un fotografo palestinese che vive a Montreal, le sue fotografie sono la rappresentazione dell’identità e fisicità queer. Il corpo nei suoi lavori è rappresentato libero, senza inibizioni, rivelando le emozioni e le pulsioni.

Il suo approccio attraverso la macchina fotografica è crudo e chiaro senza mezze misure come se avesse tolto ogni tipo di compromesso o di velature così come piace a noi.

Arte.
Fotografia

Ahmad

Baju Wijono è stato selezionato come uno degli artisti dell’anno perché è un pittore controverso che attraverso la sua arte che spazia dall’astratto a figurativo cerca di esprimere e manifestare il suo dissenso contro Instagram e la sua censura che ci spinge sempre più verso un’omologazione in un web fatto di censura e di divieti.

Baju propone arte libera, così come dovrebbe essere, senza pregiudizi ne giudizi e viene vissuta liberamente senza omologazioni e il suo pensiero è potente e libero.

Arte.
Pittura

Baju Wijono

Caroline Polachek è la pop star di cui sappiamo aver bisogno senza nemmeno conoscerla. Il suo disco, il più bello del 2023 secondo la redazione di Toh! Magazine, è una pietra miliare della musica degli ultimi dieci anni che all’electropop unisce le cornamuse (vedi “Blood and Butter”), archi e pianoforte (“Pretty In Possible”) e una spolverata di Matia Bazar degli anni d’oro. (Welcome To My Island).

Caroline ha spostato la lancetta verso un pop intellettuale mettendo da parte le paure della sperimentazione e puntando su voce e coreografie da far perdere la testa al primo ascolto.

L’ALBUM INTERNAZIONALE

Caroline Polachek
“Desire, I Want to Turn Into You“

Madonna 40 anni dopo insegna ancora a tutti cosa vuol dire fare uno show live, La Ciccone non si ricicla, si sfida, sceglie di ballare su tappeti di vetro ed affrontare l’affollato e anche forse troppo saturo scenario pop di oggi invece di incamminarsi verso la malinconica china del revival.

Lo show è stato come una festa per celebrare la vita, l’orgoglio, lo stile, la storia di chi per prima si è battuta spianando e aprendo la strada a tutte quelle che oggi in un modo o in un altro definiamo “pop star”.

Questo concerto, dove non sono mancati momenti politici, di rivendicazione e di unità collettiva ha avuto il ruolo di manifestare una Madonna che non si vedeva da tempo, testimonianza del genio della sua follia e quasi privo di difetti. A chi dice
che Madonna non canti si sbaglia, Ciccone ha studiato e non l’abbiamo mai sentita così
intonata, a chi pensa che sia vecchia si sbaglia di nuovo: Madonna è senza età. E chi crede di aver visto tutto si sbaglia ancora, il celebration tour è lo spettacolo dell’anima, ti guarda dentro, ti sprona a dare e a fare di meglio e sempre di più.
Brava!

IL CONCERTO

Madonna
The Celebration Tour

Cosa possiamo dire di The Bear che non sia già stato detto? Forse niente se non consigliarvi di guardarla se ancora non l’avete fatto. La trovate su Disney+

LA SERIE

“The Bear”

Bottoms è per noi il film del 2023, il duo Seligman/Sennott prova, riuscendoci, a cambiare la commedia scolastica americana. Il film disponibile su Prime Video è stato uno dei più discussi e commentati negli States da quando è stato presentato al Sundance confermando l’immenso talento dei registi.

IL FILM

Bottoms

L’abbiamo già detto ma possiamo ripeterlo a iosa: nessuno nella moda oggi conta di più di JW Anderson. La sua visione della vita, della moda e delle persone va oltre i trend e le proposte ormai tutte uguali dei brand di moda.

JW celebra il vestirsi come un atto esuberante che oltrepassa le barriere di genere e gusto. Come non amarlo?

LO STILISTA

JW Anderson

L’intento della mostra è stato quello di mettere in discussione il modo in cui gli artisti, qualunque sia la loro sessualità, hanno voluto mostrare un’immagine affermativa per combattere gli stereotipi che troppo a lungo hanno segnato un destino comune.

Con più di 500 opere presentate al pubblico, la mostra ha proposto anche una interessante rassegna di vecchi film, di documenti rari oltre a dipinti di indubbio valore. Interessantissimi alcuni disegni praticamente sconosciuti di Andy Warhol, eseguiti con penna a sfera negli anni ’50, prima che diventasse l’artista per eccellenza della pop art.

LA MOSTRA

Over the Rainbow
Centre Pompidou, Parigi

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L'articolo Toh! Magazine: Il Meglio del 2023 proviene da Toh! Magazine.

Laura Girolami con questo shooting va alla ricerca di qualcosa che non c’è o che ancora non abbiamo avuto modo di vedere. Attraverso colori scuri, materiali che si spingono al limite ma che poi ritornano alla loro forma primaria attraverso il potere della sensualità primordiale femminile.

Fotografia Irene Vesentini
Styling Laura Girolami
Post-produzione Rachele Boccadoro
Make-up & Hair Valentina Molino from Pro*Lab Milano

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L'articolo Pelle su pelle proviene da Toh! Magazine.

Fa caldo, ci si spoglia e poi si mangia. L’atto di mangiare l’anguria non è solo una scena altamente erotica ma un simbolo di apprezzamento per la bellezza della vita.

Il succo dolce e rinfrescante che gli scorre per il mento che finisce sul petto è metafora della liberazione che ha trovato nell’abbracciare se stesso senza riserve.

In quel momento, lui sa di appartenere al mondo in cui si trova e di meritare il meglio che la vita ha da offrirgli.

Ph @Nicola Surbera

Model @Pietro

L'articolo FEEL THE RUSH proviene da Toh! Magazine.

I tassisti di Milano sanno sempre tutto quello che succede in città perchè così possono organizzare il loro lavoro al meglio. Capita però che anche ai più preparati di tutti sfugga di mente che dal 16 al 20 giugno a Milano c’è la Fashion Week maschile per l’estate 2024.

In effetti con due sfilate in croce, quattro eventi in giro per la seconda cerchia dei Bastioni può capitare che ti passi di mente.

Noi di Toh! Magazine qualcosa l’abbiamo vista e quello che leggerete di sotto è la somma di quello che ci è rimasto in qualche modo impresso.

Tutto inizia con PierPaolo Piccioli che (ri)porta la sua Valentino all’Università Statale di Milano (Valentino Garavani ha allestito la sua prima collezione di moda uomo nel 1985) e lo fa chiedendosi: cosa vuol dire essere uomini oggi? Bella domanda, che personalmente trovo non abbia necessariamente bisogno di una risposta ma a guardar bene la collezione capisci che questo è un momento per ridefinire un’identità maschile, per riesaminare il significato di mascolinità per scoprire una prospettiva nuova, moderna.

La collezione Valentino The Narratives ne riconsidera la definizione per il presente – la vita degli uomini, la vita dei loro vestiti, la realtà della mascolinità oggi.
Il cambiamento culturale e sociale rivaluta il nostro concetto di maschile, e gli indumenti che lo vestono.

Oggi l’uomo di Piccioli per Valentino porta i blazer e i cappotti sartoriali con shorts corti, addolciti e resi più casual, i classici capi per il lavoro, le uniformi della virilità che ci sono
familiari, sono trattati con delicatezza, mentre le forme di tutta la collezione evolvono in modo sottile, quasi impercettibilmente modificate nelle parti, per trasformare il tutto.
C’è vita nei capi di abbigliamento, vita nei tessuti, fiori come simboli della vita stessa, la transitorietà che diventa permanenza.
Non si può sfuggire alla storia, che influisce sul presente, determina il futuro. Questa collezione, tuttavia, propone e reagisce a una rivalutazione contemporanea della storia – al contempo rimettendo in discussione e costituendo un dialogo ininterrotto su che cosa definisce un uomo oggi.

