Nato in Portogallo, oggi risiede a Parigi. Il suo percorso è fatto di partenze necessarie e ritorni interiori. Dalla rigidità del balletto classico alla libertà radicale del voguing, Francisco ha imparato che il corpo non è qualcosa da correggere, ma da ascoltare. In un mondo della danza che ancora impone linee, silenzi e uniformità, lui sceglie l’autenticità: peli, muscoli, fragilità e carisma convivono senza filtri, sul palco come nella vita.

Entrare nella Royal House of Nina Oricci ha segnato una svolta profonda. Essere scelto da una famiglia significa, per lui, non dover più danzare da solo. Guidato da Father Guutchy e Mother Ritchy Oricci, Francisco ha trovato uno spazio in cui la vergogna si trasforma in potenza e l’identità smette di essere una difesa per diventare affermazione. La ballroom non è solo una scena: è un luogo di cura, di ascolto, di possibilità.

C’è una tensione costante nel suo modo di muoversi: tra dolcezza e aggressività, controllo e abbandono, intimità e spettacolo. Quando Cisco prende il controllo sulla runway, non c’è maschera — c’è verità. Una verità costruita attraverso perdite, desideri, ferite e sogni mai abbandonati. Guardarlo danzare significa assistere a un dialogo silenzioso, in cui il corpo parla prima delle parole e invita chi guarda a fare lo stesso: ascoltarsi, senza paura.

Francisco Patrício è parte di una nuova generazione di danzatori che non separano l’arte dalla vita. Il suo movimento non chiede approvazione, chiede presenza. E in quella presenza — sensuale, vulnerabile, indomabile — c’è tutto il senso del suo gesto.

Ricordi il momento in cui, da bambino, hai iniziato a ballare per la prima volta?

Il primo ricordo che ho di me stesso mentre ballo risale probabilmente a quando avevo sei anni. Ricordo di essere sul palco, concentrato nel ricordare i passi, ma anche di dare ordini con sicurezza agli altri bambini se non li eseguivano correttamente. È un ricordo divertente e uno dei miei più cari, perché mi sentivo completamente libero. Non mi importava di nulla di ciò che accadeva intorno a me: c’eravamo solo io e il palcoscenico.

Quando hai capito che la danza sarebbe diventata la tua principale forma di espressione?

Direi intorno ai dieci anni, quando ho iniziato a partecipare alle competizioni di danza. È stato allora che ho sentito che la danza avrebbe sempre fatto parte della mia vita. Un giorno i miei genitori mi chiesero se volessi diventare un ballerino professionista. Risposi sì senza esitazione. Mi chiesero se fossi sicuro e risposi con un sì ancora più convinto. Mi dissero che, se avessi scelto quella strada, avrei dovuto dedicarmi completamente all’arte. Sono profondamente grato ai miei genitori per aver sostenuto i miei sogni e per avermi permesso di fare, come lavoro, ciò che amo.

Cosa rappresenta la danza per te a livello personale ed emotivo?

La danza fa parte di me fin da quando ero molto piccolo. Ho iniziato a tre anni e ora ne ho 28, quindi mi piace dire che è stata la danza a scegliere me — e ne sono felice. Mi ha aiutato a crescere più in fretta, a conoscermi meglio e a dare un senso al mondo intorno a me. Allo stesso tempo, mi ha portato anche dolore, insicurezze e momenti in cui ho messo in dubbio le mie capacità e i miei sogni. La danza è la mia migliore amica e la mia peggior nemica. A volte mi solleva, altre mi butta giù — proprio come la vita. Con il tempo ho imparato a rispettare questo rapporto.

Hai studiato anche danza classica: cosa porti con te oggi di quell’esperienza?

La danza classica mi ha insegnato disciplina, musicalità, perseveranza, determinazione e, soprattutto, passione. La danza senza passione è come un piatto lasciato a metà: può anche apparire bello, ma senza un vero coinvolgimento resterà sempre incompleto.

Hai vissuto in Portogallo, viaggiato per il mondo e ora sei a Parigi. Cosa ti ha lasciato ciascun luogo?

Ogni luogo mi ha lasciato qualcosa di molto diverso. Il Portogallo, il mio Paese d’origine, mi ha dato le radici: la consapevolezza di chi sono e del vero significato della parola famiglia. Marsiglia mi ha dato autenticità, libertà, amore e il coraggio di sognare senza limiti. Basilea mi ha insegnato che merito di essere ascoltato, che la mia salute mentale conta e che devo sempre mettere me stesso al primo posto, qualunque siano le circostanze.

Parigi mi sta insegnando la pazienza: la fiducia nell’universo e la convinzione che tutto, lentamente, stia andando al suo posto.

