Brett Seiler abita quella zona ambigua dove l’amore diventa sguardo e lo sguardo diventa confessione. Ogni figura, ogni spazio, sembra respirare un silenzio carico di tensione, come se la pittura stessa fosse un modo di ricordare ciò che si è amato — o che si è perso.

Nel caos gentile del suo studio, Brett Charles Seiler trasforma il disordine in rivelazione. I corpi che ritrae non sono mai soltanto corpi: sono testimoni di una presenza, di un momento fugace, di un’intimità condivisa e subito negata. C’è una sensualità quieta nei suoi interni, una malinconia che sussurra più di quanto mostri.

Brett Seiler non racconta: suggerisce, accenna, lascia che la vulnerabilità si depositi sulla tela come un segreto che non ha bisogno di parole.

Guardare un suo dipinto è come spiare dalla serratura un pensiero privato — non per violarlo, ma per sentirne il respiro. In quell’equilibrio fragile tra luce e silenzio, tra corpo e memoria, Brett Charles Seiler costruisce un linguaggio della tenerezza che sa essere anche resistenza.

Nelle tue opere, l’intimità è un atto di resistenza o di resa?

Credo un po’ entrambe le cose. Per esempio, c’è un dipinto in cui le figure si abbracciano, ma allo stesso tempo sembra quasi che stiano lottando. C’è quindi una sorta di dualità all’interno dei ritratti. Immagino dipenda anche dal singolo soggetto, dal suo stato d’animo — se desidera essere visto, oppure se preferisce qualcosa di più delicato e sensibile.

Nel tuo processo creativo c’è spazio per il silenzio, o è tutto rumore?

Creativamente parlando, direi che il mio processo è piuttosto tranquillo. C’è sempre della musica in sottofondo, ma anche momenti per un pisolino pomeridiano o per leggere un libro. Il vero rumore nasce quando rifletto intensamente su un dipinto, quando rimugino su una decisione presa nel lavoro. È in quei momenti che tutto diventa un po’ caotico: cerco significato in piccoli segni, in tracce minime.

Tutto è sparso sul pavimento, e piano piano resta lì, prende forma, finché non trova il suo posto nel dipinto.

Anche quello, in fondo, è un tipo di rumore. Quindi, direi: non troppa chiarezza, almeno finché l’opera non si sente completa.

Il tuo studio è un santuario o un campo di battaglia emotivo?

Il mio studio è letteralmente una bomba di immagini di riferimento, vernici, cartoni, sedie… tutto è un po’ caotico.

Sembra un rumore costante, necessario a creare qualcosa, ma in realtà tutto si placa quando il lavoro è finito.

È allora che arriva il momento di riflettere e vedere cosa è emerso da questo “campo di battaglia emotivo”. Ma un santuario, no, il mio studio non lo è affatto.

La tua arte è spesso corporea: il corpo che dipingi è un oggetto, un amante o un alter ego?

Dipingo i miei amici, i miei amanti, le mie muse e le persone che incontro lungo il cammino. Credo che non si tratti solo del corpo in sé, ma del modo in cui quel corpo è collocato, di come interagisce, se guarda un altro corpo — o se guarda chi osserva.

Usi spesso le stesse palette di colori: sono conforto, ossessione o un linguaggio segreto tra te e la tela?

Ho iniziato con una gamma monocromatica perché dipingevo vecchie fotografie, che erano in bianco e nero — o a volte in seppia. Penso che questa onda di colore trasmetta una sensazione di nostalgia, come un ricordo che svanisce. Quindi, direi che i colori, più che una scelta, sono un sentimento.

Quando dipingi una figura solitaria nello spazio, cosa vuoi dire sulla sua solitudine e sulla sua sensualità?

Dipingerne una sola, credo, significa semplicemente catturare un momento fugace. È come un segno che dice “sono stato qui”, qualcosa di quasi esistenziale. Essere intrappolati, da soli, nei quattro angoli di un dipinto. Mi piace pensare che le persone possano riconoscersi in questo: nel vedere qualcuno da solo, talvolta nudo, o solo nell’atto di cambiarsi. È un istante — non del tutto privato, ma neppure esplicito. Solo un frammento di quotidianità, un momento qualunque del giorno.

I tuoi interni raccontano segreti: sono rifugi, trappole o inviti?

Dipende molto dall’ambiente. Un tempo dipingevo persone negli appartamenti, esplorando l’idea di costruire o inventarsi una casa. Ora invece dipingo persone nel mio studio, immersi nel suo caos — pieno di piccoli indizi, riferimenti a lavori precedenti, frasi e annotazioni sparse. Mi piace pensarlo come una sorta di tana del bianconiglio. Che poi gli altri lo vedano come un rifugio o come una trappola, beh, questo dipende dallo sguardo di chi osserva.

Le tue scene spesso sembrano intime e private: c’è mai un momento in cui ti senti un intruso o un collaboratore?

È un invito a entrare nel mio studio, nella mia mente, nella mia vita privata — in effetti, sembrano quasi pagine di un diario. Essendo un lavoro così autobiografico, credo che la possibilità di intrusione sia inevitabile, ma non per colpa di nessuno: semplicemente, si tratta di uno sguardo da voyeur. Penso che il modo per collaborare, invece, sia sentire la stessa cosa, o riconoscersi nel dipinto.

Cosa ti manca di più nella vita?

Mio papà.

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Domingo El Chino è cresciuto a Mérida, tra rovine romane e sculture di nudo che gli hanno insegnato, fin da piccolo, che il corpo non è mai peccato, ma memoria, verità, bellezza. Formatosi tra le aule dell’Università di Barcellona e le strade del mondo, oggi è uno degli artisti più sensuali, ironici e liberi della scena queer europea. Le sue opere sono una dichiarazione di intenti: gioiose, carnali, sempre in bilico tra tenerezza e trasgressione, tra erotismo e spiritualità pop.

Per TOH! Domingo si racconta senza pudore e senza posa: dalla scoperta della pittura con un maestro sordo, ai suoi baci ribelli tra uomini, passando per l’arte come strumento politico, intimo e necessario. Un’intervista che è come lui: intensa, colorata, sexy, e dannatamente viva.

Mettetevi comodi. O meglio, scomodi.

Quando hai iniziato a dipingere?

A quanto pare, avevo già un certo talento per i disegni complessi fin da piccolo. A otto anni, i miei genitori mi portarono a prendere lezioni di pittura a olio nello studio di un pittore locale. Lui si dedicava alla riproduzione di opere del Barocco spagnolo: Velázquez, Zurbarán, Murillo… Io ero impegnato a imparare come costruire una composizione, lavorare sugli sfondi, e mi cimentavo già con nature morte semplici.

La cosa magica di quell’apprendistato era che il maestro era sordo e muto, quindi dovemmo inventarci un nostro metodo di comunicazione.

