In un’estate che sembra tutta da fuggire, I Only Want You To Love Me è invece la mostra da restare. Un pugno nello stomaco – ma con eleganza.

Al PAC – Padiglione d’Arte Contemporanea, fino al 14 settembre, prende forma una delle esposizioni più potenti e necessarie viste ultimamente in città. A firmarla è il duo artistico Lovett/Codagnone, ovvero John Lovett e Alessandro Codagnone, coppia nella vita e nell’arte, la cui ricerca (attiva dal 1995 fino alla scomparsa di Codagnone nel 2019) si muove su quei territori incandescenti dove amore, potere, identità e desiderio si incrociano e si sfidano.

Il vocabolario visivo e teorico dei due artisti attinge a piene mani all’immaginario leather e sadomasochista, ma non per pura provocazione:

il loro è un lessico radicale, politico, usato per smontare il patriarcato, destabilizzare la norma e far esplodere la molteplicità dei corpi e dei desideri.

Una pratica che trova affinità con l’Antiteatro di Rainer Werner Fassbinder, il Teatro della Crudeltà di Artaud, e che si iscrive in una genealogia di pensiero queer critica e militante.

È in mostre come questa che Milano mostra il suo lato migliore – quello che osa, che si confronta, che accoglie le identità complesse senza cercare di normalizzarle.

E allora viene da chiedersi: perché non ce ne sono di più? Perché le grandi città, specie in Italia, faticano ancora ad aprirsi a narrazioni che non siano rassicuranti?

I Only Want You To Love Me ci ricorda che la cultura serve anche a rompere le scatole, a scardinare la morale borghese, a raccontare vite che esistono davvero ma che ancora fanno paura.

E se passerete l’estate in città – invece di cercare refrigerio altrove – fatevi un favore: entrate al PAC. Non è solo aria condizionata, è aria nuova.

È il tipo di arte che non si limita a piacere, ma che ti guarda dentro e ti costringe a fare lo stesso.

Ben venga una Milano con più mostre come questa. Ben venga una cultura che non ha paura di sporcarsi le mani con la realtà.

A cura di Alessandro Marzo
Fotografie di Alex Vaccani

L'articolo Lovett/Codagnone I ONLY WANT YOU TO LOVE ME proviene da Toh! Magazine.

Arcadia, è al tempo stesso musa e specchio, un’entità che unisce leggerezza e disciplina, sogno e struttura. Arcadia ci parla delle radici profonde delle sue canzoni, l’emozione di condividerle con il pubblico, e il significato di essere una “real queen” in un mondo spesso ostile all’unicità.

Con una sensibilità che intreccia lirica e contemporaneità, Arcadia ci guida attraverso i suoi luoghi dell’anima: dalla nostalgia di una periferia che vive di ricordi e contraddizioni, ai palchi dove energia e vulnerabilità si incontrano. Dall’emozionante avventura a X Factor alla fondazione di Arcadia, ci racconta come il suo modo di esprimersi attraverso la musica e l’arte sia evoluto nel tempo. Con una sensibilità rara, Arcadia esplora temi di vulnerabilità, nostalgia e libertà, creando uno spazio in cui ogni nota e ogni parola riflettono la sua crescita personale.

Arcadia ci porta dentro un mondo in cui ogni nota, ogni parola, ogni gesto racconta la storia di un viaggio infinito verso la propria verità. Arcadia attraverso il suo viaggio artistico, rivela come il suo personaggio sia diventato un rifugio dove può essere autenticamente se stessa. 

Dall’esperienza a X Factor alla creazione di Arcadia, come è cambiato il tuo modo di esprimerti attraverso la musica e l’arte?
Sono arrivato a X Factor praticamente un bambino, senza una piena consapevolezza di chi fossi e di ciò che desideravo comunicare attraverso la mia musica. Ho fatto nascere Arcadia nel 2017 per creare uno spazio di libertà in cui poter esistere accanto a tutto ciò che non riuscivo ad accettare.

Arcadia mi fornisce una corazza che mi protegge anche sul palco. Se ripenso a quanto sono stato nudo e vulnerabile a X Factor, mi domando come abbia fatto a resistere.

Fino a qualche anno fa avevo grandi sensi di colpa per non essere riuscito a dare il massimo; adesso la prospettiva è radicalmente cambiata. Ora guardo a quel ragazzo con rispetto e tenerezza, perché è stato lui a gettare le basi per tutto ciò che sono diventato oggi. Ho imparato che ogni esperienza, anche quelle in cui non ci sentiamo all’altezza, contribuisce a costruire chi siamo.

L’incontro con l’arte drag è stato descritto come “rivelatore”. Cosa ti ha insegnato Arcadia su Stefano, e viceversa?
Arcadia mi ha fatto capire che la leggerezza può essere un obiettivo di vita, che non è la performance a determinare la bellezza di un percorso, ma la passione, ciò che ci rende felici al di là di tutto. Stefano ha insegnato ad Arcadia il metodo e la costanza nel lavoro.

È un continuo scambio; non si tratta di un approccio schizofrenico, ma di un viaggio all’interno di noi stessi in cui coesistono archetipi e abitanti diversi di uno stesso palazzo.

Le tue canzoni raccontano la nostalgia di una periferia lontana. Quali ricordi o emozioni cerchi di trasmettere con questa immagine?
Con i miei brani cerco di catturare e trasmettere le atmosfere che respiro uscendo di casa, come se la periferia fosse materia viva, piena di contraddizioni e bellezza.

La nostalgia che evoco non è solo quella di un luogo fisico, ma soprattutto quella complessa mescolanza di profumi, ricordi e immaginazione che si fondono dentro di me.

Le mie canzoni raccontano storie precise, spesso ispirate da momenti reali vissuti in prima persona o inventati; sono sempre e comunque contaminate da sogni e immagini oniriche. È come se ogni brano fosse un ponte tra la realtà e la fantasia che proviene dal mondo di Arcadia, uno strumento che mi consente di gestire la complessità che vivo quotidianamente.

Hai aperto il live di Elisa al Castello Sforzesco e partecipato al Drama Pride. Come vivi il rapporto tra la tua musica e il pubblico durante questi eventi dal vivo?
Il rapporto tra me e il pubblico è qualcosa di molto complesso; spesso percepisco in maniera così intensa l’energia della gente che devo sforzarmi di mantenere il focus sul brano e sul canto. È proprio questa una delle maggiori difficoltà che riscontravo all’inizio: mi fondevo così tanto con le persone che mi capitava di perdermi, volare sopra il palco e non riuscire più ad atterrare, a essere quel canale che mi permette di comunicare attraverso la musica. Certamente il rapporto col pubblico è fondamentale, ma richiede un profondo lavoro di contenimento.

Il tuo album raccoglie brani dal 2017 a oggi, con l’aggiunta di inediti. C’è una canzone che senti più vicina a te in questo momento? Se sì, quale e perché? Come pensi sia cambiata la tua musica dal primo singolo ad oggi?
Rispetto al mio primo singolo, i brani che sto scrivendo in questo momento – e non solo quelli presenti nell’album – sono molto più maturi e centrati.

Una cosa che non è mai cambiata è l’intento puro con cui compongo: ogni canzone nasce da un bisogno reale di esprimermi, di dare forma a ciò che sento.

“Anima”, il mio primo singolo, anche se può sembrare un brano più leggero e istintivo, continua a rappresentare una parte di me. Mi parla ancora oggi, forse perché è una celebrazione del sé stesso, della passione che trasforma ogni paura in forza e ogni limite in espressione creativa. Dal primo singolo a oggi, la mia musica è cambiata insieme a me; è diventata una sorta di specchio: prima rifletteva il mio bisogno di definirmi, ora racconta la mia voglia di esplorarmi senza paura.

Arcadia viene descritta come una “real queen proveniente da spazi e tempi lontani”. Che cosa vuol dire per te essere una real queen?
Essere una real queen significa incarnare una verità profonda, senza compromessi; un’essenza che attraversa il tempo e lo spazio. Nell’astrologia, Arcadia è il rifugio, la mappa stellare che guida chi si sente perso verso un luogo sicuro e autentico. È il richiamo delle stelle a cercare l’armonia anche quando i pianeti sembrano in dissonanza. In letteratura, Arcadia rappresenta un’utopia: un paesaggio ideale dove convivono natura e spirito; una fuga da un mondo che spesso ci vuole omologati.

Come drag queen, questa idea diventa un atto di resistenza: creo il mio spazio, la mia Arcadia personale dove posso esistere al di fuori delle aspettative altrui.

Essere una real queen significa dare voce a chi si sente intrappolato nelle periferie, non solo fisiche ma anche esistenziali. Ogni queen è anche un’eroina in cerca della sua casa; Arcadia è tutto questo: un viaggio continuo, uno spazio dove il reale si fonde con il sogno e dove ognuno può trovare la propria verità.

Se dovessi definire il tuo mondo musicale come lo definiresti?
Lo definirei esattamente come Arcadia: un ambiente utopico che accoglie tutto e in cui tutto può esistere e contaminarsi; il sacro e il profano; ciò che ci piace e ciò che non accettiamo di noi stessi.

Il background musicale da cui attingo varia dai generi più disparati. In primo piano sicuramente c’è la lirica: provenendo da una formazione musicale e canora classica, sono sempre stato profondamente ammaliato dal patrimonio musicale europeo.

