Non male per uno spettacolo che prende in giro Dio, la fede e il politically correct con un’ironia talmente feroce da risultare… quasi divina.

Creato dai padri di South Park, Trey Parker e Matt Stone, insieme a Robert Lopez (l’unico uomo al mondo con due EGOT all’attivo – Emmy, Grammy, Oscar e Tony, due volte ciascuno), The Book of Mormon è la prova che il musical può essere allo stesso tempo osceno, sofisticato e persino tenero. Debuttato a Broadway nel 2011, lo spettacolo ha vinto nove Tony Awards, quattro Olivier Awards, un Grammy e ha registrato record di incassi da New York a Londra, da Melbourne a Sydney.

Ma di che parla The Book of Mormon, finalmente in arrivo nella sua versione originale sottotitolata in italiano? 

 Due giovani missionari mormoni, pieni di entusiasmo e di buone intenzioni, vengono spediti in un remoto villaggio dell’Uganda per convertire gli abitanti. Quello che troveranno è tutt’altro che un campo estivo spirituale. Povertà, malattie, un signore della guerra che minaccia mutilazioni genitali e una canzone – Hasa Diga Eebowai – che suona come un inno disneyano ma significa… qualcosa che non si può dire in chiesa.

Eppure, tra parolacce e bestemmie, The Book of Mormon riesce a raccontare una storia di amicizia, crescita e fede – o meglio, di quanto sia umano cercarla anche quando non ha senso. È un inno alla libertà di ridere di tutto, anche (e soprattutto) di ciò che ci spaventa.

Ma davvero The Book of Mormon é Il musical più blasfemo e più premiato della storia?

Il successo è stato immediato. Nessun boicottaggio, nessuna protesta religiosa: anzi, la Chiesa dei Santi degli Ultimi Giorni ha colto la palla al balzo e ha comprato spazi pubblicitari nel programma ufficiale dello spettacolo. Il messaggio? “Hai visto il musical. Ora leggi il libro.” Quando anche i mormoni si divertono a farsi prendere in giro, vuol dire che hai fatto centro.

Dietro le quinte, un team creativo da urlo: Casey Nicholaw (regia e coreografie), Scott Pask (scene), Ann Roth (costumi, premio Oscar), Brian MacDevitt (luci), Brian Ronan (suono) e Stephen Oremus (supervisione musicale).

The Book of Mormon é il musical che sa ridere della fede e di noi stessi

«Ridere dei mormoni era solo l’inizio», ha raccontato Matt Stone. «La risata è il modo migliore per abbattere le difese delle persone e raccontare una storia più grande.» Una storia che, in fondo, parla di noi: delle nostre illusioni, della nostra fede nel progresso, dei nostri buoni propositi che finiscono sempre un po’ storti.

In un’epoca in cui tutti si offendono per qualcosa, The Book of Mormon resta un miracolo teatrale: riesce a scandalizzare tutti senza far arrabbiare nessuno.

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Shura è tornata. A cinque anni dal suo ultimo album, la cantautrice britannica — da sempre capace di raccontare la fragilità e l’intimità dell’amore queer con rara sensibilità — riappare con I Got Too Sad for My Friends, un disco che è insieme diario esistenziale e manifesto estetico.

Nato durante un momento di crisi creativa e personale, tra lockdown newyorkesi, introspezione forzata e nuove passioni (jujitsu incluso), il disco è un ritratto stratificato della Shura di oggi: più consapevole, ma ancora capace di lasciarsi attraversare dalla malinconia, con uno sguardo ironico e mai cinico.

In questa intervista, Shura ci racconta la genesi dell’album, il lungo blocco creativo, la gioia di collaborare con altri artisti, il bisogno di ritrovare uno spazio sicuro in un mondo che sembra diventare ogni giorno più ostile. Un dialogo che parte dalla musica, ma tocca anche corpo, comunità, politica e — naturalmente — amore.

Ciao, come stai?

Bene grazie, domani ci sarà la prima data del tour. Sono emozionata.

Come ti senti a pubblicare un nuovo album dopo molto tempo?

Sono molto felice! Anche se l’album in realtà è pronto da tanto, abbiamo deciso di aspettare il momento giusto. Dopo quattro o sei anni, aspettare altri sei mesi non faceva molta differenza. Ma ora è arrivata l’ora!

Cominciamo dal titolo: “I Got Too Sad for My Friends”. Cosa lo ha ispirato?

È il nome che diedi alla cartella SoundCloud con i demo dell’album, quasi cinque anni fa. Invece di chiamarla “Demo” come al solito, la intitolai così perché rappresentava come mi sentivo: molto isolata, con poco da condividere. Quando fai un lavoro creativo e ti senti bloccata, è difficile parlarne con gli amici: ti sembra di fare il lavoro dei sogni, eppure qualcosa non va.

Il titolo è triste, ma la prima volta che l’ho scritto mi ha fatto sorridere.

Suonava perfetto per un album. Ha un tono ironico, anche se tocca temi difficili. Volevo evitare di risultare pesante.

“I Got Too Sad for My Friends” è un disco pieno di consapevolezza, ma che ha bisogno anche di leggerezza.

Hai parlato apertamente del blocco dello scrittore. Cosa ti ha aiutato a superarlo?

Leggere molto. Il libro “If You Want to Write” di Brenda Ueland mi è stato utile. Parla della scrittura come cammino, e di quanto camminare aiuti a liberare la creatività. Era come un’auto-istruzione.

In realtà non era che non riuscissi a scrivere, ma non trovavo interessante ciò che scrivevo. Ho capito che serve un mistero, una verità o un problema da risolvere per far funzionare un testo.

Camminare nel mio appartamento di New York, ascoltare gli uccelli, sentire la brezza: tutto questo mi ha aiutata a restare presente, nonostante pensieri esistenziali pesanti.

La copertina ti mostra in armatura con un Walkman, circondata da piccoli mostri. Che storia volevi raccontare?

Hai colto bene! Quando uscì Romeo + Giulietta di Baz Luhrmann mi folgorò. DiCaprio era magnetico. Ricordo che non capivo se volevo essere lui o se ne ero attratta. Anche mio fratello gemello, che è queer, lo guardava con me. Poi abbiamo capito: lui voleva baciarlo, io essere lui!

Avevo appena riletto Il piccolo principe, che mi ha devastata. C’è un’immagine in cui è minuscolo su una catena montuosa, ma pieno di significato. I temi del disco – ansia, solitudine, svanire – sono tutti lì.

Un’altra influenza è Baldur’s Gate 3, che mi ha salvato dall’isolamento. Nell’artwork indosso un’armatura, ma non protegge organi vitali: quei mostri non sono reali, sono interiori. Il Walkman, i jeans rotti e le Converse mi riportano alla realtà. Non volevo sembrare un personaggio fantasy, ma restare me stessa

Come ha influenzato il suono e i temi del disco il tuo trasferimento a New York durante la pandemia?

Era un momento eccitante: avevo appena finito un album sull’innamorarsi a NY, avevo un tour. Poi, tutto si è fermato. Un crollo istantaneo.

Questo ha inciso sul mio blocco creativo. Il mio cervello era pronto al tour e al cambiamento, e invece mi sono ritrovata a chiedermi: “E adesso?”. È stato un lungo periodo di vuoto, e ha cambiato tutto.

L’album ha un suono caldo e retrò, da pop anni ’60 con texture elettroniche soft. Come ci sei arrivata?

Non riuscivo ad ascoltare altro in quel periodo. Quelle armonie mi tranquillizzavano.

Senza rendermene conto stavo scrivendo il disco che avevo bisogno di ascoltare: dolce, gentile. Io che di solito sono esplosiva!

Con Nothing’s Real avevo suoni forti, synth invadenti. Ma durante la pandemia volevo solo delicatezza. Mi sentivo vulnerabile, e cercavo bellezza naturale.

Molte tracce hanno una forte qualità cinematografica. Pensi spesso per immagini?

Al 100%! Ogni canzone ha un video musicale nella mia mente. Sempre.

Questo è anche il tuo primo album con dei featuring. Cosa ti ha spinto a farlo?

Ho collaborato anche in passato, ma i pezzi non sono mai finiti su un album. Stavolta, da artista indipendente, ho scelto persone che amo.

Cassandra Jenkins l’ho vista a Brooklyn e me ne sono innamorata. Ci abbiamo messo sei anni per collaborare! Helado Negro l’ho conosciuto a Low Radio, a Williamsburg. Perfetto per “If You Don’t Believe in Love”. Era il mio primo duetto sexy con un uomo!

E poi Becca Mancari: tutto sembrava naturale con loro, a differenza del passato dove le collaborazioni erano spesso suggerite per ragioni di marketing.

Ti sei fatta anche male in questi anni, ma ora appari radiosa!

Grazie! Forse è merito del jujitsu ahah! Ho iniziato da poco, ma è una di quelle cose assurde che fai dopo i trent’anni: imparare a combattere!

A proposito: aspiri davvero a diventare una “Muscle Mommy”?

Ci provo! Ma non è così facile come pensavo ahah! Forse sarò pronta per il prossimo album.

La tua musica è importante per tante persone queer. Come vivi oggi la tua visibilità LGBTQ+?

Dieci anni fa avrei detto: sono queer e ne sono felice. Oggi non è così semplice.

All’epoca sembrava che tutto potesse solo migliorare. Oggi è deprimente. Pensa che “Touch” è uscito nel 2011, e ora dobbiamo chiederci se essere visibili sia sicuro.

Però: se ti senti attaccato, è il momento di combattere. Io sono pronta.

Pensare alla situazione dei diritti trans in America con un secondo mandato Trump è spaventoso.

Abbiamo girato un video low budget con tantissime persone queer, per mostrare quanto siamo splendenti. Spero di farvelo vedere presto.

Ora che sei tornata in Inghilterra, ti mancano gli Stati Uniti?

Mi mancano gli amici, e sono triste per loro. Ma tornare negli USA adesso? No. Forse lo farò quando il finale sarà diverso. Non che in UK sia tutto perfetto, ma almeno posso iniziare a lottare da qui. Prima ero ottimista. Ora, molto meno.

Prima di salutarci: l’ultimo album di cui ti sei innamorata?

Sto ascoltando tantissimo Sabrina Carpenter e amo Chappell Roan, ma il disco che mi ha rapita è Two Star & The Dream Police di Mk.gee. Mi ricorda Peter Gabriel, Prince, Sting ai tempi dei Police. Chitarre e produzione incredibili.

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Dalla ballroom di New York alla techno berlinese, passando per la disco militante francese, ecco i volti che stanno ridefinendo la notte sulle rive del Lago di Ginevra. Il Montreux Jazz Festival non è più da tempo solo jazz. Con la sua apertura verso nuove espressioni sonore e culturali, l’edizione 2025 consacra definitivamente il proprio impegno verso la diversità, dando spazio e visibilità a una generazione di artisti LGBTQ+ che stanno riscrivendo le regole del clubbing.

La presenza di questi artisti queer non è solo estetica o musicale: è politica, è comunitaria, è urgente. In una società che ancora lotta contro discriminazioni e stereotipi, il palco diventa uno spazio di liberazione e connessione.

Royale Cattin & Friends:
Sul palco Spotlight il 5 luglio, Royale Cattin & Friends portano in scena uno show che è un inno al kitsch, all’ironia e all’empowerment queer. Ispirata alle dive anni ’70 e ’80, Royale unisce drag performance e bingo, con interventi di Moon, Léon Lover, Canicule, Luigi e Fiona de Vil, il tutto accompagnato da DJ set che oscillano tra disco, house e pop reinterpretato con spirito irriverente.

In un’atmosfera da Studio 54 reinventata, il collettivo crea uno spazio di festa e condivisione dove l’identità viene esaltata e ogni corpo è invitato a brillare senza timori.

BASHKKA:
BASHKKA arriva a Montreux come un’esplosione di energia queer e consapevolezza. Il suo nome, che in turco significa “diversa”, è già un manifesto. Cresciuta tra Monaco e la scena ballroom di New York, porta nel suo sound una miscela viscerale di house, ghetto-tech e influenze diasporiche, profondamente intrecciate con le lotte delle comunità trans nere e brown.

La sua performance del 14 luglio sull’Ipanema Stage promette un rituale sonoro che unisce beat e militanza, corpi e politica, in un atto di affermazione identitaria che non chiede permesso.

Roi Perez:
La consolle di Roi Perez è un luogo di seduzione e trance. Originario di Tel Aviv, ma adottato dalla Berlino del Berghain, è uno dei DJ resident del Panorama Bar, simbolo internazionale del clubbing queer. Con i suoi set eclettici e giocosi, che spaziano tra house, disco e breakbeat, Roi racconta la pista da ballo come luogo ipnotico e liberatorio, dove ogni traccia è un invito alla trasformazione.

Al Montreux Jazz Festival si esibirà il 13 luglio durante il Disco Brunch Club (Ipanema stage), portando la sua visione fluida e sensibile di una club culture aperta e permeabile.

Barbara Butch:
Barbara Butch non è solo una DJ, è un’intera dichiarazione d’intenti. Icona queer francese, militante contro la gordofobia e l’omolesbobitransfobia, ha fatto la storia nel 2024 con la sua performance d’apertura delle Olimpiadi a Parigi, trasformando un ponte sulla Senna in un palcoscenico di visibilità e orgoglio.

Al Montreux Jazz Festival chiuderà la notte del 19 luglio alla Coupole con un set che si annuncia travolgente. La sua musica, una combinazione inclusiva di disco, house e pop, è uno spazio dove l’amore queer non solo è visibile, ma viene celebrato senza compromessi.

La presenza LGBTQ+ al Montreux Jazz Festival 2025 non è un dettaglio, è un cuore pulsante. Le performance di Royale Cattin & Friends, BASHKKA, Roi Perez e Barbara Butch non si limitano a far ballare: creano comunità, affermano identità, riscrivono linguaggi.

In un mondo che ancora fatica ad accogliere l’alterità, questi artisti e artiste offrono rifugio e rivoluzione sotto la stessa luce stroboscopica. E allora che il palco diventi pista, che la musica sia voce, che il Pride non sia solo un mese, ma un battito continuo che risuona fino all’alba sul lago di Montreux.

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Nato in un periodo di grande complessità personale, “A Modern Witch” di Adult Matters è un atto di liberazione e riconciliazione con il sé più giovane, un modo per mettere ordine nella mente e trovare una nuova forza nella vulnerabilità.

Attraverso testi intensi e una trasparenza rara, Luigi Bussotti aka Adult Matters esplora temi di salute mentale, rabbia, amore e inclusività, tracciando un percorso potente e universale in cui la musica diventa strumento di guarigione e riscatto. Lo abbiamo intervistato:

A Modern Witch” è un album che trasuda emozioni crude e intime – in che modo la tua identità ha influenzato la scrittura di questo disco?

“A Modern Witch” è un disco che ho iniziato a scrivere nel 2021. Era un periodo della mia vita molto complesso. L’ ho scritto per liberarmi di alcune cose che mi portavo dietro da tantissimi anni: dal mio disturbo alimentare alla riappropriazione della mia identità.

