Nel suo lavoro, Łukasz Leja non rappresenta la mascolinità queer: la abita. Costruisce ambienti come un architetto della memoria emotiva, e poi li anima con corpi che esistono—come fantasmi amati, come amici, come frammenti di sé. La pittura, per Łukasz Leja, non è uno strumento di controllo ma una liturgia del vedere. Ogni gesto, ogni ombra, ogni titolo è un invito a riconsiderare cosa sia davvero l’intimità, cosa resti dell’erotismo quando viene svestito di cliché, cosa significhi oggi, per un artista queer, essere visibile nel mondo.

Se la censura tenta ancora di bandire il desiderio dalle immagini, Łukasz Leja risponde con una pittura che mostra, che non stratifica ma semplifica. Non viene mascherata dall’ironia, ma come un atto politico: nei suoi quadri la sessualità si mostra nuda, diretta e senza censura. In un tempo che fatica ad accogliere la complessità dell’identità queer, il lavoro di Łukasz Leja ci ricorda che il corpo, oltre ad essere un luogo del piacere è uno spazio di conoscenza, di cura, di opposizione, ma non di giudizio.

Questa intervista è una mappa affettiva dello sguardo di Łukasz Leja. Un invito a fermarsi, guardare, sentire.

Il corpo è il tuo soggetto, ma anche il tuo linguaggio visivo. Quando hai iniziato a usare la pittura come strumento per raccontare la mascolinità queer?
Penso per immagini e sono sempre stato attratto dal corpo—i suoi gesti, i suoi movimenti, le sensazioni che suscitano in me. L’arte figurativa è sempre stata per me il linguaggio visivo più onesto, uno che comprendo e sento istintivamente.
Durante il lockdown ho finalmente avuto la quiete e lo spazio per riflettere e riprendere idee che si erano formate silenziosamente per anni. Ho iniziato a disegnare ossessivamente, sperimentare con la pittura a olio, e mi sono iscritto a corsi di pittura classica al Naruki Art Dojo a Brooklyn. È lì che le mie visioni interiori hanno cominciato a prendere forma sulla tela—e da allora non mi sono più fermato.

Hai studiato e lavorato come architetto in diversi continenti. Cosa hai portato dell’architettura nella tua pittura? Costruisci i corpi come fossero spazi?
Studiare e lavorare in architettura è stato un percorso naturale per me—ha rafforzato il mio amore per la rappresentazione visiva, la struttura, la geometria, la prospettiva e la disciplina. Ho imparato a vedere lo spazio in modo analitico: a disegnare a mano e comprendere l’interazione tra forma, luce e contesto.
Questo modo di vedere è entrato nella mia pittura. Spesso inizio con principi architettonici e geometrici, usando griglie come struttura per la composizione e la prospettiva.

Dipingo spesso interni—spazi che ho abitato o immaginato—costruendo prima l’ambiente.
Poi inserisco i corpi in questi spazi—persone reali che conosco, amici, amanti. Compongo con cura le loro pose e modello la luce attorno a loro. La geometria dà ordine all’opera; i corpi le danno vita.

Le tue opere sembrano sospese tra geometria e tenerezza, tra disciplina e desiderio. Ti riconosci in questa dualità?
Sì, e la amo. La tensione tra disciplina e libertà, tra controllo e desiderio, ha sempre modellato il mio modo di vivere e lavorare.

Sono una persona disciplinata e trovo bellezza nella ricerca della precisione—pur sapendo che la perfezione è un’illusione. Fin da piccolo, la struttura mi dava un senso di sicurezza. E paradossalmente, è proprio quella struttura che ha reso possibile la bellezza, l’intimità, il desiderio.

Mi ha aperto porte, creato opportunità e alla fine mi ha portato dalle persone giuste. Mi ha permesso di essere vulnerabile, aperto, tenero e libero—sia nella vita che sulla tela.

Usi titoli come “gl0ry h0le” o “gym bros: dickptych”—ironici e provocatori. Quanto è importante il linguaggio per definire il contesto delle tue immagini?
Mi piace usare ogni strumento che ho per comunicare un’idea—dalla scelta del medium e del formato della tela, alla composizione, i colori, i dettagli e i titoli. Ogni elemento contribuisce a costruire una visione completa.
Il linguaggio è una parte importante. L’inglese non è la mia prima lingua, ma amo i giochi di parole e l’umorismo—è così che ho sempre affrontato la vita.

Voglio che il mio lavoro faccia ridere, sorridere, arrossire, provare qualcosa. Voglio suscitare desiderio, curiosità o riconoscimento. Quella miscela di umorismo, sesso ed emozione—è ciò che sono.

In effetti, più un dipinto è serio, più divertente sarà il titolo che gli darò. Fa parte della tensione con cui amo giocare.

C’è un elemento teatrale o performativo nel modo in cui ritratti la nudità maschile. I tuoi soggetti stanno posando, recitando o semplicemente esistendo davanti a noi?
Non stanno esattamente posando o recitando—stanno esistendo, ma attraverso una lente accuratamente costruita. Come a teatro, dove gli attori sono consapevoli dello spettatore, ma stavolta possono rompere la quarta parete e guardarti negli occhi.

Ogni figura è radicata in qualcosa di reale. I gesti e gli sguardi sono intenzionali, provati attraverso i disegni, poi sospesi nel tempo con l’olio. Non si tratta di catturare un momento fugace, ma di costruirne uno deliberatamente—con cura, peso e significato.

In quanto artista queer, senti il peso o il piacere della rappresentazione? Hai mai paura di essere frainteso—o censurato?
Non sento mai la pittura come un peso. È un privilegio—una gioia—poter creare, esprimermi e persino vivere di ciò che amo. Non ne parlerei mai in termini negativi.
Non credo nemmeno che l’arte debba essere compresa subito. L’ambiguità dà agli altri lo spazio per trovare il proprio significato, ed è lì che, per me, risiede la vera forza. Le persone si connetteranno oppure no e mi va bene così.

Non mi soffermo sulla censura, ma ne sono molto consapevole. Il mio lavoro viene spesso rifiutato da mostre, sostituito con opere meno esplicite, segnalato o rimosso online. I miei account hanno subito cancellazioni di post e restrizioni.

Ma niente di tutto ciò rende il lavoro meno significativo per me. È semplicemente lo specchio dei tempi in cui viviamo. Mi piace pensare che ciò che oggi non può essere mostrato o celebrato, lo sarà tra 50 o 100 anni. E questa convinzione mi aiuta ad andare avanti.

