Domingo El Chino è cresciuto a Mérida, tra rovine romane e sculture di nudo che gli hanno insegnato, fin da piccolo, che il corpo non è mai peccato, ma memoria, verità, bellezza. Formatosi tra le aule dell’Università di Barcellona e le strade del mondo, oggi è uno degli artisti più sensuali, ironici e liberi della scena queer europea. Le sue opere sono una dichiarazione di intenti: gioiose, carnali, sempre in bilico tra tenerezza e trasgressione, tra erotismo e spiritualità pop.

Per TOH! Domingo si racconta senza pudore e senza posa: dalla scoperta della pittura con un maestro sordo, ai suoi baci ribelli tra uomini, passando per l’arte come strumento politico, intimo e necessario. Un’intervista che è come lui: intensa, colorata, sexy, e dannatamente viva.

Mettetevi comodi. O meglio, scomodi.

Quando hai iniziato a dipingere?

A quanto pare, avevo già un certo talento per i disegni complessi fin da piccolo. A otto anni, i miei genitori mi portarono a prendere lezioni di pittura a olio nello studio di un pittore locale. Lui si dedicava alla riproduzione di opere del Barocco spagnolo: Velázquez, Zurbarán, Murillo… Io ero impegnato a imparare come costruire una composizione, lavorare sugli sfondi, e mi cimentavo già con nature morte semplici.

La cosa magica di quell’apprendistato era che il maestro era sordo e muto, quindi dovemmo inventarci un nostro metodo di comunicazione.

Più tardi, questo pittore lasciò il paese in cui vivevo con la mia famiglia, e fu il parroco a prendere il suo posto nell’insegnarmi a dipingere. Dipingeva in stile impressionista, e mi insegnò a usare tutta la gamma dei colori.

Cosa significa per te l’erotismo?

Vengo da Mérida (Spagna), l’antica capitale romana della penisola iberica. Sono cresciuto circondato da sculture di nudo ed opere pittoriche erotiche. L’erotismo è sempre stato molto presente nella mia vita, e sempre legato all’arte. Quando ho frequentato l’Accademia d’Arte a Mérida, ho iniziato a disegnare e dipingere imitando le sculture greche e romane. Lì ho cominciato a comprendere la natura sinuosa della curva e a lasciarmi andare, superando le inibizioni nel rappresentare genitali, pose e altre parti anatomiche legate all’erotismo.

Ho sempre associato l’erotismo all’arte e lo considero una parte fondamentale della vita.

Oggi vedo l’arte omoerotica come uno strumento molto potente per la visibilità della comunità LGBTQIA+ e come un’arma per combattere tutte le posizioni radicali che cercano di sopprimere i diritti di persone omosessuali, bisessuali, transgender e di altre identità.

Il sesso è, senza dubbio, un elemento centrale nella tua arte. Come lo descriveresti?

Il sesso non si può descrivere a parole, perché è un linguaggio non verbale. Per questo uso l’arte per affrontare quel tema.

Se dovessi provarci, lo definirei come una forma di relazione—una relazione umana antichissima, in cui le persone usano i loro corpi, il respiro, i fluidi e le voci per generare un’energia reciproca e piacevole. Per me, questo è il sesso sano, e sì, credo che ci sia sempre una componente d’amore.

Trovo molto interessante il tuo uso del colore. Come nascono i contrasti e le combinazioni?

Dipingo per rendere il mondo più bello. Per me, il colore è stimolante e dona vitalità all’immagine. È una sorta di catarsi. Penso a chi guarda i miei quadri, e voglio che provi piacere non solo per la scena rappresentata, che a volte può essere cruda, ma anche per il gioco. Il gioco, il divertimento, l’intrattenimento e la gioia sono elementi fondamentali nel mio lavoro.

Per me, l’amore è collegato alla luce, in un senso profondo o spirituale.

Cosa ti emoziona di più quando dipingi?

Senza dubbio, i baci tra due uomini mi sembrano il gesto più rivoluzionario di questa epoca. Sono le scene che amo di più dipingere. Sono anche le più difficili, perché bisogna stare molto attenti con i pennelli: una pennellata sbagliata può cambiare completamente il risultato. I peni sono facili da dipingere e, per me, meno stimolanti. Anche se una bocca vicino a un pene è, in fondo, un altro tipo di bacio. Ma per rispondere alla tua domanda: sì, i baci sono ciò che preferisco dipingere.

Le scene che rappresenti sono tratte da esperienze reali?

In realtà ne ho praticate alcune, quelle più comuni. Non ho vissuto abbastanza per sperimentare tutto ciò che dipingo. E nemmeno vorrei.

Penso che la fantasia sia un elemento molto importante della sessualità, sia individuale che condivisa.

Dipingo molte fantasie tratte dalla memoria collettiva più che da esperienze personali. Le mie esperienze sono molto normali. Non ho un catalogo così vasto come quello che rappresento nei miei quadri, ahah. Non scopo così tanto.

Come definiresti il tuo stile pittorico?

Il mio stile è sicuramente libero, sciolto. Una pennellata troppo rifinita produrrebbe un risultato completamente diverso.

La gioia, la spontaneità e quel po’ di caos sono più in linea con l’idea di sesso ed erotismo che ho in mente.

Altrimenti, tutto risulterebbe molto serio, e secondo me la vita non è una cosa seria.

Nelle tue opere si alternano tenerezza e momenti di dominazione. Come spieghi questa dualità?

Come dicevo prima, la fantasia è un forte motore per la rappresentazione. So che ci sono persone che si sentono a proprio agio sia nel ruolo dominante che in quello sottomesso, ma non è il mio caso. Mi interessa di più osservare come le persone che vogliono sperimentare usano elementi formali di altre pratiche sessuali per divertirsi e conoscersi meglio. Per me, la salute sessuale—basata sul rispetto e il consenso—è l’aspetto più importante nella sfera affettiva e sessuale di una persona.

La tenerezza si combina facilmente con il piacere sessuale.

Gli esseri umani, a prescindere dal genere o dall’orientamento sessuale, anche le persone asessuali, sono esseri sensibili e apprezzano le attenzioni. È la base della felicità e del benessere.

Hai mai raffigurato un’esperienza personale in una tua opera?

No. Mai. Alcune opere possono somigliarvi, ma non è qualcosa che mi interessa.

Tuttavia, ho ricevuto commissioni da persone che hanno fotografato i loro momenti sessuali e mi hanno chiesto di dipingerli. Per loro è qualcosa di speciale.

Ho persino clienti che mi hanno chiesto di dipingere i loro genitali e poi li hanno esposti in casa. Tradizionalmente, questa si chiamava “arte da camera da letto”, e non è una novità. Possiamo pensare a Francisco de Goya, Andy Warhol, Tom of Finland, ecc.

Se dovessi associare una canzone alla tua arte, quale sceglieresti?

Silence Is Sexy degli Einstürzende Neubauten.

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Nato e cresciuto in un villaggio costiero, Daniel El Dibujo ha ereditato non solo il nome, ma anche la solitudine calma del mare, che riverbera in ogni tratto delle sue opere: i suoi ritratti trasmettono un silenzio eloquente, dove ogni figura sembra immersa in un limbo tra vulnerabilità e potenza.

Con una sottile tensione tra reale e surreale, i suoi corpi nudi evocano una bellezza aspra, priva di artifici, celebrata per il suo stesso stato naturale, e non ridotta a una mera visione erotica.

L’universo di Daniel El Dibujo è popolato da giovani corpi in posa introspettiva, come simboli fugaci di un ideale che lui stesso definisce un “fiore di gioventù” destinato a svanire, ma capace di contenere la poesia effimera della vita.

Ogni linea, ogni ombra, sembra restituire quella sensazione di isolamento che attraversa la sua stessa esistenza, un senso di solitudine che è riuscito a trasformare in un linguaggio artistico autentico e sincero, dove il confine tra l’artista e il soggetto si dissolve per diventare un’esperienza universale.

Con il suo stile viscerale e profondamente riflessivo, Daniel El Dibujo non segue le convenzioni: egli non si limita a esplorare la mascolinità o la sensualità, ma va oltre, disegnando figure umane che sono allo stesso tempo simboli di fragilità e forza. Rappresenta ciò che trova bello, indifferente agli sguardi che cercano di ridurre i suoi corpi a una lettura superficiale, rifiutando l’etichetta di “illustratore erotico”.

In Daniel El Dibujo c’è il desiderio di esprimere una libertà artistica pura, uno spazio dove le emozioni scorrono senza il filtro delle convenzioni sociali, un’arte capace di mostrare il corpo e l’anima in una danza onesta e spietata, che fa eco alle luci e ombre del Mediterraneo.

Che ruolo ha avuto la tua infanzia nella tua arte?

Disegnare è stato il mio hobby fin da bambino. Non sono mai stato una persona molto estroversa, quindi era il mio modo di esprimere la mia personalità.

Il tuo soprannome “El Dibujo” ha radici familiari legate al mondo della pesca. Come ha influenzato questa tradizione il tuo lavoro artistico, oltre alla connessione romantica con il mare?

Sono nato in una cittadina costiera e ho trascorso parte della mia infanzia frequentando il porto peschereccio dove lavorava mio nonno. Da lui ho ereditato il soprannome El Dibujo (Il Disegno), poiché era così che i suoi compagni pescatori lo chiamavano a causa del suo aspetto tipico di pescatore “da romanzo”. Per me il mare è un simbolo di solitudine e calma, ma anche di mistero e di ignoto. Credo di sentirmi un po’ così.