È un album che sento fortemente connesso con il me bambino. L’ ho scritto per chiedergli scusa se non l’ho ascoltato, se l’ho dimenticato e se l’ho costretto a stare dove non voleva stare. 

Hai parlato di riconciliarti con il tuo sé più giovane – che rapporto hai oggi con il tuo passato e con le persone che ti hanno fatto sentire fuori posto?

Con il passato ho un rapporto complesso. Ci sono alcune cose che non mi piace ricordare. Mentre scrivevo questo disco sono emerse: le ho accolte e ho cercato di dargli valore.

Ci sono molte canzoni che ho scritto per persone che non fanno più parte della mia vita. Attraverso i dischi è come se mettessi dei punti simbolici ad alcune fasi della mia vita.

Fare musica mi permette di mettere in ordine la mia mente. 

La rabbia è un tema ricorrente nel disco – pensi che nella società italiana ci sia spazio per la rabbia, oppure abbiamo imparato a soffocarla fino ad arrenderci?

Credo che con la rabbia abbiamo tutti un rapporto “particolare”. Ci insegnano a non esprimerla, ci insegnano che si tratta di un’emozione negativa. In analisi ho imparato a gestirla, ad esprimerla.

Ho imparato a comunicare attraverso la rabbia le cose che mi infastidiscono. È davvero incredibile saperla gestire senza combinare disastri.

Sei molto trasparente su salute mentale e vulnerabilità – che ruolo hanno avuto questi aspetti nella tua evoluzione come artista e persona queer?

Sì, l’onesta per me è al centro di tutto: la musica per me non è un esercizio di stile. La musica è la lente con cui io osservo me stesso e il mondo che mi circonda.

Salute mentale e vulnerabilità hanno avuto un ruolo centrale nella mia evoluzione come artista queer. Quello della salute mentale è un argomento a cui tengo particolarmente ed è inevitabile che finisca nella musica che scrivo.

Sono una persona queer che scrive di amori infranti, dca e disturbi del comportamento. Sono cose che vivo tutti i giorni. E’ questo il mondo in cui vivo e il mondo che racconto attraverso la mia musica.

In Italia, la scena musicale indipendente sta diventando più inclusiva oppure è ancora un percorso a ostacoli?

In Italia c’è tanto lavoro da fare. Mi piacerebbe poter dire che la scena indipendente sia inclusiva ma non è così. Le line up dei festival sono lo specchio della società in cui viviamo e parlano chiaro direi.

Non mi piace generalizzare perché ci sono delle realtà “piccole” super inclusive e ci tengo a sottolinearlo, ma su larga scala e sui palchi grandi i passi avanti da fare sono molti. 

Il titolo A Modern Witch richiama un’immagine forte e simbolica – c’è qualcosa nella figura della strega che senti affine a te?

ll disco ho scelto di chiamarlo così perché credo che negli ultimi tempi “la strega” sia diventato un personaggio molto pop ed è quindi un titolo “ironico”. Attorno a queste canzoni ho sentito sempre una forte magia e scriverle è stato catartico. 

“Corrupt Bastards” è uno dei brani più intimi del disco, scritto in un momento di isolamento e vulnerabilità – cosa volevi esorcizzare con questa canzone, e come si intrecciano in essa il desiderio, la delusione e il bisogno di connessione autentica?

E’ l’ultima canzone che ho scritto del disco. L’ho scritta nel mio monolocale a Roma dove vivevo nel 2023. È l’unica canzone che ha un lieto fine.

Quando ho scritto Corrupt Bastards nella mia testa c’era una confusione incredibile. Mi sembrava di non riuscire più a distinguere le cose belle da quelle brutte, il giorno dalla notte e la luce dall’oscurità.

Poi l’arrivo di una persona che amo profondamente è come se avesse preso realmente a calci tutte le cose per cui soffrivo e le avesse fatte a pezzi per me. 

Le foto che accompagnano il disco svelano invece un lato più ironico di Adult Matters – cosa vuoi comunicarci attraverso quell’immaginario visivo?

Ahahah! sì! Le foto le ho scattate con Simona Catalani (una mia carissima amica che ha un progetto super bello che si chiama Simmcat) e Leandro Agrò.

Ho deciso di scattare con loro proprio perché essendo i miei migliori amici mi sentivo libero di poter essere come sono e mi sentivo super a mio agio. L’ Art direction di questo album l’ho curato insieme a loro e ad un’altra mia carissima amica: Annachiara D’Agostino.

Eravamo tutti d’accordo sul fatto che le canzoni fossero davvero “pese” e che servivano delle foto che andassero un po’ ad allegerire tutto il carico emotivo dell’album.

Ultimo album di cui ti sei innamorato:

L’ultimo disco di cui mi sono innamorato è “If You Asked For A Picture” di Blondshell. Non riesco a smettere di ascoltarlo. 

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A distanza di oltre vent’anni dal loro debutto, le Sugababes sono tornate dove tutto è cominciato: insieme, nella formazione originale. Dopo una lunga attesa e un percorso fatto di evoluzioni artistiche e personali, Mutya Buena, Keisha Buchanan e Siobhán Donaghy sono pronte a scrivere un nuovo capitolo della loro storia. Con singoli che spaziano dal pop energico di Jungle all’intimità struggente di Weeds, le tre artiste britanniche riaffermano la loro identità musicale, oggi più matura e indipendente che mai.

Il 2 maggio, il tour europeo farà tappa anche a Milano, dove le Sugababes si esibiranno accompagnate da due nuove voci da tenere d’occhio: Luna e Rose Gray. In questa intervista, il trio si apre su maternità, amicizia, creatività, fan LGBTQ+ e sul valore del credere in se stesse, sempre. Le abbiamo intervistate:

Iniziamo con questa reunion tanto attesa: per la prima volta, siete di nuovo insieme nella formazione originale delle Sugababes. Com’è stato riunirvi in questo momento delle vostre vite e carriere?

Sinceramente non avrei mai pensato che, dopo aver avuto due splendidi figli, la mia carriera musicale sarebbe ripartita in modo così spettacolare. Ma con la maternità è arrivata anche una sicurezza e una calma che prima non avevo. E credo che per tutte noi, portare la nostra esperienza di vita in questo nuovo capitolo delle Sugababes sia stato preziosissimo.

Nel 2011 siete tornate come Mutya Keisha Siobhán, ma ora siete di nuovo ufficialmente le Sugababes. Cosa significa oggi per voi quel nome rispetto al passato?

Quel nome è sempre stato importante per noi. Fin dal momento in cui il nostro manager dell’epoca, Ron-Tom, lo ha inventato, ci siamo sentite identificate.

Quegli anni in cui non potevamo usare il nome Sugababes sono stati frustranti, ma ci hanno dato una grinta e una resilienza che forse non sapevamo di avere.

Ora lavorate di nuovo in modo indipendente. Cosa significa per voi avere il pieno controllo creativo del progetto?

Per noi non è un’opzione cedere il controllo creativo. E crediamo che anche i nostri fan non vogliano una versione di noi che non ci rappresenta. Vogliono leggere le nostre esperienze di vita e i nostri cuori infranti. Anche dal punto di vista visivo, siamo tornate a un’estetica molto “London”, che ci rappresenta, e collaboriamo con artisti visivi straordinari: tutto fa parte dell’arte.

In passato avete persino investito personalmente in brani come Flatline. Cosa vi spinge a credere così tanto in voi stesse?

È difficile pensare di mollare quando, da sempre, conosciamo il nostro potenziale. Abbiamo una forte fiducia in noi stesse, quindi smettere non è un’opzione. Raddoppiamo l’impegno, ogni volta. Anche investendo di tasca nostra, se serve, per portare avanti il progetto.

“Jungle” è il vostro primo singolo di questo nuovo capitolo — ha un sound moderno, energico, con un tocco spoken-word che richiama molto le vostre radici londinesi. Perché avete scelto proprio questo brano per iniziare?

Ci sembrava un richiamo a Overload, in un certo senso. A livello sonoro, quei due brani ci sembrano connessi. Volevamo anche qualcosa di più movimentato, un pezzo uptempo, e abbiamo subito sentito che si sarebbe inserito bene nella nostra scaletta — che è difficile da cambiare, piena di classici e pezzi forti.

Sentire l’affetto non solo per Jungle, ma ora anche per Weeds durante il tour nei palazzetti, è stato davvero gratificante.

La reazione dei fan è stata incredibile. Ve lo aspettavate dopo tutto questo tempo?

Onestamente, non sapevamo cosa aspettarci. Ma volevamo cantare di nuovo insieme e ci abbiamo messo tutto. Vedere posti come Glastonbury dover aumentare la sicurezza per gestire la folla per noi ci ha lasciato davvero a bocca aperta.

“Weeds”, il vostro ultimo singolo, ha un tono completamente diverso — più emotivo, delicato, quasi spirituale. Lo avete definito “una delle canzoni più belle” che abbiate mai fatto. Ce ne parlate meglio?

L’idea è partita da una scrittrice svedese, Tove Burman. Abbiamo sentito la bozza iniziale e ci siamo subito innamorate del mondo magico che aveva creato. Poi abbiamo lavorato per renderlo nostro, aggiungendo parti, e Jon Shave, il fantastico produttore, ha commissionato la sezione d’archi. Sono andata a vederli registrare a Metropolis, a Londra, e mi sono messa a piangere. Era così potente.

Il tema della “crescita insieme” è centrale in Weeds. Pensate che rispecchi anche la vostra amicizia e il percorso che avete fatto insieme?

In questo brano parliamo di relazioni personali esterne. Per esempio, per me si tratta di mio marito, e di come mi renda la versione migliore possibile di me stessa. Ma ovviamente sì, siamo cresciute diventando donne che sanno gestire bene le differenze creative.

Ognuna ha il suo spazio per essere pienamente sé stessa, e siamo fortunate perché è proprio il contrasto tra noi a rendere le Sugababes così interessanti.

Parlando di crescita: è partito il vostro tour più grande di sempre, con date in tutta Europa, e si chiuderà a Milano il 2 maggio. Come vi state preparando per questo momento?

Tutte le routine salutari possibili: sollevamento pesi, succhi verdi, vitamina C ad alto dosaggio. Riscaldamenti vocali ogni giorno. Tanto riposo e, soprattutto, tempo con la famiglia.

Cosa possiamo aspettarci dal tour? Come sarà visivamente?

Il nostro lighting designer Ed Warren è un mago. Lo show sembra epico. Giochiamo molto con luci e ombre, passiamo da momenti grintosi a momenti belli e potenti. Ci sono tante nuove immagini e anche un omaggio al passato, con filmati di noi da adolescenti che provavamo prima ancora di pubblicare qualcosa! È molto emozionante.

E per quanto riguarda i look — ci date qualche anticipazione?

Adoro un look in denim con cristalli di Simone Rocha che indosserò. Tanto nero e argento. E in generale cambieremo spesso, mantenendo però sempre uno stile “London”.

C’è un album in arrivo?

L’album è praticamente pronto. Mancano solo alcuni ritocchi.

Il tour si collega direttamente alla stagione dei festival estivi, ma stiamo facendo il possibile per finire tutto il prima possibile!

Dopo tanti anni nell’industria musicale, con tutti i suoi alti e bassi, cosa vi motiva ancora a creare, esibirvi e connettervi col pubblico?

Proprio il pubblico. Guardare la folla e vedere tutta quella gioia che ci torna indietro è emozionante. Con il mondo che sembra un caos, uno show è un modo meraviglioso per offrire un po’ di evasione.

Negli anni, avete costruito un seguito LGBTQ+ forte e leale — un pubblico che vi ha davvero elevate e abbracciate come icone. Cosa significa per voi questo legame?

È un onore, e saremo sempre alleate.

Se poteste parlare a voi stesse nel 2000 — appena agli inizi come Sugababes — cosa vi direste?

Da dove cominciare? Come si dice a un’adolescente di non essere insicura e piena di complessi? Avremmo dovuto rimuoverci gli ormoni per farcela! L’adolescenza è dura per tutti, punto. Quindi mi darei semplicemente il permesso di sentire tutto.

Cosa ascoltate prima di salire sul palco per caricarvi?

Lasciamo che sia la nostra fantastica band a scegliere, e cambiano ogni sera. Ma adoro che ci sia così tanta musica nuova, soprattutto femminile. E da quello che vedo e sento, queste artiste si supportano a vicenda tramite gruppi WhatsApp, si sostengono e si danno forza. C’è molto da imparare da queste giovani! Stanno facendo le cose nel modo giusto!

Avete dei rituali prima di salire sul palco?

Qualcuno del nostro team fa un piccolo discorso/motivazione. Poi mettiamo tutte le mani al centro e diciamo: “1, 2, 3, SUGABABES!”

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Formatasi durante l’era del Covid, l’attuale formazione della band vede Echo Mars (they/them) alla voce e chitarra, Lu Racine (he/they) alla batteria, Ally Juleen (she/they) al basso, entrata nella band nel 2023, e Shane Blank (he/him), che si è unito di recente al gruppo, contribuendo con chitarra e synth.

I THUS LOVE non sono solo una band, ma un’esperienza vivida e selvaggia che esplode sul palco. I loro live sono un turbine di energia cruda, dove ogni nota sembra scivolare fuori dai limiti della musica e diventare parte di un’esperienza collettiva. La loro capacità di mescolare il suono grezzo del punk con una carica emotiva travolgente rende ogni performance unica.

Abbiamo chiacchierato con i THUS LOVE che ci parlano del loro nuovo album All Pleasure, della loro evoluzione artistica e del legame tra musica, attivismo queer e libertà creativa.

Cosa rappresenta Brattleboro per voi come luogo creativo e comunità artistica?

Brattleboro è un posto in cui puoi sentirti sia completamente isolato che totalmente accolto allo stesso tempo. Ha un’energia sotterranea in cui le persone creano per il semplice gusto di farlo, e quello spirito DIY è stato cruciale per noi. Ci ha dato la libertà di ritagliarci il nostro spazio e plasmare il nostro suono senza pressioni esterne. Dunque i THUS LOVE non potrebbero esistere senza Brattleboro.

Come è nata l’idea per il titolo del nuovo album All Pleasure?

Fin dall’inizio, ci siamo detti che se lavorare a questo album non ci avesse dato piacere, allora non lo avremmo fatto. Creare musica dovrebbe essere un atto di gioia, e ci siamo attenuti a questo principio. Questo non significa che non ci siano state difficoltà, ma spero che chiunque ascolti questo album possa percepire l’entusiasmo e la gioia che abbiamo provato nel realizzarlo insieme in una stanza.

Quali emozioni o messaggi volete trasmettere attraverso i temi della gioia e del piacere nell’album?

Per me, il piacere non riguarda solo la felicità, ma anche la libertà. È il permettersi di esistere pienamente, senza vergogna o restrizioni.

Il messaggio dell’album è proprio questo: la gioia come atto di ribellione, qualcosa che nessuno può portarci via.

Com’è stato lavorare e creare insieme nel vostro studio rinominato “Hobbit Hole”?

