Tra debutti, sorvegliati speciali e vecchi leoni che difendono il territorio, il messaggio è chiaro: la moda non perdona il compromesso benché meno chi non ha idee. 

I debutti

Versace – Dario Vitale

Il primo designer “esterno” a guidare Versace ha scelto un esordio che non strizza l’occhio al fan da Instagram ma al DNA profondo della maison. Vitale ha parlato apertamente della storia del brand e del suo fondatore, riportando in passerella sensualità, stampe e codici originari, ma filtrati da uno sguardo meno gridato.

Risultato: chi conosce Versace solo per la Medusa luccicante o per il glamour da red carpet è rimasto deluso. Eppure, paradossalmente, questa collezione è stata molto più Versace di quanto sembri. Vitale ha ricordato che Versace non è solo un logo, ma un linguaggio. È un inizio che spiazza, e per questo divide.

Jil Sander – Simone Bellotti

Bellotti non ha cercato scorciatoie: ha scelto il minimalismo puro, quello che non cede al superfluo. Tagli netti, colori sobri, nessun effetto speciale. Un ritorno all’essenza che ha senso in un mondo saturo di rumore. Ma il rischio è grande: in tempi così veloci, il silenzio deve saper urlare.

Bottega Veneta – Louise Trotter

Trotter ha celebrato i 50 anni dell’intrecciato senza trasformarlo in reliquia, ma come filo conduttore della collezione. Ha tenuto insieme artigianato e rigore, femminile e maschile, con una visione misurata e coerente. È un debutto solido, quasi didattico.

Il problema è che Bottega non vive di “compiti ben fatti”: a lungo andare servirà più tensione, più rischio, altrimenti resta solo un bell’esercizio di stile.

Gucci – Demna

Demna ha cancellato la passerella per sostituirla con un film, “La Famiglia”. Una scelta che ribalta l’idea stessa di show. I codici Gucci ci sono, ma raccontati attraverso un’estetica domestica, a tratti dissacrante. Il punto è che, togliendo lo spettacolo, Demna ha creato ancora più spettacolo: il gesto stesso è diventato la notizia.

Demna è genio o autoreferenzialità? Dipende da quanto sei disposto a seguirlo in questo cortocircuito.

Gli altri

Antonio Marras

Patchwork, damaschi, fiori, check: Marras non si modera mai. È un caleidoscopio visivo che affascina e sfinisce insieme. È pittura in movimento: chi entra nel suo mondo resta catturato, chi cerca leggerezza si perde.

Etro

Massimalismo dichiarato: gonne con spacco, jeans stampati, stratificazioni di colore e pattern. Etro non chiede scusa, anzi rivendica la sua natura iper-decorativa. Una coerenza che può essere virtù, ma anche gabbia soprattutto per il designer Marco De Vincenzo (uno tra i migliori in circolazione) che risulta imprigionato dentro un loop che non gli permette di essere se stesso al 100%

MM6 Maison Margiela

Il menswear più riuscito del womenswear, layering, trasparenze e tagli incompiuti. La collezione è fedele al linguaggio della casa, ma rischia di sembrare più disordinata che sovversiva. L’imperfezione può essere forza, ma solo se guidata. Bellissima la location e il casting un po meno la colonna sonora

Missoni

Ha portato in passerella la sua leggerezza, ma con un twist pragmatico: capi pensati per muoversi dal lavoro al tempo libero. È Missoni, sì, ma con un occhio alla funzionalità. La sfida? Restare poetici senza cadere nella banalità del “pratico a tutti i costi”. 

N°21

Dell’Acqua ha lavorato di sottrazione: stratificazioni trasparenti, toni leggeri, silhouette portabili ma non banali. È moda concreta, ma non piatta. Un equilibrio raro, che in tempi di estremi risulta quasi rivoluzionario.

