Il teatro, silenzioso e vuoto, respirava una calma surreale, l’unico giorno di pausa dalle frenetiche prove dell’opera che avrebbe preso vita con la prima di Rigoletto, il 22 novembre 2024, al Teatro Fraschini sotto la direzione del maestro Alessandro D’Agostini e la regia di Matteo Marziano Graziano. Un capolavoro di Giuseppe Verdi che, in questa nuova produzione, promette di mescolare tradizione e innovazione. Sotto la direzione del maestro Alessandro D’Agostini e la regia di Matteo Marziano Graziano, questa interpretazione si distingue per un approccio contemporaneo ai temi universali dell’opera.

Con Laurent Pellissier, abbiamo giocato, creato e parlato, ma soprattutto abbiamo condiviso tanta arte e profondità, scendendo e salendo in continuazione i tre piani della sartoria teatrale, tra tessuti e dettagli che raccontano storie.

Una storia che, come in un perfetto slalom, abbraccia lo stile di TOH! e si fonde per la prima volta con l’intensità e la ricercatezza dei costumi di una delle opere più celebri al mondo. Tra cambi e corse veloci, abbiamo esplorato il dietro le quinte, sfiorando con le mani infiniti tessuti che ci raccontano storie, mentre le raffinate scenografie di Francesca Sgariboldi si svelavano poco a poco. Le sue scene, infatti, non sono semplici fondali, ma organismi viventi, che respirano e riflettono le fratture e le crepe di una società complessa e conflittuale.

Laurent Pellissier ci ha raccontato che lavora a questi costumi da due anni, mettendo anima e cuore nella realizzazione di ogni singolo pezzo. Un elemento centrale della produzione è proprio il suo lavoro sui costumi, in cui ha scelto di utilizzare materiali di recupero per dare vita a abiti che raccontano storie uniche.

Stoffe che hanno già vissuto altre vite, come i tessuti decorativi di matrimoni o i quadri a punto croce ereditati, trasformati da Laurent in costumi che non solo riflettono la complessità dei personaggi, ma parlano anche di una profonda scelta etica: quella di promuovere la sostenibilità nel teatro contemporaneo.

Le tecniche artigianali, come il boro boro e il patchwork, celebrano le imperfezioni dei materiali, trasformandole in elementi di valore estetico e narrativo. Ogni piccola imperfezione diventa un racconto, una traccia che si intreccia con quella dei personaggi e dell’opera stessa. I costumi, infatti, giocano con luce e ombra, lucentezza e opacità, creando un contrasto visivo che riflette le tensioni e le dualità presenti nei temi dell’opera.

Questa nuova produzione di Rigoletto al Teatro Fraschini offre al pubblico un’esperienza unica, che unisce la profondità emotiva dell’opera originale a una sensibilità contemporanea. Un’esperienza fatta di scelte artistiche che celebrano la sostenibilità e l’artigianalità. Un appuntamento imperdibile, quindi, per gli appassionati di opera e per chi cerca nuove interpretazioni di un classico intramontabile.

Abbiamo realizzato questo servizio senza alcuna percezione del tempo, immersi nella bellezza e nella cultura che il Teatro Fraschini ci ha donato, e nella profonda sensibilità che Laurent Pellissier trasmette attraverso il suo lavoro e i suoi occhi, di un azzurro brillante che raccontano storie senza fine.

Qual è stata la sfida principale nel rivisitare il Rigoletto con una prospettiva contemporanea?

È un’opera scritta più di 170 anni fa, con una sensibilità e un gusto molto diversi rispetto a quelli di oggi, soprattutto su certi temi. A prima vista, potrebbe sembrare intrisa di misoginia e pregiudizi verso le persone disabili (e in parte lo è). Tuttavia, scavando più a fondo nel libretto e nella musica, emergono archetipi universali e potenti che restano incredibilmente attuali. La sfida è partire proprio da questi archetipi e usarli come guida per creare una rilettura che parli al pubblico contemporaneo. Attraverso costumi, scenografie e scelte registiche, è possibile dare un’impronta attuale a un’opera che, nonostante tutto, continua a trasmettere emozioni profonde e senza tempo.