Il “Hobbit Hole” era una sorta di sacro rifugio creativo per noi. Era angusto, sudato, caotico—ma era casa. In quello spazio, solo noi quattro all’epoca, abbiamo costruito tutto da zero, sia letteralmente che musicalmente. Lì potevamo essere completamente noi stessi senza filtri, ed è stato fondamentale per creare qualcosa di onesto e appagante.

Come siete riusciti a integrare i nuovi membri Ally Juleen e Shane Blank?

L’arrivo di nuovi membri ha rappresentato un cambiamento, ma è stato naturale. Ally e Shane avevano già intuito l’energia della band e hanno portato qualcosa di nuovo senza compromettere ciò che avevamo costruito. La chimica è stata immediata, permettendoci di espandere il nostro sound in modi che prima non avremmo immaginato.

Qual è il ricordo più divertente o significativo della creazione dell’album?

Probabilmente quando abbiamo finito la title track All Pleasure. È stata la prima canzone che abbiamo scritto tutti insieme come band, e ha segnato l’inizio di un nuovo capitolo per noi.

Come è evoluta la vostra musica con l’espansione a quattro membri?

Avere più persone significa avere più prospettive, più energia e più profondità. Ora la nostra musica ha una nuova ampiezza—c’è più spazio per esplorare le texture, le dinamiche e sperimentare in modi che prima, come trio, non erano possibili. È stato emozionante vederlo prendere forma.

In che modo il vostro approccio DIY definisce l’identità della band?

Il DIY è tutto per noi. Abbiamo sempre costruito il nostro mondo, che si trattasse di creare il nostro merch, registrare nel nostro spazio o organizzare i nostri concerti. Ci mantiene radicati e assicura che tutto ciò che pubblichiamo sia autenticamente nostro, senza compromessi.

Quanto è importante per voi usare la vostra piattaforma per sostenere i diritti LGBTQ+ nella sfera politica?

Essere artisti queer visibili è già un atto politico, che lo vogliamo o no. Sappiamo quanto sia importante vedere qualcuno come te sul palco, sentire la tua esperienza riflessa nella musica.

Se la nostra piattaforma può amplificare queste voci e creare spazi per altre persone, allora lo consideriamo una responsabilità importante.

Come navigate l’intersezione tra espressione artistica e attivismo politico nella vostra musica?

Per noi, le due cose sono inseparabili. Esistere in modo autentico come persone queer è già una forma di resistenza. Ma vogliamo anche mettere al centro la gioia, perché l’esistenza queer non riguarda solo la lotta—è celebrazione, comunità, amore.

Che messaggio vorreste dare ai giovani artisti queer che cercano di emergere in un contesto simile al vostro?

Non aspettate il permesso. Non avete bisogno della validazione di un’industria che non è stata costruita per voi. Trovate le vostre persone, create i vostri spazi e fate arte che sia autentica per voi. Il pubblico giusto vi troverà.

Come vedete l’interconnessione tra gioia e resistenza come individui queer e musicisti?

La gioia è resistenza. In un mondo che cerca di farti sentire piccolo o sbagliato, scegliere di essere felice, di prosperare, di ballare, amare e creare—questo è rivoluzionario. Non si tratta solo di sopravvivere, ma di vivere pienamente.

THUS LOVE Live:

14 Marzo 2025 – Milano, Arci Bellezza
15 Marzo 2025 – Bologna, Covo Club

L'articolo THUS LOVE: La gioia come atto di ribellione. proviene da Toh! Magazine.

Francesca Siano, in arte Francamente, mentre si gode il sole di Palermo insieme alla sua fidanzata, ci parla della sua carriera, che affonda le radici in esperienze come la vittoria di Sannolo ’24 e la partecipazione a X Factor. Scopriamo come musica, attivismo e ricerca di identità si intreccino nel suo percorso, tra passato e presente. Nella sua musica, l’artista esplora nuove sonorità e affronta i temi della queerness e dell’empowerment femminile, senza mai sottrarsi al confronto.

Ciao Franca, come stai?

Bene, sono a Palermo al sole!

Cosa fai in Sicilia?

La mia fidanzata è di Palermo, quindi sto un po’ qui!

Quindi hai lasciato Berlino!

Eh sì, ho ritrovato il sole, infatti la mia pelle mi dice: ma cos’è questa sensazione?! Ahahah!

Prima di X Factor c’è stata la tua vittoria a una manifestazione milanese che sta crescendo sempre più, che è Sannolo, nello specifico l’edizione del 2024!

Esattamente! Sannolo è stato il punto di partenza di molte cose.

Credi che Sannolo ti abbia dato la spinta per partecipare a X Factor?

Totalmente! Sono due cose per me molto legate. Innanzitutto, è stato il modo per tornare in Italia in modo diverso, dal 2021 vivevo a Berlino. Ho sempre scritto in italiano, contaminata dalla musica elettronica, ho fatto tantissimo busking a Berlino, perché adoro suonare per strada.

Fu un’altra artista, Rossana De Pace del collettivo di cantautrici di cui faccio parte anche io, a parlarmi di Sannolo, e a convincermi a partecipare, anche se io pensavo: “Adesso questi si vedono arrivare una candidatura da questa disgraziata che scrive da Berlino e non mi considereranno mai…” E invece è andata bene!

A Sannolo ho trovato un clima bellissimo, al di là della competenza c’è la passione nel fare quello che fanno. La cosa che più mi stupì fu l’alto livello di professionalità a fronte di un’iscrizione gratuita, a differenza di molti contest, e a me questa cosa stupì tantissimo.

Penso che X Factor non sia nient’altro che un Sannolo di proporzioni più grandi; averci partecipato mi ha fatto capire come funzionano determinati meccanismi, hai dei tempi da rispettare, non si può sforare, lo stesso avviene in tv ma con proporzioni diverse.

E poi molte delle persone con cui collaboro adesso le ho conosciute proprio attraverso Sannolo, è stata la mia tappa di ritorno in Italia da cui poi è cominciato tutto.

Qual è stata la tua reazione quando hai scoperto che facevi parte della squadra di Jake La Furia, considerando che siete agli antipodi uno dall’altra?

Ahahahah! È stata una sorpresa, letteralmente! Ricordo che agli home visit, a telecamere spente, gli dissi: “Io ho massima stima per te, sono cresciuta proprio nel momento in cui i Club Dogo spopolavano, che era il periodo delle medie, è chiaro che però ho sempre associato Jake La Furia a un mondo molto distante dal mio.” E lui mi ha risposto: “Ma perché dici questo? Io ti ho scelta per come canti.”

Poi è uscita la mia parte dell’attivismo e credo che in questo lui abbia avuto meno pregiudizi di me. Penso di essere caduta in quello che di solito tendo a combattere. Chiaramente, essendo io un essere umano, mi sono fatta molto ingannare da come si presenta. Poi è stato il primo a dirmi che determinate canzoni dei Club Dogo di 15 anni fa non le cantano più, perché si sono posti la questione del linguaggio e del sessismo.

Jake La Furia è una persona di un’apertura e di una personalità incredibili, è stato un incontro di mondi molto fecondo. Per me X Factor è stato prima di tutto un’esperienza umana.

Hai definito sorelle i tuoi due primi singoli, “Parcadute” e “Fucina”. Continuerai con questo cantautorato elettronico che vira verso gli ’80s e che si può cantare e ballare?

Sono canzoni che danno una direzione, ma poi penso anche che la queerness porti verso un costante atteggiamento di apertura che si riflette anche nella musica. Per cui, di sicuro, sono un preludio e sono la direzione da prendere se penso a quello che sto facendo in fase di produzione.

Ma non escludo che magari possa arrivare un’altra innovazione, una nuova ispirazione. Certo, sarà difficile scansare gli anni ’80, di cui ho una passione, anche per i colori e per il loro mondo che amo.

Quindi stai scrivendo canzoni nuove?

Sì, sto scrivendo, anche perché ho il privilegio di poterlo fare. Mi rendo conto che sono giorni tranquilli e sento tanto il rilascio dopo la contrazione muscolare di X Factor.

Non so quante delle cose che sto scrivendo rimarranno pensieri o si evolveranno in canzoni, è una cosa nuova per me. Non ho mai avuto del tempo nella mia vita in cui poter scrivere e basta, e per questo lo ritengo un privilegio.

Sui tuoi canali social parli molto di attivismo, ti esponi senza paura e parli anche di gender! In Italia di questi tempi… che paura!

Esatto: “Aiuto, arriva il gender!” Che poi sono persone che, se gli chiedi: “Ma sai cos’è?” Ti rispondono: “No!” Allora, come fai ad aver paura di una cosa che non sai cos’è?

Io ho tanta fiducia e vedo un desiderio non solo di cambiamento, ma anche di ascolto della realtà, perché non puoi dire che determinate persone non esistono o che determinati orientamenti sessuali siano meno validi di altri. Ci sono e basta, sarebbe come dire che i capelli biondi sono meglio di quelli marroni!

C’è un desiderio nelle persone di far emergere la realtà in tutte le sue sfumature.

Hai anche un modo molto giusto di rispondere, sempre inattaccabile!

Dopo X Factor, oltre ai follower, sono arrivati anche i nuovi haters e io credo che la questione migliore per risolvere le diatribe sia parlarne e non chiudersi in se stessi per colpa degli insulti, che non sono mai di chi li riceve.

Confrontarmi per me è sempre stata una cosa utile, sia con le persone vicine, ma anche con attivisti che fanno questo di mestiere.

Bisogna imparare a non farsi risucchiare in questo aspirapolvere d’odio e capire che nessuno di noi è costretto a scendere a un confronto con tutte e tutti. Se l’unico obiettivo di un individuo, e lo applico in ogni contesto, è quello di spargere odio senza dialogo, che resti lì dove sta.

Ci sono invece occasioni di persone che mi hanno chiesto cose che andavano al di là della loro comprensione, o semplicemente erano in disaccordo con me, ma lo hanno fatto in modo educato. Ne abbiamo parlato e ci siamo confrontati in modo sano.

Sarebbe tremendamente democristiano se mettessi tutti d’accordo, ma non è di certo questo il mio obiettivo… È giusto che ci sia anche una controparte, ma la mia parte è così ricca di nutrimento che tende a fare ombra sul resto.

Insieme ad altre 3 cantautrici hai formato il collettivo “Canta fino a 10”, me ne parli?

“Canta fino a 10” è nato nel 2021 a Torino, che è la città che ci ha unite, nonostante io all’epoca fossi l’unica torinese. È formato, oltre a me, da altre 4 cantautrici, Anna Castiglia, Rossana De Pace, Cheriach Re e Irene Buselli. Nasce da un’amicizia e da problemi che pensavamo essere singolari, tipo che quando salgo sul palco si dà per scontato che non sia in grado di accordare una chitarra, o fanno commenti sul mio corpo, o capita che mi senta a disagio perché il backstage è tutto maschile.

E invece ci siamo accorte che erano situazioni condivise, addirittura ci siamo rese conto che, nonostante avessimo voci diverse, venivamo tutte paragonate a Carmen Consoli. La verità è che noi cantautrici abbiamo una rappresentazione così piccola che quando fai la cantautrice, in automatico ti paragonano a lei, senza che il tuo timbro ci assomigli minimamente. Che poi, Carmen Consoli è la regina assoluta, è intoccabile.

Quando potremo vederti live?

Siamo in una fase di allestimento. Io ho un grande sogno di non esibirmi da sola, quindi sto facendo un lavoro di ricerca di persone che possano partecipare al progetto e abbracciare un certo tipo di ideali. Ma bisognerà attendere un po’.

Qual è l’ultimo album di cui ti sei innamorata?

Chappel Roan perché mi ha riportata al presente. Io ho l’abitudine di buttarmi nei dischi vecchi, ma ascoltando Pink Pony Club per caso, mi ha fatto innamorare del suo album The Rise and Fall of a Midwest Princess. So che ha tanto spazio, ma spero ne prenda ancora di più.

Francamente Francamente Francamente

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In un’epoca in cui la musica si fa ponte tra culture e generazioni, i Dov’è Liana con i loro vent’anni, emergono come una delle band più interessanti sulla scena musicale contemporanea. Originari della Francia ma artisticamente nati a Palermo questi giovani artisti hanno creato un linguaggio unico che fonde sonorità eterogenee, dal rock all’house, passando per l’italo disco che esplode nel loro album di debutto LOVE 679 (Django Music).

Il loro stile distintivo e l’approccio creativo hanno fatto sì che i loro concerti dal vivo siano diventati sinonimo di allegria e libertà, trasformando ogni esibizione in una vera e propria euforia collettiva.

Siamo certi che i live di Love 679 (senza l’8, poiché in inglese si pronuncia “hate”, come “odio”) si trasformeranno in esperienze sempre più rivoluzionarie e gentili. Li abbiamo intervistati:

La vostra musica unisce generi diversi come house, rock e italo disco. Come sono venute insieme queste influenze nel vostro album di debutto Love 679?

Con questo lavoro abbiamo deciso che volevamo avvicinarci maggiormente alla nostra generazione e invogliarli ad una rivoluzione pacifica dei sentimenti. Non siamo nati come un gruppo dance ma ci sembrava il genere giusto per parlare alla nostra generazione, che vuole ballare e divertirsi e poi abbiamo pescato dalla Francia e dal french touch per creare un suono coinvolgente, dall’Italo Disco e dalla house music, di cui noi tre siamo grandi fan, è il rock del giorno d’oggi, il tipo di musica che maggiormente fa ballare le persone unendole sulla pista.

Avete detto che la vostra musica mira a creare la colonna sonora perfetta per una festa. Ma la vostra è una festa analogica, non sta dietro alla consolle, giusto?

Desideravamo senza dubbio esplorare suoni più analogici. Quando abbiamo iniziato a registrare, utilizzavamo esclusivamente il computer, il che era veloce e divertente, ma per questo album sentivamo l’esigenza di un cambiamento. Eravamo molto orgogliosi del lavoro svolto finora e volevamo trovare la forma ideale per ogni canzone da presentare al pubblico, originariamente i nostri live erano dei dj set cantati, ora sono più live. Abbiamo davvero investito il massimo impegno nell’utilizzo dei suoni analogici, impiegando basso, batteria, chitarra e citar.

In Love 679, toccate temi come l’amore e la libertà. Come si riflettono queste idee nell’attuale clima sociale e politico?

Crediamo che il filo conduttore di tutto sia la canzonette da il titolo all’album, Love 679, che affronta il complesso periodo storico in cui viviamo. Vogliamo mettere in evidenza il tema della speranza, perché siamo convinti che, nonostante le sfide, ci sia sempre una luce in grado di illuminare ogni aspetto della nostra esistenza.

Avete detto che Love 679 riflette una “rivoluzione pacifica” per la vostra generazione. Potete elaborare cosa significa per voi questa rivoluzione?

Volevamo esprimere che, sebbene viviamo tempi difficili e caotici, accadono anche cose straordinarie. La nostra generazione ha realizzato molte grandi imprese di cui siamo profondamente orgogliosi. Desideravamo rendere omaggio a una generazione spesso criticata. Si dice che prima era tutto meglio, ma noi non siamo d’accordo.