Da DSquered2 non si finisce mai di toccare il fondo nonostante i due gemelli abbiano pensato di portare in passerella un best of dei loro anni migliori (mi sto ancora chiedendo quali siano stati gli anni migliori per DSquared2).

L’idea mi è parsa quella di uno spring break passato a casa dello zio (Rocco Siffredi) impegnato a girare un porno mentre gli altri ospiti si divertono a guardare.. Ecco io non mi sono divertito perchè penso che i cliché non facciano divertire nessuno.

Magliano, beh che dire follettini e follettine.. noi abbiamo sempre creduto nel suo lavoro, nella sua idea di moda progressista, nel suo essere fintamente fuori dai giri, ci piace dal 2018, anno in cui nasce il brand e improvvisamente dopo anni di piattume e pattume arriva da Bologna a Milano uno che ha davvero talento (non soltanto sotto le coperte) e che con la sua idea di moda può arrivare lontano.

Per la collezione SS24, la prima dopo il successo all’Lvmh Prize, Magliano si concede la prima passarella vera e propria, come mai era successo nella storia del brand.

Così il Palazzo del Ghiaccio si trasforma nel Palamagliano dove sfilano bomber, pantaloni, tute da lavoro e giacche antivento, che si trasformano in pezzi di una couture povera e umile, dove la funzionalità è il più grande elemento di preziosità.

Ma c’è di più: arrivano in passerella capi-amuleto con parole che sono preghiere e ringraziamenti, a cui si aggiungono le catene e gli orecchini fatti di monete e di gettoni telefonici, tenuti vicino al cuore per scongiurare la povertà, come faceva Alda Merini, musa ispiratrice per questa stagione del lavoro di Luca Magliano.

Ci sono anche le maglie e le borse realizzate in tessuto che mostrano la scritta Magliano srl, da non interpretare come un esempio di logomania, ma – in linea con la storia e l’identità progressista del brand – come una celebrazione dell’azienda e in particolare di Bologna, la città che la ospita, oltre che delle persone che ci lavorano.

Mi sono preso un paio di giorni prima di scrivere qualcosa riguardo la SS24 di Prada, ho rivisto più volte la sfilata e oltre all’effetto sorpresa dello slime che colava dal soffitto non ho trovato niente della magia che questo brand regala(va) ogni stagione.

Da quando Raf Simons fiancheggia la Signora ho come la sensazione che Miuccia abbia le mani legate e che Raf stia combinando solo casini, a partire dalla scelta musicale che stagione dopo stagione diventa sempre più banale.

Tornando alla collezione, a sto giro Maria Bianchi e Raffaele Simone si soffermano sulla libertà assoluta del corpo espressa attraverso le fondamenta degli abiti che lo vestono che tradotto vuol dire camicie dalle spalle larghe che si stringono in vita accoppiate a giacche da pescatore o reporter o da chi ha bisogno di un milione di tasche, borse brutte, scarpe lucide. Insomma un esercizio di stile secondo me poco riuscito.

JW Anderson per la ss24 porta in scena una collezione apparentemente semplice ma che in verità è colma di dettagli e riferimenti complessi, bellissimi, colti.

Il Designer, uno dei più cool degli ultimi 15 anni, mixa l’iconografia brit con lo spirito milanese riuscendo nell’obiettivo di creare una community dove ognuno è libero di essere se stesso.

In passerella i classici del guardaroba diventano pezzi speciali: i bermuda sono costruiti con un unico pannello di tessuto che gira intorno ai fianchi all’interno del quale sono inseriti i pantaloncini, la camicia oxford azzurra (ma anche a righe) che abbonda di tessuto sul davanti come fosse un mega volant oppure è tagliata sotto il petto. Grande attenzione sulla maglieria (vero asso nella manica di Jonathan). Unica nota storta: non ho visto accessori pronti a replicare (o superare) il successo della borsa piccione.

milano fashion week

L'articolo La Milano Fashion week (end) vista da Toh! Magazine proviene da Toh! Magazine.

CREDITS TEAM:
FOTOGRAFA: ILENIA LUZZARA
STYLIST : SOFIA MOTTA
GROOMING: BEATRICE COLOMBO
STYLIST ASSISTANT: SARA PRESAZZI
FOTOGRAFA ASSISTANT: MARTA CUOMO
FOTOGRAFA ASSISTANT: ALESSANDRO TONINI

MODELLI:
HUGO LEUCHARS @ IMG MODELS
ALEX BUKA @ INDEPENDENT_MGMT
BARTEK RANIEWICZ from INDEPENDENT_MGMT

L'articolo To Build proviene da Toh! Magazine.

Questo shooting gravita intorno alle etichette che non vogliamo più ma che facciamo fatica a togliere via, l’editoriale si ispira ai vari tipi di utenti che facilmente si trovano sulle dating app come Grindr o Tinder e al loro modo di esporsi che è totalmente lontano da quella che è la vera quotidianità.

Lo scopo è quello di evidenziare il contrasto tra le due realtà e i cliché della comunità LGBTQIA+ che spopola nelle app più odiate e amate di tutti i tempi. Dagli sugar daddy agli etero curiosi, dai twink ai bear passando per i più tristi e autoreferenziali MxM

Dalla possibilità di avere tutto e subito, con gli esatti dettagli che desideriamo, comodamente affacciati sulle vetrine digitali che non portano a niente se non ad accontentarsi.

In questo scenario assurdo, se il dating online sembra sempre più un lavoro in quanto porta con sé lo stesso tipo di burnout, una soluzione potrebbe essere quella di disintossicarsi iniziando a spogliarsi dall’etichetta che tu o qualcuno che pensa di conoscerti ti ha affibbiato addosso anche solo per capire chi sei davvero e che cosa vuoi davvero senza più filtri.

Picture ELEONORA ABBADESSA
Stylist GIULIO DI GREGORIO
Grooming IRENE LO RE
Assistant CHRISTIAN PAGANO

Words: GIUSEPPE DI ROSALIA

MxM

SUGAR DADDY

BEAR

Grindr

TWINK

ETERO CURIOSO

MxM
Model Giuseppe Adelfio
GYM: Canotta Uniqlo, pantaloncini Puma
FASHIONISTA: Pelliccia Casa Preti, Body Atelier Florania, Pantaloni Roberto Cavalli , Occhiali da sole Loewe , Orecchini Acab, Collana Namilia, Harness di perle Yuhe, Scarpe stylist own.

DADDY
Model Luigi Lillo
SUGAR: Giacca Yuhe, Camicia San Andrés Milano, Cravatta frustino Ugly Leather
CASA: Cardigan Federico Cina, Boxer Huf, Pantaloni Yuhe, Clogs Acupuncture .

BEAR

MODEL: Graziano Xaxa
MASTER: Chiodo smanicato stylist own, Harness Ugly Leather, boots Marsell 
MISTER: Felpa e Tuta, Arena , T-Shirt Puma, Scarpe Veja.

TWINK
Model Peter Seggio @ Vision Street casting
ONLYFANS: Top Corsetto Pizzo Leonardo Valentini , Jockstrap Calvin Klein, calze a rete stylist own, choker 4X4 Stivali Bogdan Salau 
NERD: Polo e Shorts N21, canotta: Uniqlo, occhiali: Calvin Klein, calze Stylist own, mocassini Marsell .

