BECAUSE colmando così l’assenza di una specifica iconografia dell’ipermoderna ribellione e della sua rappresentazione libera nell’arte.

Con la mostra BECAUSE, la DCG cambia rotta rispetto alla sua tradizionale linea curatoriale, portando in scena una mostra collettiva che ha come obiettivo quello di lanciare un grido sotto forma d’arte per rispondere all’assurdità del mondo in cui viviamo.

Uniti in un corpo di opere all’avanguardia gli artisti di BECAUSE compongono un inedito scenario di giovani e talentuosi messaggeri dell’arte visiva che promuove il cambiamento.

Gli artisti sono stati scelti per la loro ricerca innovativa e audace, che riflette l’obiettivo della galleria di supportare le nuove “voci” nella scena artistica contemporanea e di sensibilizzare sui temi sociali.

Ogni artista è stato invitato a interpretarlo in un senso più ampio, secondo la propria missione individuale e i propri sentimenti personali. Comprendendo la libertà di espressione attuale come risposta all’oppressione sociale e al fanatismo, ma anche l’eguaglianza sociale e l’amore tra due individui, un amore che trascende tempo e spazio.

“Perché sì”, come fosse una dichiarazione, ha un significato molto potente e profondo per questa mostra. Permette di essere ridefinito come una risposta significativa alle domande legate all’identità.

Questi artisti con il loro linguaggio innovativo e la personale ricerca di una figurazione indipendente, rappresentano la specifica iconografia dell’iper moderna ribellione e della sua rappresentazione libera nell’arte contemporanea.

La mostra si terrà dal 18 marzo al 15 aprile e fa parte dell’impegno della DCG di Roma nel supportare gli artisti emergenti e nel celebrare il potere dell’arte di apportare un cambiamento positivo nel mondo.

Le opere esposte evocano lo stesso senso di catarsi, gioia, liberazione e trasformazione che sperimentiamo quando siamo in grado di pensare e agire liberamente, senza il pregiudizio altrui. Opere per veicolare un messaggio universale di libertà, amore e auto accettazione.

Gli artisti che fanno parte di BECAUSE sono Jemima Sara, Maria Vez, Leonardo Niola, Torto Lawrence, Olasunkanmi, Damien Cifelli, Massimo Scognamiglio, Qhua Ma Nande, Indra Dan, Erkut Terliksiz e Giulio Secondo.

Chi ci legge ha già incontrato il nome di Giulio Secondo su TOH!

Abbiamo da sempre apprezzato i suoi lavori e il suo innato talento e per questa occasione abbiamo deciso di rincontrarlo.

Giulio Secondo all’anagrafe Jacopo Bosio, è un artista italiano residente a Berlino. Il suo stile è profondamente influenzato dai capolavori del Rinascimento italiano e dallo stile innovativo degli artisti contemporanei e pop come Keith Haring, David Hockney, Basquiat, Lichenstein e Jeff Koons.

Quello che si apprezza nell’arte di Giulio Secondo è la composizione e la tecnica mista che unisce acquerelli, pastelli e matite colorate su carta o cartone. L’intreccio, nel quale amiamo soffermarci, e le sovrapposizioni di linee che danno origine a corpi che si uniscono, sono il focus del suo lavoro.

Nei suoi quadri tutto è lecito, le regole della prospettiva tradizionale sono sovvertite. É come se Giulio Secondo riuscisse a creare un equilibrio tra corpi e oggetti che sicuramente potrebbero cadere ma che non cadono. Dove il risultato è l’unione di più figure nella forma, che va oltre il concetto e anche il confine tra la figura umana e l’oggetto.

Il corpo umano diventa parte di una composizione che diventa oggetto che richiama l’arte africana e la produzione popolare, come le bambole vodoo, i totem, le matriosche e gli oggetti di design contemporaneo.

L’arte di Giulio Secondo intrigante ti porta a perdersi tra queste linee come volere trovare una fine e un inizio che forse non c’è, in questo ballo tra la forma e la linea e dove anche il quotidiano diventa composizione artistica di contemplazione.

La core mission di Because e la ferma risposta alla oppressione sociale, alla bigottaggine, all’ipocrisia e alla schiavitù consumistica. Pensando a questi aspetti come hai deciso di affrontare i lavori da esporre a Roma?