Dato che sei cresciuto in un piccolo villaggio costiero, come le tue radici influenzano il tuo lavoro?

L’aspetto calmo dei miei ritratti, i toni neutri combinati con note di colore ispirate ai toni del Mediterraneo e alla sua luce, i riferimenti al mare? Penso che inconsciamente ricorra a tutto questo di continuo.

Come descriveresti la tua estetica artistica?

Definirei il mio stile come mediterraneo, a volte minimalista e con tocchi di surrealismo. Ogni opera può contenere una storia, o perlomeno mi piacerebbe che lo spettatore immaginasse una propria storia quando vede uno dei miei lavori.

Molte delle tue opere esplorano la bellezza e la sensibilità maschile. Come definiresti la tua visione della mascolinità nella tua arte?

La mascolinità va oltre l’aspetto rude e il comportamento tipicamente “maschile”. Per me, la mascolinità è intesa come un atteggiamento verso la vita e verso gli altri. È un atteggiamento di protezione per coloro che hanno bisogno di essere protetti e di coraggio di fronte alle avversità. Ma è anche un atteggiamento di vulnerabilità, di paura e di dolore, e di affrontare tutto senza paura di ciò che gli altri penseranno di te se ti mostri così.

Nella tua serie, come “Flor de Juventud”, esplori i corpi in modi che sembrano intimi eppure universali. Cosa stai cercando di esprimere?

Il corpo come poesia e specchio che cattura momenti di vulnerabilità e contemplazione, quasi come una poesia visiva. 

Ogni opera di questa collezione, nonostante le differenze cromatiche, condivide un filo conduttore: la celebrazione della giovinezza come uno stato effimero, pieno di bellezza e fragilità. 

Gli sfondi in colori terrosi, scuri e caldi contrastano con le figure delineate, suggerendo un equilibrio tra il temporale e l’eterno, tra la realtà fisica e quella spirituale. I corpi sono presentati in pose introspettive, dove la semplicità delle linee enfatizza l’espressione sottile di ogni figura. Questi tratti minimalisti, quasi schematici, lasciano spazio all’interpretazione, permettendo allo spettatore di proiettare i propri sentimenti e ricordi su ogni immagine.

“Flor de Juventud” non è solo uno studio del corpo giovane, ma anche una riflessione sull’identità e sull’autoesplorazione in una fase vitale carica di scoperte. La giovinezza, un fiore destinato a sfiorire, nel suo breve splendore, contiene tutta la poesia della vita.

Che ruolo ha l’identità di genere nelle tue creazioni?

Cerco di rappresentare diversi tipi di corpo e sessualità nel mio lavoro. A prima vista, i miei ritratti sono principalmente “maschili”, ma non è mia intenzione attribuire loro una specifica identità sessuale. Mi interessa di più la scena o la narrazione dietro di essa. Rappresento ciò che mi attrae di solito o che trovo esteticamente bello.

Quanto è importante per te la sensualità nell’arte?

Le persone a volte mi definiscono un “illustratore erotico”, ma non è affatto così. Alcune delle mie opere si riferiscono a momenti di intimità sessuale o mostrano corpi nudi, ma non è il tema principale del mio lavoro. Mostro semplicemente ciò che fa parte della vita di quasi tutti (il sesso) come qualcosa di naturale e senza altra importanza. Le persone che vedono solo il sesso o un corpo nudo non sanno vedere oltre.

Raffiguri spesso corpi nudi nelle tue opere. Come bilanci l’intimità e l’esposizione in queste rappresentazioni? Qual è la tua visione della nudità artistica?

Per me, rappresentare un corpo nudo è più interessante e bello che rappresentare un corpo con vestiti. È una questione estetica. Non c’è niente di più naturale e onesto di un corpo nudo, senza vestiti ad adornarlo. Sfortunatamente, Instagram e altre reti sociali puritane come TikTok non la pensano allo stesso modo e ci puniscono per aver condiviso la nostra arte in questo modo onesto.

Come influenzano le tue esperienze personali le tue opere? Ci sono eventi o esperienze specifiche che hanno plasmato la tua produzione artistica?

A partire dai nudi, è qualcosa che faccio da anni a casa. Di solito non indosso vestiti quando sono a casa e ciò ha influenzato il mio modo di ritrarre.

Esperienze personali con i partner hanno anche segnato la mia vita e quindi hanno influenzato anche i temi delle mie opere.

Spesso ritraggo persone e cerco di far esprimere loro amore, mancanza d’amore o solitudine.

Lavorando su temi come la paura, l’amore e la disillusione, quale di questi senti più vicino alla tua sensibilità artistica? Come trasmetti questo attraverso le tue opere?

Penso che il sentimento che rappresento di più sia quello della solitudine. Anche se vivo in compagnia, è un sentimento che ho avuto sin da bambino, e anche se sono circondato da persone, sento che in fondo sono solo. Ecco perché di solito rappresento una sola figura nelle mie opere.

Qual è il rapporto tra vulnerabilità e forza nelle tue rappresentazioni? La tua arte gioca spesso su queste due dimensioni. Quale messaggio vuoi trasmettere?

Mi piace rappresentare corpi ruvidi per enfatizzare con l’espressione il sentimento di vulnerabilità o tristezza.

Come vedi il futuro della tua arte? Hai nuovi progetti o temi che desideri esplorare nei prossimi anni?

Spero solo di poter continuare a creare con “libertà”. Non la libertà che i social network possono offrirmi, ma la libertà di potermi dedicare esclusivamente all’arte. Ogni anno a dicembre, partecipo a una fiera d’arte queer a Miami, in concomitanza con la settimana di Art Basel.

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Michalis è nato ad Atene nel 1984 ed è cresciuto sull’isola di Kythnos. Ha studiato design industriale all’Università dell’Egeo. Dal 2009 lavora creando pezzi per l’industria della moda, il teatro e la musica, e ha anche tenuto mostre e progetti artistici ad Atene, Denver e San Francisco.

L’artista ha sempre pensato di essere nato nel momento sbagliato e che idealmente gli sarebbe piaciuto vivere tra il 1840 e il 1920 poiché si dichiara innamorato dell’atmosfera, degli edifici, della moda e degli artisti di quel periodo.  Di seguito una piccola selezione di alcuni suoi lavori, se volete saperne di più su Michalis Goumas potete seguirlo su Instagram o contattarlo per acquistare le sue opere

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Il processo creativo si concentra sull’esaltazione dell’erotismo e dell’aspetto intimo dei contenuti. Le fotografie vengono scattate utilizzando dispositivi istantanei come telefoni cellulari e fotocamere Polaroid. La post-produzione è completamente assente, puntando a mantenere l’aspetto grezzo come elemento centrale.

L’obiettivo finale del progetto è quello di rappresentare la bellezza delle diverse pratiche sessuali e l’intesa che si crea nell’intimità tra due amanti.

Sebbene possa sembrare un progetto di fotografie erotiche pay-per-view, ”EAT ME” è invece una critica che mira a demistificare l’aspetto attraente ed esclusivo dei contenuti presenti su piattaforme come “OnlyFans” e simili, dove il corpo e l’intimo sono diventati semplici cibi pronti per soddisfare appetiti sessuali.

“EAT ME” vuole elevare questi contenuti ad opere d’arte, trasformando il sesso e l’erotismo da obiettivi finali di piacere fine a sé stessi a spunti di riflessione e punto di partenza per una produzione artistica.

Attraverso questa critica, si cerca di svelare il lato più profondo e autentico delle relazioni intime, sfidando le dinamiche mercificanti che spesso dominano le rappresentazioni contemporanee del sesso.

Il progetto invita gli osservatori a considerare il sesso e l’erotismo come temi complessi che vanno al di là delle rappresentazioni superficiali, spingendoli a riflettere sulle dinamiche di potere, sull’intimità e sulla connessione umana.

Matteo Rigosa, fotografo di 30 anni proveniente dalla provincia di Brescia. 

Matteo ha da subito coltivato una grande passione per l’arte, in particolare per la fotografia e per questo motivo si è diplomato all’Accademia di Belle Arti di Brescia, dove si è immerso in un mondo di arte e stimoli creativi senza fine.

La produzione artistica di Matteo prende il via nel 2015, in uno dei periodi più brutti della sua vita.

Afflitto da depressione e attacchi di panico intensi e debilitanti, Matteo, di comune accordo con la sua analista, ha deciso di creare una serie di autoritratti chiamati “Phototherapy” attraverso i quali ha cercato di rappresentare le sensazioni negative che stava vivendo, per dar loro una forma tangibile, analizzarle e alla fine sminuirle.

Attraverso la terapia, Matteo ha capito che gran parte delle cause di questo disagio erano radicate in un’omosessualità latente che cercava in ogni modo di rifiutare. Di conseguenza, negava a se stesso la piena espressione della sua identità e sessualità. 

Presa coscienza di questo aspetto e accettandosi, la vita privata e professionale di Matteo ha subito una trasformazione radicale: i suoi soggetti hanno iniziato a contenere una carica erotica sempre più intensa, i colori sono diventati più vibranti e le inquadrature più ravvicinate, quasi come se volesse sfoggiare questa nuova consapevolezza, come se volesse recuperare tutto il tempo perso.