Più tardi, questo pittore lasciò il paese in cui vivevo con la mia famiglia, e fu il parroco a prendere il suo posto nell’insegnarmi a dipingere. Dipingeva in stile impressionista, e mi insegnò a usare tutta la gamma dei colori.

Cosa significa per te l’erotismo?

Vengo da Mérida (Spagna), l’antica capitale romana della penisola iberica. Sono cresciuto circondato da sculture di nudo ed opere pittoriche erotiche. L’erotismo è sempre stato molto presente nella mia vita, e sempre legato all’arte. Quando ho frequentato l’Accademia d’Arte a Mérida, ho iniziato a disegnare e dipingere imitando le sculture greche e romane. Lì ho cominciato a comprendere la natura sinuosa della curva e a lasciarmi andare, superando le inibizioni nel rappresentare genitali, pose e altre parti anatomiche legate all’erotismo.

Ho sempre associato l’erotismo all’arte e lo considero una parte fondamentale della vita.

Oggi vedo l’arte omoerotica come uno strumento molto potente per la visibilità della comunità LGBTQIA+ e come un’arma per combattere tutte le posizioni radicali che cercano di sopprimere i diritti di persone omosessuali, bisessuali, transgender e di altre identità.

Il sesso è, senza dubbio, un elemento centrale nella tua arte. Come lo descriveresti?

Il sesso non si può descrivere a parole, perché è un linguaggio non verbale. Per questo uso l’arte per affrontare quel tema.

Se dovessi provarci, lo definirei come una forma di relazione—una relazione umana antichissima, in cui le persone usano i loro corpi, il respiro, i fluidi e le voci per generare un’energia reciproca e piacevole. Per me, questo è il sesso sano, e sì, credo che ci sia sempre una componente d’amore.

Trovo molto interessante il tuo uso del colore. Come nascono i contrasti e le combinazioni?

Dipingo per rendere il mondo più bello. Per me, il colore è stimolante e dona vitalità all’immagine. È una sorta di catarsi. Penso a chi guarda i miei quadri, e voglio che provi piacere non solo per la scena rappresentata, che a volte può essere cruda, ma anche per il gioco. Il gioco, il divertimento, l’intrattenimento e la gioia sono elementi fondamentali nel mio lavoro.

Per me, l’amore è collegato alla luce, in un senso profondo o spirituale.

Cosa ti emoziona di più quando dipingi?

Senza dubbio, i baci tra due uomini mi sembrano il gesto più rivoluzionario di questa epoca. Sono le scene che amo di più dipingere. Sono anche le più difficili, perché bisogna stare molto attenti con i pennelli: una pennellata sbagliata può cambiare completamente il risultato. I peni sono facili da dipingere e, per me, meno stimolanti. Anche se una bocca vicino a un pene è, in fondo, un altro tipo di bacio. Ma per rispondere alla tua domanda: sì, i baci sono ciò che preferisco dipingere.

Le scene che rappresenti sono tratte da esperienze reali?

In realtà ne ho praticate alcune, quelle più comuni. Non ho vissuto abbastanza per sperimentare tutto ciò che dipingo. E nemmeno vorrei.

Penso che la fantasia sia un elemento molto importante della sessualità, sia individuale che condivisa.

Dipingo molte fantasie tratte dalla memoria collettiva più che da esperienze personali. Le mie esperienze sono molto normali. Non ho un catalogo così vasto come quello che rappresento nei miei quadri, ahah. Non scopo così tanto.

Come definiresti il tuo stile pittorico?

Il mio stile è sicuramente libero, sciolto. Una pennellata troppo rifinita produrrebbe un risultato completamente diverso.

La gioia, la spontaneità e quel po’ di caos sono più in linea con l’idea di sesso ed erotismo che ho in mente.

Altrimenti, tutto risulterebbe molto serio, e secondo me la vita non è una cosa seria.

Nelle tue opere si alternano tenerezza e momenti di dominazione. Come spieghi questa dualità?

Come dicevo prima, la fantasia è un forte motore per la rappresentazione. So che ci sono persone che si sentono a proprio agio sia nel ruolo dominante che in quello sottomesso, ma non è il mio caso. Mi interessa di più osservare come le persone che vogliono sperimentare usano elementi formali di altre pratiche sessuali per divertirsi e conoscersi meglio. Per me, la salute sessuale—basata sul rispetto e il consenso—è l’aspetto più importante nella sfera affettiva e sessuale di una persona.

La tenerezza si combina facilmente con il piacere sessuale.

Gli esseri umani, a prescindere dal genere o dall’orientamento sessuale, anche le persone asessuali, sono esseri sensibili e apprezzano le attenzioni. È la base della felicità e del benessere.

Hai mai raffigurato un’esperienza personale in una tua opera?

No. Mai. Alcune opere possono somigliarvi, ma non è qualcosa che mi interessa.

Tuttavia, ho ricevuto commissioni da persone che hanno fotografato i loro momenti sessuali e mi hanno chiesto di dipingerli. Per loro è qualcosa di speciale.

Ho persino clienti che mi hanno chiesto di dipingere i loro genitali e poi li hanno esposti in casa. Tradizionalmente, questa si chiamava “arte da camera da letto”, e non è una novità. Possiamo pensare a Francisco de Goya, Andy Warhol, Tom of Finland, ecc.

Se dovessi associare una canzone alla tua arte, quale sceglieresti?

Silence Is Sexy degli Einstürzende Neubauten.

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Le opere di Jean Bosphore, in cui tutto sembra fermo e sereno, raccontano un ideale di tranquillità apparente che nasconde sfumature più profonde di solitudine e introspezione. I suoi dipinti ad olio evocano l’atmosfera dell’iconico film di Jacques Deray, La Piscine: non troviamo il bellissimo Jean-Paul interpretato da Alain Delon, ma altri uomini, comunque affascinanti, che provengono dai social e dalle amicizie, riflettendo così una dimensione più personale e contemporanea.

I colori freddi che caratterizzano le sue scene creano un’atmosfera avvolgente e seducente, esprimendo una sensualità elegante e raffinata, quasi troppo fine. Jean Bosphore è architettonico e ricercato: controlla ogni aspetto del suo lavoro e non lascia sfuggire alcun dettaglio, creando composizioni perfette che sfidano il confine tra realtà e immaginazione. In questa intervista, Jean Bosphore ci racconta il suo approccio alla pittura e la sua visione della società contemporanea.

La composizione è una delle caratteristiche della tua arte, sei così schematico anche nella vita?
Un amico una volta mi ha descritto come “chirurgico”.
Direi di sì, sono (molto) organizzato. Amo l’ordine! A volte sembro rigido, ma è così che trovo il mio equilibrio. Anche nel mio processo di lavoro, tutto è piuttosto metodico.

Le tue opere evocano il caldo, la salsedine sulla pelle, il bruciare del sole, ovviamente l’estate. Che rapporto hai con questa stagione?
Ho sempre amato l’estate. È un periodo di realizzazione per me.