Sono effettivamente temi su cui è giusto portare attenzione in questi giorni, perché ovunque dall’America a casa nostra vediamo mettere in discussione diritti che ormai davamo per scontati. In Italia addirittura siamo indietro di anni luce.

Per Because ho pensato di esprimermi con lo still life della vita quotidiana: la natura morta tradizionalmente uno strumento con cui la società si auto descrive e autoglorifica, ebbene io ho voluto fare un omaggio a una certa fetta della comunità LGBTQ+ che si ritrova e si ricrea in un modo che specifico e inimitabile.

Ho anche giocato con le percezioni, disegnando due immagini simili ma non identiche, per riflettere sull’ossessione patriarcale di rendere tutto omologato, qualcosa che i gay e dico apposta i gay, della mia generazione hanno sofferto e introiettato, credendo che il più simili a uno stile di vita etero il loro fosse stato, meglio sarebbero stati accettati, e più salvi sarebbero stati. Invece no, in “nostro” stile di vita è altro e per quello che esso rappresenta e per la sua unicità io ho voluto celebrarlo.

Che sensazioni hai a partecipare a questa collettiva? Con quale degli artisti presenti ti senti più affine?

Mi sembra una collettiva fantastica e sono molto onorato perché ammiro il lavoro e la coerenza e l’evoluzione stilistica della Dorothy Circus. Ognuno degli artisti presenti mi ispira ma sento una certa vicinanza espressiva con il lavoro di Jemima Sara. Le linee, l’assetto delle immagini, la palette dei colori. La sento complice, familiare. Ammiro molto il lavoro di Damien Cifelli e Leonardo Niola.

Qual è il tema sui cui prediligi soffermare la tua attenzione quando disegni?

Sulla vita. Sulle relazioni interpersonali, su quello che di fatto conta nella mia vita: I rapporti umani. Per dirla con il titolo di una raccolta di poesie di Vittorio Sereni, gli strumenti umani. Le persone della mia vita affollano le mie opere, essi e ciò che provocano in me. Un imbarcadero di emozioni per cui mi sembra di avere vissuto due vite in una. Qualcosa di cui non posso fare a meno: le persone! Anche quando disegno gli oggetti, essi parlano di chi li ha vissuti e di come lo ha fatto.

Non si fa altro ultimamente che parlare di uguaglianza sociale ultimamente tu che ne pensi?

Non sono bravo a parlare di società o politica, perché sono troppo radicale, penso che siamo messi malissimo penso che dovremmo tirare delle bombe per ribellarci. L’attuale governo sta facendo dei pericolosi passi indietro, se non ancora nelle leggi, sicuramente nel mood che emana. Una situazione grave, purtroppo non solo in Italia.

Ho sempre pensato che l’arte sia uno strumento di propaganda che aiuti a favorire il cambiamento quando crei la tua arte come ti fa sentire a riguardo?

Ecco questa risposta si ricollega alla precedente. Quando creo arte non penso alla politica ma sono fiero del risultato della mia arte, quando è capace di mettere in discussione un punto di vista. L’arte a mio avviso deve essere vera, avrò sempre fiducia nella mia arte finché rispecchierà onestamente come io sento, veramente. Finché farà così, credo che avrà la forza di comunicare. Di favorire un interrogativo in chi la osserva, e di conseguenza un cambiamento.

Pensi che arriveremo mai alla piena accettazione della libertà e amore tra due individui a prescindere dal sesso?

Sono pessimista perché credo che sia tipica della natura umana, almeno a uno stadio non evoluto, la tendenza a creare un nemico, basandosi su ciò che è altro. È anche vero che le nuove generazioni stanno compiendo dei passi enormi verso il Risveglio; stanno combattendo forte per cambiare le regole del patriarcato e questo lenisce il mio pessimismo. Viva la giovinezza e le sue rivoluzioni.

Come ti sei sentito di fronte alle affermazioni del presidente del senato Ignazio La Russa su l’avere un figlio gay?

Un orribile fascista gesti e parole di cui in futuro ci vergogneremo, spero.

Ho sempre amato la combinazione gli Incastri che riesci a creare tra I tuoi uomini mi racconti come nascono queste composizioni?

Parlano del desiderio “divino” di aver un contatto spirituale profondo e dell’errore umano di cercarlo attraverso il corpo. Provengono dalla mia biografia: avere usato e usare troppo il corpo per riempire i vuoti che la mia anima si porta dietro.