ETERO CURIOSO
Model Gian
SLAVE: Tuta Dassuyamoroso, maschera e pene Manuel Bagnato  
PAPA’: Smanicato People of Shibuya, polo Fred Perry, pantaloni Angelos Frentzos, coppola Stetson occhiali Mykita, scarpe Veja. 

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L'articolo TRIBES (OF THE INTERNET) proviene da Toh! Magazine.

“Per fare un riassunto di questo fashion month si può serenamente dire che il sistema moda per cambiare ha scelto di non cambiare” scrive Michele Ciavarella sul suo style.corriere mettendo in piedi una sorta di greatest hits che però non emoziona più perdendo poco alla volte il titolo di testimone del tempo in cui tutto accade.

“Dalle sfilate maschili nascono due filoni: il ritorno, insistente, al formale e i look finto ribelle che spingono la moda maschile verso il sempre più lontano genderless.”

“Uguale per la donna: da un lato la ricerca della consapevolezza, la cancellazione del lavoro sulla silhouette che costringe il corpo e dall’altro l’illusione del ritorno del power dress.”

“Mi chiedo dove siano finiti tutti i buoni propositi e le promesse fatte ai consumatori nel passato più recente, come la body positivity, le dichiarazioni di inclusione, gender equality le lotte alle discriminazioni.

Domande su domande che si sono affollate in quasi due mesi di sfilate che dall’inizio di gennaio si sono susseguite: l’Uomo a Milano e Parigi, la Couture a Parigi, la Donna a New York, Londra, Milano e Parigi. Una pila infinita di cose a cui non si può dare titolo se non Vale tutto.

La moda si accontenta, la gente non lo capisce e si nasconde dietro a parole come “qualsiasi cosa va bene”, che lascia un po’ stupiti e perplessi chi ha creduto anche solo per un momento che qualcosa di specifico potesse definire questo periodo.

“Insomma, in due mesi quello che si è potuto osservare è che la moda si sia arresa davanti a un presente che fa fatica a decifrare e a un futuro che è difficile da prevedere.”

Servirebbe l’irrazionalità come reazione a un mondo che mi sembra sempre più conservatore sul fronte della politica e confuso su quello della tecnologia. L’irrazionalità, quindi, mi sembra l’atteggiamento migliore che ha come risultato due correnti opposte: il romanticismo e la protesta. È come se la fantasia si ritagliasse un posto duro ma anche dolce contro le regole.

La moda può reagire alla spinta conservatrice e introdurre una riflessione e un contenuto in un mondo che sembra andare alla deriva spinto da forze in cui c’è molta irrazionalità. Occorre costruire contenuti più umani invece a questo giro nessun designer, nessun marchio, nessuna Maison ha pensato a questo bensì si è pensato a quanto poco si è fatturato negli ultimi tempi e quindi imbavagliamo la creatività e liberiamo la voglia sempre più grande di far soldi.

La destra diventa sempre più conservatrice e anche la sinistra appare più conservatrice. Sono irrazionali i movimenti religiosi radicalizzati, è irrazionale la politica che nega e ostacola i diritti individuali, è irrazionale un potere che nessuno sa bene dove risiede e chi veramente lo esercita.

Tutto è come sospeso, affidato al controllo di chi detiene le chiavi del progresso tecnologico, sempre più controllore e sempre meno al servizio di chi dovrebbe usufruire delle facilitazioni che mette a disposizione.

Se non reagisce la moda, che è una creatività a più diretto contatto con la persona in un mondo irreversibilmente globalizzato, chi o cosa altro potrebbe sensibilizzare verso questa urgenza? La moda ce la può fare se abbandona quella richiesta di legittimazione che la frena di fronte alla cultura.”

fashion month

Grazie a Michele Ciavarella che è sempre fonte di ispirazione per me e penso che dovrebbe esserlo per tutti quelli che amano la moda e non i vestiti.

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La campagna Clarks primavera-estate ’23 For The World Ahead vede la modella e ambasciatrice Jourdan Dunn, il poeta e modello Sonny Hall e il primo ballerino del Royal Ballet Marcelino Sambé condividere le loro storie personali, le loro sensibilità e le loro visioni per il futuro. 

Il Clarks Collective indossa le nuove silhouette della linea Torhill del marchio, che reimmagina un amato stile vintage con un’estetica moderna, incarnando il concetto della campagna di poter avere una visione per il futuro utilizzando le nostre esperienze e le strade che abbiamo percorso nella vita per migliorarlo.

Nel suo video, Jourdan Dunn parla del fatto che coltivare un forte sistema di supporto è la chiave per una genitorialità lavorativa di successo. 

Da quando a suo figlio Riley è stata diagnosticata l’anemia falciforme, Jourdan ha portato la sua passione per l’incoraggiamento degli altri a sostenere la Fondazione Essenelle, un’organizzazione benefica che sostiene i guerrieri falciformi e le loro famiglie.

L’etica del poeta Sonny Hall è quella di spingere, sfidare, continuare a muoversi e osare, soprattutto attraverso l’espressione dell’arte, che si sposa con la visione delle campagne The World Ahead di guardare avanti. Scrivendo fin dall’infanzia, non riesce a immaginare la vita senza di essa, e la creazione di prosa e poesia ha plasmato profondamente il suo modo di vivere.

La visione di Marcelino Sambé, primo ballerino del Royal Ballet, per il futuro è quella di una maggiore rappresentanza nel balletto. Come una delle principali stelle del balletto che calca le tavole della Royal Opera House di Covent Garden, vuole continuare ed espandere la narrazione di storie inclusive che celebrano l’unicità e che vedranno il balletto uscire e raggiungere una nuova generazione più diversificata.

Le Torhill, che il trio indossa, si ispirano alla nostra attuale ossessione per gli anni ’90 e 2000, proponendo in quelle calde e familiari tonalità sabbiose, con una suola robusta e lacci che ci riportano al periodo precedente all’anno 2000.

Clarks ha utilizzato tecnologie all’avanguardia e una sapiente lavorazione artigianale, con materiali sostenibili, per creare un ibrido tra la nostalgia tanto amata e gli stili di calzature contemporanee.

Potete vedere le storie di Jourdan, Marcelino e Sonny sul sito web di Clarks

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Ad aprire la kermesse la poesia di Antonio Marras, il designer sardo che punta tutto sull’emozione, sulla forza delle donne partendo da Grazia Deledda come riferimento.

Grazia Deledda è un personaggio che non avevo mai avuto il coraggio di sfiorare, che ho sempre ammirato da lontano per pudore ma questo mi sembrava il momento giusto per raccontare la storia di come una donna determinata può raggiungere i suoi obiettivi.

Antonio Marras

Grazia Deledda nasce a fine Ottocento, ha la quarta elementare, decide di fare la scrittrice e si trasferisce a Roma dove sposa un uomo che diventa il suo segretario: con costanza, forza e determinazione alla fine ottiene il premio Nobel nel 1926 per la letteratura.

Per raccontare questa storia che, come sempre per lo stilista, parte dalla Sardegna, Marras ha disegnato una collezione “nuragico-moderna, arcaico-contemporanea”. In passerella, cappotti e abiti realizzati come antichi tappeti sardi, maglioni di lana grossa incrostati di pizzi e ricami, stampe floreali e pantaloni-calza, completi di broccato e maxi felpe portate con il kilt lungo per tutti.

