La sorellanza pubblica tra le tre headliner del Primavera Sound, denominate per l’occasione le Powerpuff Girls – Charli XCX, Sabrina Carpenter e Chappell Roan – ha attraversato tutto il festival, mentre il resto del mondo musicale guardava ammirato.

Ma non c’erano solo loro al Primavera Sound: 311 show in totale, tra cui LCD Soundsystem, Fontaines D.C., ANOHNI and the Johnsons, HAIM, Wolf Alice… Un formato urbano riconoscibile e personale, sempre più consolidato, con Barcellona come motore di tutto ciò che è stato e che sarà.

Un’edizione che quest’anno ha accolto 293.000 persone.

Ma torniamo a quelle 293mila persone… come erano vestite? Quest’anno, Charli XCX, Sabrina Carpenter e Chappell Roan hanno – anche senza volerlo – dettato i codici di abbigliamento di ogni giornata. Il primo giorno? Verde ovunque. La folla ha abbracciato la Brat (never ending) Summer, tra abiti lime, mesh fluorescenti e uno spirito caotico e provocatorio come il disco di Charli.

Il secondo giorno? Civettuolo e romantico. Sabrina Carpenter ha portato con sé la sua estetica “sweet n short”, e il Parc del Fòrum si è riempito di pizzi, rasi, gonne svolazzanti e segni di baci ovunque. Sabato? Pink takeover. Chappell Roan ha chiesto alla sua fanbase di indossare qualcosa di rosa, e la risposta è stata un’onda glitterata di bandane, cappelli da cowboy, corsetti e ogni tonalità di rosa possibile.

Il tutto culminato sulle note di Pink Pony Club.

E poi c’erano loro, i nostri preferiti: quelli che non hanno chiesto consigli a Google, né a ChatGPT, né a nessun altro. Hanno semplicemente ignorato il concetto stesso di vestirsi. Pettorali sudati, capezzoli all’aria, intimo (quasi) inesistente… da far sembrare superfluo anche cantare “You wanna guess the colour of my underwear?”

Una sfilata di corpi, emozioni, libertà e individualità che ha illuminato ogni angolo del festival.

Se ve lo siete persi abbiamo già le date per Primavera Sound 2026, la sua 24ª edizione, che si terrà dal 4 al 6 giugno.

Ed è tutto nelle foto qui di Giuseppe Di Rosalia qui sotto.

Foto e testo Giuseppe Di Rosalia

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Con un passato come sound designer per Dolce & Gabbana e Diesel, e collaborazioni con artisti come Marlyn e Arashi, Tenot porta nei suoi set una fusione di stili inconfondibile. In questa intervista, racconta le sue ispirazioni, il processo creativo dietro il singolo “Techno Pop” e la sua missione di sorprendere il pubblico con brani che spingono oltre i confini della musica elettronica. 

Artista, produttore musicale, sound designer e DJ, Dimitri ha plasmato la sua carriera lavorando con marchi di alta moda e definendo il suono di campagne iconiche. Con influenze che spaziano da Giorgio Moroder a Britney Spears, Tenot crea set che mescolano techno, italo disco e classici pop, catturando l’energia del pubblico in ogni performance. Scopriamo di più sul suo percorso, le sue ispirazioni e la creazione del suo primo singolo “Techno Pop”.

Quali sono le tue principali influenze musicali nel mondo della musica house e come le incorpori nei tuoi set?
Le mie influenze principali comprendono Tiga, Juan Atkins e Giorgio Moroder, ma sono anche un grande fan della musica del Lab a Berlino. Inoltre, Britney Spears e Michael Jackson rappresentano per me una fonte d’ispirazione significativa. Sebbene siano artisti del passato, il loro stile continua a influenzare il mio lavoro. Durante i miei set, mi piace sorprendere il pubblico inserendo occasionalmente classici pop amalgamati con la techno.

Come scegli i brani da includere nei tuoi mix per mantenere l’energia e il coinvolgimento del pubblico?
Scelgo brani che creano un’atmosfera energica e coinvolgente. Presto particolare attenzione al ritmo e all’intensità, alternando tracce più pesanti a momenti di sorpresa. In questo modo, riesco a mantenere alta l’energia e a intrattenere il pubblico, assicurandomi che tutti ballino e si divertano.

Come ti distingui dagli altri DJ house nel mercato competitivo di oggi?
Essendo nato come produttore, ho lavorato duramente per definire la mia identità sonora. Ho iniziato la mia carriera come Sound Designer per video di moda, collaborando con marchi prestigiosi come Dolce & Gabbana e Dsquared2. Questi progetti coinvolgono la definizione dell’identità sonora delle loro campagne, fondendo musica con immagini di alta moda. Recentemente, ho contribuito a video per Diesel, con Damiano David dei Måneskin, in collaborazione con il regista Senio Zapruder.

Mi piace incorporare le mie canzoni nei set, ad esempio “Zombie” della cantante di Miami, Marlyn, che ho prodotto.

Questa traccia è stata presentata in un video per Rolling Stone Magazine, evidenziando i finalisti di X Factor Italia 2023. Non seguo regole rigide: suono techno, acid house, electro house, italo disco e, occasionalmente, classici pop dance. La mia estetica si ispira ai grandi produttori del passato, in particolare a Giorgio Moroder.

Come nasce il tuo primo singolo “Techno Pop”?
Il mio nuovo singolo, “Techno Pop”, rappresenta un’evoluzione creativa. Scritto, prodotto e composto interamente da me, il brano combina testi in inglese e italiano con un ritmo techno up-tempo. È un vero club banger, ispirato alla tradizione hi-NRG e ai suoni futuristici di artisti come Patrick Cowley. Per l’artwork ho collaborato con l’artista Filip Adrian, omaggiando il design iconico di Cowley; per il visualizer e il video ho lavorato con il regista Senio Zapruder.

Qual è il pezzo che ti piace di più suonare oggi?
Attualmente, uno dei miei brani preferiti da suonare è “HOLAX3” di Max Francese, che ho scritto e prodotto. Mi piacciono anche “Trancia” di Steve Marie, “BOY” di Owen Jackson, “Are You Ready” di Papa Nugs, “Trip Sit” di Reflex Blue e il remix di “Piece of Me” di Britney Spears, realizzato dal produttore parigino Bambounou. Sono tutti brani che ho recentemente suonato al Metropolis di Londra.

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Claudia Maccechini aka Claudym, è una cantante e illustratrice che disegna miniature meticolose, di Milano, esordisce nel mercato discografico nel 2018, con il primo singolo “One”. Nel 2021 non entra a far parte del roaster Island Records, con cui pubblica i singoli “Nightmare”, “Tempo”, “Limbo” e la cover di “Razzi Arpia Inferno e Fiamme” dei Verdena.

Quello di Claudym è un mondo fatto di contrasti, una stanza buia con il bagliore dei suoi capelli fluo, dei pantaloncini corti e un maglione di lana, una melodia up beat e un testo che ti ammazza. Abbiamo fatto due chiacchiere con lei sul nuovo singolo “Come” e sul suo futuro:

Come stai?

Bene, tu? 

Anch’io tutto ok. Ti trovi a Milano adesso?

Si, si, sono a Milano ora.

Sarò sincero, ti conosco oltre che per la tua musica, anche per le tue bellissime miniature che disegni. Hai messo da parte questa passione o disegni ancora?

No, lo sto facendo ancora ma con meno frequenza, perché adesso mi sto dedicando più alla musica che richiede costanza, quindi l’ho messo da parte ma nel mio piccolo in realtà sto continuando.

Menomale, sarebbe un peccato se lasciassi questa passione, avendo fatto Brera so cosa c’è dietro. Invece parlami di questa passione per la musica?

Ti darò una risposta banalissima ma che però è la verità: la musica ha sempre fatto parte di me, anche da piccola con le mie amiche quando giocavamo dicevo che volevo fare la cantante, poi mi ricordo i viaggi in macchina con mio padre che metteva su le cassette dei Beatles, quindi non so, ho sempre avuto dentro questa voglia qui, non so definire il momento quando tutto è iniziato.

Del tuo nuovo singolo, “Come”, mi piace molto la produzione e anche il modo in cui usi la voce: puoi raccontarmi qualcosa di più?

L’ho scritto un po’ di tempo fa, ad Aprile dell’anno scorso, e ho aspettato prima di pubblicarlo perchè musicalmente parlando le references del mio pezzo sono giuste col tempo che stiamo vivendo adesso. Ad ogni modo mi suonava perfettamente in testa, ma non riuscivo a trovare la versione giusta fino a che nell’estate 2021 ho incontrato Ok Giorgio, il mio producer, che è riuscito a dargli un mood nostalgico riempito di energia e cattiveria, che è in realtà quello che volevo.

È la prima volta che lavori con lui o avete fatto altro insieme?

Avevamo fatto un pezzo e da subito siamo entrati in super sintonia, quindi mi sono detta: “dai provaci di nuovo” e così gli ho affidato il pezzo a cui tengo di più e questo è il risultato. C’è davvero una bellissima sintonia.

Stai lavorando a un tuo album?

Non voglio e non posso spoilerare troppo, sicuramente qualcosa di nuovo uscirà.

“Come” avrà un video?

Si abbiamo lavorato sul video, secondo me è molto figo, è stata una giornata intensissima ma sono contenta del risultato.

Dove l’hai girato e chi l’ha diretto?

Verso Savona, in Liguria… mi ricordo che c’era un mega vento ma è stato bellissimo! Il video è diretto da Claudia Campoli

Torniamo indietro: cosa ti ha portato a far la cover di uno dei pezzi meno conosciuti dei Verdena? 

Per me, “Razzi Arpie Inferno e Fiamme”, è il loro pezzo principale perché, anche se tardi, li ho conosciuti con questa canzone che mi è piaciuta da subito. La cover è nata in modo casuale: eravamo in studio ad ascoltare delle references, sempre con Ok Giorgio, che è di Bergamo quindi il suo attaccamento nei confronti dei Verdena è viscerale. Così, un po’ impauriti dal rischio che stavamo correndo l’abbiamo registrata e poi eccoci qua, oggi sono molto contenta del risultato.

Visti i due anni di Pandemia/Lockdown nella musica, soprattutto all’estero, si è parlato molto di sanità mentale e di problemi legati all’ansia, in Italia invece è quasi un taboo parlarne apertamente. Tu l’hai fatto, e per questo ti dico brava, come mai hai sentito la necessità di farlo?

Mi piace avere un rapporto sincero con le persone che mi seguono e poi nel farlo penso si cresca anche personalmente. Sarà che non so nascondere i miei limiti, e quando li incontro voglio superarli, infatti dopo mi sono sentita libera.

Mi pare di capire che non ti piacciono le vie facili

No, assolutamente!

Che feedback hai ricevuto?

Molto positivi, anche da parte di alcuni colleghi che mai mi sarei aspettata.

Più volte, per via del tuo aspetto, sei stata definita la Billie Eilish italiana. Come ti fa sentire?

Essere sempre accostata a lei per via del colore dei capelli un po’ mi dispiace, io ho i capelli così da tantissimo tempo, quindi non mi ha sempre fatto piacere anche perché il più delle volte mi è stato detto in modo negativo.

Che musica ascolti?

Ah di tutto, ultimamente ascolto Girl in Red, fka twigs, Arlo Parks, e i I Twenty One Pilots.

Quando eri adolescente chi era il tuo idolo?

Ero innamorata di Jim Carrey, tanto che il mio fidanzato gli somiglia un po’ quindi nel subconscio sono rimasta ancora li, e poi le Spice Girls, erano tutto per me. 

Come affronti i tuoi live? 

L’ansia sale sempre sul palco con me, però scarico tutto e mi viene su una fortissima energia. 

Che relazione hai con la moda?

La moda esprime la nostra anima e questa cosa mi piace da impazzire, anche perché cerco con gli outfit di raccontare la mia musica. 

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E’ bello vedere artisti entusiasti, pronti a rilasciare al mondo la fatica più grande, il primo passo verso la realizzazione di un sogno vero, sto parlando del primo album quello che come il primo bacio non si scorda mai.

Laila Al Habash il suo “Mystic Motel” (Undamento) se lo è sudato, ha pubblicato alcuni singoli, poi l’ep “Moquette” e fatto un po’ di live prima di arrivare sino a qui.

Italo-palestinese cresciuta a Roma, ora milanese d’adozione, Laila ha creato un album di pop puro, che suona omogeneo e in 12 tracce ci porta attraverso le sfaccettature della sua personalità, con un risultato sincero e disarmente.

In questo disco Laila si mette a nudo e non si copre dietro feat. altisonanti come oggi va di moda, ma ce ne offre uno “Sbronza” in cui canta insieme a Coez, aggiungerei quindi il coraggio tra le sue qualità.

Ecco cosa ci siamo raccontati tra uno scatto e l’altro:

Ciao Laila, finalmente sei arrivata al tuo primo album, come ti senti?

Finalmente ho raggiunto un goal personale, è il mio primo lavoro completo con cui mi presento. Ci ho lavorato tanto ed il percorso è stato organico, nel senso che non sento di essermi mai bruciata ma mi sono presa i miei tempi, quelli adatti a me.

Quando hai capito che la musica era la tua strada e che volevi fare sul serio?

Non da molto, ti direi due anni fa, quando ho preso la decisione di trasferirmi a Milano e fare sul serio concentrandomi in tutto e per tutto sulla musica.

“Mystic Motel” è un titolo evocativo che mescola un luogo d’incontri clandestini al misticismo, qual è tua visione a proposito?

La mia intenzione era quella di creare un luogo dove ogni stanza fosse una canzone, motel perché venendo dalla provincia romana ho famigliarità con tutto ciò che è strada e macchine e poi mi piaceva la dimensione segreta e un po’ losca del motel, mentre mistico perché il misticismo fa parte di me e del mio immaginario.

Quando ascolti il disco immagina che ci sono io all’entrata di un motel che ti accolgo e ti faccio vedere tutte le stanze, che poi sono le mie canzoni.

Nel disco ci sono alcuni brani in cui con la produzione hai osato di più, penso ad “Abbagli” ad esempio il pezzo che lo apre che ha un suono quasi metallico o a “Sabbia” che ha una coda strumentale che non ti aspetti. Com’è andata?

Capisco cosa intendi, mi trovi d’accordo sul fatto che alcuni pezzi siano più elaborati ma ci abbiamo lavorato tantissimo, ad esempio “Abbagli” ha un groove pesante ed è stata una delle più difficili da chiudere perchè non eravamo mai soddisfatti. “Sabbia” lo definirei un esperimento con quel finale che cambia inaspettatatamente.

I tuoi testi appaiono molto sinceri e personali, quasi un diario, è così?

Non potrei fare altrimenti, non so raccontare cose che non ho vissuto in prima persona, è tuto reale, è quasi un modo per digerire la mia vita.

In un periodo storico in cui la musica si nutre di feat. tu sei andata controtendenza e nel disco ne hai uno solo, “Sbronza” con Coez, ti dico brava per il coraggio e ti chiedo come mai hai scelto proprio lui?

Non ho mai sentito la necessità di fare dei feat. ma Coez è un artista che stimo molto e lavorare con lui è stato molto naturale, gli ho mandato una demo senza sapere se se gli sarebbe piaciuta e invece! E’ un artista con un gran cuore.

In “Sunshine” c’è un tuo vocale in cui spieghi la tua ricetta del pollo al curry, ma ad un certo punto la musica lo sovrasta e non si capisce più. non puoi lasciarci così con la ricetta a metà!

Ahahahah è davvero un vocale con una vera ricetta del pollo al curry. E’ un piccolo segreto del disco e c’è un motivo per cui è stato messo lì, ma non lo svelerò perché mi piace che ognuno possa dargli la sua interpretazione.

Parliamo di un altro pezzo, “Ponza” è un luogo a cui sei particolarmente legata?

Sì perché ci sono stata molte volte e mi sono accadute tantissime cose, la canzone parla di una grande litigata avvenuta a Ponza, una di quelle in cui pensi si stia per rompere tutto ma poi non si rompe mai. E’ una canzone allegra ma in realtà parla di rabbia e della paura che tutto si sgretoli.

Hai fatto parte della playlist “Equal” di Spotify poco dopo che il ddlZan è stato affossato, cosa ne pensi?

Lo vedo come un inciampo verso un traguardo, è impossibile che l’Italia non ci arrivi a questo risultato. Quello che è successo è vergognoso, ma il progresso è inarrestabile, il mondo sta andando in questa direzione. Bisogna continuare a lottare e ad alzare la voce per i propri diritti e per quelli degli altri. Partecipare alla playlist “Equal” è un messaggio piccolissimo, ma anche i piccoli gesti sono importanti per raggiungere più persone, sono necessari.

I tuoi brani dal vivo hanno una veste differente o sono simili al disco?

Sono riarrangiati perché nella formazione c’è una batteria acustica per regalare un esperienza da concerto. Siamo tre donne sul palco, io, la mia tastierista Plastica e Danila Guglielmi che è anche la batterista di Myss Keta. Siamo delle brave musiciste e tutte anche molto legate alle tematiche di genere e LGBTQIA+, siamo tutte attiviste e ognuna porta avanti la sua battaglia. Plastica ha fondato quest’anno, (Insieme a Elisa Massara aka Elasi ndg), “POCHE“, un collettivo di produttrici donne. Vado molto fiera di questa formazione, siamo brave e spero che possiamo portare un messaggio ed essere anche d’esempio per altre ragazze che vorrebbero affrontare dei live ma non si sentono all’altezza. Ragazze si può fare!

Sei nata e cresciuta a Roma ma cosa c’è nel disco delle tue origini?

Il deserto del Wudi Rum in Giordania, da cui viene mio padre e il rimando alla strada, alle macchine, all’odore dell’asfalto della provincia in cui sono cresciuta.

Del brano “Complimenti” mi è rimasto impresso un verso: “Sarà colpa della luna di fuoco che c’ho”, so che sei appassinata di astrologia, viene da lì?

Sì, perché fa parte della mia carta astrale, mi diverte che anche Lana del Ray abbia inserito l’astrologia nei suoi testi, in “Chemstrails Over the Country Club” canta: “My moon’s in Leo, my Cancer is sun”. Io in “Complimenti” che è un pezzo a cui sono particolarmente legata parlo della voglia e del desiderio di sentirmi adorata, di pretenderli questi complimenti.

