Con un approccio che spazia tra il personale e il collaborativo, Sam Waxman trasforma momenti intimi in narrazioni visive che sfidano stereotipi e convenzioni, spesso con un tocco di humor nichilista. La sua pratica artistica è profondamente radicata nella sua identità e comunità queer, che considera una fonte di forza creativa e consapevolezza unica. 

Attraverso la fotografia, Sam Waxman cattura dettagli unici del corpo maschile, dai movimenti inconsapevoli alle emozioni più nascoste, creando un dialogo visivo tra fotografo e soggetto che trasuda autenticità e fiducia. Le sue immagini non solo esplorano la sensualità in tutte le sue sfaccettature – carnali, divertenti, persino imbarazzanti – ma spesso affrontano, anche indirettamente, questioni politiche e sociali legate alla rappresentazione dei corpi queer in una società storicamente repressiva.

In questa intervista, Sam Waxman si addentra nei processi creativi che rendono la fotografia un medium unico per esplorare emozioni, identità e desiderio, offrendo una prospettiva intima sul suo lavoro e sulla sua visione artistica.

Qual è il ruolo della sensualità e del desiderio nelle tue opere? Come bilanci questi elementi con il racconto visivo?
C’è così tanto nella sensualità e nel desiderio che mi affascina e che voglio esplorare, e spesso ha poco a che fare con il sesso. Sensualità e desiderio non sono esperienze uniche: sono concetti che racchiudono alcune delle nostre emozioni più cariche (e, a volte, meno cariche), siano esse carnali, goffe, euforiche, divertenti o imbarazzanti. In alcune opere, mi piace affrontare questi temi da una prospettiva autentica e profondamente personale. Altre volte, invece, realizzo progetti volutamente elaborati che trasformano queste esperienze in grandi barzellette nichiliste.

In che modo la tua identità e il tuo legame con la comunità queer influenzano la tua fotografia?
Essere queer è il dono più straordinario che la vita mi abbia dato.

Nonostante le sfide che affrontiamo, credo che sperimentiamo una gioia, una libertà e una consapevolezza di noi stessi che la maggior parte delle persone cis-etero non può nemmeno immaginare.

Come persone queer, siamo consapevoli della nostra forza come collettivo: dobbiamo esserlo. L’intenzionalità delle comunità scelte in cui viviamo rende impossibile darle per scontate. Spesso serve un intero villaggio per realizzare le opere che immagino, e sono infinitamente grato ai miei amici e collaboratori, che credono nella mia visione (e nei miei voli pindarici) al punto da lavorare con me con costanza. Non cerco mai esplicitamente di creare arte “queer”. Posso solo lavorare partendo dalla mia esperienza e dalla mia prospettiva, e questa è apertamente queer.

Molte delle tue immagini esplorano temi come desiderio e vulnerabilità. In che modo la fotografia, rispetto ad altre forme artistiche come la scultura, ti permette di indagarli in modo diverso?
La fotografia, per me, è quasi sempre un processo profondamente collaborativo.

Mi permette di lavorare con persone straordinarie, di accedere a spazi e mondi lontanissimi dalla mia sfera personale, e mi dà il privilegio di documentare le vite delle persone nella mia comunità.

Che io stia lavorando con un intero team creativo in una grande produzione, o con un modello in un’intima sessione one-to-one, l’esperienza è sempre altrettanto intima.
La scultura, invece, è una pratica più solitaria e introspettiva. Vengo da un background di saldatura e lavorazione dei metalli, quindi i miei metodi sono estremamente meccanici e strutturati, al punto da sembrare più un assemblaggio che una scultura. Ho una difficoltà incredibile a stare fermo: i miei pensieri sono più chiari quando sono impegnato in compiti fisici e ripetitivi. In questo senso, scolpire o assemblare le mie opere è una parte introspettiva fondamentale della mia pratica artistica.

Quanto conta il contesto politico e sociale nelle tue opere che ritraggono la nudità maschile, specialmente in una società repressiva verso il corpo gay?
È inevitabile, che io lo voglia o meno. Non sempre cerco di fare dichiarazioni politiche esplicite (anche se a volte sì), ma fare qualsiasi cosa in pubblico come persona queer è già di per sé un atto politico, soprattutto in un mondo che storicamente tende a silenziare e cancellare le identità queer.

Un esempio è la mia opera performativa e pittorica “Red-Blooded American Faggot”, creata in risposta alla sparatoria al Club Q di Colorado Springs nel 2022 e al clima di crescente retorica anti-LGBTQ che ne è seguito. Detto questo, non parto mai con l’intenzione primaria di creare opere “politiche”. Se il mio lavoro con i nudi maschili viene percepito come politico, penso che rifletta un problema culturale più ampio, che va oltre me come individuo.

