Non l’evidenza, ma ciò che vibra sotto la superficie: uno sguardo che trattiene, un gesto che esita, un corpo che non osa esporsi del tutto. Per Pedro Bon ogni volto è un autoritratto inconscio, un frammento della sua interiorità trasferito su un’altra pelle.

In un tempo che espone tutto, Pedro Bon sceglie ciò che resta taciuto.

I ritratti di Pedro Bon— sospesi tra compiuto e incompiuto — parlano una lingua che precede le parole.

I tuoi titoli — Los Irrompibles, Te Olvidaste, Cosmos, Hurt — sembrano evocare narrazioni intime. Il titolo nasce prima o dopo l’immagine?

Sempre dopo. Il titolo è una conseguenza, mai un punto di partenza. Arriva quando il dipinto ha già trovato la sua voce. È il tentativo di nominare una sensazione appena emersa.

Spesso mi affido alla musica: prendo in prestito titoli da canzoni che, per atmosfera o intensità, risuonano con l’opera. Non potrei fare il contrario.

È l’immagine che impone il titolo, non viceversa.

Il ritratto, per te, è indagine psicologica o dialogo con lo spettatore?

Nasce da un’urgenza personale. Dipingo emozioni che prendono forma in uno sguardo, in un gesto minimo, nella vibrazione della pelle.

Il dialogo con chi osserva mi interessa molto: a volte emergono letture che non avevo previsto. Ma l’origine resta intima. Il mio umore, il momento che sto vivendo, determinano l’opera. In fondo, sono tutti autoritratti inconsci: modi diversi di parlare di me attraverso qualcun altro.

Cosa significa, per te, catturare l’invisibile?

È l’unica cosa che conta. Limitarmi ai tratti fisici renderebbe il dipinto vuoto.

L’invisibile è ciò che si percepisce ma non si vede: desiderio, malinconia, una tristezza sommersa. Sono tensioni sottili, ma sono quelle che danno peso all’immagine.

Quanto del tuo mondo interiore entra nei tuoi lavori?

Tutto. Anche se non lo sapevo all’inizio.

Sono stati gli altri a farmelo notare: nei volti che dipingo c’è sempre qualcosa di me.

Non credo di poter rappresentare un’emozione che non abbia vissuto.

La pittura è diventata il mio linguaggio, il luogo in cui riesco a dire ciò che a parole non riesco a formulare.

Il desiderio è ispirazione, confessione o timore?

È ispirazione, ma soprattutto confessione.

Mi interessa un desiderio trattenuto, un omoerotismo sottile che non si impone allo sguardo. Preferisco la tensione all’evidenza. Quello spazio ambiguo in cui lo spettatore completa ciò che io suggerisco.

Se potessi trasmettere un solo messaggio attraverso il desiderio, quale sarebbe?

Complicità.

Quel momento elettrico in cui due sguardi si incontrano e sanno, senza bisogno di parole, di condividere lo stesso pensiero.

Che colore ha, per te, l’intimità?

Il colore della pelle. Ma non come superficie uniforme: come territorio complesso.

Verdi, blu, rossori improvvisi. Zone in cui sembra di sentire il sangue pulsare. L’intimità è fatta di sfumature, non di tonalità piatte.

Qual è la parte più autentica di un tuo ritratto?

Forse ciò che resta incompiuto.

Fatico a capire quando fermarmi. La mia impazienza lascia sempre zone irrisolte. Paradossalmente, sono proprio quelle a parlare di più di me.

Nei tuoi lavori il corpo interrompe il silenzio visivo. Che rapporto hai con il tuo?

Accettarmi è stato un processo lento.

Forse per questo dipingo corpi idealizzati: costruisco sulla tela una fisicità che non ho mai avuto. È un gesto di proiezione, ma anche di desiderio.

Quando inizi un ritratto, cerchi la somiglianza o la verità?

Nelle commissioni cerco la somiglianza: è ciò che viene richiesto.

Nel lavoro personale, invece, la somiglianza è solo un punto di partenza. Mi interessa amplificare ciò che sento potente, accentuare una tensione, spostare l’equilibrio.

Non voglio una copia: voglio un peso emotivo.

La domanda che nessuno ti ha fatto?

“Cosa provi quando vendi un’opera sapendo che potresti non rivederla mai più?”

È una separazione silenziosa. E non è mai del tutto indolore.

