Le immagini di Carmelo Plumari sono come pagine di un diario che non smette di scriversi: frammenti di vita colti in un istante di libertà, momenti in cui l’esistenza si mostra senza difese, fragile e luminosa.

Nelle sue spiagge non esistono gerarchie. Tutti sono uguali, tutti appartengono a quella stessa marea di luce che accarezza e consuma. C’è una dolce malinconia in questi scatti, una consapevolezza gentile che ogni sorriso, ogni ombra, ogni riflesso d’acqua è destinato a svanire, ma anche a restare, come una traccia salata sulla pelle.

Lo sguardo di Carmelo Plumari è quello di chi osserva con tenerezza, con la calma di chi non cerca la perfezione ma la verità del momento. C’è cinema nella sua fotografia, ma un cinema silenzioso, fatto di attese e di intuizioni, di quella luce che decide cosa mostrare e cosa lasciare nascosto.

In fondo, come scriveva Michael Cunningham, «la bellezza non è che il ricordo di un istante in cui abbiamo amato la vita».
E Carmelo Plumari sembra ricordarcelo, ogni volta che la sua estate torna a cominciare.

Le tue spiagge sembrano luoghi fuori dal tempo, spazi in cui la memoria si confonde con la luce. Quando scatti, stai cercando di fermare un ricordo o di inventarne uno nuovo?

Mah, direi un po’ entrambe le cose. Sicuramente il fermare un istante è alla base del lavoro di ogni fotografo: bloccare qualcosa che non si ripeterà mai più, se ci pensi, è davvero incredibile. Allo stesso tempo, l’ossessione che mi spinge a fotografare sempre gli stessi soggetti, gli stessi momenti, nasce sicuramente dal ricordo, quel ricordo che forse abbiamo in molti, di momenti belli vissuti in riva al mare.

Nei tuoi corpi c’è sempre qualcosa di umano e imperfetto, mai idealizzato. Ti interessa più la loro fragilità o la loro capacità di appartenere, per un attimo, a qualcosa di collettivo?

Questo è un capitolo un po’ spinoso, ma per me tutti i corpi sono perfetti nella loro unicità — e non lo dico per essere politically correct. Mi piacciono i corpi veri, tutti, senza distinzioni. Quanto alla fragilità, ti direi che la trovo bellissima, perché è profondamente umana. Ma mi affascina quel momento in cui le persone, anche senza rendersene conto, diventano parte di qualcosa di più grande. Le mie foto spesso nascono come delle scene, dei tableaux vivants che catturano un’energia collettiva forte e unica.

Hai parlato della spiaggia come di un luogo dove le gerarchie si sciolgono. Ti affascina questa sospensione sociale, o è piuttosto la sua illusione a catturarti?

La spiaggia è forse l’unico luogo che riesce davvero a fare da livellatore sociale, e lo fa nel modo più efficace: tutti sono in costume, tutti nello stesso posto senza troppe barriere. No, non è un’illusione: in quel posto, in quel momento, siamo tutti lì, allo stesso livello.

C’è una malinconia dolce nei tuoi scatti, come se ogni corpo fosse già un ricordo. Ti capita mai di sentire che la fotografia, più che documentare, serve a salutare qualcosa?

Sì, un po’ sì, hai ragione. Ogni foto è come salutare qualcosa che dura giusto il tempo di finire. Ma non è una cosa triste, anzi. Nulla di bello può essere eterno — e se lo fosse, forse smetterei di andare in giro con il mio zainetto sotto il sole cocente.

È proprio il fatto che qualcosa sia irripetibile a darti quello slancio per andare, scattare, conservare, a volte “collezionare” quei momenti.

In fondo, la fotografia nasce con questo intento: tutti scattiamo per tenere traccia di qualcosa di bello che non tornerà più, ma che vogliamo ricordare.

Le tue immagini non mostrano solo corpi, ma il modo in cui la luce li tocca, li consuma, li restituisce. È la luce la vera protagonista del tuo lavoro?

La luce comanda sempre. Sono un po’ fissato dal movimento del sole… scatto solo in certi momenti della giornata, in determinate giornate… ho tutte le app del caso. Se il cielo è anche solo un po’ velato, non scatto, ad esempio. Mi piace il contrasto netto delle ombre, la luce diretta sulla pelle bagnata: di quello sono ossessionato.

Il sole deve illuminare tutto — non solo il soggetto, ma anche il contesto, la scena, l’atmosfera.

Seguo la luce: è lei che decide cosa mostrare e cosa lasciare nascosto.

Quanto della tua Sicilia resta nel tuo sguardo, nei colori, nei gesti, nei corpi? È un’eredità o un fantasma che continua a tornare?

La Sicilia non se ne va mai. Anche quando non la nomino, è lì — nei colori, nelle composizioni, nei soggetti, negli oggetti. È un bagaglio che porto sempre con me, a volte un po’ pesante, ma di cui non potrei fare a meno. Mi è capitato di scattare in tanti posti, in Italia e all’estero, ma la ragione che mi spingeva a sceglierli era sempre la stessa: ci trovavo qualcosa di familiare, qualcosa che, in un modo o nell’altro, sapeva di casa.

In spiaggia tutti diventano uguali, eppure ognuno resta irripetibile. Ti interessa questo paradosso, questa tensione tra anonimato e identità?

Assolutamente sì. Mi piace che in spiaggia sembriamo tutti uguali, anche se in realtà non lo siamo affatto. Quando mi muovo tra le persone, da lontano individuo qualcuno o qualcosa che cattura la mia attenzione con un gesto, un modo di fare, uno sguardo… Se fossimo davvero tutti uguali, non succederebbe: mi troverei in un impasse non da poco. Il mio, alla fine, lo considero quasi uno studio antropologico, una sorta di esperimento sociale in cui mi limito a osservare e scattare ciò che mi incuriosisce, ma sempre come parte di un contesto più ampio.

Le tue fotografie hanno spesso il ritmo di un film muto, come se raccontassero senza volerlo. Ti riconosci di più come fotografo o come narratore di attimi che non torneranno?

Tutti i fotografi sono dei narratori. Quando scatto, penso sempre che ogni attimo abbia una storia da raccontare, e quell’ossessione di raccontarla fa parte di me. Un video ti dà già tanto: il suono, il movimento, le parole, una storia confezionata, appunto. Con una foto, invece, puoi lasciare spazio, dare libertà a chi guarda di immaginare quella che vuole. Non mi piace svelare troppo.

Se dovessi dire cosa rappresenta davvero per te la spiaggia, non come luogo, ma come sentimento, quale parola useresti per descriverla?

Libertà.

Sei cresciuto tra la campagna siciliana e le immagini in bianco e nero del cinema italiano. Quanto di quel mondo — il ritmo lento, la polvere, il desiderio — sopravvive ancora nel tuo modo di guardare le persone?

Viene tutto da lì, da ogni singolo dettaglio. Le mie scelte nascono da ciò che ho visto, che ho vissuto: l’uso delle pellicole, le grane, i colori, la selezione dei soggetti, dei luoghi un po’ fermi nel tempo o addirittura senza tempo. Tutto nasce dalla mia infanzia, da quel bambino che pian piano osservava il mondo che lo circondava.

Dopo anni di lavoro nella pubblicità e nella moda, la tua fotografia sembra voler tornare a qualcosa di più semplice, quasi primordiale. È una forma di ritorno alle origini o un modo per riscoprire la verità dietro l’immagine costruita?