I ragazzi sono quelli che passano per la mia camera da letto o che gentilmente mi ospitano nelle loro. Sono corpi nei parchi d’estate o su YouPorn. Sono fantasie e proiezioni. Ancora una volta un caotico miscuglio.

Nei tuoi ultimi lavori ci sono anche composizioni di still life di vita quotidiana. Com’è la tua quotidianità? A cosa non sapresti mai rinunciare?

Non saprei mai rinunciare al mio desiderio ottimistico di renderla graziosa con caffè, fiori, libri e gioielli per poi fuggire da essa, come un gatto randagio quando meno me lo aspetto per perdermi nel buio più sporc ….

Because potremmo tradurlo con il nostro: “Perché sì”, a cosa vorresti rispondere così?

Giulio Secondo era un papa dispotico e battagliero io risponderei sempre così, per questo ho scelto il suo pseudonimo, anche per sentirmi libero di essere dispotico, per lo meno quando faccio arte. Scherzi a parte credo sia perfetto questo titolo statement.

Ci sono cose che non dovrebbero prevedere una domanda. Come sappiamo le domande spesso le fa chi detiene il potere, sono una forma di controllo e di potere.

Ci sono cose a cui dovremmo avere il diritto di non rispondere. Come i nostri diritti, come il nostro orientamento. Come la nostra libertà.

È la seconda volta che sei presente su TOH!, cosa pensi che sia cambiato in Giulio Secondo dalla prima volta?

La vostra bella intervista qualche anno fa mi vedeva inebriato dall’esplosione di creatività inaspettata che stavo vivendo. Disegnavo ogni giorno come un pazzo. Purtroppo quella fase è passata, ora medito di più e costruisco maggiori strategie. Ma l’ansia di creare e l’ emozione e la tensione è ancora tutta là.

Che visione hai di TOH!?

TOH! è una benedizione, uno spazio libero ed elegante dove io trovo un sacco di ispirazione. Ogni volta che lo leggo mi sento parte di una comunità “migliore”.

Lo paragono un po’ al mio quartiere qua a Berlino Neukölln. A ogni passo mi innamoro di un fotogramma che immortalo con gli occhi. Così TOH!, ogni notizia è uno spunto che mi elettrizza che mi fa dire, non sono solo, sto andando nella giusta direzione. Ha il potere di farmi sentire parte di un collettivo di persone che mi capiscono.

Grazie, davvero.

BECAUSE
GROUP SHOW
Dorothy Circus gallery
18 Marzo 2023 – 15 Aprile 2023
Via dei Pettinari 76, 00186 Roma

L'articolo BECAUSE mette in mostra la risposta artistica all’oppressione sociale. proviene da Toh! Magazine.

Le luci calde e cangianti illuminano i movimenti frenetici e precisi di un corpo che si dimena, in un rito di richiamo a sé stesso. Al REF, giunto quest’anno alla sua trentasettesima edizione, la ball culture e la spiritualità comunicano nella performance dell’artista Choy Ka Fai.

Il suo “Yishun is burning”, si propone al pubblico come un assolo, che vede protagonista il danzatore Sun Phitthaya Phaefuang (aka Aurora Sun), in grado di far incontrare la lunga ricerca dell’artista nelle radici dello sciamanesimo asiatico con il Vogueing.

Abbiamo deciso, quindi, di intervistare Choy Ka Fai per sapere come ha preso vita e come è stato strutturato il progetto presentato al pubblico del REF.

Come nasce “Cosmic Wander” e come vengono intrecciate le pratiche di danza e sciamanesimo tra loro?

L’idea del progetto Cosmic Wander è iniziata nel 2019, ero curioso delle possibilità di catturare i dati di movimento degli sciamani danzanti. Questo progetto propone diverse proposte alla mia ricerca sul corpo pos-tumano. La mia prima domanda è stata: “Se sono in grado di catturare in movimento lo sciamano che balla in trance, significa che posso digitalizzare la presenza del soprannaturale?”

Cosa ti ha portato a scegliere il voguing e lo sciamanesimo e a farli intrecciare?