Parlando di censura: le tue opere, anche senza nudità esplicita, sono state bandite dai social. Come vivi questa “invisibilità imposta”?
Mi frustra—la censura mi sembra davvero anacronistica, spesso applicata da persone con troppo potere e poca prospettiva. A volte è semplicemente assurdo—come essere segnalati per un po’ di peluria pubica.
Ma poi mi ricordo che le generazioni prima di noi hanno dovuto lottare solo per mostrare le spalle, le caviglie, le gambe o lo stomaco. Questa prospettiva mi dà forza. Spero di avere una lunga vita davanti a me e se sarò fortunato, potrò celebrare pienamente il mio lavoro mentre sono ancora qui. Per ora, è una lotta, ma una lotta di cui sono onorato di far parte.

L’erotismo che rappresenti non è mai compiaciuto—è stratificato, complesso. Per te è una forma di liberazione, ironia o memoria?
Per me, l’erotismo è senza dubbio una forma di liberazione—ma anche un modo per preservare la memoria. Si tratta di custodire momenti, persone e sensazioni che sono impossibili da catturare pienamente. Con il mio lavoro cerco di onorare quelle esperienze e renderle visibili. Indicano la celebrazione, ed è lì che voglio stare.
L’ironia, invece, non fa parte del mio linguaggio. Ne sono sempre stato diffidente. Sono cresciuto in un contesto molto ironico, e spesso l’ho percepita come una maschera—qualcosa che le persone usano per nascondere la vulnerabilità o evitare la sincerità. Cerco di evitarla.

Qual è il tuo rapporto con la storia dell’arte queer? C’è un artista—passato o presente—con cui senti un dialogo visivo o spirituale?
Ho sempre sentito un forte legame con la storia dell’arte. L’ho studiata a scuola, ho scritto saggi—ma anche prima, da adolescente, cercavo ossessivamente artisti queer su Google. Crescendo, non avevo accesso a quel tipo di opere nel mio ambiente, quindi andavo a cercarmele da solo.

Sento un legame speciale con gli artisti queer che hanno vissuto e creato a New York. A volte non si tratta solo delle loro opere—ma delle loro storie, delle lotte, della sopravvivenza. Artisti come Cadmus, Platt Lynes, Warhol, Wojnarowicz, Haring e Mapplethorpe hanno plasmato il mio modo di vedere l’arte e la vita.

Tra gli artisti contemporanei, Naruki Kukita è stato una grande influenza—sia visivamente che per il modo in cui si muove nel mondo.

Nei tuoi dipinti, il corpo maschile è spesso sezionato, isolato, duplicato. È un modo per controllarlo, celebrarlo o decostruirlo?
È sempre un modo per celebrarlo. Mi concentro sul corpo, la sua forma, la sua presenza e ciò che può fare.
Non sento il bisogno di controllarlo, e anche se ci sono momenti di decostruzione, non è mai per smontarlo ma per onorarlo, fargli spazio, prestargli attenzione. Sempre, viene da un luogo di amore e reverenza.

Sei cresciuto in Polonia—un contesto spesso ostile alle identità queer. Come si manifesta questa tensione nel tuo linguaggio artistico?
Ho lasciato la Polonia subito dopo il liceo. Fin da piccolo, sognavo di andare il più lontano possibile. Crescendo in una piccola città, lontana da qualsiasi centro culturale, non riuscivo a immaginare di restare lì.

I miei genitori non erano interessati all’arte o alle città, quindi non avevo accesso a nulla di tutto ciò. Sentivo di crescere in un luogo che cercava di farmi credere che non ci fosse nulla da celebrare.
Per molto tempo ho pensato che tutta la Polonia fosse come il villaggio in cui sono cresciuto.
Ora, con un po’ di distanza, ho cominciato a vederla diversamente. Ho sviluppato un nuovo tipo di amore per la Polonia.

Sono orgoglioso degli artisti e attivisti che vivono lì, e ci tengo profondamente.
E anche se il mio lavoro non fa riferimento diretto alla Polonia, ne è assolutamente influenzato. La tensione, l’invisibilità, il silenzio che ho vissuto—tutto questo vive nelle immagini che creo.

Cosa cerchi nei tuoi modelli? Sono muse, specchi, fantasmi o frammenti di te stesso?
I miei modelli sono persone reali—amanti, ex, amici, e a volte persone incontrate solo una volta.
Non cerco modelli. Dipingo ciò che conosco, e chi conosco.
Non si tratta mai di bellezza in senso tradizionale o idealizzato ma di connessione. Sono persone a cui tengo, che sono belle dentro e fuori.
Non sono muse o volti assunti. Vedo parti di me in loro, e spero che anche loro vedano qualcosa di sé nel mio lavoro. Forse è un mondo piccolo, limitato a poche persone ma è il mio, ed è questo che lo rende autentico.

C’è un’eco emotiva nelle tue opere, anche quando il sesso è esplicito. Ti interessa anche rappresentare la vulnerabilità maschile?
Assolutamente. La vulnerabilità è una parte enorme di ciò che considero mascolinità e in particolare mascolinità queer. È qualcosa che spesso viene trascurata o dimenticata.

Parliamo di forza, assertività, leadership, voce profonda, barba ma la mascolinità è anche maturità, responsabilità, integrità, essere una guida, difendere gli altri.

Il sesso, nel mio lavoro, è solo una parte del quadro una parte molto umana e quotidiana di ciò che siamo.
Non ho mai avuto l’intenzione di essere un “artista erotico” ma dato che dipingo corpi nudi, quell’etichetta mi è stata subito affibbiata. Non mi disturba, ma per me è solo uno strato. Capisco che possa attrarre alcune persone, e lo accolgo

Il tuo lavoro è stato riconosciuto da istituzioni come la Tom of Finland Foundation. Cosa significa per te far parte di quella linea di artisti radicali?
Significa tantissimo per me. La Tom of Finland Foundation ha sostenuto il mio lavoro fin dall’inizio dal concorso per artisti emergenti, alle collettive negli Stati Uniti e in Europa, fino al far parte della giuria e ora al programma di residenza.
La loro missione va ben oltre la conservazione dell’eredità di Tom mentoreggiano attivamente, proteggono e danno spazio a nuove voci queer. Quel tipo di supporto è raro e profondamente significativo.

Fare arte erotica queer non è sempre visto come un percorso professionale valido, e può essere facilmente emarginato.
Ma grazie a istituzioni come la ToFF, ci viene data visibilità, comunità e l’opportunità di far vedere il nostro lavoro non solo come arte erotica, ma come arte, punto.

“Home is where the h<3rd is” era il titolo della tua prima mostra personale. Oggi, dove si trova casa per te in un luogo, un corpo, un’immagine?
Casa, per me, è New York—e la piccola vita che ho costruito qui.
Non è un divano, una TV o l’arredamento. Sono i luoghi a cui torno, gli amici che amo e a cui tengo, andare in bici per la città, cucinare, assorbire la cultura e cercare di contribuire con il mio lavoro.
È costruire, appartenere, contribuire. Questo è il significato di casa per me.

E sì casa è anche dove mi viene l’erezione.