La fotografia di moda è costruita, pensata, studiata, e io adoro tutto quel processo: creare qualcosa da zero, raccontare una storia già immaginata. Ma vuoi mettere la soddisfazione di fermare un momento vero?

Due ragazzi che si guardano e si baciano di nascosto, una madre che abbraccia il figlio durante la sua prima estate al mare, la risata di due amici che si tuffano da uno scoglio o le espressioni di due signore che si lamentano sempre delle stesse cose. Quelle cose non le pianifichi: accadono una volta sola, e tu hai il privilegio di essere lì, in quel preciso istante!

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George Kanis è un artista greco che usa la fotografia per seguire gli istinti primordiali liberati dalle etichette e dalle regole imposte dalla società. ‘Desiderio’ è la parola che rappresenta maggiormente i suoi lavori, immagini dove i corpi sono finalmente nudi e liberi.

I protagonisti dei suoi scatti sono amici della scena underground di Atene, il suo stile è crudo, per enfatizzare al massimo gli istinti naturali. È una esplorazione del concetto di libertà di genere, razza e orientamento sessuale della società greca, dove tutto è senza limiti.

George Kanis oltre essere un artista di talento ha molto da dire, e ci tiene a sottolineare il suo messaggio: tutti dovremmo essere liberi, senza vergogna e senza dimenticare mai di essere vivi.

Vivi ad Atene ma sei nato sull’isola di Chio, quanto pensi che la tua anima greca abbia influenzato il tuo immaginario?
Credo che il mio modo di vedere o anche il mio modo di pensare siano stati influenzati al 100% dall’ambiente in cui sono cresciuto. Sebbene molte persone possano affermare che il mio lavoro sembri essere più vicino all’estetica di Berlino, ho trovato questa conclusione senza senso.

La scena underground in tutto il mondo ha tonnellate di somiglianze e la scena greca underground è molto viva e molto attiva. Soprattutto quando si parla di arte. L’arte non conosce confini e non ha paese. Condividiamo tutti le stesse emozioni, a prescindere di chi sei e di dove vivi.

Sei mai scappato di casa da bambino?
La mia infanzia è stata piuttosto dura ed estremamente violenta, quindi sì, dovevo essere un fuggitivo. Oggi le circostanze sono totalmente diverse e sono molto vicino ai miei amici e alla mia famiglia. Ma, in passato, non ho mai sentito di appartenere a nessun luogo e non mi sono mai sentito amato.

Sei un artista dai molti talenti che utilizza foto, video e pittura. Quale pensi sia il migliore per te o quello che ti piace di più?
La pittura mi appassiona molto ed è terapeutica per me. Ma la fotografia mi ha dato il potere di rivendicare me stesso, facendomi sognare di nuovo.

Quindi dover scegliere un solo mezzo di espressione sarebbe difficile; si adattano tutti perfettamente al mio stato emotivo in momenti e nel modo in cui voglio esprimermi onestamente. 

Il desiderio è un argomento importante per te e adoro il modo in cui lo rappresenti, cosa significa per te?
È tutto! Il desiderio ti rende libero, ti fa sentire innamorato, ti fa odiare, ti fa sognare, e ti spinge a sforzati di più. Ti fa combattere per la tua libertà! È una sensazione primordiale che spesso calpestiamo, mettendola da parte al fine di soddisfare un amante, la famiglia, la comunità, la società e il mondo.

Se hai nutrito i tuoi desideri con armonia e non ferisci nessuno, non hai mai bisogno di sopprimere le tue volontà per soddisfare qualcuno! Il desiderio ci ha liberati dalle norme della nostra società ed è qualcosa che dobbiamo rispettare senza vergognarcene mai.

Gli uomini Greci, così come Italiani e Spagnoli, sono tra i più caldi. Che tipo di uomo ti piace di più?
A dire il vero non mi piace nessun tipo. Se vedo un ragazzo in un club, è soltanto il modo in cui balla e interagisce con l’ambiente ad eccitarmi.

Se invece si tratta di rimorchiare, allora ho un certo tipo: i cattivi ragazzi, o semplicemente ragazzi dall’aspetto punk / squamoso / queer. Preferisco sempre flirtare con persone nel mondo reale e mai attraverso social o app, quindi quando voglio solo fare sesso mi sento attratto da diversi tipi di ragazzi.

Come ne pensi della scena artistica underground greca?
È l’unica cosa che mi resta in cui credere  qui in Grecia e mettere tutti i miei sforzi. I giovani qui sono estremamente creativi, mi stupisce sempre! Vorrei non essere quel paese povero che siamo. Tutti gli artisti locali qui potrebbero avere le stesse opportunità di lavorare con le loro idee, traendone vantaggio e rendendoci ancora più creativi.

Penso che ci sia molta libertà di espressione nelle tue creazioni, come ti senti quando pubblichi online il tuo lavoro nel mondo?
Qualche anno fa non volevo pubblicare nulla, mi bastavano le mie mostre. Ma dopo che i miei amici mi hanno letteralmente fatto creare un account e iniziare a caricare il mio lavoro, mi sono subito innamorato.

Amo la possibilità di conoscere più persone che condividono le mie stesse idee. Comincio persino a rispettarmi un po’ più di prima. Trasmettere l’arte attraverso tutti quei social media è folle e super divertente, ti spinge anche a provare di più ed essere maggiormente produttivo.

È davvero una motivazione per fare sempre di più. Quindi, se stai leggendo questo e hai ancora dei ripensamenti, abbandona ogni tentennamento ed inizia a caricare il tuo lavoro. Facci vedere e fatti amare.

In un mondo in cui tutti possono scattare foto con i loro telefoni, come ti senti da artista che usa come strumento la fotografia?
Non credo nella concorrenza soprattutto nell’arte. Noi artisti che dovremmo sostenerci a vicenda, lavorare insieme, condividere idee, promuovere idee, etc. Vedo cose incredibili online che non ottengono mai l’attenzione che dovrebbero ricevere, e questo mi rende davvero triste, vorrei essere super famoso per promuoverli tutti.

Il fatto che ora tutti possiamo scattare foto è ancora più interessante per me, mi piace vedere che ci sono sempre più persone che si impegnano maggiormente con le arti in genere. Quindi no, non mi spaventa affatto il fatto che chiunque possa fare una foto, così come non mi ha mai spaventato per tutti quegli anni che chiunque possa disegnare.

Se stai leggendo queste parole e hai ancora dei ripensamenti, abbandona ogni tentennamento ed inizia a caricare il tuo lavoro. Facci vedere e fatti amare.

George Kanis

Ci parleresti del progetto “D.T.S. – Death To Symbols”?
Ho creato il progetto DTS “Morte ai simboli”, per rappresentare la separazione degli esseri umani dalla natura, dove il grembo primordiale del mondo è l’essere onni-inclusivo, senza discriminazione e con piena accettazione. Le mie foto sono solitamente ambientate in ambito urbano, un luogo per lo più freddo, tecnologico e puramente patriarcale.

Lì i corpi vengono raffigurati spogliati dalla civiltà, ritornano in un’età primordiale in cui tutto è accettato ed appartiene a uno stadio preconscio, mentre il giudizio sociale non ha posto. I miei soggetti sono i simboli e rappresentano il titolo, che la società gli ha assegnato e sul set possono liberarsi da questi e mostrare la loro verità, dove il desiderio è soggetto solo a se stesso e non si attiene a leggi e regole.