Noi donne abbiamo questo problema di odiare noi stesse e le prossime, da piccola devi odiare le tue compagne di classe, poi la tipa del tuo ex, poi le rivali, poi sul lavoro chi è più brava, chi è più bella e quando ti rendi conto che questo è un meccanismo tossico e cerchi un po’ di sostegno ti dicono tutti: “E va be ma sei tu che sei vanitosa, ammazza quando sei insicura!”.

Qui invece ti dico fammi dei complimenti fammi sentire che vado bene per favore che ne ho bisogno, quando canto “Sarà colpa della luna di fuoco che c’ho” è perché la luna in astrologia rappresenta l’ego, e la mia è piuttosto prepotente perché è in leone come quella di Lana per altro! Ma è la luna che mi fa stare sul palco e cercare attenzione, quindi nella canzone dò la colpa all’astrologia.

A proposito di astrologia, è vero che ti chiedono tutti di fargli le carte? Come nasce questa passione?

Da quando ho memoria. Mi ricordo il giorno preciso in cui chiesi a mia madre di insegnarmi a fare le carte, avevo cinque anni. Io da bambina guardavo Paolo Fox e seguivo l’oroscopo in tv prima di andare a scuola. Ho cominciato ad appassionarmi di astrologia alle medie con i temi natali e ora la studio seriamente.

Per quanto riguarda i tarocchi li porto sempre con me, perché chi mi conosce mi chiede spesso di fargli le carte.

Prima hai citato Lana Del Rey è una delle tue ispirazioni?

Ma a dir la verità è stato più un caso ahahah. Però ora che ci penso quando uscì avevo 12 anni e sentire una donna che cantava di relazioni con uomini anziani e cocaina… forse non era il massimo ripensandoci, ma un po’ mi ha influenzato. Ma musicalmente io sono molto radicata nell’indie italiano, amo i Baustelle e il mio album  è prodotto da Niccolò Contessa (I Cani) e anche da Stabber.

L’ultimo album di cui ti sei innamorata:

“Contenta Tu” di Marco Castello, un album molto delicato con parole particolari, tanto suonato che è una cosa che quasi non si fa più, ma ricordo che quando l’ho ascoltato la prima volta ho pensato che ci voleva proprio un album così.

Salutiamoci così: istintivamente ora qual è la stanza del tuo Motel in cui entreresti?

Ehehehe entrerei in “Abbagli” perché stasera ho la prima data del tour e mi serve un po’ di carica e di forza, è la mia prima data grossa!

In cover Laila Al Habash indossa trench HUMPTY DUM, pantalone SSHEENA, scarpe SIMON CRACKER X DA QUY

WORDS: Marco Cresci
PHOTO: Simon
STYLIST: Alex Vaccani
STYLIST ASSISTANT: Alessandro Marzo

*Prossimi eventi live:

13 gennaio 2022 Milano, Tunnel Club

14 gennaio 2022 Rivoli (TO) Circolo della Musica

info DNA Concerti

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“Mostri” (Sound To Be), è l’album con cui Giorgieness saluta i suoi vent’anni, nel modo naturale che da sempre la contraddistingue: restando sempre fedele a se stessa senza inseguire mode, trucchetti scala classifiche, fedele alla sua anima indie che coltiva da quando ha 15 anni, età in cui ha cominciato a suonare, poi sono venute le punk band femministe, il grunge, Giorgieness e Lana Del Rey suo amore conclamato.

Giorgieness si era prefissata di pubblicare tre album prima dei suoi trent’anni che compirà a dicembre, obiettivo raggiunto restando “true to herself” sembra facile a dirsi ma provateci voi!

Ecco cosa ci siamo detti:

Ciao Giorgia, come stai e dove ti trovi?

Ciao amici di Toh! È bello ritrovarvi. Sono e sto in tanti posti e in tanti modi, quando esce un album è un po’ come quando nasce un figlio, c’è del trambusto bello, entusiasmo e paure vanno a braccetto. Al momento sono a Torino, ma per poco. 

Cosa avevi in mente quando hai iniziato a lavorare al disco, pensi che le tematiche affrontate e il suo immaginario potremmo considerare questo album un concept?

Assolutamente si! Sono felice che si possa percepire un’idea di fondo. Io volevo raccontare quello che succede quando accetti il fallimento – tema cardine del disco precedente – e inizi a lasciare andare, a voler essere felice o quantomeno a provarci: lasci andare chi non ti ha capito, chi non riesce a volerti bene senza importi la sua visione della vita, chi invece di bene non te ne vorrà mai anche se tu ci speri sempre, i tuoi lati migliori, i tuoi lati peggiori.

Volevo creare una mappa degli ultimi anni dei vent’anni, almeno dei miei, questo passaggio strano, che quasi ora che ne faccio trenta ma sembra di ripartire dal via!

Ho amato Hollywoo dal primo momento, la melodia ti si appiccica e il pezzo parlato finale molto anni ’90 è una botta. Come è nata questa canzone che con il suo titolo apre un po’ la strada al cinema che aleggia nel disco?

Grazie, è una delle mie preferite, ci sono tanto legata. È nata in realtà con ispirazione molto più 60/70 da ascolti come The Shangri-Las e Lesley Gore (che al tempo cantava “You Don’t Own Me” con un testo coraggiosissimo per l’epoca!!).

Come dici il cinema è molto presente in tutto l’album – dalle canzoni alle grafiche – un po’ perché è una mia grande passione e un po’ perché con l’espediente del mondo di Hollywood ho parlato invece di altri ambienti patinati in cui mi sento stretta. La fine è una lettera che non ho mai mandato – ma che ad oggi dovrebbe essere arrivata al destinatario – e che ad un certo punto ho provato a leggere sulla canzone, ci siamo emozionati e l’abbiamo tenuta. 

È nata una mattina in cui mi sono alzata e mi sono resa conto che erano tante mattine che non mi svegliavo pensando alla persona che per anni ho amato, aspettato, odiato. Mi sono sentita libera ma mi sono chiesta cosa farmene di quella libertà, visto che per anni una delle cose che mi aveva definito era proprio quell’amore per quella persona: chi ero senza tutto quell’amore? È stato un momento molto forte, meritava una canzone. 

“Gummo” è un film seminale che ha influenzato e continua ad influenzare le nuove generazioni con la sua vita estrema di periferia e con lo styling curato da una giovanissima Chloe Sevigny. Come mai hai scelto di omaggiarlo in cover?

Se dobbiamo parlare di mostri, chi meglio di Harmony Korine ha la capacità di descriverli, di fotografarli?

Trovo quel mondo (Kids, Gummo) tanto disturbante da diventare interessante, ipnotico, perché sottende la libertà di essere umani: i suoi personaggi non sono buoni o cattivi, persi o schifosi, sono veri, sono marginalizzati, sono tutti noi in condizioni estreme.

Credo che se non passa mai di moda sia per questa capacità di raccontare il mondo senza filtri e senza giudizio, che è una filosofia che sposo a pieno.

Mi piace come giochi con la tua immagine ma la metamorfosi è qualcosa che ti distingue di disco in disco, nel video di “Mostri” omaggi Spring Breakers altro film generazionale che ha influenzato i canoni della moda a venire. Me ne parli? 

Per anni mi sono sentita dire che non ero catalogabile perché cambiavo troppo spesso: “così li disorienti Giorgia, non si riesce a darti un’etichetta.”

E io non capivo, guardavo alle grandi pop star come Madonna e Gaga e dicevo “ma è questo che voglio, poter essere sempre il più simile a me stessa per come mi sento quel giorno”.

E vorrei che la mia immagine fosse solo un altro modo per esprimermi e raccontare la mia musica, non voglio essere rassicurante, non sono la zia che fa i biscotti e vive in provincia.

Oggi ne ho fatto un punto di forza, così per ogni copertina mi sono ispirata ad un film e a un personaggio che mi rappresenta, proprio come Tempesta con Eternal Sunshine.

Spero solo non torni davvero la vita bassa, ecco.

Ci sono altri riferimenti cinematografici che non ho colto nel disco? Il video di Tempesta potrei dire che è un omaggio a Michel Gondry, sbaglio?

E’ stato il secondo video che ho scritto, diretto montato e blablabla (con l’aiuto di Giulia Bartolini, mia fidata fotografa e amica) e ne sono molto molto orgogliosa! È un omaggio non solo a ha Gondry ma anche a “Paradiso+Inferno” con il compianto Heat Ledger!

Con @nopelc (aka Luca Chiabolotti, tuttologo) ci siamo divertiti a distanza a ricreare le scene iconiche dei film, ovviando al fatto di essere in lockdown e non poterlo girare di persona.  Oltre a questo c’è tanto Lynch, tanto Trier e moltissime serie tv da Buffy a Sex and the city! 

Chi sono i Mostri di Giorgieness?

Solo uno: Giorgia. 

Questi mostri li hai sconfitti, ci stai combattendo o ci convivi?

Ho assolutamente imparato a convivere sia con me stessa che con il resto dei mostri. Il che significa ogni tanto sconfiggerli e altre volte combatterli, altre semplicemente accarezzarli. 

Prima scherzavo, penso che il mio mostro sia il mio passato con tutte le conseguenze che ha avuto sulla persona che sono. Solo che ho smesso di sentirmi sbagliata e ho iniziato a sentirmi me stessa, con tutti i miei limiti.

L’altro giorno una delle persone che mi conosce di più al mondo mi ha scritto “mi dispiace che tu stia così, ma del resto non ricordo un periodo in cui tu non stessi così, penso sia proprio nel pacchetto” e ha ragione, ho accettato anche il fatto che le montagne russe su cui vivo mi piacciono.

Che faccia bene o male, voglio sentirmi viva, voglio vivere ogni giorno. 

Posso dire che musicalmente Mostri è un album meno aggressivo, più vulnerabile, sono state le riflessioni da lockdown con cui tutti abbiamo dovuto fare i conti o altro?

Mi sento di dire di no, ho scritto solo un paio di cose durante il lockdown ma non ha aiutato ne la mia creatività ne la mia lucidità. Mi sono presa quel tempo per leggere e studiare e soffrendo di insonnia in modo molto pesante ho anche imparato a fare le brioches. 

Penso anche io che questo album sia meno aggressivo, ma non meno arrabbiato.

La rabbia soprattutto a noi donne non la spiegano, ti dicono solo di nasconderla, di non essere isterica. Quindi quando la scopri inizialmente la butti fuori senza calibrare, nel tempo impari che non serve urlare per farsi ascoltare, ma che hai tutto il diritto di essere arrabbiata e quella rabbia crea, non distrugge.

Consiglio lettura: La rabbia ti fa bella. 

Da sempre difendi i diritti LGBTQIA+ cosa pensi del recente e vergognoso affossamento del DDL Zan?

Cosa devo pensare, non ho più nemmeno le parole per descrivere la nostra classe politica. Da una parte e dall’altra, con pochissime eccezioni, non si tratta più nemmeno di politica ma di potere, di slogan, di autopromozione mi verrebbe da dire. Tutto sulla nostra pelle, specialmente di chi è più debole. 

Io penso che riconfermare il diritto di odiare, di avere la presunzione che ci siano vite più meritevoli di altre di essere rispettate venga dalla paura che hanno certi di scardinare le uniche certezze che hanno.

Mi chiedo: non eravamo uno stato laico? Non siamo tutti uguali e meritevoli della stessa dignità? E allora perché devo vedere la faccia di Pillon tronfia mentre vengono affossati i diritti civili?

Ma non ci fermeremo, ecco cosa penso, che se non sarà il ddl zan, sarà il prossimo o quello dopo ancora, ma siamo tanti e siamo uniti, è un cambiamento inevitabile anche perché i giovanissimi sono già più o meno lì con la testa, sono liberi e così devono rimanere. E devono crescere con l’idea che qualunque cosa sentano di essere va bene e devono farlo con dei modelli, dai supereroi ai professori a tutta la comunità.

A proposito di paladini LGBTQIA+ ti ho visto in qualche stories con Splendore, dobbiamo aspettarci qualcosa di pazzo in arrivo?

Mattia (Barro aka Splendore) ha cori miei sparsi per l’hard disk da millenni, ma in realtà ci hai visti insieme perché ci vogliamo molto bene e quelle rare volte che siamo nella stessa città proviamo a intercettarci come quest’estate per puro caso a Livorno.

In realtà, non so se faremo mai qualcosa insieme ma se dovesse succedere sarebbe un mezzo miracolo, perché finiamo sembra a bisticciare quando proviamo a fare la musica (ride).  Ciao Matti tvb! 

L’ultimo album di cui ti sei innamorata  e perché?

Molto facile, una signorina che si chiama Lana Del Rey ha fatto uscire due album in un anno e non so ancora quale amo di più. Ma il motivo è sempre lo stesso: il percorso che ha fatto e il cazzo che se ne frega del giudizio esterno, del music biz e delle classifiche.

Lei scrive poesie, non fa merendine confezionate, la amo per questo e per come sia sempre dannatamente fuori luogo con quei vocalizzi che però alla fine fanno il pezzo.

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Mettere le proprie emozioni in musica non riesce a tutti, ma Freddie Long sembra essere predisposto a farlo, dopo aver portato all’attenzione il problema della sanità mentale e del suicidio maschile con il brano “Hope” e l’edonismo giovanile legato all’uso dei social media con “In Your Arms”, nel nuovo brano “Hyde and Seek” esplora le emozioni che ruotano intorno a una rottura sentimentale. Nello specifico agli errori che uno si rende conto di aver commesso e che hanno portato la coppia a dividersi, una sorta di autoanalisi. In attesa del suo nuovo E.P. lo abbiamo intervistato:

Ciao Freddie, come stai?

Sto bene grazie! Adoro il fatto che tutto stia ricominciando ad aprirsi. Sono contento che si possa tornare a vedere concerti ed eventi in questo momento.

Quando hai capito che la musica era la tua strada?

Piuttosto tardi, ha 17/18 anni e non avevo mai suonato la chitarra o cantato molto, ma la musica mi ha sempre interessato. Ricordo di aver comprato una chitarra per £80 da Amazon, stava cadendo a pezzi ma ha fatto il suo lavoro, ed è quello che ha dato il via a tutto .

Hai da poco pubblicato il nuovo singolo “Hyde & Seek”. Ho letto che è la tua canzone più personale di sempre, è stato difficile scriverla?

Non direi che è stato difficile scriverla. Le mie emozioni emergono nella mia musica e io non cerco mai di trattenerle. Per quanto riguarda “Hyde and Seek” mi sono lasciato di recente in un modo che mi ha fatto davvero schifo, quindi è stata una riflessione sincera su quello che stavo attraversando in quel momento della mia vita.

Freddie, cosa ti ispira di più nel fare musica?

Il modo in cui mi fa sentire. Si connette a me come nient’altro.

Hai pubblicato 3 singoli che faranno parte del tuo prossimo e.p. quando uscirà e cosa puoi dirmi oltre a quello che già sappiamo?

L’e.p. uscirà all’inizio del 2022. Stiamo attualmente dando gli ultimi ritocchi alle canzoni rimanenti. Sono entusiasta di condividere il resto del progetto. Sento che ogni canzone è leggermente diversa dalla successiva.

Chi era il tuo idolo adolescenziale?

Mi sento come se ne avessi avuti di divertenti ma non mi vengono in mente in questo momento ahah. Musicalmente ti dico i Linkin Park. Hanno spinto la musica in quel momento e per me sono ancora uno dei migliori mix tra rock, rap, pop ecc.

So che hai un buon legame con la moda, hai disegnato un paio di 501 e una giacca per Levi’s, hai lavorato con il marchio sostenibile e all’avanguardia Charlie Cohen, e durante il primo lockdown hai realizzato un merchandising tye-die realizzato da te stesso. Penso che questo dimostri anche la tua versatilità nel gusto. Come sei stato coinvolto in questi progetti? Hai qualcosa di nuovo in arrivo?

La adoro. È una connessione diversa con la mia creatività. È stato fantastico tanto che alcuni giorni ancora stento a credere di aver collaborato con Levi’s. Lavoro costantemente su cose ho tante idee ma poi non sono mai sicuro di cosa farne. Mi piacerebbe lanciare una linea di merchandising esclusiva. In realtà ho appena esaminato la prima bozza del mio logo e sono molto soddisfatto del risultato. Mi piace essere coinvolto in tutti gli aspetti creativi.

A proposito di stile, hai qualche icona della moda?

Lo streetwear giapponese ha sempre catturato la mia attenzione. Non sono sicuro di cosa si tratti, ma gli strati e i colori che usano mi piacciono. E anche gli anni ’90 direi.

L’ultimo disco di cui ti sei innamorato e perché:

Una canzone intitolata “If I Would Have Known” di Kyle Hume. È un pezzo fantastico. Appena l’ho sentito sono entrato in connessione.

Freddie Long

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Adele è tornata da nemmeno 24 ore e Easy on me sta già infrangendo nuovi primati, come ad esempio essere stata la canzone più scaricata su iTunes USA nella storia, in soli 3 minuti.

Ma c’è molto altro: Adele ha aperto l’era di 30 con una ballad a base di piano con una performance vocale potente e intensa.

Il brano uscito insieme a un video, a metà in bianco e nero, a metà a colori è girato da Xavier Dolan nella stessa casa dove è stato girato Hello.

Il nuovo album di Adele, 30 uscirà il 19 novembre.

La cantante ha detto che il disco è come una lettera al figlio di nove anni, un modo per spiegargli il divorzio da Simon Konecki.

Nel finale di Easy on Me, Adele racconta quant’è stato difficile quel periodo e di come abbia fatto il possibile per mettere la famiglia al primo posto.

“I had good intentions / And the highest hopes / But I know right now / It probably don’t even show”.

Trovo che Easy on me sia una canzone malinconica ma non triste, come se avesse il sapore degli addii silenziosi, di quelli dove sai che hai dato tutto, hai consumato tutto il dolore che è diventato ricordo e la vita è di nuova pronta per te.

Dunque è valsa la pena aspettarla per così tanto tempo. 