Hai collaborato con figure radicalmente diverse come Richard Serra e Lady Gaga uno legato al silenzio monumentale, l’altra all’eccesso pop. Cosa hai imparato da questi estremi, e come informano oggi la tua visione artistica?
Ho avuto l’opportunità di progettare per Richard Serra e Lady Gaga in due progetti diversi, mentre lavoravo come designer architettonico, e ho davvero apprezzato entrambe le esperienze.
È quella dualità di cui parlavamo prima due estremi che mi hanno insegnato molto.
Lavorare per Gaga è stato audace, rumoroso, senza scuse. Da Serra, ho imparato la pazienza, la contemplazione e la connessione con la natura.

Al di là delle loro personalità diversissime, anche i progetti erano mondi opposti la frenesia della Strip di Las Vegas contro un padiglione immerso nella natura nello stato di New York.
Io mi trovo da qualche parte nel mezzo un introverso contemplativo, ma anche attratto da opere espressive, audaci e controverse.
Queste esperienze mi hanno aiutato ad abbracciare le mie complessità e dualità, e a onorare il mio vero io.

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Timmi ci mostra una serie di uomini immortalati in momenti insoliti, intimi ma anche in situazioni più studiate e sceniche, mantenendo sempre la carica sessuale che è il fulcro della fotografia di Gods and Boys. Dalla moda alla fotografia Timmi si racconta a TOH! Mettendosi completamente a nudo come i suoi protagonisti: intimi, interessanti e veri.

Chi c’è dietro questo progetto?

Mi chiamo Timmi Taubenschreck e sono il fondatore e il fotografo di Gods & Boys. Sono nato e cresciuto a Berlino nei primi anni ottanta. Dopo alcune tappe in diversi Paesi, sono finalmente tornato a Berlino. 

Perché la scelta di questo nome?

Gods & Boys era il titolo provvisorio quando ho iniziato questo progetto. Per me il titolo descrive la gamma di persone che voglio fotografare. 

Qualche giorno fa ho trovato un mio biglietto con altri titoli a cui pensavo qualche anno fa, come “Vorrei essere il tuo amante” o “Un giorno con Timmi”. Ma “Gods And Boys” è stato il più breve. L’idea era di fotografare uomini bellissimi con un corpo perfetto come un giovane dio e di fotografare anche ragazzi della porta accanto con un corpo normalissimo. 

La sfida è mostrare al pubblico che in ognuno di noi c’è un dio giovane e bello, non importa il tipo di corpo o altri aspetti visivi. 

Quando e come hai iniziato a fotografare? 

Ho iniziato a fotografare all’età di undici anni, quando ho ricevuto la prima macchina fotografica da mio padre: la Canon Prima BF-7 Janosch Edition. Ma per me la fotografia non era un’opzione lavorativa quando più piccolo.Ho studiato storia dell’arte e design della moda, ho lavorato per alcuni marchi e dopo gli studi ho fondato il mio marchio di moda. 

Dopo dieci anni di fashion design a Berlino avevo bisogno di qualcosa di nuovo. L’idea era di fotografare la moda con il know-how di uno stilista. Volevo creare una fotografia senza tempo e narrativa utilizzando esclusivamente la pellicola. Ho lavorato per alcune riviste e marchi a Parigi e Berlino, ho scattato ritratti di modelle per agenzie e ho costruito un team con assistenti e altro. Tutto ha funzionato bene fino all’inizio di Covid.

Ho perso tutti i lavori e gli ingaggi, come quasi tutti coloro che hanno un background creativo. 

Durante il blocco nella primavera del 2020 mi sono concentrato su Gods & Boys, perché trascorrevo quasi tutti i giorni al lago e scattavo foto ai miei amici, postando le foto su Instagram e creando un nuovo hobby.

Chi sono i ragazzi che fotografi?

Gods & Boys è iniziato come un progetto divertente con amici e alcuni modelli con cui lavoravo ed è diventato un diario fotografico molto intimo.

Fin dall’inizio è stato importante per me mostrare il mio punto di vista, fotografare la mia cerchia ristretta: amici intimi, persone da cui mi sento attratto, appuntamenti e amanti. 

Ma ho perso l’essenza di Gods & Boys quando ho iniziato a scattare foto a caso di sconosciuti che mi chiedevano di fotografarli nudi. Il mio progetto non era più il mio diario personale: ero diventato un fornitore di servizi per ragazzi che avevano bisogno di nuove foto. 

Nell’estate del 2022 ho messo tutto da parte e sono tornata alle mie radici: fotografare amici, amanti sexy, situazioni intime e anche qualche amica modella di tanto in tanto. 

Cosa ti eccita di più fotografare?

Amo il suono di una vecchia macchina fotografica analogica e l’odore di un rullino da 35 mm. Mi piace sperimentare con i rullini scaduti e con luci e impostazioni diverse. A volte sono molto nerd quando si tratta di fotografia analogica. Sono una persona molto introversa, ma la macchina fotografica mi aiuta ad avvicinarmi alle persone. 

È anche una specie di scusa per vedere le persone nude. A volte mi sento come un poeta: basta una foto per creare un’intera storia.

È possibile trasformare la situazione più noiosa nel momento più sexy e nella fantasia più sfrenata o trasformare il momento più selvaggio in una situazione molto accogliente e tranquilla, cambiando solo il punto di vista. 

La mia fotografia è sempre reale, ma nessuna delle mie foto dice la verità. 

Credo che questa sia la parte più eccitante del fotografare in generale. 

Qual è il tuo fetish?

Sono un ragazzo gay di base che ama le mutande e i calzini bianchi. Penso che sia il modo più semplice per creare un momento estetico. Funziona sempre sulle foto e anche nella vita privata. È il mio unico fetish che in realtà non è un fetish, perché è la conoscenza di base dei gay. 

Ma sono un grande fan della cultura gay e di ogni aspetto del fetish e delle preferenze in generale. Robert Mapplethorpe: non è il mio genere di feticismo, ma adoro la sua fotografia. 

Come avviene la selezione delle location?

Per Gods & Boys a volte uso degli hashtag per classificare il mio lavoro. #inbedwith #bythelake #homealone e altri. Questi sono i luoghi che preferisco per scattare le foto, perché ottengo risultati piacevoli solo quando le persone si sentono a proprio agio. Per lo più a letto, a casa loro o in estate al lago. Non fotograferei mai le persone in uno studio davanti a un muro bianco. 

Cosa deve avere un ragazzo per essere fotografato?

Indossare calzini bianchi. No, sto scherzando. 

Purtroppo non è più possibile prenotarmi. Funziona in modo un po’ diverso: è più una questione di atmosfera e di situazione. Soprattutto la mia atmosfera personale. Ho bisogno di innamorarmi di un volto o della persona che si nasconde dietro le sue foto/post.

