Domingo El Chino è cresciuto a Mérida, tra rovine romane e sculture di nudo che gli hanno insegnato, fin da piccolo, che il corpo non è mai peccato, ma memoria, verità, bellezza. Formatosi tra le aule dell’Università di Barcellona e le strade del mondo, oggi è uno degli artisti più sensuali, ironici e liberi della scena queer europea. Le sue opere sono una dichiarazione di intenti: gioiose, carnali, sempre in bilico tra tenerezza e trasgressione, tra erotismo e spiritualità pop.

Per TOH! Domingo si racconta senza pudore e senza posa: dalla scoperta della pittura con un maestro sordo, ai suoi baci ribelli tra uomini, passando per l’arte come strumento politico, intimo e necessario. Un’intervista che è come lui: intensa, colorata, sexy, e dannatamente viva.

Mettetevi comodi. O meglio, scomodi.

Quando hai iniziato a dipingere?

A quanto pare, avevo già un certo talento per i disegni complessi fin da piccolo. A otto anni, i miei genitori mi portarono a prendere lezioni di pittura a olio nello studio di un pittore locale. Lui si dedicava alla riproduzione di opere del Barocco spagnolo: Velázquez, Zurbarán, Murillo… Io ero impegnato a imparare come costruire una composizione, lavorare sugli sfondi, e mi cimentavo già con nature morte semplici.

La cosa magica di quell’apprendistato era che il maestro era sordo e muto, quindi dovemmo inventarci un nostro metodo di comunicazione.

Più tardi, questo pittore lasciò il paese in cui vivevo con la mia famiglia, e fu il parroco a prendere il suo posto nell’insegnarmi a dipingere. Dipingeva in stile impressionista, e mi insegnò a usare tutta la gamma dei colori.

Cosa significa per te l’erotismo?

Vengo da Mérida (Spagna), l’antica capitale romana della penisola iberica. Sono cresciuto circondato da sculture di nudo ed opere pittoriche erotiche. L’erotismo è sempre stato molto presente nella mia vita, e sempre legato all’arte. Quando ho frequentato l’Accademia d’Arte a Mérida, ho iniziato a disegnare e dipingere imitando le sculture greche e romane. Lì ho cominciato a comprendere la natura sinuosa della curva e a lasciarmi andare, superando le inibizioni nel rappresentare genitali, pose e altre parti anatomiche legate all’erotismo.

Ho sempre associato l’erotismo all’arte e lo considero una parte fondamentale della vita.

Oggi vedo l’arte omoerotica come uno strumento molto potente per la visibilità della comunità LGBTQIA+ e come un’arma per combattere tutte le posizioni radicali che cercano di sopprimere i diritti di persone omosessuali, bisessuali, transgender e di altre identità.

Il sesso è, senza dubbio, un elemento centrale nella tua arte. Come lo descriveresti?

Il sesso non si può descrivere a parole, perché è un linguaggio non verbale. Per questo uso l’arte per affrontare quel tema.

Se dovessi provarci, lo definirei come una forma di relazione—una relazione umana antichissima, in cui le persone usano i loro corpi, il respiro, i fluidi e le voci per generare un’energia reciproca e piacevole. Per me, questo è il sesso sano, e sì, credo che ci sia sempre una componente d’amore.

Trovo molto interessante il tuo uso del colore. Come nascono i contrasti e le combinazioni?

Dipingo per rendere il mondo più bello. Per me, il colore è stimolante e dona vitalità all’immagine. È una sorta di catarsi. Penso a chi guarda i miei quadri, e voglio che provi piacere non solo per la scena rappresentata, che a volte può essere cruda, ma anche per il gioco. Il gioco, il divertimento, l’intrattenimento e la gioia sono elementi fondamentali nel mio lavoro.

Per me, l’amore è collegato alla luce, in un senso profondo o spirituale.

Cosa ti emoziona di più quando dipingi?