Sono innamorato di icone celebri come Courtney Love e Lana Del Rey ma anche meno conosciute come Joanna Newsom e Cocorosie. Da Mitski al canto popolare bulgaro, dal K-pop all’heavy metal trovo ispirazione in tutto ciò che è melodia e ha un ritmo studiato. Il mio mondo musicale corrisponde alla mia anima, che spero continui a guidarmi senza intossicarsi dalle paranoie della personalità.

Le foto di Arcadia sono di Antonio Miucci, il letterina della cover di Matteo Pizzo

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Le fotografie di Yves de Brabander non sono semplici immagini; sono finestre aperte su un universo di desideri e scoperte, dove il sacro e il profano si intrecciano in una danza di luce e ombra, con un narrazione visiva che sfida le convenzioni e celebra la bellezza dell’autenticità queer.

Cresciuto tra le pieghe della iconografia religiosa, Yves de Brabander ha assorbito l’intensità delle storie bibliche, quelle narrazioni di peccato e redenzione che risuonano profondamente con la sua esperienza personale di esclusione e accettazione. Le sue fotografie sono intrise di simbolismo e intensità e ci invitano a immergerci in un mondo dove il sacro e il profano danzano insieme, rivelando le complessità dell’intimità maschile.

Yves de Brabander ha trasformato le sue esperienze di esclusione in un linguaggio visivo potente, dove ogni scatto diventa un atto di resistenza e una dichiarazione di libertà.

Le immagini di Yves de Brabander sono riflessi di una lotta interiore, un viaggio attraverso le sfide e le gioie dell’identità queer. Con una sensibilità acuta, Yves cattura l’essenza della vulnerabilità umana, rivelando come la bellezza possa emergere anche nei momenti più crudi e imperfetti.

Ogni posa dei suoi modelli racconta una storia di scoperta e accettazione, mentre i dettagli apparentemente semplici, come calzini usurati o gesti intimi, si trasformano in simboli di connessione e autenticità.

In questo spazio visivo, Yves de Brabander ci invita a mettere in discussione le norme sociali che definiscono cosa sia considerato “normale”, spingendoci a riflettere su ciò che ci rende umani.

L’ arte di Yves de Brabander è una celebrazione della libertà di essere se stessi, un invito a esplorare le sfumature dell’identità senza paura né vergogna.

Con ogni immagine, ci ricorda che la vulnerabilità non è debolezza, ma piuttosto una forza che ci avvicina gli uni agli altri, tessendo legami profondi in un mondo che spesso cerca di separarci.

Nel tuo lavoro affronti temi come la vulnerabilità dell’intimità maschile, con paralleli alle narrazioni bibliche. Perché hai scelto questa direzione?

Per me, il mio lavoro nasce da un mix di esperienze personali e dal mondo visivo in cui sono cresciuto. Da bambino, visitando la chiesa, ricordo di essere stato attratto dall’iconografia religiosa, come i santi e i martiri mezzi nudi, che suscitavano sentimenti di arousal e scoperta, mentre l’istituzione stessa rifiutava la mia identità di adolescente gay. Questa contraddizione—desiderio mescolato a esclusione—mi ha sempre accompagnato e mi ha spinto a esplorare la vulnerabilità, l’intimità e cosa significa essere un uomo in un mondo che ha regole precise su cosa dovrebbe rappresentare la mascolinità.

Le ricche storie della Bibbia su peccato, redenzione e auto-sacrificio si adattano perfettamente ai temi che mi interessano. Per le persone queer, c’è spesso questa tensione di voler essere accettati ma sentirsi sempre in contrasto con ciò che la società considera “normale”. Il mio lavoro è un riflesso di quel tira-e-molla, dove il corpo maschile diventa uno strumento sia per l’espressione personale che per il confronto.

In COME CLEAN, mi immergo in quel simbolismo—angeli caduti, il rituale del lavaggio dei piedi, e le macchie fisiche—per parlare di vergogna, vulnerabilità e bisogno di accettazione.

Lavare i piedi si collega al rituale religioso, ma esplora anche un lato più personale, collegando il spirituale all’erotico e sfidando i tabù.

Anche se le tue immagini sono puramente contemporanee, la postura e l’abbandono dei corpi somigliano a quelle dei martiri cristiani. In Italia siamo circondati da questa iconografia e osservando alcune delle tue immagini ho pensato a una possibile connessione. Ti ci ricolleghi?

Assolutamente, vedo quella connessione. Le mie immagini sono profondamente radicate nell’iconografia con cui sono cresciuto—quelle rappresentazioni drammatiche ed emotive di santi e martiri nell’arte cristiana. Le posture, la vulnerabilità delle loro espressioni e persino il modo in cui i loro corpi sono esposti, ma mai sessualizzati, hanno lasciato un’impressione duratura su di me.

Durante la scuola di fotografia, uno dei miei mentori mi ha incoraggiato a studiare i pittori classici, e questo ha cambiato il mio modo di guardare l’arte. Ho imparato come luce e composizione possano esprimere emozioni e raccontare storie. È sembrato quasi una continuazione di ciò che mio padre faceva anni prima nei musei di Bruges, quando mi mostrava come la luce danzasse sulle tele dei maestri fiamminghi. Queste influenze mi hanno fornito gli strumenti per affrontare postura e luce in un modo che sento personale—prendendo quegli elementi classici e facendoli miei.

Come me, molte persone queer portano con sé storie di rifiuto, resilienza e autodiscovery, che possono sembrare una forma moderna di martirio. C’è qualcosa di intrinsecamente bello e crudo in quell’“abbandono” che menzioni—l’atto di esporsi fisicamente ed emotivamente nudi. Il mio intento è catturare intimità, identità e desiderio senza filtri o vergogna.

Quindi sì, la connessione c’è, anche se non sempre era deliberata.

Il tuo ultimo lavoro, COME CLEAN, è ricco di simbolismo. Puoi dirci qualcosa in più? Perché hai scelto questo titolo?
Il titolo COME CLEAN porta con sé un doppio significato che sembrava perfetto per il progetto. Da un lato, riguarda la confessione: ammettere verità sull’identità, il desiderio e la sessualità. Dall’altro, rappresenta la liberazione: liberarsi dalla vergogna sociale e abbracciare chi si è, senza scuse.

Con curiosità ho notato che molti non anglofoni interpretano il titolo in modo piuttosto letterale, pensando che significhi “arrivare puliti” fisicamente, non sporchi. Mi piace che questo malinteso esista, perché aggiunge un’ironia giocosa ai livelli simbolici più profondi del lavoro.

Il progetto è infatti una celebrazione di ciò che spesso è considerato “sporco” o non convenzionale: quei desideri e quelle identità che la società cerca di sopprimere. COME CLEAN è un’esplorazione dell’identità, del desiderio e dell’auto-accettazione raccontata attraverso una lente profondamente personale. È il viaggio del rivelarsi, dello scoprire ciò che è nascosto e dell’abbracciare le complessità di chi siamo, inclusi quegli aspetti che la società potrebbe etichettare come “sporchi”.

Qual è il significato delle quattro fasi della serie COME CLEAN (COME IN, COME OUT, COME AGAIN e COME UNDONE), e come rappresentano il tuo percorso artistico?
Ogni capitolo rappresenta una fase diversa dell’autodiscovery e dell’esplorazione dell’identità.

COME IN è un invito amichevole, un benvenuto nel mio studio. È l’inizio di un momento intimo e silenzioso di vulnerabilità, dove il modello inizia a interagire con una singola sedia che funge da partner simbolico nell’assenza. Rappresenta solitudine, introspezione e il punto di partenza del viaggio.

COME OUT è la fase in cui il modello interagisce con lo sfondo colorato a mano con carbone vegetale, “sporcandosi” fisicamente. Questo momento rappresenta l’abbraccio dell’identità e dell’eccitazione, lasciando macchie visibili sul corpo. Il carbone ha una qualità purificante, simboleggiando non solo lo sporcarsi ma anche il processo di pulizia, una metafora per liberarsi delle norme sociali e abbracciare il proprio vero io.

COME AGAIN avviene dopo che il modello emerge dallo sfondo in carbone vegetale. I corpi macchiati rappresentano l’accettazione di ciò che un tempo era visto come vergognoso: una trasformazione, mentre l’individuo inizia a ridefinire il proprio spazio nel mondo.

Infine, in COME UNDONE—che si sviluppa lungo tutto il libro—calzini usurati e sporchi diventano reliquie del viaggio percorso. Questi oggetti rappresentano memorie, tracce di intimità: un accenno alla cultura fetish, ai miei stessi desideri, ma anche una riflessione sul consumo fisico ed emotivo della vita.

Ogni fase si costruisce sulla precedente, mostrando che la crescita spesso richiede di sporcarsi prima di potersi pulire.

Ci sono artisti o fotografi che consideri influenze primarie?

Sono sempre stato attratto dai pittori classici come Caravaggio, El Greco e i Primitivi fiamminghi, soprattutto per la loro padronanza della luce e il modo in cui creano tensione nelle loro rappresentazioni. Tra le opere che mi hanno colpito di più ci sono la scultura Spinario e la Fontana della Gioventù di George Minne.

In fotografia, scoprire Wolfgang Tillmans e Larry Clark durante l’ultimo anno della scuola di fotografia, grazie a un nuovo insegnante, è stato davvero illuminante. Il loro lavoro mi ha mostrato che la fotografia può essere molto più di un’immagine: può diventare una narrazione cruda e onesta.