Prada

E poi c’è Prada, che resta il baricentro di Milano. Nessun debutto, nessuna crisi d’identità: solo la solita capacità di dettare il tono della stagione. La collezione ha dimostrato ancora una volta che Prada non segue, guida. E soprattutto ricorda a chi arriva che la differenza tra “bravo” e “storico” è una questione di linguaggio. Prada continua a parlare la lingua che gli altri, appena arrivati, devono ancora imparare. 

La lezione di Milano

Milano non è stata né nostalgia né rivoluzione. È stata un test di autenticità. Vitale ha ricordato che Versace non è solo un logo, Bellotti ha scelto il silenzio del minimalismo, Trotter ha mostrato rispetto senza sbavature, Demna ha trasformato un’assenza in evento. Gli altri hanno resistito, ognuno a modo suo.

Quello che resta chiaro è questo: oggi non basta esserci. Se non imponi una visione — che sia rumorosa o sottilissima — diventi sfondo. E Milano, più che mai, non ha spazio per chi resta nel mezzo.

L'articolo Milano Fashion Week SS26: debutti, déjà-vu e conti in sospeso proviene da Toh! Magazine.

Milano apre le danze con Demna da Gucci (il suo debutto era previsto con una sfilata a marzo 2026) e invece, visti i risultati in forte perdita di Kering, si è optato per una presentazione. Ora, già il fatto che si parli di una presentazione e non di una sfilata dice tutto: paura, tentennamenti, ansia da prestazione. Gucci mette Demna e la sua estetica in vetrina ma col paracadute pronto.

Poi arriva Simone Bellotti da Jil Sander, catapultato dal caos calmo di Bally al centro del minimalismo. Se non dimostra precisione, know-how e pezzi desiderabili rischia di essere inghiottito da un silenzio glaciale, di quelli che uccidono più di qualsiasi recensione negativa. La moda non aspetta nessuno.

Tra i debutti c’è anche quello di Dario Vitale da Versace. Niente sfilata, anche qui, solo presentazione. Tradotto: non ci credono nemmeno loro. È evidente che Prada Group stia aspettando/pregando/leccando i piedi a Francesca Bellettini per il colpo grosso, magari con Vaccarello in dote. Nel frattempo, Vitale, che ha vestito Julia Roberts sul red carpet di Venezia come una segretaria part-time, resta lì come un Sabato De Sarno 2.0: parcheggiato a scaldare la poltrona, in attesa del prossimo cognome pesante.

Louise Trotter da Bottega Veneta porta disciplina e freddezza, ma il confine tra lusso silenzioso e coma irreversibile è sottile come un filo di pelle intrecciata.

Insomma per la prossima fashion week, Milano prepara i cadaveri, Parigi aspetta di esporli al pubblico, come ne Il racconto dell’ancella. Il tappeto rosso è già pronto per le teste che cadranno.

Jonathan Anderson arriva da Dior Donna, dopo il debutto che ha diviso in due il pubblico: tra chi lo ama e chi già lo definisce distruttore del brand più francese che ci sia con tutta la sua visione. Ma qui l’archivio pesa più del culo rifatto di una qualsiasi Kardashian. Credo che se non osa davvero, l’archiviato sarà lui.

Miguel Castro Freitas debutta da Mugler. Mugler non è Photoshop, è sesso, dramma, artigli. Se non ringhia, resta solo una pussycat da passerella, perché si sa che non c’è posto per la gentilezza in questa giungla. Mark Thomas proverà a resuscitare Carven, brand che nessuno ricorda se non qualche influencer accompagnata dalla scritta adv. Il rischio è quello di farlo sparire senza lasciare traccia.

McCollough & Hernandez (quelli di Proenza Schouler) prendono in mano Loewe dopo dieci anni di Anderson. Cosa succederà? Spero bene, ma già sembrano i supplenti dell’ora di ginnastica.

Poi arriva il big match: Pierpaolo Piccioli da Balenciaga. Il santino romantico di Valentino catapultato nel covo tossico di Demna. Se riesce, gloria eterna. Se fallisce, tonfo da manuale.

