Questa fragranza di Hellenist Paris non è un semplice profumo: è un invito a perdersi in una dimensione estetica e sensuale, dove ogni dettaglio è languore, ogni nota è carezza, ogni istante è un’estasi lenta. 

Les Bras de Morphée è lì dove il tempo non esiste, si respira un’eleganza evanescente e crepuscolare, come in un sogno firmato da un regista che ama la bellezza più del finale.

Indossare questa fragranza è come essere abbracciati da qualcuno che ci è intimo, ma che non abbiamo mai incontrato prima. Una presenza gentile e senza volto, fatta di velluto, fiori impalpabili e pelle tiepida. C’è in questa fragranza qualcosa di poudré, sì, ma non nel senso polveroso e rétro del termine: è la polvere delle stelle, la materia di cui sono fatti i sogni, la luce soffusa che resta sulle mani dopo aver toccato la memoria.

In questo mondo onirico—dove l’iris si fonde con l’eliotropio e la fava tonka sussurra di desideri assopiti—la bellezza non è mai gridata, ma appena sussurrata. È un gesto lento, come il panneggio di una veste, come la luce che filtra da una finestra all’alba. Les Bras de Morphée è un rituale sensoriale per chi conosce il piacere dell’attesa, del sussurro, del tocco leggero.

“Le sue braccia intorno a me come un’onda di estasi, un istante di calore che cura la mia malinconia. Un’appartenenza invisibile, una dipendenza mai confessata. Ipnotico e impalpabile, il suo profumo è il mio rifugio nella più totale intimità.”

Les Bras de Morphée è stato creato da Suzy Le Helley nel 2024 per Hellenist Paris, Les Bras de Morphée appartiene alla collezione Mythologie, che rilegge le figure del pantheon greco in chiave sensoriale e intimista. Il profumo si muove tra tonalità floreali, poudré, balsamiche e muschiate, costruite con grande equilibrio e un’architettura olfattiva moderna, sferica, dove le note si fondono in un insieme coeso.

Piramide olfattiva

Testa:
Foglia di violetta, Accordo di pesca, Accordo di eliotropio
Cuore:
Iris, Accordo di violetta, Legno di nocciolo
Fondo:
Vaniglia, Fava tonka, Cashmeran

La fragranza Les Bras de Morphée si distingue per la capacità di evocare comfort e introspezione costruendo un’aura intima e avvolgente. L’uso dell’iris è particolarmente raffinato: invece di insistere sul lato polveroso in senso cosmetico, Le Helley ne estrae la tenerezza vellutata, quasi lattiginosa, accentuata da eliotropio e tonka.

Les Bras de Morphée è una delle interpretazioni più eleganti del tema dell’abbraccio olfattivo. Seduce, ma consola. Impressiona, ma accoglie.

È una fragranza per chi ama la bellezza silenziosa, per chi trova nel profumo non solo un ornamento, ma un gesto interiore. Come i sogni più belli, non lascia impronte vistose, ma una scia lieve, che resta nei pensieri molto dopo che l’alba ha dissolto la notte e che cerchi sul cuscino.

Da Indossare ascoltando: Wash. Bon Iver

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Pepo Moreno ha un’estetica che è un atto di resistenza attraverso una grafica sintetica e colori saturi, che non sono solo strumenti di espressione, ma veri e propri organi di un corpo che si estende oltre sé stesso. Il lavoro di Pepo Moreno si muove su un confine ambiguo tra la nostalgia e l’utopia, tra l’infanzia e la sovversione queer, evocando un immaginario in cui il kitsch diventa rito e l’ironia un dispositivo di sopravvivenza.

L’erotismo, nei lavori di Pepo Moreno, non è mai un’esposizione brutale, ma un gioco di rivelazioni e nascondimenti, di tensione e dolcezza. Il desiderio non è solo esibito, ma velato, mediato da un filtro naïf che trasforma il corpo in un segno, in una metafora, in una piccola insurrezione visiva.