Diesel da sempre combatte per la democrazia e non è solo la montagna di 200.000 preservativi che fa da scenografia ad una collezione libera, piacevole e sperimentale il cui punto di partenza è la sex positivity.

Glenn Martens poco alla volta sta portando il brand di Renzo Rosso verso un mondo più couture senza dimenticare lo streetstyle e il clubbing. Il suo approccio ironico ma riflessivo non è da sottovalutare.

Insoddisfazione, inadeguatezza, disagio esistenziale e il tipico atteggiamento di chi è abituata alla nonchalance: più che l’abito può l’attitude misto al linguaggio del corpo che da solo racconta e abbatte i cliché trasformando le regole in possibilità di cambiamento, stravolgendo le abitudini e i riferimenti che perdono il loro significato primo.

La collezione di n21 by Alessandro Dell’Acqua mette in crisi le certezze e mette in discussione abiti e luoghi d’abitare (che poi sono i vestiti stessi) riempiti di cultura e di abitudini culturali che segnano la vita e la moda nel nostro contemporaneo.

In sottofondo la voce di Monica Vitti, negli abiti la sensualità e la femminilità di Jeanne Moreau e le contraddizioni rinchiuse tutte dentro la nuova borsa, Edith che è desiderabile senza avere l’arroganza di voler diventare una it bag. 

Alessandro Dell’Acqua ha iniziato a lavorare pensando a due figure femminili create dal cinema degli anni Sessanta ma che sembrano caratterizzare molto i nostri tempi. Monica Vitti e Jeanne Moreau nel film La notte, ma anche la sola Vitti in Deserto rosso, di Michelangelo Antonioni.

Sono gli anni della messa in discussione e dell’insoddisfazione provocata dai traguardi sociali raggiunti. Ma anche quelli della scoperta della sensualità, perfino dell’erotismo, insieme all’uso spregiudicato per l’epoca – della scaltrezza e della perfidia. Sono gli anni in cui cliché della provincia italiana e della media borghesia si sgretolano messi di fronte a un mondo in mutazione. Certo, poi ci sono riferimenti al periodo d’oro di Prada e di Lang ma ci stanno tutti perché non sono urlati, non sono copiati, sono omaggi.

Oggi al designer interessa lo stesso atteggiamento che ricerca il nuovo senza nascondersi nella comodità delle certezze e per questo ha messo insieme molti cliché del guardaroba femminile per meglio identificarli, stravolgerli, abbatterli o semplicemente sdrammatizzarli. In questo modo Dell’acqua sceglie di lavorare non attraverso le forme e volumi ma dando ai vestiti la possibilità di mettersi al servizio di un linguaggio del corpo molto libero che così diventa automaticamente anche molto sofisticato. BRAVO.

A quanto pare la sartoria è il “nuovo” Graal della moda e questo vuoldire che MM6 è sulla buona strada. Il team di creativi per la prossima stagione ha presentato pezzi ibridi su misura, stratificati di cultura, umanità e poi decostruiti/ricostruiti.. come fosse un best of degli insegnamenti di Martin.

Da sempre il team di creativi di MM6 ha delle regole ben precise tra cui quella di avere sette modi diversi per interpetare il concetto del gruppo di tre (modulazione di assemblare e smontare i capi dando loro diversi significati e funzioni).

Ora, anche se alcuni pezzi sembravano piuttosto elaborati i risultati li ho trovati interessanti per via della loro realtà concettuale. Il compito di MM6 è quello di rendere i vestiti cool ma comunque indossabili per questo non gliene frega niente di finire sulle riviste patinate ma di essere indossati dalle persone vere perché la moda deve scatenare emozioni.

Va precisato che MM6 non ha un atelier, lavora industrialmente e che il più delle volte utilizza materiali umili e molto semplici perché come ai tempi di Martin il tutto è creato da molte persone poiché si tratta di umanità e va costruita insieme. 

La prima volta che vidi uno show di Marco Rambaldi (credo il primo) piansi, ricordo di avergli scritto personalmente dicendogli che in lui vedevo la speranza di una rinascita della moda italiana, una novità, una via d’uscita dallo stereotipo. 

Col tempo ho cambiato idea, penso sempre che abbia grande talento ma penso anche che le persone intorno a lui non lo stiano aiutando a metterlo in mostra. 

La sua ultima collezione, Supernova, Non ha brillato come il nome suggerirebbe anzi l’ho trovata piuttosto sottotono. I riferimenti al Cocoricó non hanno legato bene la storia che forse il designer voleva raccontare.

Pochi colori, stampe opinabili, a salvare il tutto le pelli recuperate dal deadstock e il lavoro magistrale sulla maglieria, infatti è finalista del woolmark prize 2023.Si può fare di più e Marco ha tutto il tempo per farlo. 

Kim Jones da Fendi inizia a perdere colpi, o forse la bussola del suo Apple Watch non funziona più benissimo. La collezione per il prossimo autunno/inverno è tutto un gioco di archivi, di Karl Lagerfeld e di tirate di orecchie da parte di Silvia Venturini Fendi.

In passerella look per certi versi severi, spesso colorati e molto lineari. Ci sono le stampe del 1996 e alcuni disegni di Lagerfeld dell’81, poi ci sono le gonne tagliate a metà e altre che si allargano ai lati per via di alcuni pannelli e qui Karl si sente ancora fortissimo. Le borse, vero fiore all’occhiello del brand, questa stagione pare passino in secondo piano. Kim cosa devo fare con te?

Marco De Vincenzo mi è sempre piaciuto perché ha sempre fatto le cose a modo suo. Il suo lavoro da Etro, iniziato da pochissimo, lo vedo più come uno studio di estrazione, una ricerca del suo io più creativo. 

Questo significa che il ragazzo di Messina è disposto a scendere a compromessi con l’eredità di un brand dall’estetica bohemien anni ‘70 accostato alla precisione strutturata e geometrica tipica del designer a cui ci ha abituati dal 2010 con la sua linea omonima, purtroppo oggi fuori produzione.

La nuova collezione si chiama Radical Etro e Marco come un archeologo affronta il passato per scoprire la luce del suo futuro. 

In passerella abiti romantici molto etro ma con il tocco di Marco e cappotti con accenni che richiamano i copriletto (qui il collegamento con la collezione molto domestica presentata a gennaio) Per De Vincenzo, migliorare la competenza tessile di Etro “è un dovere”.

A tal fine, ha intervallato numeri di chiffon ariosi con tute slim-fit con stracci allungati, tagliati in ricchi broccati del XVIII sec. o cappotti realizzati in trame a maglia multicolor malleabili a doppio petto, la prova inconfutabile che Marco rispetta il brand ma non è succube. Marco De Vincenzo non è cambiato, ama il rischio anche se non è un sovversivo. E oggi niente è più radicale di questo. 

Andrea Incontri da Benetton porta in passerella l’idea della serialità e del ciclo che si ripete dando alla collezione il titolo di Infinity.

Nel ciclo della ripetizione della moda, l’infinito definisce perché, come indica il suo segno (un 8 sdraiato in orizzontale) è un percorso che non ha mai fine: come Benetton, che nato nel 1965 ha percorso cicli su cicli per arrivare a questa collezione che è il secondo appuntamento di Andrea Incontri, designer sottovalutato ma con un grande potenziale.

Sono convinto che l’approccio del nuovo direttore creativo che ha il compito, seppure non dichiarato, di riportare Benetton a quella notorietà che l’ha portato a rappresentare la moda possibile all’Italiana ancora prima della nascita del pret-à-porter e del made in Italy possa funzionare.