Senza dubbio, i baci tra due uomini mi sembrano il gesto più rivoluzionario di questa epoca. Sono le scene che amo di più dipingere. Sono anche le più difficili, perché bisogna stare molto attenti con i pennelli: una pennellata sbagliata può cambiare completamente il risultato. I peni sono facili da dipingere e, per me, meno stimolanti. Anche se una bocca vicino a un pene è, in fondo, un altro tipo di bacio. Ma per rispondere alla tua domanda: sì, i baci sono ciò che preferisco dipingere.

Le scene che rappresenti sono tratte da esperienze reali?

In realtà ne ho praticate alcune, quelle più comuni. Non ho vissuto abbastanza per sperimentare tutto ciò che dipingo. E nemmeno vorrei.

Penso che la fantasia sia un elemento molto importante della sessualità, sia individuale che condivisa.

Dipingo molte fantasie tratte dalla memoria collettiva più che da esperienze personali. Le mie esperienze sono molto normali. Non ho un catalogo così vasto come quello che rappresento nei miei quadri, ahah. Non scopo così tanto.

Come definiresti il tuo stile pittorico?

Il mio stile è sicuramente libero, sciolto. Una pennellata troppo rifinita produrrebbe un risultato completamente diverso.

La gioia, la spontaneità e quel po’ di caos sono più in linea con l’idea di sesso ed erotismo che ho in mente.

Altrimenti, tutto risulterebbe molto serio, e secondo me la vita non è una cosa seria.

Nelle tue opere si alternano tenerezza e momenti di dominazione. Come spieghi questa dualità?

Come dicevo prima, la fantasia è un forte motore per la rappresentazione. So che ci sono persone che si sentono a proprio agio sia nel ruolo dominante che in quello sottomesso, ma non è il mio caso. Mi interessa di più osservare come le persone che vogliono sperimentare usano elementi formali di altre pratiche sessuali per divertirsi e conoscersi meglio. Per me, la salute sessuale—basata sul rispetto e il consenso—è l’aspetto più importante nella sfera affettiva e sessuale di una persona.

La tenerezza si combina facilmente con il piacere sessuale.

Gli esseri umani, a prescindere dal genere o dall’orientamento sessuale, anche le persone asessuali, sono esseri sensibili e apprezzano le attenzioni. È la base della felicità e del benessere.

Hai mai raffigurato un’esperienza personale in una tua opera?

No. Mai. Alcune opere possono somigliarvi, ma non è qualcosa che mi interessa.

Tuttavia, ho ricevuto commissioni da persone che hanno fotografato i loro momenti sessuali e mi hanno chiesto di dipingerli. Per loro è qualcosa di speciale.

Ho persino clienti che mi hanno chiesto di dipingere i loro genitali e poi li hanno esposti in casa. Tradizionalmente, questa si chiamava “arte da camera da letto”, e non è una novità. Possiamo pensare a Francisco de Goya, Andy Warhol, Tom of Finland, ecc.

Se dovessi associare una canzone alla tua arte, quale sceglieresti?

Silence Is Sexy degli Einstürzende Neubauten.

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L’arte di Gaspard si nutre di molteplici elementi: moda, lusso, design, ma anche di un feticismo ben riconoscibile, come quello per i capelli. Una vera e propria ossessione nel rappresentarli lucenti, illuminati da una luce magnetica. Anche i gioielli ricorrono spesso nei suoi lavori, preziosi come i tessuti dei divani che sembrano appartenere a raffinate dimore parigine, evocando un’atmosfera di opulenza, ma anche un seducente senso di oscurità.

Da dove provengono le tue immagini? C’è una ricerca digitale dietro o sono frutto della tua immaginazione?

Uso sempre la fotografia come punto di partenza per i miei dipinti. La maggior parte delle immagini proviene da internet. Non è una scelta deliberata: non pongo limiti alle fonti. Alcune foto sono di amici, altre persino mie. Ma online c’è una tale abbondanza di soggetti potenziali che finisco per attingere soprattutto da lì.

La luce artificiale ha un ruolo centrale nelle tue opere, al punto da sembrare quasi un personaggio. Come descriveresti il tuo rapporto con la luce?