Una margherita su un pene, un sole su un orifizio, un sorriso che interrompe la nudità: la sessualità si fa favola, trasgredisce le logiche della provocazione gratuita per abitare un territorio più complesso, dove il piacere è anche fragilità, e la carne non è mai solo carne, ma sempre immaginazione.

Pepo Moreno costruisce un vero e proprio territorio visivo, un luogo in cui si intrecciano diversi riferimenti culturali (Tumblr, fumetti, pornografia, kitsch) e in cui il corpo, il desiderio e l’identità non sono mai stabili, ma si espandono, si sovrappongono e si ridefiniscono continuamente. 

Nel suo lavoro, l’immagine non è solo rappresentazione, ma spazio da abitare e attraversare, una mappa in cui l’identità queer si riconfigura e si riappropria del proprio significato.

In Pepo Moreno, l’identità non è mai data, ma sempre in costruzione. È un collage, un filtro che non maschera, ma rivela. Le sue creazioni sono una soglia, un continuo attraversamento tra il visibile e l’invisibile, tra il virtuale e il carnale, tra ciò che siamo e ciò che sogniamo di essere.

In fondo, la sua opera ci ricorda che l’immagine non è mai un riflesso. È piuttosto un invito: a ridisegnarci, a deformarci, a diventare altro, senza mai smettere di giocare.

In che modo crescere a Tortosa ha influenzato il tuo percorso artistico e personale?
Mi ha aiutato molto, anche se me ne sono reso conto solo dopo, una volta uscito e andato altrove. Venire da una piccola città ti fa vivere certe esperienze—nel bene e nel male—che una grande città non potrà mai offrirti. C’è la libertà e il contatto con la natura, ma anche il peso opprimente della pressione sociale. Ora lo amo, ed è una parte indiscutibile di me.

In che modo trasferirti a Berlino ha ampliato la tua visione della comunità queer, e come si riflette nel tuo lavoro?
Mi sono innamorato di Berlino tra il 2008 e il 2009 e ci ho vissuto per alcuni anni. Sono stati anni formativi, quando la città era ancora accessibile a chiunque volesse girovagare e trovare sé stesso. È lì che ho ripreso a dipingere e ho trovato un nido creativo. Ed è anche dove ho incontrato amici che ancora oggi fanno parte della mia vita. Berlino è davvero, davvero, davvero vicina al mio piccolo cuore gay. E poi, ho imparato il tedesco, che è una competenza diabolica.

Quali sono le principali influenze artistiche che ti hanno aiutato a sviluppare il tuo stile unico e riconoscibile?
Direi i fumetti, la street art in generale (niente di specifico), i meme e la cultura di Tumblr. Amo tutto, non odio niente. Non ho riferimenti precisi, a dire il vero. Sono certo che qualcosa si rifletta nel mio lavoro, ma preferisco non pensarci troppo e non forzare collegamenti tra la mia arte e quella di qualcun altro.

Puoi raccontarci il processo creativo dietro la tua serie “Tot Is Gay” e il messaggio che vuoi trasmettere?
È nato dalla pura stupidità, lo giuro. Ero con alcuni amici a Ibiza e ricordo che qualcuno disse: “La tua maglietta è così gay.” Ridiamo tutti, e questo mi ha riportato a un ricordo d’infanzia in cui qualcuno mi aveva detto la stessa cosa. All’epoca mi ferì profondamente e mi fece provare vergogna.

Ho immaginato un mondo in cui abbiamo il potere di rendere tutto gay—e da lì mi sono chiesto come sarebbe vivere in un mondo dove il gay è la norma e l’eterosessualità l’eccezione.

Come bilanci umorismo e satira nelle tue opere per affrontare temi complessi legati all’identità e alla società?
Non vedo alcun bilanciamento. A volte mi lascio andare completamente e non ci penso troppo. Credo sia proprio questo a renderlo interessante. Penso che dobbiamo essere onesti.