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Quella del videoclip è diventata negli anni sempre più’ un’arte, anche perché oggi la musica si fruisce più per immagini. Certo di video brutti in giro ce ne sono anche troppi, ma ci siamo noi a consigliarvi quali guardare:

Troye Sivan “Angel Baby” director: Luke Gilford

Troye Sivan dall’Australia ci accompagna sin dalla sua giovanissima età in un percorso di accettazione e cambiamento. Essere gay e confidenti allo stesso tempo non è sempre facile ma Troye ci riesce piuttosto bene e con il video di “Baby Angel” non ci sta solo dimostrando di essere gay e fiero ma soprattutto la sua libertà d’espressione.

Insieme a Lil Nas X, anche se Troye ha cominciato anni prima, sta portando in un territorio mainstream l’inclusività con una svolta sempre più non binaria a livello d’immagine per una canzone che lui stesso ha definito la sua “power bottom ballad” . Bellissimi anche casting e fotografia ma Troye Sivan in quanto gusto non ci ha mai deluso. Attendiamo il suo terzo album trepidanti.

Snail Mail “Ben Franklyn” director: Josh Coll

I serpenti sono tornati di moda: Billie Eilish si fa stritolare da un pitone nel video di “Your Power”, Years & Years se li lascia scivolare addosso come simbologia del peccato nel recentissimo singolo “Crave” mentre Snail Mail nel nuovo singolo “Ben Franklyn” usa un pitone albino come fosse un accessorio, con la sua faccia sempre un po’ annoiata non mi è difficile immaginarla prossima testimonial di MiuMiu.

La promessa dell’indie rock americano, dopo aver fatto coming out, sta per pubblicare il suo secondo album “Valentine” , in questo video che lo anticipa la ventiduenne del Maryland si cimenta in una coreografia all’insegna dello scazzo dentro una blasonata casa della nonna, per poi riconquistare l’allegria nel giardino della sua casa suburbana insieme al suo cagnolino.

Kelis “Midnight Snacks” director: Adrienne Raquel

Ritorno passato in sordina, ma ci pensiamo noi a ricordarvi Kelis, per altro di recente portata alla ribalta dalla rising star Ashnikko che ha campionato la sua “Cought Out There” nella sua hit “Deal With It”.

L’ultimo album di Kelis “Food” risale al 2014 un’operazione commerciale visto il titolo “cibo” poichè Kelis ai tempi aveva un programma di cucina chiamato “Saucy and Sweet” e ha pubblicato anche un libro di ricette: “My Life On a Plate”.

La sua passione non si ferma e a 6 anni dal suo ultimo album di inediti torna con un singolo che sin dal titolo allude al cibo e al sesso: “Midnight Snacks”. Una ballad vellutata e seducente che ammicca agli anni ’70 con un video che vede mixate insieme tecnologia e food porn, tra gelatine ondeggianti, gelati liquefatti e gummy bear. video gay

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Il singolo, già in radio e disponibile anche su Apple Music, è stato ispirato dagli Abba, e Olly ha detto “Hai presente come gli ABBA ti facciano semplicemente viaggiare? E improvvisamente c’è un cambiamento, una transizione, e tu pensi solo, “Oh, portatemi con voi.” 

Ha poi aggiunto dettagli per la collaborazione con Elton John che riguarda l’esibizione ai Brit 2021 dove hanno cantato insieme It’s a Sin e di come quest’ultimo valorizzi gli artisti…

“Credo di essere in un momento di vita in cui mi do stimoli e seguo una lista di cose da fare, come incontrare persone che ho sempre voluto conoscere e con cui ho da sempre voluto lavorare, ad esempio Elton John.

Devo dire che Elton è un vero angelo. Mi telefona per chiedermi come sto. Voglio dire, è una leggenda assoluta, ma è anche semplicemente un tipo affettuoso.

Sono così fortunato ad essere stato in studio con lui, perché vederlo suonare il pianoforte…mi ha dato i brividi. Nel senso che mi vengono i brividi solo a pensarci.

Solo sentendolo parlare della sua vita, della sua carriera…è tuttora così entusiasta, e dà risalto ad altri artisti, è ciò che ama fare e sono così felice di essere nelle sue grazie così amorevoli”.

Olly Alexander si è lasciato andare raccontando del periodo in cui ha girato It’s a Sin fino alla creazione di nuova musica…

“Dal momento in cui incontrai Russel T Davies, lo scrittore, e lessi il copione, pensai “Oh, è davvero speciale. È qualcosa che arriva solo una volta nella vita”.

Ma credo che, arrivando da tutto ciò, e ovviamente con la pandemia e tutto quello che è successo, la creazione musicale si era fermata e io non ero in uno stato mentale in cui riuscivo a concentrarmi, come è successo a molte persone.

Quindi sono entusiasta di tornare. C’è molto della mia musica che riguarda l’escapismo, ma volevo davvero creare qualcosa che trasmettesse divertimento, che fosse un po’ sexy, eccitante…Volevo solo esternare tutto ciò, e divertirmi”.

Di certo Olly Alexander non poteva raccontare ad Apple Music del prossimo album degli Years & Years…

“Volevo davvero esplorare questa sorta di fantasia perversa. ‘Crave’ è un buon esempio di questa energia sessuale leggermente squilibrata che è diventata una specie di Musa, un personaggio che sono diventato decisamente in diverse occasioni, e tutto questo c’è nel disco. E credo che sia forse un po’ più assertivo del precedente.

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In un certo senso possiamo dire che Lorde o come sei definisce ironicamente nella title track “Solar Power” è un “Gesù più carino” che è cresciuto e maturato in fretta per via del successo, e giunta al suo terzo album dopo il pluripremiato “Pure Heroine” e l’acclamato “Melodrama” ci rivela una nuova se stessa e che ci piaccia o meno non è affar suo.

Lorde è positiva, è solare, è felice e in forma come non è mai stata, lei stessa si compiace del suo nuovo aspetto fisico, dovuto a vita sana, yoga, e dall’aver gettato il cellulare nell’Oceano consigliata dalla sua terapista, visto che ci passava davanti tre quarti della sua giornata.

La cosa buffa è che la notizia più clamorosa di questo ritorno è proprio quest’ultima, “Lorde ha lasciato i social media” e tutta la stampa solo a chiederle questo, come se avesse fatto la cosa più impossibile al mondo.

Certo sappiamo non sia una scelta facile, dev’essere strano dare al tuo agente le password dei tuoi social, compreso YouTube, soprattutto se sei un cantante, dove la maggior parte della promozione ormai avviene proprio su questi canali, che danno in pasto ai fan affamati la tua vita privata.

Immagino la gioia della sua etichetta, sentimento raddoppiato quando Lorde comunica al mondo che non ci sarà un cd fatto per essere buttato nell’immondizia, in un breve futuro inquinando il pianeta.

Al suo posto ci sarà una “Music Box” una scatola dalla stessa dimensione di un cd ma senza disco dentro, lì troverete, oltre ad un booklet esclusivo, una member card con un codice per scaricare l’album in HD e che nei mesi a venire sbloccherà contenuti speciali per i fan.

Fatto da non tralasciare è che lei stessa abbia consigliato l’acquisto di questo prodotto che non è eleggibile nelle chart in quanto privo di formato fisico, (anche se personalmente non ne capisco il perché considerando l’era digitale che stiamo vivendo).

Ma torniamo a Solar Power il “weed album” come lo ha definito e per rimarcare il concetto quando firma gli autografi sulla cover si disegna col pennarello un joint in bocca.

Insieme al produttore Jack Antonoff, già dietro a “Melodrama” e fautore di numerosi successi che hanno svettato in cima alle chart degli ultimi anni, Taylor Swift e St.Vincent in primis, (ma ve lo ricordate quand’era “solo” il chitarrista dei FUN.?) Lorde ha buttato letteralmente via tutti i ritmi elettronici e le atmosfere dark di una teenager con il rossetto nero ciliegia che non voleva omologarsi al mondo, in favore di chitarra acustica, ritmi solari anni ’60 e suoni di cicale neozelandesi che ha personalmente campionato nelle sue escursioni naturiste. Praticamente il polo opposto di “Melodrama”. 

Lorde è rinata, ha composto un album che ancora una volta sembra uscire dalle pagine del suo diario segreto, e sono sicuro del fatto che i suoi veri fan avranno trovato tutti i riferimenti nascosti che si riferiscono sia ad episodi della sua carriera che personali.

Vi cito due esempi, in “California”, la sua scarna melodia giocosa è in realtà un duro statement contro l’industria discografica americana, quando canta “Once upon a time in Hollywood when Carole called my name. I stood up, the room exploded . And I knew that’s it, I’ll never be the same ” si riferisce alla cantante Carol King quando ai grammy del 2014 le consegnò il premio come Best Pop Solo Performance per “Royals” e da lì la sua vita sarebbe cambiata radicalmente.

Oppure in “Stoned at Nails Salon” apre il secondo verso cantando “Got a memory of waiting in your bed wearing only my earrings” un rimando al primo verso di “The Louvre” canzone contenuta in “Melodrama”: “Half of my wardrobe is on your bedroom floor”, e di trucchetti come questi ce ne sono diversi, ma non sarà io a svelarvi tutto. 

A livello di testi Solar Power è un album “sexy, giocoso, selvaggio, libero e che vibra al suo massimo livello con l’arrivo dell’estate” come Lorde stessa lo ha descritto, è anche uno statement contro i lati negativi del successo raggiunto in giovane età e di quanti possa questo essere nocivo e manipolatore, tematica che ha recentemente sviscerato anche Billie Eilish nel suo ultimo lavoro “Happier Than Ever”.

Musicalmente invece “Solar Power” è un disco che, come anche quello di Billie Eilish fa, guarda al passato, quel che ci si aspetta da Lorde è un suono moderno, qualcosa che quando arriva ti spiazza e ti fa drizzare le orecchie, ma in effetti anche “Solar Power” lo fa, perché credo sia lontanissimo da quello che un suo fan si aspettava e io sono uno di quelli.

Tanto che vi vedo tutti muti sui social, quelli che Lorde ha buttato nel mare, quasi timorosi di esprimervi su questo drastico cambiamento.

Come il disco di Billie Eilish anche quello di Lorde non è un lavoro da primo ascolto, bisogna perseverare e saltare quel piccolo scoglio in cui s’infrangono le sue onde per poter godere in pieno della sua solarità, della sua complessa struttura nostalgica che pesca dai primi anni 2000, quando Lorde era una ragazzina e ascoltava Natalie Imbruglia, Robbie Williams e gli Steps, citati più volte come fonte d’ispirazione insieme a gruppi che ha scoperto in età più adulta come i Primal Scream o i Tribe Called Quest’s . 

Per raccontarci questa sua metamorfosi celatamente ottimista, Lorde si è trasformata in una guru del wellness tanto che i video ad oggi usciti “Solar Power” e “Mood Ring” sembrano gli spot di una spa 5 stelle ma con un segreto oscuro, tutto sembra perfetto, lucente, allegro, ma tutto intorno l’atmosfera brucia e i ghiacciai si sciolgono.

Il nuovo immaginario di Lorde mi ha portato alla mente “The Enlightned” una serie del 2011 ma uscita in Italia quest’anno in cui la protagonista, (Laura Dern), molla la routine stressante del suo lavoro e dopo un ritiro spirituale intensivo torna a casa invasata dallo yoga e dal benessere, credendo che tutto possa cambiare quando invece va tutto più a rotoli più di prima, o alla recentissima “Nine Perfect Strangers” con Nicole Kidman che interpreta una wellness guru che fa “rinascere” i suoi esclusivi ospiti drogandoli a loro insaputa e che è stranamente uguale d’aspetto al personaggio che Lorde interpreta nel video di “Mood Ring”. Insomma spa is the new trend. 

Musicalmente invece, se siete di quelli che ascoltano un disco skippando da un brano all’altro alla ricerca della canzone travolgente beh, con questo disco allora lo farete dall’inizio alla fine, ma sappiate che vi state perdendo un lavoro che nella struttura non è poi così diverso dai dischi precedenti di Lorde.

Le canzoni di “Solar Power” cambiano inaspettatamente forma, sono contaminate da campionamenti “naturali”, e poi c’è la sua voce che è il suo tratto più distintivo a legare il tutto con i suoi mmmmmmmhhhhhh e woooshhh. 

Se “Pure Heroine” vi aveva sganciato della vostra solitudine ricordandovi che no, non eravate i soli freak al mondo e “Melodrama” vi ha fatto uscire da una crisi esistenziale post-breakup, questa volta Lorde non tornerà a salvarvi da nulla perché era impegnata a salvare se stessa e come lei sta imparando ad affrontare la sua vita possiamo farlo anche tutti noi, non a caso in “The Path”, pezzo che apre il disco canta “Ora, se stai cercando un salvatore, beh, non sono io” e le carte sono subito scoperte sulla tavola. Forse manca un jolly ma ciò nonostante ha fatto scala. 

L'articolo Lorde: Solar Power una settimana dopo. Recensione proviene da Toh! Magazine.

Le sonorità new wave e l’elettronica anni ’80 sono sempre stati una fonte d’ispirazione per i CHVRCHES, ma in “Screen Violence” il loro quarto album, si fonde con un piacevole abuso di chitarre e un estetica da film horror che ha convinto anche il regista e musicista cult John Carpenter a creare un remix per il loro singolo “Good Girl” (i CHVRCHES hanno ricambiato il favore remixando la sua “Turning the Bones”).

Altro colpaccio la presenza di uno dei loro idoli conclamati da sempre: Robert Smith dei The Cure, artista che non si concede molte libere uscite dalla band e con cui duettano in “How Not To Drown”, nel ritornello l’unione delle voci di Mayberry e Smith è elettrizzante ed elettrica. “Screen Violence” è un album che rivelerà tutta la sua forza dal vivo, sarà un sollievo liberatorio poterlo cantare sotto palco.

Nell’attesa di riassaporare la loro potenza dal vivo abbiamo intervistato la cantante Lauren Mayberry:

Ciao Lauren! Come stai e dove ti trovi?

Sto bene grazie! Io, Iain e Martin siamo attualmente a Los Angeles per promuovere “Screen Violence” e lavorare su nuova musica.

Già dalla copertina e dal titolo si evince che il nuovo album è stato influenzato da un’estetica horror e da sonorità anni ’80, visivamente mi sembra la locandina di un film, un incrocio tra Poltergeist e Psycho, cosa vi ha spinto in questa direzione?

“Screen Violence” era in realtà un suggerimento sul nome della band che non abbiamo usato. Eravamo in tournée nel 2019, pensando a quale direzione prendere per il quarto album, e ho trovato l’elenco dei nomi per la band inutilizzati sul mio computer. “Screen Violence” è saltato fuori perché tutti noi amiamo quell’era dell’horror – Cronenberg, Carpenter, Stephen King – e sembrava una palette su cui avremmo potuto scrivere molto.

Screen Violence è per voi un riflesso di tutte le paure che stiamo vivendo in questi giorni, come la solitudine, l’isolamento, la salute mentale, la perdita, le relazione finite, ecc?

Dal punto di vista dei testi penso fosse decisamente quello che stavo canalizzando. Avevamo già deciso che l’album sarebbe stato più oscuro di “Love Is Dead”, solo per come mi sentivo emotivamente e per alcune delle cose che avevamo passato da quando abbiamo pubblicato il terzo disco, e nel 2020 abbiamo messo più a fuoco il tutto.

Penso che tutti possano sentirsi timorosi e isolati in questo momento, ma mi piace pensare che l’album abbia anche elementi di speranza. È importante attraversare le emozioni più oscure ma cercando di trovare un modo per arrivare dall’altra parte.

Lavorare a questo album è stato per voi anche una sorta di fuga dalla situazione Covid?

Penso che ci abbia davvero aiutato a sopravvivere emotivamente. La band, prima del 2020, era stata questa forza incredibile e piuttosto caotica nelle nostre vite, ma l’anno scorso è stata davvero una zona di conforto. È stato molto rassicurante e stabile avere le nostre sessioni di scrittura quotidiane su Zoom e avere l’un l’altro con cui parlare di quello che stava succedendo. Oppure non parlarne affatto e lavorare solo sulla musica cercando di dimenticare tutto per qualche ora.

Com’è stato lavorare con i limiti della pandemia?

Capire gli aspetti tecnici è stato difficile inizialmente, ma abbiamo trovato un ritmo e un buon metodo. Avevamo la struttura ossea della maggior parte delle canzoni prima dell’inizio del lockdown, ma quasi tutti i testi e la produzione sono stati fatti completamente da remoto, due di noi in America e uno di noi in Scozia.

“Asking for a Friend” è un titolo che mi ricorda i meme su Internet, suona un po’ ironico, ma la canzone ha un significato più profondo: è un contrasto o una coincidenza? Cosa ha ispirato questa traccia che apre l’album?

Mi è piaciuta la giustapposizione del significato della frase – dici “chiedo per un amico” quando cerchi scherzosamente di fingere che tu stesso non stai chiedendo veramente anche se è così. Ma i testi provengono anche da un luogo di isolamento e solitudine in cui tutti stavamo letteralmente chiedendo per un amico, qualcuno che ci aiuti. La canzone è piuttosto oscura in un certo senso, ma mi piace pensare che riguardi il capire cosa conta per te e tenerti strette quelle cose.

Ascoltando “Screen Violence”posso sentire le influenze musicali di Brian Eno, Depeche Mode e The Cure filtrate attraverso il vostro suono distintivo. Dal tuo punto di vista come senti cambiato il suono dei CHVRCHES?

Stavamo pensando decisamente molto a tutte queste band – che sono davvero radicate nel DNA del suono dei CHVRCHES – ma anche a come andare avanti nella nostra musica senza applicare certe regole a noi stessi, che avremmo potuto avere in precedenza. C’è molta più chitarra in questo album, in parte influenzato dal fatto che Iain e Martin stavano costruendo pedali per chitarra durante il lockdown come un modo per rimanere sani di mente, ma sono sicuro che in un altro momento saremmo stati riluttanti a mettere giù così tanta chitarra, perché non è quello che faremmo normalmente. In questo album, abbiamo cercato di buttare via il libro delle regole e fare semplicemente ciò che ci sembrava onesto e autentico in quel momento.