Sono stato profondamente influenzato anche da Robert Mapplethorpe, Peter Hujar e Nan Goldin, soprattutto per il modo in cui hanno esplorato senza paura l’intimità e il corpo umano. Da loro ho imparato l’importanza di spingere i confini, trovando bellezza nella vulnerabilità e abbracciando l’imperfezione. Questi artisti mi hanno insegnato a non allontanarmi mai da ciò che è reale e crudo.

Un aspetto che mi ha colpito nel tuo lavoro è la rappresentazione cruda e senza compromessi del mondo queer. Cosa ti ha spinto a muoverti in questa direzione?

Negli anni ’90 ero un attivista in vari movimenti LGBT, manifestando per la nostra esistenza nelle strade di Anversa e Bruxelles. Poco dopo ho iniziato a lavorare come fotografo freelance per organizzazioni LGBT locali, diventando in seguito fotografo permanente per SENSOA, il centro belga per la salute sessuale e la prevenzione dell’HIV.

Durante quel periodo ho abbracciato la libertà di rappresentare l’identità queer e l’intimità senza sanificare o idealizzare nulla. C’era una filosofia del carte blanche dietro queste campagne: nessun tabù, nessun limite. Ho avuto libertà totale nel catturare la realtà così com’era; ho persino fotografato una coppia durante un rapporto o un’erezione per una campagna sull’uso del preservativo.

Queste esperienze non filtrate mi hanno spinto ad affrontare direttamente la cruda realtà della sessualità e hanno acceso il mio impulso di esplorare questi temi nel mio lavoro. Mi hanno insegnato il potere della visibilità e della narrazione nell’affrontare i tabù.

È diventato chiaro che rappresentare autenticamente la vita queer—senza vergogna o censura—è un modo per sfidare gli stereotipi e creare spazio per una vera rappresentazione.

Pensi che l’uso delle tecniche miste nel tuo lavoro contribuisca alla complessità visiva dei tuoi pezzi?

Assolutamente. Costruisco e decostruisco immagini, aggiungendo strati che arricchiscono il significato dietro di esse. L’uso delle tecniche miste gioca un ruolo enorme nella complessità visiva del mio lavoro.

Ad esempio, mischio stampe laser graffiate e piegate con pigmenti naturali, vernici e strati traslucidi per creare profondità e texture. I neri profondi nelle ombre sono ottenuti sovrapponendo stampe traslucide, dando loro quasi una qualità tridimensionale. Questi strati aggiungono complessità, invitando lo spettatore a esplorare il pezzo oltre la superficie.

Quando crei le tue immagini pensi al messaggio che vuoi trasmettere?

Sì, ma direi che si tratta più di un invito per le persone a mettere in discussione e riflettere. Il mio lavoro sfida gli stereotipi e i limiti sociali imposti sulla mascolinità, sull’intimità e sulla sessualità.

Voglio creare uno spazio dove questi temi possano essere esplorati apertamente, senza vergogna o paura. Alcuni dei miei modelli mi hanno persino detto che il mio studio sembra uno spazio sicuro per loro, e questo per me significa molto.

Allo stesso tempo, cerco di normalizzare desideri e interessi che la società spesso etichetta come perversi o tabù. Con il mio lavoro intendo provocare riflessione, incoraggiare comprensione e, infine, celebrare tutto lo spettro dell’identità e dell’esperienza umana. Non si tratta tanto di dire alle persone cosa pensare, quanto di dare loro la libertà di pensare da sole.

Pensi che la resistenza possa essere espressa attraverso l’arte? Se sì, come?
Assolutamente. L’arte è una forma potente di resistenza. Ci offre uno spazio per sfidare le aspettative sociali, confrontare tabù ed esplorare temi spesso etichettati come “inaccettabili”.

Per me, resistenza significa spingere contro i vincoli della convenzionalità—norme sociali, censura o soppressione della libertà sessuale ed emotiva. Ritrarre identità queer, intimità maschile e sensualità del corpo umano senza vergogna è, di per sé, un atto di protesta.

Piattaforme come Instagram, con i loro algoritmi che spesso censurano il mio lavoro, dimostrano quanto sia ancora necessario resistere per garantire visibilità. Resistenza significa creare anche in un mondo dove la politica conservatrice cerca di fare passi indietro. Attraverso la mia arte, voglio celebrare ciò che altri cercano di sopprimere, rendendolo impossibile da ignorare.

COME CLEAN combina delicatezza e provocazione, creando una narrativa visiva che mette in discussione norme culturali e moralità. Sembra quasi che tu stia offrendo una nuova prospettiva sull’identità queer. Cosa ne pensi?
Vedo il mio lavoro, soprattutto COME CLEAN, come un’offerta di prospettive non solo sull’identità queer, ma sull’intimità umana nella sua totalità. La delicatezza nel mio lavoro deriva dal catturare quei momenti sensuali profondamente personali, che possono sembrare crudi o intensi, ma che sono esperienze universali.

Al suo interno, il lavoro celebra l’apertura, che si tratti di identità, sensualità o interessi sessuali, in particolare quelli spesso etichettati come “perversi”. Non tutti sono abituati a vedere un’immagine di un ragazzo che si lecca i piedi, per esempio, e per alcuni questo potrebbe risultare scomodo.

Ma sono proprio questi momenti a spingerci a riflettere sul perché certi atti ci rendano a disagio. Includendo queste immagini, voglio sfidare i confini su ciò che troviamo accettabile e costringere a ripensare il modo in cui vediamo desiderio, bellezza e libertà. Attraverso la mia arte voglio normalizzare ciò che la società tende a respingere, creando un’estetica capace di attirare gli spettatori nella conversazione. Se COME CLEAN risuona come una nuova prospettiva, è perché invita le persone a vedere bellezza in ciò che spesso è nascosto o represso.

Non senti anche tu che, per noi della comunità LGBTQ+, il mondo sta facendo passi indietro? E credi sia necessario combattere forse più di un tempo?

Sì, spesso sembra proprio che stiamo tornando indietro. Gli algoritmi di piattaforme come Meta e Instagram continuano a censurare stili di vita queer e nudità artistica, mentre l’emergere della politica conservatrice in molti paesi crea un ambiente sempre più ostile.

Sembra che molti si sentano sopraffatti dal cambiamento—che si tratti di conversazioni sull’identità di genere o di più ampie trasformazioni sociali—e che in risposta ci sia un ritiro nella paura e nel conservatorismo. Campagne come quelle che ho realizzato per SENSOA nei primi anni 2000, crude e senza compromessi nella loro rappresentazione dell’identità queer e della salute sessuale, oggi non sarebbero possibili.

Questo rende la visibilità e la rappresentanza più cruciali che mai. Per me, l’arte è un modo per sfidare la confusione e i pregiudizi che circondano queste questioni. Serve da promemoria che il progresso non è sempre lineare: a volte sembra proprio che stiamo lottando solo per mantenere la posizione.

La lotta per la libertà e l’accettazione è tutt’altro che finita, e attraverso il mio lavoro spero di contribuire a questa battaglia continua.

Il tuo lavoro abbraccia molte sfumature, dal sessuale al fetishistico. Quali sono i tuoi pensieri su questi temi?

Sessualità e fetishismo sono profondamente intrecciati all’identità umana, eppure vengono spesso respinti o stigmatizzati. Il mio lavoro mira a reclamare questi aspetti, trattandoli non come qualcosa di anormale, ma come un’espressione integrale dell’identità personale e sessuale.

Ad esempio, esplorando interessi come i piedi, l’odore o il sudore, oppure l’abbigliamento sportivo, vado oltre il semplice desiderio: si tratta di comprendere cosa plasmi l’arousal e come l’interesse sessuale venga formato. Questi temi fanno parte di chi siamo, e il mio obiettivo è presentarli onestamente, senza scuse.

Allo stesso tempo, voglio mettere in discussione il motivo per cui certi desideri siano ancora etichettati come “perversioni” oggi. Voglio interrogare le norme sociali e limitanti su ciò che viene considerato accettabile.

In COME CLEAN sembra esserci un’importante attenzione sui piedi e sui calzini. Cosa trovi attraente in questi soggetti e cosa rappresentano per te?
Da adolescente ho scoperto quanto odori come il sudore e l’odore corporeo—soprattutto nei calzini e nelle sneakers—scatenassero attrazione. Questa fascinazione è diventata un filo conduttore nel mio lavoro, riflettendo come sensualità e identità siano plasmate da esperienze personali spesso taciute.

In COME CLEAN, i calzini fungono da reliquie del viaggio percorso. Sono usurati, sporchi, imperfetti: simbolizzano sia la lotta fisica sia quella emotiva dell’autodiscovery. Proprio come reliquie o artefatti, li ho conservati in sacchetti sigillabili dopo gli scatti. Alcuni li ho persino incorniciati, elevandone ulteriormente il significato.

Questi calzini rappresentano vulnerabilità e connessione intima tra corpo e identità. Si legano anche al tema dell’interesse sessuale, invitando gli spettatori a riconsiderare cosa troviamo desiderabile e perché, sfidando i giudizi posti su tali desideri.

Qual è il tuo obiettivo finale con il tuo lavoro?

Il mio obiettivo finale è creare uno spazio sicuro per l’esplorazione dell’identità e della sessualità. Voglio incoraggiare le persone a esplorare le proprie esperienze senza paura di giudizio o vergogna.

Attraverso la mia arte, spero di ispirare una maggiore comprensione e accettazione delle diversità umane. Voglio anche contribuire a una rappresentazione più autentica delle esperienze queer nella società.

Come vedi il futuro dell’arte queer?
Credo che l’arte queer continuerà a evolversi e a prosperare nonostante le sfide attuali. Gli artisti queer stanno trovando modi sempre più creativi per esprimere le loro esperienze e sfidare le norme consolidate.