Filippo Grazioli alla sua seconda collezione da direttore creativo di Missoni convince sempre di più.

Se alla sua prima ho scritto che mi sarebbe piaciuto vederlo giocare con i codici della casa con un approccio più libero e audace, senza paura posso dire di essere stato accontentato.

Per la sua nuova prova per Missoni, parte da una fioritura di rose incontrata in archivio.

Ho visto le cartella stampa scritta da Anna Piaggi per una sfilata del 1984. Parlava delle rose e della storia d’amore tra Rosita e Ottavio Missoni.

Filippo Grazioli

Lo show si tiene a Palazzo Mezzanotte e varcato l’ingresso anni 30, si entra in una sala dagli sgabelli circolari con velari di tela dalle rouches, in tre curve continue. Sui seat, ma anche su alcuni inviti la scritta, «Do you remember the first kiss?». Lo show parte e subito si respira aria di evoluzione.

La sua una donna che nella molteplicità trova se stessa, in bilico tra le silhouette che segnano il corpo e lo allungano e i volumi decisi che lo avvolgono nel tailoring di ispirazione mannish.

Il gioco delle proporzioni è costante, nei capi e nei disegni, nel micro e macro che continuamente si congiungono e alternano, dai blouson ai fiammati, fino al famosissimo e ai noioso zig-zag.

Fiammati, zig zag i e poi un tripudio di rose, finanche selvagge quando fuse con macchie animalier.

Giustissimo lo styling di Lorenzo Posocco, uno tra i pochi stylist in Italia che sa come fare il suo lavoro. Bellissime le borse che ricordano i codici della casa e che potrebbero, finalmente, far entrare Missoni nell’universo sempre più vuoto degli accessori. Bravo!

Matthieu Blazy è per me uno tra i migliori nuovi designer in circolazione. Sa tagliare un abito, dare un senso di novità e appeal a qualcosa che visto fino a ieri sembrava irrilevante.

Questa nuova visione di Bottega Veneta è praticamente perfetta, il designer ha il potere di ribaltare ogni pensiero che si ha sulla moda che vediamo oggi. Blazy riesce ad arrivare al punto in cui il desiderio della moda incontra la necessità del vestito e manda in scena una collezione che riesce a raccontare tutte le tensioni del presente.

Se poi mixi l’incontro tra la classicità del passato e l’urgenza futurista di Boccioni che spiega non solo la voluta dissonanza dei vestiti che si incrociano in passerella ma un procedimento creativo che ha del coraggioso in un’epoca di appiattimenti sulle figure rassicuranti, Blazy rischia ma comunque riesce ad indicare un sentiero, una strada, una direzione per un percorso futuro che non ha bisogno di urlare quanto siamo fighi e quanto siamo bravi. A questo giro, il migliore in assoluto.

Che dire di Prada? Per uno come me che ama profondamente il brand di Miuccia oggi è molto difficile dire qualcosa di positivo. Prada non si ripeteva mai, Prada dava sempre lezioni di stile, di moda e di cultura, oggi Prada fa vestiti o almeno è così da quando c’è il badante Raf. Anche la scelta musicale sta diventando banale, i concetti che provano a raccontare qualcosa che è esattamente come le ultime collezioni dal 2020 in poi servono come specchietti per le allodole e per riempire le pagine dei quotidiani finanziati dal gruppo. I fiori applicati sulle gonne, i ricordi di fw14 – fw2007- e le ossessioni di Raf ridotte all’osso per dargli il contentino. Peccato.

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Questa collaborazione “Stüssy & Levi’s®” include un jeans 501® e una Trucker Jacket Type II personalizzata, due classici Levi’s® rivisitati con il design di Stüssy.

Il jeans 501®, disponibile in indaco bleached effetto used e presenta una scritta in rilievo che fonde la classica grafica dei bottoni Levi’s® con la “Double S” di Stussy sul fronte della gamba sinistra e sul retro di quella destra, oltre a una speciale back patch che unisce i loghi dei due brand.

La Trucker Jacket Type II, disponibile nello stesso colore del jeans, è caratterizzata da un fit squadrato e colletto a coste, bottoni in co-branding e fodera interna con il logo Stüssy. Sul retro campeggia la stessa scritta in rilievo dei jeans.

La collabo è stata lanciata in tutto il mondo ieri e In Italia si può acquistare su Levi.com, sull’App Levi’s® e presso il Levi’s® pop up store di Via Vincenzo Capelli 1 a Milano.

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Quello che propone Ethan Lara è un genere che in Italia ha ancora molte lacune. Classe 1998, Ethan è un’artista queer italo-brasiliano che riesce a dare sfogo alle sue emozioni in musica con la sua voce elegante e raffinata.

Dopo un esordio in lingua inglese, capisce che quel che vuole è far arrivare le sue storie a più gente possibile e switcha sull’italiano, rivelando una spiccata sensibilità nello scrivere testi personali e diretti.

Ethan ha un passato vicino alla moda, ha prestato il volto per campagne di brand come Sisley, Chiara Ferragni, Marcelo Burlon e Levi’s, tanto che la sensibilità che ha verso questo settore trapela dai suoi visual e dagli scatti sempre studiati dal gusto internazionale, che rivelano il suo mondo visionario e puro.

Introspettivo, ironico e malizioso quanto basta, Ethan ha un talento che merita di essere riconosciuto in un paese che troppo spesso rimane succube di un solo genere e lo spreme fino a consumarlo.

Ciao Ethan come stai?

Tutto bene, grazie, in attesa che esca il nuovo singolo.

Prima di parlarne, ci fai un riassunto della tua carriera?

Prima dell’uscita del mio ultimo singolo “Luna Piena” e della firma con Carosello Records c’è stato il passaggio dall’inglese all’italiano. Il mio primo EP “Flawed Guy” del 2019 era in inglese e mi ha introdotto alla scrittura, da lì ho cominciato a stendere cose mie, mentre prima riproducevo canzoni fatte da altri.

L’italiano mi ha dato qualche difficoltà iniziale nel trovare la giusta chiave di espressione soprattutto provenendo da un mondo R&B e nu-soul in cui cantare in inglese è più semplice, ma poi ho capito che essendo l’italiano la mia lingua madre mi da più possibilità di esprimermi.

Nel 2021 esce “Ideosincrasia” che è il mio primo EP in italiano, è stato un tentativo di unire diverse sonorità e dall’ R&B sono passato al nu soul cercando di renderlo più commestibile, per farlo arrivare a più persone.

Finito il percorso di “Ideosincrasia”, che mi ha portato a suonare un bel po’ in giro e a fare delle aperture dandomi modo di costruire un minimo di fan base, ora sono molto curioso di sapere dove mi porterà questo percorso intrapreso con Carosello interamente in italiano e che mi ha fatto incontrare persone nuove con cui lavorare.

Credo che il tuo lavoro sia in costante crescita, se ascolto la tua musica dagli inizi a oggi sento un’evoluzione che non ti ha mai snaturato, tu come la pensi?

Hai detto una cosa importante per me perché io ho sempre paura di perderla la mia identità, di compromettermi, perché ci tengo troppo, è il fulcro che ti differenzia da altre persone, puoi avere tutte le influenze che vuoi ma per me è sempre importante mantenere la propria chiave, soprattutto quando si lavora con altri artisti e altri produttori.

La musica, il look, il modo in cui ti presenti su un palco, l’atteggiamento, sono i fattori che determinano un artista e io ho sempre paura di perdere questa mia sensibilità. Rimanere se stessi contaminandosi ma senza snaturarsi è difficile, ma è quel che sto provando a fare.