La nostra generazione si distingue per la sua consapevolezza verso le questioni ambientali, l’uguaglianza e l’integrazione.

Non riteniamo che le generazioni precedenti siano superiori; ogni generazione ha la sua bellezza, intelligenza e gioia, contribuendo in modo unico e positivo al mondo. Il nostro scopo è comporre una colonna sonora per una rivoluzione pacifica.

Metà del vostro album è in inglese e l’altra metà in italiano. Come decidete quale lingua usare per una canzone?

Il 99% delle volte scriviamo partendo dalla musica. Ascoltiamo insieme le melodie e ci arrivano delle immagini che vogliamo tradurre in parole. Ma siamo molto influenzati dall’ambiente in cui ci troviamo, se siamo in Italia siamo più inclini ad utilizzare l’italiano, in Francia il francese. Continuiamo a scrivere cercando di esprimere le idee che abbiamo in mente e questo è anche il motivo per cui i nostri testi a volte risultano un po’ ingenui e brevi, ma ci piace questo processo creativo. Adottiamo lo stesso approccio anche con l’inglese per esplorare nuove prospettive e sonorità come in “Love 679”, non era scontato che il testo fosse in inglese, è stata la melodia a suggerircelo.

Palermo ha giocato un ruolo importante nel plasmare il vostro suono. Cosa c’è nella città che vi ispira musicalmente?

Eh si, perché tutto è iniziato quattro anni fa, quando abbiamo messo piede a Palermo. È stata un’esperienza semplice, ma estremamente significativa. In questa città, e in Italia in generale, abbiamo scoperto qualcosa di speciale. L’energia delle persone qui è incomparabile, qualcosa che non troviamo nemmeno a Parigi. Siamo rimasti affascinati dal calore e dalla gioia con cui gli abitanti del Sud Italia celebrano la vita e si dedicano alla festa.

Ma perché proprio Palermo?

Perché è la sorella di uno di noi abita lì, qualche anno fa l’abbiamo raggiunta per un matrimonio e ci siamo innamorati di questa città incredibile.

Il nome “Dov’è Liana” ha un significato speciale legato alla ricerca. Cosa state cercando attraverso la vostra musica?

Non bisogna mai smettere di cercare qualcosa, di essere curiosi, Il nome del gruppo rappresenta proprio questa voglia di ricerca.

Avete suonato in vari festival e locali. Qual è il vostro ambiente preferito per esibirvi e perché?

Nei piccoli club italiani dove c’è una partecipazione incredibile, sembra strano ma in Francia non c’è una scena come la vostra

Luogo preferito di Palermo?

La Taverna Azzurra in Vucciria e il  il centro Pyc – Palermo Youth Center uno spazio polivalente molto bello e vivo, dove abbiamo presentato a sorpresa l’album.

Ultimo disco di cui vi siete innamorati:

“Immensità” di Andrea Laszlo De Simone

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Si apre ufficialmente la stagione dei festival estivi: è tempo di MI AMI Festival, che con il 2024 raggiunge la maggiore età e festeggia con una speciale e indimenticabile serata di apertura che si aggiunge al consueto programma di 3 giorni. MI AMI Festival celebra infatti quest’anno diciotto edizioni di Musica Importante a Milano, e l’attesa è sempre più alta.

L’appuntamento con il MI AMI festival è il 24, 25, 26 maggio nella suggestiva location dell’Idroscalo di Milano presso il Circolo Magnolia.  L’opening act di giovedì 23 maggio sarà invece al Carroponte di Sesto San Giovanni e vedrà per la prima volta sul palco del MI AMI  la band che ne ha ispirato il nome, i CCCP – Fedeli alla Linea. Giovanni Lindo Ferretti, Massimo Zamboni, Annarella Giudici e Danilo Fatur daranno il via alla 18ma edizione con un concerto la cui scaletta si preannuncia leggendaria. 

18 edizioni, 4 serate, oltre 100 acts su 5 palchi (Palco Dr. Martens, Palco Champion, Palco Jack Daniel’s, Palco idealista e Spider Arena): sono questi i numeri di un’edizione che vedrà alternarsi i nomi più interessanti della musica italiana oggi, dagli artisti più affermati fino alle vere e proprie scoperte, con anche alcune imperdibili incursioni internazionali.

Nel solco delle ultime edizioni, la line up della domenica del MI AMI sarà arricchita dalla presenza di alcune band internazionali.

Attesissimo il live dei Phoenix, formazione francese di assoluta rilevanza globale che negli ultimi anni ha confermato il proprio legame sempre più stretto con la musica italiana, dall’album “Ti Amo” alle collaborazioni con artisti come Giorgio Poi e Calcutta. Speciali saranno i live delle Cumgirl8, formazione femminile di culto della scena post-punk newyorkese, il sound mediterraneo di Erlend Øye e la Comitiva e quello più  sperimentale del trio inglese Bar Italia.

 
Tra gli headliner ColapesceDimartino, nella prima data estiva del tour Lux Eterna Beach Estate; la prima volta al MI AMI di Tropico, acclamata penna dietro a tanti successi italiani degli ultimi anni;  le sonorità oniriche di Venerus; il cantautorato di Marco Castello;  l’angelo glam della musica italiana Lucio Corsi; l’atmosfera magica tra elettronica e tradizioni arcaiche di Daniela Pes, premiata con la Targa Tengo per la Miglior Opera Prima; le emozioni rock dei Ministri;  il cantautore rapper Willie Peyote; la magia Italo-brasiliana dei Selton; Ditonellapiaga che presenterà live il suo nuovo disco Flash; le sonorità urban di Ele A, Diss Gacha, Centomilacarie, Alda, Tony Boy;  il debutto con live band di Bello Figo; l’elettronica ricercata di okgiorgio;  il musical tutto matto di Auroro Borealo; i Tre Allegri Ragazzi Morti, che suonarono anche al primo MI AMI nel 2005, che nell’anno del loro trentennale si esibiranno per tutte le serate del festival con un live ogni sera diverso dedicato a un decennio della loro carriera; l’imperdibile ritorno dei Sxrrxwland; il primo grande concerto di Coca Puma; un intero palco da ballare curato

con i Thru Collected e Ceri Wax; l’unica data estiva dei freschissimi Tamango; il cantautorato emotivo di Chiello; la prima data del nuovo tour degli Ex Otago. 

E poi ancora il talento pop Laila Al Habash, le suggestioni rap al femminile di Vale LP, il sound nostalgico di Angelica, il rap di Pufuleti, il talento pieno di contaminazioni di Irbis, l’indie dei Giallorenzo, il gusto pop di Giovanni Ti Amo, l’intensità di Lamante, il ritorno di Memento, la psichedelia dei Santamarea, i Tropea sospesi tra i suoni eterei dei loro pezzi e la carnalità dei loro live, le atmosfere elettroniche di Whitemary, l’armoniosa stravaganza di Tony Scorpioni, i sentimenti in punta di chitarra di Anna Castiglia, il collettivo milanese Il Mago Del Gelato, la raffinatezza di Marta Del Grandi, e molti altri per tre giorni (più uno) di musica tutti da vivere e da scoprire. 

Da segnalare un palco interamente dedicato alla musica elettronica e clubbing, la Spider Arena, con una speciale line up co-curata con diversi artisti: il venerdì 24 dal collettivo napoletano Thru Collected, il sabato 25 dal producer Ceri Wax, che dopo aver contribuito a forgiare il suono di Frah Quintale e Mahmood è ora concentrato sul mondo della notte, e infine una calda selezione domenica 26 tutta concentrata sulla disco, sul funk, sul mediterraneo.

COME ARRIVARE AL MI AMI FESTIVAL

Oltre all’auto, è possibile raggiungere il MI AMI Festival con i mezzi pubblici. Quest’anno è disponibile un servizio di navetta gratuita, che farà avanti&indietro tra via Azzurri d’Italia e il Circolo Magnolia.

La navetta parte dal Circolo Magnolia e porta in via Azzurri d’Italia (via Monti Ortigara), a pochi metri dalla fermata del Passante di Porta Vittoria e dalla fermata della linea 90/91, indicativamente ogni venti minuti (quando la navetta è piena).

Il servizio sarà disponibile dalle 00:30 alle 5 (nelle notti di venerdi 24 e sabato 25) e dalle 00:30 alle 2:30 (nella notte di domenica 26).

NB: quest’anno, in virtù della presenza capillare della sostitutiva M4 (vedi sopra) non è previsto servizio di andata.

NB: non è previsto servizio navetta privata per il Carroponte nel giorno del concerto dei CCCP – Fedeli alla linea, 23 maggio 2024.

Ulteriori informazioni disponibili qui: https://www.miamifestival.it/2024/come-arrivare.php). 

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Lo abbiamo intervistato:

Ciao Loren, come stai?

Sto benissimo! Sono entusiasta che tutti possano finalmente sentire queste nuove canzoni.

L’album suona come un abbraccio caloroso, una risata selvaggia, ma può anche essere uno schiaffo in faccia. Perché l’hai intitolato “Glovemaker”?

Grazie mille. “Glovemaker” è diventato una sorta di codice per la mia stessa arte. Un guanto come una copertura o una maschera che segue i contorni della vita sotto di esso. Questo è un album che parla di come studiare e tracciare una vita per poi condividerla.

Hai un abellissima voce soul. Che musica ascoltavi da adolescente?

I miei artisti preferiti crescendo erano Bill Withers, Tracy Chapman, Joan Baez, Cat Stevens e Lauryn Hill.

La prima volta che ho sentito il singolo “Hollywood Blvd”, ho subito pensato a Lana Del Rey. Poi ti ho visto eseguire una sua canzone durante lo spettacolo di Eckhaus Latta. Sei fan?

Amo Lana. “Hope is a dangerous thing for a woman like me to have – but I have it” e “White Dress” sono due delle canzoni più squisitamente scritte che ho sentito da molto tempo.

Mi piace come giochi con la tua estetica. Puoi dirmi qualcosa sulla copertina del singolo “Hollywood Blvd”? È un Red Carpet in Oz?

Volevo che la copertina del singolo mostrasse una fantasia che diventa realtà; quasi in piena trasformazione. Qualcuno che nel bel mezzo del nulla porta in vita un altro mondo. Stavo guardando fotografie e costumi dell’Hollywood degli esordi come riferimento, in particolare quella di Buster Keaton.

Cosa ti attrae nei personaggi che scegli di interpretare?

Non penso a me stesso come ad un interprete di personaggi diversi; è solo un personaggio. Il mio obiettivo è sentirmi sicuro, bello e libero con qualsiasi look.

È vero che una volta un direttore creativo musicale ti ha detto: “Se ti chiedono se sei gay, semplicemente di che non lo sei – non rispondere”? Gli hai mandato la tua “I’m A Slut”?

È totalmente vero! Non lo lusingherei mandandogli nulla direttamente. Mi segue online, quindi so che sta guardando.

Mi piace come incorpori l’ironia mentre parli la verità nei tuoi testi penso a frasi come : “It’s my birthday and I wanna get fucked in the worst way”. Cosa puoi dirmi al riguardo?

Oh, cerco solo di scrivere canzoni come parlo e racconto storie, essendo sincero, scherzoso, carino, disperato, urgente – qualunque cosa sia necessaria per fare il punto!

Ti piace giocare con i vestiti, chi sono le tue icone della moda?

Ho sempre, sempre amato giocare con i vestiti. Amo i costumi, i tessuti e le parrucche. Tutto. Ci sono troppi icone della moda da nominare o anche da ricordare, ma alcuni di loro sono The Cockettes, Charlie Chaplin e Jimmy Webb, che era il manager al Trash & Vaudeville di New York.

Hai una formazione in moda e hai lavorato per Zac Posen. Ho letto che hai una vasta collezione di magliette che va da Westwood a Stephen Sprouse, e di recente hai sfilato e suonato per Eckhaus Latta a NY. Com’è il tuo rapporto con la moda oggi?

Il mio rapporto con la moda è che la guardo sempre e sono sempre pronto ad amarla

Dove ti piace andare a ballare?

Da solo a casa mia è il meglio

L’ultimo disco di cui ti sei innamorato?

L’album di Joanna Sternberg “I’ve Got Me”, è perfetto.

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In un miscuglio di ironia, sincerità e ritmi pop, Claydym si rivela come un’autrice e interprete in grado di cogliere l’essenza delle esperienze quotidiane e trasformarle in canzoni che risuonano autentiche e coinvolgenti.

L’avevamo già incontrata con il suo primo EP UN-POPULAR, ma con il suo primo album Incidenti di Percorso, la giovane artista milanese si apre al pubblico con una serie di brani che mescolano racconti personali, narrazioni tragicomiche e melodie orecchiabili.

In questa chiacchiera che ci siamo fatti a ridosso dello shooting, Claydym ci porta dietro le quinte della sua musica, raccontandoci il processo creativo, le influenze e le sfide incontrate lungo il cammino.

Tra riflessioni sulla scrittura dei testi, la produzione del disco e l’impatto della sua presenza sui social media, Claudym si svela come un’artista che affronta il mondo con ironia e determinazione, senza mai perdere di vista la propria autenticità.

*a due mesi di distanza dall’uscita del disco Claudym pubblica un nuovo singolo che s’intitola “Complici”. non ci siamo fatti sfuggire l’occasione di farle alcune domande ampliando l’intervista, le trovate qui sotto:

*Come è nato questo nuovo “Incidente di Percorso”?

É in realtà uno dei primissimi brani del disco, nato due anni fa. In quel periodo ero presa tra i live estivi e quando sono tornata in studio (era agosto) ho sentito il bisogno di spezzare un po’ le catene dall’ep, che era uscito da poco, e di scrivere qualcosa giusto per gioco.

Diciamo che é tutto partito da un vocale che ha influenzato il sound che a sua volta ha influenzato la scrittura. Non ero infatti del tutto convinta di questa contaminazione un po’ country, ho custodito il pezzo per un po’ fino a risentirlo solo di recente, con la chiusura del disco e riconoscermici un sacco.

Complici è una Bonnie & Clyde 2.0 in salsa spaghetti western, contraddistinta dal tuo humor inconfondibile, cosa l’ha ispirata?

Non lo so di preciso, come dicevo prima credo il sound. Il fatto che fosse più distante da quello che facevo solitamente e che avesse questa vena appunto un po’ spaghetti western, mi ha permesso di staccarmi dal mio racconto e immaginare una storia a parte.

Che poi mi sono resa conto dopo essere comunque nata dal mio vissuto ahaha. Però é stata in effetti la prima volta che giocavo così col testo, parlando di qualcun altro, e questa cosa me la sono portata dietro in altri brani del disco. Alla fine Complici è stata un po’ un’apripista in questo senso.

Com’è stato lavorare con OkGiorgio alla produzione ora che è nel suo momento meritatamente hype?

Complici é nata appunto due annetti fa, in un momento in cui Giorgio non era in hype ma sapevo che aveva tutte le carte in regola per farcela. Ho sempre creduto in lui a prescindere dagli ascolti e da quanto il nome fosse chiacchierato, così come faccio sempre. Mi fido forse più degli artisti non in hype che il contrario ahaha.