Quali sono state alcune delle collaborazioni artistiche più significative per te e come hanno arricchito il tuo lavoro?
Le collaborazioni sono fondamentali per il mio lavoro. Mi danno visibilità, legittimano la mia arte e mi offrono l’opportunità di fare cose che non avrei mai immaginato. Ovviamente, Desigual (i miei murales sono ancora in alcuni dei loro negozi), Jacquemus, Zara e Midnight sono tra i miei preferiti.

In che modo vivere a Parigi ha influenzato la tua produzione artistica rispetto alle esperienze precedenti a Berlino e New York?
Mi sono trasferito a Parigi per lavoro—ho lavorato nel marketing per molti anni prima di lanciare la mia piattaforma. Mi sono ritrovato in questa città complessa, con una nuova cultura e una nuova lingua. Penso che parte del mio lavoro attuale sia influenzato proprio da questa forza della natura che è Parigi, con tutte le sue grandi, ma a volte tristi, contraddizioni e paranoie.

Come descriveresti l’evoluzione del tuo stile artistico dall’inizio della tua carriera a oggi?
Penso che ci siano sempre momenti di dubbio, e ora mi trovo in uno di questi. Sento di stare lentamente tornando a dove ero. Non so perché, ma ultimamente sto riscoprendo i miei archivi e rivalutando alcune delle cose che facevo, lavorandoci di nuovo. Quindi non direi di essere evoluto, ma di essere “rivoluto”.

Quali difficoltà hai incontrato nel rappresentare gli stereotipi gay nella cultura pop occidentale e come le hai superate?
Una delle principali difficoltà riguarda la sua stessa fragilità: siamo esseri umani fragili che fingono di essere forti.

Dobbiamo farlo, perché la nostra sopravvivenza dipende da questo.

Ma allo stesso tempo, restiamo scollegati tra di noi. Esiste una grande contraddizione e dissociazione in tutto ciò.

Puoi condividere qualche aneddoto sul tuo progetto “This is a Gay Book” e sull’impatto che ha avuto sul pubblico?
Il libro nasce da una mostra a Barcellona chiamata TOT ÉS GAI. Quando ho visto tutte le opere raccolte nel catalogo, ho pensato che potessero facilmente diventare un libro. Tutti i pezzi sono stati realizzati in sole due settimane—quasi 300 opere per l’esposizione. Sono diventato una macchina e ho quasi perso la testa nel processo, ma volevo che tutte le opere emanassero la stessa energia, ed è per questo che ho insistito per finirle in così poco tempo. Penso sia il mio miglior lavoro finora.

Qual è, secondo te, il ruolo dell’artista nell’attivismo LGBTQ+ e in che modo il tuo lavoro contribuisce a questa causa?
Non so quanto sia importante il mio ruolo personalmente.

Mi piace essere esplicito su ciò che mi preoccupa e mi rende felice vedere che le persone sono d’accordo con me.

Questo mi dà forza e crea un’energia comunitaria. È il momento di ricordare il valore della comunità e di come possiamo sostenerci a vicenda.

Quali sono le tue attuali fonti di ispirazione e come influenzano i temi che esplori nelle tue opere?
Non mi stancherò mai della mia infanzia, del porno anni ‘70, di Tumblr, dei disegni medievali, dei fiori, dei vecchi libri di storia e della gayness in generale.

In che modo il tuo background nella comunicazione e nella pubblicità ha influenzato il tuo approccio all’arte visiva?
Penso mi abbia dato una buona base nel cinema e nello storytelling, che per me sono essenziali per trasmettere il messaggio che voglio esprimere. A parte questo, però, non credo mi abbia dato molto altro.

Come affronti la rappresentazione dell’erotismo e della sessualità nel tuo lavoro, mantenendo un equilibrio tra provocazione e sensibilità?
Mi sento un po’ sopraffatto dal sesso quando è troppo esplicito, quindi cerco sempre di aggiungere un tocco di ingenuità. Un fiore che copre un pene, un piccolo volto che nasconde una penetrazione, un sole sopra un buco del culo.