Oggi, la fotografia per Matteo Rigosa rappresenta un’espressione autentica e libera della sessualità e del suo essere. Attraverso le immagini, cerca di celebrare la bellezza e la sensualità dell’amore e dell’intimità, trasmettendo un messaggio di accettazione e gioia per la diversità sessuale.

Ogni scatto è un’opportunità per l’artista di esplorare, rivelare e condividere la propria storia personale, offrendo uno sguardo intimo sull’esperienza umana e la sua capacità di trasformazione.

eat me Matteo rigosa

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Anche per questo, per la cover di Agosto di Toh! Magazine, abbiamo chiesto a Elvis Di Fazio di immortalare, come meglio sa fare, in uno shooting sexy ma spensierato, il momento stesso in cui si è mentalmente in pausa, dove vediamo il protagonista che, una volta impostato il suo out of office scappa dal letto, ma non prima di aver mandato l’avviso a tutti i suoi abbonati onlyfans ; qui inizia a smontare i ruoli e gli stereotipi della mascolinità giocando con le divise da football e i completi da calcio del fratello o del vicino di casa, 100% straight.

Photos by Elvis Di Fazio

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Basta coi soliti calendari con donne coi capezzoli al vento o uomini super palestrati ricoperti d’olio. È tempo di cambiare e aprirsi a una nuova concezione di “sexy”. Otterj è sicuramente un portatore di unicità e nuova visione del bello con il suo immaginario che rimane impresso nella mente e non solo.

Un calendario ricco di uomini di ogni tipologia fisica che celebra la diversità e la sensualità.

Immagini scattate durante le  feste di Otterj Antics a Denver e New York e in Colorado. Un numero corposo d’immagini settimanali inedite. Il calendario è disponibile per l’ordine su otterj.com  per $ 30,00 + spese di spedizione.

L'articolo Otterj crea il calendario che ti farà perdere la testa proviene da Toh! Magazine.

E’ possibile che tu abbia già visto le sue foto in giro sui social o forse ti è capitato di veder le sue mutante indosso ad alcuni modelli.

William Vercetti è un fotografo subacqueo che ha scattato immagini dall’aspetto incredibilmente puro e reale e mira a fornire arte sotto forma di immagini digitali in paesaggi acquatici. Mica facile eh!

Gli scatti del fotografo subacqueo William Vercetti ti faranno venire voglia di tuffarti in piscina per rinfrescarti.

William Vercetti è un fotografo professionista, artista, proprietario di un’azienda e creatore di Vercetti Briefs e specializzato in fotografia di ritratto subacqueo.

Originario di Virginia Beach, Virginia (Stati Uniti), William, che dice di essere bisessuale, ha trascorso gran parte della sua vita immergendosi nella fotografia, ma solo di recente si è tuffato nel mondo della fotografia subacquea.

Nell’esplorare questo mondo nuovo, a volte difficile, William ha scoperto che le ricompense fluiscono tanto quanto le sfide. Con un fascino per il fisico maschile in tutto il suo splendore, ha trovato una grazia e una bellezza unica sott’acqua.

Le sue immagini emanano un’influenza calmante spesso vissuta nell’ambiente sereno che si trova in fondo al mare. I modelli maschili, sospesi nell’acqua, appaiono delicati e forti proiettando un profondo senso di mascolinità. 

La cosa divertente è che William usa anche la sua linea di slip nel suo lavoro in modo da firmare le sue foto brandizzandolo. Super Cool! 

Guarda le foto di William Vercetti e immergiti, attraverso le sue opere, nell’immenso e infinito universo acquatico.

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Spaziando dalla pittura, al tatuaggio e alla Digital Art, Alessandro Malossi esprime la sua arte in varie forme, contesti e basi. Sempre alla ricerca di nuove forme di comunicazione e nuovi modi per poter esprimere al meglio se stesso e i suoi interessi. Alessandro comunica, provoca e sicuramente si diverte perché fa divertire l’osservatore, ma fa anche riflettere toccando temi forti e contrastanti.

Alessandro Malossi ha creato un suo tipo di comunicazione visiva che sicuramente prende radici da forme d’arte esistenti, ma che ha reso proprie e uniche attraverso la sua sensibilità e la sua ricerca intellettuale e visiva. Un connubio o un contrasto di elementi commerciali a concettuali e più ricercati che mescolandosi creano immagini d’impatto che sicuramente rimarranno nella mente di chi le osserva, è ciò che Alessandro crea.

Quando e come hai scoperto che l’arte scorreva dentro di te? 

Fin da quando ero bambino, penso sia qualcosa che ho dentro dalla nascita.

Ricordo che mia madre mi sgridava perché a due anni disegnavo sui muri di casa coi pennarelli.

Con quale tecnica o mezzo hai inaugurato il tuo percorso artistico?

Ho iniziato con la matita, approfondendo la tecnica al liceo. Studiavamo realismo, eravamo praticamente costretti a utilizzare solo quella. Col tempo poi ho scoperto la pittura e l’arte digitale.

Sei un artista poliedrico che spazia e si collega a diversi mondi, c’è però un messaggio o un leitmotiv che collega il tutto? Se si quale?

Si e no. Sono molto intuitivo, le idee che ho sono fulmini dal cielo. Intorno a queste idee spesso costruisco un tema più approfondito.

Sicuramente mi piace trattare temi attuali, provocando lo spettatore attraverso il surrealismo.

Ricordi le prime reazioni del pubblico vedendo i tuoi lavori? Quali sono state?

Ho iniziato a condividere i disegni che facevo su FB e proprio grazie a questo ho iniziato a farmi conoscere. Creavo soggetti surrealistici che sembravano veri, forse è stato proprio lo stupore innescato a rendere quei lavori virali.

Com’è avvenuta l’dea di utilizzare come tela la pelle delle persone, realizzando dei tatuaggi? 

Non da me, io anzi avevo paura! Sono stato spronato dai miei amici che, sapendo che disegnavo bene, volevano che iniziassi a tatuare. Così ho preso coraggio e alla fine è diventata una passione pure quella.

Spesso chi va a fare un tatuaggio ha le idee ben chiare di cosa farsi ritrarre sul proprio corpo. Poche volte però capita che a tatuare sia un artista come te con un trascorso che abbraccia diverse forme d’arte. Com’è stato confrontarsi con il cliente e decidere come e cosa realizzare in base al tuo stile ma rispettando le sue esigenze?

Ho sempre avuto fortuna, il cliente si è sempre fidato di me, forse perché aveva stima, o almeno spero.

Ho sempre provato a leggere nel pensiero le idee di chi tatuavo munendosi di tanta pazienza fino a ottenere un risultato convincente.

O forse io sono molto convincente (scherzo).

Ci parli un po’ delle tue collaborazioni con il mondo della moda?

Sono venute da se, ho iniziato con Levi’s perché un giorno dipinsi una giacca a tempo perso a casa e la postai, taggando il brand (Levi’s). Loro mi contattarono chiedendomi di realizzarne una ventina per un evento a Milano con Carla Sozzani. Da lì, si è sparsa la voce e ne sono arrivati tanti altri.

Cosa ti trasmette contaminarti con realtà commerciali più che concettuali?

In realtà il mio scopo è proprio quello di rendere concettuali le realtà commerciali, o almeno provare a farlo. Proprio in questo sta la mia provocazione: uso soggetti conosciuti da tutti ma stravolgo completamente la loro forma o la loro utilità.

“NOAH” è la tua prima serie di opere digitali, dove hai dato un nuovo aspetto  alla storia dell’arca di Noè. Un aspetto sicuramente provocatorio dove gli animali super griffati da loghi molto noti della moda, sembrano dover imbarcarsi al front row di una sfilata. Ci parli di questo progetto della tua interpretazione a un classico della storia cattolica?

Il lampo mi arrivò circa due anni fa quando tornai a casa e accendendo la TV trovai un documentario su Noè e i suoi animali.

Cosi mi misi a progettare la mia di arca, decisi di unire tutti i miei interessi in un unico lavoro, per realizzare una serie di opere che mi rappresentassero a pieno.

Utilizzando però sneakers che formano animali, come se al giorno d’oggi ai bambini venisse raccontata una favola volta a salvaguardare il materialismo anziché le creature.

I tuoi lavori non smettono di cambiare collocazioni, hai anche realizzato l’artwork per il primo singolo di Aron Piper. Avresti mai pensato di vedere un tuo lavoro su un disco?

In realtà no, ma ho scoperto che mi piace molto, sia perché posso conoscere persone interessanti (ascolto molta musica), sia perché è come se tatuassi in qualche modo questa persona, lasciandogli qualcosa di significativo per sempre, anche se non su pelle.

Il periodo di emergenza COVID è sicuramente stato un periodo inaspettato, diverso e personale per ognuno di noi. Tu durante questo periodo hai creato un nuovo progetto, diverso, d’impatto, dove un susseguirsi d’immagini esprimono significati, provocazioni e riflessioni. Ci parli di questo tuo nuovo percorso stilistico? 

Senza il Covid, tra l’altro arrivato pochi giorni dopo aver appena firmato un contratto con la mia attuale galleria IMAGO Art Gallery, non mi sarei mai fermato a dedicare tanto tempo a quello che in realtà ho sempre avuto in mente. Così, appena iniziata la quarantena, ho preso un iPad e le mie capacità di realizzazione, avendo una base pittorica, sono cresciute esponenzialmente rispetto all’usare il mouse del PC. 

Quanti Crispy MC Xanax avremo bisogno nella vita?

Come dice un vecchio detto, un Crispy MC Xanax al giorno toglie il medico di torno.