Ricordo che questo brano é nato proprio da un vocale che avevo fatto a caso. Gliene stavo facendo ascoltare un po’ e su questo si era illuminato. Gli faccio “ma davvero?” ahahah e da lì ci siamo influenzati a vicenda nella scrittura e produzione: nella prima session c’era solo la linea vocale del drop e più strumentale. Su quella ho scritto e poi gliel’ho riportata con una mezza bozza di prod della seconda strofa. Poi insieme abbiamo lavorato all’intro e altre parti.

In genere sui pezzi sono più “controllante” perché ho un’idea più precisa di struttura, prod ecc. Questo é uno di quelli in cui però ci siamo guidati a vicenda scoprendo man mano cosa sarebbe uscito.

Finalmente è uscito il tuo primo disco “Incidenti di Percorso”, come la vivi?

Al momento mi sento un po’ in un frullatore! (ride, ndr). Però sono davvero orgogliosa di questo disco e felice del fatto che finalmente lo possano sentire tutti. É stato un lavoro lungo, di maturazione e mi piacerebbe riuscisse a far sentire un po’ di più la mia voce. Ma i feedback di questi giorni sono positivi e ne sono contenta.

Un album frutto di un lungo lavoro. Come ti trovi come artista esordiente nel calderone della musica italiana?

Penso che soprattutto in questo periodo si faccia una fatica immensa. É scoraggiante perché a volte sembra non ci sia proprio spazio. Servirebbe un po’ di fiducia in più verso i progetti nuovi. Però sono felice di avere avuto la libertà di fare la musica che volevo io, non é scontato.

I tuoi testi sono ancora un mix tra esperienze personali, amici e di fantasia, perché mi sembrano più personali rispetto ad Un-Popular, sbaglio?

É molto interessante questa cosa perché pensavo di aver avuto una scrittura più personale in Un-Popular e più narrativa in questo album.

Probabilmente pur essendo passata (rispetto all’ep) a racconti di situazioni o storie altrui, il mio approccio alla scrittura é diventato più aperto e quindi chiaro in questi anni, permettendomi di far uscire meglio la mia personalità anche quando non parlo di me, e questo mi fa molto piacere.

Ti piace sempre scherzare sulle sfighe della vita, quelle legate al quotidiano, dalla gomma da masticare attaccata sotto alla scarpa ad un bubble tea rovesciato, queste allegorie pop nascondono messaggi più seri?

Ci sono sicuramente dei brani più leggeri, come “Cose che si dicono” per esempio, ma quasi tutti nascondono un “amaro in bocca”, un racconto più profondo rispetto a quello che si pensa.

L’ironia é proprio un modo che ho tutti i giorni per comunicare ed é quindi uscita naturalmente nei testi delle canzoni, filtrando un po’ il contenuto.

Penso ci siano vari layer nei brani del disco, che passano, come dicevi tu, da quello visivo più pop e rassicurante (con le allegorie funny) fino ad arrivare ad una parte più profonda in cui capisci che la maggior parte dei testi parlano di una persona che é in continua lotta con sé stessa.

Sento un approccio più maturo sia nella musica che nella vocalità e anche nei testi, direi che c’è meno caos. È stata una scelta voluta?

Credo sia stato il risultato di una necessità più che di una volontà. Penso per esempio che questo disco suoni anche più pop, ma semplicemente perché é più chiaro.

Maturando, scrivendo, riascoltando, ho visualizzato degli errori che facevo e li ho corretti. Non perché volessi essere più efficace in termini di numeri, ma perché volevo essere più comprensibile.

Ho dato tantissima attenzione alla scrittura perché non mi sentivo abbastanza come cantautrice e questa insicurezza credo mi abbia fatta migliorare tanto. Ho capito, crescendo in questi anni con la musica, cosa fosse necessario e cosa no. 

Succede ancora che ti chiedano se scrivi veramente tu i tuoi testi perché sei donna?

É da un po’ che non mi succede in realtà (ride, ndr). Forse ci si sta abituando a questa cosa? Negli ultimi mesi, anzi, ho trovato tantissime persone attente e partecipi, che sottolineavano il mio ruolo nelle canzoni che ascoltavano. 

Sei molto esposta sui social, a volte sembri scazzata, altre super energica, altre sbadata. Mi chiedo qual è, se c’è, differenza tra ClaUdym e Claudia.

Nessuna, anzi a volte non mi rendo conto del contesto in cui mi trovo e rischio di sparare delle robe che forse dovrebbe dire solo Claudia!

Claudym é la parte di me che si mette più in gioco perché generalmente nella quotidianità non vivo situazioni molto adrenaliniche.

Però quando capitano a Claudia (che, per abitudine é più composta e tranquilla) le affronta allo stesso modo. Non c’é un alter-ego, sono esattamente così. Mi piace essere un po’ l’antieroe, la pop star che non é star per niente.

Ascoltando l’album e le sue derive anni ’90 è come se avessi assorbito tutte l’energia di quel periodo in cui eri una teenager e l’hai fatta defluire attraverso la Claydum di oggi con un risultato che suona nostalgico ma moderno, è così?

Assolutamente. La musica dei Novanta / Duemila é quella che mi ha formata sia umanamente che musicalmente. Sono i miei riferimenti, stampati in modo indelebile dentro di me perché legati anche ai ricordi d’infanzia: non c’é niente di più potente.

Non é un caso che, in un periodo in cui non c’é grande varietà nella musica, le novità che ho ascoltato in questi anni erano gli artisti che riportavano gli anni ’90 nei giorni nostri.

Renforshort, Upsahl, Willow Kayne, Master Peace, e via dicendo. Mi sono ritrovata in questa corrente. Già in Un-Popular c’erano delle influenze dei ’90, ma in Incidenti Di Percorso si sono definite di più.

Con chi hai lavorato alla produzione del disco? Ci sono dei pezzi bomba da questo punto di vista, penso a come ti travolge “Trigger” che sfiora la gabber, o “Blahx4” che mi riporta un po’ al mondo dei primi No Doubt.

Il disco é stato prodotto per metà da okgiorgio e per metà da Marcello Guava. Nonostante ciò penso ci sia un sacco di coerenza e sintonia tra i vari brani. Quando mi fido professionalmente di una persona mi piace mantenere quel team, per questo non ci sono tanti nomi coinvolti in questo album.

Le canzoni sono state quasi tutte scritte da me e poi prodotte in studio con Giorgio o Marcello, ad eccezione di tre brani in cui ho collaborato con Wako, Celo, Itto piuttosto che Palmitessa.

Con Wako in particolare si é stretto un bel legame ed é stato umanamente di supporto su un po’ di pezzi del disco, facendoci compagnia in studio quando ci stavamo lavorando.

Che ascolti hai fatto mentre registravi il disco? 

Un po’ di quelli citati prima (Renforshort, Upsahl, Master Peace, Willow Kayne) più tanti dell’epoca ’90-2000, come le All Saints, i Blur, Prodigy, Gorillaz, e via dicendo.

Sui social hai sempre un sacco di idee divertenti. Dal cartonato di Danny De Vito, a tu che ti fai doppiare da tua nonna, alla vita dei tuoi cari topini… si vede che hai un background creativo. Pensi ti sia stato utile nel tuo lavoro di cantante che fa parte di un meccanismo così esigente? Perchè si da per scontato che per fare una storia ci vogliono 15 secondi ma in realtà può diventare stressantissimo farne una. Cosa ne pensi?

A volte sono un po’ in difficoltà. In generale mi diverte sempre fare contenuti creativi perché ho vari stimoli e quindi diventano semplicemente delle valvole di sfogo aggiuntive, altre vie di comunicazione.

Questa mia indole coincide bene con la necessità di farlo, però é molto stancante.

Adesso a un artista si richiede tutto un mischione di cose che rischiano di distogliere dal focus centrale.

Oltre al fatto che assorbono davvero tante energie. I social infatti li trovo un po’ meno invitanti rispetto a tempo fa.

Non mi diverto più a postare quello che sto facendo nelle storie, per esempio. Me lo vivo e basta. Anzi, soprattutto non lo faccio quando sono in compagnia. Instagram e TikTok sono diventati più una sorta di portfolio per me.

Mi dispiace un po’ però quando la serietà di un artista viene sminuita da quanto é attivo sui social, non pensando al fatto che nel 2024, soprattutto per un emergente, é una modalità meno controllata (anche se comunque dipendente da logiche algoritmiche) di far arrivare il proprio lavoro a più persone.

“Uomini Alfa” è una canzone che attacca il patriarcato ma con strafottenza, direi che è una girl power che l’ha scritta. Quanti uomini alfa hai incontrato nella tua vita?

Abbastanza, e nel contesto studio potrebbe essere una continua sfida interfacciarsi con nuove persone.

A volte non veniamo prese sul serio: sottili atteggiamenti di mansplaining, esperienze comuni a tutte e stancanti.

Però sono fortunatamente stati incontri sporadici e non particolarmente significativi. Non vorrei essere fraintesa, ognuna di queste esperienze ha lasciato una traccia, ma si parla di sconosciuti o persone con cui non ho mai più dovuto avere a che fare direttamente.

Gli uomini che mi sono vicini sono sempre stati empatici: un safe place che a volte rende più scioccante mettere la testa fuori e scoprire che c’é ancora chi si atteggia diversamente.

Quanto è importante per te raccontare le tue esperienze ma in un modo che definirei tragicomico, come se mettessi in piazza le tue sfighe quotidiane ridendoci sopra; fa parte della tua cifra stilistica?

Più o meno, però farlo é fondamentale per me per sopravvivere. Sono una persona molto ironica e lo sono soprattutto nel comunicare la mie fragilità e i miei problemi agli altri.

É un modo per esorcizzarli e prenderne il controllo, ma anche per cercare di farsi una risata. Però in realtà prendo tutto in modo mega drammatico! Forse é per questo che cerco di alleggerire.

Vivo ogni ostacolo come una fatica enorme. Sono… un po’ pesante! (ride, ndr)

Il pop ultimamente si prende molto sul serio, a me manca un po’ di spensieratezza o anche di scazzo e tu ce lo hai riportato! È una scelta intenzionale?

Sì e no. Come dicevo prima é un lato di me che é uscito naturalmente perché fa parte della mia quotidiana comunicazione e del mio modo di essere. Però, se dovessi analizzarmi, é una cosa che non andrei a togliere, un po’ una mia cifra stilistica che mi piace.

Quindi se mai dovessi perdermi o sentirmi dire di fare altro, me lo voglio ricordare. Ho vissuto io stessa il peso di questo prendersi sul serio e della distanza col pubblico messa dai miei artisti preferiti.

Non mi piace e non mi faceva sentire adatta a provare a fare anch’io musica, perché diversa da quella cosa lì. Io voglio essere normale.

É un periodo in cui in Italia ci sono tantissime artiste donne, alcune riescono ad emergere altre restano in un sottosuolo che va scoperto e una volta fatto è meraviglioso, c’è solidarietà tra di voi?

É molto difficile rispondere senza cadere nella generalizzazione, però di base direi che quello della musica é in partenza un club, con tanti alla ricerca di una salvezza, un modo per esserci o rimanere, e di conseguenza se non rispetti certi requisiti difficilmente vieni calcolato.

Fatta questa premessa, é oggettivo che l’industria musicale porti ad una maggiore competizione tra le artiste femminili, perché siamo meno e perché vittime di un divieto di ogni genere di sovrapposizione, (look simili, colore di capelli uguale, o capelli colorati in generale, e tante altre cose sono già abbastanza per definire un’artista la copia di un’altra, mentre a livello maschile questa cosa non succede).

Diventa quindi un po’ una gara a chi ci riesce prima. Uscire da queste dinamiche e capire che lo spazio dato ad un’altra persona non lo leva a te (ma questo in generale) é difficile, ma é una cosa che ho cercato e che cerco sempre di fare perché ho capito che supportare mi fa sentire bene.

Non posso dire, sinceramente, di sentirmi parte di un gruppo, ma non posso nemmeno dire che sia sempre una questione di mancanza di solidarietà. Forse la motivazione é semplicemente relazionale.

Per carità, ho delle amicizie e artiste con cui ci sosteniamo, sto facendo una generalizzazione. Però se si vuole far credere che a prescindere ci sia una squadra e tanta empatia, questo secondo me purtroppo non é ancora arrivato.

Com’è stato aprire le date al Forum di Assago dei Pinguini Tattici Nucleari? Ti è servito a farti conoscere un po’ di più? Io penso che in Italia dovrebbe esserci più spazio ai giovani artisti in apertura dei concerti dei big come succede all’estero

Sì, sarebbe bello e sono molto grata ai Pinguini per avermi dato questa possibilità, assolutamente non scontata, soprattutto considerando la responsabilità di aprire un concerto in un palazzetto per un’artista con pochissimi live alle spalle, quasi zero. É stata un’emozione incredibile e bello vedere sostegno ed entusiasmo da un pubblico non tuo.

Ci sono per fortuna quelli così felici di sostenere il loro artista/la loro band, che tutto ciò che poi é legato a loro lo accolgono a prescindere nella propria famiglia. Mi sono sentita così e alcune persone sono rimaste.

Questa tua predilizione per un look street da maschiaccio da dove arriva?

Già da quando ero piccola, ma in modo variabile. Io dico sempre che ho un sacco di contrasti, é come se fossi divisa in due persone, così come penso che esca in Claudym e nelle mie canzoni. Quindi ricordo una me con un look mega maschiaccio e una me con gonnellina e fiocchetti.

Ho avuto i capelli corti per tanti anni e mi piacevano, salopette e scarpe da ginnastica. La mia Spice preferita era Mel C (ma anche Mel B) ed é scontato dire che amavo Pink, Gwen Stefani, Natalie Imbruglia.

Negli anni dello sviluppo ho vissuto molto male il mio corpo. Ricordo che nel periodo delle medie facevo il bagno con i pantaloncini da uomo, lunghi fino al polpaccio, e la muta sopra. Mi piaceva tantissimo.

Poi ho dei ricordi e fotografie di me, appunto, tutta composta, con la gonna, la camicetta… grandi contrasti, mi sa che mi piaceva già molto giocare con la mia estetica.

Ma in generale le donne con i look street le ho sempre trovate mega stilose e guardate con ammirazione, volevo essere come loro. A questo si aggiunge un disagio nello scoprirmi che, nonostante gli anni passati, non se n’é andato del tutto.

Come sarà il nuovo live di Claudym?

Molto divertente e coinvolgente. Abbiamo preparato un piccolo show, nelle nostre possibilità, ma ben strutturato e con un bel dialogo con il pubblico. Non vedo l’ora di portarlo sui vari palchi.

Ultima domanda di rito: qual è l’ultimo album di cui ti sei innamorata?

“How to make a master peace” di Master Peace. Album recentissimo, che spacca!