Glenn Martens da Margiela dovrà dimostrare di non essere solo teatro e costumi. O ridà sostanza al nome Margiela o lo trasforma nel più grande circo post-moderno mai visto.

Duran Lantink prova a rilanciare il prêt-à-porter di Jean Paul Gaultier dopo dieci anni di pausa. Se non riesce a ridere di sé stesso, sarà il pubblico a ridere di lui.

Infine, Matthieu Blazy da Chanel, il debutto più carico di aspettative: scrivere il nuovo Vangelo dopo Lagerfeld. Anche qui… se qualcosa dovesse andar male, resterà solo quello delle borse intrecciate.

E poi ci sarà Dell’Orco da Armani, anche se non lo vedo come un debutto dal momento che da un paio di stagioni fa le veci del Signor Armani alias “ha fatto anche cose buone”.

Alla fine, a pensarci bene, settembre e ottobre non sono un debutto. Sono un massacro. Un ballo delle debuttanti in cui le teste rotolano più velocemente dei look su Instagram.

Qualcuno uscirà incoronato, gli altri finiranno nella cronaca nera della moda. Benvenuti al ballo delle debuttanti: la musica è già partita, e la lama è affilata. E fidatevi: non tutti sopravviveranno al valzer, sarà come vedere il film Non si uccidono così anche i cavalli?, ma in versione lustrini e paillettes.

L'articolo La moda delle debuttanti proviene da Toh! Magazine.

Ad aprire la kermesse la poesia di Antonio Marras, il designer sardo che punta tutto sull’emozione, sulla forza delle donne partendo da Grazia Deledda come riferimento.

Grazia Deledda è un personaggio che non avevo mai avuto il coraggio di sfiorare, che ho sempre ammirato da lontano per pudore ma questo mi sembrava il momento giusto per raccontare la storia di come una donna determinata può raggiungere i suoi obiettivi.

Antonio Marras

Grazia Deledda nasce a fine Ottocento, ha la quarta elementare, decide di fare la scrittrice e si trasferisce a Roma dove sposa un uomo che diventa il suo segretario: con costanza, forza e determinazione alla fine ottiene il premio Nobel nel 1926 per la letteratura.

Per raccontare questa storia che, come sempre per lo stilista, parte dalla Sardegna, Marras ha disegnato una collezione “nuragico-moderna, arcaico-contemporanea”. In passerella, cappotti e abiti realizzati come antichi tappeti sardi, maglioni di lana grossa incrostati di pizzi e ricami, stampe floreali e pantaloni-calza, completi di broccato e maxi felpe portate con il kilt lungo per tutti.

Diesel da sempre combatte per la democrazia e non è solo la montagna di 200.000 preservativi che fa da scenografia ad una collezione libera, piacevole e sperimentale il cui punto di partenza è la sex positivity.

Glenn Martens poco alla volta sta portando il brand di Renzo Rosso verso un mondo più couture senza dimenticare lo streetstyle e il clubbing. Il suo approccio ironico ma riflessivo non è da sottovalutare.

Insoddisfazione, inadeguatezza, disagio esistenziale e il tipico atteggiamento di chi è abituata alla nonchalance: più che l’abito può l’attitude misto al linguaggio del corpo che da solo racconta e abbatte i cliché trasformando le regole in possibilità di cambiamento, stravolgendo le abitudini e i riferimenti che perdono il loro significato primo.

La collezione di n21 by Alessandro Dell’Acqua mette in crisi le certezze e mette in discussione abiti e luoghi d’abitare (che poi sono i vestiti stessi) riempiti di cultura e di abitudini culturali che segnano la vita e la moda nel nostro contemporaneo.

In sottofondo la voce di Monica Vitti, negli abiti la sensualità e la femminilità di Jeanne Moreau e le contraddizioni rinchiuse tutte dentro la nuova borsa, Edith che è desiderabile senza avere l’arroganza di voler diventare una it bag. 

Alessandro Dell’Acqua ha iniziato a lavorare pensando a due figure femminili create dal cinema degli anni Sessanta ma che sembrano caratterizzare molto i nostri tempi. Monica Vitti e Jeanne Moreau nel film La notte, ma anche la sola Vitti in Deserto rosso, di Michelangelo Antonioni.