Puoi dirci com’è la tua giornata quando scatti le foto? È la rappresentazione della tua fantasia o di quella del modello? Come funziona?
No, è sempre primordiale, è come mi sento in quel preciso momento e come reagisco al mio ambiente. Sono sempre molto emotivo e cerco di esprimere come ci si sente. Ovviamente i miei modelli esprimono i loro desideri, i loro sentimenti e  le loro emozioni, dopotutto sono umani, ma quasi ogni volta cerco di rappresentarli come vorrei vengano rappresentati.

Immagino che il momento delle riprese sia davvero hot, alcuni spettatori probabilmente si eccitano guardando il tuo lavoro, succede anche te scattando quei momenti?
(Ride) Mi dispiace deludervi ragazzi ma quasi mai durante le riprese, dopo aver fatto il mio lavoro è più che benvenuto. Dipingevo o scattavo foto di corpi nudi da quando avevo quattordici anni e questo è molto tempo fa.

Guardando il tuo lavoro in cui c’è molta libertà nel sesso, sembra che tu sia aperto e conosci davvero l’argomento. Che cosa ne pensi?
Amo sempre esplorare la mia sessualità e nutrirla con tutti i miei desideri. Non mi sono mai vergognato quando si trattava di sesso, perché a mio modesto parere nessuno dovrebbe mai sentirsi così! Amo l’intimità, amo il sesso amo abbracciare il mio io interiore e condividere le mie “parti” con gli altri.

Qual è il tuo punto di vista sul feticismo?
Posso feticizzare anche un normale vaso come ho già fatto attraverso il mio lavoro in passato. Abbiamo tutti i nostri feticci anche il sesso alla vaniglia come lo vedo al giorno d’oggi per me è un feticcio e non solo sesso alla vaniglia. Amo tutti i tipi di giochi sessuali, mi piace divertirmi a dare e prendere piacere e il mio ruolo preferito nel sesso è quello del passivo dominante.

Se avessi un adesivo per paraurti sulla tua auto, quale sarebbe?
Non dimenticare mai di essere vivo.

Quando sei stato più felice?
La felicità va e viene come ogni cosa nella nostra vita. Non ricordo quale sia stato il mio momento più felice, ne ho molti e non riesco davvero a farne una gerarchia.

Instagram George Kanis

L'articolo George Kanis fotografa il desiderio libero. proviene da Toh! Magazine.

Il Kirkpinar è una lotta turca in cui i combattenti sono cosparsi di olio, e sono sicuro che già queste poche parole basterebbero per far di voi i fan numero uno di questo sport tradizionale antichissimo.

La tradizione nata nel 1346 si tiene durante il mese di giugno vicino ad Edirne al confine con la Grecia e la Bulgaria. 

I lottatori combattono all’aperto a torso nudo e con dei pantaloncini di pelle, chiamati kispet, che rendono ancora più sexy lo spettacolo.

La vittoria, ovviamente, si ottiene quando uno dei due riesce a bloccare a terra l’avversario o se quest’ultimo viene sollevato al di sopra delle spalle e lanciato.

L’antico torneo di Kirkpinar attira gli appassionati di wrestling turco da oltre 650 anni. Nel 2001 il fotografo Ron Amato ha partecipato al festival per documentare e comprendere meglio la fisicità maschile di questo sport. 

Quest’anno che ricorre il 20° anniversario, Ron Amato ha deciso di mostrare le fotografie che completano perfettamente la descrizione di questo sport, della sua storia e del fascino che ancora oggi continua a mantenere. 

In termini di grandezza in Turchia, il Kirkpinar è il Superbowl del wrestling. 

Invece di due squadre, tuttavia, centinaia di lottatori dilettanti provenienti da varie parti del paese convergono a Edirne per tre giorni in estate. 

L’evento è il culmine di molte partite regionali. Solo i migliori sono invitati a competere. I lottatori sono raggruppati in undici categorie e classificati in base all’altezza, non al peso, dai bambini piccoli fino ai quaranta membri del pehlivan (eroe in farsi), o status di guerriero. 

Il “gioco” inizia dopo un rituale chiamato Yağlama, che consiste nell’applicazione dell’olio d’oliva diluito da grandi urne di rame ai corpi nudi dalla testa ai piedi. 

Se ve lo state chiedendo, posso dirvi che esiste l’oliatore ufficiale, chiamato Yağc official che passa il tempo a cospargere d’olio i lottatori che assicurano che l’olio serva sia a stabilire un campo di gioco uniforme che a complicare l’atto di lottare, ma anche ad aiutare a guarire le loro ferite.

Questa galleria è apparsa precedentemente su outtravaller.com

L'articolo Il kirkpinar fotografato da Ron Amato. proviene da Toh! Magazine.

Trasferitosi a NY, dove ha studiato sociologia alla Columbia, da 8 anni realizza fotografie di wrestlers, cowboys, amici, amanti e sconosciuti. Quello che mi ha colpito del suo lavoro è il suo modo di fotografare il genere maschile, senza cadere nello scontato o in cliché.

Che ricordi hai della tua vita a Westlake Village?

Ho molti ricordi e molti legami di cuore verso la California in generale, è dove sono cresciuto, dove ho trascorso del tempo quando ero militare ed entrambi i miei genitori sono andati alla high school nel sud della California.

Come ogni città natale ha degli aspetti buoni ed aspetti cattivi. A New York è stato difficile trovare qualcuno che fosse fan della California, di Los Angeles in particolare.

Le persone pensano che sia tutta facciata e superficiale. Non sono d’accordo. L.A. e la Bay Area sono le capsule di Petri della buona arte visiva, della musica e delle performance.

Com’è stato trascorre sette anni della tua vita nel corpo dei marines americani? Non credi sia stata una decisione dura da prendere per un bambino?

Al tempo, mi sentivo come se fossi pienamente cresciuto. Con il senno di poi intravedo una certa avventatezza infantile o per lo meno una certa ossessività dietro tale decisione. Non ero alla ricerca dell’opinione o del permesso di nessuno.

Sono giunto presto alla decisione, dopo una o due settimane dall’incontro con un reclutatore, ma il desiderio di far parte dei Marines è iniziato da piccolissimo.

Mio padre ha fatto parte dei Marines ed era trattato con enorme rispetto nella nostra famiglia, è semplice quindi vedere come io aspirassi al modello di mascolinità militare.

A che età quindi ti sei accettato ed hai fatto il coming out?

Da giovane ero profondamente a disagio riguardo la mia sessualità e per questo ho mantenuto molti segreti nei confronti della mia famiglia e dei miei amici.

Nei miei primi vent’anni ho cominciato ad uscire allo scoperto con loro ed è stata un’esperienza positiva anche se alcune vecchie insicurezze persistono.

Per me il coming out è un’esperienza che continua ancora. È più il fatto di essere allo scoperto che quello di uscire allo scoperto. Il primo è un evento, l’ultimo è qualcosa che tutti possono praticare ogni giorno, si tratta soltanto di fare uno sforzo per essere autenticamente se stessi.

Quando ti sei trasferito a NY quale é stata la tua prima impressione? Avevi qualche aspettativa?

Mi sono trasferito a NY circa 8 anni fa, c’ero stato una volta con il mio ragazzo che sapeva muoversi in città. Poi quando mi sono trasferito ho cominciato ad esplorarla da solo, ho impiegato sei mesi per conoscerne la maggior parte e ad un certo punto mi sono accorto che NY non è uno scherzo.

Mi sono concentrato, ho finito i miei studi ed ho fatto lavori d’ufficio, è solo nell’ultimo paio d’anni che sono stato in grado di mettere tutta la mia attenzione sul mio lavoro creativo.