Production & words: Marco Cresci

Fotografo Alessandro Esposito
Stylist Alex Vaccani
Grooming Sara Vescia
Stylist Assistant Alessandro Marzo
Photographer Assistant Luca Trelancia

Thanks to: Circus Management, Island Records, GDG PR

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Per chi non conoscesse i Gossip, la band è stata fondata nel 1999 nella città di Olympia, Washington, da Beth Ditto (voce), Brace Paine (chitarra) e Hannah Blilie (batteria). Con il loro mix esplosivo di punk rock, indie e dance-punk, hanno rapidamente catturato l’attenzione del pubblico e della critica, diventando uno dei gruppi più iconici degli anni 2000.

Dopo una pausa di qualche anno dedicata ai progetti solisti e alle esplorazioni artistiche personali, i membri della band hanno deciso di riunirsi per creare qualcosa di veramente speciale. Il risultato è “Real Power”, un album che riflette l’energia travolgente e la passione senza limiti che hanno sempre caratterizzato i Gossip.

L’album dei Gossip si apre con “Act of God”, una delizia space-age soul in cui i cori stregati e le tastiere tormentate accompagnano lo strazio di Beth Ditto, fresca di divorzio da sua moglie Kristin Ogata.

Seguendo questo inizio esplosivo, “Real Power” continua a esplorare una varietà di temi, dall’amore e dalla perdita alla politica e all’identità personale. I brani iniziali catturano l’essenza della ribellione e della determinazione, mentre altri offrono momenti di intimità e vulnerabilità.

Ciò che rende “Real Power” così straordinario è la sua capacità di mescolare suoni e stili in modi sorprendenti e innovativi. I Gossip dimostrano una volta di più la loro versatilità, spaziando dal punk furioso al pop irresistibile senza mai perdere la loro identità unica.

Ma è la voce di Beth Ditto a dominare veramente l’album, trascinando l’ascoltatore in un viaggio emozionante attraverso ogni traccia. Con la sua gamma vocale impressionante e la sua presenza magnetica, Beth si conferma come una delle voci più potenti e carismatiche della musica contemporanea.

“Real Power” è un album che non solo soddisferà i fan di lunga data dei Gossip, ma che attirerà anche nuovi ascoltatori con la sua freschezza e la sua audacia. È un promemoria del potere della musica di connettere, ispirare e muovere le masse.

In un’epoca in cui il mondo ha più che mai bisogno di unione e di speranza, i Gossip si ergono come un faro di luce e di energia positiva. Con “Real Power”, la band si conferma come una forza da non sottovalutare nella scena musicale contemporanea.

I Gossip suoneranno a Milano il 23 giugno al Magnolia Summer 2024. Per comprare i biglietti clicca qui

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Svegliaginevra è il nome d’arte di Ginevra Scognamiglio, cantautrice campana di Benevento è una della voci pià interessanti della scena dell’indie italiana. La sua carriera è cominciata a Melbourne, in Australia, dove cantava in inglese, passata poi per il Festival di Sanremo, nella categoria Giovani, con il brano Punto nel 2020.

Da allora si è ritagliata il suo posto nella scena con tre album: Le tasche bucate di felicità, Pensieri sparsi sulla tangenziale e il recente Nessun Dramma (Columbia), uscito lo scorso 24 novembre, anticipato dal singolo Gelatai, scritto insieme al frontman dei Pinguini Tattici Nucleari Riccardo Zanotti e da “American Wedding” feat. con l’artista finlandese Goldielocks.

Nessun Dramma evidenzia la maturità emotiva dell’artista che, con consapevolezza, fa tesoro delle esperienze negative vissute e le esorcizza nei suoi brani con il suo stile intimo e raffinato. L’abbiamo intervistata:

Ciao, come stai?

Ciao! Prima di iniziare volevo dirti che sono molto contenta di fare questa intervista con te.

Oh Grazie! Anche noi siamo felici di poterti dare lo spazio che ti meriti. Sei a Milano?

Eh si, sono a Milano da tre anni. Non so quando scapperò da qui ma per ora sono a Milano.

Ti sei stancata?

No è proprio l’attitudine che ha Milano di correre sempre, poi sono in un periodo in cui devo correre pure io, aggiungici il clima sempre con sto cielo grigio, io sono una molto tranquilla, mare, pizza, mandolino e quindi qui a volte tutto si perde.

Ti capisco bene, il mio fidanzato è palermitano puoi immaginare..

Woooow lui pensa sempre all’arancina

AHAHAHAHAH! Esatto!! 

Torniamo seri: si dice sempre che il secondo album è sempre quello più difficile, quindi ti chiedo com è il terzo?

Rispetto agli altri due posso dire che questo è stato molto intenso, tanto da pensare che sono due dischi in uno. Sono molto contenta del risultato perchè ho percepito lo switch anche dal punto di vista della scrittura dove magari ho proprio fatto uno studio di artisti, libri, opere che mi facessero avvicinare ancor di più alle persone. 

Il primo disco è quello dell’identità, non sai dove andrà, cosa succederà, parlava dei miei problemi e amen. Il secondo ho giocato, sperimentato, ma il terzo è quello per cui penso di fare sto lavoro.

Con questo terzo disco ti sei aperta anche al pop, confermi?

Si, per me l’aggettivo pop non è per niente dispregiativo anche perchè, inutile dirlo, ma sono cresciuta con Britney Spears alla fine dei ’90 e dei 2000. 

Parlando del disco: Nessun Dramma può essere un invito a prendere la vita con più leggerezza?

Si, è quello che vorrei fare anch’io! Tanti mi chiedono: “ah ma quindi tu hai capito come si fa?”. No, non ho capito nulla!

Però si, vuole proprio essere un invito alla leggerezza e alla voglia di capire dove stiamo andando, a chi dobbiamo credere? Le informazioni sono offuscate, non c’è chiarezza. Sono consapevole che è più facile a dirsi che a farsi, ma il mio disco vuole provare a farci sentire più leggeri.

Il tuo disco è un po’ un concept album, era così già dall’inizio o lo è diventato?

Lo è diventato. Sicuramente ho iniziato a scrivere questo disco con in testa uno scopo diverso, ovvero quello di prendermi le mie responsabilità e prendere dunque una posizione.

Poi però cercando un fil rouge, mi sono resa conto che tutte le canzoni erano accomunate dalla voglia di lasciare un messaggio, che può essere incentrato sul noi e sul nostro modo di amare, alla psicologia delle reazioni che abbiamo di fronte alle emozioni.

Io sono super fan dei modi in cui le persone reagiscono alle emozioni, lo faccio anche con i miei amici. Io sono brava con gli altri, ma per i miei problemi devo trovare ancora quello bravo.

Mi piace molto la cover dI Nessun Dramma e il look che indossi, volevo chiederti se fosse ispirato a Patty Smith.

Assolutamente si, è ispirato alla sua libertà di espressione.

Io mi sono stufata di sta storia che la donna deve sempre apparire in un certo modo, ci dobbiamo vestire in un certo modo, dobbiamo accavallare la gambe. Mi sono rotta dello stereotipo.

Spero che questo sia arrivato con la cover del disco!

A proposito di altri artisti: in “Non mi piace” canti che Lucio Dalla ti fa ragionare sempre, ci sono altri cantanti che ti aiutano con le loro canzoni a prendere determinate scelte o che semplicemente ti fanno star bene quando sei giù?

Si, in generale tutta la musica mi ha sempre aiutato, l’ho sempre vista come una terapia. Poi nello specifico il cantautorato italiano da Bersani a Silvestri insieme a personaggi come Tori Amos. 

La canzone di Lucio Dalla a cui mi riferisco è “Come è profondo il mare”.

Beh è lodevole quello che hai fatto anche perchè detta la strada del disco, fa capire dove stai andando.

Grazie, infatti sono molto contenta. Per me è molto importante che questo si capisca, poi io sono una un po’ old school ci tenevo ad avere il libricino con i testi, perché in parte ti faccio vedere un po’ della mia personalità.

Per questo ho deciso che il disco si dovesse aprire con delle parole che facessero capire, a chi lo ascolta per la prima volta, che dentro non ci sono solo canzoni ma anche qualcosa che viene da dentro, un po’ come parlare con i tuoi amici a cui ti apri e racconti tutto.

Quindi “Nessun Dramma” è un disco personale ma anche fragile?

Si, mi sono proprio messa a nudo anche perchè ispirandomi ad altri grandi artisti, è ovvio che io non mi sto paragonando a loro perchè non sono una grande artista, ho capito che la chiave di tutto è spogliarsi completamente da ogni qualsivoglia forma di armatura e/o debolezze.

Quando scrivi le canzoni tendi ad isolarti o ascolti qualcuno o qualcosa in particolare?

No no, quando registro devo proprio essere concentrata, però ci sono dei dischi che mi hanno sempre influenzato tipo Lana del Rey, Bon Iver ma anche la Swift o Gaga. Ho cercato di unire cose serie e cose più pop perchè è importante che si sappia come la penso.

Mi dici come ti è venuta in mente il paragone tra un gelato e un addio?

Oh questa è bella, è una cosa che racconto sempre con piacere. Eravamo in studio io, Riccardo Zanotti e Giorgio Presenti (produttore che ha lavorato al pezzo) e durante la stesura mancava il focus del messaggio che era: ci siamo voluti bene, cerchiamo di ricordarci solo le cose belle e traiamo insegnamenti da questa storia.

Dunque il ritornello doveva essere più o meno così, poi ci siamo messi a fare una lista di flashback o ricordi e mancava una frase per chiudere il pezzo, volevamo qualcosa che avvicinasse tutti e che tutti almeno una volta si chiedono tipo.. Cosa fanno i gelatai d’inverno? 

Ghiaccio invece parla di relazioni che oggi durano il tempo di una stories di Instagram…

Ma secondo me durano anche meno di una stories, ad ogni modo con Ghiaccio volevo aprire gli occhi su questa superficialità che viviamo.

Mi ricordo che piangevo quando mia nonna mi raccontava che quando mio nonno era militare si scrivevano le lettere, oggi invece dopo due settimane ti ghostano, ti bloccano.

Questa cosa mi ha portato a scrivere una canzone che spero serva alle nuove generazioni per ridimensionare un attimo la cosa, perché secondo me sappiamo tutto tranne come funzionano le cose fondamentali della vita, come l’amore, le relazioni, le amicizie e i valori che ci fanno diventare persone. Sarà che tutto va veloce, però ci stiamo perdendo tutto. 

Come è nata la collaborazione con l’artista finlandese Goldylocks?

Lei l’adoro, dal vivo poi è ancora più brava e bella. Se ti capita di vederla mi dirai!

Comunque è successo che c’è stata una collaborazione tra Sony Finlandia e Sony Italia e quindi è arrivato sto pezzo di Ella, che quando l’ho sentito ho pensato fosse già una canzone famosa e quindi mi hanno detto… aggiungi le tue strofe e sforniamo sto power duo.

Che relazione hai con i tuoi fan? Al terzo disco puoi dire di avere una fan base?

La mia cerchia di fan è ridotta ma è fedelissima, pensa che quando è uscito il disco ho scritto personalmente a loro chiedendogli dei feedback. Li sento come fossero amici, li adoro.

Che feedback ti hanno dato?

Finora tutti positivi, non sono famosa come Emma che ha gli haters. 

Qual è l’ultimo disco di cui ti sei innamorata?

Ah facile, “Lux Eterna Beach” l’ultimo di Colapesce e Di Martino, un disco stupendo poiché hanno trovato una loro completezza, una potenza data dal Balance della scrittura. In Italia non è facile esporsi come fanno loro. Bravi.

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“Jonny” è uno dei dischi che aspettavamo di più nel 2023, vuoi perchè il cantante, Jonny Pierce, è un grande amico di Toh! Magazine e anche perchè l’ex The Drums nel nuovo album va oltre, raccontando la sofferenza e la solitudine di chi è cresciuto in una comunità religiosa con un padre Pastore, e ne ha vissuto la violenza.

Per noi “Jonny” è un disco introspettivo, forse il più personale di Pierce dal suo esordio, e tra riverberi e drum machine ci racconta che anche una bestia come la solitudine può far trovare la giusta via per sopravvivere, insegnando a superare i traumi subiti.

Musica.
L’Intervista

The Drums

Chi legge Toh! Magazine sa bene che scoprire nuovi artisti è da sempre una delle nostre mission, per questo 2023 di scoperte ne abbiamo fatte ma Rareş è quella che ci ha colpito di più.

“Femmina” è un disco pazzo nel senso buono del termine, di quelli che ti fanno esclamare: “Weird is cool!”. Sperimenta con i synth, decostruisce la forma canzone, mescola elettronica, pop, punk e hyper-pop , giocando a storpiarsi la voce in mille modi con testi apparentemente criptici ma profondamente personali.

Insomma, Rareş ha creato qualcosa di nuovo e inaspettato in Italia. Dategli una chance.

Musica Italiana.

Rareş

Con le sue illustrazioni, Filip Adrian crea un elogio dell’ironia e del camp condita di sano cinismo che fa risultare tutto assordantemente attraente.
L’artista riesce a creare delle conversazioni figurative a dir poco stridenti, dove si può vedere l’innocenza adolescenziale contaminata dalla mancanza di pruderie, che fa coppia con l’età adulta, ma che è anche enormemente liberatorio. 

Arte.
Illustrazione

Filip Adrian

Timmi Taubenschreck ci mostra una serie di uomini immortalati in momenti insoliti, intimi ma anche in situazioni più studiate e sceniche.

Timmi fotografa ciò che la maggior parte della gente vorrebbe fotografare o osservare, perché è realmente molto eccitante.

Arte.
Fotografia

Timmi Taubenschreck

Ahmad è un fotografo palestinese che vive a Montreal, le sue fotografie sono la rappresentazione dell’identità e fisicità queer. Il corpo nei suoi lavori è rappresentato libero, senza inibizioni, rivelando le emozioni e le pulsioni.

Il suo approccio attraverso la macchina fotografica è crudo e chiaro senza mezze misure come se avesse tolto ogni tipo di compromesso o di velature così come piace a noi.

Arte.
Fotografia

Ahmad

Baju Wijono è stato selezionato come uno degli artisti dell’anno perché è un pittore controverso che attraverso la sua arte che spazia dall’astratto a figurativo cerca di esprimere e manifestare il suo dissenso contro Instagram e la sua censura che ci spinge sempre più verso un’omologazione in un web fatto di censura e di divieti.

Baju propone arte libera, così come dovrebbe essere, senza pregiudizi ne giudizi e viene vissuta liberamente senza omologazioni e il suo pensiero è potente e libero.

Arte.
Pittura

Baju Wijono

Caroline Polachek è la pop star di cui sappiamo aver bisogno senza nemmeno conoscerla. Il suo disco, il più bello del 2023 secondo la redazione di Toh! Magazine, è una pietra miliare della musica degli ultimi dieci anni che all’electropop unisce le cornamuse (vedi “Blood and Butter”), archi e pianoforte (“Pretty In Possible”) e una spolverata di Matia Bazar degli anni d’oro. (Welcome To My Island).

Caroline ha spostato la lancetta verso un pop intellettuale mettendo da parte le paure della sperimentazione e puntando su voce e coreografie da far perdere la testa al primo ascolto.