La crescente visibilità dei temi queer nell’arte contemporanea è un segno positivo: mostra che ci sono spazi per queste narrazioni e rappresentazioni uniche.

Hai qualche consiglio per i giovani artisti queer?
Il mio consiglio è di rimanere fedeli a se stessi e alle proprie esperienze. Non abbiate paura di esplorare temi che vi appassionano, anche se possono sembrare controversi o tabù.

La vostra voce è importante e merita di essere ascoltata. Siate aperti all’apprendimento e alla crescita, ma non compromettete mai la vostra autenticità.

Quale messaggio speri di trasmettere attraverso il tuo lavoro?
Spero di trasmettere un messaggio di accettazione e celebrazione della diversità umana. Voglio che le persone vedano la bellezza nell’autenticità e nella vulnerabilità.

Attraverso il mio lavoro, desidero incoraggiare una maggiore comprensione delle esperienze queer e promuovere un dialogo aperto su temi spesso considerati scomodi.

Come affronti le critiche al tuo lavoro?
Affronto le critiche come opportunità di crescita e riflessione. Non tutti apprezzeranno il mio lavoro o comprenderanno il messaggio che cerco di trasmettere, ma questo fa parte del processo artistico.

Cerco di rimanere aperto al feedback costruttivo, rimanendo però fedele alla mia visione artistica.

Qual è stata la tua esperienza con l’industria dell’arte fino ad ora?
La mia esperienza con l’industria dell’arte è stata mista. Ci sono stati momenti di grande supporto e opportunità, ma anche sfide significative legate alla rappresentazione queer.

Tuttavia, credo fermamente nel potere dell’arte di cambiare le percezioni e promuovere la comprensione.

L'articolo Yves de Brabander: L’Arte della Resistenza e della Rappresentazione Queer proviene da Toh! Magazine.

Baju ha un’account Instagram, JawaNYC, dove propone la sua arte libera, così come dovrebbe essere, senza pregiudizi ne giudizi.. Qui viene vissuta liberamente senza omologazioni, come l’artista che la crea.

I quadri e i disegni di Baju passano dai colori più esuberanti con figure astratte, dove se si osserva bene ci si possono trovare parti del corpo e sessuali maschili; la visione rimane libera e aperta allo spettatore rivelando un certo tipo di bellezza.

Parti di piante e corpo, fiori identificabili e possibili volti, emergono e diventano più o meno dominanti a seconda di come lo spettatore li osserva.

Altre opere di Baju sono invece in bianco e nero con disegni figurativi di scene di sesso tra uomini, dove l’atmosfera è sempre di gioia e di godimento estremo. 

Puoi raccontarmi qualcosa del tuo background?

Chi sono? Me lo chiedevo spesso quando ero ancora al liceo. I miei genitori sono multietnici e si sono spostati costantemente in giro per il mondo fin da quando ero bambino. Questa tradizione continua poiché sono costantemente in movimento e viaggio il più spesso possibile. In effetti vivo in più paesi, anche se considero New York la mia base di partenza.

Sono molto fortunato ad aver avuto un’educazione molto progressista. Sono stato fuori dal giorno in cui sono nato e non sono stato nascosto. Da ragazzino ho semplificato tutto: chi è contro i gay ha cattivo gusto.

Adoro la dichiarazione che hai sul tuo account IG in cui dici che la nudità e il sesso non sono un crimine. Puoi dirmi il tuo punto di vista sulla censura che stiamo vivendo nei social media e nella società in generale?

Per molti aspetti il problema è la religione. Sono cresciuto cattolico e all’età di 13 anni avevo capito che la Bibbia e tutti gli scritti religiosi non sono altro che storie, simili a fumetti, come Spiderman o Batman.

Essere creativi fa parte dell’esperienza umana, quindi non mi sorprende che gli esseri umani abbiano creato ogni religione. Sfortunatamente queste storie hanno un prezzo elevato: restrizioni e censura.

Possiamo parlare pubblicamente e persino celebrare la violenza, la guerra, l’omicidio e le armi, ma quando si tratta di sessualità dobbiamo discuterne con discrezione o sostituire le parole sessuali con “codice” o semplicemente non parlarne affatto.

Festeggiamo e applaudiamo a una parata militare e portiamo armi con orgoglio, eppure condanniamo la nudità pubblica.

I genitali sono più violenti delle armi?

I tuoi dipinti sono pieni di sesso tra uomini e lo adoriamo, puoi parlarci del tuo punto di vista a riguardo?

Non esiste il sesso gay. Abbiamo inventato quel termine. Avere incontri sessuali in realtà non significa solo soddisfare i nostri genitali. Gli esseri umani sono esseri sociali e fare sesso è solo uno dei tanti modi per avvicinarsi gli uni agli altri. Se riuscissimo ad andare oltre le etichette di gay o etero, la vita potrebbe essere più completa e meno restrittiva.

Guarda come funziona il potere della religione. Abbiamo già subito il lavaggio del cervello fin dalla tenera età.

Ecco la grande rivelazione, ed è così bella. Non devi essere gay per fare sesso gay. In effetti, la maggior parte dei miei amanti sono eterosessuali. Il sesso con i miei amici etero non è lo stesso che con gli uomini gay.

Alla maggior parte dei ragazzi etero con cui faccio sesso non piace il pene, ma siamo abbastanza creativi da trovare altri modi per compiacerci a vicenda. È divertente in un modo diverso.

Qual è la pratica o la posizione in cui ti trovi maggiormente e perché?

Non credo nell’essere esclusivamente un top o un bottom. Un uomo sano ha un pene e una prostata, quindi inizia da lì. Non limitarti. Essere versatile è la mia cosa. Mi piace soprattutto mangiare, scopare e fare fisting, ma non perché sono un top.

È perché adoro il buco del culo. Sono semplicemente felice di mangiarlo per ore finché i miei amici non eiaculano. Questo è ciò che mi piace. Adoro la consistenza, la forma e il suo odore. È il miglior design realizzato in “paradiso”.

La maggior parte dei miei amici guarda il porno mentre glielo lecco. Vedi, è così che funziona fare sesso con ragazzi etero in generale. Posso semplicemente leccare, succhiare e masturbarmi.

Il fisting è molto presente nei tuoi dipinti, me ne parli?

In generale mi piace esplorare la sessualità e le mie preferenze sessuali si stanno evolvendo. Come puoi vedere su IG, il mio lavoro è fortemente incentrato sul sesso anale. Non è iniziato così all’inizio. Ero più o meno come l’uomo gay medio attratto dal pene.

Quando ho superato i 25 anni ero meno attratto dal pene e il mio interesse si è spostato verso il culo e l’ano. Sono arrivato al punto che non riuscivo ad avere un’erezione semplicemente toccando o succhiando il pene.

Per avere un erezione devo annusare e leccare l’ano. E da quel momento in poi ho cominciato a esplorarne l’interno. Più è largo, più mi eccito. Una vergine o uno stronzo stretto non mi interessano più. Immergere la faccia nel buco del culo di qualcuno o fare il pugno è come entrare nel luogo sacro di qualcuno. Magari un giorno riuscirò a scopare il culo di qualcuno con la testa e restarci dentro per un paio d’ore.

La parte che amo del fisting è che possiamo farlo per ore o giorni. Una scopata normale invece dura solo un paio di minuti. Non fraintendermi, le sveltine vanno bene per le emergenze. Ma con qualcuno che mi piace preferisco il fisting.

Hai soddisfatto tutte quelle fantasie?

Una fantasia è solo uno stato d’animo. Non durerà per sempre a dire il vero. Quindi, per rispondere alla domanda se ho mai soddisfatto le mie fantasie, la risposta è sì, ma poi cambia di nuovo. Sono un essere creativo e la mia fantasia si evolve all’infinito.

Com’è vivere come artista?

A dire il vero, vivere come artista è davvero molto emozionante perché l’arte ci permette di esplorare argomenti che sono stimolanti nella vita reale. Mi rifiuto di limitarmi. Vivo costantemente in un mondo da sogno illimitato. E sono pienamente responsabile, sia che io voglia materializzare i miei sogni o semplicemente mantenerli come un sogno. Entrambi i modi sono validi per ragioni diverse. Sul piano pratico, alcuni potrebbero chiedersi se un artista può mantenersi solo con l’arte? La risposta è molto pochi, forse uno su un milione.

Se vuoi essere un artista, sii intelligente, multitasking e preparato. Se non puoi sostenere finanziariamente la tua vita di artista, non sentirti in colpa. Nessuno ci obbliga a essere artisti. Quindi smettila di dispiacerti se non ce la fai.

Penso che gli artisti come te abbiano il potere di aprire le menti ristrette o almeno di disturbare quelle più conservatrici. Cosa ne pensi?

Ho il potere di influenzare la mentalità conservatrice? Fanculo loro. Il mio viaggio è più importante delle opinioni degli altri. I conservatori vivono nella paura costante. Hanno paura dell’ignoto. Ecco perché si sentono più a loro agio nel seguire lo status quo. In questo modo non esercitano mai al massimo la loro creatività. Quindi fanculo a loro.

Quanto pensi che la tua arte si sia evoluta dall’inizio?

Come artisti il nostro lavoro si evolve. La domanda è: in meglio o in peggio? Ma ancora una volta tutto nella vita è relativo e sta a noi decidere se possiamo relazionarci o meno con il nostro lavoro. In caso contrario c’è sempre spazio per miglioramenti.