Ti mette più a disagio essere guardato o essere capito?

Essere guardato.

Non essere capito non mi spaventa. Ma stare al centro dell’attenzione sì. Il mio corpo lo tradisce subito: l’espressione cambia, mi irrigidisco. La timidezza è ancora lì.

È più erotico trattenere che mostrare?

Sì.

L’erotismo vive nell’immaginazione. Nel non detto. Quando trattieni, crei uno spazio che l’altro deve colmare. E spesso gli spettatori vedono nei miei lavori un’intensità erotica che io stesso, mentre dipingo, non misuro fino in fondo.

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Artista spagnolo Alfonso Del Moral a soli ventotto anni riesce a trasmettere una maturità artistica ma sopratutto umana. Dopo una serie di studi intrapresi nel campo dell’arte ma anche in giurisprudenza Alfonso frequenta artisti da cui ha appreso vari aspetti della pittura. La sua arte è un esplosione di vari aspetti della vita. Dalla religiosità cattolica (nonostante il suo ateismo) della sua terra nativa, come le rappresentazione della processione di San Antonio o l’iconica figura di San Sebastiano per poi passare a una serie di ritratti di uomini e donne, e infine a scene di sesso. Alfonso Del Moral riesce attraverso i diversi temi rappresentati a trasmettere un immagine diretta a chi osserva. I suoi dipinti erotici riescono a coinvolgere e a creare quella sensazione di eccitazione che non dispiace mai a nessuno.

Una pittura che porta Alfonso Del Moral a una serie di domande che si pone sopratutto quando dipinge se stesso, nudo, con il suo corpo esposto davanti ai suoi occhi, quel corpo che prima non era apprezzato ma che adesso inizia ad amare sempre di più.

Com’è nata la tua passione per la pittura? Qual’è stato il tuo percorso?

Dipingo da i miei primi ricordi. I miei si sono accorsi della mia passione molto presto e mi hanno iscritto ad appena sette anni in una accademia di pittura dove ho potuto imparare le tecniche tradizionali durante i 15 anni. Poi ho conosciuto altri artisti dai quali ho imparato tantissimo, sopratutto dal mio Maestro Pedro Cano che ha vissuto molto tempo a Roma, dove ha svolto una bella carriera artistica.

Io l’ho conosciuto appunto in Italia quando ero in Erasmus a Roma mentre studiavo giurisprudenza (non potevo nascondere la mia vera vocazione artistica e sempre cercavo di circondarmi d’arte) nel 2012 e da quel momento l’ho seguito per diversi paesi e per molti anni. Nel 2017 ho deciso di provare a fare l’artista e mi sono iscritto alla Facoltà di Belle Arti Universitat Politècnica de València, la miglior in tutta la Spagna, dove adesso sono a l’ultimo corso.

La facoltà mi ha fatto veramente cambiare, non solo a livello tecnico ma in particolare sento che mi abbia cresciuto molto a livello concettuale.

Che tipo di ragazzo è Alfonso?

Chi sono? Questa è sicuramente la domanda più difficile che mi posso fare, ed è quella che mi faccio sempre quando affronto l’atto di dipingere. Non c’è una risposta chiara. Sono soltanto un ragazzo così normale e così speciale come il resto della gente.

Riconosco però che ho una fortissima curiosità per alcuni campi, e mi faccio molte domande su me stesso e sul mondo. Ma preferisco definirmi per quello che faccio, per i miei gusti, per quanto sono capace di dare, di sentire, di amare, di crescere.

In quel senso sono una persona che cambia, che si costruisce e si de costruisce, che ha le sue abitudini ma anche sta in costante ricerca di nuovi orizzonti, che quando ama, ama con passione.

Che rapporto hai con la pittura a olio?

È la tecnica con la quale mi sento più comodo, dato che la conosco e l’imparo (ancora oggi e non si finisce mai) da più di 20 anni (considerando che ho 28 anni è quasi tutta la mia vita). Mi piace l’olio, mi diverte molto. Le ore passano senza che me ne accorga quando dipingo a olio.

Hai in programma di utilizzare altre tecniche pittoriche?

Non mi chiudo ad altre tecniche, infatti col mio Maestro ho imparato sopratutto l’acquerello, che probabilmente è la tecnica più difficile. Mi piace, ma la plasticità, la consistenza e la vibrazione dell’olio non si possono sostituire. In accademia ho provato altre tecniche e mezzi artistici, come fotografia, video art e scultura.