L’uso di materiali di recupero è una scelta estetica o anche etica? Come si intrecciano queste due dimensioni nel design dei costumi?

Direi entrambe, ma c’è una dimensione più profonda oltre l’estetica. I materiali che scelgo sono come archivi di storie: portano con sé un passato che si intreccia con le mie esperienze e con quelle dei personaggi. Per esempio, molti degli abiti di Gilda, la figlia di Rigoletto, sono realizzati con stoffe che decoravano un matrimonio e che la sposa ha venduto su eBay dopo la cerimonia. La giacca di Giovanna, la custode di Gilda, è fatta con un patchwork di quadri a punto croce recuperati nella periferia di Berlino da una signora che aveva ereditato l’intera collezione dalla zia. La camicia del Duca di Mantova, un personaggio maschilista e narcisista, è composta da frammenti di abiti, camicie e ricami presi da vestiti femminili.

Ho usato anche tende, lenzuola di famiglia, costumi di carnevale, scampoli, fondi di magazzino e persino sacchi di caffè.

Puoi descrivere il processo creativo dietro l’utilizzo di tecniche artigianali come il boro boro e il patchwork per i costumi?

Trovo affascinante l’idea di utilizzare i materiali fino in fondo, senza sprecarne nemmeno un frammento, e di sviscerarne l’essenza. Tecniche come il boro boro e il patchwork celebrano le imperfezioni, trasformandole in dettagli di valore estetico e narrativo. Strappando, scucendo e tagliando tessuti e abiti di seconda mano, ho creato nuove forme e texture. Ho lavorato molto anche all’uncinetto e a maglia, mescolando le tecniche per dare nuova vita e significato ai materiali.

Questo processo non è solo tecnico, ma anche emotivo: ogni imperfezione racconta una storia che si intreccia con quella dei personaggi e dell’opera.

Il concetto di “spaccatura” è centrale nella vostra visione. Come viene tradotto visivamente nell’opera?

Il tema della “spaccatura” viene rappresentato visivamente in modi diversi, a volte in modo evidente, altre volte più sottile. Le scenografie raffinate di Francesca Sgariboldi, per esempio, rivelano gradualmente, nel corso dell’opera, le fratture e le crepe della società in cui i personaggi vivono.

Le scene diventano quasi un organismo vivente, che respira e riflette le complessità e i conflitti interiori dei protagonisti.

Anche il concept registico di Matteo Marziano Graziano esplora con grande sensibilità le spaccature interiori di ogni personaggio, rivelandone contraddizioni e sfaccettature senza giudizio.

Nei costumi, ho tradotto il tema attraverso un processo creativo che parte da una riflessione interiore, prima ancora che estetica.

Ogni elemento visivo nasce organicamente da questo percorso.

C’è un materiale o un elemento visivo che, secondo te, incarna meglio l’essenza di questa produzione?

Non c’è un solo materiale, ma direi che il gioco tra luce e ombra, tra lucentezza e opacità, è sempre presente. Questo contrasto visivo riflette le tensioni e le dualità dei personaggi e dei temi dell’opera.

Le tue esperienze nei laboratori dell’Opéra di Parigi e negli atelier di ricamo hanno influenzato l’approccio ai costumi per quest’opera?

Assolutamente sì. A Parigi ho lavorato in un atelier di ricamo che collabora con grandi marchi dell’alta moda e nei laboratori di decorazione del costume dell’Opéra National de Paris. Queste esperienze mi hanno insegnato tanto sulle tecniche artigianali, sull’uso creativo dei materiali e sulla praticità necessaria a un costume teatrale. Ho capito l’importanza dei dettagli invisibili al pubblico, ma essenziali per aiutare i cantanti a “entrare” nel personaggio. Ogni costume diventa una parte fondamentale della loro trasformazione, sia visivamente che emotivamente.