Posso immaginare che avere Robert Smith come guest in “How Not To Drown” sia stato per voi una specie di sogno che si avvera. Dove e come è nata la collaborazione? Hai imparato qualcosa lavorando con lui?

Siamo tutti così grandi fan dei The Cure, è ancora pazzesco pensare che sia avvenuta questa collaborazione. Il nostro manager aveva sentito che il nuovo disco dei The Cure era in lavorazione e così ha chiesto a un amico comune di comunicarci il suo indirizzo e-mail, nel caso potesse proporre i CHVRCHES come band di supporto per il tour. Ha poi ricevuto un’e-mail da Robert stesso e la conversazione è partita da lì. È stato così generoso con noi ed è stato così stimolante lavorare con qualcuno che chiaramente ama e rispetta così tanto la musica.

“He Said She said” è una canzone su una relazione tossica?

Non si tratta di una relazione, ma di cose diverse che sono state suggerite per stare nelle relazioni nel corso del tempo. Penso che molte persone possano relazionarsi con quella sensazione di sentirsi dire di conformarsi, ma le regole cambiano continuamente. Non importa quello che fai, non sarà mai abbastanza buono perché è uno standard irraggiungibile si basa tutto sulle lotte di potere piuttosto che su ciò che stai effettivamente rappresentando.

Come pensi che le nuove canzoni suoneranno nella dimensione live dove date il meglio di voi stessi?

Non vediamo l’ora di suonare di nuovo dal vivo! I CHVRCHES è sempre stato un progetto guidato dai fan: abbiamo firmato un contratto perché così tante persone parlavano ai loro amici della band e ci facevano saltare in aria su SoundCloud. Penso che tutti avranno bisogno di sentirsi liberi veramente quando questo periodo sarà finito e penso che una canzone come “Asking For A Friend” sarà fantastica dal vivo. È come la sorella contorta di “Clearest Blue”…

TOH! è un magazine LGBTQIA+, avete una forte base di fan LGBTQIA+, com’è il rapporto con loro e fate parte di qualche iniziativa per supportare la community?

Siamo così grati che la comunità LGBTQIA+ abbia abbracciato così tanto la nostra band e cerchiamo davvero di essere alleati ed essere lì per i nostri fan perché li amiamo. Facciamo una raccolta fondi annuale per un’organizzazione giovanile in Scozia e adoriamo quando le persone condividono con noi storie di come la musica è stata lì per loro nelle loro vite. “Clearest Blue” è stata suonata a così tanti matrimoni gay!

I tuoi tre film horror preferiti sono:

“Carrie”, “Scream” e “Halloween”.

L’ultimo disco di cui ti sei innamorata:

“Live Forever” di Bartees Strange.

L'articolo CHVRCHES: tra estetica horror e chitarre proviene da Toh! Magazine.

Forse non conoscete ancora la sua musica ma avrete sicuramente visto Kat Cunning dallo schermo di qualche vostro device, soprattutto se siete dipendenti dalle serie.

Ha recitato in The Douce – Le vie del Porno, prodotto da HBO al fianco di James Franco e Maggie Gyllenhaal, nella serie tv Trinkets di Netflix, e tra poco sarà sul grande schermo in Marry Me dove interpreterà l’assistente di J.Lo.

Oggi Kat Cunning sta aspettando di pubblicare l’ EP di debutto ,Idol Hands, anticipato dal singolo Boys, un lavoro autobiografico che racconta storie vere che servono a far aprire gli occhi sul mondo LGBTQIA+ o ad aiutare giovani persone queer in difficoltà, come a creare una safe zone. Ecco cosa ci ha detto:

Ciao Kat, pensi che la pandemia e l’incertezza dell’ultimo anno abbiano influenzato la tua nuova musica?

Sì, assolutamente, soprattutto mi ha dato modo di guardare più da vicino il mio processo di scrittura e alle grandi influenze della mia vita. Vivevo a New York all’inizio della pandemia con il mio partner da cique anni, e ci siamo presi il Covid oltretutto. Però, durante la malattia abbiamo deciso di lasciarci e io sono tornat* a Los Angeles.

Così non potendo fare concerti mi sono concentrat* su cosa volevo veramente scrivere e cosa mancava al mio progetto sino ad allora. Credo che questo periodo mi abbia dato la possibilità di cercare nuovi colori nel mio storytelling che non avevo ancora toccato. Ho avuto la possibilità di sperimenatre qualsiasi cosa mi venisse in mente cercando di raggiungere un obiettivo. 

Ho letto che il tuo passato nella musica include jazz e blues, quindi cosa ti ha portato nel mondo del pop?

Ho sempre voluto raggiungere un pubblico più vasto, difatti più che musicista mi considero storyteller. Credo che la musica pop abbia il potere di toccare anche quelle persone che non sanno cosa significhi l’arte, inoltre con la mia musica vorrei raggiungere persone che vengono da una piccola città come la mia e non solo le persone più intelligenti del mondo.

Io sono nat* e cresciut* a Gresham in Oregon un paesino minuscolo, e ho un background radicato nella danza che ha segnato la mia infanzia e radunava un piccolo gruppo di persone che erano interessate alle belle arti. È stato molto formativo per me e mi ha spinto a voler divulgare a tutto il mondo la mia conoscenza delle belle arti e il pop è il mezzo giusto per farlo.

Credo di aver infuso in quello che faccio anche il mio amore per il jazz e il blues che sono elementi che stanno contaminando la musica pop di oggi e per me sono stati i due elementi che mi hanno insegnato a cantare e che ti insegnano quando sia importante l’espressione musicale e non solo la bravura. 

Ti sei trasferit* dall’Oregon a New York dove hai iniziato la tua tua carriera esibendoti in un musical a Broadway. Quando hai capito che volevi diventare anche tu un cantante?

Sapevo di saper ballare ma quando ho cominciato a cantare nel musical ho ricevuto così tante critiche positive che ho iniziato a prendere il canto seriamente.

Cantare mi fa sentire molto nervos*, mentre quando ballo sono totalemente a mio agio perché mi sono allenat* moltissimo. Ma onsetamente non mi aspettavo di cantare prima di questa esperienza. 

In che musical hai recitato a Broadway?

Il mio debutto sul palco non è stato a Broadway ma la prima volta che ho cantato è stato in uno show di danza che si teneva ogni venerdì sera, ricordo che il NY Times venne a vederlo ed elogiò al mio cantato. A Broadway ho debuttao nello spettacolo Paramore del Cirque du Soleil. 

Dopo l’uscita dei singoli Confident, Could Be Good e Boys pubblicherai il vostro nuovo EP, Idol Hands. Cosa possiamo aspettarci e quante canzoni ci sono?

Non so ancora dirti esattamente quando uscirà ma conterrà sei canzoni e sarà focalizzato sulla mia dualità, in quanto persona queer credo sia molto importante esprimere che faccio musica per essere coraggios* e per invitare le persone nel trovare la propria comunità in cui potersi sentire ben accetti.

Poi c’è l’altro mio aspetto quello che viene dal jazz, dal blues e da me che canto cover in bui night club, quindi qualcosa di più sexy e dark. Poi ci sono un paio di canzoni che parlano di sesso come Centerfold che sarà il prossimo singolo ed è una lettera a cuore aperto ad una ragazza. 

Cosa ha ispirato il testo del tuo ultimo singolo Boys? Parla di scappare da una famiglia conservatrice per abbracciare la propria personalità, giusto?

Esattamente! è un’esortazione a non rimanere bloccati nella propria comunità, anche se ti fanno leggere la bibbia e bruciano cose, è una canzone molto importante per me e l’ho scritta per la prima persona transmaschile che ho conosciuto. So che è un concetto non molto conosciuto ai più ma ho incontrato questa persona al college e volevo rendere la sua storia universale per tutti, compresi gay, lesbiche, trans, androgini, chiunque non si senta al posto che gli spetta ed è costrett* a vivere negli stereotipi della rappresentazione maschile o femminile. 

Da giovane artista dichiaratamente non binary, qual è il messaggio principale che vuoi trasmettere con la tua musica e la tua arte in generale?

Voglio solo far sapere a tutte le persone la fuori che c’è uno spazio che li rappresenta, non importa cosa li rappresenti ma ci sono comunità che li possono aiutare e seguire.

Giugno è il mese della prevenzione della salute mentale, essere seguiti in questo caso convalida davvero le situazioni e la sensazione che stai attraversando, ad esempio io ho scoperto di soffrire di “fatica di divulgazione” ovvero la stanchezza di dover fare coming out ogni giorno con le persone.

Io mi identifico con i pronomi they/them quindi voglio anche riferirmi a tutte le persone che fanno parte dello spettro queer e spero di riuscire nell’intento di far capire alle persone che essere se stessi e accettarsi è l’unica opzione possibile.

Qui in Italia non abbiamo una legge che tuteli i diritti delle vittime dell’omolesbobitransfobia ma finalmente dopo venticinque anni questa legge ora sarà discussa in Senato. Riesci a immaginare quanto siamo indietro rispetto ai diritti LGBTQI+ e quanto sia difficile spiegare il concetto di non binario in un paese che non accetta nemmeno il concetto di bisessuale? 

Non riesco ad immaginarlo, davvero, sono stat* in Italia e ho avvertito la mancanza di rappresentazione, se una cultura in generale non riconosce l’esistenza di determinate persone sarebbe tutto troppo difficile, persino raccontare la mia sessualità.

La conoscenza è un privilegio, è figo che ci sia una community però come la vostra con un magazine che ne parla, perché la strada è lunga ma se le persone possono trovare le informazioni che cercano tramite un media come il vostro, le persone possono fare squadra e cambiatre le cose perché più sarete numerosi e più sarà difficili ignorarvi.

Unitevi e combattete insieme nel modo che più ritenente opportuno, ognuno ha il suo, può essere scendere in piazza o parlarne in famiglia ma la divulgazione è fondamentale. Tocca a voi!

Chi era il tuo eroe da piccol*?

Judy Garland, ero ossesionat* dal Mago di Oz e da Dorothy, ci dev’essere un motivo se è diventata un’eroina per tutta la comunità queer no? Passa da un mondo incolore a uno iper colorato con una famiglia che si è scelta composta da strani personaggi, e credo che il concetto del sogno che si conlude con un ritorno a casa significa che sei libero di essere te stesso ovunque tu ti trovi. La mia seconda ossessione erano i Backstreet Boys. 

Canti, balli, scrivi e reciti. Cosa pensi accomuni tutte queste tue doti?

La narrazione è ciò che accomuna tutte queste arti. Quando scrivo è tutto sempre molto personale e incentrato su me stess* e a volte può essere estenuante.

Quando recito ho la possibilità di essere qualcun’altr*, quando giriamo è come se vivessi due vite parallele. Amo le parole, l’inglese è una lingua frivola che ha un sacco di parole diverse che singnificano la stessa cosa, amo questo aspetto che mi permette di giocare con le parole. 

Comè stato lavorare alla serie Trinkets di Netflix?

Divertentissimo, molto diverso rispetto alla serie The Deuce – Le vie del Porno che ho fatto con HBO e che mi ha dato l’opportunità di lavorare insieme a James Franco e Maggy Gyllenhaal dove era tutto molto libero e teatrale, e le telecamere ci seguivano qualsiasi cosa stessimo facendo.

Per Trinkets avevamo lo scotch sul pavimento e dovevamo recitare esattamente in quei punti. Sono due diverse opzioni su come si può girare uno show ed è stato molto educativo e interessante, la cosa divertente di Trinkets è che era girato nel mio paese natale, Gresham, e non ci tornavo da quindici anni, quindi è stata una cosa assurda.

Poi ho avuto anche la possibilità grazie al mio personaggio di cantare alcune mie canzoni nello show quindi ha dato un’accellerata alla mia visibilità. 

Parlando di recitazione, chi era il miglior partner: J.lo o James Franco?

oh Dio! E’ affascinante stare intorno a J.Lo perché è un’essere umano bellissimo e perfetto, ma devo scegliere James Franco perchè è pazzo quanto me, è intelligente, divertente e sorprendente come attore. Ha un sacco di idee pazze per la testa e le butta fuori di continuo, devi sapergli stare dietro ed è una sfida continua. Penso che se non hai la testa che ragiona in modo verosimile alla sua sia molto difficile stargli dietro. 

Ultimo disco di cui ti sei innamorat*:

Tried Up di Ama Lou, amo il timbro della sua voce, le sue produzioni ridotte all’osso, le sue atmosfere alternative r&b e i suoi video che sono bellissimi. 

L'articolo Kat Cunning è l’attivista queer del pop proviene da Toh! Magazine.

I Wolf Alice possono essere viscerali e taglienti, così come romantici e malinconici, sono queste le due anime della band di Londra capitanata dalla carismatica Ellie Rowsell.

Inutile dirvi che il loro suono si esprime al meglio dal vivo, dove la presenza scenica di Ellie sa il fatto suo, vederli a un festival sarebbe una di quelle cosa da inserire nella lista “cose da fare prima di morire”.

Il nuovo album come anticipò il primo singolo estratto “The Last Man on Earth” è un album dal suono più lucido e ampio, in cinemascope, ma notturno e malinconico portando con se testi che sembrano scritti durante quegli attimi di riflessione personale che tutti abbiamo affrontato almeno una volta nel 2020. Abbiamo parlato con Ellie:

Ciao Ellie come stai?

Bene! Sono a Londra nel nostro studio.

Le canzoni del precedente album “Visions of a Lie” presero forma mentre eravate in tour, come è stato il processo creativo di “Blue Weekend?”

Le abbiamo scritte principalmente a casa, le abbiamo provate in diverse versioni in studio, ricordo di essermi chiesta se ci fossero canzoni che rappresentavano il mio stato d’animo in quei giorni, ero triste ma non ricordo perché, volevo sentirmi meglio mi stavo buttando un po’ giù e avevo bisogno di un antidoto a questa malinconia.

Le canzoni di Blue Weekend sono state scritte con la speranza di far sentire meglio le persone che le ascoltano e stanno attraversando un periodo difficile.

Quando avete iniziato a lavorare al disco avete sentito il peso del Mercury Music Prize vinto con “Vision of a Lie”?

Un po’ sì, più che altro ci siamo detti che eravamo giunti a questo punto, e abbiamo cercato di reagire a questa pressione anche perché sarebbe stata controproducente nei confronti del disco.

Abbiamo cercato di far scorrere le canzoni nella giusta direzione, scrivere canzoni che potessero stare in piedi da sole sia in acustico, che con il piano che con tutta la band.

Da dove viene il titolo, è più per il colore o per la tristezza?Credo però che nei tuoi testi ci sia anche la speranza. Me ne parli?

Direi per entrambe i motivi, perché se dovessi identificarlo con un colore sarebbe sicuramente il blu ma anche per la malinconia, di certo non volevamo fare canzoni deprimenti, che è quello che tendono a fare gli artisti la maggior parte delle volte, ma sicuramente mentre scrivevo i testi ero malinconica.

Certo con la consapevolezza di non volere far sembrare i miei testi tristi, quindi sì, c’è un lato speranzoso in essi.

Una delle mie canzoni preferite è How I can I make it ok? Forse sono pazzo ma il ritornello mi ricorda Christine and the Queens forse per i backing vocals… qual è il tuo punto di vista?

No hai ragione, amo Christine and the Queens proprio per il modo in cui utilizza i backing vocals e le armonie, in studio abbiamo ascoltato moltissimo “La Vita Nuova” forse anche per questo ne abbiamo subito l’influenza, ma il suono di quell’e.p. è grandioso.

Ma poi ci sono anche canzoni arrabbiate come Play The Greatest Hits che a sorpresa suona crude, arrabbiate e ti fanno venire voglia di urlare e ballare così tanto è liberatorio, cosa l’ha ispirato?

Yeah! (ride ndg) volevamo scrivere una canzone divertente da scrivere, eravamo tutti insieme eravamo rientrati da una serata e ci siamo messi a scrivere e a suonare di quanto sia bello uscire con gli amici a bere.

Era un demo pazzo finito in un cassetto, ma ci è tornato in mente durante le registrazioni, così lo abbiamo tirato fuori ed è diventato una canzone e ho riscritto i testi perché gli originali non erano molto comprensibili!

Non vedo l’ora di suonarla dal vivo perché so che sarà uno degli highlights tra le nuove canzoni.

Poi messa nel mezzo dell’album arriva inaspettata, è come una scossa!

Volevo trasmettere quel feeling che hai quanto sei pensieroso o incazzato e decidi di uscire a sfogarti, è come un urlo in faccia, l’abbiamo messa nel mezzo perché arriva come un vortice e in un attimo scompare lasciandoti frastornato.

Siete sempre stati una band inclusiva amata dalla comunità LGBTQIA+, qui in Italia non abbiamo una legge che tuteli i diritti delle vittime di omolesbobitransfobia ma finalmente dopo venticinque anni questa legge ora sarà discussa in senato. Cosa ne pensi?

E’ ridicolo che una legge del genere sia ancora da approvare, nel mondo ci sono tante situazioni brutte, ed è assurdo che una persona che non si identifica come cisgender, debba ancora lottare per trovare il suo posto, la sua identità, la sua tutela. Spero passi al più presto perché è una vergogna.

Restando in tema di diritti pensi che le donne siano ancora discriminate nella scena rock e musicale o le cose stanno cambiando?

Credo che la musica sia ancora dominata dagli uomini, non solo quella rock, tutta, soprattutto dietro le quinte, parlo di produttori, ingegneri del suono, manager, roadie, è una dominazione maschile. Si sta parlando un po’ di più di questo argomento, ma c’è molto lavoro da fare per rendere la situazione più equa.

I Wolf Alice saranno live in Italia il 25 novembre al Fabrique di Milano tutte le info QUI.

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Il duo electro/dream pop formato da Lucia Lareglia e PierPaolo Ovarini, ha coraggio ed energia per portare alla luce ogni segreto angolo della sua mente, ogni affranto buio della sua personalità, ogni convinzione, ogni decisione. 

VERGINE parla d’amore, di vita, con cuore, mente e istinto, in modo elegante e diretto poiché in esso non c’è regola o genere.