Mi piace come hai definito il ruolo della luce artificiale: è davvero un personaggio, forse addirittura il protagonista. Scelgo i soggetti proprio per il modo in cui interagiscono con una luce intensa e innaturale.

Nelle tue opere il tempo sembra essersi fermato, anche se si percepisce un’attesa… C’è qualcosa che stai aspettando nella tua vita?

All’inizio volevo fare il regista, ma non ho alcun senso del ritmo. Forse è così che esprimo il tempo: creando immagini estremamente statiche, illuminate in modo quasi teatrale, ma cariche della sensazione che qualcosa stia per accadere.

Sì, sto sempre aspettando qualcosa.

Quanto di te stesso – della tua intimità, delle tue fragilità, ma anche della tua forza ed energia – c’è nei tuoi lavori?

Metto quasi tutta l’energia che ho nella pittura e in ciò che la circonda. Non ho molto da nascondere. Si può dire che sono completamente presente nei miei dipinti.

Che rapporto hai con elementi come gioielli, fiori e capelli?

Come dicevo, scelgo i soggetti soprattutto per il modo in cui reagiscono alla luce artificiale. Capelli, gioielli e fiori hanno una risposta visiva molto intensa sotto certi tipi di luce. E poi, se collocati in certe situazioni, possono facilmente assumere un’aura enigmatica.

Il mistero, per me, è sempre un valore nell’arte.

Anche se in modo non esplicito, trovo che i tuoi lavori emanino una forte carica erotica. È così?

Sì, l’erotismo – come il mistero – è un ottimo modo per catturare l’attenzione delle persone.

Se ti dico “sesso”, cosa ti viene in mente in relazione all’arte?

La prima immagine che mi è venuta in mente è «La Venere allo specchio» di Velázquez, ma solo perché guardo troppi quadri di Velázquez. Poi, stranamente, ho pensato a un’opera in cui non c’è nessuno: «A Bigger Splash» di Hockney.

Hai appena concluso una mostra presso la galleria Prima di Parigi. Raccontaci com’è andata.

È stata un’esperienza bellissima. I galleristi sono stati straordinari: mi hanno persino lasciato scegliere il titolo della mostra. È stata la prima volta che mi è successa una cosa del genere!

Hai nuovi progetti in cantiere?

Mi hanno contattato un paio di gallerie. Vedremo cosa succede.

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Per Artur Grucela è importante far emerge l’impotenza dell’individuo rispetto a madre natura. I soggetti maschili dei suoi quadri sono inseriti in contesti naturali sempre in bilico tra qualcosa di idilliaco e qualcosa di incontrollabile. 

Nei quadri di Artur sono sovente rappresentati contesti con elementi indistinti di un paesaggio aspro, che spesso ricorda un’ambientazione post-apocalittica o un paesaggio simile all’inferno dantesco. Artur sovente utilizza miti, storie e simboli tratte dalla letteratura e dalla storia dell’arte romantica e neoclassica.

Quello che si evince nei suoi quadri è la precarietà del momento, che può cambiare improvvisamente, perché noi non abbiamo alcun controllo sull’ambiente circostante, ma sicuramente potremmo vivere con esso in maniera rispettosa e consapevole. Come nei quadri di Artur dove gli uomini sono condizionati dall’ambiente e solo nella riconciliazione definitiva con la natura possiamo ritornare a essere liberi.

Potresti parlarmi del tuo background? Di dove sei Artur?

Vengo da Piwniczna, una piccola cittadina di montagna situata in una valle fluviale nel sud della Polonia. Sono cresciuto a contatto con la natura in un posto bellissimo e pieno di spazio. Ho trascorso la maggior parte della mia vita lì. Molte persone vivono ancora lì al ritmo delle stagioni, in un forte legame con la natura. Lì sono ancora forti le vecchie tradizioni e le vecchie credenze. Nella mia famiglia non c’erano alcuna tradizione artistica di alcun genere, ma a un certo punto è diventato il mio interesse principale.