L’ALBUM INTERNAZIONALE

Caroline Polachek
“Desire, I Want to Turn Into You“

Madonna 40 anni dopo insegna ancora a tutti cosa vuol dire fare uno show live, La Ciccone non si ricicla, si sfida, sceglie di ballare su tappeti di vetro ed affrontare l’affollato e anche forse troppo saturo scenario pop di oggi invece di incamminarsi verso la malinconica china del revival.

Lo show è stato come una festa per celebrare la vita, l’orgoglio, lo stile, la storia di chi per prima si è battuta spianando e aprendo la strada a tutte quelle che oggi in un modo o in un altro definiamo “pop star”.

Questo concerto, dove non sono mancati momenti politici, di rivendicazione e di unità collettiva ha avuto il ruolo di manifestare una Madonna che non si vedeva da tempo, testimonianza del genio della sua follia e quasi privo di difetti. A chi dice
che Madonna non canti si sbaglia, Ciccone ha studiato e non l’abbiamo mai sentita così
intonata, a chi pensa che sia vecchia si sbaglia di nuovo: Madonna è senza età. E chi crede di aver visto tutto si sbaglia ancora, il celebration tour è lo spettacolo dell’anima, ti guarda dentro, ti sprona a dare e a fare di meglio e sempre di più.
Brava!

IL CONCERTO

Madonna
The Celebration Tour

Cosa possiamo dire di The Bear che non sia già stato detto? Forse niente se non consigliarvi di guardarla se ancora non l’avete fatto. La trovate su Disney+

LA SERIE

“The Bear”

Bottoms è per noi il film del 2023, il duo Seligman/Sennott prova, riuscendoci, a cambiare la commedia scolastica americana. Il film disponibile su Prime Video è stato uno dei più discussi e commentati negli States da quando è stato presentato al Sundance confermando l’immenso talento dei registi.

IL FILM

Bottoms

L’abbiamo già detto ma possiamo ripeterlo a iosa: nessuno nella moda oggi conta di più di JW Anderson. La sua visione della vita, della moda e delle persone va oltre i trend e le proposte ormai tutte uguali dei brand di moda.

JW celebra il vestirsi come un atto esuberante che oltrepassa le barriere di genere e gusto. Come non amarlo?

LO STILISTA

JW Anderson

L’intento della mostra è stato quello di mettere in discussione il modo in cui gli artisti, qualunque sia la loro sessualità, hanno voluto mostrare un’immagine affermativa per combattere gli stereotipi che troppo a lungo hanno segnato un destino comune.

Con più di 500 opere presentate al pubblico, la mostra ha proposto anche una interessante rassegna di vecchi film, di documenti rari oltre a dipinti di indubbio valore. Interessantissimi alcuni disegni praticamente sconosciuti di Andy Warhol, eseguiti con penna a sfera negli anni ’50, prima che diventasse l’artista per eccellenza della pop art.

LA MOSTRA

Over the Rainbow
Centre Pompidou, Parigi

Toh! Magazine 2023 Toh! Magazine 2023 Toh! Magazine 2023 Toh! Magazine 2023

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Il loro progetto nasce con particolare enfasi sull’importanza della creazione di spazi inclusivi e con l’obiettivo di promuovere la diversità e l’empowerment attraverso la musica, incoraggiando l’accettazione e l’amore per tutti.

Dopo aver collaborato con differenti importanti collettivi, label e festival techno in tutta Europa, Sole e Paula decidono di lanciare il primo evento di Dropzi a Milano il 22 settembre nel loro loft preferito, il Dkr, da loro spesso frequentato durante gli after quando finiscono di suonare in qualche club o evento a Milano.

Il mondo di Dropzi, o Dropziland come lo chiamano loro, è pensato con l’intento di creare un ambiente in cui la comunità LGBTQ+ possa sentirsi al sicuro e una nuova visione della musica elettronica underground, con artisti importanti da tutta Europa.

Questo concetto rimanda al loro logo: un Unicorno psichedelico, perso in un mondo fantastico e pronto a condividere il suo amore con tutti coloro che amano la musica.

Le artiste che si esibiranno all’evento oltre a Sole e Paula, saranno Jihane, Dj hardgroove techno spagnola e Carmen Lisa, Dj olandese nota per le sue performance nei più importanti festival mondiali come Loveland festival, Dockyard festival, In Retraite festival, Rave the planet Parade (former Loveparade in Berlin), Awakenings Gashouder, Shelter, Tomorrowland Festival e Free your mind.L’evento durerà dalle 23 fino alle 9 del mattino, posizionandosi come unico techno after party della Fashion Week.

Il supporto degli artisti locali non manca, infatti nel corso dell’evento ci saranno esposizioni d’arte e performance artistiche live.

La serata è in collaborazione con Riot Collective, Electronic Delight e l’artista contemporaneo Simon Justus.

Qui una piccola bio delle fondatrici di Dropzi:

SOLE DOSI

Sole Dosi è un’artista multidisciplinare, DJ Producer cresciuta all’interno di collettivi techno a Milano e dalla musica punk rock.

I suoi mix e le sue produzioni sono influenzati da suoni Minimal Vinyl Only, Acid Synth, Techno, Breakbeat ed Electro.

Inizia la sua carriera come DJ a Milano suonando per diversi brand e club, ma in tempo record il suo talento viene riconosciuto in realtá importanti, collettivi e Festival in tutta Europa, collaborando con label come Craigie Knowes, Gem Records, Tin Techno e Kneaded Pains

Nei suoi ultimi progetti come Dropzi Records e l’ultima release per Kneaded Pains, offre una nuova visione della cultura techno ed è chiara la sua visione artistica: niente generi, niente limiti, niente pregiudizi.

La musica puó cambiare le cose.

PAULA SANZ
Paula Sanz, è un’artista hardgroove techno dinamica, nata e cresciuta a Murcia, in Spagna. Con un amore dalla musica radicato in lei fin dall’infanzia, Paula inizia ad approcciare questo mondo precocemente con il canto, ma più passa il tempo più inizia ad esplorare diversi generi e a sperimentare nuovi suoni, sviluppando il suo stile unico lungo il percorso. 

Oggi  è un artista che non ha paura di superare i limiti della techno, portando il suo pubblico in un viaggio dall’oscurità alla luce e il desiderio di connettersi con i suoi ascoltatori ad un livello profondo.

Resident al Tempio del Futuro Perduto e all’ Arcade Zone a Milano, fonda Dropzi Records insieme alla sua partner nella musica Sole Dosi.

Clicca qui per saperne di più: https://linktr.ee/dropzirecords

dropzi milano

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So Beast  è un duo formato da Katarina Poklepovic, croata, e Michele Quadri, bolognese, entrambi produttori, musicisti e compositori di provenienze miste con base a Bologna.

“Brilla” (Needn’t / La Tempesta) è il loro secondo album, frutto di un percorso che getta le basi nell’improvvisazione libera, nello sperimentare senza preconcetti, lasciandosi travolgere dal flusso sonoro.

Un insieme di generi che sembra apparentemente senza senso ma che invece coesistono trovando un equilibrio che funziona mescolando nella stessa canzone elettronica, hip hop, hyper-pop, jazz, punk e world music, che casino penserete e invece il risultato è impattante e fresco.

Un “Brilla” che può diventare facilmente brillo perché ci ubriaca con il suo mix di generi; ne abbiamo parlato con i So Beast:

Ciao ragazzi, ci raccontate la vostra storia?

Michele: Una decina di anni fa eravamo a Bologna a un rave in un locale occupato che si chiamava Tsunami, che purtroppo non esiste più, lì ci siam visti la prima volta. Successivamente abbiamo cominciato a vederci a questi party techno e pian piano ci siamo conosciuti.

Katarina: E’ stato molto spontaneo il nostro incontro, noi siamo una coppia, io mi sono innamorata al primo sguardo, quindi è nato prima il nostro rapporto poi frequentandoci abbiamo capito che ci accumuna anche la musica.

Così per giocare abbiamo cominciato con una drum machine e la chitarra elettrica a sperimentare nella sala pianoforte dell’ Xm24 un centro sociale di Bologna che oggi purtroppo non esiste più.

Abbiamo cominciato a fare free impro, musica sperimentale, elettronica, ma in modo molto libero senza l’idea di un progetto musicale. Sicuramente abbiamo messo a fuoco un nostro linguaggio musicale basato sulla spontaneità.

Entrambi abbiamo un background di ascolti molto vasto, forse anche per questo creiamo incastri tra elementi che non andrebbero insieme secondo le regole, ma noi tentiamo di scardinarle.

Questo diciamo caos apparente che create, penso che dal vivo si riveli in tutta la sua forza mettendo anche un certo ordine rispetto al disco, mi sembrate più da live che da studio, o sbaglio?

K: E’ verissimo! Anche il nostro pubblico ci dice che dal vivo l’album rende ancora di più. Certo live abbiamo giocato molto con gli elementi principali dei brani che son quelli che ti vanno ad acchiappare, poi il resto è diverso dal disco.

Ognuno di noi ha un set di elettronica con sample e synth, io son più sulle tastiere e Michele ha anche la chitarra elettrica. In più ognuno ha un set di percussioni che ci troviamo a suonare in contemporanea perché in due facciamo quello che farebbe un percussionista bravo ahahahah!

Perché “Brilla”?

K: E’ uscito da una conversazione su Whatsapp, all’inizio doveva essere Shine poi è diventato Brilla perché ci piaceva di più il suono brrrr e lllll è divertente da pronunciare.

L’album è post pandemico quindi ne siamo finalmente usciti diciamo, è un disco euforico che celebra il post Covid ma è anche carico d’ansia perché il mondo a livello politico ed ecologico è un disastro.

E’ una doppia faccia tra resistere e mantenere una stabilità tra ansie, angosce e depressione… siamo in grado di brillare!

Anche il sole che vedi in cover, tratto da un’illustrazione medioevale rielaborata, brilla e ci da la vita, influisce sul nostro umore, ma pian piano ci sta cuocendo!

I vostri testi passano dall’italiano al croato all’inglese nella stessa frase, come nascono?

K: Improvvisando, raramente ci sono parti di editing, ma tutto l’album è scritto di getto, ho il tema principale chiaro in testa ma non il testo. Mi piace giocare con le parole e far sembrare astratto qualcosa che alla fine non lo è. Calcola che quando sono arrivata in Italia parlavo solo inglese, l’italiano l’ho imparato sul campo.

M: Anche io sono sempre stato influenzato da tante culture, mia madre è del congolese, abbiamo provato a inserirlo in una traccia ma non siamo riusciti a portarla a termine, però c’è del tedesco in “Walkhigh” un pezzo che viene definito reggae! (scoppiano entrambe a ridere ndg).

Cosa vi lega alla moda di Marco Rambaldi?

K: Marco e il suo fidanzato Filippo di hanno visto suonare dal vivo al famoso Xm24 di Bologna, con un sacco di gente ammassata, un suono totalmente distorto, tutti che twerkavano, c’era un caos totale!

M: Così ci hanno contattato e poi siamo diventati amici, abbiamo fatto per tre volte la colonna sonora delle sfilate. Per noi è stato molto stimolante.

Quali ascolti vi hanno formato?

M: Da adolescente ho scoperto i Sonic Youth e mi hanno insegnato tutto. Poi tanto hip hop e improvvisazione che è quello che mi piace fare.

K: Io vengo dal punk e dall’hip hop, poi una professoressa delle superiori mi ha fatto scoprire i Sonic Youth e anche per me sono stati il punto di svolta. Ma è il punk che mi ha formato.

L’ultimo album di cui vi siete innamorati:

K: Lil’ Yachty “We Start Here”, perché è una bomba, non è quello che fa di solito, ha fatto sto album psichedelico quando di base fa trap, è stato un viaggione inaspettato.

M: Per me “HiTech” degli HiTech una crew di Detroit che fa un mix tra hip hop e techno molto piacevole all’ascolto.

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I DELICATONI sono prolifici, dopo essersi fatti notare lo scorso anno con il primo album omonimo, sono di nuovo usciti con l’EP “Giorno Libero” cinque tracce trainate dal singolo “Tuyo”.  

Antonio Bettini, Smilian “Ian” Cibic, Giorgio Manzardo e Claudio Murru sono i DELICATONI, quattro ragazzi che formano un’unico battito pulsante carico di contaminazioni che nel nuovo EP si rivelano una ad una.

C’è l’approccio jazzistico alla forma canzone in “Giorno Libero”, il dream pop de “La mela”, i ritmi cha cha cha di “Tuyo” e “Bobo’s Waltz”, che mette in luce l’anima più sperimentale della band, in cui la forma classica del Valzer si scontra con le atmosfere di un circo futurista.

Un approcio fresco e originale alla musica che li renderà tra i protagonisti di questo 2023, dove si faranno strada delicatamente.

Il vostro stile mescola più generi, mi raccontate come nasce?

Antonio: Nel periodo in cui ci siamo conosciuti, io e Ian stavamo facendo un percorso vicino alla pc music, tutto in digitale e avevamo necessità di fare esperienza live suonata perché era una nostra lacuna.

Giorgio e Claudio invece avevano questa esperienza analogica fatta di chitarre e amplificatori on the road, quindi il nostro incontro ha fatto di questo dualismo un’unità che ha creato l’identità dei DELICATONI.

Cosa ha ispirato il nome DELICATONI, è bello che un gruppo di ragazzi si definisca gentile in un periodo in cui si parla molto di mascolinità tossica abbia scegliendo un nome che già respinge questo stereotipo, me ne parlate?

Ian: Stavamo cercando un nome da un po’ di tempo quando Antonio che stava lavorando in Svezia restaurando una casa, e io in un Ostello a Lipsia in lavanderia, mi racconta che stava mangiando dei cioccolatini chiamati “Delicato Balls”.

Così ho pensato al nome DELICATONI una parola che ricorda l’estate e l’Italia degli anni ’60, al film “I Vitelloni” o “I Giganti” e a tutte queste figure di uomini legati ad un immaginario passionale, così DELICATONI diventa un aggettivo paradossale e contraddittorio e che vuole descrivere situazioni in cui c’è affetto, sincerità e curiosità che si manifestano in modo genuino.

Ci vediamo un pò come una caricatura della gentilezza, che la possa rendere più accessibile e condivisibile.

Delicatoni

E’ un nome che crea delle divisioni, proprio per un fattore di maschilismo tossico la gente ci chiama i morbidoni, i teneroni, e vedere che c’è questa bellezza ingenua al di fuori dell’identità di genere e di tutte queste divisioni in un mondo che non è umano ma che è una realtà delicatona.

Non siamo uomini scolpiti dalla società, ma i discepoli di questa identità che è il delicatone che diventa proprio un modo di relazionarsi alla vita.

DELICATONI è un nome che ricorda anche a noi stessi che abbiamo un percorso da fare verso la nostra emotività.

Avete vissuto in diverse parti del mondo, anche per questo avete una visione più ampia del rispetto una mente aperta alle contaminazioni, me ne parlate?

Ian: Io sono per metà americano, Antonio è mezzo cileno, Giorgio ha un’origine nordica quasi germanica e Claudio ha la Sardegna nel cuore. Abbiamo una moltitudine di prospettive.