E poi c’è New York, il luogo che ha cambiato completamente la mia vita. Ha riacceso la mia passione per la danza, aperto porte a possibilità che non avrei mai immaginato e mi ha insegnato a essere me stesso senza scusarmi, ovunque io sia.

Cosa significa per te far parte di una House e come ci si sente a essere scelti da una famiglia?

Far parte di una House significa sapere di non essere solo, di avere persone che ti sostengono davvero. Dopo essermi trasferito a Parigi, sono entrato nella Royal House of Nina Oricci.

Guidato dai miei meravigliosi genitori, Father Guutchy Oricci e Mother Ritchy Oricci, sono stato accolto in uno spazio che mi ha spinto ad abbracciare una parte di me che avevo provato vergogna a mostrare fin dall’infanzia.

Sono determinati, perseveranti e profondamente premurosi — il tipo di genitori che chiunque potrebbe sognare. Far parte di questa House significa avere un supporto incondizionato, dentro e fuori dalla ballroom scene. Sono diventati i miei più grandi sostenitori e, onestamente, non riesco a immaginare la mia vita senza di loro.

Il voguing ti permette di esprimere il tuo lato femminile: cosa provi e cosa speri che le persone percepiscano quando fai voguing?

Il voguing è diventato per me uno spazio in cui riscoprire un lato femminile che era stato represso e giudicato fin da quando ero molto giovane. Crescendo come bambino che faceva danza classica, venivo bullizzato per la mia femminilità, e questo ha segnato profondamente il mio senso di identità. Per molto tempo ho imparato a nascondere quella parte di me. Con il tempo ho capito che la mia femminilità meritava di essere celebrata — prima di tutto da me stesso.

Quando vogo posso essere pienamente autentico. È il momento in cui Francisco diventa Cisco — il mio nome nel voguing — un alter ego senza scuse, carismatico, sexy, sfacciato e libero, che è sempre dalla mia parte. Quando le persone mi guardano vogare, spero percepiscano questa energia: quella di qualcuno che ha attraversato molto, ma non ha mai smesso di lottare per diventare ciò che è davvero.

Sei una persona gentile, ma in passerella esplode il tuo lato feroce: come accedi a questa trasformazione?

Ultimamente molti amici mi dicono: “Sei davvero shady”, cosa che mi sorprende sempre, perché io mi vedo come una persona gentile e premurosa. Ma quando Cisco esce, non c’è modo di nasconderlo. Sto ancora imparando ad accedere consapevolmente a questa trasformazione, ma nel momento in cui salgo in passerella lascio che sia Cisco a prendere il controllo. È senza paura, senza compromessi, pronto ad affrontare chiunque incroci il suo cammino.

Hai sempre avuto un rapporto forte con il tuo corpo e come lo usi per comunicare emozioni?

Il mio rapporto con il corpo è sempre stato di amore e odio. Fin da piccolo le persone mi dicevano continuamente come il mio corpo avrebbe dovuto essere, soprattutto nel mondo della danza. È stata una battaglia interiore costante — muscoli, flessibilità, linee, aspettative infinite. Oggi ascolto il mio corpo con più attenzione e rispetto il percorso che ha attraversato. Il mio corpo è il mio strumento principale: attraverso di esso canalizzo le emozioni e comunico ciò che provo nel momento. Quando ballo, mi piace dire che è il mio corpo ad avere il controllo — non io.

Qual è la tua parte del corpo preferita e quale viene più spesso apprezzata dagli altri?

Onestamente non ho una parte del corpo preferita. So che può sembrare banale, ma ho imparato ad amare ogni parte di me perché ognuna racconta una storia diversa del mio percorso.

Per quanto riguarda i complimenti, di solito le persone menzionano il mio sedere.

Lo trovo lusinghiero, e lo capisco, ma mi piace pensare che vengano attratte da quello e restino per la personalità.

Sei uno dei pochi danzatori che abbraccia i peli corporei: perché questa scelta e cosa rappresenta per te?

Viviamo ancora in un mondo della danza che spesso chiede ai performer di radersi, rifinire e nascondere parti di sé. Accettare i miei peli corporei è stato un percorso lungo, ma oggi mi fa sentire forte. Amo vedere danzatori con peli, tatuaggi e piercing sul palco: portano chi sono davvero, nella vita reale, sulla scena. I peli non spezzano le linee, non rendono meno belli o meno professionali. Fanno parte dell’essere umani, e accettarli è un modo potente per onorare l’autenticità.

C’è un momento sul palco in cui ti senti più potente, sensuale o irresistibile?

Ce ne sono stati molti ed è difficile sceglierne uno solo. Ogni volta che salgo sul palco o in passerella mi sento potente, sensuale e irresistibile. Forse è Cisco che parla — ma quando le persone reagiscono al mio lavoro e si connettono con esso, so di stare facendo qualcosa di giusto.