Ho molta curiosità per la natura e questo mi ha motivato a cercare per conto mio le informazioni che mi interessavano.

Quando hai iniziato a dipingere?

Il primo contatto con i colori sono state le lezioni d’arte alla scuola elementare. In precedenza disegnavo da solo e lo faccio da quando ricordo. Ho dipinto i miei primi quadri a olio in maniera consapevole e di cui ero soddisfatto a 20 anni. Da allora è iniziato un lungo processo di autoeducazione e miglioramento.

Il rapporto tra uomo e natura è molto presente nelle tue opere. Qual è la tua opinione di questa relazione oggi?

L’uomo ha perso il contatto con la natura e a certe cose non c’è ritorno. Questa consapevolezza può essere schiacciante e naturalmente ci sentiamo persi in una situazione del genere, soprattutto considerando la crisi climatica.

Tuttavia, non tutto è perduto, alcune relazioni possono essere ricostruite. Sono felice che il livello di consapevolezza ecologica tra i giovani sia in aumento e che abbiano preso l’iniziativa di prendersi cura dell’ambiente con le proprie mani. Ciò fa ben sperare per il futuro.

Credi che l’uomo sia mai riuscito o riuscirà mai a vivere in perfetta armonia con la natura?

Sono convinto che ci siano stati momenti nella storia umana di completa armonia tra uomo e natura, legati al rispetto e alla cura delle risorse naturali. Purtroppo, l’altra parte dell’umanità, egoista e avida, ha scosso questi principi. Io però sono ottimista e credo che l’uomo un giorno ritornerà alla piena armonia con la natura, grazie alla ragione e alla scienza.

Sembra che i tuoi personaggi non abbiano alcun controllo sulla natura circostante, è come se fossero abbandonati a questo stato di incertezza in un mondo apocalittico, è così?

Giusto. Ciò è particolarmente evidente nei dipinti più antichi. La natura stessa è minacciosa e travolgente. Anche quando sei sdraiato su un prato fiorito in una bella giornata di sole, c’è sempre un’ombra che incombe su di te, il tempo può cambiare da un momento all’altro, il vento porterà un temporale o un tornado e distruggerà tutto in una frazione di secondo. Questa inquietante ombra di incertezza si avverte costantemente nei miei dipinti, anche in quelli apparentemente allegri.

I tuoi personaggi sono spesso nudi o in costume da bagno. Cosa trovi più attraente nel rappresentare il corpo maschile?

Le silhouette sono spesso svestite o semi-svestite perché mi piace l’idea di trovarmi in un ambiente idilliaco dove è caldo e asciutto e non è necessario indossare o avere molto. Solo pantaloncini e una bottiglia d’acqua, per esempio. Quando ho iniziato a studiare il tema della silhouette o del nudo in pittura da una prospettiva storica, ho scoperto che il nudo maschile è molto più interessante di quello femminile, è meno sfruttato, meno idealizzato, meno kitsch e collocato in contesti più interessanti.

Preferisco dipingere la figura maschile, è più specifica, più architettonica, più interessante e conosco bene l’anatomia basata su me stesso.

Spesso sembra che tu tragga ispirazione dalla storia, dal passato, dalla letteratura, me ne parli?

Sono assolutamente d’accordo con questo. Amo il mezzo della pittura in senso storico, sono sempre stato fortemente ispirato da artisti o stili specifici e spesso entro in dialogo con opere specifiche. E il fatto che siano ispirati alla letteratura o alla mitologia si vede necessariamente nei miei quadri. Mi piace molto scoprire il passato, leggere, approfondire la storia e la mitologia e trovare alcune connessioni sottili per me stesso.

Gli ultimi lavori sono meno cupi dei primi, c’è sempre un lato oscuro come se stesse per succedere qualcosa come in Garden e Break, sei d’accordo?

Viviamo in tempi difficili. E anche se nei miei dipinti cerco di creare un mondo bellissimo ed evasivo, dove puoi nasconderti per un momento e dimenticare la vita di tutti i giorni, è impossibile disconnettersi completamente dalla realtà. Da qui nasce il lato oscuro visibile nei dipinti.