A gennaio è uscito “LUNA PIENA” primo singolo di questa nuova avventura che vede alla produzione Riva (M¥SS KETA), per me uno dei produttori più talentuosi e folli in Italia, me ne parli?

Riva è davvero bravo e soprattutto ti ascolta. Ci siamo scambiati un bel po’ di input prima di vederci in studio, c’è stato un bello scambio anche se di suo ci ha messo tanto, ma non si è mai imposto, ha avuto un approccio che mi ha fatto lavorare tranquillamente.

Il paradosso è che sentendomi libero e senza pressioni da parte sua mi sono messo a scrivere . E così è nata questa storia che parla di una relazione che ho avuto con questa persona in un periodo in cui le cose non andavano per niente bene.

Due persone che si sentono stanche di non essere capite, che non riescono ad andare avanti e si sentono rotte – la canzone s’intitola così perché la sera che l’ho scritta c’era una grande luna piena, quella sera è stata importante, è stato come fare il punto della situazione e vedere finalmente tutto chiaro.

Venerdì prossimo uscirà il nuovo singolo “Solo per te” prodotto da RIVA e Emma Nolde, come si svilupperà questo percorso?

L’intenzione è quella di far uscire un pezzo al mese andando a completare un nuovo EP, a me piacerebbe raccontare diversi punti della mia vita che non vadano necessariamente a formare una storia, perché la mia vita non è solo fatta d’amore ma anche di odio, sconfitte, insicurezze, mi piacerebbe raccontarle perché ad oggi non ci sono ancora riuscito. Emma Nolde è un’artista meravigliosa e devota alla musica.

Quando schiaccio play su un disco mi aspetto che sia a livello di suoni che di storia mi racconti qualcosa di nuovo e di diverso dell’artista ed è quello che vorrei fare con la mia musica.

Come descriveresti il tuo immaginario?

In divenire. Perché è quello che mi auguro. Mi piace farmi trasportare dal pezzo, è ovvio che devi avere un concept in mente, ma se parlo di situazioni della mia vita ognuna avrà un colore diverso e quindi una sensazione diversa.

Quello che volevo rappresentare con “Luna Piena” è il galleggiare sopra una situazione, il rimanere appeso a qualcosa così ho scelto il rosso, la notte e l’acqua per rappresentarlo, mentre le immagini che accompagneranno il nuovo singolo “Solo per te” sono più intime perché lo è la canzone, quindi abbiamo usato il bianco che è un colore puro e un look molto pulito e semplice in una stanza neutra.

Ecco, il nuovo singolo “Solo per te” ha un testo molto personale, di chi parla?

È dedicata a mio fratello che ha 10 anni che vedo poco e che mi manca moltissimo, ho un rapporto molto bello e protettivo con lui. Abbiamo quattrodici anni di differenza quindi mi sento proprio il fratello maggiore, è una parte fondamentale della mia vita.

La voce che si sente campionata nel pezzo è la sua?

Sì, e non gliel’ho ancora fatta sentire, lui è un mio grande fan e piange sempre quando ascolta la mia musica quindi immagino già la reazione.

Quali sono gli ascolti che ti hanno formato?

A casa mia si ascoltava sempre molto soul e poi mio papà è brasiliano quindi a casa si ascoltava sempre la bossa nova.

Da bambino ero piuttosto solitario, passavo molto tempo al computer e m’imbattevo in questi video live di Stevie Wonder, Dionne Warwick e Giorgia e li guardavo a ripetizione.

Poi dai video suggeriti ascoltando questo genere ho scoperto Alicia Keys, Anastacia, che aggiunte ai cantanti che mi assegnavano gli insegnanti a lezione mi hanno fatto appassionare all’estetica della bella voce e quindi in generale al mondo black. In Italia non c’è una grande rappresentazione del genere, mi è dispiaciuto che a Sanremo non ci sia stato nemmeno un pezzo R&B.

Che rapporto hai con i social?

Sai i social creano questa micro bolla tra te e chi segui e quindi si crea questo spazio di gusti, interessi e principi comuni, quindi è ovvio che nel mio Instagram non ci sarà mai qualcuno che vota la Meloni. Poi però ti confronti con il mondo uscendo da questa micro bolla e ti accorgi che non è affatto così.

Sei un artista queer dichiarato e sei stato definito portavoce della fluidità, sui social ti esprimi molto liberamente e in modo spontaneo mostrando sia un lato maschile che femminile, qual è il tuo punto di vista?

Per quanto riguarda il discorso della fluidità non mi sento assolutamente il portavoce di qualcosa di così tanto grande, sì sono un ragazzo gay che sta sperimentando e con il tempo avrò modo di conoscermi sempre meglio.

Il modo naturale e semplice che ho nel postare qualcosa spero di riuscire a mantenerlo sempre, ma non credo che questo faccia di me un portavoce della fluidità, soprattutto perché c’è gente che si sbatte per davvero per questo. Io cerco di togliere determinati filtri ma non sento di meritare questo titolo, è una cosa che ci tengo a chiarire.

C’è stato un momento l’anno scorso in cui ho avuto un contatto diretto con la mia femminilità ma era anche un periodo in cui la moda andava in quella direzione ed ero diventato una Bratz, ma mi sentivo benissimo era il mio mondo in quel momento.

Avevo bisogno di sperimentare e poi ad un certo punto non mi ci sono più ritrovato, non perché non mi piace più ma perché non mi sento più a mio agio così.

Ti faccio un esempio, mi ero comperato due pellicce e una borsetta Chanel rosa, investimenti che oggi non farei più perché quel momento è passato, e mi auguro di riuscire a mantenere sempre viva nel tempo questa spontaneità e di poter essere sempre chi vorrò.

Oggi che è finita l’era Bratz in che periodo sei?

Periodo Decathlon! Jeans e felpa, oggi mi piace vestirmi di merda, ho amato i look di Anna Oxa a Sanremo, ahahahahah! Poi magari stasera se mi va mi metto la minigonna, dipende da come mi gira, oggi indosso dei boots ma potevano essere delle scarpe col tacco come delle ciabatte.

Qual è l’ultimo album di cui ti sei innamorato?

Mi sono innamorato di Omar Apollo, in tutti i sensi!

PRODUCTION & WORDS: Marco Cresci

PHOTO: SIMON & Creative partner Simona Pavan

STYLIST: Alex Vaccani

STYLIST ASSISTANT: Alessandro Marzo

GRAPHIC COVER: Didier Falzone

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La nomina è effettiva immediatamente e Pharrell Williams presenterà la sua prima collezione per Louis Vuitton durante la settimana della moda maschile di Parigi a giugno.

“Sono lieto di dare il bentornato a casa a Pharrell, dopo le nostre collaborazioni nel 2004 e nel 2008 per Louis Vuitton, come nostro nuovo direttore creativo uomo. La sua visione creativa oltre la moda porterà senza dubbio Louis Vuitton verso un nuovo e molto eccitante capitolo”

Pietro Beccari, CEO di Louis Vuitton

La posizione, come immagino ricorderete, era rimasta vacante dalla morte prematura del suo predecessore, Virgil Abloh, nel novembre 2021. Da allora è iniziato il gioco della sedia che piace tanto agli osservatori del sistema che avevano ipotizzato che Vuitton avrebbe potuto assumere degli emergenti come Martine Rose, Grace Wales Bonner e Samuel Ross.