Quali progetti futuri hai in mente e come immagini che il tuo lavoro evolverà nei prossimi anni?
Al momento sto lavorando al mio secondo libro, che fa parte di THIS IS A GAY BOOK ma con un approccio diverso. Sto anche preparando una mostra personale e alcune grandi collaborazioni per quest’anno.

Vedo il mio lavoro evolversi da progetto artistico a piattaforma. Devo ancora lavorare molto sulla sua struttura e sul suo nucleo, ma non voglio lasciarlo morire. Se dovesse succedere, preferirei ucciderlo io stesso.

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Dal loro primo singolo “If I Ever Feel Better” di acqua sotto i ponti ne è passata, era il 2000 e da allora il pezzo è divenuto un classico della dance music e i Phoenix hanno pubblicato 7 album, compreso il nuovo “Alpha Zulu”, registrato in un ala del museo del Louvre di Parigi, adibita a studio di registrazione per loro.

Una location privilegiata che non serve solo ad ostentare ricchezza e potere, Jay e Bey mi sentite? Ma anche per creare arte e trovare un’ispirazione fresca e nuova, che ha dato vita ad un album dallo spirito variegato tra synth up tempo ed episodi più intimisti.

La band si è lasciata ispirare da un luogo magico e pieno di storia; non è un caso se l’artwork sia un particolare ritoccato di “Vergine con Bambino e otto angeli” del Botticelli.

Per questo non sorprende che “Alpha Zulu” sia audacemente ambizioso e racchiuda una serie di canzoni dirompenti. Me li immagino i Phoenix correre per le stanze del Louvre come i piccoli criminali di “Bande à part“, film del 1964 diretto dal compianto Jean-Luc Godard; solo che i Phoenix a differenza dei protagonisti del film non scappano, ma corrono godendosi e celebrando la ritrovata euforia che sprigiona dal loro settimo album.

Ne abbiamo parlato con Laurent ‘Branco’ Brancowitz (guitar/keyboards/backing vocals):

Ciao Branco, come stai?

Benissimo, sono a Roma, c’è il sole, amo questa città non ci sono potuto venire per due anni e ora devo compensare, appena posso ci torno.

E’ appena uscito il nuovo album “Alpha Zulu” dopo cinque anni dal precedente “Ti Amo”, come ti senti?

Felice, è passato un po’ di tempo, spero che piaccia perché alla fine è questa la domanda che ti fai, è questo che rende il tutto elettrizzante. Quando abbiamo cominciato a scrivere il disco in pandemia pensavamo che il giorno in cui sarebbe uscito il mondo sarebbe cambiato, come in un momento biblico, ora sappiamo che questo non è successo sfortunatamente.

Credo che con “Alpha Zulu” abbiate ritrovato l’energia e la varietà nel suono che contraddistingue il vostro primo album “United”, come avete ritrovato questo feeling?

Sono d’accordo, è vero, sarà stata la pandemia ma ci siamo ritrovati solo noi quattro a farlo senza contributi esterni, quindi esattamente come abbiamo composto il nostro debutto solo che il primo album fu registrato in una cantina, questa volta avevamo uno studio un pò speciale e bellissimo ma l’attitudine era la medesima.

Il primo album “United” aveva un tema, quindi scartammo tutte le canzoni che secondo noi non rientravano nel mood che stavamo cercando, con “Alpha Zulu” invece abbiamo esplorato la diversità del suono.

Se c’erano due canzoni troppo simili cercavamo di cambiarne una, oppure veniva scartata.

Lo studio “bellissimo” come lo hai chiamato è stato allestito in un ala del Louvre, mentre era chiuso per il Covid, come avete ottenuto quest’opportunità che definirei unica?