Potrebbe essere una nuova collab come Gucci e Balenciaga o Fendace?

Sarebbe meraviglioso ma non credo sia possibile, anche se fosse per me direi sì, sarebbe una genialità a livello di marketing.

Che immagine attribuiresti a TOH! ?

Fresca e attuale, un po’ come i miei lavori, forse è per questo che ci siamo trovati! 

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Elvis Di Fazio con questo #tbt shooting del n.24 di Toh! Magazine ci porta alla scoperta della sua suburbia abitata da uomini nudi, etero, gay, che vivono liberamente la propria sessualità senza timore e senza paura.

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PH. Elvis Di Fazio

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George Kanis è un artista greco che usa la fotografia per seguire gli istinti primordiali liberati dalle etichette e dalle regole imposte dalla società. ‘Desiderio’ è la parola che rappresenta maggiormente i suoi lavori, immagini dove i corpi sono finalmente nudi e liberi.

I protagonisti dei suoi scatti sono amici della scena underground di Atene, il suo stile è crudo, per enfatizzare al massimo gli istinti naturali. È una esplorazione del concetto di libertà di genere, razza e orientamento sessuale della società greca, dove tutto è senza limiti.

George Kanis oltre essere un artista di talento ha molto da dire, e ci tiene a sottolineare il suo messaggio: tutti dovremmo essere liberi, senza vergogna e senza dimenticare mai di essere vivi.

Vivi ad Atene ma sei nato sull’isola di Chio, quanto pensi che la tua anima greca abbia influenzato il tuo immaginario?
Credo che il mio modo di vedere o anche il mio modo di pensare siano stati influenzati al 100% dall’ambiente in cui sono cresciuto. Sebbene molte persone possano affermare che il mio lavoro sembri essere più vicino all’estetica di Berlino, ho trovato questa conclusione senza senso.

La scena underground in tutto il mondo ha tonnellate di somiglianze e la scena greca underground è molto viva e molto attiva. Soprattutto quando si parla di arte. L’arte non conosce confini e non ha paese. Condividiamo tutti le stesse emozioni, a prescindere di chi sei e di dove vivi.

Sei mai scappato di casa da bambino?
La mia infanzia è stata piuttosto dura ed estremamente violenta, quindi sì, dovevo essere un fuggitivo. Oggi le circostanze sono totalmente diverse e sono molto vicino ai miei amici e alla mia famiglia. Ma, in passato, non ho mai sentito di appartenere a nessun luogo e non mi sono mai sentito amato.

Sei un artista dai molti talenti che utilizza foto, video e pittura. Quale pensi sia il migliore per te o quello che ti piace di più?
La pittura mi appassiona molto ed è terapeutica per me. Ma la fotografia mi ha dato il potere di rivendicare me stesso, facendomi sognare di nuovo.

Quindi dover scegliere un solo mezzo di espressione sarebbe difficile; si adattano tutti perfettamente al mio stato emotivo in momenti e nel modo in cui voglio esprimermi onestamente. 

Il desiderio è un argomento importante per te e adoro il modo in cui lo rappresenti, cosa significa per te?
È tutto! Il desiderio ti rende libero, ti fa sentire innamorato, ti fa odiare, ti fa sognare, e ti spinge a sforzati di più. Ti fa combattere per la tua libertà! È una sensazione primordiale che spesso calpestiamo, mettendola da parte al fine di soddisfare un amante, la famiglia, la comunità, la società e il mondo.

Se hai nutrito i tuoi desideri con armonia e non ferisci nessuno, non hai mai bisogno di sopprimere le tue volontà per soddisfare qualcuno! Il desiderio ci ha liberati dalle norme della nostra società ed è qualcosa che dobbiamo rispettare senza vergognarcene mai.

Gli uomini Greci, così come Italiani e Spagnoli, sono tra i più caldi. Che tipo di uomo ti piace di più?
A dire il vero non mi piace nessun tipo. Se vedo un ragazzo in un club, è soltanto il modo in cui balla e interagisce con l’ambiente ad eccitarmi.

Se invece si tratta di rimorchiare, allora ho un certo tipo: i cattivi ragazzi, o semplicemente ragazzi dall’aspetto punk / squamoso / queer. Preferisco sempre flirtare con persone nel mondo reale e mai attraverso social o app, quindi quando voglio solo fare sesso mi sento attratto da diversi tipi di ragazzi.

Come ne pensi della scena artistica underground greca?
È l’unica cosa che mi resta in cui credere  qui in Grecia e mettere tutti i miei sforzi. I giovani qui sono estremamente creativi, mi stupisce sempre! Vorrei non essere quel paese povero che siamo. Tutti gli artisti locali qui potrebbero avere le stesse opportunità di lavorare con le loro idee, traendone vantaggio e rendendoci ancora più creativi.

Penso che ci sia molta libertà di espressione nelle tue creazioni, come ti senti quando pubblichi online il tuo lavoro nel mondo?
Qualche anno fa non volevo pubblicare nulla, mi bastavano le mie mostre. Ma dopo che i miei amici mi hanno letteralmente fatto creare un account e iniziare a caricare il mio lavoro, mi sono subito innamorato.

Amo la possibilità di conoscere più persone che condividono le mie stesse idee. Comincio persino a rispettarmi un po’ più di prima. Trasmettere l’arte attraverso tutti quei social media è folle e super divertente, ti spinge anche a provare di più ed essere maggiormente produttivo.

È davvero una motivazione per fare sempre di più. Quindi, se stai leggendo questo e hai ancora dei ripensamenti, abbandona ogni tentennamento ed inizia a caricare il tuo lavoro. Facci vedere e fatti amare.

In un mondo in cui tutti possono scattare foto con i loro telefoni, come ti senti da artista che usa come strumento la fotografia?
Non credo nella concorrenza soprattutto nell’arte. Noi artisti che dovremmo sostenerci a vicenda, lavorare insieme, condividere idee, promuovere idee, etc. Vedo cose incredibili online che non ottengono mai l’attenzione che dovrebbero ricevere, e questo mi rende davvero triste, vorrei essere super famoso per promuoverli tutti.

Il fatto che ora tutti possiamo scattare foto è ancora più interessante per me, mi piace vedere che ci sono sempre più persone che si impegnano maggiormente con le arti in genere. Quindi no, non mi spaventa affatto il fatto che chiunque possa fare una foto, così come non mi ha mai spaventato per tutti quegli anni che chiunque possa disegnare.

Se stai leggendo queste parole e hai ancora dei ripensamenti, abbandona ogni tentennamento ed inizia a caricare il tuo lavoro. Facci vedere e fatti amare.

George Kanis

Ci parleresti del progetto “D.T.S. – Death To Symbols”?
Ho creato il progetto DTS “Morte ai simboli”, per rappresentare la separazione degli esseri umani dalla natura, dove il grembo primordiale del mondo è l’essere onni-inclusivo, senza discriminazione e con piena accettazione. Le mie foto sono solitamente ambientate in ambito urbano, un luogo per lo più freddo, tecnologico e puramente patriarcale.

Lì i corpi vengono raffigurati spogliati dalla civiltà, ritornano in un’età primordiale in cui tutto è accettato ed appartiene a uno stadio preconscio, mentre il giudizio sociale non ha posto. I miei soggetti sono i simboli e rappresentano il titolo, che la società gli ha assegnato e sul set possono liberarsi da questi e mostrare la loro verità, dove il desiderio è soggetto solo a se stesso e non si attiene a leggi e regole.

Puoi dirci com’è la tua giornata quando scatti le foto? È la rappresentazione della tua fantasia o di quella del modello? Come funziona?
No, è sempre primordiale, è come mi sento in quel preciso momento e come reagisco al mio ambiente. Sono sempre molto emotivo e cerco di esprimere come ci si sente. Ovviamente i miei modelli esprimono i loro desideri, i loro sentimenti e  le loro emozioni, dopotutto sono umani, ma quasi ogni volta cerco di rappresentarli come vorrei vengano rappresentati.

Immagino che il momento delle riprese sia davvero hot, alcuni spettatori probabilmente si eccitano guardando il tuo lavoro, succede anche te scattando quei momenti?
(Ride) Mi dispiace deludervi ragazzi ma quasi mai durante le riprese, dopo aver fatto il mio lavoro è più che benvenuto. Dipingevo o scattavo foto di corpi nudi da quando avevo quattordici anni e questo è molto tempo fa.

Guardando il tuo lavoro in cui c’è molta libertà nel sesso, sembra che tu sia aperto e conosci davvero l’argomento. Che cosa ne pensi?
Amo sempre esplorare la mia sessualità e nutrirla con tutti i miei desideri. Non mi sono mai vergognato quando si trattava di sesso, perché a mio modesto parere nessuno dovrebbe mai sentirsi così! Amo l’intimità, amo il sesso amo abbracciare il mio io interiore e condividere le mie “parti” con gli altri.

Qual è il tuo punto di vista sul feticismo?
Posso feticizzare anche un normale vaso come ho già fatto attraverso il mio lavoro in passato. Abbiamo tutti i nostri feticci anche il sesso alla vaniglia come lo vedo al giorno d’oggi per me è un feticcio e non solo sesso alla vaniglia. Amo tutti i tipi di giochi sessuali, mi piace divertirmi a dare e prendere piacere e il mio ruolo preferito nel sesso è quello del passivo dominante.