Le tue opere spesso catturano un’intimità unica tra te e il soggetto. Come riesci a costruire quel livello di fiducia?
Non do mai per scontato il livello di fiducia che una persona deve avere per mostrarsi vulnerabile davanti alla fotocamera. È qualcosa che considero un privilegio incredibile. Non sono naturalmente una persona molto socievole, quindi ho dovuto lavorare intenzionalmente per migliorarmi in questo senso.

Cerco sempre di incontrare le persone dove sono, sia metaforicamente che letteralmente, e di connettermi in modo autentico.

Il mio lavoro è profondamente personale ed emotivamente impegnativo, quindi chiunque ne faccia parte lascia un segno dentro di me, e io mi fido di loro tanto quanto loro devono fidarsi di me.

Cosa trovi più interessante da fotografare in un uomo?
I movimenti, i tic e le espressioni facciali che compiono senza rendersene conto.

Se potessi fare un servizio fotografico con una figura storica, chi sceglieresti e cosa vorresti catturare di loro?
Ho sentito dire che H.G. Wells era solito fare sesso sopra le recensioni negative dei suoi libri per poi dar loro fuoco. Fotograferei sicuramente quello.

L'articolo Sam Waxman: Fotografia che Svela e Provoca proviene da Toh! Magazine.

Bert Van Pelt è un amico di TOH! L’ho abbiamo intervistato qualche anno fa, dove ci ha raccontato un po’ della sua vita e del suo lavoro, che poi è anche la sua più grande passione; la fotografia per il nudo maschile. Già dal titolo (e)MOTION ci porta a comprendere l’importante valore che attribuisce al corpo.

Abbiamo chiesto a Bert di raccontarci qualcosa riguardo a questo nuovo progetto, e questo è ciò che ci ha raccontato:

“Nell’introduzione del libro spiego il mio approccio, per questo progetto video-fotografico, ho catturato immagini in filmati realizzati da modelli di tutto il mondo. Ho iniziato questa serie nella primavera del 2020, durante la pandemia di Covid-19. Mi ha permesso di continuare il mio lavoro fotografico sul corpo maschile nudo in un momento in cui non era possibile lavorare con i modelli in uno studio fotografico.

Il contatto con i modelli è avvenuto grazie ai social media, soprattutto su Instagram. Un grande vantaggio di questo processo di lavoro è che mi ha dato la possibilità di collaborare con persone che non avrei mai incontrato.

Per questo progetto, c’erano due principi importanti: non ho interferito quando i modelli stavano girando i loro video e loro erano totalmente liberi di esprimere ciò che volevano con il loro corpo. Ho dato solo qualche consiglio tecnico e ho chiesto loro di utilizzare uno sfondo minimalista.

Creare immagini a partire dai video mi ha anche permesso di cogliere meglio il momento decisivo.

I video sono stati girati con gli smartphone. Il risultato è stato un materiale fotografico grezzo che ha richiesto un lungo processo di post-produzione.

Ad alcuni partecipanti piace mostrare il proprio corpo e la propria intimità, mentre altri lo considerano una sfida. Le immagini catturano molte emozioni e autenticità”.

L'articolo (e)MOTION di Bert Van Pelt proviene da Toh! Magazine.

E’ possibile che tu abbia già visto le sue foto in giro sui social o forse ti è capitato di veder le sue mutante indosso ad alcuni modelli.

William Vercetti è un fotografo subacqueo che ha scattato immagini dall’aspetto incredibilmente puro e reale e mira a fornire arte sotto forma di immagini digitali in paesaggi acquatici. Mica facile eh!

Gli scatti del fotografo subacqueo William Vercetti ti faranno venire voglia di tuffarti in piscina per rinfrescarti.

William Vercetti è un fotografo professionista, artista, proprietario di un’azienda e creatore di Vercetti Briefs e specializzato in fotografia di ritratto subacqueo.

Originario di Virginia Beach, Virginia (Stati Uniti), William, che dice di essere bisessuale, ha trascorso gran parte della sua vita immergendosi nella fotografia, ma solo di recente si è tuffato nel mondo della fotografia subacquea.

Nell’esplorare questo mondo nuovo, a volte difficile, William ha scoperto che le ricompense fluiscono tanto quanto le sfide. Con un fascino per il fisico maschile in tutto il suo splendore, ha trovato una grazia e una bellezza unica sott’acqua.

Le sue immagini emanano un’influenza calmante spesso vissuta nell’ambiente sereno che si trova in fondo al mare. I modelli maschili, sospesi nell’acqua, appaiono delicati e forti proiettando un profondo senso di mascolinità. 