Amo tutto di essa: il caldo, il sole, l’ombra, nuotare, il gelato… Inoltre, le persone sono più rilassate e anche molto più sexy!

Il tempo sembra anche sospeso, e sento che la noia è più accettabile, anzi, benvenuta.

Perché rappresentare momenti di calore con toni freddi?
Penso che mi piaccia il contrasto di rappresentare un momento estivo con un freddo blu-grigio. Recentemente sono diventato ossessionato da questa tonalità. Credo che tutto sia iniziato dopo un viaggio a L.A. Ho trovato la luce lì così bella, sembrava tutto sbiadito, desaturato, vicino a questo blu-grigio. Forse una miscela di inquinamento e troppo sole. E poi è anche meno prevedibile e ovvio di un tramonto arancione, tipo la vibe della “golden hour”.

Chi sono gli uomini raffigurati?
Oh, dipende! La maggior parte delle volte, uso foto che trovo online, le quali reinterpreto e mi approprio. A volte provengono da campagne pubblicitarie, altre volte sono di ragazzi che trovo attraenti su Instagram. E a volte, sono foto di amici.
Di solito, ho un’immagine molto chiara in mente! Posso passare ore, anche giorni, a cercare il personaggio giusto, la posa giusta, l’angolazione giusta.

Cosa rappresenta per te la nudità? Ha una particolare importanza anche nel tuo quotidiano?
No, la nudità va di pari passo con la mia stagione preferita: l’estate. Nelle mie opere, i corpi nudi sono semplicemente una rappresentazione di un’ambientazione sulla spiaggia o di un pomeriggio in piscina! Di conseguenza, un corpo nudo, per me, evoca sensualità e desiderio.

Che genere musicale attribuiresti attualmente alla tua arte?
Oh, adoro questa domanda! In realtà amo la musica—tanti stili diversi!

Ho creato gran parte delle opere che vedi qui ascoltando un album che mi ha plasmato e cambiato la vita: Dream of Life di Patti Smith!

Ma se dovessi associare un tipo di musica al mio lavoro, sarebbe disco—come Cerrone—o qualche vibe Italo-disco! Qualcosa di solare, energetico, sexy e groove. E allo stesso tempo, nostalgico e malinconico, come un’era perduta.

Quando e come è nato il tuo rapporto con la pittura ad olio?
Il mio percorso con la pittura a olio è piuttosto recente—ho iniziato a maggio 2024!
Ho cominciato con disegni iperrealistici a matita nel 2015. Poi sono passato ai pastelli colorati, poi alla pittura acrilica.

Passare all’olio è stata una rivelazione, un vero cambiamento. E non tornerei mai indietro.

La passione per l’architettura?
La mia passione per l’architettura è iniziata da giovane. Volevo fare l’architetto prima di passare al design del prodotto. Quindi, sono sempre stato attratto dall’architettura e dagli oggetti, ancora di più dopo aver scoperto i costruttivisti russi—Lissitzky, Théo van Doesburg, il movimento Bauhaus…
Penso che queste influenze giochino un ruolo importante nelle mie composizioni!

Se dovessi descrivere il “tuo” rapporto con la società contemporanea attraverso una metafora visiva, quale sarebbe?
Direi Portrait of Clive James di Jeffrey Smart. Adoro questo dipinto perché, per me, rappresenta la società contemporanea in modo distopico—dove il ritratto è solo un piccolo dettaglio all’interno di un’ambientazione architettonica opprimente! E quella luce incredibile…

Oltre lo spazio, la composizione, l’arredamento e tutti gli elementi che incorniciano le tue opere, a volte i protagonisti sembrano sospesi, assenti, pensierosi. È così? Perché?
Esattamente! Quel paradosso è ciò che adoro esplorare nelle mie opere. È un lato più oscuro di me.

Cerco di creare un senso di solitudine e noia. Anche la malinconia—adoro quella sensazione!

Queste scene estive, che sembrano ideali a prima vista, in realtà rivelano un personaggio che è spesso solo, perso nei suoi pensieri. Fa riflettere. Tutto sembra perfetto, ma probabilmente ha bisogno di terapia! Haha (proprio come tutti, in realtà).

L’intimità è sicuramente una delle tue forze pittoriche. È la tua intimità che si riflette nell’arte, o sono diverse intimità che si mescolano per emanare la sensazione a chi osserva?
Beh, l’intimità per me è un po’ come un segreto… Che io, però, non sono, haha!
Ma seriamente, l’intimità che mostro nelle mie opere dipende dalla storia che voglio raccontare e da come voglio farlo.
A volte si basa su momenti intimi che ho vissuto, che romanticizzo o trasformo. Spesso mi sento un narratore, che porta lo spettatore in un mondo—reale o immaginato.

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Igor Mortiz illustra la figura umana in un modo molto personale, le sue composizioni ricordano un po’ grandi artisti come Matisse e Francis Bacon. Igor illustra persone a lui care, persone importanti nella sua vita a cui però lo spettatore può specchiarsi e immedesimarsi. Igor ti porta in un mondo parallelo, a tratti fantastico e cromaticamente surreale.

Quando hai iniziato a dipingere?

Ci sono stati un paio d’inizi diversi per me. Il disegno è stato qualcosa che ho sempre fatto, prima come fonte di umorismo nei miei primi anni, poi come modo per comunicare le cose a cui tenevo durante il mio primo anno di scuola all’estero. Tutto questo ha avuto poi seguito con una grande passione per i graffiti che avevo nella mia prima adolescenza, che mi ha portato a iscrivermi al liceo artistico. Tuttavia, penso che l’inizio principale sia stato dopo aver compiuto diciassette anni, durante una gita scolastica in plein air, dove ho capito che volevo vivere la mia vita attraverso la pittura.

Come ti senti durante l’atto creativo?

Poiché la pittura è un processo molto lungo e a volte mentalmente estenuante, è seguito da un’ampia gamma di stati d’animo ed emozioni.

Ci sono momenti in cui il ritmo è veloce, tutto è molto piacevole, quasi estatico; in altri momenti può sembrare molto noioso e scoraggiante.

Tutto questo dipende dall’ora del giorno e dallo stadio in cui mi trovo con un dato dipinto.

Cosa ti ispira maggiormente?

Può essere qualsiasi cosa, da un camino dalla forma strana a una nuvola gonfia.

Ci sono cose eccitanti che vale la pena “estrarre” dappertutto.

Ma devo dire che la cosa che mi spinge di più a iniziare a lavorare sono le diverse giustapposizioni di colore che incontro nella vita quotidiana.

Pur essendo etero, quanto ti senti vicino alla comunità lgbtq+?

Questa è una domanda piuttosto difficile a cui rispondere in modo esauriente. Ho molti amici di quella comunità a cui tengo profondamente.

Chi sono i soggetti che illustri?