Lo slancio inizia con un esperimento coreografico per interpretare le tradizionali forme di danza indiana di Baratanatyam con i vocabolari del voguing. È stata una risposta agli sciamani Yishun, che incarnano sia la dea indù Kali che la dea taoista GuanYin durante il rituale di trance. Il voguing è diventato la base per la nostra improvvisazione, ad esempio abbiamo sperimentato l’iconografia popolare raffigurante entrambe le Dee con movimenti multipli delle mani, nelle loro forme soprannaturali.

Qual è stata l’esperienza che ha più segnato il tuo modo di concepire questo lavoro durante il tuo lungo viaggio in Asia?

È stato straordinario incontrare gli sciamani in tutta l’Asia, per poter conoscere le loro pratiche, storie e adattamenti alle nostre società contemporanee. È stata un’esperienza trasformativa per me come essere umano e mi ha insegnato a essere sempre umile e rispettoso degli altri regni, della realtà diverse dal nostro.

Attraverso quali aspetti la cultura lgbtq+ si fonde con il mondo spirituale dell’Asia in “Yishun is burning”?

In molte parti dell’Asia storicamente, ci sono generi che non sono binari e ci sono anche molteplici forme della Dea Taoista Guan Yin – La divinità della compassione e della misericordia, può essere maschile, femminile o neutrale in diverse parti dell’Asia.

Vorrei anche ampliare la nozione di Queer nella mia performance, come proposto da Clare Croft, “che non si basa principalmente su costruzioni di identità sessuale, ma queer nel senso di “i piaceri e le difficoltà di muoversi tra identità multiple e stratificate”.

Come è iniziata la collaborazione con Sun Phitthaya Phaefuang?

Ci siamo conosciuti molti anni fa e ho iniziato a seguire il suo viaggio nella scena della moda e del ballo sui social media. È diventato molto eccitante quando Sun ha cercato di creare la sua comunità di vouging a Bangkok e nel sud-est asiatico. Quando ho scoperto lo sciamano Yishun, ho subito visto un universo parallelo, le comunità sciamaniche Yishun a quelle delle comunità Sun’s Vouging.

Nella performance è presente anche una parte video sviluppata in 3D. Come si fa a far interagire una danza così materiale e legata al corpo con un mezzo digitale?

Nella mia performance abbiamo sperimentato un motion capture in tempo reale del movimento del ballerino, in una visualizzazione 3D della forma soprannaturale di Dea.

Abbiamo iniziato chiedendoci: come danzerebbe una dea? Cosa possiamo vedere oltre la nostra percezione umana, cosa sarebbe umanamente impossibile e soprannaturalmente possibile? Come si possono ipotizzare queste possibilità in una coreografia post-umana.

Quali caratteristiche “spirituali e sovrannaturali” possono ampliare la visione del contemporaneo?

La spiritualità esiste per coloro che credono e, soprattutto, per coloro che cercano. Le sue funzioni sono simili in qualsiasi cultura e società. Esplorare la spiritualità sarebbe un mezzo per capire se stessi. Credo che le culture della danza possano dirci molto sulla nostra storia umana e sulla nostra condizione umana. La danza è sempre stata un modo che gli esseri umani usano per raggiungere la trascendenza e ne sono affascinato.

Quali emozioni e pensieri vorresti rimanessero nello spettatore?

Fin dalla tenera età, a Singapore mi sono stati inculcati gli insegnamenti della tolleranza razziale, definita come l’assenza di pregiudizio verso ciò che non piace agli altri in termini di pratiche, religione, ecc.

Quando ho scoperto lo sciamano di Yishun, ero totalmente ipnotizzato da quanto facilmente siano in grado di fondere le pratiche delle credenze indù e taoiste. Per me, non si tratta più di “tolleranza” all’interno di una società multirazziale, è un microcosmo molto progressista di armonia razziale. Spero di trasmettere lo stesso concetto nella mia performance.

Chi è il tuo role model?
Buddha, Gesù e Allah.

Con il suo “Cosmic Wander”, infatti, Choy Ka Fai ha documentato le pratiche di danza apprese durante il lungo viaggio in Asia e lo stretto legame tra esse e il mondo sovrannaturale dello stesso continente.

A trent’anni dall’uscita di “Paris is burning”, iconico documentario sul mondo delle ballrooms, “Yishun is burning” fonde temi contemporanei con tradizioni ancestrali.

In una performance artistica che unisce tecnologia visiva 3D e danza, “Yishun is burning” valica i confini di genere, identità e religione per raggiungere un terreno comune nel quale corpo e spirito combaciano a prescindere da ogni costrutto sociale.

