Per Artur Grucela è importante far emerge l’impotenza dell’individuo rispetto a madre natura. I soggetti maschili dei suoi quadri sono inseriti in contesti naturali sempre in bilico tra qualcosa di idilliaco e qualcosa di incontrollabile. 

Nei quadri di Artur sono sovente rappresentati contesti con elementi indistinti di un paesaggio aspro, che spesso ricorda un’ambientazione post-apocalittica o un paesaggio simile all’inferno dantesco. Artur sovente utilizza miti, storie e simboli tratte dalla letteratura e dalla storia dell’arte romantica e neoclassica.

Quello che si evince nei suoi quadri è la precarietà del momento, che può cambiare improvvisamente, perché noi non abbiamo alcun controllo sull’ambiente circostante, ma sicuramente potremmo vivere con esso in maniera rispettosa e consapevole. Come nei quadri di Artur dove gli uomini sono condizionati dall’ambiente e solo nella riconciliazione definitiva con la natura possiamo ritornare a essere liberi.

Potresti parlarmi del tuo background? Di dove sei Artur?

Vengo da Piwniczna, una piccola cittadina di montagna situata in una valle fluviale nel sud della Polonia. Sono cresciuto a contatto con la natura in un posto bellissimo e pieno di spazio. Ho trascorso la maggior parte della mia vita lì. Molte persone vivono ancora lì al ritmo delle stagioni, in un forte legame con la natura. Lì sono ancora forti le vecchie tradizioni e le vecchie credenze. Nella mia famiglia non c’erano alcuna tradizione artistica di alcun genere, ma a un certo punto è diventato il mio interesse principale.

Ho molta curiosità per la natura e questo mi ha motivato a cercare per conto mio le informazioni che mi interessavano.

Quando hai iniziato a dipingere?

Il primo contatto con i colori sono state le lezioni d’arte alla scuola elementare. In precedenza disegnavo da solo e lo faccio da quando ricordo. Ho dipinto i miei primi quadri a olio in maniera consapevole e di cui ero soddisfatto a 20 anni. Da allora è iniziato un lungo processo di autoeducazione e miglioramento.

Il rapporto tra uomo e natura è molto presente nelle tue opere. Qual è la tua opinione di questa relazione oggi?

L’uomo ha perso il contatto con la natura e a certe cose non c’è ritorno. Questa consapevolezza può essere schiacciante e naturalmente ci sentiamo persi in una situazione del genere, soprattutto considerando la crisi climatica.

Tuttavia, non tutto è perduto, alcune relazioni possono essere ricostruite. Sono felice che il livello di consapevolezza ecologica tra i giovani sia in aumento e che abbiano preso l’iniziativa di prendersi cura dell’ambiente con le proprie mani. Ciò fa ben sperare per il futuro.

Credi che l’uomo sia mai riuscito o riuscirà mai a vivere in perfetta armonia con la natura?

Sono convinto che ci siano stati momenti nella storia umana di completa armonia tra uomo e natura, legati al rispetto e alla cura delle risorse naturali. Purtroppo, l’altra parte dell’umanità, egoista e avida, ha scosso questi principi. Io però sono ottimista e credo che l’uomo un giorno ritornerà alla piena armonia con la natura, grazie alla ragione e alla scienza.

Sembra che i tuoi personaggi non abbiano alcun controllo sulla natura circostante, è come se fossero abbandonati a questo stato di incertezza in un mondo apocalittico, è così?

Giusto. Ciò è particolarmente evidente nei dipinti più antichi. La natura stessa è minacciosa e travolgente. Anche quando sei sdraiato su un prato fiorito in una bella giornata di sole, c’è sempre un’ombra che incombe su di te, il tempo può cambiare da un momento all’altro, il vento porterà un temporale o un tornado e distruggerà tutto in una frazione di secondo. Questa inquietante ombra di incertezza si avverte costantemente nei miei dipinti, anche in quelli apparentemente allegri.

I tuoi personaggi sono spesso nudi o in costume da bagno. Cosa trovi più attraente nel rappresentare il corpo maschile?

Le silhouette sono spesso svestite o semi-svestite perché mi piace l’idea di trovarmi in un ambiente idilliaco dove è caldo e asciutto e non è necessario indossare o avere molto. Solo pantaloncini e una bottiglia d’acqua, per esempio. Quando ho iniziato a studiare il tema della silhouette o del nudo in pittura da una prospettiva storica, ho scoperto che il nudo maschile è molto più interessante di quello femminile, è meno sfruttato, meno idealizzato, meno kitsch e collocato in contesti più interessanti.