Sono gli anni della messa in discussione e dell’insoddisfazione provocata dai traguardi sociali raggiunti. Ma anche quelli della scoperta della sensualità, perfino dell’erotismo, insieme all’uso spregiudicato per l’epoca – della scaltrezza e della perfidia. Sono gli anni in cui cliché della provincia italiana e della media borghesia si sgretolano messi di fronte a un mondo in mutazione. Certo, poi ci sono riferimenti al periodo d’oro di Prada e di Lang ma ci stanno tutti perché non sono urlati, non sono copiati, sono omaggi.

Oggi al designer interessa lo stesso atteggiamento che ricerca il nuovo senza nascondersi nella comodità delle certezze e per questo ha messo insieme molti cliché del guardaroba femminile per meglio identificarli, stravolgerli, abbatterli o semplicemente sdrammatizzarli. In questo modo Dell’acqua sceglie di lavorare non attraverso le forme e volumi ma dando ai vestiti la possibilità di mettersi al servizio di un linguaggio del corpo molto libero che così diventa automaticamente anche molto sofisticato. BRAVO.

A quanto pare la sartoria è il “nuovo” Graal della moda e questo vuoldire che MM6 è sulla buona strada. Il team di creativi per la prossima stagione ha presentato pezzi ibridi su misura, stratificati di cultura, umanità e poi decostruiti/ricostruiti.. come fosse un best of degli insegnamenti di Martin.

Da sempre il team di creativi di MM6 ha delle regole ben precise tra cui quella di avere sette modi diversi per interpetare il concetto del gruppo di tre (modulazione di assemblare e smontare i capi dando loro diversi significati e funzioni).

Ora, anche se alcuni pezzi sembravano piuttosto elaborati i risultati li ho trovati interessanti per via della loro realtà concettuale. Il compito di MM6 è quello di rendere i vestiti cool ma comunque indossabili per questo non gliene frega niente di finire sulle riviste patinate ma di essere indossati dalle persone vere perché la moda deve scatenare emozioni.

Va precisato che MM6 non ha un atelier, lavora industrialmente e che il più delle volte utilizza materiali umili e molto semplici perché come ai tempi di Martin il tutto è creato da molte persone poiché si tratta di umanità e va costruita insieme. 

La prima volta che vidi uno show di Marco Rambaldi (credo il primo) piansi, ricordo di avergli scritto personalmente dicendogli che in lui vedevo la speranza di una rinascita della moda italiana, una novità, una via d’uscita dallo stereotipo. 

Col tempo ho cambiato idea, penso sempre che abbia grande talento ma penso anche che le persone intorno a lui non lo stiano aiutando a metterlo in mostra. 

La sua ultima collezione, Supernova, Non ha brillato come il nome suggerirebbe anzi l’ho trovata piuttosto sottotono. I riferimenti al Cocoricó non hanno legato bene la storia che forse il designer voleva raccontare.

Pochi colori, stampe opinabili, a salvare il tutto le pelli recuperate dal deadstock e il lavoro magistrale sulla maglieria, infatti è finalista del woolmark prize 2023.Si può fare di più e Marco ha tutto il tempo per farlo. 

Kim Jones da Fendi inizia a perdere colpi, o forse la bussola del suo Apple Watch non funziona più benissimo. La collezione per il prossimo autunno/inverno è tutto un gioco di archivi, di Karl Lagerfeld e di tirate di orecchie da parte di Silvia Venturini Fendi.

In passerella look per certi versi severi, spesso colorati e molto lineari. Ci sono le stampe del 1996 e alcuni disegni di Lagerfeld dell’81, poi ci sono le gonne tagliate a metà e altre che si allargano ai lati per via di alcuni pannelli e qui Karl si sente ancora fortissimo. Le borse, vero fiore all’occhiello del brand, questa stagione pare passino in secondo piano. Kim cosa devo fare con te?