L'articolo “Yishun is burning” fonde la spiritualità carnale con la scena ballroom proviene da Toh! Magazine.

Ciao Elex, come stai e dove ti trovi?

Ciao! Al momento sono sul letto cercando di resistere all’abbiocchino post pranzo, ma a parte questo sforzo titanico di rimanere sveglia, tutto bene.

Come ti sei avvicinata alla musica?

Grazie a mio padre, che da quando sono piccola ascolta tantissima musica, cucina col sottofondo musicale, ed è passato dai dischi nello stereo alle casse bluetooth con Spotify. Poi sono una persona rumorosa ed entusiasta quando mi gira bene e da piccola cantavo ovunque, tanto che a un certo punto i miei si sono scocciati (probabilmente) di sentirmi urlare e mi hanno convinto a prendere lezioni di canto per dare senso a questa mia voce tanto ostentata.

Chi è stata la tua prima “cotta” musicale?

Ehh oddio, la prima in assoluto non lo so. Forse non parlerei proprio di “cotta” ma di amore platonico e occhi a cuoricino per i Bee Gees, ma per nessuno di loro in particolare, io amavo la loro musica senza curarmi degli artisti singoli che erano, soprattutto perché avevo bene o male cinque anni e non sapevo neanche accendere un computer.

Parlami di “Piazzale Del Verano”, cosa rappresenta questo luogo e perché le hai dedicato una canzone?

“Piazzale del Verano” è l’anticamera di San Lorenzo, il quartiere dove esco spesso la sera qui a Roma, quindi è il posto da cui devo passare per tornare a casa dopo una serata. In particolare nella canzone ricordo un momento preciso in cui ci sono passata cantando insieme alla persona di cui parlo nella prima strofa. Era il capodanno prima del covid ed eravamo entrambi mezzi ubriachi. È il simbolo di tanti ricordi speciali.

Chi è l’artista che ascolti quando torni a casa la notte?

Ovviamente dipende dal periodo, ma quando l’ho scritto mi riferivo a una sera in cui sono tornata a casa con una di quelle bici elettriche che si possono affittare per strada e mi sono sentita metà discografia di Ludovico Einaudi. Me lo ricordo come un momento mistico, in cui il piano di Einaudi mi portava in un universo parallelo, in una dimensione altra nel buio della notte.

L’amore ruota al centro dei tre brani che hai pubblicato a oggi, sei una persona sognatrice, realista o istintiva?

Direi che in quanto essere umano in continua dialettica sono tutte e tre le cose, il che, non nego, spesso mi crea una confusione tremenda. In realtà se l’amore è il punto di “Anestetici” e “Piazzale del Verano”, anche se in misura minore, in “Anime Perdute” l’amore non c’entra proprio niente. Anzi è una riflessione puramente individuale e sofferta di alcuni temi su cui mi arrovellavo quando l’ho scritta.

Scrivi di cose personali o ti piace inventare storie?

Per ora scrivo prettamente di questioni personali, anche se spesso penso che mi piacerebbe inventare storie, come se ascoltando una mia canzone si sentisse una sorta di mini audiolibro. Per ora non saprei come metterlo in pratica ma la sola idea di poter sperimentare mi stuzzica.

Stai lavorando a nuova musica?

Certo. Quando mi vengono in mente parole interessanti me le segno, o se sento l’esigenza di scrivere un concetto, lo butto giù e poi ci lavoro in seguito. E poi quando posso andare in studio vado e lì creiamo più concretamente nuove cose.

L’ultimo album di cui ti sei innamorata:

“Phoenix” di Charlotte Cardin e, per bilanciare un artista straniero e uno italiano, “Nostalgia Liquida” di Cicco Sanchez a mani basse.

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Dopo il successo della prima edizione, i Queer Days di quest’anno saranno dedicati a temi centrali come: comunità LGBTQ+, femminismi neri, universo del porno e dei sex workers.Il Festival Giornate di Cinema Queer è un progetto che vuole promuovere la diffusione del cinema a tematica LGBTQ+. L’obbiettivo dei è quello di creare un ambiente di scambio tra cineasti e pubblico attraverso proiezioni, incontri e dibattiti. 