Come bilanci vulnerabilità e seduzione nelle tue performance?

Non credo che una possa esistere senza l’altra. Per essere seducenti bisogna prima permettersi di essere vulnerabili. La vulnerabilità richiede di lasciar andare giudizi e aspettative. Nelle mie performance cerco di togliere strato dopo strato, così che la seduzione possa emergere in modo naturale. È un percorso che sto ancora imparando a fare, ma sento di starci crescendo dentro.

Ci sono danzatori o coreografi che ti ispirano particolarmente nel modo di muoverti o esprimerti?

Sono tantissime le persone che mi hanno ispirato lungo il mio percorso, ognuna lasciandomi qualcosa che porto nel cuore. Icon Arturo Miyake-Mugler, che mi ha introdotto al ballroom e mi ha spinto oltre i miei limiti. Legendary Dale Revlon, il mio padrino, che mi ha preso sotto la sua ala e ha contribuito a plasmare chi sono oggi. Legendary Axoo Prodigy, che mi ha insegnato moltissimo sul Vogue Femme e mi ha mostrato il mio potenziale nel ballroom.

I miei genitori, Ritchy e Guutchy Oricci, che mi spingono artisticamente, emotivamente e mentalmente ogni giorno. Andonis Foniadakis, che mi ha sfidato a superare i miei limiti fisici come danzatore. Sidi Larbi Cherkaoui, le cui parole e i cui consigli mi hanno profondamente segnato, anche senza aver lavorato insieme. E Lisa Horten, una cara amica e partner che non è più con noi: la sua presenza, sul palco e fuori, continua a ispirarmi.

Quali sfide ti hanno formato di più e cosa ti permettono di esprimere oggi?

Ho vissuto molte perdite — mio padre, i miei nonni e due amici molto cari — persone che mi hanno sostenuto profondamente sia sul palco che nella vita. Queste perdite mi hanno segnato profondamente come artista e come essere umano. Ogni performance è, in qualche modo, dedicata a loro. Mi hanno insegnato la pazienza, la cura, la passione e l’importanza di ascoltarmi — mentalmente, fisicamente ed emotivamente — dando sempre tutto me stesso.

La danza è mai diventata per te una forma di intimità, un modo di connetterti oltre le parole?

La danza è sempre stata una connessione intima tra me e chiunque io stia danzando. È una forma d’arte che permette di esprimersi senza parole, guidando gli altri attraverso il tuo paesaggio emotivo. Quando tra il pubblico c’è qualcuno che ami, quell’intimità si intensifica ancora di più — diventa un dialogo silenzioso.

Qual è la cosa più sorprendente o audace che qualcuno ti ha detto dopo averti visto danzare?

Molte persone mi dicono di essere attratte dalla mia fisicità, ma ciò che spesso mi sorprende è quanto profondamente si connettano con il racconto emotivo. Non vedono solo il mio corpo — sentono la narrazione dietro il movimento. Questa connessione per me significa tutto.

Pensi che il desiderio possa essere coreografato o debba restare spontaneo?

Il desiderio può essere coreografato, ma la spontaneità è essenziale. Puoi guidare un danzatore, ma il desiderio deve nascere dall’interno. Quando creo una coreografia, incoraggio sempre i danzatori a portare la propria verità emotiva nel lavoro. Il pezzo può essere mio, ma sono loro a incarnarlo — ed è lì che il desiderio prende davvero vita.

Foto Alex Vaccani

L'articolo Francisco Patrício: il corpo come linguaggio, la danza come casa proviene da Toh! Magazine.

Le luci calde e cangianti illuminano i movimenti frenetici e precisi di un corpo che si dimena, in un rito di richiamo a sé stesso. Al REF, giunto quest’anno alla sua trentasettesima edizione, la ball culture e la spiritualità comunicano nella performance dell’artista Choy Ka Fai.

Il suo “Yishun is burning”, si propone al pubblico come un assolo, che vede protagonista il danzatore Sun Phitthaya Phaefuang (aka Aurora Sun), in grado di far incontrare la lunga ricerca dell’artista nelle radici dello sciamanesimo asiatico con il Vogueing.

Abbiamo deciso, quindi, di intervistare Choy Ka Fai per sapere come ha preso vita e come è stato strutturato il progetto presentato al pubblico del REF.

Come nasce “Cosmic Wander” e come vengono intrecciate le pratiche di danza e sciamanesimo tra loro?

L’idea del progetto Cosmic Wander è iniziata nel 2019, ero curioso delle possibilità di catturare i dati di movimento degli sciamani danzanti. Questo progetto propone diverse proposte alla mia ricerca sul corpo pos-tumano. La mia prima domanda è stata: “Se sono in grado di catturare in movimento lo sciamano che balla in trance, significa che posso digitalizzare la presenza del soprannaturale?”