Tutto è buono, tutto serve ad avere più ricchezza per trasmettere dei messaggi. Pensandoci meglio, come disse McLuhan, “The medium is the message”.

La scelta del mezzo è importante per il messaggio, perché si produce una simbiosi fra entrambi e appaiono nuovi significati. Quindi adesso sono molto felice con l’olio ma, come ho già detto non mi chiudo alla possibilità di utilizzare altre tecniche.

Chi sono i soggetti che ritrai?

C’è un po’ di tutto. Molti sono persone amate e persone vicine, altri sono commissioni pubbliche o private, e alcune volte sono soggetti sconosciuti che voglio dipingere per qualche motivo. Adoro dipingere persone.

San Sebastiano è una figura religiosa che ricorre un po’ come soggetto in ogni artista queer, cosa ti trasmette personalmente la sua figura e la sua storia?

San Sebastiano è stato sempre la perfetta scusa per gli artisti queer di poter dipingere un corpo maschile bello, quasi nudo e con lo sguardo di estasi sul viso. Ormai è diventato un simbolo queer dell’arte occidentale. Mi considero erede di questa tradizione pittorica e di conseguenza prima o poi ci sta dipingere questo santo, la cui storia non mi colpisce particolarmente poiché la grazia della fede non mi è stata concessa. Ma se mescoliamo il santo come rappresentazione della tradizione, la moralità e i valori giudeocristiani occidentali da una parte; e la corrente trans femminista queer da l’altra, abbiamo un paradosso così forte come la nostra società e come noi stessi.

Chi sono le signore che hai ritratto come ad esempio la signora vestita di rosa davanti alla processione di San Antonio?

Purtroppo non conosco queste signore personalmente (anche se adoro le signore). Sono abitanti del villaggio di un mio carissimo amico. Il patrono di questo piccolo villaggio vicino Cartagena è San Antonio e queste persone fanno la loro processione ogni anno il giorno del Santo. Il mio amico è uno dei tanti intellettuali preoccupati per lo spopolamento rurale e commessi con le tradizioni (soltanto quelle rispettose con la natura e con gli altri) e mi invia molte immagini del suo paese che sento devo dipingere in modo che non si perdano, perché definiscono chi siamo adesso. Ma lo faccio sempre dal mio punto di vista. Io sono nato e cresciuto in città, quindi la mia visione è diversa. Ecco perché introduco molte volte delle distorsioni o ricontestualizzazioni in queste immagini popolari.

Che rapporto hai con la spiritualità?

Sia in Spagna come in Italia, la religione cattolica è molto presente nella vita da quando siamo piccoli, almeno in certi ambienti e gruppi sociali.

Io ho passato la mia infanzia circondato da vergini, santi e Cristi. Praticamente il mio primo rapporto con l’arte è stato attraverso la religione cattolica.

In particolare, il sud della Spagna è pieno di processioni durante la settimana di Pasqua. Vedere queste figure barocche in lacrime e contorte, circondate da un’atmosfera scura e solenne segna la personalità di qualunque ragazzo. Poi, a Murcia (la mia città di nascita), le processioni sono molto festive e si distribuiscono delle caramelle, dolci e altri regali per i bambini. Ci trovo un rapporto con la cultura della mia regione, che vedo come un misto fra l’arte tenebrosa di Castilla (ad esempio Velázquez) e l’arte luminosa della costiera Mediterranea (ad esempio, Sorolla). Sono anche concezioni estetiche diverse che si uniscono.

Ma tornando alla domanda, sono ateo. Credo che questa sia l’unica vita che c’è. L’unica opportunità che abbiamo, e per ciò dobbiamo approfittarne.

Mi figuro che sia stato per ciò che ho lasciato la mia carriera di Giurisprudenza dopo aver finito la laurea e il master per fare quello che mi rende felice. In cosa credo? Credo in me stesso. Credo che posso fare di questa vita che non abbiamo scelto una vita che valga la pena d’essere vissuta. Per ora ce la sto facendo.

Che emozioni provi nel dipingere altre persone?

Dipingere è il mezzo per farmi domande, per conoscere. Come i bambini piccoli che non conoscono le cose e le guardano, le toccano… Lo faccio come loro ma attraverso la pittura.