E in quel momento hai capito che avresti voluto fare il fotografo?

Sin da bambino sono stato affascinato dalla fotografia, mio fratello maggiore era bravissimo a surfare e ad andare in skate, io no, così ho iniziato a scattare delle foto.

Col tempo mi è stato affidato il compito di eseguire ritratti di famiglia durante le vacanze e poi ho cominciato a fare moltissime foto per conto mio.

Ho ricevuto molti incoraggiamenti da parte dei miei per non parlare anche dal lato finanziario sopratutto quando ho iniziato. Tutti quei vantaggi erano gli ingredienti chiave a cui dipendeva il mio interesse nella fotografia, ho fatto anche altri lavori artistici con altri supporti, ma la fotografia è sempre stato per me quello fondamentale. 

Mi piace molto il tuo approccio nel fotografare gli uomini, è semplice ma non ovvio, come lo descriveresti?

Quando vedo le cose in anticipo si tratta di dare forma al contesto in cui lavorare, dipende, ma generalmente tendo a creare un palco su cui improvvisare, mi piace avere una direzione da seguire ma anche lasciare al valore della spontaneità un ruolo importante in cui giocare.

Solitamente non vado in giro a cercare la foto, bensì ho in mente location o modelli o schizzi di un’immagine che mi piacerebbe creare. Inizio da lì a costruire una narrativa libera o a scegliere una tecnica o uno strumento che penso possa funzionare.

Fortunatamente per quanto si cerchi di pianificare il mondo continua a produrre l’imprevedibile, così quando è il momento di scattare, cerco di accettare la sorpresa.

Il modo che hai di comunicare attraverso le immagini lascia a chi le guarda la possibilità d’immedesimarsi attraverso le proprie esperienze, è questa la tua intenzione?

Ogni volta che qualcuno ritrova se stesso nelle mie foto mi sento lusingato. Provo in ogni modo a produrre lavoro che riveli una mia storia personale e cerco di farlo all’interno del mio contesto giornaliero.

I lavori di still life che faccio di solito li scatto nella mia casa o durante i miei viaggi. Molti dei modelli che uso sono amici e famigliari, i miei fratelli sono stati tra i miei primi modelli.

Ho più paesaggi californiani di qualsiasi altro posto. Non so se possa esistere una stretta relazione tra i miei rapporti personali con quelli di qualcun’altro, ma credo sia possibile.

Hai qualche ricordo particolare riguardo ad uno dei tuoi shooting che vorresti condividere?

Ho imparato una dura lezione quando ero più giovane. Ero al liceo e stavo seguendo un corso di fotografia in bianco e nero, ispirato da quella di strada e dalle storie su Dan Eldon.

Immaginandomi come un fotoreporter decisi di saltare la scuola e con una mia amica abbiamo guidato fino ad Hollywood per fotografare la gente per strada.

Per una mancanza di ragionamento e con leggerezza sono rimasto scioccato dal fatto di scoprire che non potevo scattare foto di sconosciuti per strada a mio piacimento. All’inizio ero così vergognoso che decisi di fotografarli di nascosto.

Alcuni mi urlarono dietro e rimasi mortificato. Decisi allora di fotografarli a distanza, ma non erano le foto intime e personali che mi ero proposto di fare.

Finalmente incontrai una giovane ed amichevole marchetta che mi convinse che “l’husting” non era altro che un gruppo di omosessuali che stavano in piedi per strada a rubarsi i portafogli, diciamo una mezza verità da parte sua.

In ogni modo è stato un corso di rottura nello strano dinamismo che intercorre tra il fotografo e il soggetto. Ho imparato che le persone non sono animali dello zoo e che conviene sempre chiedere in maniera gentile prima di fotografare qualcuno.

Fai molti ritratti, c’è qualcuno che vorresti fortemente fotografare?

Ci sono centinai di persone che vorrei fotografare, non mi viene in mente nessuno che vorrei non fotografare, per quanto riguarda le celebrities al momento non sento nessun forte desiderio di fotografarne alcuna. E con questo dico anche che non mi rifiuterei di fotografare Nathaniel Brown. Per nulla.

Penso che ci sia una forte sessualità nelle tue fotografie, è lì e anche se non è così esplicita la si percepisce, quanto è importante per i tuoi lavori?

La sessualità ha grande peso nei miei lavori, come il sesso. L’arte è uno dei moltissimi modi per esplorare se stessi. Come la sessualità è stato un soggetto enorme per la mia crescita, credo si una conseguenza naturale il fatto che scaturisca dalle foto che faccio.

Anche se non ho mai voluto essere classificato come un fotografo omo-erotico. Non rappresenta tutto di me, anche se mi rendo conto e mi va bene che molte delle mie immagini hanno riferimenti all’erotismo o al sesso.

Cosa ti attira nelle persone che scegli per i tuoi scatti? Come li scegli?

Seguo il mio istinto, alcune volte penso di scegliere dei soggetti che in cui rivedo parte di me stesso. Altre volte invece li scelgo proprio per il motivo opposto perchè sembrano avere delle qualità che a me mancano e a cui aspiro.

C’è qualche genere musicale che ti piace ascoltare quando fotografi?

Hip Hop, Hip Hop, e Hip Hop. Quest’anno appena passato ho ascoltato tantissimo Big Boi e l’ultimo album di Kanye ma anche alcuni intramontabili come KRS e Wu-Tang. 

Che cosa reputi sexy, che cosa ti eccita?

Le vacanze sono dannatamente sexy. Il viaggiare in città diverse ed incontrare nuove persone divertendosi e scopando in giro, quelle per me sono state le esperienze migliori.

Che persona è Josh McKey?

È un orsacchiotto.

Cosa ti piace fare quanto non fotografi?

Mi piace disegnare e scrivere a mano. Ultimamente sto mandando molte lettere. Controllo internet per qualcosa di più vasto ma per quanto riguarda gli amici e la famiglia rimango in contatto con lettere scritte a mano.

^{QUESTA INTERVISTA E’ APPARSA PRECEDENTEMENTE SU TOH! N°3}

L'articolo Josh McNey: il coming out dura per sempre. proviene da Toh! Magazine.

Kevin ha da poco concluso a New York la sua prima mostra Fuck The Gold Years presso la galleria Casa De Costa, dove sono state raccolte più di quaranta fotografie, spesso associate al mondo hip-hop e che camminano su quella sottile linea che è il confine tra arte e moda, con immagini crude non filtrate, di un’innocenza sporca.

Amato è nato a Massapequa, New York dove si è laureato alla School of Visual Arts, attualmente risiede nel Bronx, ricca fonte d’ispirazione per le sua fotografia istintiva e spontanea, che non è altro che una sorta di documentario di ciò che cattura la sua attenzione ed un suo personale modo di accogliere e vivere la vita al massimo.

Mi parli del tuo background?

Sono nato e cresciuto a New York, all’interno di una grande famiglia italiana di Brooklyn della vecchia scuola, con le cucine nel seminterrato, enormi vasi di cetrioli in salamoia e la salsa di pomodoro fatta una volta per durare tutto l’anno. Non è più così negli States. Tutto ciò richiede un apriscatole ed una produzione di massa. Fortunatamente, mio cognato è di Napoli, quando vado a trovare lui e mia sorella mi benedicono con cibo per mesi! La mia famiglia mi ha sempre sostenuto e mi ricorda di rimanere umile e riconoscente.

So che vivi nel Bronx, cosa ti piace maggiormente di quel quartiere?