Spesso i soggetti sono ritratti di spalle o di profilo, non guardano mai frontalmente. Perché questa scelta?

Evito consapevolmente i volti nei dipinti, perché un volto mostrato frontalmente è un ritratto, c’è qualcuno dietro questo volto, questa persona ha una storia, sentimenti, personalità. C’è molto da gestire e voglio qualcos’altro. Creo una silhouette universale, una sorta di avatar o guscio in cui chiunque può entrare e partecipare alla scena, i personaggi si posizionano all’indietro o di lato, si trasformano nell’immagine invitando lo spettatore a identificarsi o a partecipare alla scena.

Una delle tue opere si intitola Islanders (cartolina dalla Sicilia) quelle che hai ritratto erano le Isole Eolie? Cosa ti è piaciuto di più della Sicilia?

Sì, sono stato in Sicilia la scorsa primavera. Ho visitato le Isole Eolie, trascorrendo gran parte del mio tempo ad Alicudi. Il dipinto “Isolani” mostra l’arcipelago delle isole Eolie dalla prospettiva di Vulcano. Come ho detto all’inizio, ho trascorso gran parte della mia vita in montagna, quindi sperimentare il mare e la vita sull’isola è stato affascinante per me.

Alicudi in particolare mi ha deliziato con le sue bellissime viste panoramiche, un ritmo di vita completamente diverso e mi ricorda moltissimo il mio paese natale in montagna.

Che progetti hai per il 2024?

Soprattutto, continuare così. Ci sono alcuni piani che non sono stati completamente confermati. Potrai sicuramente vedere alcuni dei dipinti alla mostra di Varsavia nel 2024, probabilmente anche stampati su una delle riviste. Sono previsti alcuni viaggi, Spagna e Sud America. Penso che sarà un buon anno.

Quale regalo vorresti trovare sotto il tuo albero?

Devo ammettere che in questo momento ho tutto ciò che desideravo. Sono molto fortunato perché quest’anno ho iniziato a dipingere a tempo pieno. Sono in buona salute, ho una relazione felice, ho una famiglia e degli amici meravigliosi. Questi sono i doni più grandi. Ma se dovessi pensare a una cosa, un bel libro di pittura è qualcosa di cui non ne ho mai abbastanza.

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Aronne Comai ritrae principalmente figure maschili, dove la loro fisicità e il loro sguardo sono colti in quel momento preciso di solitudine e forse di abbandono. Il corpo fa riferimento a una diversa realtà denominata a secondo dei contesti: spirito, anima, psiche e desiderio.

Questi quadri sono come dei veicoli di emozioni e portatori di sensazioni, attraverso l’empatia che ognuno di noi riesce a cogliere in base al proprio passato. 

Il colore dei dipinti di Aronne Comai è utilizzato in funzione di una calma apparente, quando squarci di luce irrompono nel colore, spaccando quell’equilibrio latente in cui i soggetti sono immersi.

Nelle opere di Aronne Comai si manifesta un classicismo, che si fonde con il contemporaneo e che genera l’atemporale, dove il corpo maschile dischiude uno spazio e pone sé come centro. È l’assoluto ora di ogni allora.

Ciao Aronne come stai?

Ciao Alex, sto bene grazie. Paradossalmente questo momento complicato e d’incertezze mi sta offrendo lo stimolo a vivere una fase di analisi e di riscoperta personale… Credo sia positivo.

Mi parli un po’ di te? Di dove sei?

Non sono molto abituato a parlare di me, vivo con un certo stress l’esperienza del confronto con gli altri… Per questo motivo tendo a non mostrarmi molto con la speranza che l’attenzione venga dedicata maggiormente alle mie immagini. Io sono semplicemente il loro mezzo per arrivare alla luce.

Dipingere per me è una sorta di linguaggio: mi aiuta a raggiungere persone diverse e il solo fatto che questo possa avvenire senza la necessità di uno scambio verbale lo trovo molto affascinante.