C’è un personaggio del Rigoletto che ti ha richiesto un approccio particolarmente innovativo o complesso nel design del costume?

Non direi un personaggio in particolare, ma forse il coro dei cortigiani. Sono la parte oscura della società: scherniscono, deridono e agiscono con ignavia e passività. Nei loro costumi ho voluto riflettere questa dualità, mascherando l’oscurità con lustrini e paillettes, da cui però emerge qualcosa di truce e grottesco. Con i personaggi principali, come Gilda o il Duca di Mantova, ho avuto bisogno di più tempo per connettermi emotivamente, il che ha reso la realizzazione dei loro costumi più impegnativa.

C’è un designer particolare che ti ispira per il suo stile o approccio?

Vivienne Westwood, prima di tutto. Ma anche John Galliano, Francesco Risso e Matty Bovan. Ammiro la loro libertà nell’uso dei materiali, delle forme e dei colori.

La sostenibilità nei costumi sta diventando un tema sempre più centrale nel teatro. Come vedi il futuro di questa tendenza nel tuo settore?

La sostenibilità è un tema che mi sta molto a cuore e che sta iniziando a emergere sia nella moda che nel teatro, ma c’è ancora molto da fare. Non deve essere solo una strategia di marketing, ma un cambiamento profondo che parte dalla progettazione stessa delle produzioni.

Noi di TOH! ti conosciamo bene e apprezziamo la tua sensibilità. Fai parte orgogliosamente della comunità queer. C’è un po’ di queerness nei costumi creati per l’opera?

Assolutamente sì, c’è sempre un po’ di queerness nel mio lavoro. Alcuni personaggi, come deciso dal regista, sono dichiaratamente queer, mentre altri hanno un’ambiguità che lascia spazio a letture diverse.

Nei costumi cerco sempre di rompere le regole, superando gli stereotipi o portandoli all’estremo.

La queerness è presente anche nel processo creativo non lineare e nell’uso di materiali inusuali.

Cosa significa per te creare abiti che riflettano la fragilità e la resilienza dei personaggi di Verdi?

Significa lasciarmi guidare dall’intuizione, mettendo in gioco le mie stesse fragilità e conflitti. Quando lavoro, mi lascio ispirare dal materiale stesso, come se fosse una scultura.

A volte mi capita di creare un capo senza sapere a chi appartenga, ma alla fine trova sempre la sua collocazione.

È un processo emotivo, quasi inconscio, che dà forma alla fragilità e alla resilienza dei personaggi.

Photographer Alex Vaccani with Alessandro Marzo

Styling & Concept Alex Vaccani + Alessandro Marzo

Date delle rappresentazioni:

• Domenica 24 novembre – Teatro Fraschini, Pavia – Ore 15:00
• Giovedì 28 novembre – Teatro Sociale, Como – Ore 20:00
• Sabato 30 novembre – Teatro Sociale, Como – Ore 20:00
• Giovedì 12 dicembre – Teatro Ponchielli, Cremona – Ore 20:00
• Sabato 14 dicembre – Teatro Ponchielli, Cremona – Ore 15:00
• Venerdì 10 gennaio – Teatro Donizetti, Bergamo – Ore 20:00
• Domenica 12 gennaio – Teatro Donizetti, Bergamo – Ore 15:00

Laurent Pellissier Laurent Pellissier Laurent Pellissier

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Laurent Pellissier, artista valdostano, esprime la sua arte attraverso la pittura, la scultura e il disegno sperimentando nuove tecniche e materiali lasciando libertà di interpretazione a chi osserva i suoi lavori.

L’esigenza di trovare nuovi stimoli e di vivere in una grande città lo porta a trasferirsi a Berlino. Laurent riesce a inserire dei temi crudi come la morte in maniera grottesca. I disegni presentano un utilizzo del chiaroscuro non preciso quasi abbozzato e veloce che rendono l’immagine molto forte. Scene che sembrano narrare una vicenda in atto dove i diversi soggetti prendono spazio egregiamente ottenendo un’ ottima visibilità al disegno, che risulta chiaro e bene equilibrato.