Dipingo le persone che sono nelle mie cerchie più vicine; la mia compagna, i miei amici e la mia famiglia. Sento che con ogni dipinto che faccio a qualcuno posso vedere i loro volti con un po’ più di profondità. Questo rende interessante per me dipingere le stesse persone più e più volte, dove con ogni dipinto riesco a graffiare le superfici un po’ più in profondità.

Ci parli un po’ della tecnica e del colore che utilizzi?

Forse la cosa che è abbastanza caratteristica in molte delle mie tele è che effettuo la maggior parte delle regolazioni direttamente sulla tela. Quindi ogni lavoro finito sarà stratificato con molti dipinti diversi uno sopra l’altro.

Una varietà di diverse composizioni, stati d’animo e persino le persone possono cambiare.

Per quanto riguarda il colore nel mio lavoro, cerco di trovare le combinazioni che fanno cantare il dipinto nel tono giusto.

Come stai trascorrendo l’estate?

Sono appena tornato da un mese di residenza a Cinq-sur-mer nel sud della Francia, quindi ora il mio desiderio principale è rimanere un po’ a Londra e riprendere il mio normale ritmo di vita.

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Tutto è fortemente importante nella pittura che Giulio Catelli produce; il colore, il tratto la composizione e soprattutto i soggetti. Ragazzi raffigurati in vari contesti e momenti della vita quotidiana, che sono legati a Giulio Catelli dalla memoria. In palestra, lungo il fiume Ete, questi uomini dal tratto che a volte sembra toccare una forma d’astrattismo ci fanno emozionare, riflettere e sognare.

Giulio Catelli riesce a creare un’atmosfera seducente nonostante i suoi dipinti non raffigurino atti espliciti o nudi integrali, ma ci regalano cosi una sensualità poetica e raffinata.

Quando hai iniziato a dipingere?

Ho cominciato abbastanza precocemente sulla spinta degli esempi familiari: i nonni pittori da entrambe le parti, mio padre scultore e mia madre disegnatrice e illustratrice. 

Verso i quattordici anni avevo già una cartellina di disegni e un quaderno di caricature dei professori. I piccoli dipinti che sono seguiti, hanno in gran parte questo tono scherzoso e ironico.

 Qual è stato il tuo percorso artistico?

È stato piuttosto canonico, con l’Accademia di belle arti integrata da un Corso di laurea in studi storico – artistici; sia in un’istituzione sia nell’altra, la possibilità della pittura come pratica contemporanea era trascurata, sottostimando peraltro, anche molti assunti di base degli altri media espressivi.

Mi appassionava soprattutto l’arte europea degli anni trenta; all’università di Roma potevo attingere ai testi del fondo Venturi, con i libri ingialliti e friabili, come i rotoli di Qumran. 

Ho lavorato soprattutto sul paesaggio, all’inizio suggerito e larvale, poi sul ‘vero’ in presa diretta en plein air, a segnare una predilezione per gli spazi aperti e per una luminosità piena e ariosa. 

Nel tempo non sono molto cambiati i soggetti, il paesaggio e la figura sono rimasti ad avvicendarsi; spero invece, che si sia ampliato il modo di sentire e di avvicinare le cose del mondo. Ma se dovessi dire cosa ha influenzato di più il mio percorso, direi senza dubbio l’incontro con altri pittori, prima avvicinati e poi divenuti amici.

Ricordi quando hai terminato il tuo primo dipinto? Cosa ti ha provocato?

Il primo quadro l’ho dipinto una sera insieme a mia sorella Raffaella, ricordo soprattutto il senso della sorpresa, questo anzi direi, è il sentimento che è rimasto a identificare il mio rapporto con la pratica della pittura. Nei tentativi degli inizi, ero attratto dal calore della materia, dalla corporeità degli impasti.

Spesso, dopo aver riposto i lavori ad asciugare nello sgabuzzino delle scope (il primo sacrarium della pittura), tornavo per vedere se quel brivido, se quel “pulsare” del colore che osservavo in corso d’opera, si fosse spento o se invece, si fosse saldato nell’amalgama dell’immagine.

 Chi sono per te gli uomini raffigurati?

Al momento sono più che altro ragazzi, soggetti d’affezione tanto generici quanto legati a memorie autobiografiche, figure colte nelle pause dalla scuola o sullo sfondo dei parchi cittadini.

Possono anche essere ritratti di amici e talvolta, autoritratti. 

Più in generale credo di poter dire, che la figura proprio per la sua fisicità e l’addensarsi di dimensioni narrative e psicologiche, vada ridimensionando aspetti allusivi e metaforici: di entrare in contatto con quanto di concreto, espressivo, se si vuole anche impuro, è nella vita e nel presente.

Che importanza ha nella tua vita la figura maschile?

Questo potrebbe essere più un quesito psicoanalitico che pittorico.

La pittura si serve di tutte le pulsioni, anche di quella sessuale ma insieme con altre forze e risorse.

Tuttavia la domanda è proprio sulla figura umana e d’istinto, penso immediatamente alla bellezza: ma quale bellezza? L’unica che m’interessa è oltre il canone, quella che si manifesta più profondamente nella libertà d’approccio, nelle ‘occasioni’ del quotidiano, imprendibile e sublime.

Così posso dire che fra l’esibizione dello strazio, tanto presente in gran parte della scena contemporanea e invece, la possibilità di una fiducia nei sensi e nei sentimenti: ho scelto proprio quest’ultima via, quella che spero lontano da una sciocca celebrazione, tenti una ricomposizione dei nostri conflitti.

Ci parli un po’ delle tecniche che utilizzi? 

Non utilizzo una sola tecnica, la tendenza sarebbe di disfarsi dei passaggi obbligati, di uscire da quei principi, metodologie che a mio avviso possono costituire un ostacolo all’espressione.

In generale sono per una certa fluidità del segno, per una forma che tende a essere aperta libera da una progettualità vincolante. Dipingo in modo che la traccia del colore assuma una valenza corsiva e un po’ grafica, con spazi bianchi tra le stesure.

I colori dei tuoi dipinti si alternano da tonalità neutre e delicate a tocchi caldi e freddi più intensi, ci parli del tuo rapporto con il colore?

Il colore nel mio lavoro non ha una sua ragione solo in riferimento a una forma esterna, ha una fisicità propria, una consistenza che gli viene dal gesto, dal tocco che tutto il corpo con le sue tensioni e i suoi umori gli imprime.

Per registrare questa varietà di tracce e stesure, di preferenza dipingo su un supporto chiaro in modo che i toni abbiano una lucentezza interna.

Impasto fino a ridurre a una poltiglia neutra la pasta brillante dei tubetti, ricavandone una sorta di grigio grafite con cui do avvio al quadro; può capitare che continui su un registro basso come di bordone, più spesso lascio esplodere il colore in tutta la sua luminosità.

I tuoi lavori sembrano avere un velo di malinconia, è cosi?

Senz’altro la malinconia è un tratto del mio temperamento, disposto al ricordo e alla divagazione bizzarra.