Se avessi un adesivo per paraurti sulla tua auto, quale sarebbe?
Non dimenticare mai di essere vivo.

Quando sei stato più felice?
La felicità va e viene come ogni cosa nella nostra vita. Non ricordo quale sia stato il mio momento più felice, ne ho molti e non riesco davvero a farne una gerarchia.

Instagram George Kanis

L'articolo George Kanis fotografa il desiderio libero. proviene da Toh! Magazine.

^{_{Marc Martin: Public Toilets, Private Affairs è apparso precedentemente su Toh! Magazine N.31}}

Marc, raccontaci un po’ il tuo background.

Da parecchio tempo lavoro sul tema della mascolinità e delle sue contraddizioni. Metto in scena le zone d’ombra della sessualità, gioco coi codici della bellezza mischiando poesia e pornografia.

Qual’è stata l’ispirazione per il progetto “Public toilets and Public affairs”?

Non era mai stata fatta una indagine approfondita sull’importanza che hanno avuto i bagni pubblici sulla comunità omosessuale e sulla società in genere. I pisciatoi, malgrado la loro cattiva nomea, ospitavano una libertà sacrale: erano il luogo in cui venivano meno le barriere imposte dalle classi sociali. Volevo restituire a questi posti la sensualità perduta e sfatare gli stereotipi sul tema.

Ho apprezzato molto l’atmosfera si sente che sta per accadere qualcosa di pericoloso, vietato e sensuale. Come hai lavorato per ricreare quelle situazioni?

All’ interno dei cessi pubblici l’imprevisto, l’incognita, il pericolo erano gli ingredienti principali per l’eccitazione sessuale. Mi sono assicurato che i modelli che ho fotografato non si conoscessero tra di loro: si sono incontrati per la prima volta sul posto. Uno di loro non era neanche omosessuale. E li ho lasciati improvvisare…

Come hai scelto i luoghi e le città in cui scattare ? Li hai scelti per l’estetica o per la loro importanza storica nel cruising?

Ho avuto la fortuna di poter scendere nei vecchi cessi sotterranei della rete di trasporti pubblici di Berlino, chiusi al pubblico per più di 25 anni. Con quelle vecchie piastrelle, i disegni torbidi, questi luoghi avevano mantenuto intatta tutta la loro carica erotica. I graffiti risalgono agli anni Ottanta e Novanta e sono tracce della vita delle persone. C’è chi ci vede solo il carattere osceno e bestiale dell’omosessualità, io invece ci vedo lo slancio di desiderio. Emerge una certa poesia da queste porte piene di tracce di piscio e disegni volgari. Le ho portate al museo per farne un’installazione e hanno avuto il loro posto importante nella mostra.

Quanto pensi che sia cambiato il modo in cui le persone vivono questi luoghi? Penso agli anni d’oro del cruising, quando le app come Grindr e Scruff non esistevano …

Ho fatto affidamento sui fatti storici ma non volevo una mostra accademica. Non bisognava nemmeno cadere nella nostalgia: la nostalgia, intesa come rifugio, è pericolosa. Ridando vita a questi momenti di vita sotterranea, spero di aver restituito la dimensione emotiva che questi luoghi hanno lasciato nella memoria di chi li ha vissuti, dando anche una testimonianza ai più giovani che non hanno avuto modo di conoscere questa modalità di incontro “in real life”.

Sono stato così sorpreso quando ho letto di questa mostra: è qualcosa che non avrei mai pensato di vedere in un museo!

Portare i pisciatoi in un museo è stato un atto forte, una vittoria sacra come artista! E che sia stato un museo LGBTQ (Schwules Museum di Berlino, n.d.r.) ad ospitare il mio progetto è ancora più simbolico, perché questa sottocultura è stata a lungo sinonimo di vergogna, anche all’interno della comunità omosessuale.

Hai fatto molte interviste e ricerche per questa mostra. Vuoi condividere qualche aneddoto con noi?

Le testimonianze che ho ricevuto sono state le fondamenta di questo progetto. C’è una coppia di amici – Francesco e Maurizio, presenti anche nelle foto in mostra – che mi ha raccontato della Roma degli anni Ottanta e Novanta. C’erano moltissimi pisciatoi e il cruising era molto diffuso: tutte le stazioni ferroviarie della città erano luoghi d’incontro. Loro stessi si sono incontrati in una toilette!

Come hai scelto i modelli per lo shooting? Ho visto tra di loro uno degli interpreti del nuovo film di Noel Alejandro, ‘The End’, ed è stato divertente perché abbiamo intervistato Noel proprio sull’ultimo numero di Toh!

Si tratta di Pierre Emö, è uno dei personaggi più fotogenici che conosca. Mi ricorda la bellezza anni Settanta di personaggi come Jacques de Bascher, l’amante conteso tra Yves Saint-Laurent e Karl Lagerfeld. Come lui, Pierre Emö è un vero dandy, sexy e sorridente, ed è lui che per primo ha riscaldato l’atmosfera durante gli scatti. Gli piace giocare ed è molto spontaneo: direi che merita proprio la copertina di Toh!

Cosa pensi della reazione dello spettatore nei confronti della potenza erotica del tuo lavoro?

Sono molto fiero che il mio lavoro non lasci indifferenti, né nella testa né nelle mutande. Amo mostrare come la sessualità, persino la più nascosta, possa essere una fonte di creatività luminosa: arraparsi significa anche far funzionare i neuroni.

Il tema del cottaging è legato a doppio filo alle fantasie erotiche. Tu come ti rapporti con le tue?

Le mie prime emozioni le devo proprio ai pisciatoi della mia piccola città di provincia. Questi luoghi di passaggio hanno orientato la mia sessualità, nutrito i miei impulsi e soddisfatto la mia curiosità. Mi hanno permesso di fare degli incontri tanto improbabili quanto inaspettati. Suppongo anche che siano stati per me gli atti fondativi della mia carriera, questo omaggio era dovuto.

E per il tuo futuro, stai lavorando a qualcosa di nuovo?

Sto preparando il seguito della serie “Dur Labeur” sui lavoratori manuali e sul loro sex appeal non curato. Ieri ho fotografato un contadino molto sexy mentre porta a pascolare le sue mucche tra la neve. Per scusarsi di aver macchiato con gli stivali fangosi il manto di neve, mi ha mostrato il sedere in mezzo al campo: “Ecco, la neve sarà pure sporca – ha detto – ma ho il culo bianco. Sarà un bel contrasto per le tue foto!”. Mi sembra l’attitudine giusta, non trovi?

www.marcmartin.paris

All images: © Marc Martin, 2018. Courtesy of Schwules Museum, Berlin.

Marc Martin

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“Per tutti questi motivi ho deciso di scrivere questo libro. Per stimolare la nostra creatività, per uscire dalla nostra zona di comfort e scoprire una sessualità molto più ricca e appagante, sia che abbiamo una vagina, un dicklit, un pene o qualsiasi altra cosa”.

( Da Club Godo, Una Cartografia del piacere di Jüne Plã)

Da quando ho cominciato a fare sesso a oggi la percezione del mio corpo è sicuramente cambiata: sono cambiato io come persona, sono più consapevole, più femminista e anche più rompipalle a sentire le persone che mi stanno accanto.

Con gli anni ho capito di avere una visione della sessualità e degli amplessi un po’ ‘deviante’ rispetto alla norma, diciamo ‘queer’, tanto per usare una parola che mi sta particolarmente a cuore.

Sicuramente, mi sono accorto presto dello scollamento tra il sesso come lo facevo io e il sesso che veniva rappresentato. Il porno mainstream ha iniziato a sembrarmi lontano dal reale, portavoce di una sessualità meccanica, finta, di plastica e anche il sesso al cinema e nelle serie tv mi appariva diverso dal sesso che facevo io.

Ovunque uomini e donne che godono all’unisono. Lui sopra di lei, lui dentro di lei (al massimo dietro di lei) e, sbam, gli orgasmi sincronizzati. Lui e lei vengono nello stesso momento, poi lui lo tira fuori e si accendono una sigaretta. Fine, stop.

Mi sono sempre chiesto se il sesso non potesse prescindere da queste dinamiche, se la penetrazione fosse davvero fondamentale, se gli unici punti erogeni del mio corpo si trovassero a ridosso dei genitali.

Quando, poi, il mio femminismo è diventato così profondamente radicato e io ho iniziato a vedere i danni del patriarcato in ogni dove, le mie domande hanno iniziato a farsi sempre più insistenti e ho scoperto che una sessualità più inclusiva, positiva e creativa era davvero possibile.

Una sessualità che prescindesse dai dettami eteropatriarcali, che desessualizzasse i genitali per eroticizzare l’intero corpo.

Club Godo. Una Cartografia del Piacere di Jüne Plã, edito da Ippocampo Edizioni, ha finalmente dato risposta a quesiti mai risolti, riscrivendo il nostro immaginario sessuale, proprio a partire dalla nostra anatomia, dai nostri genitali – che crediamo di conoscere ma non conosciamo mai – dalle nostre abitudini sessuali.

Con (auto)ironia e sagace schiettezza, l’autrice di Club Godo ci consiglia una serie di pratiche sessuali che esulano dall’atto penetrativo e che portano ad esplorare aree immacolate (LOL) della nostra sessualità, tabù che non riusciamo a scrollarci di dosso, tematiche scomodissime. 

Dai peti vaginali allo squirting, dal period sex alle malattie sessualmente trasmissibili e poi ancora la dispaneuria e l’endometriosi, i segreti del cunnilingus perfetto e i sex toys imperdibili. Ma anche molto, molto più di questo.