La pittura di Laurent è principalmente una pittura in acrilico, con delle pennellate ben profonde e con dei contrasti di colori molto interessanti dove prevalgono i toni accesi che suscitano un eccitazione positiva a chi osserva. Riesce a mio avviso a trasmettere più emozioni contemporaneamente in modo molto naturale. La scultura è sicuramente la disciplina che più risulta maestosa e imponente.

Grandi e larghe forme sono le caratteristiche dei suoi soggetti, realizzati con materiali di riciclo come fogli di giornali che creano un effetto patchwork molto colorato ma con una predilezione per il nero e il grigio. Materiali e tecniche possono sembrare semplici, ma non lo sono affatto, hanno bisogno di un bravo ideatore e creativo qual’è Laurent Pellissier, che attraverso le sue opere riesce a farci capire l’esigenza di esprimersi attraverso l’arte che lo accompagna da quando era bambino.

Come e quando è cominciato il tuo percorso nel mondo dell’arte?

Il mio percorso è iniziato presto e non è stato molto lineare. Mio padre è scultore e mia madre è stata insegnate di educazione artistica, quindi fin da bambino ho avuto la fortuna di avere a disposizione spazio, colori e materiali per sperimentare e creare.

Ho iniziato nel migliore dei modi possibili: con il gioco. Ora, da adulto, dopo studi in architettura sto cercando di ritrovare l’ingenuità e la gioia che provavo da piccolo ma integrando le esperienze e le conoscenze accumulate.

Come avviene la scelta dei materiali per le tue opere?

Spesso mi attira ciò che comunemente è considerata immondizia. Recentemente, durante il lockdown ho realizzato una serie di sculture usando solo pacchi di riviste e giornali trovati per strada e quello che era nella pattumiera del mio studio. Alla pietra e alla ceramica preferisco la carta pesta e il DAS per esempio, perché sono facili da reperire, economici, più effimeri e con una qualità plastica particolare. In linea generale mi aggiusto con quello che ho a disposizione: delle matite trovate in fondo a un astuccio, gli acquerelli del supermercato, ma non rinuncio a qualche tubetto di acrilico costoso.

Nella serie di disegni “pencil on paper” troviamo spesso degli scheletri, perché ?

È un riferimento al tema dei “memento mori” e delle “vanitas” ricorrente nella storia dell’arte, dai mosaici antichi, alle nature morte fiamminghe, ai quadri di James Ensor. Mi piace come spesso in queste rappresentazioni la morte ha un aspetto un po’ goffo e quasi buffo.

Attraverso la tua arte cosa vuoi comunicare al pubblico che l’osserva? 

Ho smesso di pensare a questa domanda da un po’. Il pubblico è spesso più creativo di me nell’interpretare e vedere cose a cui magari io nemmeno avevo pensato. Non voglio limitare quello che un’opera può esprimere o evocare. Per questo do raramente dei titoli. Nei quadri, nei disegni e nelle sculture cerco di dare spazio alle parti di me che non ne hanno nella vita quotidiana. Se poi anche lo spettatore si specchia in questa intenzione e scopre qualcosa di se ciò mi rende felice ma non posso controllarlo.

Oltre ad essere un pittore e disegnatore sei anche uno scultore. Attraverso queste 3 tecniche credi sia possibile per te utilizzarne una per ogni tua tipologia d’emozione? Se sì come le suddivideresti?

Credo che ogni materiale e ogni tecnica richiedano un approccio e un’attenzione diversa. In realtà non penso alle emozioni mentre lavoro. Probabilmente lo stato d’animo in cui sono o anche qualcosa di esterno a me trova la sua via e si canalizza nell’opera ma per me non è qualcosa di conscio.