A volte sono affascinato dall’imperfezione, dal carisma o dagli spigoli.

Il ragazzo deve essere aperto a raccontare una storia, e dico sul serio. 

“Raccontami la tua storia mentre ti fotografo”.

Mi piace l’idea di scoprire qualcosa che all’inizio non è evidente.

Che progetti hai per il futuro ?

Per motivi personali, Gods & Boys è diventato un progetto di beneficenza nell’estate del 2020. Una parte del ricavato della vendita delle mie opere viene donata alla ricerca tedesca sul cancro alla prostata. Non è questo il motivo per cui scatto foto, è solo una nota a margine. Ma mi piacerebbe concentrarmi maggiormente sulla beneficenza in futuro.

Vorrei creare un momento di svolta, in cui le mie foto di cazzi aiutino altri cazzi. Al momento sto lavorando a una nuova funzine, una via di mezzo tra un libro e una fanzine. Ma ad essere onesti, non pianifico il mio futuro. A volte sono in grado di pianificare solo i miei prossimi tre giorni e ne sono molto felice. 

In quale parte della casa ti piacerebbe di più vedere uno dei tuoi quadri? 

Dove ti senti più a tuo agio! Io appendo le foto in soggiorno, in camera da letto e nel corridoio. Alcuni amici mettono le mie foto sul frigorifero. Altri mettono le mie polaroid uniche in una cassaforte. Sentitevi liberi, ma io voglio essere visto. 

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John MacConnel è un vecchio amico di TOH! Qualche anno fa si è raccontato esprimendo la sua arte ancora giovane e fresca, che con il passare del tempo l’ha portata a una maturazione notevole. L’arte di John MacConnell è esplosa nella sua totale eleganza, che l’ha sempre distinta. Figure maschili che prima erano schizzi adesso sono più definite creando una vera e propria opera. Dai contrasti del bianco e nero John MacConnell azzarda con colori accessi. I corpi ritratti sono intimi e messi a nudo nel vero e proprio senso della parola.

Quanto e come è cambiata la tua arte da allora?

Nel 2014 ho fatto molti progetti per le mie opere d’arte. Tutte le immagini che ho condiviso erano schizzi a penna e acquerello. I soggetti erano principalmente amici che avevo conosciuto tramite Instagram. Non avevo ancora iniziato a realizzare disegni e dipinti sviluppati.

Questo è iniziato subito dopo l’intervista e nella primavera del 2015 ho organizzato una mostra intitolata Instant Gratification.

Oggi mi concentro sulla realizzazione di dipinti a olio e di dettagliati disegni a matita, ma gli schizzi restano ancora una parte importante della mia pratica.

A cosa stai lavorando ultimamente?

Sono attratto dagli spazi sicuri per le persone queer, fisici e virtuali. Il mio lavoro attuale è ispirato soprattutto dai social media. Le comunità online sono spesso luoghi in cui le persone queer si connettono tra loro quando uno spazio fisico sicuro o la distanza sono un problema.

La storia recente ha dimostrato l’importanza di questi ambienti, che meritano di essere registrati tanto quanto i paesaggi tradizionali. Utilizzando queste comunità online, mi connetto con le persone e collaboro con loro per realizzare il mio lavoro.

Attraverso le mie serie Instant Gratification, Pinch Zoom, Rapid Development e Pictura in Pictura, catturo diversi aspetti delle nostre esperienze con i social media, positivi e negativi. 

Il mio lavoro fa riferimento al vocabolario visivo del mezzo e affronta i temi della connessione, dell’adulazione, dell’idolatria e dell’oggettivazione.

Ci parli un po’ dell’importanza che ha per te la figura maschile nei tuoi lavori? 

La figura maschile è il soggetto principale del mio lavoro. Catturare le persone è il mio interesse e il mio talento. 

Mi sembra che il nudo maschile non sia abbastanza rispettato nell’arte contemporanea. Il nudo femminile è un soggetto accettabile, ma il nudo maschile è demonizzato. 

Per me è importante rappresentare il corpo maschile così com’è: bello, vulnerabile, sensuale, forte e complesso.

Dai tuoi primi lavori a oggi è cambiata la visione del corpo e della sessualità maschile? 

No non è cambiata, il corpo maschile è bello in tutte le sue forme, colori e sembianze. È stato meraviglioso vedere una conversazione crescente nei media sul corpo e sulla sessualità. Speriamo di continuare a vedere ulteriori progressi verso l’accettazione in tutto il mondo. C’è ancora molto da fare.

Cosa deve trasmetterti un uomo per essere protagonista di una tua opera? 

Non ci sono requisiti specifici per essere il soggetto del mio lavoro. Tendo a lavorare con tipi creativi: altri artisti, scrittori, ballerini, attori, ecc. 

Mi piace disegnare persone interessanti. 

Quando lavoro con qualcuno, riusciamo a passare del tempo a tu per tu. Ho conosciuto tante persone di talento e con loro ho avuto alcune delle migliori conversazioni della mia vita mentre lavoravo.

Che progetti hai per il futuro?

In questo momento sto preparando un lavoro completamente nuovo. Ho una mostra a Boston nella primavera del 2023. Era da un po’ che non ero così eccitato per qualcosa.

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Nick Hoover ha un approccio pittorico onesto, dove manifesta la sua consapevolezza nel saper osservare se stesso e il suo ragazzo. Crea un contesto semplice nel quale ci è facile ritrovarsi, offrendo allo spettatore un attimo in cui immergersi e identificarsi.

I suoi dipinti usano il colore e la luce in modo da esplorare la loro importanza sulla pelle dei soggetti nell’attimo in cui la espongono, a se stessi e a gli altri, in un gioco in cui ci si domanda: quanto di noi stessi diamo o esponiamo? 

Lo spettatore diventa per i quadri di Nick Hoover un voyeur di corpi che si stanno dedicando ai propri desideri, dove non si manifestano totalmente come se qualcosa li trattenesse.

E’ disagio di essere totalmente guardati o lo scetticismo sul proprio corpo dato dalla timidezza nel rivelarlo totalmente? 

Questi quadri colgono gesti quotidiani che potrebbero essere presenti nella routine di qualsiasi persona.

Il lato sessuale è ridotto a gesti lievi, come quello di abbassarsi le mutande, come se Nick Hoover trattenesse quello che altrimenti diverrebbe palesemente ovvio e forse scontato.

Chi è Nick Hoover?

Sono un pittore. Vivo e lavoro a Brooklyn, New York.

I tuoi quadri sono intimi e sexy. Spesso i ragazzi si tirano giù le mutande? Come mai?