Cosa ti ha portato a scegliere il voguing e lo sciamanesimo e a farli intrecciare?

Lo slancio inizia con un esperimento coreografico per interpretare le tradizionali forme di danza indiana di Baratanatyam con i vocabolari del voguing. È stata una risposta agli sciamani Yishun, che incarnano sia la dea indù Kali che la dea taoista GuanYin durante il rituale di trance. Il voguing è diventato la base per la nostra improvvisazione, ad esempio abbiamo sperimentato l’iconografia popolare raffigurante entrambe le Dee con movimenti multipli delle mani, nelle loro forme soprannaturali.

Qual è stata l’esperienza che ha più segnato il tuo modo di concepire questo lavoro durante il tuo lungo viaggio in Asia?

È stato straordinario incontrare gli sciamani in tutta l’Asia, per poter conoscere le loro pratiche, storie e adattamenti alle nostre società contemporanee. È stata un’esperienza trasformativa per me come essere umano e mi ha insegnato a essere sempre umile e rispettoso degli altri regni, della realtà diverse dal nostro.

Attraverso quali aspetti la cultura lgbtq+ si fonde con il mondo spirituale dell’Asia in “Yishun is burning”?

In molte parti dell’Asia storicamente, ci sono generi che non sono binari e ci sono anche molteplici forme della Dea Taoista Guan Yin – La divinità della compassione e della misericordia, può essere maschile, femminile o neutrale in diverse parti dell’Asia.

Vorrei anche ampliare la nozione di Queer nella mia performance, come proposto da Clare Croft, “che non si basa principalmente su costruzioni di identità sessuale, ma queer nel senso di “i piaceri e le difficoltà di muoversi tra identità multiple e stratificate”.

Come è iniziata la collaborazione con Sun Phitthaya Phaefuang?

Ci siamo conosciuti molti anni fa e ho iniziato a seguire il suo viaggio nella scena della moda e del ballo sui social media. È diventato molto eccitante quando Sun ha cercato di creare la sua comunità di vouging a Bangkok e nel sud-est asiatico. Quando ho scoperto lo sciamano Yishun, ho subito visto un universo parallelo, le comunità sciamaniche Yishun a quelle delle comunità Sun’s Vouging.

Nella performance è presente anche una parte video sviluppata in 3D. Come si fa a far interagire una danza così materiale e legata al corpo con un mezzo digitale?

Nella mia performance abbiamo sperimentato un motion capture in tempo reale del movimento del ballerino, in una visualizzazione 3D della forma soprannaturale di Dea.

Abbiamo iniziato chiedendoci: come danzerebbe una dea? Cosa possiamo vedere oltre la nostra percezione umana, cosa sarebbe umanamente impossibile e soprannaturalmente possibile? Come si possono ipotizzare queste possibilità in una coreografia post-umana.

Quali caratteristiche “spirituali e sovrannaturali” possono ampliare la visione del contemporaneo?

La spiritualità esiste per coloro che credono e, soprattutto, per coloro che cercano. Le sue funzioni sono simili in qualsiasi cultura e società. Esplorare la spiritualità sarebbe un mezzo per capire se stessi. Credo che le culture della danza possano dirci molto sulla nostra storia umana e sulla nostra condizione umana. La danza è sempre stata un modo che gli esseri umani usano per raggiungere la trascendenza e ne sono affascinato.

Quali emozioni e pensieri vorresti rimanessero nello spettatore?

Fin dalla tenera età, a Singapore mi sono stati inculcati gli insegnamenti della tolleranza razziale, definita come l’assenza di pregiudizio verso ciò che non piace agli altri in termini di pratiche, religione, ecc.

Quando ho scoperto lo sciamano di Yishun, ero totalmente ipnotizzato da quanto facilmente siano in grado di fondere le pratiche delle credenze indù e taoiste. Per me, non si tratta più di “tolleranza” all’interno di una società multirazziale, è un microcosmo molto progressista di armonia razziale. Spero di trasmettere lo stesso concetto nella mia performance.

Chi è il tuo role model?
Buddha, Gesù e Allah.

Con il suo “Cosmic Wander”, infatti, Choy Ka Fai ha documentato le pratiche di danza apprese durante il lungo viaggio in Asia e lo stretto legame tra esse e il mondo sovrannaturale dello stesso continente.

A trent’anni dall’uscita di “Paris is burning”, iconico documentario sul mondo delle ballrooms, “Yishun is burning” fonde temi contemporanei con tradizioni ancestrali.

In una performance artistica che unisce tecnologia visiva 3D e danza, “Yishun is burning” valica i confini di genere, identità e religione per raggiungere un terreno comune nel quale corpo e spirito combaciano a prescindere da ogni costrutto sociale.

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