Il disegno per esempio è la tecnica più libera, meno pretenziosa e intima con la quale mi permetto di sperimentare di più. Nei disegni però può succedere di perdermi in dettagli o virtuosismi, allora passo alla cartapesta che mi obbliga a forme più elementari e rozze, così porto qualcosa di nuovo e fresco nei disegni o nelle tele e così via. Le tecniche e le pratiche si influenzano a vicenda.

La città in cui vivi è Berlino, ti aiuta a trovare l’ispirazione per i tuoi lavori?

Amo Berlino e ho bisogno della grande città e dei suoi stimoli. Ma ho bisogno anche di pause e di natura, per questo appena posso torno in Valle d’Aosta, dove sono nato.

L’ispirazione è un’idea un po’ romantica e non so bene cosa sia…Vedo la pratica artistica come un lavoro. Se vi si dedica abbastanza tempo, energia, onestà qualcosa viene fuori, indipendentemente dal luogo in cui si vive.

Cosa pensi del sistema dell’arte contemporanea? Trovi nette differenze tra l’Italia e la Germania?

Nell’arte ma anche in altri ambiti come la moda, il teatro o l’economia c’è la necessità di rimettere in questione le regole e ripartire dal “basso”, non dico di fare tabula rasa ma di pensare a cosa sta alla base di quello che si fa. 

In Italia ho lavorato poco, ma da quello che osservo mi sembra che la differenza stia nella dignità e nell’importanza che si dà alle professioni legate all’arte ma anche al lavoro in generale, nonostante questo principio sia scritto chiaro e tondo nell’articolo uno della costituzione. Lo si vede anche dalle scelte politiche di questi giorni.

Si decide di sacrificare l’arte perché non è uno dei settori dell’economia considerato indispensabile.

Lo scrittore russo Fëdor Michajlovič Dostoevskij diceva “ La bellezza salverà il mondo” Credi che la bellezza riscontrata nell’arte, nella musica, e in ogni altra possa salvare o quantomeno distrarre da questo terribile periodo che stiamo vivendo? 

In questo momento più che di distrazioni c’è bisogno di consapevolezza, non di distogliere lo sguardo ma di guardare nella bruttezza, la nostra e quella che ci circonda e ripartire da lì. Non dico che dobbiamo deprimerci, anzi! Questo si può fare anche con leggerezza e ironia che sono due strumenti preziosi che l’arte ha a disposizione.

Vorrei quasi dire: la bruttezza salverà il mondo!

Quanto è importante per te l’utilizzo del colore? Da dove nasce la tua scelta cromatica?

È molto importante e difficile allo stesso tempo. Il colore è carico di significati e lo si associa immediatamente a qualcosa di concreto e per me all’inizio della fase creativa questo può essere un ostacolo. Quindi cerco di seguire l’intuizione e di usare “trucchi” per impedire alla mente razionale di interferire, lavorando in fretta, senza piani o preparazione, accostando campiture, macchie, punti, linee e lavorando freneticamente su più tele o fogli. In un secondo tempo osservo e aggiungo o tolgo, do più definizione a certe forme.

Prediligo i colori forti e gli abbinamenti improbabili perché generano tensione, come le dissonanze in musica.

Che colore ti attribuiresti in questo periodo?

Rosa fosforescente! 

Dal tuo profilo IG si evince che non sei un amante dei social come molti artisti che ho avuto modo di conoscere, dove pubblicano costantemente le loro opere. Credi che non sia un buon mezzo per promuovere l’arte, oppure è una tua scelta personale non esporti tanto sui social? 

Instagram è un mezzo incredibile per artisti, collezionisti, galleristi, curatori… Permette di interagire, formare una comunità saltando molti passaggi che prima rendevano certe interazioni impensabili. Personalmente ho un po’ di pudicizia nel pubblicare. Il consumo giornaliero di immagini è diventato talmente alto che forse non voglio saturarlo ulteriormente. Sicuramente è uno sbaglio in termini di marketing ma per ora non ci riesco. E poi ho paura di fare troppa attenzione ai likes e ai cuoricini. Magari dopo queste tue domande proverò a postare con più disinvoltura!

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