Preferisco dipingere la figura maschile, è più specifica, più architettonica, più interessante e conosco bene l’anatomia basata su me stesso.

Spesso sembra che tu tragga ispirazione dalla storia, dal passato, dalla letteratura, me ne parli?

Sono assolutamente d’accordo con questo. Amo il mezzo della pittura in senso storico, sono sempre stato fortemente ispirato da artisti o stili specifici e spesso entro in dialogo con opere specifiche. E il fatto che siano ispirati alla letteratura o alla mitologia si vede necessariamente nei miei quadri. Mi piace molto scoprire il passato, leggere, approfondire la storia e la mitologia e trovare alcune connessioni sottili per me stesso.

Gli ultimi lavori sono meno cupi dei primi, c’è sempre un lato oscuro come se stesse per succedere qualcosa come in Garden e Break, sei d’accordo?

Viviamo in tempi difficili. E anche se nei miei dipinti cerco di creare un mondo bellissimo ed evasivo, dove puoi nasconderti per un momento e dimenticare la vita di tutti i giorni, è impossibile disconnettersi completamente dalla realtà. Da qui nasce il lato oscuro visibile nei dipinti.

Spesso i soggetti sono ritratti di spalle o di profilo, non guardano mai frontalmente. Perché questa scelta?

Evito consapevolmente i volti nei dipinti, perché un volto mostrato frontalmente è un ritratto, c’è qualcuno dietro questo volto, questa persona ha una storia, sentimenti, personalità. C’è molto da gestire e voglio qualcos’altro. Creo una silhouette universale, una sorta di avatar o guscio in cui chiunque può entrare e partecipare alla scena, i personaggi si posizionano all’indietro o di lato, si trasformano nell’immagine invitando lo spettatore a identificarsi o a partecipare alla scena.

Una delle tue opere si intitola Islanders (cartolina dalla Sicilia) quelle che hai ritratto erano le Isole Eolie? Cosa ti è piaciuto di più della Sicilia?

Sì, sono stato in Sicilia la scorsa primavera. Ho visitato le Isole Eolie, trascorrendo gran parte del mio tempo ad Alicudi. Il dipinto “Isolani” mostra l’arcipelago delle isole Eolie dalla prospettiva di Vulcano. Come ho detto all’inizio, ho trascorso gran parte della mia vita in montagna, quindi sperimentare il mare e la vita sull’isola è stato affascinante per me.

Alicudi in particolare mi ha deliziato con le sue bellissime viste panoramiche, un ritmo di vita completamente diverso e mi ricorda moltissimo il mio paese natale in montagna.

Che progetti hai per il 2024?

Soprattutto, continuare così. Ci sono alcuni piani che non sono stati completamente confermati. Potrai sicuramente vedere alcuni dei dipinti alla mostra di Varsavia nel 2024, probabilmente anche stampati su una delle riviste. Sono previsti alcuni viaggi, Spagna e Sud America. Penso che sarà un buon anno.

Quale regalo vorresti trovare sotto il tuo albero?

Devo ammettere che in questo momento ho tutto ciò che desideravo. Sono molto fortunato perché quest’anno ho iniziato a dipingere a tempo pieno. Sono in buona salute, ho una relazione felice, ho una famiglia e degli amici meravigliosi. Questi sono i doni più grandi. Ma se dovessi pensare a una cosa, un bel libro di pittura è qualcosa di cui non ne ho mai abbastanza.

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Christina Lucia Giuffrida attraverso queste cartoline, che hanno carica onirica, sembra volerci offrire uno stimolo a voler tornare nella natura selvaggia, a vivere all’aria aperta e a dormire sotto una una luna piena, quella che illumina e fa brillare i corpi nudi. Qui tutto sembra essere incontaminato, fermo e silenzioso. Il mondo sembra essersi calmato dalla sua frenesia. Christina nei suoi dipinti sembra che tutto il resto non abbia più importanza, se non quello che accade del momento in cui le protagoniste sono immortalate nella vasta natura incontaminata dove sono libere.

Vieni dall’Australia ma ora risiedi a New York. Quanta della terra natia porti nella tua arte?

L’Australia è molto nella mia mente. Penso che nel 2019 ho iniziato ad avere un po’ di malessere a casa, e poi, ovviamente, questo è stato esacerbato dalla pandemia. Sono rimasta bloccata fuori dall’Australia e la mia fidanzata non avendo il visto australiano, siamo finiti per rimanere bloccate a New York nel nostro piccolo appartamento nel bene e nel male. Mi sono davvero impegnata a realizzare questi piccoli dipinti che sono un modo per calmarmi ed essere contemplativa. Il lavoro è il culmine di ricordi e fantasticherie sulla boscaglia che ho lasciato a casa. I dipinti sono piccole lettere d’amore: Un’ode all’Australia.