Marco De Vincenzo mi è sempre piaciuto perché ha sempre fatto le cose a modo suo. Il suo lavoro da Etro, iniziato da pochissimo, lo vedo più come uno studio di estrazione, una ricerca del suo io più creativo. 

Questo significa che il ragazzo di Messina è disposto a scendere a compromessi con l’eredità di un brand dall’estetica bohemien anni ‘70 accostato alla precisione strutturata e geometrica tipica del designer a cui ci ha abituati dal 2010 con la sua linea omonima, purtroppo oggi fuori produzione.

La nuova collezione si chiama Radical Etro e Marco come un archeologo affronta il passato per scoprire la luce del suo futuro. 

In passerella abiti romantici molto etro ma con il tocco di Marco e cappotti con accenni che richiamano i copriletto (qui il collegamento con la collezione molto domestica presentata a gennaio) Per De Vincenzo, migliorare la competenza tessile di Etro “è un dovere”.

A tal fine, ha intervallato numeri di chiffon ariosi con tute slim-fit con stracci allungati, tagliati in ricchi broccati del XVIII sec. o cappotti realizzati in trame a maglia multicolor malleabili a doppio petto, la prova inconfutabile che Marco rispetta il brand ma non è succube. Marco De Vincenzo non è cambiato, ama il rischio anche se non è un sovversivo. E oggi niente è più radicale di questo. 

Andrea Incontri da Benetton porta in passerella l’idea della serialità e del ciclo che si ripete dando alla collezione il titolo di Infinity.

Nel ciclo della ripetizione della moda, l’infinito definisce perché, come indica il suo segno (un 8 sdraiato in orizzontale) è un percorso che non ha mai fine: come Benetton, che nato nel 1965 ha percorso cicli su cicli per arrivare a questa collezione che è il secondo appuntamento di Andrea Incontri, designer sottovalutato ma con un grande potenziale.

Sono convinto che l’approccio del nuovo direttore creativo che ha il compito, seppure non dichiarato, di riportare Benetton a quella notorietà che l’ha portato a rappresentare la moda possibile all’Italiana ancora prima della nascita del pret-à-porter e del made in Italy possa funzionare.

Filippo Grazioli alla sua seconda collezione da direttore creativo di Missoni convince sempre di più.

Se alla sua prima ho scritto che mi sarebbe piaciuto vederlo giocare con i codici della casa con un approccio più libero e audace, senza paura posso dire di essere stato accontentato.

Per la sua nuova prova per Missoni, parte da una fioritura di rose incontrata in archivio.

Ho visto le cartella stampa scritta da Anna Piaggi per una sfilata del 1984. Parlava delle rose e della storia d’amore tra Rosita e Ottavio Missoni.

Filippo Grazioli

Lo show si tiene a Palazzo Mezzanotte e varcato l’ingresso anni 30, si entra in una sala dagli sgabelli circolari con velari di tela dalle rouches, in tre curve continue. Sui seat, ma anche su alcuni inviti la scritta, «Do you remember the first kiss?». Lo show parte e subito si respira aria di evoluzione.

La sua una donna che nella molteplicità trova se stessa, in bilico tra le silhouette che segnano il corpo e lo allungano e i volumi decisi che lo avvolgono nel tailoring di ispirazione mannish.

Il gioco delle proporzioni è costante, nei capi e nei disegni, nel micro e macro che continuamente si congiungono e alternano, dai blouson ai fiammati, fino al famosissimo e ai noioso zig-zag.

Fiammati, zig zag i e poi un tripudio di rose, finanche selvagge quando fuse con macchie animalier.

Giustissimo lo styling di Lorenzo Posocco, uno tra i pochi stylist in Italia che sa come fare il suo lavoro. Bellissime le borse che ricordano i codici della casa e che potrebbero, finalmente, far entrare Missoni nell’universo sempre più vuoto degli accessori. Bravo!