Un luogo dove proporre una programmazione trasversale, che punta principalmente sulla valorizzazione della cinematografia indipendente legata alla sessualità, al corpo, alle identità di genere e all’orientamento. Queer Days è prodotto dall’Associazione CineQueer nata nel 2019. Lo scopo è quello di rilanciare e sostenere il mondo artistico, industriale e di studio dell’audiovisivo. In relazione a temi e storie LGBTQ+ a livello locale, regionale, nazionale e internazionale.

Il presidente di Giuria sarà il produttore e regista Luca Padrini, che ha iniziato la sua carriera nel 2003 lavorando stabilmente con importanti produzioni cinematografiche come per “Miracolo a Sant’Anna” di Spike Lee e “Rome” prodotto dalla HBO. Nel corso degli anni ha lavorato con registi come Paolo Sorrentino, Ron Howard, Cristina Comenicini e Luca Guadagnino. Membro votante dei BAFTA (British Academy of Film and Television Arts) e dei DGA (Directors Guild of America Award).

La Giuria assegnerà il Premio Miglior Cortometraggio per la sezione Queer Short. La manifestazione è organizzata dall’Associazione CineQueer, Zalib e Frocya.

THE WORLD TO COME

Il film che aprirà la rassegna è The World to Come diretto da Mona Fastvold, è una regista e attrice norvegese. Il suo film primo film è The Sleepwalker (2014)

La pellicola è tratta dal racconto di  Jim Shepard “Il mondo che verrà” (2017). Tra i protagonisti Vanessa Kirby, Katherine Waterston, Casey Affleck e Christopher Abbott. Il lungometraggio presentato in concorso alla 77ª edizione del Festival del Cinema di Venezia e vincitore del Leone Queer.

The World to Come è ambientato verso la metà del XIX secolo nella costa orientale americana e racconta la storia di due coppie di vicini, che si ritrovano ad affrontare disagi e isolamento.

Nello stato di New York abita Abigail ( Katherine Waterston) con il marito. I due conducono la loro vita in una fattoria, sopportando il peso della perdita prematura della loro figlia. Abigail è una donna intrappolata tra l’istinto di sopravvivenza ad essere docile docilità e desiderio di emancipazione, che si manifesta quando nella fattoria poco distante si trasferisce l’estroversa Tallie (Vanessa Kirby) .

Tra di loro nasce subito un amicizia che diventa passione. Sognano di giorno, mentre di notte combattono coi i loro rispettivi mariti che hanno un temperamento aspro come il vento che soffia nelle loro terre. Le due protagoniste sono come due anime chiuse in gabbia e coltivano il loro amore e viaggiano con la loro immaginazione in attesa del mondo a venire come ricorda il titolo.

Abigail e Tallie devono attraversare le terre selvagge battute dai venti dove ritrovarsi per vivere nel loro microcosmo fatto di sentimenti ed emozioni lontane dal genere maschile.

BREVE HISTORIA DE UN PLANETA VERDE

il film di chiusura sarà invece Breve Historia de un Planeta Verde di Santiango Loza è Il lungometraggio presentato alla 69ª edizione del Festival del Cinema di Berlino e vincitore del Teddy Award.

Pedro (Luiz Soda), Tania (Romina Escobar) e Daniela (Paula Grinszpan) sono cari amici, pronti a darsi reciprocamente una mano nei momenti di maggior bisogno.  Tania è una transessuale che fa spettacoli in un club, Pedro è un animale notturno, Daniela una cameriera.

Quando Tania viene a sapere della morte di sua nonna, si reca con i due amici nella casa di campagna per prendere parte al funerale. Quando arrivano ormai è troppo tardi.

Le viene però rivelato un segreto: in cantina c’è un alieno trovato in un prato, una creatura che aveva tenuto compagnia alla nonna e che lei, come ultime volontà, voleva che fosse riportato dove è stato trovato. Questa sarà la missione dell’improbabile trio.

il film è un sci-fi noir teen-drama, dove più generi, forse troppi sono stati messi insieme. Il risultato finale  è molto vicino ad un B-movie o forse anche Z-movie. In questo caso credo si molto meglio provare a non capire e godersi il viaggio!

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Ci ho pensato, non ci ho pensato, lo scrivo o non lo scrivo.. ma si che lo scrivo. Dopotutto i nodi vengono sempre al pettine.