La ricca storia, un paesaggio incontaminato, le nomenclature ed il senso di comunità, è un quartiere prevalentemente spagnolo, africano ed italiano. Il territorio è marcato spesso, ogni strada ha la propria entità ed identità. Alla gente non frega un cazzo ed il caos è di routine. La polizia ed i politici ne stanno alla larga, perché non c’è molto denaro e non è riconosciuto il valore. Penso che sia questo che ha tirato fuori la parte più ruvida che c’è in me.

Cosa ti ha spinto a fare fotografie?

Mio padre era un fotografo dilettante nel 1970. Ha lavorato come buttafuori al Mudd Club, l’onestà e l’energia nelle sue immagini mi hanno sempre ispirato crescendo. Mia madre proveniva da una famiglia irlandese di hustler e cantastorie. Credo che fosse naturale per me avvicinarmi a fotografia ed estetica.

Mio fratello mi ha dato la mia prima macchina fotografica che aveva rubato ad una festa che una ragazza aveva fatto in casa quando eravamo bambini, ricordo che la sua famiglia era molto ricca. I miei genitori dopo essersi accorti che avevo preso la fotografia seriamente mi hanno costruito una camera oscura fatta in casa nella cantina.

Fai i casting in base ai tuoi concetti?

Scelgo le persone che hanno un look che si contraddistingue o hanno qualcosa di speciale, un tratto unico, fresco e che non sono tipicamente rappresentate nell’arte e nella moda. Il concetto è di solito il pericolo divertente…ma io non gioco i numeri. Dopo aver fatto il casting arriva il concetto che solitamente riguarda loro o noi.

Il tuo lavoro è assolutamente positivo, quasi euforico. Il lato dark di tristezza, dolore, malinconia o il dolce amaro hanno mai risuonato nel tuo lavoro?

La vita è quello che fotografo, come un fotografo di reportage. Essere presente, onesto e rivelandomi personalmente un po’ in ogni fotografia che faccio. Mi muovo dentro e fuori dalla vita di molte persone, come un nomade che a volte può portare l’oscurità.

Naturalmente essere in grado di far riferimento a ricordi o momenti visivi nella mia vita può essere dolce amaro. C’è abbastanza paura e tristezza in tutto il mondo, penso ci sia sempre un modo per vedere la positività nel buio o nella tristezza.

Qualcuno una volta scrisse, riferendosi al mio lavoro, che avvolgo siringhe, sesso, cazzi e fighe in una coperta d’intimità ed onestà, per quanto divertente possa sembrare mi piace crederci. Non sono un sensazionalista, sono un positivo realista. La vita dovrebbe essere vissuta senza paura ed al meglio. Abbiamo fatto in modo di essere macchine robuste.

C’è sicuramente uno spirito giovane all’interno del tuo lavoro. Le tue fotografie evocano una sensazione di gioie adolescenti, di malizia, e dissoluta sperimentazione. Vedo nel tuo lavoro innocenza e libertà, come quando da bambini, solo per puro divertimento, ci si toglie il costume e si danza in giro nudi. Che ne pensi?

Mi piace una spruzzata di dissolutezza, è un modo interessante per dirla. Ma sì, è tutto questo alla fine. L’elemento di spontaneità, un po’ di malizia, di cattiveria, spiritualità, divertimento ed esplorare gioiosamente il pericolo e l’innocenza; è il salto nella pozzanghera, il ballare nudo come un bambino, la sensazione prima del primo bacio.

Cosa guardi per trarre ispirazione?

La vita quotidiana, i viaggi in metropolitana, calpestare il pavimento di NYC, il bottino, la moda e la gente.

Uno dei tuoi progetti speciali si chiama Holiday: Italia, qual è il tuo ricordo preferito del mio paese?

Il matrimonio di mia sorella nel nord di Napoli, in una città chiamata Rotondi.

Mi racconti qualcosa della tua ultima mostra F * ck The Golden Years?

F * ck The Golden Years era qualcosa che mia nonna, Marie, diceva sempre. Ci ha lasciato l’anno scorso. Era un osso duro, sempre frenetico e divertente. Leale, amorevole, onesta, con la lingua con le radici di Brooklyn.

F * ck The Golden Years era il suo modo di dire, di accogliere e vivere la vita al massimo adesso. Per essere sincero con te stesso e non lasciare mai che un giorno o i minuti ti passino davanti.

Ti sei mai messo nei guai con la legge per scattare fotografie?

Sì. Divieto d’accesso, combattimenti di strada, foto di guerriglia senza permessi obbligatori.

Molti artisti continuano a concentrarsi sui giovani mentre invecchiano, Larry Clark è un esempio, credi che continuerai a concentrarti sui giovani anche tu?

Non sono mai sicuro di ciò che viene dopo, la vita è spontanea. Credo però fortemente che il mio lavoro sarà sempre incarnano d’energia giovanile.

Nelle tue fotografie a volte sento un’oscillazione tra auto-oblio e auto-presentazione. Cerchi questi momenti particolari? Provi a ricrearli? Oppure capita in location?

È ciò che lo spettatore sceglie di vedere. Alcuni sono momenti personali, altri sono messe in scena e ci sono sempre gli errori belli che facciamo.

Essere fotografati e scattare foto è diventato una parte così imponente nella vita di tutti i giorni che non si fa più caso o viene dato per scontato, cosa ne pensi?

Sono d’accordo, ci sono così tanti talenti là fuori, ma allo stesso tempo, siamo così eccessivamente stimolati dalle immagini. Ecco perché a volte il bello è spegnere tutto ed evitare di guardare la televisione e leggere riviste a cazzo! Evitare Times Square!

Ti ricordi quali sono stati i primi oggetti che eri ossessionato di fotografare?

Lo stomaco e le ossa dell’anca, quando avevo tredici anni. A quattordici anni ho fatto un libro sullo stomaco di tutti i miei amici. Eravamo solo un mucchio di chiassosi skaters del cazzo, emo e hip-hop kids.

Ti capita mai di eccitarti durante un tuo servizio fotografico?

Oltre la mia immagine personale di amanti passati e presenti… non proprio.

Il processo di catturare la fotografia reale è eccitante, è meglio del sesso per me, con la fiducia tra il mio soggetto e me stesso.

Perché non fotografi le persone nude? C’è un feeling erotico nel tuo lavoro che lo giustificherebbe, ma allo stesso tempo credo sia meglio che tu non lo faccia. Che ne pensi?

È divertente e ludico. Chiunque può fotografare una persona nuda ed in effetti il sesso vende. A volte può essere un po’ birichino, in altri momenti un po’ spirituale, ad ogni modo noi vogliamo quello che non possiamo avere. La nudità elimina la necessità di guardare più in profondità in una fotografia, è diverso da quello previsto. Ho fotografato attori porno nudi per The Hood by Air per ShoppeStayLovely.com.

Hai un pubblico ideale in mente?

No. Il pubblico è un po’ limitante. Sono cosciente riguardo all’essere diverso, pur essendo fedele al mio stile e cuore.

Come ti descriveresti?

Piacevole, onesto e divertente, ma a volte timido.

QUESTO ARTICOLO E’ APPARSO PRECEDENTEMENTE SU TOH! N. 9

L'articolo Kevin Amato: Io fotografo la vita. proviene da Toh! Magazine.

Fotografare la vita di qualcuno ed essere in grado di coglierne gli aspetti più intimi, la fragilità, il lato ironico e sexy è quello che Brian Finke ha fatto con le sue fotografie, che raccontano l’adolescenza delle cheerleader e la forza dei giocatori di football delle squadre universitarie, entrambi simboli culturali della gioventù americana.