All’inizio sento stranezza, curiosità, mi sento nervoso ma pieno di eccitazione, lo stesso come quando conosco qualche persona con la quale sorge un rapporto più intenso del normale.

Questa parte è molto bella. Poi vedo come le pennellate costruiscono il ritratto. Prendo decisioni razionali ma lasciando un ampio spazio all’intuizione.

Adatto il tipo di pennellata a quello che conosco del soggetto, a volte conosco di più, a volte conosco di meno.

Poi c’è una parte che mi piace molto, quella di mettere i piccoli dettagli e note di colore una volta che tutto è ben risolto. È proprio un divertimento! Quello che trovo più difficile, è di capire quando mi devo fermare, quando devo considerare che il quadro è finito. Ancor una volta, l’intuizione e l’esperienza sono decisive.

Dopo aver dipinto qualcuno, non lo vedo più uguale. Conosco meglio le sue caratteristiche facciali, i suoi movimenti; ma non si potrebbe dire che per dipingere qualcuno io lo conosca bene, perché non si finisce mai di conoscere una persona. Dopo aver dipinto qualcuno, questa persona a volte non si riconosce, perché ovviamente sono ritratti da un altro, con una visione soggettiva.

Siamo noi gli artisti stessi che dobbiamo essere contenti del nostro lavoro, chiaramente quando le persone ritratte si riconoscono e si piacciono è molto gratificante.

Parlando della serie di dipinti più spinti, cosa provi nel dipingere scene di sesso?

Mi sento morboso. Qualche volta perfino mi sono arrapato dipingendo.

Perché lo faccio? Credo sia un impulso di capire, possedere e trasmettere l’attrazione che provo quando vedo un corpo che trovo bello o penso in una situazione che mi rende morboso.

Il sesso che dipingi è reale o frutto della tua immaginazione?

È reale. Questo è stato una delle premesse di questo progetto. Non voglio attori, voglio realtà. Per ciò domando agli utenti delle loro foto private. Sono persone “normali”. Sono amateur. Poi metto le pitture su Instagram. Così la gente ci si può identificare, ed è più eccitante sapere che quello che si vede ai dipinti è successo in realtà. Quelli che mi inviano le loro foto provano eccitazione.

È una specie di esibizionismo nascosto. Sapere che molti altri li vedranno nudi e in un contesto sessuale e vedere i “mi piace” degli altri utenti deve essere molto stimolante e liberatorio.

In questo modo, si creano connessioni fra gli utenti attraverso il desiderio di tutti quanti, così parlo con le pitture, degli impulsi sessuali nella folla connessa, stabilendo uno spazio pubblico per il dibattito e la critica del concetto egemonico di desiderio.

Qual’è il quadro che ti ha trasmesso più eccitazione nel crearlo?

Devo dire che ce ne sono un paio di quadri fatti a partire da foto nelle quali ho partecipato. Dipingerli mi ha fatto ritornare a queste situazioni ed è stato molto eccitante. A parte questo, naturalmente io ho le mie preferenze. Trovo molto eccitante anche le situazioni con molte persone, per esempio.

Qual’è invece il quadro che ti eccita più riguardare?

Sicuramente sono gli stessi da quelli che mi hanno eccitato più dipingere per gli stessi motivi. C’è anche un altro tipo di eccitazione, non sessuale, quando riguardo una pittura di cui sono particolarmente contento del risusultato, per le forme e la consistenza.

Cosa provi nel dipingere te stesso?

Come ho detto prima, la pittura è il mezzo dove mi pongo delle domande. Attraverso la pittura mi conosco meglio.

Un vantaggio del dipingere se stesso è che puoi essere sperimentale quanto vuoi, perché il risultato non deve piacere a nessuno tranne che a te.

Per questo noi artisti ci dipingiamo, è una specie di auto conoscenza, sperimentazione e pratica nella pittura. Ricordiamo chi siamo, per così dire, prima di tornare a dipingere gli altri.

Che rapporto hai con il tuo corpo?

Un rapporto piuttosto buono, sebbene non è sempre stato così. La mia adolescenza è stata un po’ difficile in parte perché non avevo un corpo egemonico o normativo, ero sovrappeso.

Ho subito bullismo e non ero contento col mio corpo, non mi accettavo.