Penso che le figure nel mio lavoro abbiano una relazione complicata con i loro corpi e con il desiderio. Le figure nei dipinti cercano alla fine di guardarsi dentro, in un atto di contemplazione di sé, ma allo stesso tempo si espongono allo spettatore. Senza contesto, uno spettatore contemporaneo può interpretare questo gesto in diversi modi. È il gesto che conosciamo per segnalare una sorta di proposta sessuale ed è il gesto che segnala il completamento di una sorta di atto di piacere personale.

Chi sono i ragazzi nei tuoi dipinti?

Per lo più io o il mio ragazzo, ma alcuni vengono da ricordi o altri riferimenti.

Che tipo di reazione speri che la gente provi guardando la tua arte?

Penso che una certa quantità di disagio e d’interrogazione sian sempre positive.

Che cosa significa per te l’arte?

Sballo per tutto il corpo.

Qual è la cosa più eccitante che trovi negli uomini?

Il mio terapeuta dice di non rispondere a questa domanda.

Penso che ci sia un forte erotismo nei tuoi quadri, è così esplicito che si percepisce, quanto è importante per i tuoi lavori?

Mi interessa molto il corpo, il desiderio e la semiotica, la memoria e l’identità. Amo dipingere la pelle. Mi piace come può essere esposta. Mi piace il disagio che provoca.

Qual è il tuo punto di vista sulla censura nell’arte?

Wow, va bene. Dove iniziare? Ovviamente penso che la censura sia antitesi dell’arte. Penso che la cattiva arte verrà ordinata in base alla storia dell’arte nel tempo. Credo nel consenso. Penso che le domande sulla proprietà tra artista e soggetto creino una discussione interessante se il lavoro è davvero fottutamente buono.

Se avessi il potere di realizzare un tuo sogno quale sarebbe?

Poter dare di più.

Se pensi alla tua vita in generale o alle persone che hai conosciuto quale ti ha insegnato di più?

Mia madre! Mi piacerebbe pensare che per la maggior parte dei ragazzini gay (soprattutto artisti), questo sia probabilmente vero.

Quanto è importante per te vederti nelle tue opere?

Sono molto inconsapevole quando si tratta di mettermi nel mio lavoro. Non sono sicuro del perché. Non mi preoccupo di piacere a nessuno. Il lavoro può quindi riguardare anche qualcos’altro.

Progetti per l’estate?

Io e il mio ragazzo abbiamo appena fatto un grande viaggio in giro per l’Italia: Roma, Toscana, Firenze e Venezia. Ci farai da guida tu la prossima volta?

Assolutamente sì. Quando volete…

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Gabe Cortese immagina storie di tenerezza e desiderio con sfumature dai tratti comici e drammatici allo stesso tempo. È come se ogni quadro fosse uno specchio che riflette e rivive ricordi passati e analizza situazioni presenti.

Dal lavoro di Gabe Cortese emergono alcuni motivi religiosi che sono stati inseriti per creare una discordanza tra spiritualità e sessualità. Lo stesso accade quando Gabe Cortese da maschio latino gay che è stato circondato come tutti noi dalla cultura del calcio ricontestualizza in chiave ironica queste narrazioni calcistiche. 

Fa emergere la sua esperienza queer ridisegnando quelle specifiche attività radicate nelle tradizioni eteronormative. Ricrea quei momenti di interazione maschile  dove l’amore carnale per lo sport diventa invece ache amore fisico per il corpo maschile dei giocatori.

Un’arte narrativa piena di contraddizioni che sovverte gli stereotipi in qualcosa di nuovo, attraverso l’ironia e l’umorismo è ciò che Gabe Cortese. crea.

Puoi parlarci un po’ di te e del tuo percorso artistico?

Mi chiamo Gabe Cortese e ho 27 anni. Recentemente mi sono laureato con il Master of Fine Arts presso la University of Central Florida e recentemente mi sono trasferito da Orlando, Florida, a Rhode Island. Mi sono sempre considerato un artista, ma ho iniziato a concentrarmi seriamente sull’arte come carriera solo circa 8 anni fa all’inizio del college. Lavoro sia con la pittura che col disegno, ma di recente mi sono concentrato prevalentemente su quest’ultimo.

Il mio lavoro mira a mettere in discussione l’idea di mascolinità e a raccontare ricordi formativi e scatenare desideri.

Come è nata l’idea di concentrarsi sul corpo maschile?

Quando ho iniziato a scoprirmi seriamente come artista, avevo anche iniziato a scoprire ed esplorare la mia sessualità. Avevo circa 20 anni quando ho dichiarato di essere gay ai miei amici e alla mia famiglia, e questo si è sovrapposto all’inizio della scuola d’arte. Naturalmente la pittura e il disegno erano il mio sfogo per interrogarmi e scoprirmi. Ho avuto modo di fare domande attraverso il creare arte e in questa ho ricevuto alcune risposte e molte più domande.

I miei primi lavori sono un sacco di autoritratti che hanno esplorato il mio corpo in situazioni confinanti, come nell’angolo di una stanza o in un soffocante interno psicologico bianco. 

Crescendo come essere umano e come artista, ho iniziato ad espandere la mia pratica per includere i corpi dei miei amici queer. Questi amici mi hanno aiutato a conoscere me stesso e a sentirmi a mio agio nella mia identità, quindi ho sentito che era importante includerli come soggetti principali del mio lavoro.

Il corpo maschile era solo una risposta naturale nella mia pratica. Più di recente, ho studiato la sensazione di un corpo e come posso fondere la sensazione con l’aspetto fisico.

Questa domanda mi aiuta anche a cambiare e spostare la tradizionale “correttezza” dell’anatomia e a creare una figura che mi sembri più onesta.

Mi piacciono molto i tuoi sgargianti corpi maschili. Puoi dirmi qualcosa su questa decisione?

Al liceo ero davvero preoccupato per l’idea di onestà. Onestà in tutte le parti della mia pratica. All’inizio, avevo pensato che dovevo disegnare il corpo maschile nel modo in cui era sempre stato disegnato: rigido, stoico e idealizzato.

Ho trovato così tanta libertà nel mio lavoro una volta che ho abbandonato quelle idee e ho iniziato ad astrarre ed esagerare il corpo.

Mi chiedevo: “Come si sente il mio corpo e come sono diverso da tutti gli altri?” Ho trovato tante risposte nelle linee gestuali fluide che puoi vedere in tutti i miei lavori. 

Quella linea fluida non era il contorno rigido di generazioni di rappresentazioni maschili, ma era un segno fluido e sciolto con cui potevo relazionarmi. 

Mentre stavo creando il mio lavoro più recente “Flirting With A Shadow”, ho ritenuto necessario identificare la qualità formale della linea con una parola che mi fosse familiare. 

Flamboyant sembrava naturale. Questa parola ha guidato la mia apertura nell’esplorare questa linea rapida, decorativa, vorticosa e sciolta nel mio lavoro ed è diventata una parte consistente dei miei dipinti e disegni.

Che tipo di sentimenti ti piace comunicare attraverso la tua arte?