Con le fotografie che immortalano i frat boys mentre ballano sui banconi di un bar, svela invece l’eccitazione e la goliardia che si cela dietro un gesto. L’entrare nella vita interiore delle persone, conoscerle, mostrarcele mentre sorridono, piangono, gioiscono e si eccitano, questo è ciò che fa Brian Finke, trasportarci a volte in un mondo violentemente reale, a cui è facile relazionarsi.

Ricordi esattamente il giorno in cui hai capito che la fotografia sarebbe diventata il tuo mezzo espressivo per eccellenza per fare arte?

Il mio interesse originario per la fotografia era per conoscenza sociale, ero più verso il fotoreporter, un approccio di qualcuno che racconta una storia attraverso le immagini. Nel momento in cui ho fotografato alcuni soggetti dal significato abbastanza pesante, ho deciso in maniera cosciente di essere più auto indulgente con la fotografia ed ho sentito la necessità di fotografare le disgrazie del mondo.

Trovo sia fantastica la tua serie d’immagini 2, 4, 6, 8: American Cheerleaders and Football Players. Sei stato in grado di fermare e documentare alcune cheerleader ed alcuni giocatori di football. Mi racconti qualcosa di quel progetto?

Sono cresciuto a Houston, Texas ed entrambe le mie sorelline erano cheerleader al liceo, ma finché non sono ritornato in Texas, dopo aver vissuto per molti anni a New York, non ho cominciato ad essere affascinato da quel mondo tanto da volerlo documentare. È stato come fare un giro completo, dall’essere al liceo e fotografare le partite della squadra di football dal bordo campo e poi il ritornarci dopo parecchi anni e vedere le stesse attività con occhi nuovi, sperimentando lo stesso evento ma senza quelle insicurezze.

Sono sempre stato affascinato dalla vita nei campus con le cheerleader, i quarterback e le confraternite, forse perchè noi qui non abbiamo quel tipo di realtà. Hai vissuto per qualche tempo con loro?

È stata una combinazione tra il seguire alcune squadre di football ed il seguire le competizioni nazionali delle cheerleader.

Credo tu sia stato molto bravo nel sapere cogliere questi forti atleti in momenti in cui puoi leggere in loro le insicurezze che ogni adolescente prova. Come credi di esserci riuscito?

Credo che sia questo il lato che ci permette di relazionarci ad esse, perchè queste immagini riescono a toccare emozioni molto diverse tra di loro. E quando fotografo mi piace essere fisicamente molto vicino alle persone che sto ritraendo, questo non lascia nascondigli e le immagini mostrano tutte le emozioni che erano presenti.

Credo che gli anni da teenager abbiano un enorme impatto sulle nostre vite. Come sono stati i tuoi? Hai qualche ricordo?

Sono completamente d’accordo, è un’età importante, può essere un periodo che definisce la vita di qualcuno, ecco perché siamo interessati nel raccontare storie di quel periodo. È inoltre un periodo facilmente relazionabile qui in America, tutti o erano una cheerleader o conoscevano una cheerleader o un giocatore di football e via dicendo. Personalmente ho dei bei ricordi di quel periodo, non vorrei tornare indietro, sono stati degli anni belli.

Come mai hai deciso di usare il flash anche quando scatti all’aperto?

Si. Uso un Quantum Q Flash, perchè è forte abbastanza da sopraffare la luce del giorno e quell’ambiente e mi sembra spontaneo per cogliere i momenti. Uso il flash all’esterno per accrescere ed aumentare la realtà. 

Hai colto l’humor, la tenerezza e il lato sexy delle giovani squadre americane, o della serata Frat Boys del The Boys Room. Qual è il lato più difficile nel documentare la vita di qualcuno?

Ci vuole pazienza e costanza.

Collabori per alcune riviste importanti quali il New Yorker, New York Times, Details e Time Magazine com’è lavorare su commissione?

È meraviglioso lavorare per degli editor di quel livello e sai che le foto saranno bellissime stampate sul giornale.

C’è la vita di qualche altra persona che vorresti documentare o che avresti sempre voluto ma che non hai ancora avuto l’occasione di fare?

Sto iniziando un nuovo progetto sulla polizia e su come le nostre città siano sorvegliate. Sto fotografando le US Marshals mentre eseguono i mandati, è un progetto molto interessante da iniziare.

So che viaggi molto qual’è stato l’ultimo viaggio che hai fatto?

Guidare otto ore in più verso Chicago sfuggendo ad una tormenta, dopo essere stato on the road per oltre una settimana a fare fotografie per poi prendere un volo diretto verso L.A. e scattare per i cinque giorni successivi. Adoro tutto ciò.

Hai altri interessi oltre la fotografia?

Il cibo, sono ossessionato dai BBQ e dal Burbon. Brian Finke

L'articolo Brian Finke documenta il lato sexy del mondo del football proviene da Toh! Magazine.

Blake Little è conosciuto per aver fotografato la maggior parte delle star di Hollywood quali Tom Cruise, Anne Hathaway, Jeff Bridges, Julianne Moore Kevin Spacey, Vince Vaughn, Renée Zellweger, Glenn Close, Jack Black ed Adrien Brody. Blake Little

Il fotografo Blake Little celebra ed esplora il rapporto visivo che sussiste tra la mascolinità e l’omosessualità fotografando uomini gay con cui si identifica ma che ai suoi occhi non fanno parte del modello gay mainstream.

Le fotografie ritraggono soggetti singoli ma la loro intensità viene percepita maggiormente quando si ha l’opportunità di vederle in gruppo. The Company of Men può essere letta come una celebrazione della bellezza maschile, quella meno patinata e rude, che va a contrapporsi con quella dei modelli di Abercrombie, fatta di uomini che abitano in piccole comunità nelle campagne o in piccole città degli States.

Ricordi la prima volta che hai preso in mano una macchina fotografica cosa volevi immortalare?

A 17 anni mi sono scocciato la macchina fotografica alla gamba sotto i miei jeans così da poter passare inosservato dalla sicurezza e fotografare il concerto dei Led Zepplin.

Nel 2008 a Brooklyn alla Wessel + O’Connor gallery mi sono inaspettatamente imbattuto nella tua mostra The Company Of Men e me ne sono subito innamorato, pensa che ho ancora la cartolina della mostra sul mio frigorifero. Quando è nata l’idea di questa serie? Quanto tempo hai impiegato a finire questa collezione?

Ho iniziato The Company of Men nel 2006, ma ci ho messo un anno a concludere e rifinire quello che avevo iniziato. Ho chiuso la serie nel 2010. 

The Company of Men è una raccolta di fotografie che raffigurano la mascolinità gay bear, che hai scattato durante gli anni. Ritengo che il look bear, si sia spropositatamente allargato tanto da contaminare anche il mondo eterosessuale, mi riferisco alle camicie a scacchi, i capelli rasati, le barbe, la pancia … che ne pensi?

Credo che si sia chiuso il cerchio. Alcuni uomini, gay o etero si relazionano agli archetipi della mascolinità, e queste qualità maschili influenzano l’apparenza, il modo di vestire e lo stile di vita. Per me è andato anche oltre il look e la comunità bear. Gli uomini guardano gli uomini e s’influenzano tra di loro. I gay copiano gli eterosessuali e gli eterosessuali copiano i gay. È tutto mescolato. Questa è la cosa migliore del mondo moderno.