Però partiamo dall’inizio:

Alessandro Michele, in una conferenza via Zoom, vestito a modo suo, aveva annunciato un esperimento mai tentato finora: presentare la nuova collezione (durante il primo lockdown ha deciso che non vuole più suddividerle nelle scadenze di primavera-estate, pre-fall, cruise, ma farne solo due all’anno e genderfluid) dal nome Ouverture of Something that Never Ended, in un solo film diviso in sette episodi, presentati come un festival cinematografico, il GucciFest, appunto. 

Visibile da tutti ovunque, parola quest’ultima che piace a chiunque, un pò come genio, che personalmente non mi sento di attribuire a Michele, come il 99% delle persone fa riferendosi al citazionista.

Come in un vero festival, ha dato spazio a 15 nomi nuovi della moda: Ahluwalia, Collina Strada, Rui, Gui Rosa, Bianca Saunders, Shanel Campbell, Mowalola, Rave Review, Cormio, Stefan Cooke, JordanLuca, Boramy Viguier, Yueqi Qi, Gareth Wrighton, Charles de Vilmorin.

Nomi scelti da lui e dal suo staff «per festeggiare una festa di lucciole», insetti che da Pasolini in poi sono evocati per richiamare la speranza nel buio della vita.

«Le loro scie erratiche e luminose compongono, infatti, una danza d’amore che si staglia contro il buio. Il loro incedere sprigiona bagliori di desiderio e di poesia capaci di nutrire la vita anche nei momenti più cupi», ha scritto in una lettera aperta, citando anche il filosofo Georges Didi-Huberman, che non conoscevo, dunque grazie Alessandro Michele.

Un’operazione gigantesca, in cui ha radunato tutte le star della cultura, della filosofia, della musica. E naturalmente del cinema, visto che a co-firmare la regia Michele ha convocato Gus Van Sant, indimenticabile regista dalla produzione discontinua, che ha comunque firmato capolavori come Belli e dannati, Elephant, Milk. 

Gli episodi sono sette e all’interno di ognuno c’è un ospite.

Dal filosofo e attivista transessuale Paul B. Preciado (dove “B.” sta per Beatriz, dal genere femminile che gli era stato assegnato alla nascita e che poi ha rifiutato) ad Achille Bonito Oliva, in una surreale conversazione telefonica con Harry Styles sui rapporti tra arte-moda-atto creativo. Da Billie Eilish (ripresa a Los Angeles da Harmony Korine, altro regista-culto del direttore creativo), al drammaturgo Jeremy O. Harris. Dalla poetessa e cantautrice Arlo Parks alla popstar sudcoreana Lu Han, dalla cantante Florence Welch all’artista multidisciplinare Ariana Papademetropoulos, e altri ancora.

Protagonista unica della serie Silvia Calderoni, nome di punta del teatro d’avanguardia italiano.

I più attenti però avranno notato un’altra chicca: l’omaggio di Gucci al cinema neorealista italiano, quando era impossibile realizzare film in presa diretta e quindi, ci arrangiava con gli attori che c’erano, spesso non bravissimi e fuori sincrono con il labiale sullo schermo.

Anyway, da Instagram alle conferenze stampa via Zoom, il megaprogetto faceva già pregustare una tappa in più nel suo percorso creativo pur coerente con quello già intrapreso: passare dal consueto, stantio atteggiamento della società contro la moda alla moda contro la società.

Mai così contaminata con pareri, opinioni e punti di vista lontani tra loro, mai così politica e destinata a disseminare il mondo con messaggi di inclusione, diversità, affrancamento dai generi e dalle convenzioni, la collezione di Gucci Ouverture si presenta come un’opera aperta in cui non c’è né fine né inizio e in cui i vestiti sono relegati sotto la voce “costumi”.

«Sono i costumi della vita», ha spiegato Michele,  rincarando la dose nella lettera aperta: «Che vita hanno i vestiti quando smettono di sfilare? Quali storie sono capaci di disegnare nello spazio dell’esistenza? Cosa accade loro quando si spengono i riflettori della passerella? Sono le domande che vengono a farmi visita in questo presente incerto ma gravido di premonizioni».

Ma a quale vita fa riferimento il direttore creativo di Gucci? Se questa è una storia in cui non succede niente ma intende dispiegare quei momenti di magia i cui strani incantesimi costellano la nostra quotidianità, di che quotidianità stiamo parlando?