Poi ho deciso di cambiare ed ho cominciato ad avere una vita meno sedentaria, a fare dello sport e mangiare sano, ho perso 30 kg. A 18 anni ho cominciato a frequentare la palestra fino a oggi.

Ormai ho accettato molte delle mie limitazioni e inadeguatezze e sono molto più contento del mio corpo, sebbene tutt’ora oggi mi capiti di provare vergogna mostrarmi in pubblico senza maglietta, per esempio.

Una delle conseguenze del bullismo in me è stato il pensiero di voler avere un corpo perfetto per essere apprezzato dagli altri e avere la loro approvazione.

Naturalmente è un pensiero sbagliato che razionalmente cerco di allontanare. Il trascorrere del tempo mi aiuta. Alcune volte sento mi abbia aiutato anche il sesso con altri per aumentare la mia autostima. Sentirsi desiderabile migliora la considerazione di sé, sebbene non ne possiamo dipendere.

Quale parte del corpo maschile ti attrae maggiormente da raffigurare?

Mi piace molto il viso. È molto interessante per tutte le forme, i contrasti e le tonalità che ci si trovano. Accade lo stesso con altre parti, come ovviamente il fallo. Ognuno è diverso, come il viso.

E mentre l’ultimo è il riflesso dell’anima, forse il fallo è il simbolo tradizionale della sessualità maschile.

Ormai non è esattamente così. La penetrazione non è l’unica forma di sesso, lo sappiamo. A me piace però. Anche delle belle natiche rotonde oppure un bel torso mi fa impazzire. In realtà la bellezza può esser trovata in qualunque parte del corpo, non parlo della bellezza canonica, ma di quella trascendenza che proviamo nel essere consapevoli dell’esistenza dell’altro. Oppure del gioco visuale delle forme, masse di colore e contrasti, che simulano delle connessioni paradigmatiche imprevedibili con altre cose del mondo o dei nostri ricordi. 

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Adam Baker è un pittore astratto-figurativo inglese che lavora con la pittura ad olio. Adam parte dalla rielaborazione di fotografie vintage di atleti e militari, dove solitamente viene celebrata la realizzazione fisica maschile. Attraverso il suo processo creativo Adam Baker sovverte lo scopo originale dell’immagine ed accentua le sfumature omoerotiche, deridendo leggermente la mascolinità eteronormativa. 

I colori sono intensi, scuri, fluorescenti ed acidi. Insieme hanno un sapore rozzo e camp che affascina ed amplifica la teatralità e la natura sottilmente kitsch del materiale originale di partenza. Adam Baker consente una visione un po’ viziosa della normalità e mette amabilmente in dubbio la correttezza di certi generi rispetto ad altri o su altri.

Da dove nasce il tuo interesse per la pittura?

Essere dislessico, scrivere e parlare non è mai stato il mio punto di forza, ma raccontare storie attraverso le immagini ha sempre catturato la mia immaginazione. Fin da piccolo amavo disegnare, dipingere e raccontare storie. Ho trovato la pittura il modo migliore per comunicarle. L’interesse è cresciuto da lì.

I tuoi dipinti trattano l’ambiguità e possono essere interpretati in modi differenti. Sicuramente alcune persone mettono in discussione cose come gli sportivi che si truccano o i loro costumi da bagno leopardati, giusto?

Amo che i miei dipinti possano avere interpretazioni multiple a seconda dell’identità dello spettatore.

La sfacciata reinterpretazione d’immagini eteronormative può allontanare le persone e creare questa giustapposizione all’immagine originale.

Hai certamente ragione differenti spettatori creano differenti interpretazioni.

Sei a tuo agio con un tipo di interpretazioni anche quando non è quello che avevi in mente quando stavi dipingendo?

Mi sento più a mio agio quando i miei dipinti vengono presi alla lettera da un pubblico che comprende meglio il mio punto di vista. Questa sembra una comprensione più autentica rispetto all’incomprensione e al simbolismo che spesso ho ricevuto in precedenza.

Hai notato dei cambiamenti nel modo in cui il tuo lavoro viene percepito da quando hai iniziato?

Penso che il mio lavoro stia trovando un pubblico queer più ampio, quindi ricevo un feedback meno negativo rispetto alla reazione che ha suscitato alla scuola d’arte, dove la maggior parte del pubblico era etero. Forse anche a causa della pandemia e delle restrizioni, ho notato che le persone danno maggiori riscontri a quello che posto, forse in risposta al Covid e alla mancanza di socializzazione, connessione umana ed intimità.