Di questo libro ho amato la capacità irriverente di scardinare tutti i preconcetti, la luminosa attitudine rivoluzionaria. Una sessualità positiva è possibile per tutt*, a prescindere dal nostro sesso, dal nostro genere, dal nostro orientamento e dalle nostre anatomie. 

Per tutti questi motivi, ho intervistato Jüne Plã e qui di seguito trovate il risultato di questa chiacchierata. 

Ciao Jüne! Prima di cominciare ci tenevo a farti i complimenti per Club Godo. Una Cartografia del Piacere. È un libro bellissimo e ti ringrazio anche personalmente per averlo scritto, perché affronta una tematica che ritengo quanto mai urgente e che mi tocca da vicino.

Ciao, grazie a te! Lo so, riesco a toccare sempre molte persone (ridiamo, ndr).

La prima domanda che ti pongo è la seguente: quando hai capito che un altro tipo di sessualità, più libera, più inclusiva, più femminista e meno ingabbiata in dogmi patriarcali era possibile?

L’ho capito quando all’età di vent’anni ho conosciuto un uomo, Nicky, che mi ha aperto molte possibilità fino a quel momento precluse. Lui non era un uomo bellissimo e, a dire il vero, non era neanche il migliore amante del mondo: aveva problemi di erezione. Eppure, sapeva utilizzare benissimo altri strumenti, soprattutto le mani, e io da allora non ho mai più ritrovato la stessa intensità. È un po’ anche per lui, quindi, che ho pensato di scrivere questo libro.

Come scrivi anche tu nelle primissime pagine del libro il sesso è uno di quegli argomenti di cui pensiamo di sapere tutto. Club Godo ci insegna invece che la nostra conoscenza del sesso è limitatissima, spesso figlia di un pregiudizio e legata a informazioni parziali o addirittura totalmente errate. Sono moltissime le cose che ignoriamo, gli spazi del nostro corpo e della nostra sessualità che ancora non abbiamo esplorato. Secondo te, qual è il più grande problema che abbiamo oggi con il sesso? Qual è insomma il più grande ‘malinteso’, il più grande errore di valutazione?

Credo che il più grande problema riguardi la penetrazione, il fatto che ci concentriamo troppo sulla penetrazione, mentre tendiamo a ignorare tutto il resto. Accade – soprattutto nel sesso eterosessuale, ma non solo – che l’uomo raggiunga facilmente l’orgasmo, mentre la donna o, in generale, il soggetto penetrato molto meno.

Il testo, a mio avviso, è un grandissimo esempio di femminismo intersezionale e di inclusività: il linguaggio che hai deciso di utilizzare non esclude nessuna identità e rifiuti di adottare una logica binaria persino nel parlare di genitali. Per questo motivo “Club Godo” è sicuramente anche un testo politico, soprattutto perché i nostri corpi sono politici ed è politico il modo in cui li agiamo, il modo in cui facciamo sesso. Alla luce di ciò, in che misura, secondo te, il sesso può essere veicolo di liberazione dei sessi? Da cosa dobbiamo liberarci?

Senz’altro dobbiamo liberarci dalle norme che ci vengono imposte fin da quando siamo bambini/bambine, quando ci vengono dette delle cose e ci vengono spacciate per naturali, quando non sono affatto naturali. Io non lo trovo logico che ci siano dei costumi attribuiti sin dall’infanzia. Le possibilità che ci sono date sono potenzialmente infinite.

Non ci sono norme, non esiste la penetrazione come unica possibilità, non è vero che tutte le femmine hanno la vagina. Il mondo fortunatamente è più complesso di così, sennò sarebbe una tristezza infinita.

Abbiamo ancora moltissima paura di non essere normali, anche le domande che mi vengono poste dalle persone su Club Godo hanno spesso a che fare con questi timori. Abbiamo il diritto di avere reazioni differenti, desideri differenti.

Club Godo è pieno di consigli pratici per esplorare la propria sessualità (e quella altrui) in chiave non binaria, femminista, più libera. Vorrei chiederti un altro consiglio pratico adesso. Spesso è difficile all’interno di una relazione far conciliare due (o più) visioni della sessualità diverse. Quindi, come fare a convincere chi ha un’idea ancora molto “tradizionale” del sesso a esplorare, sperimentare e abbracciare una sessualità meno rigida, meno “eteronormativa”?

Chiaramente, non è possibile avere tutti la stessa visione del sesso. Questo è un problema abbastanza comune. Per provare a portare in superficie il problema basterebbe comprare il mio libro, per aprire uno spiraglio di conversazione su un tema così delicato. Nel 2020 siamo molto fortunati, perché siamo circondati da risorse che possono venirci in soccorso, che possiamo mostrare al nostro partner per provare a convincerlo. Tra queste anche il mio libro o il mio account Instagram, @jouissanceclub.

Ti piacerebbe che Club Godo, il progetto intrapreso con la tua pagina Instagram e con questo libro, si ampliasse?  

Il mio sogno segreto è di abolire il Kamasutra, che è troppo concentrato su norme eteronoramative e penetrative. Quindi sì, direi che il mio progetto è proprio abolire il Kamasutra.

Vorrei concludere con una domanda che esula un po’ dal libro. Ho letto – correggimi se sbaglio – che sei anche character designer di videogame. A che punto siamo con queste tematiche nel mondo del videogaming? Quanta consapevolezza c’è intorno al femminismo, alla rappresentazione di corpi e di identità non conformi?   

La situazione è stata finora piuttosto catastrofica. Siamo ancora soliti vedere guerrieri con armature gigantesche e guerriere che, se ci sono, sono ipersessualizzate, con seni molto prosperosi e bikini. Le donne nei videogame sono ancora molto stereotipate e immagini di questo tipo fanno male tanto alla femminilità quanto alla mascolinità. Nella mia agenzia lavorano molte donne e questo tema è quindi molto dibattuto. Potrà sembrare paradossale, ma anche io mi sono trovata a sbagliare e sono stata redarguita per aver realizzato dei corpi femminili un po’ troppo sexy. Trovo che ultimamente la situazione stia un po’ cambiando e ci sia desiderio di uguaglianza, è molto bello. Anche il pubblico di gamer, inoltre, non è più soltanto maschile. Le donne gamer sono sempre più numerose ed è anche per questo che qualcosa sta cominciando a cambiare.

L’invito è quello di leggere questo libro, di osservare attentamente le illustrazioni e i nostri corpi e, poi, di provare a sperimentare, a fare sesso come più ci piace senza aver paura di essere anormali, ma anzi per essere più felici, perché “il sesso è amore, che lo facciamo all’interno di una relazione stabile o che si tratti solo di una botta e via. Il sesso è condivisione e fonte di benessere. Piace anche ai tuoi genitori, tanto per darti l’idea…Il sesso è vita”.

Un grazie speciale a Jüne Plã, alla casa editrice tutta e, sempre per citare testualmente l’autrice, “a tutte le persone che mi hanno scopato”.

Tutte le immagini sono offerte per gentile concessione dalla casa editrice.

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Pioniere del porno come genere cinematografico, Bruce LaBruce bazzicava i festival internazionali già dagli esordi negli anni ’80; si insinuò nella scena punk soverchiandola e creò una nuova branca, il Queer Core, un esperimento culturale estremamente politicizzato che aveva e ha lo scopo di contrapporsi alla folta schiera di nazi-punk.
Con quest’ordine appena creato, Bruce ha la possibilità di mostrare identità di genere non conformi, sessualità esplicite e inclusione delle minoranze.

La sua controversa cinematografia fa discutere da quarant’anni e non si arresta neanche con l’ultimo Saint-Narcisse, condito con intrecci inter-famigliari e scene erotico-religiose.

Siamo nel Canada del 1972 quando Dominic (Félix-Antoine Duval), alla morte della nonna che lo ha cresciuto, non solo scopre che la madre non è morta di parto e che è viva e vegeta, ma anche di avere un gemello in monastero.

Questo protagonista così edonistico ed egoista fa allora di tutto per incontrarlo, intraprendendo poi con lui una relazione.

I due faranno visita, insieme, alla genitrice – lesbica, strega e velatamente incestuosa pure lei – per vivere finalmente tutti felici e contenti, con tanto di figli (chissà di chi) in una deliziosa casetta nel bosco.

Ritorni dalla tua terza partecipazione alla Mostra del Cinema di Venezia, dopo che nel 2013 hai presentato Gerontophilia e nel 2016 sei stato giudice di gara. Come si sente un regista punk in un festival così canonico, con un film che peraltro affronta i temi dell’incesto e dell’abuso nella Chiesa?
Mi considero un regista avanguarde, ma sono comunque passato dai maggiori festival fin da subito.
All’inizio degli anni ’90 la mia opera prima venne accolta nei circuiti mainstream, tre dei miei film sono passati dal Sundance e sono stato due volte alla premiere del Festival di Berlino e una a Locarno: non è quindi così insolito per me.

Certo non definirei questo film mainstream, ma è sicuramente più accessibile e più narrativo di altri, senza la mia solita sotto-trama propagandista.

Inoltre è un melodramma, che è un genere popolare: quindi penso che lo si possa considerare tanto mainstream quanto punk.