La Roma dove si muove la protagonista non esiste, Gucciland non esiste, è finta.. senza Covid, senza tecnologia: non ci sono (o quasi) cellulari né computer, si va in posta per spedire le cartoline da spedire con un francobollo carino.

È una capitale dove si vive una realtà diminuita, onirica e nostalgica, per una città che Michele vorrebbe che fosse e forse lo vogliono anche i suoi fan più accaniti. Tant’è vero che alla fine Silvia s’imbatte in una porta e si ritrova in un teatro. Era tutta fiction, come ne il Truman Show.

Del resto, in una scena del primo episodio, Silvia fa volare dal balcone un abito stampato con il motivo floreale Bloom della maison: si tratta di un abito-replica della collezione donna autunno-inverno 2015, la prima che il designer ha realizzato per Gucci.

E in altri episodi si rivedono capi già noti, elementi che sono parte integrante della collezione Ouverture ma appartengono sempre al suo primo défilé nel 2015.

«Questi capi presentano un’etichetta rossa ricamata con la scritta Something That Never Ended», dicono i comunicati stampa, e allora, la domanda è la seguente: se è vero che nella moda il tempo scorre più in fretta rispetto al normale, bastano cinque anni a creare il vintage di noi stessi?

Quanto tempo occorre perché qualcosa, da nuovo diventi iconico tanto da volerlo desiderare ancora? Cinque anni sono sufficienti o no? Il messaggio poi si estremizza ancora di più nel sesto episodio, quando la protagonista va in un vero negozio di vintage, però arredato con tutti i capi delle precedenti collezioni di Michele e si commuove davanti a una pelliccia rosa a motivi Chevron del 2015.

Siamo noi a essere ossessionati dal nuovo a tutti i costi oppure bastano cinque anni a storicizzare una tendenza, un gesto, un modo differente di fare le cose? Va bene il supercitazionismo, ma arrivare all’autosupercitazionismo, funziona? Quello che sorprende e fa riflettere – ed è cosa buona e giusta se qualcosa ci costringe a pensare – è che in una cornice talmente innovatrice e progressista, sembra sia esaltata una bellezza prudente che va in netto contrasto col metodo fugace a cui Alessandro Michele ci aveva abituato.

Non dimentichiamo che comunque Gucci è un’azienda che produce beni di lusso destinata, in teoria, a milioni di persone. 

Michele ha progettato un’estetica del frammento che ha davvero rivoluzionato il mercato dei Millennials, tutta giocata sugli spiazzamenti di significato, sugli accostamenti scellerati, su un disordine controllato che connetteva le diverse fasi del suo fare creativo.

Del resto, lui non ha mai creato moda ma ha giocato con le sostanze materiali ed espressive della moda unendo in un mix di passione ed emotività i desideri scombinati tramite configurazioni che creano illusioni di contemporaneità.

Ma se è così mi chiedo: perchè in Ouverture non sentiamo l’urgenza di scavalcare il bello e il brutto, il buon gusto e il cattivo gusto, il kitsch e lo chic.

Soprattutto in un momento in cui la pandemia deve far affiorare desideri di qualcosa che non si sa di voler possedere finché non li vediamo.

E se li abbiamo già visti?

«Questo è il modo in cui lavoro: rubo, riutilizzo, metto l’etichetta sbagliata sulla faccia sbagliata. In effetti, è un modo per dare forma a un concetto di libertà», dice Alessandro Michele.

Ma è vera libertà quella di riproporre capi e oggetti già noti e ancora presenti in molti guardaroba? Dico io.

Qui un dubbio mi assale: non è che  all’interno di una confezione così forte a livello comunicativo, Gucci questa volta abbia scelto di non uscire dalla sua comfortzone (di nuovo) e dunque abbia deciso di ripararsi sotto l’ala della sicurezza dell’oggetto-moda?

Forse non conosceremo mai le risposte a tutte queste domande, ma a giudicare dal successo sui social, questa sfilata atemporale è votata a un presente immaginario che si mischia col passato rifiutando il futuro e respingendo la profondità o per dirla in modo più conciso: dopo aver macinato miliardi con pre collezioni dubbie e capsule ancor più dubbie adesso rallenta il ritmo perché altrimenti sembra l’unico che non fa niente. Credo che Alessandro Michele abbia un superIO che si agita tra Mecenate e casa di Jared Leto. Autocelebrazione e marketing, nessuna rivoluzione e questo mi dispiace perchè…

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