In occasione dell’uscita del loro primo videoclip del singolo “Fiore Giallo”, che vedete in anteprima in fondo alla pagina, li abbiamo intervistati.

Come nasce Vergine?

Vergine, il progetto e l’omonimo disco, nascono dopo aver affrontato entrambi (Lucia e Pierpaolo) un periodo di ricerca sonora e d’identità durata due anni. 

Lucia e Pierpaolo sono due persone fondamentalmente molto simili (per certi aspetti), due amici che da anni condividono musica, emozioni, palchi, piaceri e dispiaceri.

 Produciamo musica elettronica insieme da tempo e condividiamo progetti musicali differenti da altrettanto tempo. 

Due anni fa ci siamo fermati e abbiamo dato alla luce Vergine successivamente al periodo di stasi citato all’inizio. Il disco prende forma prima della pandemia ma cresce e fiorisce durante. 

Nel disco c’è il nostro estro in tutte le sue forme, abbiamo scritto ciò che volevamo scrivere, suonato ciò che volevamo suonare nel modo in cui volevamo, con assoluta libertà. 

Ciò che ascoltate nel disco siamo nel modo più autentico noi, l’abbiamo creato, prodotto insieme, nota per nota.

Siete un duo ma avete scelto un nome femminile che può avere diversi significati, ma cosa significa per voi?

È una domanda ricorrente questa, Vergine è un segno zodiacale, uno status sessuale, un’entità cristiana, un disco non ancora scritto, una giovane donna in cerca di marito. È tutto e non è nulla di tutto ciò ma molto altro. 

Vergine per noi è musica, un bouquet di fiori, un mix di forme e colori, pensieri contrastanti, forme d’onda differenti.

E’ diversità, ed è in sintonia con la sua diversità, sfaccettata, poco generica, astrale, sognante, ama le proprie parti oscure e accetta ciò che producono nella realtà.

L’immagine di cover è evocativa, sa di vacanze estive in un luogo nazional pop italiano, come l’avete scelta e dove è stata scattata?

La cover del disco è stata scattata appena è nato il progetto, febbraio 2019. 

Avevamo in testa il concetto su cui basare quella che sarebbe stata poi la nostra musica e io (Lucia)  sono stata rapita da questa statua presente in una piccola città di mare tra Fano e Senigallia. 

Da questo scatto abbiamo deciso in seguito di dare al progetto il nome di “Vergine”. È stata d’ispirazione e le dovevamo un favore!

No, non solo, ci piace il suo sguardo, malizioso, sensuale, allo stesso tempo innocente, puro, su uno sfondo quale un mare e un cielo azzurro che desta tranquillità, serenità, lei è a suo agio li, così come Vergine lo è con la sua essenza. 

La vostra musica mescola l’electropop al dreampop all’italo disco, in un modo molto catchy, al secondo ascolto le vostre canzoni si cantano ed è un pregio, da cosa traete ispirazione nel comporle?

É bella l’espressione “al secondo ascolto”, è vero, al secondo ascolto esattamente, il primo a quanto abbiamo constatato desta perplessità, resti un attimo spiazzato, forse perchè non ti aspetti nulla del genere, un mix di generi e di suoni che non siamo abituati ad ascoltare ultimamente, almeno in Italia.

Siamo due persone che ascoltano tantissima musica estera soprattutto ma in modo particolare ascoltiamo qualsiasi genere di musica.

Non ci sofferiamo su singoli generi, siamo dei cultori del bel suono, o meglio, del suono che più riesce a penetrare la mente e restarci, siamo alla continua ricerca di suoni che possano esprimere le nostre sensazioni in quel determinato momento.

Vergine non crea canzoni ruotando attorno ad un genere musicale ma lo fa mantenendo un filo conduttore quale quello concettuale, colorandolo poi dei suoni che al momento sembrano essere più adatti al contesto.

Il disco infatti è elettronico ma contiene spunti di ogni tipo, di ogni epoca, di ogni genere.

La libertà è uno dei concetti principali del nostro progetto, la libertà, libertà di interpretare, di essere, di esprimersi, di sentirsi come si è realmente, quindi di conseguenza di identificarsi liberamente come meglio si crede in ciò che si ascolta. 

C’è un alone di nostalgia nei vostri testi, è un sentimento che vi appartiene?

Siamo due nostalgici ma poco in realtà, ci soffermiamo molto sul passato per “analizzarci” ma entrambi nella vita reale siamo due persone che vivono molto il presente.

La nostalgia che deriva dall’ascolto del disco è frutto dell’immaginario di Vergine, la nostalgia di un ritorno alla propria purezza d’essere, alla propria essenza.

Con che musica siete cresciuti?

Lucia: i miei genitori non sono musicisti ma sono sempre stati dei grandi cultori di musica, sin da piccola passavo da Vivaldi con mia mamma alla disco anni ’80 di mio padre alternata da bossa nova e musica country , il tutto contornato da i grandi classici italiani di ogni epoca.

Ero la bambina di 5 anni che ballava “Barbara” di Enzo Carella intorno al tavolo fino allo sfinimento a quanto mi dicono dalla regia.

Nella prima adolescenza ascoltavo, suonavo e scrivevo rock, alternative rock, psichedelico, mentre nella seconda ho avuto modo di apprezzare il jazz dal più noto al meno noto.

Da questa descrizione si può capire un po’ il perchè non sia legata con Vergine ad un genere specifico, ho sempre ascoltato musica di tutti i colori e apprezzato la musica in ogni suo genere, adoro spaziare e rubare ad ogni brano ciò che più mi rapisce. 

Pierpaolo: Da piccolo ho ascoltato dal giradischi di mio padre i vinili di Pink Floyd, Deep Purple e Genesis.

Questa discografia tuttavia non mi ha mai condizionato da un punto di vista stilistico, sono state piuttosto la ricerca e la divagazione di quelle forme musicali, molto meno sintetiche di quelle odierne, ad attirare la mia curiosità e fantasia.

Ho sempre cercato quell’intenzione nella musica che ho ascoltato successivamente e l’ho trovata nella musica elettronica dei primi anni ’00. L’hardkore continuum inglese, la brostep americana, la nascita della laptop music.

Artisti in ordine e genere sparso: Burial, Skrillex, James Blake, Bondax, Disclosure, Flume, Chet Faker, Mala, Skream.

È doveroso menzionare la musica Italiana come substrato costante, da me stesso snobbato a lungo: conosco a memoria “Unò Dué” di Daniele Silvestri e “Dialogo Tra un’Impegnato e un Non So” di Giorgio Gaber, giusto per citare un paio di dischi.

Fiore Giallo ha le potenzialità di una hit estiva con quel suo cantato molto anni ’80 accostato ad una produzione contemporanea, che forse è un po’ la vostra cifra stilistica, qual è il vostro punto di vista?

Fiore Giallo è una canzone molto anni ’80 volutamente accostata ad una produzione contemporanea e si, il nostro intento è quello, mai abbandonare il passato ma portarlo sempre con noi attraverso le diverse sonorità ma rinfrescandolo ogni volta con del nuovo. 

C’è anche una componente ironica nei vostri pezzi, penso a Gin Lemon ad esempio, mi piace il modo in Lucia usa la voce, sembra un po’ una bambina capricciosa. Me ne parlate?

Ironica e maliziosa. Ci sono giochi di parole, i testi possono essere interpretati liberamente, possono risultare superficiali e leggeri in un primo momento contornati dalla musica volutamente creata in quel modo per enfatizzare una superficialità quasi inesistente in realtà.

È tutto plasmato per creare un illusione che presto svanisce quando si ascolta per più volte il brano e si capisce invece quanto ci sia del tagliente di mezzo.

Così come la musica viene usata per esprimere al meglio il concetto di Vergine anche la voce ha un’importanza fondamentale in tutto ciò.

È volutamente così in modo tale da arrivare direttamente nelle orecchie dell’ascoltatore, ammaliarlo con un timbro a tratti sensuale ma velato da un pizzico di innocente leggerezza. 

Come sarebbe Vergine dal vivo rispetto al disco?

Vergine dal vivo sarà energico, sarà pieno di vita ed emozioni, totalmente allineato con le emozioni che trasmette il disco.

Abbiamo costruito il nostro concerto in modo da poterci divertire, far divertire chi ci ascolta e trasmettere in modo più energico possibile ciò che portiamo sul palco.

Avremo tutti bisogno di emozioni forti, di energia, di libertà di movimento una volta tornati ad una realtà più vicina alla nostra vecchia amata normalità. 

Fiore Giallo è la canzone che da vita al vostro primo videoclip, come mai avete scelto proprio questa traccia?

Fiore Giallo è la focus track del nostro disco omonimo, l’abbiamo scelta in quanto strettamente legata al concept del progetto.

Vergine è l’invito a ritornare in sé, alla propria purezza, alla propria verginità d’essere, alla propria essenza, ai propri pensieri privi da ogni condizionamento.

E’ l’invito a prendersi cura di se stessi, mostrarsi e affrontare la realtà senza il timore di essere, qualunque sia il proprio modo di essere e stare al e nel mondo. 

Qual è il concept del video di Fiore Giallo?

La storyboard del video segue la linea concettuale del brano dove Lucia rappresenta in modo provocante il Fiore Giallo, il pensiero desideroso di essere ascoltato, seguito, nutrito d’attenzioni, in una scatola luminosa che si rivela essere una serra e che rappresenta la mente di ognuno di noi.

Tra datamoshing e glitch ci si sposta freneticamente da una scena all’altra come l’impeto e il desiderio di questo pensiero d’esser ascoltato e alla fine ci riesce perfettamente, nella scena finale Pierpaolo viene letteralmente risucchiato, catturato dalla scatola, dalla mente. Il pensiero, il Fiore Giallo vince, finalmente riesce a manifestare la sua forza. 

L’ultimo album di cui vi siete innamorati:

Lucia: “L’aventurier” Indochine, sono molto inflippata con le drum machine, non si sente vero? Ahahaha.

Pierpaolo: Sono arrivato 7 anni in ritardo ma la dolcezza e la dispersione di Kagayaki, album di Masakatsu Takagi, mi ha ricordato che la musica è anche raccogliere documenti sonori e note, senza per forza doverli imbrigliare in una forma o in una categoria.

^{_{Photo Credit: Alessio Beato.}}

La regia, le riprese e il montaggio del video sono di Alessio Beato, MUA e styling di Giulia D’Angelo, hair styling di Diego Fedeli. Nel video Vergine, Lucia Lareglia e Pierpaolo Ovarini. 

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Un album scritto di notte, come il titolo stesso suggerisce, lontano da casa, in Inghilterra, dove ha assorbito una visone musicale più ampia e libera dagli schemi. BLUEM

Un progetto anche fotografico che omaggia la tradizione sarda, con le foto della finlandese Jasmine Färling, che in Sardegna non ci aveva mai messo piede.

Sette canzoni, intitolate come i giorni della settimana da Lunedì a Domenica, danno vita a un concept album che esplora le sfaccettature dell’amore affettivo e famigliare, con voci campionate di ricordi del passato e atmosfere mininal pop che riecheggiano Blood Orange, Rosalìa e Angèle.

Notte è un lavoro che ti porta lontano e unito alle immagini evocative che lo accompagnano diventa un viaggio che merita di essere vissuto. In un panorama italiano vivo, salvo poche eccezioni omologato, BLUEM è sicuramente una di queste.

Quando la musica è entrata far parte della tua vita?

Sin da piccola ho cominciato a suonare la chitarra classica, poi ho fatto rock, poi jazz, mentre a scrivere ho cominciato dopo essermi trasferita a Londra, nel 2014 quando avevo 18 anni.

Nel 2018 ho fatto un e.p. di tre pezzi in inglese che si chiama Piccolina ma al momento non lo trovi in rete, perché distaccandosi dal mio nuovo stile ho preferito non creare confusione, ma tornerà disponibile perché ci tengo e perché fa parte del mio percorso.

Era un progetto indie pop scritto quando ero convinta di fare canzoni solo in inglese, poi dopo un periodo di crisi totale sono arrivata a creare questo nuovo progetto un po’ magicamente, perché nemmeno io so come sia successo.

Nel senso che Notte ha preso forma passo dopo passo senza una pre-intenzione?

Si, ho scritto altre canzoni in inglese ma non mi dicevano nulla, poi mi sono sentita ispirata dall’album di Thierra Whack “Whack World” composto da 15 tracce lunghe 1 minuto ciascuna, io lei la adoro. Così, considerato che ho un lavoro e non ho a disposizione tutto il tempo che vorrei dedicare alla musica, ho deciso di fare un pezzo per ogni giorno della settimana lungo 1 minuto, sperimentando anche il mio italiano e di caricare tutto su SoundCloud.

Di questo esperimento solo “Sabato” è poi finito nell’album, ovviamente riarrangiata perché è stata la prima canzone che ho scritto in italiano quindi mi sembrava giusto inserirla, ora quelle tracce da 1 minuto non sono più disponibili su SoundCloud, le ho levate perché era un mio mini progetto-esperimento. Da lì ha cominciato a prendere forma “Notte”.

Hai intitolato l’album “Notte” perché è il momento della giornata in cui ti mettevi a comporre?

Sì, ho scritto l’album in una settimana di notte dove mi arrivavano la melodia e il cuore della canzone e poi di giorno lavoravo alla produzione. Il titolo del disco e delle canzoni sono molto contestuali, non nascondono nessuno strano significato, sono esattamente quello che sembrano. 

Quanto di personale c’è nelle tue canzoni, trovo i tuoi testi molto figurativi, me ne parli?

Non ragiono molto quando scrivo, sono molto istintiva, sono sfoghi che derivano dalle mie esperienze personali.

Possiamo dire che il centro di questo album è l’amore in varie forme?

Sì, ho cominciato a scrivere l’album mentre ero in una relazione che mi stava facendo molto male, poi nel processo di scrittura si sono sviluppate altre storie come in “Venerdì” dove senti mia nonna che parla, quindi è diventato un discorso ampliato sull’amore, sulla nostalgia, sulla famiglia e sulle amicizie. 

Tronando alla traccia “Venerdì” so che hai anche un legame con il cinema, tua sorella Francesca Floris fa la regista e la parte vocale della nonna è estrapolata da un documentario che si chiama “Isole” diretto da lei e di cui hai composto la colonna sonora. Me ne parli?

Mia sorella maggiore ha sempre fatto cinema, il documentario Isole si può tutt’ora vedere su YouTube e il dialogo che senti in “Venerdì” è un omaggio a mia nonna che oggi non c’è più, ma che con la sua umiltà mi ha supportato più di tutti in quello che avrei fatto.

Se sono riuscita a creare questo progetto in questo modo è anche merito suo e mi è sembrato giusto renderle omaggio, meno male che c’erano questi audio.

Per quanto rigaurda la colonna sonora, il cinema mi ha sempre appassionato, difatti mi sono laureata in Musica per il Cinema. Anche per questo, come dicevi tu prima, i miei testi sono figurativi, ci tenevo a fare un progetto che fosse anche visivo, difatti “Notte” ha degli scatti creati apposta per accompagnare ciascuna canzone.

Quando compongo musica ho sempre delle immagini in mente e quando guardo delle immagini penso alla musica che potrebbe accompagnarle.

Quella di tua nonna però non è l’unica voce che hai campionato nel disco giusto?

Esatto, a me piace molto il parlato nelle canzoni ma non volevo forzare le cose. In “Martedì” c’è la voce di una mia cara amica che ha subito un aborto spontaneo che mi ha raccontato la sua vicenda tramite dei vocali in cui mi diceva che aveva deciso di esorcizzare questo trauma chiamando questo figlio mai nato flower bud, cioè germoglio, ovvero un fiore mai nato.

Io avevo già scritto il pezzo ma in “Martedì” canto: “Fiori che fioriscono da un altra parte” e noi abbiamo un legame fortissimo. Nei messaggi vocali mi raccontata di quando ha parlato di questa forte esperienza con sua nonna che le consigliò di disegnare questi fiori mai nati e farli diventare gioielli, mi è sembrato il modo giusto di renderle omaggio anche se tramite una storia drammatica.

Il lato positivo è che ora ha davvero una linea di gioielli nata dall’idea di sua nonna, tra l’altro lei sta per partorire una bambina, è tutta una questione di legami forti.

In “Mercoledì” c’è la mamma di Simone, che è colui che ha chiuso con me la produzione dei pezzi, un mio più stretto collaboratore, in una chiamata ci disse “Dio Vede e Provvede” e l’ho inserita nel brano, mentre in “Giovedì” ci sono delle voci mixate in un modo particolare che sono delle mie note in inglese che avevo scritto in un diario, in un momento molto difficile prima di cominciare a lavorare a “Notte”. 

Chi ha scattato le foto di cui parli ispirate alla tradizione Sarda? 

Una fotografa molto brava che si chiama Jasmine Farling, è finlandese e lavora con me alla The Photographer Gallery a Soho. Lei scatta in analogico e ha quel flash che mi fa impazzire, è stato divertente anche perché lei in Sardegna non c’era mai stata, io ho disegnato gli scatti e gli ho detto cosa fare per ciascuno.

Mi piacciono molto e ti dirò che si vede che c’è un occhio nordico dietro l’obiettivo della macchina…

Hai ragione, ma forse è anche uno dei motivi per cui l’ho scelta. Sai noi sardi abbiamo un approccio alle persone straniere che all’inizio è diffidente ma poi ci apriamo e diamo tantissima fiducia e accoglienza. Una straniera che si trova tra pastori, compreso mio padre, cavalli, galline e natura da un giorno all’altro, si sentiva in un altro mondo. 

In questi scatti indossi abiti della tradizone sarda ma in realtà hai un indole street so che vai anche in skateboard, me lo dice la tua foto di Whatsapp!

Ahahahah la foto traditrice, me ne dimentico sempre, in realtà non sono così brava sullo skate ma da due anni faccio pole dance e me ne sono stra appassionata e spero in futuro di incorporarla anche nel progetto BLUEM. Faccio un sacco di cose a caso, leggo anche i tarocchi! 