Tuttavia, senza indulgere in un pessimismo arrendevole (cerco anzi di contrastarlo), direi che la pittura si possa nutrire anche di una certa esitazione, di un’ombra, di un indugio che sottragga l’immagine alla pura rappresentazione.

Mi accorgo di desiderare una misura tranquilla e accogliente, questo tuttavia, non mi impedisce di sentire l’esigenza di dover precisare, mettere a fuoco e ancora di studiare.

Cosa ti ispira maggiormente nella vita?

Direi la vita stessa. Nonostante le timidezze, la ritrosia – e talvolta i blocchi- quello che cerco, probabilmente a contrastare questi aspetti caratteriali così frenanti, è proprio l’immersione dinamica e imprevedibile delle cose del mondo. 

Hai in programma delle mostre?

Qualcosa è in cantiere. Sto mettendo insieme appunti e disegni, sul paesaggio che vedo ogni mattina aperte le imposte, e ancora lavoro alle immagini dei ragazzi impegnati nelle partitelle di calcio, o negli spostamenti tra casa e scuola: figurette allegoriche dell’immediatezza gioiosa e semplice della pittura. 

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Un’arte narrativa, riflessiva e intima. Silvia ci trasporta nel suo mondo interiore, ricco di vari aspetti e di turbolenti stati emotivi. Si mette a nudo allo spettatore in terza persona attraverso uno scenario ricco visivamente di vari oggetti e soggetti che mantengono un equilibrio visivo. Il rapporto con la natura è fondamentale per Silvia, come il rapporto con gli animali, ad esempio il cavallo a cui dona una serie di dipinti celebrandolo nella sua maestosa bellezza fisica ma anche sottolineando la sua potente natura simbolica. Silvia ci fa sicuramente riflettere che se nella vita si rincorrono i propri sogni, e si fa della propria passione un lavoro in parte hai vinto con te stesso, aldilà delle mille difficoltà che si possano riscontrare. 

I dipinti di Silvia raccontano se stessa, ma raccontano un po’chiunque, tra mille emozioni e mille paure da affrontare quotidianamente. 

Chi è Silvia, ci parli un po’ di te?

Sono nata nel 1986 a San Fernando, Cadice. Mi sono laureata in Belle Arti presso l’Università di Siviglia e, nonostante il mio lavoro sia pieno di cinematografia e composizioni che ricordano molto la fotografia (un’altra mia passione), i miei riferimenti sfociano in temi molto più profondi.

Il punto di partenza del mio lavoro è la mia infanzia e le esperienze passate.

È per questo che le mie radici di Cadice sono palpabili nelle mie creazioni. Le montagne di sale, la spiaggia, il mare e la mia terra costituiscono una realtà artistica che tuttavia ci trasporta.

Come vive in Spagna un’artista?

Ho la fortuna di potermi dedicare e sopravvivere con ciò che mi piace, ma come sottolineo “sopravvivo” perché questo è un “otto volante costante”.

In questo Paese gli artisti non sono pienamente valorizzati o curati, a cominciare dalle istituzioni.

In altri paesi europei, gli artisti hanno molte più strutture per esercitare questa professione. A volte esporre il tuo lavoro ti costa denaro a causa della produzione di materiali, tempo e scarse vendite. Insomma, sono molto contenta di fare quello che faccio, ma attualmente dedicarsi alle arti visive o alla cultura in generale in questo paese è difficile.

Cos’è per te l’arte?

Credo che l’arte sia tutto, è la bellezza che risiede dentro ognuno di noi con i nostri punti di forza e di debolezza. L’arte è una parte indispensabile oggi affinché tutto non sia così grigio.

Chi sono i soggetti che raffiguri, come ad esempio gli uomini?

Il mio lavoro è nutrito da un processo fotografico esaustivo che mi aiuta a formare collage unici catturati attraverso la pittura. I personaggi che di solito rappresento nei miei lavori sono persone profondamente radicate nel mio ambiente.

Parto dalle mie immagini che mi aiutano a rivelare la realtà che voglio raccontare in un determinato momento.

Uso sia le mie fotografie con simboli autobiografici, sia fotografie che trovo e poi modifico per creare l’ambientazione per il mio lavoro.

Spesso nei tuoi lavori troviamo una contaminazione tra l’uomo e l’animale, perché?

All’interno dei miei dipinti possiamo vedere i paesaggi invasi da qualcosa di più dell’umano, di solito attribuisco al protagonista la figura del cavallo. Non è affatto banale che sia quello e non un altro animale. La figura del cavallo rappresenta nelle diverse culture e religioni un simbolo di forza e potenza.

Quindi, consapevolmente o inconsapevolmente, utilizzo un animale di potere, nobile e leale, e lo rappresento in varie situazioni con il protagonista; a volte sconfitto, a volte lontano… A volte inerte.

Forse, la sensazione di potenza e forza che ci dà la loro presenza è in realtà la rappresentazione di potenza e forza che io stesso cerco di mostrare, timidamente, nella rappresentazione del mio modo di affrontare le mie stesse emozioni e le mie stesse paure.

Ed è così che, a volte senza forze, a volte ferita, cerco di curare i miei sogni vitali, con la loro rappresentazione plastica.

Questo o altri animali sono quelli che mi permettono di passare dal piano fisico a quello spirituale.

Quanto e perché la natura è importante per te?

Il mare, le saline e tutti i paesaggi che rappresento sono la base fondamentale per comprendere il mio progetto. L’importanza sta nell’essere l’idea portante del mio progetto, della mia terra, delle mie origini, dei miei ricordi, delle mie esperienze.

I tuoi lavori trasmettono molto contatto fisico. Sei una persona molto fisica ?

Sì, lo sono. Le relazioni personali che abbiamo tra di noi sono ciò che ci forma come persone e ci rende ciò che siamo.

Cos’è per te la libertà?

Per me  la libertà, è alzarsi ogni mattina e poter lavorare su ciò che mi piace.

Che musica attribuiresti alle tue opere?

Di solito ascolto musica di tutti i generi, ma principalmente ascolto musica indie e gruppi come The xx, The Smiths, Ivan Ferreiro e Vetusta Morla.

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Il colore, la natura, i miti sono i protagonisti di un’arte ricca di gioia, vitalità e luce che attraverso delle pennellate Rodrigo riesce a regalarci nei suoi lavori. Un’arte focalizzata sull’universo gay, sull’ambiente che tanto ama e tutela e sugli animali. In particolare la tartaruga ricca di innumerevoli significati come la forza e la tenacia. Uno degli animali più antichi che ha una grande importanza sia per il regno animale che per molte persone come Rodrigo. Tanto da dedicargli una serie di dipinti.

Rodrigo ci manifesta una libera voglia di vivere la propria vita dopo una tempesta interiore per trovare se stesso.

TOH! Ha chiesto a Rodrigo di farci entrare nel suo studio per immergersi pienamente nella sua arte.