Matthieu Blazy è per me uno tra i migliori nuovi designer in circolazione. Sa tagliare un abito, dare un senso di novità e appeal a qualcosa che visto fino a ieri sembrava irrilevante.

Questa nuova visione di Bottega Veneta è praticamente perfetta, il designer ha il potere di ribaltare ogni pensiero che si ha sulla moda che vediamo oggi. Blazy riesce ad arrivare al punto in cui il desiderio della moda incontra la necessità del vestito e manda in scena una collezione che riesce a raccontare tutte le tensioni del presente.

Se poi mixi l’incontro tra la classicità del passato e l’urgenza futurista di Boccioni che spiega non solo la voluta dissonanza dei vestiti che si incrociano in passerella ma un procedimento creativo che ha del coraggioso in un’epoca di appiattimenti sulle figure rassicuranti, Blazy rischia ma comunque riesce ad indicare un sentiero, una strada, una direzione per un percorso futuro che non ha bisogno di urlare quanto siamo fighi e quanto siamo bravi. A questo giro, il migliore in assoluto.

Che dire di Prada? Per uno come me che ama profondamente il brand di Miuccia oggi è molto difficile dire qualcosa di positivo. Prada non si ripeteva mai, Prada dava sempre lezioni di stile, di moda e di cultura, oggi Prada fa vestiti o almeno è così da quando c’è il badante Raf. Anche la scelta musicale sta diventando banale, i concetti che provano a raccontare qualcosa che è esattamente come le ultime collezioni dal 2020 in poi servono come specchietti per le allodole e per riempire le pagine dei quotidiani finanziati dal gruppo. I fiori applicati sulle gonne, i ricordi di fw14 – fw2007- e le ossessioni di Raf ridotte all’osso per dargli il contentino. Peccato.

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MSGM porta in passerella la peggiore collezione di sempre. Il designer, Massimo Giorgetti dice di aver pensato a questa collezione lo scorso giugno e sostiene che essere liberi di sposarsi con chi si vuole sembra un bellissimo messaggio alla vigilia del voto. Non ha torto, sicuramente è un messaggio bellissimo ma la collezione non lo è per niente.

In scena una sposa alla Uma Thurman in Kill Bill, la passerella si apre sull’abito di tulle bianco con piccolo velo in testa ma abbinato ai denim con applicazioni di plastica. Il tulle diventa poi minigonna o abito a bambola, portato con le calze o i leggings di pizzo con le ruche, mentre le fedi si trasformano in applicazioni sul completo 3 pezzi giacca, crop top e culotte. 

C’è spazio anche per la sposa in nero, omaggio a Truffaut, mentre la biancheria intima da prima notte di nozze diventa stampa di T-shirt e felpe. Agghiacciante.

Partendo dal fatto che per me Ferragamo fa scarpe (e questo dovrebbe continuare a fare) posso dire che il debutto di Maximilian Davis alla Milano Fashion week nel ruolo di direttore creativo del brand fiorentino non è stato male.

Lo stilista tenta l’approccio fresco e moderno alla dimensione del lusso fondendo la semplicità contemporanea con le origini toscane per un tributo alla città di origine del brand. In passerella il glamour lento e languido della nuova Hollywood rotto da bagliori di feticismo. Bene ma non benissimo.

Dolce&Gabbana per la prossima primavera/estate affidano a Kim Kardashian le chiavi dell’archivio storico del brand e quel che ne viene fuori è una lezione di storia della moda per i millennials.

Dal 1987 al 2007, 85 pezzi selezionati da Domenico Dolce e ri-selezionati da Kim Kardashian, Ogni singolo look racconta di uno stile e della sua coerenza, sostantivo che non si può certo affibiare ai due designer che solo qualche anno fa schifavano pubblicamente la famiglia Jenner-Kardashian.

Ad ogni modo, vedendo la sfilata con quei pezzi viene in mente la domanda ma come facevano ad essere così cool? Nonostante sia un best of, il duo di stilisti hanno consegnato all’oggi collezioni di ieri assolutamente attuali e desiderabili. Stessi tagli, stesse proporzioni, stessi materiali che suscitano lo stesso desiderio, vent’anni dopo. Solo per questo, Bravi.