Anche in questi contesti, film come i tuoi passano senza filtri censori: pensi che il pubblico si sia abituato a scioccarsi o che non sia più il sesso a scioccare?
Quando uscì Gerontophilia le persone trovavano scioccante che quel film fosse mio: perché non era affatto scioccante. Do ancora valore allo shock per il gusto di scioccare, e penso che sia perfettamente legittimo e di intrattenimento, John Waters ci ha scritto un libro.

Penso che quello che sciocca oggi sia portare un messaggio sovversivo essendo sottili, e in un certo senso il finale di Saint-Narcisse è scioccante perché implica che tutti i membri della famiglia scopino tra di loro – o comunque siano coinvolti romanticamente.

Se ci pensi, le implicazioni del film sono più scioccanti di qualsiasi singola scena, per esempio quella in cui il prete spinge le frecce dentro al corpo del ragazzo. La consideravo una scena quasi gore o splatter, ma poi ho pensato che tutti ormai hanno visto tutto.

In una trama così carica di violenza, morte e scandalo, l’incesto è utilizzato come sollievo comico: quasi a dire che, paragonato ad altre vicende, sia la situazione più serena.

Per me l’incesto è anche romantico. Un trade mark nei miei film è parlare di cose estreme con un tocco leggero – o così mi è stato detto.

E mi piace essere inaspettatamente romantico a proposito di quello che altre persone percepiscono come taboo o fetish. Il twincesto, tra l’altro, è la più accettabile forma di incesto, perché la gente riesce a capire l’attrazione per sé stessi e il desiderio di  fare l’amore con sé. Ed è molto popolare nel porno gay. Insomma… non così popolare, ma comunque un sottogenere che esiste, e trattarlo in maniera romantica e quasi religiosa forse è proprio scioccante.

Hai dichiarato che tutti i registi dovrebbero fare almeno un film sui gemelli o i sosia, sull’incesto, su una capanna nel bosco, sulle lesbiche che vivono allo stato brado, su un motociclista e sull’abuso di un sacerdote: ma chi potrebbe effettivamente farlo – o l’ha già fatto – oltre a te?
Io adoro Almodóvar, che è molto bravo a rendere melodramma qualsiasi aspetto di una trama.

L’idea di Saint-Narcisse nasce nel 2013: pur lavorando ad altre produzioni hai detto che è stato il tuo lavoro primario in tutti questi anni. Qual è stato l’aspetto più impegnativo del realizzarlo e da dove è nata la storia?
Subito dopo Gerontophilia, abbiamo lavorato alla sceneggiatura di Saint-Narcisse per 5 anni: la storia originale era mia e di Martin Girard, altro bravissimo regista del Québec. Volevo fare qualcosa di molto complesso narrativamente, che si svela e rivela e che sorprende senza dover spiegare troppo, che è stata anche la parte divertente del processo. Tutto è iniziato proprio dal twincesto: ogni mio film si basa su una forma di fetish come riverenza verso l’oggetto del desiderio in un modo quasi spirituale. Poi ho pensato all’idea del gemello come metafora di Narciso.

Nel mondo gay trovi spesso due tipi di uomini: uno attratto dall’opposto di sé stesso, l’altro attratto dalla sua copia, chiamata twinning, e questi ultimi sono così simili e si vestono uguali…

Ovvio che alla base ci sia il desiderio di voler fare l’amore con sé – e penso che con i social media non finirà mai questa triste costante del mondo gay di fissare il cellulare assorbiti dalla folle vanità del quesito «in quale foto ti piaccio di più?». In un certo senso è un costante bisogno di affermazione per coprire l’insicurezza – non che io mi dispiaccia di guardarmi allo specchio, ma insomma… Poi ho iniziato a pensare a Orfeo, il film di Cocteau, e su come lui applichi il mito a uno scenario più contemporaneo, qualcosa che anche io avevo in mente.

Il mito di Narciso è probabilmente il soggetto più rilevante da trattare al giorno d’oggi.

A proposito della nuova regolamentazione anti-discriminatoria introdotta dall’Academy – che impone ai film, per essere candidati agli Oscar, di includere almeno due minoranze nella troupe e nella trama – c’è chi ha parlato di rainbow washing: pensi che possa invece essere un passo verso l’inclusione?
Non penso che queste siano cose che si possono imporre. Se l’artista non crede autenticamente nell’inclusione, allora è solo window dressing – e non credo nemmeno che queste regole potranno avere un impatto nell’industria, onestamente. Quello a cui mi oppongo di più, però, è che a un certo punto i personaggi gay e lesbo hanno iniziato a essere presenti nelle produzioni di Hollywood attraverso un’unica singola rappresentazione di “ciò che è gay”: e sono contro questa pre-censura che crea una falsa idea di come siano gli omosessuali e come siano percepiti.

Capisco che non si possa sempre sostenere la causa, ma non devono esserci nemmeno personaggi pre-impostati che descrivono parzialmente lo zeitgeist.

L’idea che il ritratto dei gay debba essere necessariamente positivo mi sembra orribile, tanti dei miei personaggi preferiti nel Cinema sono gay cattivi – e sono deliziosamente cattivi perché sono stati repressi forzatamente, hanno subito torti, la loro cattiveria è consequenziale.

Ogni atteggiamento sessuale torna indietro in maniera mostruosa e quindi penso che la rappresentazione debba esserci, certo, ma debba essere autentica.

È diverso se si parla di assumere nella crew artisti e professionisti di minoranze, penso che sia un’ottima cosa perché lì il problema è sistematico. Ma in termini di personaggi, cosa potrebbe apportare di diverso? Sono stanco dei gay che scoprono loro stessi, scoprono loro stessi dagli anni ’90, li chiamavo gay cheerleading films già allora.

Non mi piace quando tutto va bene, tutti sono felici, sono tutti positivi e se hanno problemi li risolvono: io preferisco Morte a Venezia a questa roba!

Cosa suggerisci allora?
Per gli ultimi due film, The misandrist e Gerontophilia, ho usato il colorblind casting: i due protagonisti erano stati scritti come ruoli generici, senza pensare a un interprete bianco o nero. Ci sono molti ruoli che non sono pensati per un’etnia precisa: scegli l’attore che fa l’audizione migliore. In Gerontophilia abbiamo finito con l’affrontare non solo il taboo dell’amore con differenza di età ma pure con quello della coppia mista, e il taboo generazionale è rimasto comunque più preponderante di quello razziale. Il colorblind casting ha dunque funzionato. Credo che imporre regolazioni sull’arte agli artisti radical non vada mai a buon fine, perché avere così tante regole su cosa puoi o non puoi fare frena la libertà.

In termini di accettazione, credi che l’ambiente punk sia ancora il più inclusivo?
Non sono più così coinvolto nel movimento punk ormai, ma quando lo ero lo trovavo molto più inclusivo. Ci sono gruppi con membri trans, molte più band miste che sono estremamente politiche. Il Queer Feminist Porn Festival a Barcellona è interessante, radicale, queer, etnicamente inclusivo, antiageist e body positive. Penso che il punk abbia fatto dei gradi passi avanti.

Film a parte, prima di Halloween è partita la prevendita di Death book, il tuo quarto libro: chi lo ispira e perché pubblicare proprio adesso una raccolta di foto scattate in trent’anni?
L’editore Baron mi ha contattato chiedendo se mi volessi occupare del secondo volume di una serie di libri chiamata, appunto, Death book: io ho scelto un’interpretazione piuttosto letterale del tema, leggendolo come l’opportunità di raccogliere alcune tra le foto e polaroid più estreme che abbia scattato sul tema del sesso e della violenza. Come spiego a Slava Mogutin nell’intervista introduttiva al libro, in quanto frocio in una fattoria del Canada ho assistito a molto sesso e molta violenza crescendo, cosa che ha avuto un profondo effetto su di me; le mie opere sono influenzate dal gore e lo splatter dei B-movies degli anni ’70 che uscivano mentre io ero ragazzo. Questo libro spazia fra 25 anni, e in questi anni l’accesso a immagini orribili e grottesche di violenza e morte sono gradualmente divenute abbastanza comuni.

Quindici o venti anni fa non avresti mai potuto vedere video di gente uccisa su internet: ora non solo non è strano ma anzi è usato per fare clickbait. Nella mia arte e nel mio cinema presento questo tipo di immaginario in modo iperbolico, con senso ironico e in modo camp, ponendo l’attenzione su come il sesso e la violenza siano quotidianamente usati come un seducente narcotico nella cultura pop e nella moda, per vendere.

Lo si può considerare quindi un libro autobiografico?
Sì. Per esempio, da bambino ho assistito a un terribile incidente tra camion nella strada davanti alla fattoria. La vittima era stesa nel mezzo della carteggiata, le sue scarpe e i calzini erano stati scagliati via nell’impatto, io ho sentito i suoi lamenti di morte. Ho ricreato questa scena nel film L.A. zombie, le foto che ho scattato sul set sono qui dentro. Ma nella mia versione uno zombie alieno scopa il cuore dell’uomo morto e lo riporta in vita: suppongo sia un modo di fare i conti con lo stress post-traumatico. E poi molti dei modelli sono miei amici: alcuni di loro sono morti e ho dedicato il libro proprio a quelli che non ci sono più.