La cosa buffa è che spesso sono persone lontane (geograficamente ed emotivamente) con le quali, senza l’intermediazione della pittura, non sarei mai entrato in contatto. Vivo a Milano da oramai venticinque anni ma le mie radici sono trentine. Mi piace pensare che il mio lato poco incline alla socialità possa in qualche modo essere riconducibile anche a questo… 

Quando hai capito l’importanza della pittura nella tua vita?

Direi ai tempi della scuola elementare, i lavori a olio di Carl Barks mi fecero intuire che esisteva un mondo parallelo ai fumetti, un mondo affascinante e sfuggente. In seguito la scoperta della corrente impressionista francese cambiò completamente il mio modo di vedere la realtà.

Non fu però una folgorazione che mi spinse a dipingere immediatamente…

Sono trascorsi molti anni prima che riuscissi a sconfiggere le mie paure e il senso di colpa che mi bloccava, auto alimentandosi del fatto che non stessi dipingendo. Con la pandemia, nel 2020, ho finalmente raccolto il coraggio iniziando questa esplorazione nel mondo della pittura, quel sogno che mi accompagnava da quando ero bambino.

Quando ritrai uno dei tuoi soggetti che cosa cerchi di catturare?

Mi intriga molto la rappresentazione di semplici istanti di vita, situazioni in grado di colpirmi che si avvicinano al mio stato d’animo del momento.

Mi piace immergere nella contemporaneità i miei soggetti, cogliendoli magari in un momento nel quale luci e ombre operano in modo particolare, disegnando superfici e contorni con la loro presenza. In questo modo un istante di quotidianità può trasformarsi in un momento intimo, persino emozionante.

A parte i ritratti su commissione chi sono gli altri uomini che ritrai?

Generalmente si tratta di conoscenti o comunque figure che quasi sempre celano una sensualità più o meno evidente. Trovo spesso ispirazione tra le immagini dei miei follower, in particolare mi piace partire da qualcosa che non nasce appositamente per essere dipinto.

A questo scopo ad esempio l’utilizzo del fermo immagine di un video, mi permette d’isolare l’attimo che ritengo più giusto, che sarà caratterizzato dalla naturalezza che spesso viene a mancare in una fotografia.

C’è qualcosa nei tuoi quadri è come se sfumassi di poesia i momenti o il soggetto che ritrai. Mi provi a spiegare come si svolgono questi attimi?

Innanzitutto ti ringrazio per questa osservazione: è importante conoscere le sensazioni generate dal proprio lavoro, specie in questo settore dove l’impatto emotivo è di fondamentale importanza.

Per rispondere alla tua domanda, si tratta di un approccio piuttosto istintivo il mio. Non possedendo una tecnica accademica affronto ogni tela in modo diverso.

Inoltre prima di passare ai colori, ogni mio progetto attraversa una sorta di “fase purgatorio”, un periodo di gestazione cerebrale durante il quale immagino ed elaboro mentalmente e in modo piuttosto maniacale il dipinto: oltre al soggetto, stabilisco dimensioni, tipo di pennellata che vorrei utilizzare ed emozioni che vorrei trasmettesse.

Spesso entrano in competizione diversi progetti contemporaneamente … A quel punto solo quelli che in questo lasso di tempo riescono a rimanere attraenti ai miei occhi trovano finalmente la loro nuova vita sulla tela.

Se dovessi scegliere una colonna sonora ai tuoi lavori che musica sceglieresti e quali musicisti?

Tutti noi abbiamo una musica in grado di materializzarci altrove e di farci stare bene. La pittura in certi casi ha un effetto paragonabile a questo. Non saprei proprio quale colonna sonora o musicista sceglierei: mi piace molto l’idea che, volendo, ognuno possa abbinarne una in base al proprio vissuto.

Che cosa rappresenta la bellezza per Aronne Comai?

Senza farla troppo difficile, per me la bellezza rappresenta una situazione di favore, di privilegio forse. Con questo non intendo dire che le cose o le persone belle siano più fortunate delle altre. A ogni modo, che la presenza della bellezza sia in grado di farci stare bene, alimentando pensieri positivi, credo sia innegabile.