Antonio: Di base veniamo da diverse parti del mondo ma viviamo in un contesto che ci unisce nonostante le differenze.

Il vostro primo album tra poco compie un anno e da poco avete pubblicato l’e.p. “Giorno Libero”, siete una band prolifica?

Giorgio: Abbastanza, siamo reduci da un sessione a La Casa degli Artisti, perché stiamo preparando il secondo album che uscirà entro l’anno ma prima di lavorarci seriamente dobbiamo laurearci tutti quanti, cosa che succederà a breve. E’ stato un periodo molto produttivo.

E andate d’accordo in studio?

Antonio: Sicuramente ci sono lealtà e apprezzamento reciproco, riconosciamo che quel che ascoltiamo è figo ma poi abbiamo gusti molto differenti, con cui ci influenziamo a vicenda, a Ian piacciono molto gli album strumentali, grazie a Claudio ho conosciuto il genere stoner, l’aspetto più jazzistico è mio, diciamo che siamo un bel mixtape.

Ian: Abbiamo una bella unione di generi molto spontanea che dipende dall’attenzione che mettiamo nel rapporto come band ma anche l’uno verso l’altro.

Ognuno di noi ha la sua emotività e il suo mondo interiore, facendo così nella musica permettiamo a ciascuno di portare le sue influenze accettando la sua differenza e accogliendola.

Antonio: Imporsi con delicatezza al gusto altrui, pronti alle novità, “porti fortuna se vivi” si dice.

Il singolo che lo ha anticipato è “TUYO” che in spagnolo significa tuo ma scomposto è anche tu e me, me ne parlate?

Ian: TUYO nasce da un sentimento amarcord, quella nostalgia legata a un ricordo che genera un’emozione connessa a un sentimento molto presente.

Quel che dici tu è legato all’essere in una band è necessario ascoltarsi per poi avere una conversazione, su qualsiasi cosa, ma non c’è più un io o un te ma un insieme di persone e qui si trova l’unione, l’intersoggettività: TUYO!

Siete da poco in tour e a fine mese suonerete al Miami Festival, cosa dobbiamo aspettarci?

Antonio: Nei live la formazione è allargata, sul palco con noi ci sono tre musicisti: un bassista, un percussionista e un batterista. Questa situazione porta più energia, più euforia, facendo diventare il live una situazione da ballo, le influenze dance che abbiamo esplodono dal vivo.

Ian: Per quanto riguarda il Miami siamo gasatissimi, e non vediamo l’ora di ascoltare i Jockstrap.

Cosa avete ascoltato oggi?

Questa mattina abbiamo ascoltato i Peter Cat Recording Co. che sono uno dei gruppi più freschi e contemporanei in giro. Poi “It Never Entered My Mind” di Miles Davis, un pezzo struggente. “Only the Horses” degli Scissor Sisters per sentirci ancora dodicenni e infine i Meridian Brothers, strani e perfetti per un viaggio in auto.

DELICATONI Live 2023:

28 maggio – MIAMI – Magnolia (MI)

10 giugno – Bagno Polka – Marina Romea (RA)

14 giugno – Paesaggi Sonori – Calderara di Reno (BO)

12 luglio – Jamrock – Vicenza

14 luglio – Rumors – Santa Sofia (FC)

01 settembre – Fiera Calda – Vicchio (FI)

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Quest’anno TranceParenti diventa un one-day festival grazie alla collaborazione con Fondazione Marcelo Burlon. 

Grazie alla Fondazione Marcelo Burlon, parte del ricavato sarà devoluto alla CASA ARCOBALENO DI MILANO, dimora di accoglienza per ragazzi e ragazze discriminati per il loro orientamento sessuale, l’identità di genere o per il percorso di transizione avviato. Un ambiente protetto, per tutti coloro che dopo il coming out si ritrovano senza una casa e senza una famiglia.

L’obiettivo è presentare, nel contesto magico dei Bagni Misteriosi, un progetto artistico unico e integrato che si articoli in molteplici linguaggi espressivi.

Il festival vuole infatti essere espressione dell’impegno condiviso di Threes e Fondazione Marcelo Burlon a sostenere iniziative culturali, artistiche e comunitarie per promuovere l’integrazione e i diritti civili; per migliorare la qualità della vita delle persone in condizioni di disagio, per proteggere gli ecosistemi in pericolo.

Si parte dalla Palazzina dei Bagni Misteriosi a partire dalle 18.00 dove la scenografica Sala Mosaico ospiterà l’installazione site-specific “Larger Than Life” del fotografo di moda e zeitgeist Alessandro Merlo.

In mostra una serie di soggetti cari alla filosofia fotografica di Alessandro: artisti, stilisti, amici e amanti tappezzeranno le pareti dei Bagni Misteriosi come quadri in un allestimento che ricorda una chiesa.

Alle 18, in Sala Testori, l’autore e comunicatore Francesco Cicconetti presenterà il festival e la visione di Fondazione Marcelo Burlon.

Alle 18:30, sempre nella stessa sala avverrà il lancio della Wave Zine e una mostra di illustrazioni. Wave Zine è un progetto promosso da Masseria Wave. Il numero 0: “The Liberation” presenta foto scattate con pellicole Lomography.

Masseria Wave è un progetto nato in Puglia per alimentare e creare un dialogo tra le arti attraverso reti di comunità, guardando al territorio con occhi nuovi.

Dalle 20:00 prende vita la piattaforma galleggiante dei Bagni Misteriosi.

Apre l’artista trans non binary spagnola Bella Báguena, con un live sostenuto dalla piattaforma SHAPE+. Bella Báguena incentra la sua produzione artistica sull’autoanalisi di genere, servendosi di un processo intuitivo ed emotivo per creare opere sonore, video, scultoree o performative.

A seguire l’attesissimo live della polistrumentista, produttrice, compositrice e cantante americana Eartheater feat. il duo newyorkese LEYA trasporterà il pubblico in un viaggio attraverso atmosfere oniriche e richiami folk.

Sia che utilizzi suoni elettronici o acustici, il codice musicale distinto di Eartheater si definisce nelle sue armonie complesse, che giocano con tensione e rilascio. Il suo mondo musicale si sposa perfettamente con quello del duo LEYA, composto dall’arpista Marilu Donovan e dal cantante/violinista Adam Markiewicz, che richiama melodie medievali, folk moderno e utilizza un linguaggio classico-meets-pop radicato in una strana sensualità.

Eartheater è anche l’amica inseparabile e collaboratrice di Lourdes Leon, per lei ha prodotto e girato il video del debutto discografico “Lock&Key” mentre Lourdes ha ricambiato danzando nei suoi video.

Chiude la serata la leggendaria DJ Marcelle, ben nota per il suo setup a tre giradischi. Nei suoi set unici, Marcelle fa collidere generi disparati, frammenti vocali appropriati e paesaggi sonori distorti.

Tra gli ARTISTI presenti vi segnaliamo

EARTHEATER FEAT. LEYA

Polistrumentista, compositore e cantante con sede nel Queens, a New York.
Eartheater (alias Alexandra Drewchin, artista del Queens) fonde una produzione digitale piena di foley, una gamma vocale di tre ottave e composizioni classiche in opere dalle sonorità ossessivamente dettagliate e un’elettronica quasi spericolatamente romantica e gestuale.
Alla musica si accompagnano performance dal vivo visceralmente emotive in cui coinvolge audacemente il suo corpo.

Eartheater ha debuttato nel 2015, pubblicando due album consecutivi – Metalepsis, seguito da RIP Chrysalis. Ha poi firmato con l’etichetta sperimentale PAN, che ha pubblicato il suo LP, IRISIRI, nel 2018. In seguito a IRISIRI, Eartheater ha pubblicato un mixtape intitolato Trinity con la sua etichetta Chemical X.
Il suo ultimo album Phoenix: Flames Are Dew Upon My Skin, anch’esso pubblicato da PAN, composto, prodotto e arrangiato da sé, testimonia le resurrezioni che il progetto musicale ha subito nel corso del suo primo decennio di vita.

Mentre l’album rinnova la sua attenzione alla performance chitarristica, Eartheater bilancia l’eleganza sfacciata delle canzoni acustiche armoniche con strumentali obliqui. Da Phoenix, Eartheater si è orientata verso la pubblicazione musicale con Chemical X, di cui i più recenti sono i singoli Mitosis e Scripture, inni pop prodotti dall’amico Sega Bodega.
Chemical X produce anche altri artisti che Eartheater prende sotto la sua ala. Nel 2022 l’etichetta ha pubblicato un EP del rapper Ish Couture, seguito da un EP di Lolahol, alias Lola Leon.

Oltre alla propria musica, Eartheater ha collaborato con una vasta gamma di artisti, da Grimes e Caroline Polachek a Show Me The Body e Moor Mother.

Ha prestato la sua voce a canzoni di Yung Kayo, Tony Seltzer e LEYA. Eartheater ha anche ha composto lavori originali per Acne Studios, Proenza Schouler e l’orchestra Alarm Will Sound e ha posato per Mugler, Jimmy Choo, Fenty Savage, Barragán e Puppets & Puppets. La sua musica è stata utilizzata anche nella moda da Chanel a Dior, Mugler, Stella McCartney, SHAYNEOLIVER, Adidas e altri ancora.

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Qualche giorno prima della partenza del Gloria tour, Sam Smith ha detto ai fan sui social che si era “preparato per questo spettacolo da tutta la vita”, definendolo il “cabaret gay” che aveva organizzato per l’ultimo album Gloria.

Nella serata di apertura a Sheffield, il palco rivela una gigantesca Afrodite d’oro, la dea greca dell’amore sessuale e della bellezza, prima che Smith compaia con un abito scintillante e un cappello da marinaio.

Lo show inizia ma invece che partire con una canzone di Gloria – un album fortemente radicato nell’identità e nell’esperienza queer – Smith apre con la mega-hit del 2014 Stay With Me, come se volesse ricordarci chi era prima e chi è adesso. “Sono successe molte cose negli ultimi cinque anni”, e come dargli torto, Sam si è accettato, ha dichiarato al mondo di essere non binario e non ha paura di chi lo giudica per via di un corpo non conforme a quello che la società indica come perfetto, e noi solo per questo lo amiamo ancora di più.

L’inizio dello show sicuramente ha forse deluso qualcuno tra il pubblico che magari si aspettava di partire col botto anche perchè lo spettacolo è stato annunciato come un viaggio in tre atti attraverso sezioni intitolate LOVE, BEAUTY e SEX, come Madonna insegna.

Ballate per pianoforte emotive ma faticose; ostentati assoli di chitarra; la band che si rannicchia per la sezione acustica seduta. Nonostante la grandezza di Afrodite che incombe sul palco, le cose all’inizio sembrano un #tbt di Sam. Per fortuna, ogni sentimento di speranza perduta riguardo alla premessa teatrale si dissipa a metà strada.

I ballerini iniziano ad arrampicarsi su Aphrodite, mentre i tamburi esplodono in modo incisivo durante Gimme. I’m Not Here to Make Friends è un groove da discoteca con la voce di Sam Smith esaltata da una gioia immensa. La collaborazione di Disclosure Latch è un’esplosione piacevolmente sgargiante di EDM prima di una routine di danza coreografata per I Feel Love di Donna Summer. I laser arcobaleno sparano verso il cielo mentre i ballerini strappano la maglietta di Sam dal suo corpo.

Temi di gioia e amore per se stessi, trasmessi attraverso una festa queer ruggente, continuano nell’atto finale. Facendo una cover di Human Nature di Madonna, Smith canta allegramente “esprimi te stesso, non reprimerti” mentre è nudo, in mutande di pelle nere, calze a rete e degli stivali rossi – è un momento potentissimo in cui rivendicare l’orgoglio d essere se stessi dopo anni passati a subire bullismo.

Il finale è un gioco sessuale divertente. Tutto pelle, sudore, e culo di fuori. Chiude lo show Unholy , mentre le fiamme esplodono e Smith emerge con le corna da diavolo e un forcone. 

Insomma il Sam Smith Gloria tour è uno show da vedere, da vivere dove emozionarsi fino a piangere ma anche fino a godere per la felicità trasmessa dall’artista che si è liberato completamente da tutti i vestiti che la tradizione culturale conservatrice gli ha cucito addosso raggiungendo attraverso fuochi infernali il paradiso.

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“Cinetica” (Nufabric Records con edizioni Kobayashi) è stato anticipato da alcuni singoli come “Inutili” e “Rotterdam” e ha visto la collaborazione di numerosi artisti e professionisti.

Nel clima di contaminazione e sperimentazione del disco, abbiamo deciso di fare qualche domanda ad Anna su come ha preso forma il suo primo album.

Come nasce “Cinetica”?

“Cinetica” nasce da una session di scrittura nelle Marche e dal periodo stranissimo della pandemia e la voglia di tornare ad essere una persona in movimento.

Da cosa deriva la tua energia? È qualcosa che parte da te stessa o che arriva dall’esterno?

Sono molto curiosa e a questa curiosità devo tanta dell’energia che ho. Grazie a lei incontro persone e vivo situazioni che mi ispirano e diventano nuova energia da incanalare.

Nella tracklist notiamo diverse produzioni, cos’hai ricercato in ciascuna di esse e in cosa si differenziano l’una dall’altra?

In un certo senso il coinvolgimento di musicisti e produttori con background diversi è stato parte della ricerca di una mia identità musicale. Cercavo di capire quale brano parlasse di più ai diversi produttori.

Il tuo stile è caratterizzato da molteplici contaminazioni, come riesci a conciliare mondi
musicali tanto differenti?

Sono una fan dei contrasti. Ascolto tanta musica e questo mi aiuta a trovare esempi di come vorrei che suonasse la mia. Credo che la musica sia musica, se è fatta bene è universale e va oltre ai generi.

La tua urgenza espressiva prende forma nel rapporto con la scrittura. Com’è avvenuta questa scoperta?

Ero a Colonia, in Germania, era un periodo di grande solitudine. Cantavo già da anni, ma solo in quel momento ho capito che non mi portava da nessuna parte e che avevo bisogno di dire qualcosa di mio.

La prima traccia del tuo disco si intitola “Sono qui” dove vorresti essere tra un anno e dove non pensavi di arrivare?

Grazie per aver chiesto tra un anno e non fra 10 anni, mi mette in crisi guardare così in là. Tra un anno spero di avere in mano il mio secondo disco. Non pensavo di arrivare ad avere il coraggio di mettermi davvero in gioco nella musica, la frequentavo da tanto ma non mi ero mai fidata fino in fondo di lei nella nostra relazione. Penso di aver perso tanto tempo.

Qual è l’ultimo disco di cui ti sei innamorata?

Sono persa per “Alpha” di Charlotte Day Wilson.

Con questo disco, quindi, Anna Carol ripercorre i momenti di solitudine, di riscoperta e di evoluzione che le hanno permesso di convogliare l’energia della sua musica in una narrazione personale ed universale insieme. All’insegna di una nuova energia, usciamo dai nostri confini per vedere cosa c’è al di fuori da noi.

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