Davanti a questi scatti la morte sembra affascinante, non spaventosa: il nostro interesse è voyeuristico nonostante la violenza?
Non considero il mio lavoro morboso o nichilista. È troppo leggero e timido per essere percepito in quel modo. Molte delle foto e delle polaroid sono state scattate durante le performance che ho fatto nella mia galleria, o durante eventi d’arte dove travesto i modelli da terroristi, rivoluzionari o zombie rivoluzionari, e li cospargo di sangue finto spesso in modo sessualizzato. L’atmosfera di queste prestazioni non è mai negativa o buia, ha un senso più divertente, carnevalesco. Spesso coinvolgo membri del pubblico – alle volte nudi, che ricopro di sangue e che posano con i modelli. È un’opportunità di catarsi, di liberazione dalle ansie e dalle paure verso quel tipo di violenza che è presentata nei mass-media. Come i video dell’ISIS che decapita gli ostaggi, prodotti come pubblicità hollywoodiane: quel tipo di violenza che fruiamo quotidianamente nei telegiornali.

Che significato ha per te la morte?
Affrontare il dolore e la morte nei miei lavori è terapeutico, ed è anche un modo per interfacciarmi con la mia mortalità. Questo processo mi rende più filosofico: non solo capisco che la morte è inevitabile, ma anche che è necessaria per per dare senso alla vita. Puoi apprezzare davvero la vita solo prendendo atto che è qualcosa di prezioso che un giorno finirà.

Hai altri film porno in programma?
Ho sempre continuato entrambe le produzioni parallelamente. Le persone che vedono i miei film tendono a volere dividere le due cose, dicono: «all’inizio facevi porno e poi sei diventando più professionale e accettato dal modello dell’industria».

In ogni caso artisti e registi porno rimangono comunque artisti ed è legittimo considerare il porno un genere, rigetto la narrativa per cui devi diventare commercialmente sempre più di successo e devi usare budget sempre più grandi.

Ho fatto film quasi senza budget e film molto impegnativi e strutturati e alle volte i film senza budget nascono perché nessuno li finanzia, altre volte perché nel frattempo si lavora a qualcosa di più grosso, altre ancora perché c’è bisogno di libertà totale e non si vuole un finanziatore che dica cosa fare. Con Saint-Narcisse non è successo questo, nessuno mi ha detto cosa potessi o non potessi fare.

C’è ancora vita per il movimento Queer Core?
Pensavo recentemente a una linea di scarpe che Gucci ha lanciato un paio di anni fa e che si chiamava appunto Queer Core. Non mi interessava troppo il fatto che avessero usato quel nome, ma le scarpe non avevano nulla a che fare con il Queer Core né ne rappresentavano l’essenza. Pensai che stessero solo usando male il nome, quindi non me la sono presa troppo: te lo racconto indossando i miei occhiali Gucci che peraltro indossavo anche alla première a Venezia.

Vedo che che c’è molta nostalgia di quello che abbiamo fatto negli anni ’80, che fu effettivamente un momento stupendo di espressione libera e inclusività, ma penso che abbiamo bisogno di qualcosa di nuovo creato dai giovani che sia militante e più coeso, anche a livello estetico.

Penso al Black Lives Matter Movement – ma anche in questo caso i politici se ne stanno appropriando mitigandone il valore. I movimenti giovani si basano sull’energia e sul “me ne sbatto”, e penso che emergerà qualcosa di sempre migliore.

L'articolo Bruce LaBruce: «non mi piace quando tutto va bene» proviene da Toh! Magazine.

Il rapporto che si crea tra Matthew Robins e la persona che accetta di farsi ritrarre è fondamentale per l’artista per portare al termine la sua opera. Matthew adora disegnare i peli e i fondoschiena di uomini che amano prendersi cura del proprio corpo.

Lo sfondo delle sue opere è spesso arricchito da piante. Il rapporto che ha con la natura è molto forte, trova la natura sexy. Ha da poco iniziato un progetto che lo vede ritrarre dei selfie di uomini nudi inviati tramite Instagram.

Matthew Robins si ispira ad artisti come Picasso, per la sua continua evoluzione stilistica e la necessità di dover continuamente cambiare tecnica pur mantenendo sempre la sua identità. 

Le tue opere vedono come protagonisti uomini nudi, come avviene la selezione per far si che vengano ritratti ?

Disegnare persone durante il disegno dal vero tende ad essere la maggior parte delle volte piuttosto accademico e le pose sembrano molto legnose. Mi piace per questo motivo lavorare con persone creative: altri artisti, ballerini, persone che capiscono che il mio lavoro consiste semplicemente nel passare qualche ora insieme e nel cercare di immortalare parte di quel tempo sulla carta. Di solito provo a passare un po’ di tempo chattando con persone nuove, capire se saranno abbastanza rilassati e se l’energia sia giusta.

Il processo di selezione è diventato più raffinato negli ultimi due anni,  ho imparato a riconoscere le persone noiose e soprattutto i narcisisti estremi, dato che sono le persone meno interessanti da disegnare e so che il lavoro non andrebbe bene. 

Mi piace raffigurare persone che si prendono cura del proprio corpo e persone con cui è divertente uscire. Se le persone hanno posato spesso come modelli, per loro diventa troppo normale, non riesco più a catturare quell’energia umana che cerco di avere nel mio lavoro, per questo motivo tendo ad evitarli. Il progetto di selfie a cui sto lavorando è un po’ diverso in quanto dipingo partendo dalle foto. Un’idea a cui ero totalmente contrario in passato, ma essendomi ispirato ad artisti come Eric Fischl, ha iniziato a incuriosirmi un pò di più. Il processo di selezione per questi lavori è molto più semplice, vedo se una foto è sexy o interessante.

Spesso a incorniciare i corpi nudi troviamo delle piante, perché questa scelta? Che rapporto hai con la natura?

M’interessa il mix di colori, le tonalità della pelle in contrasto con toni vegetali. Blu e verdi seduti fianco a fianco con rosa marroni e viola, le forme fluide delle foglie si sposano molto bene con le curve del corpo umano. Le piante sono sexy, hanno un aspetto fantastico, ma esistono anche per riprodursi. Il sesso è importante per le piante ed è importante per il mio lavoro. Nonostante il sesso sia la nostra ragione principale per essere su questo pianeta, molte persone sembrano invece aggiungergli strati extra di complessità. Le piante mi aiutano a ricordare di pensare più semplicemente riguardo al sesso. Sono cresciuto in campagna e per un po’ sono stato giardiniere part-time per mantenermi.  

Le piante sono sempre state intorno a me e mi piace averle nel mio studio tanto quanto i ragazzi che disegno.

Che reazioni credi provino le persone che decidono di spogliarsi per te? 

Cerco di far sentire le persone a proprio agio non appena arrivano in studio. Le rassicuro anche sul fatto che essere eccitati è una reazione davvero fantastica che rende divertente il mio lavoro. Penso che alle persone piaccia essere guardate. Spesso però mi sento anche molto vulnerabile come se fosse la prima volta. Improvvisamente c’è una persona nuda di fronte a me e posso sentirmi timido per i primi minuti.

Le tecniche che utilizzi per disegnare sono sempre diverse, cosa scaturisce in te il dover provare nuovi modi di illustrare? 

Gli artisti che ammiro di più sono Picasso, Hockney e Matisse, disegnano e dipingono in molti modi diversi, ma il loro lavoro ha lo stesso spirito riconoscibile. 

Ho studiato illustrazione all’università, dove siamo stati incoraggiati a trovare il nostro stile, ma credo che nell’arte questa sia una strada senza uscita. Quando mi sento troppo a mio agio con la pittura o con qualsiasi tecnica stia usando, preferisco cambiare lo strumento o cambiare la posizione della persona che sto ritraendo.

Cosa ti trasmette osservare un corpo a pochi centimetri da te? Riesci a mantenere la concentrazione per il tuo lavoro?

No, non sempre. Dipende anche dall’altra persona e dal suo umore. 

A volte siamo riusciti a fare solo un disegno prima che mi distraessi e potessi finire il mio disegno. Altre volte sono davvero entusiasta e mi diverto a cavalcare l’energia che la sessualità crea. Ecco perché mi piace scegliere modelli che mi eccitano, crea un’energia incredibile quando si è entrambi in una stanza a godere i propri ruoli.

Qual’è la parte che preferisci illustrare di un corpo maschile? Perché?

Mi piacciono molto i peli del corpo, è molto divertente disegnarli perché si tratta di fare segni ritmici. È così orribile quando i modelli si presentano e si sono rasati i peli del corpo.

Mi piace anche disegnare un bel sedere, può cambiare forma in modo così sottile, ma puoi catturarlo in due o tre linee fluide, se si è dell’umore giusto. Sono semplicemente belli.

Come nasce il progetto di ritrarre dei selfie che ti inviano?

Chiedo sempre alle persone che vogliono mettersi in posa di inviarmi foto di se stesse prima di incontrarle, per vedere come sono nude, e per cercare di capire la loro personalità. 

Se le foto sono davvero sexy e totalmente disinibite, allora so che saranno brave a posare per i miei disegni. Penso che le persone vogliano essere guardate, soprattutto gli uomini. Molti dei miei followers su Instagram hanno l’abitudine di mandarmi foto dove sono eccitate o in situazioni stravaganti e cosi ho iniziato ad affascinarmi all’idea di ritrarli in questa serie di selfie.

Cosa fai nella vita quando non disegni? 

Faccio film e spettacoli teatrali dal vivo, canto e recito. 

Lavoro con i burattini e l’animazione. Ho appena ricevuto una vecchia Xbox 360 che qualcuno ha buttato via e che spero non s’impadronisca della mia vita.

Le creazioni di Matthew Robins si possono acquistare su Etsy .

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