Matthieu Blazy con la sua sfilata per Bottega Veneta ricorda a tutti quanto è bella la moda, quanto è bello saper fare, leggere e interpretare i vestiti che diventano pensieri, idee, ossessioni.

In passerella l’eleganza incontra l’utilità che vede un’infiltrazione nel quotidiano di materiali e tecniche significative che possono essere realizzate solo attraverso il mestiere tradizionale degli artigiani negli atelier italiani.

Una collezione preziosa cha ha dato vita a un’eleganza discreta fatta di pezzi dai tessuti sartoriali in cotone-seta, pieni e annodati che sono una nuova interpretazione del boucle, e la tensione del mouliné ritorto in colori contrastanti, fino alle “cuciture alte” dei fiori di Venini della metà del secolo scorso sugli abiti “lampadario”. E poi Kate Moss che reinterpreta il grunge versione 2023. Pazzesco.

A chiudere la fashion week di Milano è il giovanissimo e psichedelico Matty Bovan.

Bovan è l’ultimo talento emergente a “godere” della generosità di Domenico Dolce e Stefano Gabbana. che gli hanno prestato le loro sarte, condiviso risorse di produzione, messo soldi per la presentazione e gli hanno prestato le ristampe d’archivio, ma non sono stati coinvolti nel suo processo. 

Nessuno che abbia mai visto una sfilata di Bovan a Londra potrebbe dubitare che eserciti la sua libertà creativa. Ma a Milano ha spiccato davvero la sua irrefrenabile estetica. 

Lo stile di Bovan oscilla tra riferimenti vittoriani, couture e cultura underground. In un mix tra upcycling di tessuti esistenti, gioielli di cartapesta, materiali insoliti impiegati all’interno della costruzione dei suoi abiti dalle dimensioni importanti.

I corsetti sono dipinti con un motivo a scacchiera, jeans tagliati hanno applicato dei ricami ad uncinetto, sciarpe lavorate a maglia jacquard in lana d’agnello, cavi telefonici vintage e paillettes realizzate con il 30% di tessuto riciclato. Artigianalità, responsabilità e una voglia di vestirsi a contrasto, tra street e gala dressing. Senza limitazioni. Bravissimo.

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In un mondo stracolmo di sovracomunicazione, Bottega Veneta è diventato uno dei marchi più cool del pianeta semplicemente tacendo, mentre la maggior parte dei brand ci fornisce loghi, la stessa manciata di celebrità e variazioni su borse per lo più intercambiabili e grandi scarpe da ginnastica. 

Ma da quando è arrivato, il designer di Bottega Veneta Daniel Lee ha lasciato un percorso di briciole luminose che hanno ipnotizzato i consumatori e gli addetti ai lavori.

Sotto il regno di Lee, Bottega ha portato le firme del marchio, precedentemente discreto, come le borse in pelle intrecciata e un sottile logo a triangolo, in proporzioni oltraggiose.

Nel frattempo ha cancellato il suo Instagram sostituendolo con una fanzine digitale colma di star rivendicando il colore iconico verde lime, ha switchato le sfilate con saloni segreti dai quali le immagini sono gelosamente custodite.

Intanto, Lee, il ragazzo dai capelli rossi raramente rilascia interviste. 

In questo modo ha ottenuto l’immagine di un’entità misteriosa che sforna moda cult. Così a luglio, Bottega Veneta ha annunciato il suo ultimo enigma: avrebbe mostrato la sua collezione Salon 03 davvero a Detroit?

Bottega Veneta SS22 ha sfilato a Detroit.

I marchi di moda oggi guardano al microscopio quando si tratta di questioni di razza e classe, e a pensarci bene è stata una mossa coraggiosa per un brand europeo di lusso sfilare in una città con una storia complessa come quella di Detroit mantenendo una forte sinergia. 

Bottega Veneta ha invitato circa 240 ospiti, di cui la metà di Detroit.