Nella produzione dei brani c’è molta influenza internazionale, penso a Rosalìa, a Bon Iver o a Blood Orange ma sei riuscita a citarli mantenendo il tuo stile, non è una cosa così scontata…

Io sono ossessionata da Blood Orange! Ascolto moltissima musica, r&b, soul, alternative, rap, difatti il mio timore quando scrivo è quello di aver preso troppo dagli artisti che ascolto senza volerlo. Amo Frank Ocean che potrei pregare in ginocchio ogni mattina, Rosalìa invece è stata importante perché io ho sempre voluto incorporare la sardegna nel mio immaginario e lei mia ha insegnato come inserire la tradizione in un progetto moderno, senza mancarle di rispetto. Un’altra cantante che mi piace molto è la francese Angèle che ora è una superstar perché ha fatto il featuring con Dua Lipa, il suo album Brol è stupendo. 

Abbiamo parlato della Sardegna e di come ti ha influenzato a livello visivo ma anche nel cantanto secondo me c’è un po’ di tradizione sarda, o sbaglio?

Se me lo dici mi fa piacere ma non voglio assumermi io questa responsabilità, però riconosco che la musica tradizionale sarda è molto particolare e riconoscibile. Penso che “Lunedì” abbia preso un po’ questa cadenza involontariamente, mentre ho utilizzato volontariamente dei ritmi, in particolare i tamburini tipici che si suonano al Carnevale di Oristano, che è la mia festività preferita, in “Domenica”.

Ma nella musica italiana chi ti piace?

Calcutta che l’ho visto qui a Londra ed è stato bellissimo sentire tutti cantare le sue canzoni come in un enorme karaoke e poi mi piace molto Cosmo. 

L’ultimo album di cui ti sei innamorata?

“Galore” di Oklou un album che mi ha fatto viaggiare, un’artista con cui vorrei collaborare tantissimo. 

BLUEM BLUEM BLUEM

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Se li avete conosciuti a SanRemo meglio tardi che mai, ma Veronica Lucchesi e Dario Mangiaracina aka La Rappresentante Di Lista, da dieci anni cercano di dare uno scossone alla musica Italiana. My Mamma, è il loro quarto album in studio, anticipato dai singoli Alieno e Amare è un inno all’amore che sarebbe stato la colonna sonora perfetta per il Pride che non ci sarà.

Veronica e Dario si incontrano in teatro a Palermo: lei è toscana ma dopo questo fatidico incontro la Sicilia diventerà la sua nuova casa. La musica de La Rappresentante Di Lista è viscerale, contaminata, libera da ogni schema. Ti fa ballare, piangere, riflettere e sfogare, sarà che si sono conosciuti su un palco dove le emozioni fanno da padrone.

Proprio per questo motivo abbiamo deciso di fotografarli a Milano dentro un teatro vuoto, perché purtroppo è ancora chiuso causa pandemia, unita a leggi ingiuste e diritti negati a certi settori.

Con la speranza che presto, sia attori che musicisti, possano tornare ad esibirsi e noi ad occupare quelle poltrone, che vuote sono la triste testimonianza di un percorso al buio che ancora non vede luce, vedere i volti di Veronica e Dario illuminarsi mentre entrano in sala e l’energia che ci hanno trasmesso, ha infuso in noi un po’ di quella speranza che stavamo quasi perdendo.

Ciao Ragazzi come state?

Veronica: Bene! si abbastanza bene, siamo in studio a lavorare su nuova musica, non potendo fare concerti, si prova e si scrive…

Quindi la stanza che vedo nelle vostre IG stories è uno studio? Perchè con tutti quei poster di concerti appesi sembra il camerino di un locale!

Dario: Perchè è il backstage di un locale!

V: E’ sia un locale che uno studio. sono I Candelai di Palermo in via Candelai una via con la quale si potrebbe descrivere tutta la città. 

D: Al piano di sopra del locale c’è questo studio dove noi praticamente abitiamo, non ci dormiamo, ma la maggior parte del nostro tempo lo passiamo qui.

Quando avete cominciato a scrivere l’album c’era un’idea precisa o è frutto di un percorso nato canzone dopo canzone?

V: Non abbiamo mai una regola scritta con cui cominciamo un album, infatti alcune canzoni che sono finite in My Mamma sono state scritte tempo prima che pensassimo di concepire un disco che avesse un senso per noi, con una drammaturgia alle spalle. Però quando ci siamo messi seriamente a pensare a My Mamma avevamo una storia di riferimento, avevamo immaginato prima il racconto che doveva stare di sottofondo alle canzoni, e questo racconto ci veniva un po’ in soccorso quando non sapevamo come svoltare un ritornello o non trovavamo delle parole adatte alle canzoni.

D: Un racconto che nessuno conosce ancora e che è rimasto sepolto in una cartella su Google Drive.

V: Era un canovaccio che in qualche modo riuscivamo a seguire a senso nostro, procedevamo nella scrittura seguendo questo filo conduttore. Per noi alcune canzoni sono cantate dalla protagonista, altre dall’antagonista, alcuni momenti del disco sono legati a scene che immaginavamo come scene cinematografiche.

D: Abbiamo riempito dei muri con fogli pieni di appunti cercando di creare il puzzle che poi sarebbe diventato My Mamma. Però con questo album a differenza di Go Go Diva in cui tutto ci è apparso chiaro a disco ultimato, avevamo già in testa che doveva essere un disco che parlasse di crescita e di eredità nel senso di lascito al mondo. Essendo noi in una fase dei trent’anni che è una fase in cui continui a chiederti: “Quando diventeremo adulti?” e quindi cosa vuol dire crescere e affrontare le relazioni e le separazioni.

Nei formati fisici di My Mamma ci sono tre tracce strumentali: Preludio, Lavinia e Invasioni che avete escluso dalla tracklist presente nelle piattaforme digitali. Come mai questa scelta? Trovo che diano un atmosfera differente, più evocativa, ti fa fare un viaggio differente.

D: Per noi sono tre tracce fondamentali perché secondo noi il disco è quello fisico, è un modo per chiedere alla nostra fan base di sostenere questo supporto. A riguardo cito sempre un libro di David Byrne “Come Funziona la Musica”, in cui racconta un episodio che mi è rimasto impresso in cui spiega come è cambiata la musica quando dalle chiese è passata ai palazzi nobiliari, e quindi come sono cambiati gli ambienti. Non c’era più il grande riverbero della chiesa, c’erano i grandi saloni ed è nata così la musica barocca. Nello stesso modo i cd o i vinili rispetto al digitale, cambiano il modo di fruire la musica, ma credo che bisogna essere malleabili nei confronti di questi supporti e quindi abbiamo fatto questa distinzione tra musica fisica e musica digitale.

V: A parte che il vinile è bellissimo, l’immagine di copertina lo rende bello da possedere come oggetto ed è un invito a dedicare a un disco il tempo giusto, cosa che sulle piattaforme digitali non accade, almeno questo è quello che credo io, poi dipende da persona a persona, ma come parte la traccia strumentale tendi a skipparla. 

In My Mamma avete fatto un grande lavoro sulla voce, mi piace che sia cristallina e forte e poi pitchata e distorta come in Alieno che ha una produzione fantastica, o Resistere con il famoso slogan “No armi, no guerra, no violenza” che per altro ho letto sul vostro IG che un fan pensava fosse un uomo a cantare e invece è Veronica. Mi piace questo sovvertimento dei ruoli anche nell’uso delle voci, come ci avete lavorato?

V: Ogni volta cambiamo approccio per un nuovo disco, perché è una cosa che cerchiamo sempre di fare anche al lavoro e nella ricerca musicale, ci piace indagare qualcosa di nuovo. In questo caso le voci erano un elemento che andava indagato fino in fondo. Se in Go Go Diva non c’eravamo spinti tanto ma c’eravamo concentrati molto sulle evoluzioni musicali, le voci erano ad oggi un territorio quasi inesplorato, soprattutto in questa chiave in cui le abbiamo distorte, deformate, usando voci molto acute, cristalline, brillantissime, quasi da sembrare bambine. E poi tirare invece fuori una carica potente, terrena, viscerale e allo stesso tempo anche modificarsi la voce, non essere per forza legati alla propria, ma cambiare identità e faccia.

D: E’ un percorso legato a quel discorso di drammaturgia per cui ogni brano è un personaggio diverso di età differenti. Ricordo a volte le perplessità di Veronica che mi diceva: “Ma qua sembro una bambina” e poi ci siamo resi conto che era giusto farla sembrare così, cantando il ritornello di Oh Ma Oh Pa per esempio. E poi c’era la voglia di stupirci divertendoci, di giocare con i pitch, cosa che fino ad ora non avevamo mai fatto, perché solitamente Veronica arriva in studio, registra la voce e al 99% è buona la prima. Anche i cori di Resistere o Mai Mamma sono stati il risultato di un incontro con un gruppo di attrici a cui abbiamo chiesto di interpretare i cori. Sono dieci donne che urlano Mai Mamma, donne anche madri. Fragile invece doveva cantarla Veronica e l’ho fatto io.

V: Sì era come se la canzone non mi avesse scelto per interpretarla e ci sta. 

Avete citato Oh Ma Oh Pa, e vi devo confessare che la prima volta che l’ho ascoltata quando è partito il ritornello con la sua apertura imponente ho pensato a Sia, quali sono i riferimenti del brano?

D: E’ un bellissimo riferimento ma in realtà quello vero è un brano dei London Grammar che si intitola “Control” .

V: Sia l’abbiamo comunque ascoltata un bordello.

Quando componete in studio, andate d’accordo o vi scontrate? Ve lo chiedo perché penso che avete due personalità molto forti.

D: Diciamo che ci scorniamo finché non andiamo d’accordo! Le parti ritmiche sono quelle su cui ci scontriamo di più, mentre la parte armonica ci trova sempre più d’accordo. Quello della scrittura, che dovrebbe essere un momento creativo idilliaco, invece è spesso contraddistinto dall’ansia.

Noi siamo un grande collettivo perché oltre noi due c’è Roberto Cammarata che ci aiuta nella produzione, i musicisti, chi fa la regia, l’etichetta, c’è un mondo che si è costruito attorno a noi in questi anni e questo mondo funziona perché noi scriviamo canzoni. E quando non produciamo penso a tutto questo ingranaggio che si ferma ed è abbastanza pesante, poi lo affrontiamo in maniera collettiva e quindi troviamo sempre il lato bello. La parte creativa è la più bella, compresi tutti i suoi sbagli. 

V: Facciamo grandi litigate, non ci parliamo, poi uno si avvicina all’altro propone qualcosa e tutto passa. 

Prima mi avete detto che My Mamma si scosta dal suo predecessore Go Go Diva. Io credo che My Mamma sia un album pieno di slogan, forse per questo mi viene naturale accostarlo a Bu Bu Sad. Qual è il vostro punto di vista? 

V: Devo dire che ti possiamo dare ragione, perchè anche noi qualche tempo fa riflettevamo proprio su questa cosa. Erano inni generazionali, erano racconti rispetto ad alcune relazioni, condizioni imposte dalla società e c’era una coralità.

D: Bu Bu Sad è un disco che parla tanto di noi, mentre Go Go Diva ha un titolo che parla chiaro: aveva una diva come protagonista, che non è solo Veronica, sono io, sei tu, siamo tutti noi o comunque chiunque si identificava in quell’individuo.

V: C’era la volontà di determinarsi, quindi di concentrarci molto su un percorso personale di consapevolezza. Con My Mamma abbiamo avuto bisogno di nuovo di quella collettività, di quel “noi”. Ancora una volta ci siamo resi conto che metterci insieme tutti sotto una grande bandiera che porta una slogan potente, metterci la faccia e unirci nel dire le cose ha ancora un senso. È un ciclo che è tornato.

D: Io ricordo che Bu Bu Sad nasceva anche da un’esperienza collettiva al Teatro Garibaldi di Palermo, che abbiamo occupato nel 2012 e li eravamo nell’onda lunga di un percorso collettivo che stavamo veramente vivendo, ed è stato il momento in cui ci siamo aperti ad altri musicisti. Oggi stiamo rivivendo qualcosa del genere, dopo un processo necessario di chiudersi in se stessi, anche per ritrovare consapevolezza, crescere come artisti e come profilo nell’immaginario di chi fa musica in Italia. 

My Mamma è scritto con il MY in inglese e poi la traccia Mai Mamma scritto in italiano: vi piace giocare con le parole ma sembra che la figura dei genitori viene fuori spesso dai vostri testi. Ce ne parlate? 

D: Noi abbiamo un problema insoluto con tutte le relazioni della nostra famiglia.

V: I genitori sono sempre un terreno fertile per scrivere nuove canzoni. Madri, padri… porca miseria!

D: Ieri stavamo scrivendo e a un certo punto Veronica biascicava parole su una canzone nuova, quando le è uscita la parola mamma, ci siamo guardati e abbiamo detto: “però basta!” (Scoppiano a ridere. ndr) Sarà anche che è una parola facile come la lallazione nei bambini: la la la ma ma ma e poi è anche musicale come termine. C’è un po di Sud nella famiglia.

V: Non solo, perchè io non sono proprio del Sud. In realtà penso che siamo questa generazione di trentenni che, porca miseria, siamo caduti male dopo aver preso un po’ di botte e che in qualche modo credo trovassimo un po’ di colpe in quelle che sono le figure dei nostri genitori, che ci hanno lasciato un futuro traballante, o per lo meno così è come mi sento io.

Un po’ perchè le mie più grandi sfide sono state con i miei genitori, i miei primi maestri di vita, quindi ci sono delle cose che gli rimprovero e altre che rimprovero a me stessa per il fatto di rimproverargliele.

Prima Dario accennava al fatto che l’album parlasse di crescita ed eredità, perché ci si confronta con quello che ti hanno lasciato, e quello che in qualche modo si inizia a dover lasciare a chi viene dopo di te, che non per forza sono figli, anche perché noi non siamo genitori. Ci sono sempre questi interrogativi che ti saltano alla testa, chissà se diventerò mai madre e se ha senso avere dei figli oggi. 

D: In qualche modo è uno scontro con il modello maschile e femminile: se penso a Resistere il padre non è il mio o il tuo, ma è il patriarcato. È facile in un dialogo all’interno di una canzone, però è anche possibile leggere queste figure come simboliche. 

V: Ma anche semplicemente simbolo di una divisione troppo netta che è stata fatta, per cui ad oggi non riesci a riconoscerti in quell’unico schema possibile e quindi c’è anche un aver voglia di tirar giù quelle statue imponenti che arrivano dall’alto quando sei piccolo, che comunque pur avendo la famiglia più mentalmente libera possibile, in qualche modo assorbi dalle famiglie degli altri. 

Mai Mamma è uno dei miei pezzi preferiti, ci sento dentro riferimenti ad artisti che mi piacciono come Missy Elliott, M.I.A e Le Tigre. Sarà per l’attitudine punk: voi cosa avevate in mente quando l’avete scritta?

D: Avevamo in mente due riferimenti grandi per quel pezzo: uno è il  2° coro delle lavandaie, un pezzo bellissimo di un’opera teatrale che si chiama La Gatta Cenerentola e l’altro è un brano che si chiama NY Excuse, tratto dalla colonna sonora di Belgica curata dai Soulwax.

Pierpaolo Piccioli e tutto il team Valentino ha contribuito in modo più che significativo alla chiara intensità delle vostre performance a Sanremo, ma anche nel nostro shooting. Come è nata la vostra relazione con la maison?

V: Negli ultimi anni abbiamo visto molte sfilate di Valentino sotto la direzione di Piccioli, e ci sono delle figure che ci sono veramente rimaste impresse, come la collezione couture of Grace and Light dove c’erano questi abiti appesi lunghissimi, giganti, dalle forme a nuvola.

Poi me ne ricordo un’altra sempre molto performativa, con scenografie incredibili e musica dal vivo: sembrava davvero di assistere ad uno spettacolo, anche se noi non l’abbiamo mai vista live. In video però era super suggestivo.

I tessuti dei suoi abiti sono sempre molto teatrali perché rispondono ai movimenti del corpo come fossero uno spazio d’abitare, o una bellissima architettura da portarsi in giro.

Questo aspetto ci ha molto entusiasmato, così li abbiamo contattati e seppur ci sembrava impossibile ci hanno risposto e gli abbiamo proposto un moodboard molto bello, creato insieme a Manuela Di Pisa, che poi è la stessa che ha creato la cover di My Mamma. 

D: Nel moodboard, spiegavamo i temi che ci sarebbe piaciuto affrontare con gli abiti: quindi la fluidità, l’attivismo con una serie di riferimenti che evidentemente sono piaciuti e hanno accettato. 

Noi siamo abituati a indossare abiti teatrali e costumi, sono strumenti per la scena. Una possibilità in più che dai al tuo corpo per esprimersi. Noi questo cercavamo da Valentino, l’utilizzo di colori netti che fossero quasi delle bandiere, diverse nuance di rosso, arancione e fucsia, fino ad arrivare al bianco che era come una tela immacolata, che era quella di cui parlavamo quando abbiamo iniziato a comporre questo disco.

LRDL da sempre si definisce una Queer band. Toh! Magazine è un giornale schierato come voi e viene definito spesso “troppo esposto, troppo schietto” nel momento in cui viene presentato un progetto ad un brand. Poi arriva il Pride month e veniamo inondati di abbigliamento dal dubbio gusto con una Rainbow flag cucita sopra, cosa ne pensate?

V: E’ molto interessante questa cosa, è un pò come quello che sta accadendo ai teatranti che diventano artisti stagionali, e sembra che per tirare fuori determinati temi deve esserci il momento giusto, come le feste programmate, l’8 marzo o la festa nazionale del teatro. Noi detestiamo questi appuntamenti politici, è odio totale. Bisognerebbe esporsi sempre con naturalezza

D: È come il polverone alzato in questi giorni sul DDL Zan: mi viene quasi difficile espormi, ma non perché non mi va di farlo, ma perchè lo faccio da sempre. Effettivamente poi ci siamo resi conto che il mainstream non funziona così, tutta l’informazione sopra una certa soglia funziona a ondate. È lo stesso motivo per cui ogni tanto si parla di migranti, poi si parla di femminicidi, poi si parla di pandemia. Purtroppo è il meccanismo del sistema dell’informazione. 