Dal giorno in cui ho visto i tuoi lavori sono rimasto sbalordito dalla potenza del colore, puoi parlarci della decisione di utilizzare una tavolozza così profonda?

Meraviglia infantile! È così che è nata la tavolozza. La storia è che mi sono formata come scultrice e ho realizzato sculture, installazioni e performance per quasi un decennio, ma sono rimasta bloccata nella mia pratica. All’epoca stavo lavorando in una scuola d’arte e abbiamo ricevuto una chiamata che diceva che un artista dell’Upper West era morto e volevano donare tutto il materiale del suo studio alla scuola. Quindi io e il mio capo abbiamo guidato un furgone nei quartieri alti e siamo entrati in questo minuscolo appartamento all’ultimo piano che sembrava una distorsione temporale: siamo tornati alla vecchia New York di cui tutti parlano.

Questo ragazzo ha avuto questa bella piccola situazione di vita e lavoro in un appartamento rustico in legno del 19° secolo. Aveva grandi scatole riempite di tubetti a tempera. Sto parlando, tipo, di migliaia di tubetti, anche di buona qualità: Horadam e Holbein. C’erano tutti i colori sotto il sole, il violetto spettro, il blu ceruleo, il verde Phthalo e il rosa opera.

Alcuni aperti, la maggior parte non aperti. Abbiamo riportato tutto a scuola e ho detto al mio capo: “Senti, devi farmi avere questi. Non so cosa farò con loro, ma ho bisogno di tutti questi colori”. E poi ho iniziato a dipingere e divertirmi allo stato puro.

È un rapporto immediato e abbastanza onesto che ho con il colore. Quando penso al paesaggio australiano, i colori sembrano davvero così vividi. Il cielo a casa è così blu, completamente diverso dal cielo nell’emisfero settentrionale. La qualità della luce sembra più brillante, più bianca e fa avanzare lo spettro dei colori. Inseguo costantemente quell’intensità di quell’atmosfera da casa.

C’è un senso di nostalgia, calma e mistero nelle tue opere. Da dove pensi che provenga?

Oh sì, questi sono sicuramente dipinti pesanti e nostalgici. Sento che sia il risultato della mia elaborazione della vita all’estero, dei miei genitori che invecchiano, loro che si sono trasferiti fuori dalla casa della mia infanzia. Della comprensione della tua mortalità, del tempo che passa e non torni indietro. A volte non riesci nemmeno a recuperare quei posti perché il posto cambia. Il mondo in questi dipinti sembra uno spazio di transizione, dove tutti i miei ricordi stanno convergendo con tutte le possibilità del futuro. E immagino che lo spazio sia calmo e, si spera, contenga un piccolo mistero.

Vedo anche molto romanticismo, quanto è importante per te? Come funziona nella tua visione e poi nei tuoi dipinti?

Il romanticismo ha un brutto colpo, e per una buona ragione, ma ne sono assolutamente affascinata e disorientata. Osservando le numerose manifestazioni del romanticismo nella storia dell’arte occidentale dal barocco ai preraffaelliti del XIX secolo, anche artisti moderni come Frank Frazetta, si vede questo modo molto particolare e francamente bizzarro di rappresentare e rapportarsi ai corpi femminili. Trovo isterico che “Le donne che fanno cose nude (o semplicemente siano nude)” sia un genere completamente a sé stante che attraversa i secoli. Ma lo amo anche con tutto il cuore.

Il mio lavoro è una risposta genuina a questo, spero che catturi l’umorismo, l’imbarazzo, la realtà di cosa significhi fare la vita nuda dal diretto sguardo dell’occhio maschile. Sento che, se lo si lascia, il romanticismo al suo meglio, ha un umorismo consapevole che è in grado di ridere di se stesso senza ironia o odio per se stessi.

Ho avuto molte critiche sentimentali e romantiche nella mia pratica e da artista più giovane ero davvero imbarazzata e me ne vergognavo. È stato solo quando mi sono seduta con tutta la mia pittura a tempera e mi sono avvicinato così tanto a quella, che ho trovato me stessa e il lavoro in un modo genuino.