Amo le sfide e odio fare sempre la stessa cosa. Alcuni artisti amano fare ripetizioni e così facendo le persone possono riconoscere il loro lavoro più velocemente.

Per me tutto ruota attorno all’avventura e al rischio e non mi piace ripetere le cose nella vita.

Se le persone potessero riconoscere il mio lavoro sarebbe un vantaggio. In caso contrario, continuerò a dipingere fino alla fine della mia destinazione.

Cosa ti piace di più nei dipinti astratti? Come funziona per te crearne uno?

In realtà sono un pittore astratto. Ho iniziato a fare lavori figurativi nel 2019 proprio per protestare contro la censura di IG su sessualità e nudità. Non mi sarei mai aspettato in un milione di anni di ottenere così tanti seguaci. Con mia sorpresa ho più persone che seguono il mio lavoro figurativo, che quello astratto. Immagino che gli umani in generale siano degli stronzi arrapati come me. E va tutto bene.

L’arte figurativa è molto limitata a dire il vero e mi annoio molto facilmente solo a guardarla. Tutto è già predigerito e lascia allo spettatore pochissimo spazio per immaginare.

Ci sono così tante differenze tra quelli figurativi con ragazzi che fanno sesso e quello astratto come, come vivi entrambi i lati del tuo lavoro?

Fare astratto e figurativo allo stesso tempo ha effettivamente aiutato il mio ADHD. Sono irrequieto e il mio cervello ha bisogno di essere continuamente stimolato. Quindi realizzare lavori figurativi mi permette di rompere la routine astratta.

Il mio lavoro astratto è in realtà molto sessuale in un modo astratto. Se guardi più da vicino troverai molti ani, sperma e urina e li adoro tutti.

Mi divertono i titoli della tua arte come fungo picnic, la fontana della giovinezza, ma vie en rose o Glazing Bryce’s Donut. Come ti vengono in mente titoli del genere?

Come faccio a trovare il titolo? A essere onesti, i titoli limitano la prospettiva dello spettatore. Li leggo a malapena o le dichiarazioni degli artisti. A volte attribuisco un titolo al mio lavoro perché me lo ha chiesto una galleria o un commerciante. Quindi gli do un nome in base a ciò che mi passa per la testa in quel momento.

Ci sono molti nomi di ragazzi nel tuo lavoro, chi sono? Chi è Daniel che esce spesso?

Lavoro solo dal vivo e utilizzo gli stessi ragazzi, amanti come Kevin, Sean, Rob e Daniel per i miei soggetti. Lo sperma e l’urina del mio amante fanno parte del mio mezzo. Verrà mescolato con l’acrilico prima di applicarlo su carta o tela. Quindi lavorare con ragazzi a caso non è di alcun interesse.

Dato che i miei lavori sono per lo più sessuali, ho bisogno di attrazione per realizzarli. 

Daniel è la mia ultima musa ispiratrice. Mi identifico con lui in molti modi. Per tua informazione, avevo già rapporti sessuali all’età di 5 anni. Non lavoro mai con minori, quindi ho dovuto aspettare che Daniel raggiungesse la maggiore età e da quel giorno è diventato una delle mie muse preferite. È in calore quasi ogni giorno ed è per questo che lo ritraggo molti dipinti. 

Mantengo privati i miei modelli e non li taggo mai per un motivo. Non voglio che il mio IG diventi un altro Grindr. Sono rimasto fedele al mio piano originale, ovvero protestare contro la censura di IG. Ma ancora una volta il mio messaggio diretto è pieno di domande sessuali e inviti da parte dei miei follower e collezionisti. A volte è travolgente. Ma va tutto bene. 

Due collezionisti mi hanno invitato a disegnare alcune feste di fisting che hanno organizzato l’anno scorso. Ero lì per creare per loro 8 quaderni di schizzi sul fisting. È stata un’esperienza straordinaria per me. Daniel è stato invitato e tutto quello che posso dire è WOW. È un talento naturale. Mi sentivo come se fossi nella fabbrica di ciambelle glassate.

L'articolo Baju Wijono/JawaNYC: quando la nudità e il sesso non sono un crimine. proviene da Toh! Magazine.

Francesco Paolo Gassi è un artista pugliese dove nella sua terra sviluppa la sua ricerca verso nuove forme e nuovi concetti artistici da esprimere. Peli, imperfezioni della pelle come rossori, screpolature sono per Francesco simboli di unicità che rendono un corpo più interessante e stimolante per il suo processo creativo. Il corpo maschile per lui ha un importanza che va oltre l’estetica del bello o del brutto ma che sfocia molto più interamente, nell’anima del soggetto che sa posando e che gli sta donando la sua verità, la sua storia.

Cosa rappresenta per te il corpo? 

Il corpo rappresenta il centro dell’identità e della volontà, un mezzo per percepire sé stessi e gli altri. Nella mia produzione artistica, mi concentro sul corpo maschile, abbracciando la sua autenticità e le sue imperfezioni. Voglio sfidare il dominante “Male Gaze” e rinegoziare l’identità attraverso corpi veri, liberandoli dalle sovrastrutture sociali e dai condizionamenti. 

Quando hai iniziato a fotografare? 

Ho iniziato a fotografare nel 2012, focalizzandomi sulla creazione di contenuti per Instagram. Da allora, la fotografia è diventata il mio principale mezzo espressivo come artista. 

Nelle tue fotografie vediamo close up di parti del corpo che spesso non sono valorizzati da altri artisti, come mai questa scelta? Che importanza ha per te l’imperfezione? 

Sono ossessionato dalle textures, dai piccoli dettagli che sfuggono all’occhio normale. Credo che ogni parte del corpo abbia un valore intrinseco e racconti una storia unica.

L’imperfezione è parte integrante di questa storia e la considero preziosa perché rivela episodi nascosti e la bellezza autentica dell’individuo.

Così cerco di offrire una prospettiva nuova e stimolante, mettendo in risalto dettagli spesso trascurati e invitando gli spettatori a riconsiderare la loro percezione del corpo. 

Ci spieghi un po’ il tuo processo di creazione? Come avviene la scelta dei corpi da fotografare? 

Nel mio studio, trovo ispirazione in una vasta bibliografia che mi guida in ogni lavoro. Per questo progetto, ho anche tratto ispirazione dalle mie esperienze personali e dalle storie dei miei amici del paese. Non conduco una ricerca accurata, ma seleziono i soggetti tra le persone che conosco o che mi contattano attraverso i canali social. In generale, cerco individui disposti a condividere la propria storia e a esplorare la propria identità attraverso la fotografia.

È fondamentale creare un ambiente di fiducia e cerco di comprendere la loro visione e la loro relazione con il proprio corpo.

Ogni scatto rappresenta per me la perfetta fusione tra la storia del soggetto e la mia visione artistica. 

Quanto di te stesso c’è nelle foto che scatti? 

Ci sono io al 100% in ogni fotografia. Gran parte del lavoro porta alla luce i ricordi e i desideri nascosti del periodo precedente al coming out. ‘Bodies’ è un tentativo di ricostruire, attraverso piccoli frammenti, la mia vita.

Cos’è per te la libertà? Ti senti libero? 

Facendo riferimento a questo progetto, la libertà per me, come artista, è un’esperienza di emancipazione dall’oppressione delle convenzioni sociali, delle aspettative altrui e dei limiti auto imposti. Sono libero, e mi sento tale quando la mia creatività fluisce senza limiti e a guidarmi è unicamente la passione. 

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Nick Hoover ha un approccio pittorico onesto, dove manifesta la sua consapevolezza nel saper osservare se stesso e il suo ragazzo. Crea un contesto semplice nel quale ci è facile ritrovarsi, offrendo allo spettatore un attimo in cui immergersi e identificarsi.

I suoi dipinti usano il colore e la luce in modo da esplorare la loro importanza sulla pelle dei soggetti nell’attimo in cui la espongono, a se stessi e a gli altri, in un gioco in cui ci si domanda: quanto di noi stessi diamo o esponiamo? 

Lo spettatore diventa per i quadri di Nick Hoover un voyeur di corpi che si stanno dedicando ai propri desideri, dove non si manifestano totalmente come se qualcosa li trattenesse.

E’ disagio di essere totalmente guardati o lo scetticismo sul proprio corpo dato dalla timidezza nel rivelarlo totalmente? 

Questi quadri colgono gesti quotidiani che potrebbero essere presenti nella routine di qualsiasi persona.

Il lato sessuale è ridotto a gesti lievi, come quello di abbassarsi le mutande, come se Nick Hoover trattenesse quello che altrimenti diverrebbe palesemente ovvio e forse scontato.

Chi è Nick Hoover?

Sono un pittore. Vivo e lavoro a Brooklyn, New York.

I tuoi quadri sono intimi e sexy. Spesso i ragazzi si tirano giù le mutande? Come mai?

Penso che le figure nel mio lavoro abbiano una relazione complicata con i loro corpi e con il desiderio. Le figure nei dipinti cercano alla fine di guardarsi dentro, in un atto di contemplazione di sé, ma allo stesso tempo si espongono allo spettatore. Senza contesto, uno spettatore contemporaneo può interpretare questo gesto in diversi modi. È il gesto che conosciamo per segnalare una sorta di proposta sessuale ed è il gesto che segnala il completamento di una sorta di atto di piacere personale.

Chi sono i ragazzi nei tuoi dipinti?

Per lo più io o il mio ragazzo, ma alcuni vengono da ricordi o altri riferimenti.