Amo la naturale mascolinità ed il lato sexy degli uomini che hai fotografato senza svelare tutto come se fossero stati nudi, inizi così a fantasticare su di loro, chiedendoti chi siano, cosa gli piace, dove vivono e cosa li eccita…

Era esattamente questa la mia intenzione. Devo essere connesso con chi sto fotografando, connesso con la macchina fotografica per essere poi connesso con chi guarda. Ho intenzionalmente eliminato ogni forma di posa. Il soggetto presente e immortalato in quel preciso momento. È una cosa molto sottile e potente. Non c’è niente di più sexy che avere qualcuno aperto, connesso e che sta rivelando se stesso.

Ricordo che, guardando tutte quelle immagini nella galleria, circondato da tutti quegli uomini, ho percepito lo stesso una sensazione d’individualità dei soggetti, nonostante fossero parte di uno stesso gruppo o branco. Come li hai scelti?

Credo sia importante vedere il lavoro come una serie. Molto dell’impatto del progetto viene dal fatto di vedere un grande gruppo d’immagini tutte insieme. All’inizio, ho cominciato fotografando gli amici e poi persone che mi sono state suggerite da fotografare, ma circa dopo un anno ho trovato molti dei miei soggetti su internet basandomi sulle loro foto. Puoi capire molto delle qualità di una persona dalle fotografie.

Parlando di location hai scattato questi uomini nel loro ambiente?

L’ambiente e il senso del luogo sono molto importanti nelle mie fotografie. Ho fotografato gli uomini vicino o intorno a dove si trovavano nel momento del servizio. Volevo che il luogo aiutasse a definire il soggetto ed aumentare l’immagine.

Possiamo dire che questi uomini rappresentano la nuova bellezza maschile?

Con The Company of Men credo di aver mostrato un tipo di bellezza maschile che non è rappresentata nella cultura mainstream. È la mia idea di bellezza maschile.

Quanto credi sia cambiato lo stereotipo gay negli anni dal tuo primo libro Dichotomy?

Credo che stia migliorando in alcuni posti ma credo che gli stereotipi gay siano norma nella cultura mainstream. The Company of Men rappresenta un’alternativa all’uomo gay.

T’identifichi con questi uomini?

Sì. Mi identifico con loro fisicamente, mentalmente e spiritualmente.

Henry Rollins ha scritto l’introduzione al tuo libro, mi racconti com’è andata?

Ho lavorato cone Henry Rollins nel 2000. Henry ha una grande talento e forza da uomo alpha. È sempre stato pro uomini e pro gay senza tante cazzate. Ho pensato che la sua prospettiva sarebbe stata perfetta per l’introduzione al libro.

Credi che qualcuno che non sia gay potrebbe riconoscere questi uomini come uomini gay o no?

Non necessariamente.

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E’ come se la storia della fotografia queer continuasse a passarsi il testimone portando avanti la voglia di raccontarsi e raccontarci la bellezza dell’intimità adolescenziale queer. Fotografi come Wolfgang Tillmans, Collier Schorr e Ryan McGinley, hanno aperto la strada a giovani fotografi talentosi come Serge Le Hidalgo. E’ anche grazie a tutte le immagine che producono fotografi come lui che si continuano ad abbattere i paletti della accettazione.

Serge Le Hidalgo è un fotografo spagnolo che abita a Parigi. Le sue immagini hanno una luce naturale, come quella del sole che entra da una finestra. Sono scatti intimi e naturali, come fossero scattati da due amanti. 

La luce illumina e colpisce non solo la bellezza del corpo maschile ma anche quegli angoli, pieghe e fessure del corpo che Serge sembra accarezzare con la sua macchina fotografica.

Ho raggiunto Serge Le Hidalgo per chiedergli qualcosa in più per conoscere meglio e più da vicino i suoi lavori.

Ricordi qual’è stata la prima fotografia che hai scattato?

Ho studiato fotografia professionale a Madrid e da allora scattato foto. Ho avuto la mia prima macchina fotografica quando avevo 20 anni e le prime foto di nudo che ho fatto sono state autoritratti. All’epoca rimasi colpito dal lavoro di Mark Morrisroe, dai suoi primi autoritratti “pieni di vita e di gioia” fino a quelli successivi prima di morire di HIV.

È vero che il tuo ragazzo è stato il tuo primo modello?

Beh sì posso dirlo. Il mio ex ragazzo mi ha offerto una macchina fotografica analogica ed è stato il mio primo modello a posare nudo. Ci siamo lasciati e lui non vuole più vedere quelle foto pubblicate. È un vero peccato rimpiangere i ricordi di qualcosa di bello come l’amore e quelle immagini ne sono piene.

Pensavo che fossi stato rinchiuso con lui e gli avessi fatto molte foto…

Sono stato bloccato con il mio ragazzo, ma uno diverso e  ovviamente gli faccio spesso delle foto.

Serge, la tua fotografia cattura non solo la bellezza dei suoi soggetti adolescenti, ma anche la loro testimonianza dell’identità e del raggiungimento della maggiore età. Ricordi la tua prima crisi d’identità se ne hai avuta una?

La mia prima crisi di identità è stata quando avevo diciassette anni e ho capito di essere attratta dagli uomini. È stato facile per me accettarlo, ma sfortunatamente non è stato così facile per le persone intorno a me farlo.

La fotografia queer è importante perché la visibilità ha svolto un ruolo fondamentale nel consentire alle persone LGBTQ + contemporanee di trovarsi e di condividere risorse.

Forse è altrettanto importante per te vedere un po’ di te stesso nelle persone che fotografi?

Generalmente l’intimità che possiamo apprezzare nelle foto è reale quindi posso dire che c’è un po’ di me, ma vorrei poter mettere ancora di più. Artisti come Nan Goldin che hanno esplorato i corpi LGBTQ +, le crisi dell’HIV o l’epidemia degli oppioidi sono molto importanti nella fotografia contemporanea.

Come crei quel mondo attraverso la fotografia?

Generalmente c’è un’intimità che esiste già prima di un servizio fotografico. Il processo quindi è solitamente naturale e facile.

Apparentemente consideri l’intimità l’ingrediente più vitale per il tuo lavoro. La tua idea di intimità si è evoluta nel corso degli anni?

Non c’è realmente un’evoluzione dell’idea di intimità nel mio lavoro, ma un’alternanza di intimità fisica, emotiva, intellettuale o spirituale.

Le persone ti lasciano fare queste foto intime senza preoccupazioni?

Beh, le persone cambiano e anche le situazioni vitali cambiano, quindi a volte le persone non sono molto a proprio agio quando l’intimità emotiva non c’è più.

Robert Frank una volta disse: “C’è una cosa che una fotografia deve contenere: l’umanità del momento”. Hai lo stesso approccio?

Ha anche detto “Questo tipo di fotografia è realismo. Ma il realismo non è sufficiente, deve esserci una visione, e i due insieme possono fare una buona fotografia”. Sono pienamente d’accordo.

Come ti sei imbattuto nell’idea di fotografare ragazzi nudi?

La rappresentazione del genere nei mass media è importante nella costruzione dei ruoli maschili e femminili nella società e nel processo di socializzazione.

La rappresentazione maschile è spesso repressa emotivamente, autosufficiente, così come evita tutte le sfaccettature relative alla femminilità.

Voglio credere che il modo in cui fotografo i ragazzi nudi combatte questa rappresentazione tradizionale e produco un modello maschile alternativo all’immagine maschile esistente, quella patriarcale.

Pensi che l’innocenza sia stata importante per il successo dei tuoi scatti?