Mi piace comunicare un senso di contraddizione nel mio lavoro. Cerco di mantenere la narrativa del mio lavoro sciolta.

È quasi come se stessero cercando di raccontare una storia, ma senza una conclusione.

Penso che questo possa essere visto in quasi tutti i pezzi che realizzo. Come in questo grande dipinto intitolato “collisione”, questi grandi corpi massicci sono uno spettacolo e tuttavia sono colti in un momento di precarietà.

Si stanno sbattendo l’uno contro l’altro con forza estrema e scivolano a capofitto in modo umiliante sul campo. C’è stato un momento nel realizzare il dipinto in cui ho ricordato i miei orribili ricordi fallimentari a calcio quando ero più giovane e l’umiliazione che ho provato per quella prestazione fallita sul campo.

A parte la semplice contraddizione, penso che tutte le situazioni di amore e desiderio siano importanti per me. Amore non corrisposto, desideri segreti e amore realizzato. Trovano sempre un modo per entrare nel mio lavoro.

Ci sono momenti di tenerezza e grottesco come si fa a far convivere questi due aspetti?

Assolutamente! Questa è una parte così importante del lavoro. Penso che giochi in questa idea di contraddizione e letture multiple. Credo al corpo umano e alla sua bellezza, ma penso anche all’abiezione che abbiamo anche nei confronti del corpo umano. Siamo simultaneamente innamorati dei corpi e disgustati da loro. Penso che ci sia qualcosa di veramente interessante in questo rapporto, specialmente come artista figurativo.

Quanto è importante il desiderio nel tuo lavoro?

Il desiderio è una parte enorme di come penso a queste composizioni e queste storie. Molte delle idee sono scaturite dal richiamo dei miei ricordi d’infanzia di desideri tranquilli e amore represso. Mi piace lavorare spesso con il tema dell’uomo, del fiore e mi piace pensare a questo come a una storia d’amore non corrisposta tra quest’uomo e questa cosa che è “altro”. C’è un intenso attaccamento e desiderio tra i due in ogni disegno o dipinto.

Cosa pensi dell’arte queer oggi?

C’è così tanto lavoro da fare oggi che è indispensabile per espandere la definizione di “esperienza universale” e io sono qui per questo. Penso che la rappresentazione in generale sia così importante da vedere e sono davvero entusiasta di vederlo accadere intorno a me.

Penso che quando ho iniziato a fare arte ero preoccupato che fosse iper concentrato sull’essere solo sulla mia sessualità che ho dimenticato di altre parti della mia identità.

Come il modo in cui la mia cultura, la mia sessualità e la mia identità di genere potrebbero convergere. Ora sono in un posto in cui sono felice di esprimere la mia molteplicità ed esplorare cose oltre il semplice sesso, pur considerando come tutte queste cose si intrecciano.

Come artista queer cosa pensi della censura?

La censura è una cazzata. Penso che riuscire a lavorare sull’intimità, l’amore, la vicinanza e il dolore faccia parte del processo di guarigione dai traumi formativi.

Penso che quando le istituzioni censurano la nudità e i corpi intimi, gioca in un’ideologia dannosa secondo cui il sesso e i corpi umani sono qualcosa di cui vergognarsi. Come se non fosse naturale per gli umani desiderare, esprimere e rivelare.

È politico e radicale fare un lavoro che riguardi i corpi, specialmente quando quei corpi esistono al di fuori di uno standard eteronormativo.

C’è sessualità e spiritualità nel tuo lavoro, puoi parlarne?

Ho avuto un rapporto difficile con la religione. Vengo da una famiglia di mormoni e da una cultura radicata nel cattolicesimo. Da ragazzo molto appariscente, avevo sempre sentito “l’alterità” in relazione alle aspettative di ciò a cui un uomo avrebbe dovuto aspirare ed essere nella società. 

La religione ha giocato un ruolo importante nella mia decisione formativa di reprimere i desideri e l’amore e, a sua volta, ha creato tutti i sentimenti di contraddizione e confusione intorno a come mi sono espresso. Per questo motivo, mi ritrovo a fare costantemente riferimento alla pittura e all’iconografia religiosa nel mio lavoro. È un modo per me di sovvertire la religione e fonderla con la sessualità per creare una narrativa poco chiara che attiri e stimoli la riverenza che l’immaginario religioso tradizionale ha.

Anche tu sei latino come noi e immagino che tu sia sempre stato circondato dallo scenario calcistico come succede a noi italiani. È stato così divertente vedere la tua rappresentazione calcistica. Puoi parlarne?

Il passaggio a concentrarmi sull’immaginario calcistico, sui giocatori di calcio e sullo sport stesso, è venuto dal mio desiderio di indagare un po’ di più sulla mia identità culturale di argentino, portoricano, italiano e su come si relaziona alla mia identità di uomo gay.

Il calcio era estremamente importante per la mia famiglia e guardavo sempre al loro fianco durante le partite. Ripensando a quei ricordi, penso a come è stata la prima volta che ho sentito di poter guardare senza vergogna gli uomini esibirsi per me, senza sentire il bisogno di distogliere lo sguardo. Era come se l’amore e l’ammirazione per questi uomini fossero universali.

Quando ho iniziato a esplorare il tema del calcio, ho sentito che era importante far sembrare il lavoro una glorificazione del gioco, ma renderlo molto più che un semplice gioco di calcio. Gli uomini in queste composizioni hanno un enorme senso di umiltà e stupidità nelle loro esibizioni. Cadono di faccia, vengono colpiti dalla pioggia, cercano di nascondere un’erezione e si ritrovano in tranquilli momenti di contemplazione dopo la partita. È stata un’esplorazione entusiasmante e ha solo aggiunto agli strati di significato con cui sono stato in grado di lavorare nella mia pratica.

Stai combattendo contro alcuni stereotipi?

Penso decisamente agli stereotipi nel mio lavoro. Soprattutto quando esagero i gesti, le espressioni facciali e i corpi. Non cerco di guidare le decisioni dello spettatore, ma piuttosto mostro questi stereotipi che sono stati attribuiti alla mia esperienza di mascolinità e queerness, e permetto loro di esprimere i propri giudizi. 

Mi piace l’idea che questi disegni e dipinti siano piccole storie su una confusa bussola morale e la risposta dello spettatore sia un riflesso della propria vita e dell’esperienza vissuta.

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Sebastián Delgado mixa la cultura popolare a scene di sesso con tocchi di ironia. I soggetti che illustra variano da uomini vestiti da toreri, in abiti da dame e ovviamente in uomini nudi. Sono spesso accompagnati da soggetti iconici come ad esempio il logo della nota catena di fast food McDonald’s o dallo stesso personaggio immaginario Ronald Mcdonald’s. Nelle illustrazioni di Sebastián Delgado possiamo notare il suo forte legame con gli animali, e un richiamo all’arte medievale illustrata nella carte dei tarocchi. I suoi lavori sono molto chiari e leggibili con tocchi neutri nello sfondo e picchi di colori accesi che ne fanno da contrasto.