Ora, nonostante l’assenza di un direttore creativo, Louis Vuitton ha continuato a mettere in scena spettacoli maschili di alto profilo con esibizioni live di artisti come Tyler, the Creator, Kendrick Lamar e Rosalía, sottolineando la sua strategia di creare esperienze di intrattenimento a 360 gradi per un pubblico mondiale.

A gennaio, fu scelto Colm Dillane, fondatore di KidSuper, come guest designer per l’autunno 2023, facendo ipotizzare che gli sarebbe stato offerto il posto a tempo pieno. Ma questa possibilità è naufragata dalla partenza di Michael Burke dopo 10 anni alla guida di Louis Vuitton e l’arrivo di Beccari da Dior.

Con il suo curriculum poliedrico, possiamo dire che Pharrell Williams abbia un profilo simile ad Abloh, che si destreggiava tra i suoi doveri alla Vuitton con la sua etichetta, Off-White, oltre a lavori secondari come DJ, artista, designer industriale di mobili, gioielli.

Virgil Abloh che ci piaccia o meno è ampiamente accreditato per aver ridefinito il ruolo di direttore creativo in qualcosa di più vicino a un curatore, piuttosto che semplicemente a un designer di vestiti, e il suo incarico in Vuitton ha coinciso con la diversificazione del marchio in aree prima sconosciute.

Williams, le cui attività si estendono a cinema e televisione, festival musicali e organizzazioni no profit, dovrebbe spendere almeno un terzo del suo tempo in Vuitton, fermo restando che sarà la sua impresa più difficile e che sinceramente non funzionerà come ci si aspetta (ma di questo ne parleremo a tempo debito)

Virgil Abloh aveva già parlato di Pharrell Williams

In un’intervista al New York Times nel 2020, Abloh dichiarò di essere stato profondamente influenzato da Williams nei primi anni 2000.

“Il prototipo all’epoca era quello di essere un delinquente o un atleta o un rapper. E poi è arrivato Pharrell con un brio diverso come produttore, artista, creatore di gusti, individuo. Quella sorta di specchio mi ha sollevato: era un nuovo prototipo e arrivava con un nuovo suono. Gran parte della libertà che mostro nel mio lavoro la devo a lui.”,

Virgil Abloh

Dato che i due erano amici, Williams dovrebbe essere un custode dell’eredità di Abloh da Vuitton, oltre a portare il suo sapore come icona di stile internazionale nota per il suo approccio avventuroso e gender-fluid alla moda, con una predilezione per i colori vivaci e gioielli.

Guardando a Williams si può dire con certezza che sia una potente forza creativa che ha fondato diversi brand di abbigliamento tra cui Billionaire Boys Club e Icecream, le etichette di streetwear che ha lanciato con il designer giapponese Nigo, che ora è il direttore creativo di Kenzo, che come Vuitton è di proprietà di LVMH.

Cosa ha fatto Pharrell Williams prima di arrivare da Louis Vuitton?

Nel 2004, il cantante di “Happy” ha firmato una linea di occhiali per Vuitton, seguita da una collezione di gioielli per la casa nel 2008, quando Beccari era dirigente del marchio. È li che i due hanno iniziato a discutere della prospettiva che Williams assumesse il ruolo di menswear, riuscendo a mantenere i colloqui nascosti fino quasi all’ultimo momento.

In un altro legame di lusso, Williams ha abbandonato una collaborazione di sneaker con Chanel nel 2017 che ha generato una lista d’attesa di 120.000 persone per 500 paia. A ciò è seguita una collezione di abbigliamento unisex nel 2019, “disegnata” con il defunto direttore creativo del marchio Karl Lagerfeld.

Ha anche lanciato una serie di sneaker di successo, a partire da una collaborazione con Nike nel 2004, seguita da design di scarpe per marchi come Reebok e Timberland. Nel 2014, ha stretto una partnership a lungo termine con Adidas, contribuendo ad alimentare la sua gamma NMD con una serie di modelli NMD Human Race (Hu) molto ambiti, tanto che anche Prada le copiò (ed è risaputo che è Prada ad essere copiata)

Il suo contratto come ambassador per Chanel è scaduto mentre l’affare Adidas continuerà, hanno detto fonti molto vicine al brand tedesco e allo stesso Pharrell Williams.

L’anno scorso, Williams ha rivelato che stava collaborando con Tiffany & Co., e da allora si vede regolarmente indossare gli occhiali da sole a mandorla tempestati di diamanti che ha disegnato per il brand di gioielli, che guarda caso è stato comprato da LVMH pochi mesi fa. 

Martedì, in un post su Instagram, il vicepresidente esecutivo di Tiffany per il prodotto e comunicazione Alexandre Arnault ha confermato che i gioielli disegnati con Williams sono in produzione.

Oltre a segnare successi globali come “Blurred Lines” e “Get Lucky”, Williams è un prolifico produttore e cantautore che ha lavorato con artisti tra cui Beyoncé, Jay-Z, Rihanna, Kanye West, Calvin Harris, Madonna e Ariana Grande, per citarne solo alcuni.

Vincitore di 13 Grammy Awards, è stato anche nominato per due Academy Awards: nel 2014 per la migliore canzone originale per “Happy” e nel 2017 per il miglior film, come produttore di “Hidden Figures”.

In commenti recenti, il presidente e amministratore delegato di LVMH Bernard Arnault ha sottolineato il ruolo di Vuitton come connettore culturale. “Vendiamo molto di più della moda”, ha detto nel gennaio 2022, citando l’esempio della sfilata di Louis Vuitton che svela l’ultima collezione disegnata da Abloh, morto all’età di 41 anni per una rara forma di cancro.

Lo spettacolo presentava una colonna sonora composta da Tyler, the Creator, suonata da un’orchestra diretta da Gustavo Dudamel, il direttore musicale dell’Opera di Parigi, e la coreografia di Yoann Bourgeois.

“È stata una performance, e questo è lo spirito di Louis Vuitton poiché è molto più di un marchio di moda. È un marchio culturale con un pubblico globale”.

Bernard Arnault

Nel 2022, le vendite del marchio hanno superato per la prima volta i 20 miliardi di euro, ha dichiarato il mese scorso il magnate del lusso, mentre LVMH ha riportato un altro anno di risultati record, con ricavi di gruppo di oltre 79 miliardi di euro.

Williams ha solide credenziali ambientali, essendo stato direttore creativo di Bionic Yarn, un’azienda che produce tessuti, polimeri e altri materiali dalla plastica e altri rifiuti riciclabili recuperati dall’oceano.

Louis Vuitton ha stabilito un elenco di obiettivi ambientali che intende raggiungere entro il 2025, incluso un terzo delle sue categorie di prodotti: pelletteria, piccola pelletteria, valigie, scarpe e profumi che implementerà un processo di progettazione ecocompatibile che includa una valutazione del ciclo di vita. 

Allo stesso tempo ha anche una serie di obiettivi climatici per il 2030, inclusa una riduzione del 55% delle emissioni di gas serra. Giuro è tutto scritto sul loro sito

Pharrell Williams ha anche un punto d’appoggio nel segmento del benessere in rapida crescita attraverso il suo marchio Humanrace, lanciato nel 2021, che mira anche a utilizzare imballaggi più sostenibili, comprese le bottiglie ricaricabili. 

Sono sincero: amo Pharrell Williams come musicista, mi ha sempre affascinato il suo essere cool senza volerlo, sono consapevole che è anche grazie a lui che oggi gli uomini desiderino le borse forse più delle donne ma come successo con Abloh non sono favorevole alla scelta di Williams come designer del brand più conosciuto e lussuoso del mondo.