Non direi che ci sia innocenza nelle mie fotografie. C’è spesso una carica sessuale e anche la consapevolezza che le fotografie verranno pubblicate, direi piuttosto che la semplicità sia importante.

Come speri che le persone si sentano quando guardano le tue foto?

Penso davvero che la visibilità sia importante per le minoranze e mi piacerebbe che le persone si sentissero rappresentate dalle mie fotografie. Vorrei poter allargare queste rappresentazioni a un numero maggiore di persone e combattere anche la fobia del grasso, la trans-fobia o il razzismo.

Cosa ne pensi della nuova ondata di fotografia queer? Ricordo la volta in cui ho intervistato Ryan McGinley quando era appena uscito, stava documentando la sua vita. Stai facendo lo stesso anche tu?

Sono felice del fatto che la comunità queer sia più rappresentata ora rispetto a prima. Vorrei poter avere l’opportunità di continuare a crescere come artista ed essere in grado di documentare non solo la mia vita, ma anche quella delle persone sotto rappresentate.

C’è qualche fotografo che ammiri davvero?

Mark Morrisroe, Nan Goldin, Peter Hujar, Alberto Garcia-Alix, Robert Mapplethorpe, Ryan McGinley, Claudia Andujar, Sally Mann, Herbert List, Wolfgang Tillmans e molti altri.

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Le donne, come Eve, Emily, Crystal, Lois, Rita e tante altre, sono le protagoniste delle foto di Alex Prager. Donne impeccabili, anche se dietro i loro rossetti rossi o le loro parrucche nascondono drammi e malinconie tipiche delle donne hitchcockiane. Un continuo richiamo tra l’apparenza e la realtà, come se l’intento fosse quello di documentare un mondo che esiste e che non esiste allo stesso tempo, dove dietro il glamour può celarsi anche il melodramma.

Potresti raccontarmi qualcosa del tuo background? Ho sentito dire che hai viaggiato tantissimo nella tua infanzia…

Sono nata a Los Feliz in California. Non sono andata ne alla high school ne in una scuola d’arte. Ho trascorso il miei anni da teenager viaggiando tra l’Europa, la Florida e Los Angeles.

Sei quindi una fotografa che ha imparato da sola, quando è iniziato il tuo approccio alla fotografia?

Dopo essere tornata a Los Angeles dopo aver viaggiato per l’Europa, non sapevo cosa avrei voluto fare professionalmente. Dovevo mantenermi, così ho iniziato con diversi lavori alcuni dei quali terribili. Ero entrata nel così detto giro di lavoro da ufficio e spendevo i miei soldi per il cibo, i vestiti, i viaggi e i CD e poi dovevo vendere i miei vestiti e i miei CD per pagarmi l’affitto. Niente mi emozionava particolarmente così cominciai a pensare che forse quello che stavo vivendo poteva essere la vita che avrei potuto vivere da adulta così decisi di fare in modo di cambiare qualcosa.

Cominciai così ad andare nei musei e nelle gallerie d’arte per vedere se c’era qualcosa che fossi in grado di fare in quel campo, perchè sapevo che dovevo fare qualcosa di creativo. Finii al Getty museum e per caso vidi l’esposizione di William Eggleston, non avevo nemmeno preso in considerazione la fotografia fino a quel momento. Vidi una fotografia quando entrai nella stanza e capì in quel momento che ciò che avrei fatto sarebbe stata la fotografa. È stato istintivo. Comprai una macchina fotografica il giorno successivo e l’attrezzatura per la camera oscura tre giorni dopo.

Quanto tempo impieghi a pensare a che foto vuoi scattare? Quando fotografi l’immagine è diversa da quella che avevi in mente o è quasi simile a quella ti eri immaginata?

Non è mai come me l’ero immaginata, ma suppongo che è questo che rende fotografare interessante. Solitamente spendo circa una settimana nel processo di preproduzione, considerando tutti quei piccoli dettagli che faranno parte dell’immagine e poi faccio il servizio. Quello che viene dopo è il panico ovvero quando guardo i miei negativi e che forse potrebbe non esserci nulla che posso utilizzare, ed ore ed ore a far fronte e a tentare fino a quando non mi accorgo di avere davanti qualcosa che amo. Questo è generalmente il processo generale di ciascun mio servizio fotografico. Indosso il cappello da fotografo nella prima parte, e poi quello da pittore nella seconda parte. È alquanto esasperante.

Trovo divertente che tutte le tue modelle indossino delle parrucche, come mai questa decisione?

È un cuscinetto carino tra il mondo reale e questa esagerata versione del mondo in cui vivono i miei soggetti. Credo che il lato gloss delle mie immagini aiuti le persone ad osservare le mie foto.

È vero che ti occupi tu stessa dello styling delle tue fotografie?

Sì. Mi occupo anche di del set design, delle luci, più o meno di tutto. La superficie estetica si relaziona direttamente a che impatto c’è con la comunicazione sott’intesa, per questo motivo tutto deve essere così specifico.

Ci sono un sacco di riferimenti del passato nello styling delle tue fotografie, è come se le tue donne scaturissero da un’era passata, dove le donne erano più femminili e sofisticate, come mai questa scelta specifica?

La drammaticità di tutti quei vecchi film era accresciuta da tutto quel makeup, dai costumi e dalle luci tutto era al meglio. Visivamente, niente sembrava così reale tanto che ci allontanava con tutto continuamente dal lato narrativo. Ora molti film tendono ad essere il più reali possibili alla vita reale, che suppongo uno debba fare più attenzione a ciò che vuole raccontare. 

Molte tue immagini sembrano avere dei riferimenti ai lavori di William Eggleston e di Jeff Wall.

Amo i loro lavori, sono totalmente ispirata da loro come da molti altri come Weegee, Brassai, Arbus, Joel Sternfeld, Guy Bourdin, Helmet Newton, Maya Deren, Salvidor Dali, Man Ray, Bruce Gildon e DiCorcia. Sono tutti dei grandi.

Ho visto il tuo cortometraggio Despair, è molto carino perchè e come se avessi portato le tue immagini ad un altro livello: la vita. Com’è stata quell’esperienza?

È stata un’esperienza incredibile: la storia che c’è dietro il film è nata dal fatto che volevo fare vedere che cosa ci fosse prima, durante e dopo una mia fotografia. Sì esattamente come hai detto tu volevo portare in vita una mia fotografia per pochi minuti. Il film infatti dura solo tre minuti e trenta. Non avevo assolutamente alcuna idea di dove mi sarei trovata una volta iniziato questo progetto, c’è stato tantissimo lavoro, ma ora che so come si fa ti dico che ne voglio fare molti altri in futuro. Fare dei film è completamente un mondo diverso.

Mi piace il dramma ed il melodramma stilistico alla Alfred Hitchcock e David Lynch che evocano i tuoi lavori, me ne parli?

Come ti ho detto i lavori di William Eggleston mi hanno portato ad essere una fotografa, quando ho visto le sue immagini la prima volta non potevo comprendere come qualcosa che al primo sguardo sembrasse uno snap shot mondano potesse drammaticamente avere un effetto sul mio modo di sentire. Questi piccoli e colorati snap shot noiosi cambiarono completamente il mio modo di vivere fino a quel punto. David Lynch è un grande come lo sono stati Fellini e Godard, lui ebbe il talento di mettere queste strane idee che aveva nella testa sulla schermo in modo che tutti potessero vederle. È per me una grande fonte d’ispirazione e mi porta a credere che tutto sia possibile.

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