Che tipo di reazione speri che la gente provi guardando la tua arte?

Penso che una certa quantità di disagio e d’interrogazione sian sempre positive.

Che cosa significa per te l’arte?

Sballo per tutto il corpo.

Qual è la cosa più eccitante che trovi negli uomini?

Il mio terapeuta dice di non rispondere a questa domanda.

Penso che ci sia un forte erotismo nei tuoi quadri, è così esplicito che si percepisce, quanto è importante per i tuoi lavori?

Mi interessa molto il corpo, il desiderio e la semiotica, la memoria e l’identità. Amo dipingere la pelle. Mi piace come può essere esposta. Mi piace il disagio che provoca.

Qual è il tuo punto di vista sulla censura nell’arte?

Wow, va bene. Dove iniziare? Ovviamente penso che la censura sia antitesi dell’arte. Penso che la cattiva arte verrà ordinata in base alla storia dell’arte nel tempo. Credo nel consenso. Penso che le domande sulla proprietà tra artista e soggetto creino una discussione interessante se il lavoro è davvero fottutamente buono.

Se avessi il potere di realizzare un tuo sogno quale sarebbe?

Poter dare di più.

Se pensi alla tua vita in generale o alle persone che hai conosciuto quale ti ha insegnato di più?

Mia madre! Mi piacerebbe pensare che per la maggior parte dei ragazzini gay (soprattutto artisti), questo sia probabilmente vero.

Quanto è importante per te vederti nelle tue opere?

Sono molto inconsapevole quando si tratta di mettermi nel mio lavoro. Non sono sicuro del perché. Non mi preoccupo di piacere a nessuno. Il lavoro può quindi riguardare anche qualcos’altro.

Progetti per l’estate?

Io e il mio ragazzo abbiamo appena fatto un grande viaggio in giro per l’Italia: Roma, Toscana, Firenze e Venezia. Ci farai da guida tu la prossima volta?

Assolutamente sì. Quando volete…

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Cachorro Lozano è un artista basco che abita a Madrid. Le sue creazioni coi suoi uomini pelosi, hanno una forza innegabile. Il suo tratto è molto vitale. Sembra che tutto in lui urli energia dai suoi slogan, alle sue foto mezzo nudo su Instagram ai colori delle sue opere: nero, giallo, rosso, blu, verde e il rosa. 

Il lavoro di Cachorro Lozano è una continua rivendicazione dell’essere queer che passa attraverso i corpi nudi di una gamma di figure maschili erotiche come San Sebastiano. Per passare poi alla serie di slogan irriverenti che lanciano provocazioni pensate come: “I’m Vaccinated Let’s Fuck”, “El Culo Gordo Pero La Paciencia Muy Fina” oppure “Shut Up And Sit On My Face”.

Cachorro Lozano ha un animo selvaggio, dove la sua vitalità e sessualità le sprigiona da ogni parte del suo essere. È come se ci rivelasse la giungla di corpi nudi che ha in testa.

I suoi approcci sono vari ma sempre guidati da un tema comune: l’identità omosessuale in una mole di lavoro costantemente dedicato alla sessualità. Cachorro Lozano scherza e provoca creando un rapporto diretto  con la cultura capitalista e la politica liberale. La sua non è una provocazione fine a se stessa, ma è un modo di dichiarare il mondo sessuale e ironico del panorama queer.

Potresti presentarti ai nostri lettori?

Sono un artista, qualunque cosa significhi e qualunque cosa si voglia capire da questo. Credo fermamente nel potere infinito dell’immaginazione e dei colori.

Come ti descriveresti a qualcuno che non conosci?

Onestamente odio descrivermi, perché il mio lavoro, non importa se stiamo parlando di pittura, musica, disegno, ceramica ecc., parla molto più forte di me. Se si è abbastanza intelligente puoi ottenere molte informazioni osservando il lavoro di qualcuno.

Sembra che tu sia una persona che vuole mostrare, succede con la tua arte, con le tue t-shirt, foto e così via. Quanto pensi che nella nostra società sia importante mettersi in mostra?

Per me non si tratta tanto di mettersi in mostra, di dire alla gente “guarda cosa ho, guarda cosa faccio”, piuttosto con il dire alla gente “ecco cosa devo condividere con te, questa è la mia esperienza, questo è quello che ho da dare, questa è la mia proposta”.

Forse sembra troppo banale, ma sono molto orgoglioso di condividere il mio processo e scambiare pensieri sulla vita con altre persone.

Un artista è in continua crescita quindi è come rendere il mondo testimone di quella crescita.

È davvero piacevole il lavoro che stai facendo con i tuo slogan, come funziona per te?

Gli slogan per me sono una delle cose più contemporanee, basta guardare Twitter, le notizie online. Quanto puoi dire con poche parole. L’impatto e il potere che ha. Per me è uno strumento di lavoro incredibile perché è diretto, e l’osservatore può sempre ripensare a quelle parole. Le parole hanno molti significati e, a seconda del tono con cui le leggi, possono essere così soggettive ma anche così oggettive allo stesso tempo.

Il sesso e l’erotismo sono davvero una presenza nel tuo lavoro, cosa ne pensi?

Che domanda ampia. Cosa penso di loro? Cosa dovrei pensare di loro? Il sesso, beh più del sesso, il desiderio, è ciò che ci tiene in vita, niente è più poetico del sesso anche se oggigiorno ci rivolgiamo a uno stile di vita più conservatore ogni giorno.

Sembra che il sesso faccia girare il mondo a volte sei d’accordo?

Beh, non solo a volte, sempre. Ovunque guardi, tutto ruota intorno al sesso, al potere, al desiderio.

Il tuo lavoro cammina sempre sui confini, come se volessi far riflettere le persone. Ho ragione? Qual è la tua intenzione?

Le persone pensano sempre al sesso, ma per lo più non lo condividono mai, quindi quello che faccio è condividerlo eccessivamente e lo faccio in un modo molto ingenuo, ma molto sessuale allo stesso tempo. Bisogna parlare di sesso, del potere della carne e dell’erotismo.

Il tuo IG è pieno di immagini di te e del tuo lavoro, che cosa pensi della censura di IG? Sei stato bannato qualche volta?

È così triste che molti creatori abbiano dovuto abbassare il loro contenuto erotico, per lo più creatori queer che sono sempre quelli che soffrono di più questa politica, e non sto parlando di contenuti espliciti.

IG vieta quasi tutto al giorno d’oggi, ed è una terribile spirale di politica conservatrice che danneggerà solo le nostre libertà in futuro.

Sono stato bandito per le foto più stupide che avresti mai immaginato, è incredibile.

Come artista senti il ​​peso della censura prima di fare qualcosa, pensando: se faccio così non posso postarlo su IG? Senti ancora la libertà di espressione?

A volte lo faccio, ed è una sensazione molto strana perché a un certo punto sei costretto a essere su Instagram, è dove sono tutti, non puoi scappare da esso, ma allo stesso tempo vuoi mantenere la tua libertà di espressione, quindi è una relazione molto complicata.

In realtà, in questo momento con tutto questo movimento conservatore e la cultura dell’annullamento, nessuno è più libero di dire la propria.

Per una persona che parla per immagini, pensi ancora che IG sia quel paradiso che tutti consideravamo all’inizio?

Niente affatto, in questo momento IG è una fottuta pubblicità, tutti promuovono qualcosa, non c’è posto per l’immaginazione, e le cose stanno così, non possiamo cambiarlo perché è un gigante che ha inghiottito completamente le nostre vite, abbiamo solo bisogno di aspettare e che appaia qualcosa di nuovo.

Riguardo ai ragazzi che disegni, c’è qualcuno a cui chiedi di fare il modello o è solo nella tua immaginazione?

Ho avuto dei modelli, ma per lo più si tratta della mia immaginazione, dei miei ex amanti e degli amanti che mi piacerebbe incontrare.

Hai mai pensato di fare un servizio di piatti su cui mangiare? Immagino che sarebbe divertente.

Sto già lavorando su questo caro, mi piace espandere costantemente le mie conoscenze. Quest’anno ho iniziando un master in ceramica, sono terribilmente elettrizzato per questo.

Quindi l’estate è finita, quali sono i tuoi progetti futuri?

Per gli artisti non esiste l’estate, è un anno intero, quindi continuerò a lavorare alle mie cose, ai miei disegni, alla mia musica, alle mie ceramiche, senza sosta tutto l’anno! 24 ore su 24, 7 giorni su 7!

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Adam Baker è un pittore astratto-figurativo inglese che lavora con la pittura ad olio. Adam parte dalla rielaborazione di fotografie vintage di atleti e militari, dove solitamente viene celebrata la realizzazione fisica maschile. Attraverso il suo processo creativo Adam Baker sovverte lo scopo originale dell’immagine ed accentua le sfumature omoerotiche, deridendo leggermente la mascolinità eteronormativa. 

I colori sono intensi, scuri, fluorescenti ed acidi. Insieme hanno un sapore rozzo e camp che affascina ed amplifica la teatralità e la natura sottilmente kitsch del materiale originale di partenza. Adam Baker consente una visione un po’ viziosa della normalità e mette amabilmente in dubbio la correttezza di certi generi rispetto ad altri o su altri.

Da dove nasce il tuo interesse per la pittura?

Essere dislessico, scrivere e parlare non è mai stato il mio punto di forza, ma raccontare storie attraverso le immagini ha sempre catturato la mia immaginazione. Fin da piccolo amavo disegnare, dipingere e raccontare storie. Ho trovato la pittura il modo migliore per comunicarle. L’interesse è cresciuto da lì.