Credo fortemente che il supporto per i giovani ed emergenti designer sia fondamentale adesso più di ieri, perchè sono loro i nuovi fornitori del lusso e perchè sono loro che meritano il successo e  non posso fare a meno di chiedermi seriamente cosa succederà ai designer talentosi?

Quelli che lavorano giorno e notte, 7 giorni su 7, in minuscoli monolocali convertiti in laboratori con l’assistenza di poche persone o il più delle volte da soli. Quelli che cercano di sopportare così tante difficoltà e circostanze estreme finché un giorno saranno riconosciuti e premiati con una posizione migliore.

Oggi il talento purtroppo non è più l’unica priorità. I social mostrano anche che studenti, laureati, giovani designer, designer anche affermati siano costantemente sfiduciati da un sistema che non offre più vere possibilità, o se lo fa, lo fa al minimo – per molti che hanno lottato per sopravvivere perché il loro innegabile talento li ha fatti andare avanti. Per ognuno di voi là fuori, io sono con voi.

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Completamente inerme, il corpo appare spiato nel suo spazio personale, spogliato dalle proprie sicurezze. Il confine tra pubblico e privato è sfumato in quello che è un approccio rivelatore delle fragilità.

La perdita parziale della dimensione pubblica si lascia dietro un vuoto che viene riempito contemporaneamente da intimità e insolenza, come forme di un piacere primordiale, in grado di accorciare le distanze fisiche e accresce- re una tensione tattile e carnale. Il racconto visivo che emerge è pura istintività, associato all’immediatezza degli sguardi e dei gesti, come elementi capaci di scardinare costrutti interni e rivelare nuove pulsioni emozionali.

Photgrapher: ARIANNA CASATI 
Stylist: AMEDEO PINTABONA 
MUA: MARIANNA D’ETTORRE 
Stylist assistant: LUCIA VARCASIA 
Model: ANDREA DARIO FERRARI @ THECLAWMODELS

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Quello che si sa è che la sua prima sfilata per il marchio sarà presentata a settembre.

Oggi il suo nome potrebbe non dire niente ai più, ma nel cerchio della moda ha un senso, un significato. Fuori da ogni probabilità che voleva un nome conosciuto a capo di Gucci, Sabato è uno che è sempre stato dietro le quinte ma che ora è pronto a prendere il volo.

Cresciuto a Napoli e residente a Roma, ha iniziato la sua carriera in Prada nel 2005 per poi andare da Dolce arrivando nel 2009 a diventare il braccio destro di Pier Paolo Piccioli di Valentino, ricoprendo ruoli di grande responsabilità, diventando direttore moda supervisionando le collezioni uomo e donna. 

Chi lo conosce dice che Sarno “ha una grande esperienza nell’abbigliamento uomo e una profonda conoscenza della maglieria. Sabato ha una mano molto dettagliata e precisa, e non è un fashionista.

È molto concreto ed è anche molto attento alle questioni commerciali. È equilibrato e tenace, molto determinato e con procedure di lavoro molto chiare e strutturate” mentre altri dicono che nonostante l’infinito talento sia anche molto simpatico, il che segnerebbe un’altra novità dal momento che molti designer hanno la nomea di essere dei veri e propri pain in the ass.

Con la scelta di De Sarno, sembra che Gucci voglia cambiare radicalmente tutto. La notizia probabilmente sta già facendo tremare l’ufficio design e mi chiedo se questa sia solo una fase di transizione.

Questa era la teoria di diverse fonti, che si sono interrogate sulla portata di De Sarno, in un marchio che l’anno scorso ha raggiunto un fatturato di 9,73 miliardi di euro.

È noto a tutti che François-Henri Pinault, presidente e amministratore delegato di Kering, voglia legare ancor di più il significato di lusso a Gucci.

Secondo alcune fonti Pinault sta prendendo in considerazione un’organizzazione più strutturata con a capo un direttore creativo che non per forza sia una star altresì il direttore creativo supervisionerebbe i designer chiave che supervisionano le diverse categorie, dalla bellezza, alla moda, alla gioielleria.

Al contrario di quello che faceva Michele oggi un singolo designer al comando non è più considerato valido per l’ulteriore crescita di Gucci.

Tornando a Sabato si dice che la sua esperienza nell’abbigliamento maschile sia perfettamente in linea con Gucci che vuole apportare cambiamenti significativi nella sua visione maschile. Ora non so se lo sapete ma si deve a lui l’idea del logo VLTN e il suo conseguente successo. Questo vuoldire che De Sarno è in grado di creare desiderio per il marchio, ma ma non è ignaro al marketing”,

Alcune fonti di mercato affermano che l’amministratore delegato di Gucci Marco Bizzarri “dimostra che è molto abile nel trovare talenti e nel capire il potenziale delle persone.

Se non avessi conosciuto Sabato, avrei detto che una scelta così coraggiosa fosse un suicidio, ma conoscendolo molto bene, credono che questa sia un’altra mossa vincente di Bizzarri. Sabato ha una visione globale.

Un direttore creativo non si limita a disegnare le collezioni, ma deve avere una visione su molti livelli, essere un buon pianificatore, molto creativo e molto organizzato e Sabato è tutto questo”.

Nel 2015, Bizzarri ha notoriamente promosso Michele, che come De Sarno non era conosciuto fuori dal settore, reinventando Gucci con il suo spirito gender-fluid, inclusivo e romantico.

Era entrato a far parte dello studio di design di Gucci nel 2002 dopo un periodo come designer senior di accessori presso Fendi. Il suo predecessore, Frida Giannini, lo ha portato da Gucci nominandolo suo collaboratore nel 2011.

Nel 2014, ha assunto l’ulteriore responsabilità di direttore creativo di Richard Ginori, il marchio di porcellana acquisito da Gucci nel 2013.

Gli analisti di Bernstein si sono detti rassicurati, dal momento che un nuovo direttore creativo è “un ingrediente chiave per far funzionare il brand”. Secondo i loro contatti nel settore, hanno scritto che si ritiene che De Sarno abbia “la personalità, l’ambizione e la grinta necessarie per ricoprire il suo nuovo e prestigioso ruolo”. Gli occhi del saranno puntati su di lui per vedere se ha anche il genio creativo richiesto”. 

Sabato De Sarno dovrà sopportare la pressione e trovare il coraggio di esprimere una visione convincente di ciò che Gucci può essere”.

Il rapporto, tuttavia, esorta De Sarno a essere coraggioso e di avere un punto di vista forte, affermando che “portare Gucci al centro della scena e renderlo più atemporale attirando i consumatori globali nei suoi negozi. 

Gucci deve essere sopra le righe per prosperare, come le zebre devono correre. Le zebre che si convincono di potersi trasformare in leoni e si comportano come tali non avranno un futuro brillante.

Detto più chiaramente, un Gucci annacquato come è stato percepito a Milano durante la recente settimana della moda maschile, con giudizi assolutamente negativi da parte dei media e del settore – continuerebbe a perdere quota e non contribuirebbe a sbloccare una migliore valutazione delle azioni Kering”.

Non penso molto al fatto che Valentino non sia stato al top della forma negli ultimi tempi. Giudicare Sabato De Sarno in base al suo percorso da Valentino sarebbe altrettanto accurato quanto giudicare Alessandro Michele sulle fortune dell’allora Gucci. 

Come accennavo sopra De Sarno ha  lavorato nel team di Piccioli, così come Michele lavorava nel team di Frida Giannini.

Noblesse oblige, è il capo del reparto creativo che ha la responsabilità e decide le cose da fare. Vedremo se Sabato De Sarno sarà in grado di farlo”.

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