Ogni album cerchiamo di registrarlo in un luogo diverso, non volevamo uno studio di registrazione standard perché ci annoia, son tutti uguali.

E quindi vi siete detti: “Che noia gli studi di registrazione! Andiamo a registrare al Louvre!”

Esattamente! (sghignazza divertito ndg). Al Louvre stavano cercando di aprire degli spazi/laboratorio per scrittori o visual artist, non avevano mai pensato a dei musicisti ma noi siamo in grado di trasformare qualsiasi spazio in un studio, lo facciamo da quando siamo ragazzini, così abbiamo chiesto il permesso e ce l’hanno concesso. E’ stato facile trasformare la stanza del Louvre in uno studio, abbiamo dovuto solo fare degli accorgimenti acustici ma poi ci siamo stati per due anni!

Credi che l’atmosfera magica del museo abbia trasportato qualcosa nella nuova musica?

Assolutamente anche se mi è difficile dirti cosa. Sicuramente eravamo felici di andare ogni mattina a lavoro. Siamo stati molto creativi, avevamo tantissime idee e sicuramente è stato anche il luogo ad ispirarci, con la sua storia. Magari avremmo fatto un disco più bello registrandolo in un post di merda ma questo non lo sapremo mai.

Io direi che è un luogo che vi ha totalmente ispirato, penso alla prima volta che ho sentito “Alpha Zulu” il primo singolo, mi avete spiazzato!… Ho pensato: che mossa coraggiosa.

Ci sono tantissime cose in questo disco, alcune più coraggiose di altre, parlando del singolo abbiamo sempre pensato che il primo assaggio del disco dev’essere una mossa coraggiosa.

La canzone “Alpha Zulu” serviva ad aprire un nuovo capitolo, è come la prima scena di un film vuoi che catturi l’immaginazione. Abbiamo provato a fare anche qualcosa di più conservatore ma ci piace troppo sfidare le aspettative.

Sapevamo che la prima reazione poteva essere sconcertante per i suoi elementi viziosi.

Uno dei pezzi che mi ha più attratto di chiama “All Eyes On Me” adoro i suoi synth pazzi, e la vibes anni ’80 dovreste farlo singolo!

Vedi la cosa divertente della musica moderna pubblicata in digitale è che ti permette di evolverti, una volta avevi il cd stampato e quello era. Oggi con lo streaming puoi mettere mano ai pezzi e cambiarli anche dopo la pubblicazione e credo che “All Eyes On Me” uscirà come singolo ma in una veste diversa.

Il 18 novembre sarete a Milano all’Alcatraz per l’unica data italiana del tour, ho visto dei video della prima leg del tour in cui il palco aveva questi magnifici led che tra i vari scenari riprendevano un vecchio teatro italiano d’opera, c’è una contrapposizione tra l’antico e la sua storia e la modernità dei led. Ho visto giusto?

Esattamente! Sei la prima persona che ha capito quello che avevamo in mente, ogni volta faccio fatica a spiegarlo, tu lo hai fatto così bene e in modo così semplice: un teatro d’opera ricreato con i led! Dovresti lavorare per noi come P.R.!

Fatemi un fischio e arrivo! Ti faccio la domanda con cui chiudo sempre le mie interviste: qual è l’ultimo album di cui ti sei innamorato:

Ah caspita, innamorarsi è una cosa seria, fammi pensare… “Promises” di Floating Points, Pharhoa Sanders e London Symphony Orchestra. Lo adoro. Ma non è facile per me trovare qualcosa che mi piace, preferisco cercare nel passato e trovare delle gemme coperte di polvere, con la musica moderna faccio molta fatica. Anche da giovane ero così, i Phoenix sono nati con la missione di salvare la musica, eravamo molto giovani, pieni di energia e anche un po’ stupidi, anche se a nostro modo abbiamo contribuito alla storia. Faccio molta fatica a capire il mondo di oggi e tutte le sue contraddizioni.

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