Qual è il tuo rapporto con la natura? È sempre presente nel tuo lavoro…

Quando ci penso, penso che il mio rapporto con la natura a questo punto sia di dolore al cuore. Ricordo quando mi sono trasferita per la prima volta a New York, nell’ottobre 2015, e stava iniziando a fare freddo, a marzo mi è venuto in mente un pensiero: “Non ho sentito erba o terra sui miei piedi in sei mesi”. Era così strano per me, ero praticamente cresciuta correndo in giro senza scarpe. Era la sensazione di rendersi conto che stavo lentamente divorziando dal senso della natura. Un senso che non mi rendevo conto era così intessuto nel modo in cui mi muovo nel mondo: la mia anima, la mia salute mentale.

Voglio dire, so che posso andare al parco qui, o prendere il traghetto per la spiaggia di Rockaway, ma quelle esperienze sono fugaci. È un’escursione e poi si torna sul cemento. Forse continuo a dipingere la natura perché questo è il più vicino possibile a New York su base giornaliera. Devo continuare a ripassarlo perché ho paura di dimenticarlo.

Perché hai deciso di utilizzare il colore blu per rappresentare la pelle?

Per me era importante che le donne non fossero reali. Non li considero alieni o altro, ma non rappresento una realtà. La loro pelle blu dà loro la licenza di fare tutto ciò che vogliono senza le regole di gravità o nessuno dei problemi che affrontiamo come esseri umani. Queste donne sono il mio veicolo per fare di tutto. Il blu è anche un modo per tenermi aperto alle possibilità e alla sperimentazione, in senso formale, perché se queste donne non sono reali, allora forse la luce nel loro mondo agisce in modo diverso o forse attraverso alcune cose strane nella composizione, io non lo sono. Posso non essere così vincolata.

Aria aperta, viaggio in campeggio sotto il cielo, gli scenari dei tuoi quadri, cosa significano per te?

Forse significa che non dovrei vivere in città.

C’è un senso di libertà nel tuo lavoro che amo. Che cosa significa per te la libertà? Pensi che oggi siamo completamente liberi o dobbiamo ancora lottare per ottenere quella libertà che meritiamo?

La libertà è uno stato d’animo. Il modo migliore per lavorare verso quella libertà è vivere la tua vita. Ama e lasciati amare. Si sta avvicinando abbastanza alla libertà. Immagino che l’altro lato della libertà siano i diritti umani fondamentali e il rispetto come persona autonoma. A tal proposito sì, abbiamo ancora tanto, tanto lavoro da fare.

Parlando ancora di libertà, e dal fatto che sei un’artista che rappresenta le donne nel tuo lavoro, qual è il tuo punto di vista sull’aborto? Non pensi che gli USA abbiano fatto troppi passi indietro?

Penso che l’aborto sia una questione profondamente personale e privata e nessuno ha alcun motivo per costringere qualcuno a mantenere una gravidanza e per questo sono Pro-Choice. Non esaminerò tutte le situazioni in cui l’aborto è una procedura medica salvavita. Odio l’idea che una persona incinta debba giustificare a chiunque cosa sia una decisione personale così difficile. È un enorme passo indietro per gli Stati Uniti e colpirà in modo sproporzionato i poveri. Ma fortunatamente gli Stati Uniti hanno tre rami del governo democratico, quindi spero che questa decisione non sia permanente per sempre.

Mi piacciono i tuoi dipinti perché non importa colore, genere, sessualità o stato d’immigrazione. Sono esattamente come dovrebbe essere il mondo. Qual è il tuo punto di vista?

Grazie, lo apprezzo. Non sono sicura di realizzare questi dipinti come una critica alla società, non sto necessariamente raccomandando a tutti di andare a vivere nella boscaglia come un culto del nudo blu, guidando in un fuoristrada. Questi dipinti sono roboanti, sono divertenti, si spera che siano consapevoli di sé, forse sono una tregua dalla vera follia della vita. Penso che anche il mio lavoro dia la priorità alla gioia, e questo è ancora un gesto radicale per i queer, un modo per loro di annunciare che pensano che la vita sia bella.

Trovare la tua pace e la tua gioia è la cosa più potente che puoi fare. Sai, l’unico modo in cui sembro essere in grado di fare il mio lavoro è se spengo il mio cervello accademico, attivo, ipercritico. Non ho mai fatto niente di così buono con quella parte del mio cervello con lui alla guida. Queste non sono immagini che sono state progettate in quel modo.

Mi piace giocare con i concetti formali della composizione, ma le immagini si uniscono in un modo che sembra un’esplorazione molto onesta e infantile.

Non ci sto pensando troppo, sto solo considerando ogni passo con attenzione e poi vado avanti. Forse questo rende me e il lavoro “semplici”, ma mi fido di più di tutto ciò che ho realizzato da un po’ di tempo.

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