Ciao Sebastian, ci racconti un pò il tuo percorso artistico?

Ho sempre desiderato diventare un artista e un designer. Ho iniziato a realizzare collage digitali nel 2012 mentre studiavo fashion design, da allora vendo i miei lavori e lavoro come grafico. Due anni fa ho acquistato un iPad e ho iniziato a disegnare in digitale. Mi sono innamorato di questo modo di creare arte.

I tuoi lavori prendono come riferimento alcune tematiche come l’arte circense, la corrida  spagnola, il logo di McDonald’s, come mai questa scelta?

Mi piace mescolare e giocare con la cultura popolare, creare ironia con i miei disegni e scioccare le persone!

Una delle tue opere che mi ha colpito maggiormente è intitolata “Toxic di Britney Spears”, ci parli un po’ della scelta di questa opera e del titolo che gli hai attribuito?

Ho avuto una relazione molto tossica e volevo rappresentarla con due persone che facevano sesso, una di loro è un demone che ha il potere e l’altra è un ragazzo che è il sottomesso. Mentre disegnavo quella scena mi è venuta in mente la canzone di Britney e così che è nato il titolo.

Insieme agli uomini nudi che vengono illustrati nei tuoi lavori, troviamo tantissimi animali, perché?

Amo gli animali e la simbologia di ognuno di loro. Li uso perché penso che ammorbidiscano e naturalizzino le scene di sesso.

Come definiresti la tua arte ?

Eclettica, ingenua, romantica e sexy.

I tuoi lavori ricordano un po’ i disegni che troviamo nelle carte dei tarocchi come ad esempio la collezione After Tarot, c’è un legame a esse?

Sono molto ispirato dalle immagini dell’alchimia medievale che i tarocchi possiedono.

Cosa ti trasmette illustrare degli uomini nudi?

Cerco sempre di rendere i personaggi molto naturali, senza vergogna ma fragili e indifesi.

Le scene di sesso che illustri variano da quelle forti e crude a quelle più soft e romantiche, come mai? 

Per due motivi; Il primo penso che il sesso possa essere entrambe le cose e secondo voglio rappresentare i miei desideri e le mie paure sessuali.

A quale dei due modi di interpretare il sesso ti senti più affine?

Un mix di entrambi, cattivo e romantico!

La Spagna, in particolare Madrid, la tua città, riesce a far vivere al massimo la tua libertà sessuale? In che modo?

Credo di sì, cerco di vivere la mia sessualità con libertà, ma penso che la cosa che mi aiuta di più in questo modo sia la fiducia nelle persone che ammiro.

Gli atti sessuali illustrati provengono dalla tua fantasia, o vengono realizzati dopo un’esperienza vissuta in prima persona?

Questa è una cosa a cui penso molto. Sono sicuro che la gente pensa che io abbia una vita sessuale impegnativa, ma invece non è cosi. Disegno quelle scene sexy perché mi piace l’erotismo e il sesso, ma non a causa delle mie esperienze o almeno non sempre.

Gli uomini che sono protagonisti delle tue opere, sono personaggi immaginari o reali?

Entrambi, a volte creo il personaggio da zero, altre volte disegno me stesso e le persone che mi piacciono o che voglio sposare.

Che progetti hai per il futuro?

Ho due occupazioni; lavoro come artista e lavoro anche in un negozio, ma vorrei lasciare il secondo ed essere un artista al 100%.

C’è qualcosa che vorresti illustrare in particolare ma che ancora non hai avuto modo di fare?

Vorrei iniziare a disegnare sfondi sui miei disegni, è una sfida.

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Richard Kilroy attraverso le sue opere è riuscito a farsi notare al punto da entrare a far parte di una mostra collettiva realizzata da Dior nel 2010 e realizzare nel 2017 l’artwork per l’album Diamonds del leggendario Elton John. Ha inoltre collaborato con brand noti della moda. Lo stile di Richard Kilroy dall’inizio del suo percorso artistico ad ora è cambiato notevolmente. Prima realizzava dei soggetti con uno stile realistico e scontato, che però non gli apparteneva, tanto da farlo stare male.  Adesso è riuscito e continua a sviluppare un nuovo stile e modo di illustrare. Blocchi dello stesso colore sono le sue figure umane che disegna, uomini dal fisico scultoreo che ricordano le figure greche. Forme molto essenziali e grafiche che riescono a formare le sontuose forme del corpo maschile. Richard Kilroy trae ispirazione da vecchie riviste gay o semplicemente dalla sua immaginazione. 

Richard oltre ad essere un illustratore è anche editor e scrittore, fondatore della fanzine Decoy che spera di poter riprendere il prossimo anno dopo cinque anni di assenza.

Come e quando è nata la tua passione per l’illustrazione?

Penso che proprio come ogni bambino, che abbia un potenziale talento, quando viene elogiato e riceve approvazioni per i propri disegni, ha fatto nascere in me il desiderio di avere successo in questo ambito godendone i risultati. A scuola disegnavo di tutto: videogiochi, cascate, alberi, macchine ed edifici. I personaggi dei videogiochi in particolare con i loro corpi e costumi da combattimento sexy, solitamente più di donne che uomini. 

Comunque la mia prima vera ossessione da illustratore è stata per l’Art Nouveau, in particolare per Alphonse Mucha, con la sua linea grafica, le composizioni incredibili e le esagerazioni di forme naturali ed i tessuti erano totalmente nuove per me.

Le figure umane che disegni spesso sono colorate interamente dello stesso colore, perché questa scelta?

Questo è solamente il risultato di aver voluto esplorare il colore dopo aver trascorso anni utilizzando il colore minimale, affrontando i miei limiti. Mi ero davvero stufato del mio stile.  Dopo dieci anni ,mi sono sentito in un vicolo cieco a livello creativo. Ero frustrato dal tipo di commissioni che il fotorealismo incoraggia a dover fare.  Non ero abbastanza ispirato. Il fotorealismo è un campo minato  se non stai attento può diventante banale.  

Alla fine non ce la facevo più, era un continuo realizzare dei ritratti a persone che non trovavo così eccitanti e impiegavo tanto tempo a terminare l’opera.

Ho raggiunto il picco in una commissione per realizzare l’artwork promozionale dell’’album Diamonds di Elton John nel 2017. Mi hanno pagato molto bene e ne sarò per sempre grato, ma piuttosto che aprirmi le porte, per me è stata più la chiusura di un capitolo.

Posso ancora fare dei lavori simili se i soldi sono tanti, ma il mio cuore non è lì in questo momento. Ecco perché ho iniziato a cambiare il mio modo di illustrare, anche se è stato un po’ più lento di quanto avrei voluto ed è ancora in evoluzione.