Molti marchi di lusso europei si sono affidati ai consumatori asiatici per i loro turn around pandemici, ma Bottega, in effetti, deve gran parte del suo recente successo agli americani. 

Piuttosto che la solita lista di personaggi famosi su Instagram che orbitano attorno al complesso industriale dei Kardashian, Lee ha coltivato quelle che sembrano essere vere amicizie con artisti del calibro di Lil Kim e Mary J. Blige fuori dalla passerella, e con Lourdes Leon Ciccone, dentro.

Probabilmente perchè Bottega Veneta intende occuparsi di leggende, non di hype. 

La cantante è arrivata allo show dentro il celebre cappotto di Bottega composto da una fontana di code color merlot, e Lil Kim in un abito di piume viola con una clutch di piume gialle.

Ad ogni modo, ciò che rende l’abbigliamento di Lee davvero interessante è il suo modo di amare un certo tipo di mondo industriale che cade sui suoi lavori ogni volta che ne crea uno.

La moda è diventata (mi piace pensarla così) selvaggiamente artigianale negli ultimi tempi: il lavoro umano è diventato il segno di qualcosa di veramente ambizioso. 

Ma i colori di Lee sembrano spremuti da un algoritmo e i suoi tessuti sono altamente lavorati che sembrano materiali per costruire un grattacielo piuttosto che un capo d’abbigliamento.

Questo li rende unicamente contemporanei. Laddove altri designer cercano rifugio in qualcosa più che un modo di creare che solletica la nozione di rivoluzione industriale, Lee sembra un modernista, che affronta ciò che viviamo a testa alta. 

Conosce lo spirito del tempo, ma lo guarda da un punto di vista diverso, basti pensare a come molti stilisti si siano concentrati nella creazione di vestiti per uscire, mentre la sua collezione aveva uno spirito grintoso piuttosto che uno di evasione.

Ai giornalisti presenti Lee ha detto: ”Ero ossessionato dal pensiero di sfilare qui, Detroit è stato davvero l’inizio del mio processo creativo, volevo davvero renderlo un momento memorabile. Amo l’America.”

Il suo primo viaggio a Detroit, sei anni fa, è avvenuto un po’ per caso, quando il suo aereo per la Giamaica ha ritardato così ha deciso di restare  in città diversi giorni. “Detroit è davvero la culla della techno”, ha continuato, “e io amo la techno”

“Sembra semplice, come tutto in Bottega”, sul finale, “ma in realtà è un’impresa ingegneristica”. 

Lo stesso pensiero arriva quando guardi le giacche e i pantaloni duri e stropicciati, che erano tessuti con metallo che sembrano rigidi come quello delle automobili. (Detroit è stata la capitale della produzione di macchine durante il secolo scorso).

“Soft&functional” questo il nome della collezione, parla di innovazione e modernità attraverso forme flessibili, volumi over, stoffe avveniristiche e uno stile che, partendo dallo sportswear e dal workwear, esprime l’essenza della contemporaneità.

Una collezione  giocata sulla destrutturazione della sartorialità e la reinterpretazione di classici come il parka. 

Grazie all’utilizzo di fili metallici le stoffe sembra diventino modulabili, mentre le superfici si animano di perline in gomma e paillette, bio-based e sostenibili. Allo stesso modo, il designer sceglie filati gommosi biodegradabili, nylon riciclato, cotoni organici certificati e poliuretani water-based.

Tra gli accessori spiccano le borse arricchite da dettagli metallici ripresi dal mondo industriale, insieme a modelli soffici alla vista.

Ai piedi sneaker in maglia e in uno speciale tessuto spugnoso, con la tecnologia tipica delle trainer che viene applicata alle scarpe con tacchi alti.

Si fanno notare i sandali con suola a punta, candidati a must have. Influssi techno, sportivi ma con inaspettati accenni barocchi che caratterizzano i gioielli.

L'articolo Daniel Lee è soft&functional proviene da Toh! Magazine.