Ciao Rodrigo, ci parli un po’ di te e del tuo background artistico?

Sono nato nel 1993 in una piccola città della Mancia, in Spagna. Una zona molto rurale e un ragazzo gay all’epoca non andava bene così a 19 anni mi sono trasferito a Londra, per poi tornare in Spagna e studiare belle arti a Salamanca. Dopo la laurea ho vissuto a Valencia e Barcellona per poi trasferirmi a Madrid, dove penso che rimarrò ancora un po’.

Venendo da una città e da una famiglia molto tradizionale, c’è stata molta strada prima che io arrivassi ad accettare e abbracciare pienamente la mia sessualità. 

Il mio lavoro è una specie di mia personale rivendicazione poetica delle vite queer.

Come definiresti il tuo processo creativo?

Direi che è un processo di continua scoperta e sperimentazione. Uno dei miei obiettivi come artista è godermi il processo, perché non diventi noioso e cerco di creare le condizioni affinché la magia avvenga.

Lo faccio aprendomi al mondo che mi circonda, cercando di prestare più attenzione possibile, leggendo, cercando riferimenti visivi, studiando storia dell’arte e navigando in internet.

Qualcosa di veramente importante nel mio processo creativo è permettermi di deviare dall’idea iniziale e lasciare che diventi qualcos’altro, ascoltare gli indizi e seguirli.

Chi sono i soggetti rappresentati?

Da uomo gay la mia arte è focalizzata sulla rappresentazione di vite queer, sulla creazione d’immagini che ci diano speranza per un futuro migliore. I soggetti del mio lavoro lo rappresentano e di solito sono persone che conosco o ammiro.

Un’altra parte del mio lavoro è mettere in discussione i messaggi e i valori nascosti che l’arte, la mitologia e la storia inviano alla società e come influenzano la comunità LGBTQ+.

È così che sono nate le mie “Queerterpretations”, cercando di cambiare le narrazioni eteronormative per renderle più inclusive e meno violente. Ad esempio, puoi vedere alcune illustrazioni in cui Medusa è sopravvissuta e gli uomini hanno imparato a dialogare con lei, Teseo non ha ucciso il Minotauro (e forse si è innamorato di lui), San Giorgio non ha ucciso il drago, e invece la damigella lo ha combattuto per salvare se stessa e il drago.

Che valore e significato ha per te la figura della tartaruga, spesso ricorrente nei tuoi lavori?

Sin da quando ero bambino sono stato ipnotizzato da loro, le tartarughe sono semplicemente incredibilmente belle e uniche. Non so davvero perché, ma ho un legame molto forte con loro, le tartarughe sono apparse nei miei sogni per tutta la vita e il giorno in cui mi sveglio dopo averle sognate sono un po’ più felice.

Credo che abbiano così tante cose da insegnarci, soprattutto oggi, in questo mondo in cui non smettiamo mai di correre. 

Le tartarughe ci dicono che ci sono altri modi possibili e sostenibili di vivere sulla terra. Poiché non ci sono due tartarughe identiche sulla terra e tutte hanno il loro modello unico, ci insegnano il valore e la bellezza della diversità. 

Sono anche un simbolo di resilienza, pazienza, perseveranza, calma, fluidità e trasformazione.

I colori che utilizzi sono molto accessi in contrasto con le semplici linee delle figure rappresentate, che importanza ha per te il colore?

Il colore è molto importante per me, è qualcosa a cui presto molta attenzione. 

Da quando ho iniziato volevo che la mia arte fosse fonte di gioia per le persone. 

Volevo che le persone si sentissero meglio dopo aver osservato la mia arte, volevo che fosse letteralmente una fonte di luce, che trasformasse lo spazio e lo rendesse più accogliente e caldo, aperto alla risata e alla gioia.

Cosa ti ispira maggiormente?

In primo luogo, mi piace lavorare intorno alla figura maschile ma anche esplorare la queerness in generale.

In secondo luogo, gran parte della mia vita è il mio amore per gli animali e il mio impegno per l’ambiente, quindi penso sempre a come incorporarlo nella mia pratica artistica.

C’è un libro che hai letto che rispecchia o riflette un po’ il tuo essere artista e la tua arte? Se si quale?

Il libro che mi ha fatto capire che avevo davvero qualcosa da dire si chiama “La stregoneria e la controcultura gay” di Arthur Evans.

Una ricapitolazione dei crimini contro la comunità lgbtq+ che vanno avanti da secoli che mi ha motivato a iniziare a lavorare sulla rappresentazione queer e mi ha fatto capire che, ancora oggi, è ancora molto necessario per noi chiedere uguaglianza e combattere la discriminazione.

Mi ha anche dato il mio nome d’arte. Ho preso “De Brujas” (che significa Figlio delle Streghe) come mio cognome per onorare coloro accusati di essere streghe o peccatori e bruciati per questo.

Sono piuttosto un topo di biblioteca, quindi chiunque abbia una raccomandazione sui libri è pregata d’inviarli al mio Instagram @rodebrujas o via e-mail a rodrigodebrujas@gmail.com

Come stai trascorrendo L’estate?

Sono tornata da poco dal nord Italia, dove ho trascorso un mese lavorando su nuovi progetti e godendomi gli splendidi paesaggi di Alessandria. Ho trascorso un periodo così fantastico lì e sono stato ispirato a lavorare su molte cose nuove. Tornato in Spagna mi sto preparando per una mostra imminente mentre cerco di godermi l’ultimo mese d’estate.

L'articolo Rodrigo de Brujas: “Vorrei che la mia arte fosse fonte di gioia per le persone”. proviene da Toh! Magazine.

Le pennellate di Dan Ferguson donano un senso di riflessione e ricordo a ciò che è accaduto, un processo molto vicino all’artista ma anche alla società odierna che ha bisogno di attingere alle vecchie radici per poi proiettarsi a un futuro, sperando sia un futuro migliore. Integrazione, tolleranza sono alcuni dei messaggi che evincono dai dipinti di Dan Ferguson, che lotta in prima persona per eliminare ogni forma di discriminazione e ingiustizia. 

Chi è Dan? Quando hai iniziato a dipingere?

Sono un londinese di 47 anni, ora vivo appena fuori Belfast, nell’Irlanda del Nord. Ho sempre amato l’arte e sono andato a studiare arte nella mia tarda adolescenza, ma non ho iniziato a dipingere professionalmente fino al 2017.

Chi sono i soggetti che rappresenti ?

Rappresentano tutti i tipi di persone e luoghi che sono iconici di un’epoca. Potrebbero essere famosi o anonimi, riconoscibili o surreali, ma sono identificabili e ricordano le mie esperienze e i ricordi condivisi.

Le scene o i momenti che decidi di dipingere sono realmente accaduti o sono fonte della tua immaginazione?

Un po’ di entrambi. Prendo molto in prestito dai ricordi di altre persone, quindi sono anche accaduti. Sto utilizzando riferimenti e storie da inserire in un nuovo contesto visivo, spesso anche con i miei ricordi.