Mi piace disegnare, utilizzando tutta la pagina. Ho evoluto anche la linea della silhouette. Tutto si riduce alla forma, ho un occhio naturalmente grafico per forma e composizione. Trovo che disegnare curve femminili non mi entusiasmi più. Sono ossessionato dalle linee che il corpo maschile può offrire, ovviamente spinte dalla mia carnalità di uomo gay.

Tra i tuoi lavori troviamo diverse illustrazioni di moda di noti brands come Gosha RubChinskiy, Balenciaga, Vivienne Westwood, sono state delle collaborazioni volute da loro o è stata una tua scelta illustrarli? Cosa ti piace e ti accomuna a loro?

La maggior parte sono commissioni per magazine (online e cartacei). Solo pochi sono stati direttamente richiesti dai brand, come Canali e John Smedley. Come gli illustratori di moda e gli artisti in generale, ci esprimiamo attraverso le nostre scelte creative. Le mie scelte erano solitamente dettate perché trovavo un modello particolare interessante e l’abbigliamento era qualcosa che invece avrei voluto indossare. Detesto disegnare abiti in particolare qualcosa di incredibilmente complesso come la maglieria.

Nel 2010 la casa di moda Christian Dior, ti ha commissionato di realizzare un disegno per la mostra Dior Illustrated, come ti sei sentito a far parte di questo grande evento? 

Sono stato molto molto fortunato. Avevano pianificato qualcun altro ed io ero l’opzione successiva.

Ero appena uscito dall’università, al verde e poco professionale. Non sapevo chi fosse René Gruau l’artista su cui si basava l’intera mostra. Pensavo che i soldi fossero fantastici, ma ripensandoci non lo erano, ma è va bene così.

Oggi non ho più quel metodo di illustrare, era troppo letterale e rigido, anche se credo ancora oggi  di aver risposto concettualmente bene al brief che mi fu richiesto. È stato il mio primo cliente al di fuori dell’università e rimane ancora oggi  il più prolifico. Il cliente era Dior Parfums e Somerset House.

Parlando di arte erotica, troviamo anche delle illustrazioni di uomini nudi, cosa ti suscita disegnarli? 

In parole povero sono gay e mi piace il maschio nudo. Creo partendo dall’immagine che trovo di modelli e foto vintage porno, o semplicemente libero la mia immaginazione. Non mi eccito o masturbato mentre lo faccio. Adoro Tom of Finland, ma non mi eccita guardare il suo lavoro.

Come in qualsiasi livello di attrazione naturale, il tuo sguardo si ferma maggiormente su ciò che trovi bello e sorprendente. Vuoi trasformare quell’apprezzamento in qualcosa di tangibile e condividerlo in qualche modo.

Cosa pensi dell’arte queer? 

È uno sbocco inestimabile per secoli di repressione, il risultato di tale cambiamento e l’ accettazione sociale negli ultimi decenni.

Gli uomini che ritrai hanno sempre un bel corpo equilibrato, cosa ti piace in particolare del corpo maschile ? 

Qualunque cosa! Qualcuno ha paragonato i miei disegni ad una qualità greca del disegno figurativo. Tutto ciò non è stato deliberato o considerato, ma posso comprendere come mai questo venga affermato.

Oltre ad essere un illustratore sei anche un redattore e scrittore, come riesci a conciliare tutte le tue mansioni? 

L’editor e la scrittura non sono qualcosa che ho fatto da cinque anni. Alcuni anni fa ho creato la mia fanzine “Decoy”, e  Menswear Illustration un libro che ho scritto per una casa editrice sull’illustrazione dell’ abbigliamento maschile. Stavo lavorando al numero nuovo di Decoy, in lavorazione dopo cinque anni dall’ultimo numero, si stava trasformando in qualcosa di eccitante con altri fantastici illustratori queer, ma con il covid e il lockdown tutto quello che avevo pianificato è diventato molto più difficile o semplicemente impossibile. È in attesa a tempo indeterminato, spero che possa riprendere nel nuovo anno.

Di cosa scrivi ?

Solo sul lavoro di altri illustratori e influenze.

Hai degli artisti del passato o dei giorni oggi a cui ti senti molto legato stilisticamente e umanamente ? 

Un’enorme influenza per me è stata George Stavrinos, un illustratore americano tragicamente morto di AIDS nel 1990, all’età di 42 anni. È stato uno dei pochi illustratori a lavorare nello stesso tempo sia come noto illustratore in riviste di moda che in riviste gay come Blueboy. Il suo approccio agli uomini era particolarmente sexy.

Ho creato un instagram all’inizio del lockdown per celebrare il suo lavoro (@georgestavrinos), ma è molto difficile trovare immagini ad alta risoluzione dei suoi lavori. Per vari motivi il suo lavoro non è mai stato promosso e ricordato in modo efficace. Ho trascorso innumerevoli ore a ricercare, archiviare e pubblicare ogni giorno per diversi mesi i suoi lavori. Da allora, un bel po’ di noti designer dell’industria della moda e figure giornalistiche hanno seguito l’account ,e hanno inviato messaggi per dire quanto amavano il suo lavoro e cosa significava per loro, felici di rivivere tutto di nuovo e di far rivedere il lavoro di George Stravrinos. È stato un vero privilegio per saperne di più oltre alle sue capacità tecniche, parlare con i suoi amici e quelli che lo conoscevano.

Che rapporto hai con la movida lgbtq+ londinese?

Beh, assolutamente nessuno quest’anno. Vorrei poter uscire ma non esco come una volta. A Liverpool e Leeds non c’era niente e non ho mai veramente fatto nessun tipo di esperienza o parte di una comunità significativa.

Spostandomi dal nord ho aperto gli occhi al sesso e ho affrontato le mie insicurezze. Trasferirsi a Londra mi ha aperto gli occhi, il pensiero di uno strip club ad esempio mi terrorizzava. Odio ancora quei luoghi, l’insicurezza e la disperata ricerca di convalida che gocciola dai muri.

Non mi sono mai piaciute la scene gay di South London o Soho, che sono troppo sexy o semplicemente trappole per turisti. East London ha sicuramente una forte comunità creativa lgbtq + intrecciata con la moda e l’arte, ed è qui che ho creato delle amicizie e sono riuscito a connettermi con questi luoghi.

Che progetti hai per il futuro?

Sviluppare ulteriormente il mio lavoro. Vorrei magari poter perdere tutto il peso che mi blocca, e vorrei prendermi più cura di me stesso e della mia salute mentale. Vorrei riuscire ad apprezzare il poter disegnare anche qualcosa di diverso dalla forma maschile. Una cosa alla volta però.

L'articolo Richard Kilroy e la passione per il corpo maschile. proviene da Toh! Magazine.