V: L’unica difficoltà che mi sento di sottolineare è quando Queer è applicato alla musica e quindi il non etichettarsi e non darsi un genere, in alcune situazioni è stato difficile da spiegare.

Ci piaceva l’idea di spaziare da un genere all’altro, mettere in una sola canzone tre stili anziché solo uno, potere insomma, essere liberi. Ma perseverando alla fine questa è diventata la nostra cifra. 

D: Io mi espongo su cose che penso dovrebbero essere normali, mi viene difficile parlare di antifascismo, antirazzismo, lotta all’omotransfobia in questo mondo, perché sono concetti che dovrebbero essere alla base della società. Non so come dire.

Anche se non ci piacciono le feste programmate a me spiace un sacco che anche quest’anno non ci sarà la parata del Pride, perché sono convinto che Amare sarebbe stata la colonna sonora dell’intero evento.

V: Madonna, che bello che sarebbe stato!

Quando abbiamo scattato lo shooting a teatro vi siete emozionati, quanto vi manca il palco? 

V: Ci manca da morire, perché l’abbiamo conosciuto e l’abbiamo vissuto e sappiamo cosa significa e poi perché è soprattutto un arte libera.

D: Si, perché crediamo che sia il vero momento in cui la musica prende vita e assume un significato. 

WORDS BY MARCO CRESCI
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STYLIST ASSISTANT: ALESSANDRO MARZO
VIDEO BY SIMON + SIMONA PAVAN
COORDINATOR: GIUSEPPE DI ROSALIA
ALL CLOTHES BY VALENTINO

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Ecco cosa sappiamo ad oggi sugli album in uscita quest’anno, ovvio non tutti ma quelli che interessano a noi. Ecco le uscite confermate dei primi mesi ed in coda quelli che non hanno ancora una data di release ma che sappiamo esser pronti e trepidanti, come Lorde, Rihanna, Adele, Billie Eilish, che diciamocelo, sono quelli che più stiamo aspettando.

Gennaio 2021

Ashnikko “Demidevil” (Warner)
— 15 gennaio

Altre pop star ucciderebbero per il successo che Ashnikko ha avuto così in fretta conquistato tramite il successo ottenuto su Tik Tok con tracce divenuti virali quali Stupid e Daisy. Ritmi hyper pop e testi apparentemente semplici e ripetitivi che mescolati al suo puro e irriverente carisma fanno di lei la popstar del futuro. Tra i guest di questo atteso mixtape di debutto: Grimes, Princess Nokia e Kelis.

Rhye “Home” (Loma Vista)
— 22 gennaio

La musica di Rhye rientra nello spettro delle ballate R&B sexy e mid-tempo, ma il progetto del polistrumentista Mike Milosh continua a mutare inserendo nuove trame nel suo mondo. Arrangiamenti corali eterei, chitarre spagnole, suoni ambientali e archi disco come nel singolo Black Rain. Il tutto si lega perfettamente alla voce androgina di Milosh, che trasuda sensualità. Un album che vale la pena aspettare.

Arlo Parks “Collapsed in Sunbeams” (Transgressive)
— 29 gennaio

All’inizio fu il brano Cola uscito nel 2018 a farci puntare le orecchie verso la cantautrice londinese Arlo Parks. Oggi ha firmato per Transgressive Records, pubblicato due EP, Super Sad Generation e Sophie e partecipato ad un episodio del Guccifest in qualità di attrice. Un pop sensibile e delicato che parla d’amore lgbt con sensibilità e delicatezza, il sussurro che aspettavamo. Si dice che sarà la rivelazione dell’anno.

Drake “Certified Lover Boy” (OVO)
— TBC

È difficile ricordarlo ma Drake non pubblica un album da Scorpion uscito nel 2018, questo perchè tra collaborazioni ed ep non è mai uscito di scena, mantenendo una presenza costante in cima alle classifiche USA. Non si sa molto su questo album, dovrebbe uscire a gennaio ma non ha una data di release ma se dobbiamo basarci sul singolo uscito Laugh Now, Cry Later feat. Lil Durk ci auguriamo che Drake spinga un po’ piu’ sull’accelleratore della creatività. (artwork tbc)

Febbraio 2021

MACE “OBI” (Universal)
— 5 febbraio

Mace è uno dei produttori più cool italiani e c’è attesa per questo nuovo album, se il singolo La Canzone Nostra feat, Blanco e Salmo è il suo biglietto da visita spaccherà le chart italiane ne siamo certi. Sono in pochi a prestare attenzione ai dettagli come lui sa fare, guardatevi il video e vi verrà talmente voglia di tornare ad un concerto che spaccherete qualcosa in casa per sfogo.

London Grammar “Californian Soil” (Ministry Of Sound)
— 12 febbraio

Con il loro debutto If You Wait nel 2013 i London Grammar stregarono tutti, critica e pubblico, poi il secondo Truth is a Beautifull Thing raffreddò un poco gli animi come una versione scialba di Florence and the Machine. Californian Soil sembra però riappropriarsi della loro identità o almeno i beat slow disco di Baby It’s You e le percussioni di Lose Your Head ci fanno ben sperare.

Pale Waves “Who Am I?” (Dirty HIt)
— 12 febbraio

Band sottovalutata in Italia, i Pale Waves sono quel perfetto mix tra indie e pop a cavallo tra la fine dei ’90 e i primi 2000, lo si vede subito anche dalla cover del loro secondo album Who Am I? Un disco per nostalgici teen romantici col cuore black, le canzoni sono super catchy e piene di chitarre che fanno tenere il tempo con il piede sotto al banco. Da ascoltare indossando una maglietta a maniche corte sopra una maniche lunghe.

Sia “Music Songs from and Inspired by the Motion Picture” (Atlantic)

Sarò impopolare ma a me questa storia del volto coperto e dei balletti iper coreografati di Maddie Zigler ha veramente stancato. Sarà che Sia la seguo da quando si mostrava sorridente, e faceva la vocalist per la band inglese Zero7. Ora tra una collabo con David Guetta e l’altra ha trovato il tempo di girare il film Music con Kate Hudson tra i protagonisti, dimostrando che non smetterà mai di mettersi in discussione. Questa è la colonna sonora, già anticipata da una manciata di pezzi tra cui Together e Hey Boy feat. Burna Boy, due canzoni pop hiper-gioiose in pieno stile Sia e la ballad Saved My Life, scritta insieme a Dua Lipa. Chi ha visto il film/musical lo ha osannato.

Venerus “Magica Musica” (Asian Fake)
— 19 febbraio

Non sappiamo ancora nulla di cosa conterrà questo Magica Musica il primo album di Venerus, ma siamo sicuri che sarà pregno del suo mondo pazzo e visionario che sfugge alle etichette di genere, fondendo sonorità soul e R&B all’elettronica, con un linguaggio pop inedito.

Marzo 2021

Zara Larsson “Poster Girl” (Epic)
— 5 marzo

La pop star svedese è pronta col suo secondo album bloccato da inizio pandemia, ovvero da circa un anno. Per me Zara Larsson sarà sempre la ragazza dei featuring (Clean Bandit, Tinie Tempha, David Guetta, Fedez) ma con un singolo bomba come Lush Life che ai tempi fece mangiare le unghie a Rihanna. Io ad oggi non ho ancora capito chi sia magari questo Poster Girl me lo chiarirà.

Lana Del Rey “Chemtrails Over the Country Club” (Interscope)
— 19 marzo

Diciamocelo, il 2020 è stato un anno difficile per stare al fianco di Lana Del Rey: è comparsa in ogni discorso possibile (e mai in senso positivo), dalla giustizia razziale alla pandemia alla politica e ci ha pure rifilato un libro di poesie… Il nuovo album, anticipato dall’omonimo singolo Chemtrails Over the Country Club, sembra riportarla sulla retta via merito anche della produzione di Jack Antonoff con il suo magic touch. Si dice che l’album passi dal folk al pop al country riportando la sua ispirazione ai tempi di Ultraviolence. Non deluderci Lana!

E poi?

Lorde

Io la amo incondizionatamente ma diciamocelo ne ha sempre una… un’anno fa ha buttato via il disco finito perché le era morto il cane e i suoi sentimenti erano cambiati, poi è andata in Alaska con la sua amica a fare un viaggio estremo che è diventato un libro sul cambiamento climatico. Ora dice di pazientare ancora un po’ ma di preparare le scarpe da ballo. Siamo pazienti solo perché sappiamo che quel che farà sarà grandioso, ma datte ‘na mossa.

Rihanna

Sono due anni che ci dice che l’album è pronto e che tornerà presto a farci ballare perchè questo nuovo lavoro dovrebbe essere un ritorno alla dance spensierata, dopo il viaggio introspettivo di ANTI. Ok va bene tutto, sei la più figa del mondo, ma datti una mossa perché ancora un po’ che aspetti il tuo nome verrà ricordato come un brand di mutande per donne curvy.

Adele

Durante il primo lockdown del 2020 girò in rete un filmato di Adele nel giorno del suo compleanno in cui brindava insieme ai suoi amici al nuovo album in uscita a settembre. Di quale anno Adele?…

Billie Eilish

Ho come l’impressione che l’hype attorno a Billie sia un po’ scemato soprattutto per colpa dell’impossibilità di fare live che diciamocelo sono la sua forza. Per ora le aspettative sono al 50% perché il singolo My Future non ha funzionato un gran che, sembrava una minestra riscaldata mentre il successivo Therefore I Am ci ha fatto di nuovo drizzare le orecchie per la sua produzione strafottente. Vedremo quale umore prevalerà, ma Bilie facci anche ballare please!

ALTRI IN ARRIVO IN ORDINE ALFABETICO:

Aiello, Arcade Fire, Azealia Banks, Bleachers, Cardi B, Carmen Consoli, Chromatics, Coma_Cose, Die Antwoord, Francesca Michielin, FKA Twigs, Future, Gwen Stefani, Janet Jackson, Kanye West, Kendrick Lamar, Kings Of Leon, La Rappresentante di Lista, Lykke Li, Madame, Marina, Romy, Rosalía, Sky Ferreira, St.Vincent, SZA, The Cure.

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L'articolo Album 2021: quelli che aspettiamo e quello che sappiamo. proviene da Toh! Magazine.

Che Sophie Ellis-Bextor fosse una regina della disco lo sappiamo dai tempi in cui giovanissima scalò le classifiche con Groovejet featuring del dj Spiller. Un classico che ancora oggi (se si potesse) balleremmo nei club.

Erano i primi anni 2000 quando uscì il suo primo album Read My Lips e il suo concentrato di hit da Take Me Home alla leggendaria Murder on the Dancefloor. Da allora Sophie Ellis-Bextor ha flirtato con diversi lati della musica, dall’indie. al pop, al romanticismo di un orchestra e oggi torna con un greatest hits nato per caso in pandemia.

Kitchen Disco era il venerdì sera di Sophie Ellis-Bextor quando dalla sua cucina in un outfit rigorosamente in paillettes e zatteroni ai piedi, intratteneva il suo pubblico da Instagram cantando canzoni dal suo repertorio e cover, per sconfiggere la noia.

Una diretta che è diventata virale e che ha visto Sophie Ellis-Bextor incantare l’Inghilterra e non solo. Il tutto attorniata dai suoi cinque figli, tra gattonamenti, salti sul divano e urla come fosse un loro momento famigliare privato.

Insomma Sophie Ellis-Bextor aprendo le porte della sua cucina per cantare, ha contribuito ad innalzare lo spirito di una nazione e non solo. Ecco cosa mi ha raccontato:

Seguo la tua carriera dai tempi dei Theaudience sul finire degli anni ’90, per cominciare ti chiedo qual è il ricordo più bello che hai di quegli anni?

Oh wow, difficile rispondere… ma pensandoci direi il giorno in cui ho firmato il mio contratto discografico: avevo 18 anni e avevo appena fatto l’esame di maturità e portai con me due amiche, la casa discografica mi aveva regalato una bottiglia di champagne e abbiamo passato una giornata lungo la riva del fiume super entusiaste a bere. 

Ho visto alcune delle tue dirette IG dalla tua Kitchen Disco e devo dire che sei diventata la regina del clubbing durante i giorni di quarantena. Sei stata così glamour e spontanea in quella dimensione con i tuoi cinque figli che gironzolavano. Come ti è venuta l’idea di cantare i tuoi successi in cucina e ti aspettavi un così grande successo?

E’ stata un idea di mio marito Richard, un giorno mi disse perché non facciamo uno show e io ho pensato fosse impazzito. E’ stato anche un po’ rischioso perché il mio ultimo figlio aveva 14 mesi e gattonava ovunque quindi dovevo avere mille occhi mentre cantavo. Non avevo la minima idea del responso che avremmo ottenuto ma non parlo solo in termini di visualizzazioni, ma cosa avrebbe significato per noi, è stato un momento felice e liberatorio in un momento molto pesante per tutti. Ci ha veramente aiutati a sorridere, ci teneva occupati anche nello scegliere e nel provare le canzoni, è stato un momento di sollievo. 

Credi che le dirette di Instagram ci abbiano aiutato a superare il lock down?

Credo che siano state un modo simpatico per connetterci, abbiamo perso un po’ tutto ciò che è spontaneo e carino, le persone tendono a condividere poco di se stesse e a mostrare più l’apparenza sui social. Credo che queste dirette abbiano liberato la spontaneità delle persone. Non parlo di celebrità ma di tutti, Instagram in quarantena era molto democratico perché vedevi semplicemente amici che chiacchieravano, persone che mostravano loro abilità artistiche, veramente di tutto e questo mi è piaciuto. Mi sono fatta un sacco di amici nuovi su Instagram, persone che hanno piccole attività, artigiani, profili che ho scoperto e cominciato a seguire.

Quando hai deciso di trasformare questa serie di livestream in un greatest hits?

Non era pianificato, quando è arrivato il lockdown tutto quello che avevo pianificato è stato messo in pausa. Subito dopo però mi sono resa conto di quanto fosse stato importante per me questa esperienza e quanto sarebbe stato bello portarla in giro, così nel mentre ho deciso di immortalarla in un greatest hits con tutti i singoli e alcune cover che ho cantato durante le dirette. Songs from the Kitchen Disco: Sophie’s Ellis-Bextor Greatest Hits è un tributo, una celebrazione a questa esperienza meravigliosa. 

In Songs from the Kitchen Disco ci sono tutti i tuoi singoli pubblicati più alcune cover che hai cantato durante le dirette come True Faith dei New Order, My Favourite Things di Judy Garland, il singolo Crying at the discotque e Do You Remember the First Time? dei Pulp che è quella che mi ha più incuriosito, come le hai scelte?

Sì sono tutti i miei singoli più una versione nuova di Groovejet perché non ho mai avuto la possibilità di pubblicare l’originale così ho fatto la mia versione. Le cover sono state scelte per puro divertimento perché Kitchen Disco aveva questo scopo, potrei esibirmi in cucina tutto il giorno ora!Ahahahah! Per quanto riguarda i Pulp sono una loro grande fan, mi ricordano quando avevo 15/16 anni e tutto ero una scoperta compreso il mio gusto per la musica. Andavo a ballare con le amiche, c’era il brit pop… sono tutt’ora connessa con quel periodo della mia vita.

Hai scelto come singolo Crying at the Discoteque nella versione resa celebre dagli Alcazar e il video è girato in tutte le venue per concerti più famose di Londra tra cui la Bush Hall, l’Heaven, l’Apollo Theatre. me ne parli?

La cosa più istintiva per una canzone come Crying At The Discotheque era quella di girare il video in una discoteca o in un club, ma di recente ho pensato così tanto a tutti i miei musicisti e amici della troupe che non possono lavorare in questo momento. Così ho deciso di fare un video ambientato in diverse location vuote di Londra per mettere in risalto tutto quello che al momento è in pausa. È stato strano e commovente esibirmi in quei posti vuoti quando ci ho cantato in precedenza davanti a centinaia di persone ed erano così pieni di vita. Spero che faccia arrivare alle persone il divario culturale di questo momento. Per quanto riguarda la canzone credo abbia un testo molto poetico e che parli di tutte qeulle cose che ci mancano al momento. Mi piace molto la produzione disco di questo pezzo, sta molto bene nel disco e poi uscì nel 2000 quindi è una coetanea di Groovejet, e questo mi diverte.

Nel tuo ultimo album The Song Diaries i tuoi brani più celebri rivivevano suonati da un orchestra, ora direi che con The Kitchen Disco hai pubblicato di fila due greatest non convenzionali…

Ahahahah! E’ vero a distanza di un anno e mezzo, e pensa tutto quello che è cambiato da allora. Quando ho pubblicato The Song Diaries l’ho fatto per portare qualcosa di nuovo alle mie canzoni. Quest’anno mi sono goduta la nostlagia e il poter cantare canzoni che non cantavo da anni nella loro versione originale. La lezione è che sia nella musica come nelle relazioni non sai mai cosa può cambiare. La musica quest’anno è stata importantissima, ma credo per tutti non solo per me.

Hai una fan base LGBTQ+ molto forte, cosa credi abbia creato questa connessione speciale con la comunità?

Non sono molto brava ad analizzarla ma so che molte delle cose che hanno risonanza con me, con i miei gusti musicali, l’amore che ho per l’arte, si incastrano perfettamente con la cultura LGBTQIA. I gay club sono i posti in cui ho imparato ad esibirmi ad acquisire consapevolezza, i concerti nei club gay hanno formato la performer che sono oggi. E’ una relazione molto importante, come quando trovi una tribù in cui ti senti capita, ti trovi a tuo agio e puoi sentirti pienamente te stessa e celebrare la tua diversità invece di conformarti alla società e fingere di essere quello che non si è.

So che avevi in programma di fare alcune date con la serata gay itinerante Sink The Pink, me ne parli anche se ora è in stand-by?

Certo, il mio caro amico Glen ha messo in piedi questo party gay incredibile, c’è un atmosfera bellissima, le persone sono vestite e truccate benissimo, si percepisce quell’atmosfera in cui tutto può succedere. E’ davvero divertente e loro sono molto carini, lo scorso anno come ospite ci fu Melanie C in tour con loro, io recuopererò l’anno prossimo!