Come definiresti la tua pittura?

“Nostalgie indeterminate”. Penso spesso alla canzone “B Movie” di Gil Scott Heron, parla degli Stati Uniti nei primi anni ’80 e dice:

“L’idea riguarda il fatto che questo Paese vuole nostalgia. Vogliono tornare indietro il più lontano possibile, anche se è solo fino alla scorsa settimana. Non affrontare l’ora o il domani, ma guardare indietro”.

Penso che sia ancora molto importante. Semmai, guardo indietro solo nella mia arte, è un modo per ricordare ciò che mi interessa ora.

I tuoi colori pastello tendono ad avere spesso un’attenzione particolare al rosa, cosa ti trasmette questo colore?

Il rosa è un ottimo colore per altri colori. A patto che non sia troppo acido o ad alta crominanza. È un po’ come il grigio in quanto migliora l’aspetto degli altri colori, molto versatile e anche caldo alla vista. Inoltre, è carico di connotazioni di femminilità e infanzia, e non accetto quel messaggio.

Il rosa è per tutti!

Quando crei ti piace avere della musica in sottofondo, se sì cosa ami ascoltare?

Amo ascoltare la musica quando dipingo. Ho una vasta collezione musicale e facevo il DJ a vent’anni, quindi la musica è molto importante per me. Ma sarebbe davvero difficile darti dei generi particolari. Faccio un sacco di playlist su Spotify e provo a mischiarle in modo da potermi concentrare sul dipinto.

Cosa provi nell’auto dipingerti? Che rapporto hai con te stesso?

Non sono un grande fan dell’autoritratto. Ho fatto un paio di tentativi che sono passabili, ma penso che quelli che ho fatto velocemente siano molto meglio di quelli più studiati. In generale, il mio rapporto con me stesso è ok.

Cerco di tenermi psicologicamente a distanza di un braccio, per non soffermarmi troppo sulla mia opinione personale.

Non è per antipatia, ma più per non focalizzarsi sul mondo che mi circonda e sul mio posto al suo interno.

Cerco di essere una brava persona. Non sempre funziona, ma generalmente lo sono.

Cosa pensi del panorama artistico contemporaneo europeo?

In generale, ci sono così tante cose che non posso assolutamente accettare. Soprattutto con il lockdown è stato difficile tenere il passo a meno che non si utilizzino i social media. Tuttavia, ci sono così tanti fantastici giovani pittori provenienti dall’Europa dell’Est, dall’Italia, dalla Spagna, dal Belgio e dal Regno Unito. Sono orgoglioso di chiamare alcuni di loro miei amici. Queste persone stanno davvero spingendo il limite su cosa sia l’arte figurativa e su come possa essere riformulata. Lo adoro.

Ricordi la prima mostra in cui sei andato? Che emozioni ricordi di aver provato?

Ho iniziato ad andare alle mostre in giovane età. Mio padre dipingeva sempre, e ricordo di essere andato alla Tate Britain quando avevo 7 o 8 anni e amavo alcuni dei lavori presenti, altri li odiavo come delle sculture che non riuscivo a comprendere. Ricordo sempre di aver visto i dipinti di Cézanne quando ero giovane, e di amare i suoi segni e il colore.

Quando hai iniziato ad riscontrare successo per ciò che realizzavi?

Penso che il successo sia poter godere di bei commenti sul lavoro che fai. Se riesco a guadagnarmi da vivere vendendo arte, beh, è ​​fantastico, ma non è un successo perché non dovrebbe essere per questo. Apprezzo molto le vendite, ma le conversazioni e i bei commenti sono altrettanto importanti, perché non tutti possono permettersi il lavoro, ma tutti possono goderselo se lo desiderano.

I tuoi dipinti sono ricchi di messaggi che fanno riflettere su come ancora oggi il mondo non sia tollerante riguardo all’uguaglianza di genere, cosa pensi a riguardo?

Penso che ci sia un enorme squilibrio in termini di uguaglianza, genere, razza, classe e altro. La politica dell’identità e la disuguaglianza sono un problema enorme oggi e, in quanto maschio cis bianco ed eterosessuale, probabilmente non sono nella posizione migliore per dare la lezione a nessuno sulle mie opinioni. Cerco di leggere e ascoltare di più.

Sono un grande sostenitore della tolleranza e sfiderò l’intolleranza e la discriminazione ovunque la veda.

La mia arte sembra essere il posto migliore per fare discussione, perché può farlo in modo più sottile rispetto a quando ne parlo di persona.

Posso diventare piuttosto animato e arrabbiato per l’ingiustizia.

Come per ogni artista i propri dipinti sono un po’ dei figli partoriti dalla creatività, ma in particolare c’è un tuo dipinto che ti rappresenta totalmente? Se si quale?

Probabilmente il dipinto chiamato Make Room, dello skinhead sulla pista da ballo. È stato emozionante da realizzare, ma è andato piuttosto male al primo tentativo. L’ho lasciato da solo per un anno e poi l’ho rivisto e l’ho reso molto meglio. In un certo senso rappresenta me e il modo in cui cerco di risolvere i miei problemi.

Cosa ami fare nel tempo libero lontano dall’arte e dal lavoro?

Amo passare il tempo con i miei figli, ma onestamente sono un appassionato di calcio. Sono un tifoso accanito dell’Arsenal e vado a tutte le partite che posso. Amo il calcio, il cibo e un buon bicchiere di vino. Questo elenco potrebbe continuare all’infinito, quindi mi fermo qui.

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Mirza Cizmic è un artista finlandese che scopre la passione per l’arte sin dalla tenera età. Ciò che colpisce maggiormente dei suoi dipinti sono i contrasti tra reale e surreale che l’immagine finita riesce a trasmettere. I suoi dipinti vedono raffigurati uomini e donne in scene apparentemente ordinarie ma con dei dettagli che fanno pensare che di ordinario c’è ben poco: uomini con teste di scimmie, uomini travestiti da supereroi, donne anziane che osservano un ragazzo nudo a delle suore sedute con davanti dei dildi colorati. Mirza Cizmic attraverso questi dipinti regala ironia ma anche tanto mistero. Immagini spinte, accattivanti, ricche di riferimenti, una pittura descrittiva che ci porta in un mondo grottesco in cui Mirza Cizmic ci trova tanta bellezza.

Le opere di Mirza Cizmic saranno in mostra alla galleria Pogo di Helsinki dal 26 maggio al 13 giugno.

Ti ricordi quando ti sei approcciato all’arte?

Fin dall’infanzia, ho sempre avuto questa inclinazione verso la creazione di cose. La pittura era una di quelle attività che non riuscivo a smettere di fare.

Ricordo, ero un ragazzo molto curioso e creativo. Disegnavo e dipingevo in ogni posto che potevo.