Che tipo di reazione speri dal tuo pubblico?

Non mi aspetto mai un tipo specifico di reazione, che sia positiva o negativa, per me è un successo purché susciti un’emozione.

I miei dipinti non hanno come dire: una taglia unica che vada bene per tutti.

Mi piace che le persone apprezzino i dipinti esteticamente, rimanendo incuriositi dalla narrazione e dal linguaggio.

Il punto di partenza del tuo lavoro sono fotografie vintage, giusto?

Per molti miei lavori, soprattutto l’anno scorso, sono partito da fotografie vintage sportive e dell’esercito. Ho una vasta collezione trovate nei mercatini e nei negozi dell’usato. Ho preso un’immagine, l’ho reinterpretata e ridisegnata. Ho combinato diversi riferimenti per creare la mia scena e la mia narrativa. Recentemente ho scattato delle fotografie ad alcuni amici e amanti LGBTQ +, per avere una nuova base di riferimento per i miei lavori. È stato un cambiamento stimolante per me.

Hai già in mente l’immagine che vuoi creare? Esegui degli schizzi preparatori o segui semplicemente il flusso della tua creatività?

Entrambi. Faccio spesso schizzi preliminari per avviare il processo e da lì vado con il flusso lasciando che un’idea iniziale di massima si sviluppi e vedo dove mi porta.

Voglio farti una domanda personale, siamo gay e ci piace esserlo, ma come ti senti ad essere etichettato a volte come un artista queer? Preferiresti essere definito solo come artista, non tenendo in considerazione quale sia il soggetto del tuo lavoro?

Questa è un’ottima domanda! All’inizio mi risentivo di essere etichettato in quel modo, forse per paura di non essere rispettato o apprezzato allo stesso modo di un altro artista. Col tempo non sono più così preoccupato di come le persone vogliono etichettare me o il mio lavoro, finché le persone osservano e rispondono ad esso. Ho notato un cambiamento positivo nel mondo dell’arte in cui “artista queer” e “lavoro queer” sono molto più celebrati e molto meno emarginati. Ma non saprei dirti se le etichette possano essere positive o restrittive, immagino che dipenda dall’intento dell’etichetta.

Mi piacciono tantissimo i colori che usi, sono così potenti. Che cosa significa per te il colore e perché questa decisione di usarlo?

Il colore è uno strumento fantastico, il più divertente in ciò che faccio. È sempre emozionante giocare con il colore. I colori combinati sono come la poesia. I colori da soli sono parole che se li si mette insieme possono creare una narrativa e un’esperienza così bella.

Qualcuno dei tuoi progetti si è rivelato impossibile da completare?

Tanti, quanti sono i dipinti di successo che pubblico, tanti ce ne sono di “falliti”, che non hanno la stessa sorte. Nessun dipinto “fallito” è uno spreco però, perché lo considero un esperimento e ho imparato qualcosa da esso.

Quando sai che un dipinto è finito? Quanto tempo ci vuole per crearne uno?

Alcuni dipinti sono molto rapidi e naturali, mentre altri richiedono più tempo e il processo è meno fluido. Devo ancora capire perché questo accada.

Immagino che la forza delle facce dei tuoi personaggi, sia il modo in cui le dipingi, non ci sono troppi dettagli, quindi lo spettatore potrebbe non sapere mai cosa stia succedendo nelle loro teste. Sei d’accordo?

Sì. I dipinti più grandi con figure più piccole, hanno meno dettagli e gesti più suggestivi, lasciando più spazio per l’interpretazione del pubblico. Mentre le figure più grandi hanno più dettagli, che danno emozioni più specifiche ai loro volti.

Ricordi la prima volta che hai pensato “Voglio essere un artista”?

Non riesco a individuare il momento esatto, ma a scuola ho capito che la pittura era la mia passione principale e se avessi potuto farne una carriera, sarei stato molto fortunato.

Dipingi nudo in studio?

Sì, molto durante l’estate quando lo studio diventa troppo caldo. Trovo che l’estate sia liberatoria.

L'articolo Adam Baker: le realtà tragicomiche dell’esistenza queer proviene da Toh! Magazine.