Come mai la scelta dei volti per i tuoi quadri? Che cosa ti attira di più in un volto?

In alcuni casi un ritratto riesce a trasmettere delle cose forti pur non rivelando storia e trascorsi del soggetto rappresentato. A me succede spesso, da osservatore. Spero sempre di riuscire con i miei ritratti a provocare almeno in parte la stessa reazione…

Un volto mi attira per la sua forza e intensità: gli occhi, la conformazione ossea e la luce giocano un ruolo fondamentale. 

Ho visto che sei anche tu, come me, un amante delle piante. Mi parli di questa tua passione?

Si tratta di una passione piuttosto recente. Ho mutuato l’amore per il verde da un caro amico che ora vive a Roma e grazie a una persona che è stata in grado di farmi apprezzare questo “miracolo” che ho sotto gli occhi quotidianamente anche semplicemente osservando il mio balcone, ad esempio.

Ora questa persona non c’è più ma considero questa passione una sorta di eredità e d’insegnamento ad amare che sono certo, insieme al suo ricordo, mi accompagneranno sempre.

Qual è il più bel consiglio che la vita ti abbia insegnato?

Con gli anni sento di aver preso maggior consapevolezza della caducità delle nostre vite, penso sia una cosa naturale, crescendo…

Mi sono spesso  interrogato su cosa potesse rendere meno traumatico o desolante questo evento e la risposta è stata: il ricordo. 

Credo sia molto importante il fatto di poter pensare di lasciare una traccia del nostro passaggio che non si limiti a un profilo social che ci sopravvive, potrebbe trattarsi anche semplicemente di un pensiero che faccia sorridere, di una testimonianza d’amore nelle persone che ci hanno conosciuto.

Per quanto mi riguarda continuerò a dipingere affinché io possa in qualche modo proseguire il viaggio attraverso i miei quadri.

Questo pensiero mi fa sentire bene.

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Andre Serfontein nasce e continua a vivere nella sua bellissima e calorosa Africa, nello specifico nella multiculturale città di Cape Town. Appassionato dall’arte decide di abbandonare il suo precedente lavoro per dedicarsi interamente alla pittura e alla scultura. Ciò che prevale maggiormente dell’arte di Andre Serfontein sono sicuramente i dipinti raffiguranti uomini nudi. Uomini dal collo allungato, da parti del corpo accentuate ed esagerate da tratti spontanei che Andre Serfontein applica senza soffermarsi molto. Una celebrazione della diversità fisica, per ricordarci che nessuno è perfetto ma che tutti siamo unici.

Ciao Andre, puoi parlaci un po’ di te?

Sono nato in Sudafrica, vivo con il mio compagno sulle pendici della Table Mountain nella bellissima Cape Town. Ho studiato grafica e illustrazione fino a quando ho iniziato la mia attività, di artigianato e arredamento in metallo, che ho venduto due anni fa per perseguire la mia passione per la pittura e la scultura.

Quando hai capito che l’arte sarebbe diventato il tuo lavoro?

Ho sempre avuto un interesse nel creare arte e sapevo che avrei seguito una carriera in quel campo. All’epoca in cui lasciai la scuola, l’interesse per l’arte significava scegliere una carriera nel campo commerciale.

Essere un artista a tempo pieno non era considerata una scelta professionale seria.

Ho studiato graphic design e ho lavorato come designer e illustratore in agenzie pubblicitarie e come freelancer. La pubblicità si basa principalmente sul seguire i brief e anche se mi è piaciuto, ha ben poco a che fare con l’espressione di sé. Ho continuato a fare dipinti e disegni nel tempo libero. Nel 2018 sono stato contattato da un curatore che ha visto il mio lavoro su Instagram per fare una mostra personale nella loro galleria. 

Non mi vedevo come un artista pronto per una mostra personale, ma con riluttanza accettai e mentre iniziavo a prepararmi per la mostra ho capito che questo era ciò che volevo fare.