Mio padre mi ha sempre incoraggiato a dipingere di più. Grazie al suo supporto ho sviluppato un senso per l’arte e le attività artistiche.

Cos’è per te l’arte?

Per me l’arte rappresenta la comunicazione con le persone alla velocità della luce. Questa affermazione non è mia, ma sono molto d’accordo con questa frase.

Come definiresti la tua espressione artistica?

Il linguaggio che sto usando non è fatto di parole, è colore, pennellate espressive e linee aggressive. Il senso di luce, spazio e atmosfera di un dipinto viene perlopiù naturale, ma anche attraverso il duro lavoro, o talvolta per caso.

La pittura è la mia espressione. Direi che per me la pittura è simile alla vita, è un processo che mi porta dalla confusione alla comprensione.

La pittura per me riguarda molto il contenuto. La cosa più difficile per me è sempre stato cosa dipingere e il perché. Allo stesso tempo, è un’attività molto intima e personale. Eventi specifici del mio passato sono stati cruciali per la mia pratica artistica. Il linguaggio che uso si basa sui miei istinti. Questi istinti sono divisi in due parti. Uno è oggettivo e formale mentre l’altro è soggettivo che mi appartiene come individuo.

Ci racconti un po’ della serie Stolen Memories?

Le serie Stolen Memories fanno parte del mio Exodus Project che ho iniziato nel 2018, eventi specifici del mio passato sono stati cruciali per la mia pratica artistica. I ricordi sono sempre con me, spesso mi ricordano come pensare e cosa dire. Il modo in cui dipingo è un modo di guardare il mondo, non attraverso i miei occhi di pittore, ma attraverso le mie esperienze. Sto usando le foto di qualcun altro per costruire il messaggio secondo il mio concetto.

Le immagini sono diventate strumenti necessari per servire il concetto di narrativa per la serie Stolen Memories.

Dipingo quello che sento, non quello che vedo.

È una pura risposta all’idea dei miei ricordi. Alcune risposte sono illogiche e  sto permettendo loro di emergere, sospendendo il mio giudizio critico. Nel contesto della mia infanzia, i dipinti avrebbero dovuto imitare l’esperienza soggettiva degli eventi accaduti. La maggior parte dei dipinti sono realizzati come una combinazione di più vecchie fotografie polaroid. È fondamentalmente un’estensione o un’amplificazione dell’approccio del collage.

Perché alcuni personaggi sono raffigurati dormienti?

Il sonno è uno stato di calma. È uno stato in cui i sogni diventano realtà. A volte abbiamo bisogno di riposare dalla realtà reale e trovare il nostro mondo, la nostra utopia. Con alcuni dei miei personaggi addormentati ho voluto rappresentare un bilanciamento che porta ironia all’intera composizione.

Quando ti è venuta l’idea di disegnare le donne anziane ?

L’idea è quella di rompere i tabù convenzionali e depoliticizzare la situazione e portare l’attenzione sulle donne come principale forza della società contemporanea. 

Qual’è la tua visione riguardo al grottesco?

C’è così tanta bellezza nel grottesco ma abbiamo solo bisogno di trovarla e capirla.

I tuoi dipinti sono molto provocatori e spinti, cosa vuoi denunciare attraverso i tuoi lavori?

La concezione dei miei quadri si basa su immagini specifiche che ho scelto. La fotografia è estremamente attraente e istruttiva. Mi è servito come base per la pittura per molto tempo. Uso sempre le foto anche se so che un tale processo è diventato parte del linguaggio pittorico contemporaneo. Mi sento libero di dipingere da qualunque fonte mi serva, per poter costruire un messaggio.

Che tecniche utilizzi per i tuoi lavori?

Dipingo principalmente con colori a olio. Recentemente ho iniziato a dipingere su primed paper. Mi piace la consistenza della superficie. La consistenza scivolosa di questa carta è un elemento molto importante dei miei dipinti recenti.

Che significato attribuisci ai supereroi che vengono spesso citati?

Per proteggerti a volte devi indossare una maschera. Sono cresciuto in un ambiente pericoloso e senza molta protezione avrei potuto prendere tante direzioni sbagliate. Molti degli eventi e delle interazioni dannose che mi sono successe in passato, soprattutto della mia infanzia, sono invisibili. Eppure li sento. Sono molto sottili, non posso sfuggirgli. Combatto costantemente con il mio passato; è una lotta infinita senza vincitori. Questo è uno dei motivi per cui dipingo i miei supereroi preferiti.

Forse da qualche parte nel profondo della mia anima ho bisogno di essere salvato o sono già stato salvato.

Non lo so ancora. Sto ancora cercando quella risposta. 

Chi sono gli uomini nudi sotto la doccia?

Ho trovato una foto in bianco e nero molto vecchia dei tre uomini nella doccia. Sono rimasto sbalordito dalla tensione tra questi uomini in uno spazio ristretto. Anche se era una foto, potevo sentire questa “interazione umana” che mi ha fatto sentire ispirato. Lo scopo principale di questo dipinto è quello di rappresentare un evento specifico che è legato alla mia esperienza. Sto ancora mettendo in discussione la mia stessa esistenza, chi sono e dove appartengo. Ho dipinto questo pezzo in modo molto semplice costruendo una comunicazione tra l’osservatore e l’opera stessa.

Come si vive l’arte in Finlandia? 

La scena artistica finlandese è così ricca. La scena artistica contemporanea finlandese abbraccia tutto, dalle iniziative sperimentali gestite da artisti alle istituzioni artistiche. Per me è un vero privilegio far parte della scena artistica in Finlandia. Ci sono più di settanta musei d’arte e numerose gallerie, che sono la vera essenza della vita culturale di questa terra. La Finlandia ha uno dei migliori sistemi educativi al mondo. Questo è il motivo per cui devo menzionare l’Accademia di Belle Arti di Helsinki. È un’Accademia in cui offrono programmi altamente stimati di pittura, scultura, incisione e arti del tempo e dello spazio. Incoraggiano gli studenti a trovare i propri punti di forza, metodi di espressione e interessi nel campo delle belle arti. È una bella esperienza far parte di quell’Accademia.

Come si vive la libertà e la diversità di genere nel tuo paese?

La Finlandia è uno dei paesi leader al mondo per quanto riguarda l’uguaglianza di genere. La discriminazione sulla base del genere, inclusa l’espressione di genere, è vietata.

La legge finlandese contro la discriminazione vieta anche la discriminazione basata su età, nazionalità, religione, convinzioni politiche, salute, disabilità e orientamento sessuale.

Impone che nessuno debba essere trattato in modo meno favorevole a causa del pregiudizio. Quindi, se mi chiedessi in quale paese mi piacerebbe vivere, sceglierei sempre la Finlandia.

Che progetti hai per il futuro?

Non ho mai avuto un piano specifico per il futuro. Continuerò a lavorare sodo. Cercherò di svilupparmi ancora di più come artista e poi spero che il futuro venga da me.

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