I tuoi dipinti trattano l’ambiguità e possono essere interpretati in modi differenti. Sicuramente alcune persone mettono in discussione cose come gli sportivi che si truccano o i loro costumi da bagno leopardati, giusto?

Amo che i miei dipinti possano avere interpretazioni multiple a seconda dell’identità dello spettatore.

La sfacciata reinterpretazione d’immagini eteronormative può allontanare le persone e creare questa giustapposizione all’immagine originale.

Hai certamente ragione differenti spettatori creano differenti interpretazioni.

Sei a tuo agio con un tipo di interpretazioni anche quando non è quello che avevi in mente quando stavi dipingendo?

Mi sento più a mio agio quando i miei dipinti vengono presi alla lettera da un pubblico che comprende meglio il mio punto di vista. Questa sembra una comprensione più autentica rispetto all’incomprensione e al simbolismo che spesso ho ricevuto in precedenza.

Hai notato dei cambiamenti nel modo in cui il tuo lavoro viene percepito da quando hai iniziato?

Penso che il mio lavoro stia trovando un pubblico queer più ampio, quindi ricevo un feedback meno negativo rispetto alla reazione che ha suscitato alla scuola d’arte, dove la maggior parte del pubblico era etero. Forse anche a causa della pandemia e delle restrizioni, ho notato che le persone danno maggiori riscontri a quello che posto, forse in risposta al Covid e alla mancanza di socializzazione, connessione umana ed intimità.

Che tipo di reazione speri dal tuo pubblico?

Non mi aspetto mai un tipo specifico di reazione, che sia positiva o negativa, per me è un successo purché susciti un’emozione.

I miei dipinti non hanno come dire: una taglia unica che vada bene per tutti.

Mi piace che le persone apprezzino i dipinti esteticamente, rimanendo incuriositi dalla narrazione e dal linguaggio.

Il punto di partenza del tuo lavoro sono fotografie vintage, giusto?

Per molti miei lavori, soprattutto l’anno scorso, sono partito da fotografie vintage sportive e dell’esercito. Ho una vasta collezione trovate nei mercatini e nei negozi dell’usato. Ho preso un’immagine, l’ho reinterpretata e ridisegnata. Ho combinato diversi riferimenti per creare la mia scena e la mia narrativa. Recentemente ho scattato delle fotografie ad alcuni amici e amanti LGBTQ +, per avere una nuova base di riferimento per i miei lavori. È stato un cambiamento stimolante per me.

Hai già in mente l’immagine che vuoi creare? Esegui degli schizzi preparatori o segui semplicemente il flusso della tua creatività?

Entrambi. Faccio spesso schizzi preliminari per avviare il processo e da lì vado con il flusso lasciando che un’idea iniziale di massima si sviluppi e vedo dove mi porta.

Voglio farti una domanda personale, siamo gay e ci piace esserlo, ma come ti senti ad essere etichettato a volte come un artista queer? Preferiresti essere definito solo come artista, non tenendo in considerazione quale sia il soggetto del tuo lavoro?

Questa è un’ottima domanda! All’inizio mi risentivo di essere etichettato in quel modo, forse per paura di non essere rispettato o apprezzato allo stesso modo di un altro artista. Col tempo non sono più così preoccupato di come le persone vogliono etichettare me o il mio lavoro, finché le persone osservano e rispondono ad esso. Ho notato un cambiamento positivo nel mondo dell’arte in cui “artista queer” e “lavoro queer” sono molto più celebrati e molto meno emarginati. Ma non saprei dirti se le etichette possano essere positive o restrittive, immagino che dipenda dall’intento dell’etichetta.

Mi piacciono tantissimo i colori che usi, sono così potenti. Che cosa significa per te il colore e perché questa decisione di usarlo?

Il colore è uno strumento fantastico, il più divertente in ciò che faccio. È sempre emozionante giocare con il colore. I colori combinati sono come la poesia. I colori da soli sono parole che se li si mette insieme possono creare una narrativa e un’esperienza così bella.

Qualcuno dei tuoi progetti si è rivelato impossibile da completare?

Tanti, quanti sono i dipinti di successo che pubblico, tanti ce ne sono di “falliti”, che non hanno la stessa sorte. Nessun dipinto “fallito” è uno spreco però, perché lo considero un esperimento e ho imparato qualcosa da esso.

Quando sai che un dipinto è finito? Quanto tempo ci vuole per crearne uno?

Alcuni dipinti sono molto rapidi e naturali, mentre altri richiedono più tempo e il processo è meno fluido. Devo ancora capire perché questo accada.

Immagino che la forza delle facce dei tuoi personaggi, sia il modo in cui le dipingi, non ci sono troppi dettagli, quindi lo spettatore potrebbe non sapere mai cosa stia succedendo nelle loro teste. Sei d’accordo?

Sì. I dipinti più grandi con figure più piccole, hanno meno dettagli e gesti più suggestivi, lasciando più spazio per l’interpretazione del pubblico. Mentre le figure più grandi hanno più dettagli, che danno emozioni più specifiche ai loro volti.

Ricordi la prima volta che hai pensato “Voglio essere un artista”?

Non riesco a individuare il momento esatto, ma a scuola ho capito che la pittura era la mia passione principale e se avessi potuto farne una carriera, sarei stato molto fortunato.

Dipingi nudo in studio?

Sì, molto durante l’estate quando lo studio diventa troppo caldo. Trovo che l’estate sia liberatoria.

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Nato in Basilicata, nella storica città di Matera, Stefano cresce in un contesto borghese ma non evita le curiosità che la strada possa portagli. A 18 anni decide di trasferirsi a Milano dove intraprendere e consegue gli studi in Art direction e Marketing della pubblicità. La grande città iniziava a stancarlo cosi decide di tornare alla sua città d’origine che lo lega fortemente, dove si sente più libero, tranquillo e dove riesce a trovare ispirazione e concentrazione per ciò che ama fare.

Le opere di Stefano presentano linee e scelte cromatiche molto semplici, quasi naïf che fanno sognare chi le guarda, provando una sensazione di delicatezza e leggerezza. Riesce attraverso la sua creatività a raccontare delle storie che possono risultare spensierate ma che in fondo hanno anche un forte peso. Spazia con le basi per le sue opere, dalle grandi tele a dei piatti o pezzi ti stoffa.

Stefano inoltre è il fondatore insieme a un gruppo di ragazzi della Seal Factory un’associazione culturale senza scopo di lucro dove attraverso l’arte e la letteratura vorrebbe coinvolge e riunire bambini rimasti orfani e donne vittime di violenza. Tra i tanti progetti futuri, la voglia di trasformare la sua casa in un salotto  culturale come fece Andy Warhol con “The Factory”.

Alla ricerca di Serafino” è il progetto artistico che stai portando avanti, Chi è Serafino?

Serafino è il mio migliore amico, ma anche il mio peggiore nemico…immaginario! È il mio guru, ma anche la mia arma di distruzione. Serafino è quella voce che quando sei giù ti da la spinta per tirarti su. In pratica ognuno di noi ha un Serafino con sé, questo è abbastanza ovvio; ma molti non sanno di averlo o meglio, se lo sono dimenticati. Serafino, in effetti, è facile da dimenticare, perché è quell’emozione o sensazione che provi nel compiere un’azione che ti fa tornare bambino, una cosa che gli adulti non fanno proprio tutti i giorni. 

È propio lì, in quel preciso istante, che Serafino nasce; ma come tutti i bambini ha bisogni di energie per crescere. Bisogna alimentarlo cercando continuamente questa sensazione per garantire a Serafino una via di crescita protetta. Il suo cibo è la sua creatività. Senza, Serafino non ha senso di esistere.

Serafino dunque non è solo il mio migliore amico, ma anche il tuo migliore amico. Vive in un mondo immaginario dove non gli è possibile toccare realmente sentimenti ed emozioni se non attraverso qualcuno che gliele trasmetta. Può, dunque, assorbire la felicità come l’odio, ma non sa di essere felice o arrabbiato, proprio come un bambino che sta ancora scoprendo chi è. 

Io e Serafino ci conosciamo da sempre; ma gli ho dato un volto di recente, in un giorno di pioggia, poco dopo essermi licenziato. Finalmente trovavo del tempo per dedicarmi alla mia arte. Mi sono detto: “Bene, hai voluto fare arte, ora torna a disegnare” ed ho disegnato Serafino.

Come riesci a vivere con il tuo alter ego? Che rapporto hai con lui?

È difficile vivere con il propio alter ego, questo è un dato di fatto. Un giorno ti senti Courtney Love e l’altro Leonardo Di Caprio a mollo appoggiato alla tavola di legno.

La tua nave è affondata, ma il tuo amore in salvo e perdi tutte le tue forze prima di collassare del tutto. Comunque, Serafino non è il mio alter ego, bensì una figura che mi segue sin da quando ero piccolo ed è presente nella mia vita nel bene e nel male.

Ti capita di arrabbiarti con Serafino? Se si perché?

È normale, anche se io e lui viviamo in due mondi completamenti diversi e difficili da comparare. Serafino è molto dispettoso, mi mescola i colori mentre disegno facendomi sbagliare o mi rovescia tutti i vasetti di miele dalla dispensa. Penso che lo faccia perché è goloso; ma non potrò mai essere davvero arrabbiato con lui, perché lui solo non mi abbandonerà mai.

Da dove nasce la tua esigenza di disegnare? Qual’è stato il tuo percorso?