La mia mostra personale è stata aperta nel 2019 e il successo ha alimentato la determinazione ad applicarmi per essere un artista a tempo pieno

In che modo ti sei approcciato alla pittura e alla scultura?

Sono entrato a far parte di un corso di scultura in ceramica alcuni anni fa, ho amato la qualità tattile dell’argilla e la fisicità del lavorare con le mie mani. 

Lavorare con modelli dal vivo è stato fantastico: ho dovuto guardare e familiarizzare con i sottili cambiamenti e le forme di un corpo, mi sono davvero divertito. 

La mia unica frustrazione con la scultura sono i processi dopo la finitura (la cottura, la smaltatura, la costruzione di stampi, la fusione e le patine).

La consegna di tutti questi processi spesso si traduceva in delusione.

Ho quindi iniziato ad applicare la vernice ai pezzi fusi per ottenere esattamente un risultato finale che mi piacesse.

Dipingo principalmente a olio ma disegno molto e sono sempre curioso di mezzi diversi, quindi ad esempio quando disegno dal vero faccio esperimenti con carboncino, pastello, colori acrilici o li mescolo tutti insieme.

I soggetti che raffiguri hanno spesso delle esaltazioni di alcune parti del corpo, che significato gli attribuisci?

Quando trovo un’immagine che voglio dipingere, la ridisegno un paio di volte e nel processo esagero e distorco, cerco di non metterci troppo pensiero cosciente ma piuttosto lascio che il subconscio prenda il sopravvento.

Lascio che i miei pensieri fluiscano e attraverso questo viene stabilita una connessione emotiva che sviluppa l’umore e la sensazione del dipinto.

Cos’è per te la bellezza?

La bellezza è tutto ciò che mi riempie di meraviglia, può essere qualcosa nella natura, un gesto gentile, musica o una persona, non deve essere una cosa fisica o una norma sottoscritta dalla società, questi standard cambiano comunque da una generazione all’altra. 

La bellezza ha spesso un mistero o uno stato d’animo inspiegabili che mi ispira mentre dipingo.

Cos’è per te l’imperfezione?

Non credo davvero all’imperfezione. 

Ciò che è considerato imperfetto, rende le persone uniche e interessanti e le distingue. 

Un leggero inestetismo può evidenziare una bellezza che spesso esagero nel mio lavoro.

I soggetti che raffiguri sono persone reali o fonte della tua immaginazione?

Le persone che dipingo sono una combinazione d’immagini provenienti da una forte dose d’immaginazione, non importa quale sia il soggetto, ridisegno, distorco e accentuo sempre ciò che trovo interessante. Devo basare le persone che dipingo su qualcosa e iniziare sempre con un riferimento.

Cosa guardi in una persona la prima volta che la vedi?

Direi il viso, può essere affascinante studiare davvero le delicate modulazioni dei contorni, i movimenti muscolari sottili, i cambiamenti di colore e gli occhi grandi possono essere totalmente ipnotizzanti.

Perché la scelta di allungare i colli?

Allungare il collo fa parte della distorsione generale, tendo ad allungare tutta la forma dei soggetti. Si crea un senso di eleganza, fluidità e dolcezza.

Come si vive a Cape Town la diversità?

Cape Town è una città molto cosmopolita che attira molti visitatori internazionali per la sua bellezza naturale piena di artisti vibranti e creativi. Giochiamo con i confini tra arte, cibo e design. È anche una città che è appena uscita da anni di oppressione politica e divisione. Le cicatrici sono ancora molto presenti, e mentre la diversità sessuale viene celebrata nelle aree centrali e più ricche, c’è molta omofobia in altre comunità.

Cos’hai i programma per il futuro?

Ho in programma alcune mostre collettive per quest’anno e sono stato contattato da una galleria di Parigi per esporre lì nella primavera del 2022 a cui sto lavorando. Non credo davvero nell’essere troppo rigido nel fare progetti per il futuro, preferisco essere consapevole, essere aperto e cogliere le opportunità che si presentano. 

Questo fa sì che una vita piena si svolga magnificamente.

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