Hai cinque figli meravigliosi, qual è il tuo punto di vista sul genere, come ti senti riguardo al fatto che i ruoli di genere sono ancora imposti ai bambini attraverso la cultura del consumismo?

In casa nostra siamo totalmente contro l’imposizione di genere. Non ho nessun problema con i giochi con cui desiderano giocare, è una scelta libera e loro.

Quando ebbi il primo figlio ricordo che rimasi scioccata perché quando mi accorsi che le persone nutrivano nei suoi confronti una sorta di aspetattiva solamente perché è maschio. In casa siamo molto aperti, i bambini possono seguire le loro passioni e abbiamo un dialogo molto aperto e sincero. Saranno chi dovranno essere non sono di certo io o la società a scegliere per loro. Essere un bambino o una bambina è un informazione non è un fattore che ti definisce. Io ho cinque figli maschi ma questo non significa che io debba avere delle aspettative solo in base alla loro identità sessuale. E’ da pazzi.

Dovremmo essere tutti più open minded e non pensare che la personalità di un bambini si possa definire tramite un giocattolo. Dovremmo essere tutti più fluidi, meno binari e la società sarebbe decisamente migliore. 

Parlando di look sembra che tu abbia una passione per paillettes e platform, hai un outfit preferito?

Hahahaha è vero! Amo i catsuit come quello che indosso nel video di Crying at the Discotheque perché credo che mi diano forza, mi rendono più potente, mi fanno sentire un super potere e quando mi esibisco non voglio sembrare vulnerabile. E posso muovermi come voglio senza preoccuparmi di cosa indosso.

L’ultimo album di cui ti sei innamorata?

Ti dico una canzone, Peacefull Afternoon di Rufus Wainwright.

Ah! Un ultima domanda: la tua cucina era arredata per l’occasione o sembra sempre una discoteca?

L’avete vista esattamente com’è sempre in tutto il suo splendore.

Sophie Ellis-Bextor

L'articolo Sophie Ellis-Bextor è la regina della disco in cucina proviene da Toh! Magazine.

In attesa del suo ritorno sulla scena musicale, il #TBT di oggi è dedicato a Mykki Blanco, che nel 2016 fu cover star del numero 27 di Toh! Magazine.

Da sempre votato alla sperimentazione musicale e visiva, Mykki rappresenta un punto di arrivo per il rapper e artista americano Mykki Blanco, anche a seguito di un periodo travagliato e minato da insicurezze, tra l’annuncio della sua sieropositività e la dichiarazione di voler abbandonare la musica.

Artista a tutto tondo, decisamente queer, crossgender e crossdresser a partire dalle sue esplosive e trascinanti performance.

L’abbiamo raggiunto al telefono per parlare del suo debutto ufficiale su !K7, etichetta che insieme a Woodkid e l’amico Jeremiah Meece l’ha portato a realizzare un disco immediato dove l’artista ha aperto i suoi diari al mondo.

Ciao Mykki, dopo alcuni EP, mixtape, compilation e l’annuncio di lasciare la musica, ti ritroviamo al tuo disco di debutto. Bene! Come stai?
Bene! Sai, il vero motivo per cui non ho rilasciato un disco prima è anche perché non avevo un vero contratto con un’etichetta, e alla !K7 mi hanno permesso di lavorare anche con la mia personale, la Dog Food Music Group. Senza girarci troppo intorno, per la prima volta sono in grado di concentrarmi sulla mia musica e non unicamente sul tour. Credo che ci sia un processo più maturo, perché ho avuto la possibilità di prendermi il mio tempo e scrivere effettivamente le canzoni e lavorare sulla produzione senza alcuna fretta. Ora sono contento e guardo sempre avanti perché non vedo l’ora di far vedere cos’altro ho da mostrare al mondo.

Visto che l’hai citata, c’è un futuro per la Dog Food Music Group?
Oh assolutamente! Se ve lo state chiedendo Dog Food Music è ancora viva e vegeta! (Ride, NdR) Ho in programma qualcosa per l’anno prossimo, ma rispetto al primo progetto che coinvolgeva quattro artisti diversi (“Mykki Blanco presents C-ORE”, NdR), ho intenzione di concentrare le mie risorse e il mio tempo per lavorare con un solo artista!

Com’è stato lavorare al disco con Jeremiah Meece e Woodkid?
Jeremiah è un mio vecchio amico, probabilmente continuerò a lavorare con lui perché oltre a supportarmi da sempre, capisce molto il mio universo creativo e dove voglio arrivare. Lavorare con Woodkid è stato molto importante, per la prima volta ho lavorato a strutture più pop, e sai,
come artista a cui è piaciuto sempre sperimentare con diversi stili, è stato molto carino avere qualcuno che m’insegnasse come raggiungere un pubblico più ampio. E poi è grazie a lui che canto su disco, insomma, non avrei mai pensato di farlo!

Hai qualche aneddoto in particolare da raccontare su Woodkid?
Non ho una storia in particolare. Oh, forse sono sempre stato un po’ ingenuo, nel senso che in studio ci sono sempre andato alla sera per rimanerci fino a tardi. Con Woodkid invece mi sono ritrovato in studio dal mattino fino a sera! (Ride, NdA).

Hai lavorato con molti registi acclamati, come Francesco Carrozzini, Ninian Doff e da ultimo Matt Lambert per il video di Highschool Never Ends. Ci racconti cos’è per te il videoclip e com’è stato lavorare con lui?
Una delle cose che ha sempre accompagnato il mio percorso, e sulla quale cerco di rimanere coerente, è lavorare con registi dinamici. Perché con ogni mio video cerco sempre di pensare a qualcosa di non già visto: tipo come Mykki Blanco posso mostrare al mondo che sia originale?
Questa è un po’ la fase iniziale, poi segue sempre un brainstorming. Con il video di “Highschool Never Ends”, ancora prima di decidere su quest’idea di Romeo e Giulietta, c’era un mio interesse nel mostrare un immaginario queer anarchico e punk. Questa è la prima idea, poi sai, le cose prendono diversi sviluppi fino ad arrivare a qualcosa di cui sei soddisfatto.

Il tuo prossimo singolo è Loner, probabilmente la cosa più pop dell’album Mykki…
Sì, ho appena finito di girare il video a New York. Penso proprio di sì. Oh, penso che anche My Nene sia piuttosto pop, ma Loner è senza dubbio la più orecchiabile.

È qualcosa di nuovo per te
Sì, forse per la scelta di lavorare con una vocalist femminile, inoltre non è per nulla un beat hip hop! È stato qualcosa di completamente nuovo, ma sono estremamente contento, sai, non so se vorrei mai fare un intero disco con canzoni di quel tipo, ma ho sicuramente voglia di scrivere
ancora canzoni con quelle sonorità, perché nonostante si chiami “Loner” ha delle vibrazioni piuttosto positive (Ride, NdR).

E cosa ci dici del featuring con Jean Deaux?
Ha 23 anni, l’ho appena incontrata per le riprese del video. Sono molto emozionato, perché è molto umile, dolce e talentuosa, cioè davvero, ha una voce incredibile! Ha un po’ di seguito online, ma credo che il video che abbiamo appena girato la esporrà ad un pubblico più ampio.
Non vedo l’ora che il suo talento venga a galla.

La canzone a cui sei più legato del disco?
Diciamo che cambia spesso, sai, non mi so davvero decidere! Amo molto I’m In A Mood perché è una delle prima canzoni che ho scritto con un andamento lento ma che mantiene ancora la vibrazione hip hop. Amo The Plug Won’t perché è la primissima volta che mi cimento con
sonorità più R&B. Credo che una delle cose di cui sono più orgoglioso di Mykki è che ho giocato con molti stili, ma ho cercato di rimanere fedele all’idea di avere un suono e un flow coerente per tutto il disco.

E ci parli di Hideaway?
Sono piuttosto irritato perché è una delle canzoni del disco della quale non sono soddisfatto di com’è venuto il mixing, così ho caricato l’altra versione su SoundCloud. Ma a dire il vero è proprio una delle mie canzoni preferite, semplicemente perché in pratica ha a che fare con alcune tematiche e cliché tipici dell’ambiente hip hop, con i quali mi piacere giocare e rendere
estremamente queer.

In Mykki ci sono due Interlude dove si respira molto del tuo passato
Entrambi gli Interlude arrivano direttamente dai miei diari che tengo da diversi anni, e volevo proprio dare la possibilità al pubblico di vedere una parte di me più privata. Sì, ecco perché ho scelto di condividere queste cose sul disco.

La tua poesia ha trovato casa nella musica o ci sarà un altro libro?
Penso proprio di sì, una delle cose più importanti per me è che quando sono in fase creativa mi ritaglio molto silenzio. Sai, quando sto lavorando a nuova musica o a nuove idee passo attraverso due fasi, diciamo. Vado da una fase dove ascolto tantissima musica diversa, cerco di capire quale direzione vorrei seguire. E poi passo attraverso giorni dove resto completamente in silenzio: non ascolto nulla, non guardo la TV, non faccio nulla se non scrivere e lasciare che le idee arrivino. Per me il silenzio è davvero importante, specialmente per scrivere poesie. Quindi, yeah, sono sicuro di scriverne ancora, ma è un processo che richiede
molto silenzio, prima.

Non è così facile in effetti, soprattutto quando si è circondati dal Noise of Boys come nell’ultima parte del disco, più clubbing: raccontaci di For the Cunts.
Volevo creare qualcosa di più upbeat per i miei ascoltatori, qualcosa che potesse essere divertente da ascoltare, penso proprio che “For the Cunts” sia il Jolly del disco.

E diciamolo, è la prima volta che scrivi una canzone perfetta per un club gay.
No, guarda, verissimo! (Ride, NdR) Penso proprio che sai, le persone mi considerano un artista queer, ma la maggior parte della mia musica non ha propriamente un’agenda di quel tipo, quindi sì, con For the Cunts volevo fare una canzone pressoché e letteralmente per, sai, su, per le Cunts! (Ride, NdR).

Cosa ne pensi dell’etichetta queer?
Mi ha sempre infastidito, perché in qualche modo sminuisce quello che fai in quanto rapper, perché mi considero in primo luogo artista, ok, sì, poi sono anche queer. Bisogna stare molto attenti, perché quando un giornalista è senza tatto, può risultare molto scortese e omofobo. C’è
anche da dire che se è un motivo d’orgoglio e può in qualche modo aiutare le persone a capire, non è assolutamente una cosa negativa.

Ritornando ai club, quali sono i tuoi posti preferiti?
In assoluto Spagna e Berlino. È curioso, perché ho realizzato che di tutti i paesi europei la Spagna è quella dove ho trascorso meno tempo, ma ho sempre passato dei bellissimi momenti tutte le volte che ci sono stato. E ovviamente poi c’è Berlino che è tipo NON STOP, voglio andare a Berlino e poi voglio scappare da Berlino.

Ma ora stai a Parigi?
Ho vissuto lì a intermittenza per un periodo, ma in realtà non c’è un posto dove vivo a tempo pieno.

Visto che viaggi molto, tre cose che non possono mancare nella tua valigia?
Vestiti, libri e… parrucche!

A cosa non sa dire di no Mykki?
A un bel viso (Ride, NdR)

Ti sei cimentato con il poema di Zoe Leonard, I Want A Dyke For President, come le stai vivendo queste elezioni presidenziali?
Sono estremamente convinto che siano state delle elezioni orrende. E non credo affatto che Hillary Clinton sia la candidata ideale… però ovviamente quello che Donald Trump ha fatto al Paese… ha reso mainstream questa cultura bigotta e del pregiudizio. E ci sono molte persone
che lo seguono, questo è molto triste, che il nostro paese sia arrivato a questo. Sono convinto che la mia generazione, e soprattutto quelle più giovani, siano al corrente di quello che sta succedendo, di come questi vecchi stiano cercando di mantenere le cose come stanno e non
riescono proprio ad accettare il fatto che il paese stia cambiando davanti ai loro occhi. Poi, per quanto orribile sia stato Trump c’è da dire che ha messo in guardia le molte persone che pensavano che il suo modo di pensare fosse finito, hanno potuto vedere che no, ci sono milioni di persone che la pensano così e sono venute allo scoperto.

Quando hai annunciato che avresti lasciato la musica, hai detto che ti sarebbe piaciuto buttarti sul giornalismo e sull’attivismo per investigare problematiche LGBT in giro per il mondo. Ci pensi ancora?
Credo di sì, ma è qualcosa che potrò fare tra qualche anno, perché al momento, in questo percorso di crescita, sto raggiungendo con la musica qualcosa che ho sempre sognato. Sono ancora convinto che quell’idea sia piuttosto valida, ma devo attendere di raggiungere maggiore sicurezza con la mia musica e poi sai, più potrò investire, anche in tempo e denaro, più potrò esplorare diversi aspetti della mia creatività

L'articolo Mykki Blanco: rebel with a cause. Intervista #tbt proviene da Toh! Magazine.

In vista delle elezioni del 2020, Anohni aveva già pubblicato due canzoni di protesta anti-Trump, “R.N.C.” e una collaborazione con CocoRosie e Big Freedia dal titolo “End of the Freak Show“.

A poche ore dal grande giorno, la musicista ha condiviso una cover del classico di Gloria Gaynor “I Will Survive”. Anohni usa quesa canzone per inveire contro l’attuale amministrazione, tutto l’odio e le ingiustizie, che ha perpetuato negli ultimi quattro anni il governo Trump.

Questa versione di I Will Survive è rallentata come una ballad drammatica. L’originale a cantarla per la prima volta è stata Gloria Gaynor nel 1978. Da sempre è stata associata ai diritti della comunità lgbtq+, ma oggi si tinge di sfumature più inquietanti.

Ciò che ha fatto parlare però è stato quello che Anohni ha scritto sulla sua pagina YouTube dove ha detto di aver detto di no all’offerta di 200mila dollari che Facebook le avrebbe dato per usare la sua canzone.

Nel testo di accompagnamento che ha scritto infatti racconta quello che è accaduto con Facebook.

Questa versione della canzone infatti esiste dal 2001. Lo scorso giugno Facebook avrebbe contattato Anohni per utilizzarla per uno spot per tutte quelle piccole attività commerciali che sono presenti sul sito e che purtroppo la pandemia del Covid 19 le ha colpite. 

Anohni ha scritto: “Avrei potuto prendere quei soldi, ma ho detto di no perché non volevo essere complice dell’hosting di Facebook nel rilanciare notizie false che avrebbero potuto permettere la rielezione di Donald Trump.

Hanno risposto dicendomi che stavano placando le preoccupazioni degli altri partecipanti facendo donazioni alle loro associazioni di beneficenza, oltre a pagarle.

Mi sono svegliato la mattina dopo e ho capito che non era nemmeno pubblicità; questa è politica, e non so nemmeno quanto sia profonda quest’acqua.Questa azienda Droga5 ha lavorato con Obama, Google e altri. Ho dovuto andarmene.”

Mesi dopo l’accaduto Anohni vide sul social network la pubblicità che però aveva una versione di “I will Survive” che ricordava molto la sua quasi al limite dell’imitazione. “Un mese dopo ho visto l’annuncio. Facebook aveva assunto un altra cantante per copiare la mia versione della canzone. Era una sensazione nauseante.

Sappiamo tutti che Facebook, Google, Twitter, Amazon e altri sembrano distruggere le nostre vite, le nostre menti, il nostro lavoro, le nostre culture e la capacità delle nostre società di governarsi.

Noi, come artisti, siamo stati i primi ad essere bloccati per essere nutriti e nello stesso tempo essere prosciugati da aziende come Apple e Facebook.E ora come artisti, dovremmo essere i primi ad andarcene. 

Dobbiamo dimostrare che è possibile vivere senza Instagram, senza Facebook, senza Google e Amazon. Dobbiamo sforzarci di ricostruire le nostre vite e le nostre comunità, le nostre conversazioni private, in modi che non si basino su infrastrutture e interfacce manipolate fornite dalle società più ricche del mondo.

Dopo la debacle di Facebook, mi sono sentita obbligata a completare la mia versione in studio di “I Will Survive”. È stata la prima canzone che ho cantato nei nightclub di New York quando avevo 20 anni. L’ho cantata centinaia di volte.

A quei tempi la cantavo pensando a Marsha P. Johnson e alla comunità di gay underground che lottavano per sopravvivere di fronte all’AIDS. Ora mi sembra un inno per il futuro della vita sulla terra.

Ovviamente, Youtube è di proprietà di Google. Non ho chiuso tutti i miei account. Ma voglio parlarvi di questo; Voglio far parte di questa conversazione.” 

Nel Video che Anohni ha postato su Youtube vediamo del footage degli anni novanta della cantante. Sopra queste immagini si vedono le frasi di dedica che lei ha pensato per questa canzone: 

Dedicato a tutte le vite delle trans nere in via di estinzione.
A tutti coloro che attendono l’esecuzione nelle camere della morte degli Stati Uniti.
Alle barriere coralline del mondo, ora in decomposizione.
Dedicato a coloro che negli Stati Uniti muoiono per negligenza medica.
Alle vite delle persone nere torturate e rubate dalla polizia americana.
Dedicato alle foreste bruciate e agli animali dell’Australia, dell’Amazzonia, della Siberia, del Colorado, del Borneo, della California e dell’Oregon. Ai preziosi animali selvatici, uccelli e insetti che ancora lottano per vivere.
Dedicato alle sacre comunità indigene di Stati Uniti, Australia, Brasile e in tutto il mondo che continuano a combattere governi e corporazioni brutali.
A coloro i cui mezzi di sussistenza sono stati ridotti dalla tecnologia.
Dedicato al sacro popolo gay che lotta per la propria vita e la propria dignità in Afghanistan, Iraq, Arabia saudita, Uganda, Yemen, Russia, Polonia, Iran, Cina, Somalia, Egitto, Turchia, Emirati Arabi, Nigeria…ai ricordi di quei bambini gay le cui vite sono state rubate da governi, assassini e persino dalle loro stesse famiglie.
Ai fantasmi che vagano su questa terra, ricordando cosa è successo qui.
Dedicato a tutti i bambini che lottano per la propria vita nel futuro che stanno preparando per loro.
Saremo ricordati per quello che abbiamo fatto.
E per quello che stiamo per fare.

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