Io sono dislessico, cosa che quando ero ragazzino non significava niente, ancora. Perciò, non riuscivo a esprimermi in modo chiaro e nessuno mi insegnava come fare. Ho trovato nell’arte un canale di comunicazione immediato e sincero, che ha alimentato la mia passione, nata per esigenza e trasformata in dedizione.

Sono cresciuto, per mia fortuna, in una famiglia dove l’arte e la libertà di essere e di esprimersi non sono mai mancate. Sono cresciuto con Topolino, Fantasia e canzoni che inneggiavano alla rivoluzione e al cambiamento che mi hanno sempre fatto riflettere sulle differenze socio-culturali.

Alle medie, la mia professoressa di Arte mi diceva che non avrei mai avuto futuro nel campo artistico perché ero al di fuori degli schemi, riuscivo a vedere quello che non c’era, semplicemente perché più sensibile della media. 

Questo non mi ha fermato. Mi sono iscritto al liceo artistico di Matera, città mia d’origine, dove mi sono specializzato nel settore accademico. 

Non potrò mai scordarmi una delle mie più grandi fan, la mia docente di disegno Marta Salonna. Ricordo che un giorno dovevamo consegnare come esame di ultimo anno prima di diplomarci la riproduzione di un’opera. Io scelsi Burri. Mi misi nel cortile della scuola dentro una cornice di legno di 2x2m a bruciare buste di plastica con un accendino e della lacca per capelli. Forse per i fumi tossici o qualche altro motivo è nata in me l’esigenza di creare e stare a contatto con tutto ciò che è materico.

A 18 anni mi sono trasferito a Milano. E chi c’era mai stato a Milano! Mi sono laureato allo IED in Art direction e Marketing della pubblicità. Pensavo che potesse diventare il mio percorso, ma stavo solo mettendo da parte il mio vero essere per inseguire un sogno che nemmeno io volevo realmente che si realizzasse.

Dopo molti anni trascorsi a Milano hai deciso di tornare alla tua città originaria, Matera, come mai questa scelta?

Sono stato sempre legato alla mia terra, alle mie origini, al mio dialetto e a quella taranta che non ti fa mai smettere di ballare. Matera per me non è solo la città dove sono cresciuto, ma il mio parco giochi. Ho avuto la fortuna di crescere nei Sassi. Una specie di terra di nessuno dove tutto era possibile. Potevi costruire capanne, costruire fortini per le guerre di quartiere, arrampicarti sulle rocce, stare a contatto diretto con la natura e assaporare tutte le sue meraviglie senza aver mai la paura di farti male.  

Sono cresciuto in strada, ma in un contesto borghese. Ho sempre visto nella mia città un incredibile potenziale artistico. Parliamo pur sempre di una delle città più antiche del mondo, dove la mancanza di prospettiva e queste stradine che creano labirinti uno sopra l’altro ti danno un senso di libertà. Dove non esiste cemento e puoi toccare la texture del tufo corroso dagli agenti atmosferici, la roccia viva che sprigiona calore con le sue mille sfumature di grigio e questi alberi di fichi che con arroganza sfondano muri, tetti, pavimenti e crescendo ti regalano il frutto della vita. Ecco perché sono tornato a Matera: ero stanco di essere una macchina, un numero, un cavallo con i paraocchi.

Stavo dimenticando cosa fosse il vero valore del rispetto che non ha nulla a che fare con l’educazione. Ero stanco di svegliarmi con l’idea di fatturare, lavorare troppe ore al giorno ed sfruttato da un sistema di capitalismo estremo. Avevo bisogno di fermarmi, tornare all’essenza e alla base della mia felicità.

Dove trovi l’ispirazione per i tuoi lavori? Come definiresti il tuo modo di dipingere?

L’ispirazione dei miei lavori nasce da una forte complicità con Serafino. Noi non stiamo sempre insieme: ogni tanto ci dividiamo e quando ci rincontriamo iniziamo a raccontarci tutte le avventure che abbiamo vissuto. Da lì che partono le idee che raccontano una storia che viaggia tra il reale e il fantastico. 

La mia arte è fatta di forme pure ed essenziali, togliendo  tutto ciò che è superfluo e lasciando l’essenza, l’anima dell’essenza. Il mio è un mondo colorato, dove i colori primari fanno da padroni e il nero e il bianco diventano degli amanti. Sono sempre stato colpito dall’arte greca. Infatti, artisti come Alekos Fassianos e Dimitris Mytaras mi sono di ispirazione. Per quanto riguarda i colori direi senza ombra di dubbio che Mirò ha fatto la sua parte. 

Ho cercato di portare la mia arte dentro a un mondo fatto di Innocenza e Fantasia. Non saprei definire onestamente il mio modo di disegnare. Alcuni la chiamano Arte contemporanea, Arte Naïf. Io non la etichetto semplicemente così: do vita alla mia Creatività.

 Cosa ama fare nel tempo libero Stefano ? E cosa ama fare Serafino?

Come dice il grandissimo orso più geniale della storia, Winnie The Pooh: “Il dolce far niente spesso porta alle cose migliori”. Esattamente questo. Inizio a camminare senza meta e a fare cose senza senso. Faccio la prima cosa che mi viene in mente. Poi la seconda, la terza. Questo non perché non abbia di meglio da fare, ma perché credo che quell’orsetto abbia propio ragione: alcune volte non devi far nulla per essere felice. 

Serafino, invece, non si ferma mai. Fa capriole, piroette, si tuffa nei barattoli di colore rovesciandomeli tutti e scappa dappertutto. Conta quante nuvole ci sono in cielo e quante si riflettono nelle pozze d’acqua a terra. A lui piace rincorrere i Lumin, che sarebbero delle speci di lucciole, per creare effetti luminosi duranti le sue raffigurazioni teatrali delle ombre.

Pensi che il tuo compagno di vita un giorno si possa allontanerà da te? Ti spaventa l’idea?

Ovviamente, il pensiero a primo istinto mi terrifica; ma Serafino l’ho perso per 10 anni già una volta e lui è rimasto li ad aspettarmi. Quindi la cosa non mi terrifica affatto. Anzi, mi spaventa il fatto che dovrò portarmelo con me tutta la vita! A volte diventa geloso se conosco qualcuno che non sto nemmeno qui a raccontartelo, cosa è capace di combinare.

Quando crei ti piace avere della musica in sottofondo, se sì cosa ami ascoltare?

Amo molto il silenzio e i suoni naturali quando creo. Non ho bisogno di musica per creare. La musica è più nella mia testa. Il cervello crea le note e la mia mano come un bravo direttore d’orchestra dirige l’intera banda. Compaiono totalmente dal nulla spartiti, strumenti, sedie. L’auditorium si riempie di strumenti e la tromba è lo strumento degli angeli. Nei dipinti del Rinascimento, quando c’erano degli angeli erano a suonare la tromba, forse donatagli da Dio stesso. Ecco, la mia mente funziona nello stesso modo. Se mi capita di ascoltare della musica preferisco senza dubbio la musica classica o quella balcanica.

Come ti senti appena porti al termine un lavoro o progetto artistico?

Alleggerito, come penso succeda a tutti gli artisti. Allo stesso tempo non mi affeziono mai a nessuna mia opera, tanto da non essere mai soddisfatto al 100%. So che scuserete la modestia…trovo che le mie opere siano belle; ma se mi abituassi a questo pensiero non sarei invogliato a creare qualcosa di ancora più significativo. La mia arte è un’arte narrata. Chi compra le mie opere non acquisisce solo un un quadro o un disegno ma possiede un pezzo di una storia non imitabile.

Stai sviluppando nuovi progetti artisti in questo periodo? Cosa ci riserverai per il futuro?

In questo periodo sto sviluppando un progetto che mi sta molto al cuore, si chiama Seal Factory, un’associazione culturale, fondata da me ,Roberto Guagnano, Vittoria Caldarola, Alice Bignardi e Olga Bartzoka. un gruppo di giovani ragazzi uniti da un unica passione in comune per l’arte e la cultura.

Insieme abbiamo deciso di fondare un associazione non a  scopo di lucro tramite la quale vogliamo organizzare progetti che creino consapevolezza riguardo al mondo dell’arte e della letteratura e parlino soprattutto alle categorie di persone che, personalmente, ci stanno più a cuore: in particolare i minori orfani e le donne vittime di violenza. Per questo i progetti che Seal Factory vuole realizzare nei prossimi sei mesi sono tutti pensati per viaggiare e raggiungere per prime Atene e Berlino.

La prima cosa che faremo, sarà trasformare la mia casa a Matera in un salotto culturale. Ci faremo ispirare da Andy Wharol che negli anni ’70 metteva la sua factory a disposizione di altri artisti.

Oltre al tuo amico immaginario, c’è una persona fisica molto speciale nella tua vita?

Questa è una domanda un po’ “prezzemolina”. Come i bohémien ci hanno insegnato bisogna vivere in povertà per amore dell’arte.

Alcuni dicono che non si vive d’amore, io ribadisco il contrario, Bisogna vivere in nome dell’amore perché senza amore non c’è stimolo e senza stimolo non c’è creatività.

Quindi direi che in questo momento l’unico amore che sto vivendo è l’amore per i miei cani, la mia famiglia e i miei amici che mi supportano e sopportano ogni giorno. Magari qualcuno leggendo questo articolo avrà voglia di scrivermi ed allora potrò rispondere diversamente a questa domanda.

L'articolo Stefano Sigillino ci presenta il suo goloso Serafino. proviene da Toh! Magazine.