La cosa divertente è che William usa anche la sua linea di slip nel suo lavoro in modo da firmare le sue foto brandizzandolo. Super Cool! 

Guarda le foto di William Vercetti e immergiti, attraverso le sue opere, nell’immenso e infinito universo acquatico.

L'articolo William Vercetti, il fotografo dell’acqua proviene da Toh! Magazine.

Romain Berger è un fotografo dichiaratamente queer della scena francese, nato alla fine degli anni ’80 in Normandia. Proveniente da una formazione cinematografica e teatrale, è da tempo affascinato dalle immagini, dalla cultura pop, dagli stereotipi e dalla questione del genere.

L’artista crea opere eccentriche, kitsch, eccessivamente colorate cosparse di sesso. Afferma spudoratamente di essere un artista camp , un concetto che designa, tra l’altro, una forma di autoironia che permette alla comunità LGBTQIA+ di ridere delle proprie difficoltà in una società omofoba, il tutto con artificio ed esagerazione.

Per questo, Romain Berger, riprende i cliché della cultura gay che devia per mettere in luce il nostro mondo, tanto in ciò che ha di meglio quanto di peggio (solitudine, superficialità, consumo eccessivo, violenza, dipendenza, sesso, politica …)

I suoi personaggi sono emarginati, esclusi o etichettati (gay, donne, transgender, drag-queen…) che, al tempo di un luogo comune, diventano eroi/combattenti. Vogliono uscirne, vogliono essere delle star.

La sensualità è presente in ogni sua foto, Romain Berger ama mettere il dito su ciò che disturba e soprattutto vuole far sognare le persone tramite un voyeurismo condiviso.

L’abbiamo intervistato per conoscerlo meglio.

Ciao Romain, raccontami del tuo background.

Ciao, ho terminato i miei studi cinematografici nel 2011 e poi sono andat* a vivere a Parigi per trovare lavoro nel settore audiovisivo. È un ambiente molto chiuso e per due anni ho ricevuto solo bocciature. Nel 2013 ho deciso di acquistare una macchina fotografica per realizzare i miei cortometraggi e finalmente ho iniziato a fare fotografia. Sono autodidatta. All’inizio i miei amici erano i miei modelli. Ho scoperto presto che con la fotografia potevo realizzare la versione statica dei miei film. C’è un universo cinematografico nelle mie creazioni. Così la fotografia 8 anni fa è diventata il mio lavoro.

Chi sono i tuoi artisti di riferimento?

Sono un grande fan di David Lachapelle. Amo il modo in cui fotografa i suoi modelli e anche i colori che usa. Recentemente ho scoperto Mapplethorpe e mi sono totalmente innamorato del suo lavoro. È sensuale e provocante. Ci sono anche diversi registi che mi ispirano, come Wong Kar Wai, Gregg Araki, Xavier Dolan ecc… Sono artisti che aprono le frontiere senza pudore. Li adoro!

In base a cosa scegli i tuoi modelli?

Quando cerco un nuovo modello, lui o lei deve adattarsi al tema che voglio fotografare. Spesso li voglio abbastanza vicini agli stereotipi imposti dalle riviste di moda: giovani, glabri e muscolosi. Il mio obiettivo è criticare gli standard di bellezza e una società superficiale. In futuro probabilmente cercherò uomini con profili molto diversi, a seconda della storia che vorrò raccontare.

Come hai sviluppato la tua mostra personale?

Dopo più di un anno senza una mostra (causa Covid), una mia amica mi ha proposto di esporre le mie opere nei suoi locali situati a Rennes, in Francia. Sono impaziente di incontrare di nuovo il pubblico e di poter mostrare le mie fotografie a persone che non ho mai incontrato prima. Ho voluto che fosse lei a scegliere le opere da esporre, ce ne saranno 6. Io ho pensato di allestire i locali con elementi presenti nelle mie fotografie, coinvolgente anche una giovane cantante che verrà a suonare la sera dell’inaugurazione.

Come ha reagito la comunità gay francese e non alle tue opere?

La comunità gay francese reagisce molto bene al mio lavoro. Sono molto solidali e ricevo regolarmente messaggi di incoraggiamento. È con le istituzioni che è più complicato. La Francia è un paese molto puritano, quindi trovare gallerie è difficile. In Francia mi vietano regolarmente di esporre il mio lavoro. È considerato troppo provocatorio e scioccante. Ho avuto più articoli e interviste all’estero che nel mio paese. Sono anche spesso in guerra con Instagram, che censura molto del mio lavoro e minaccia di cancellare il mio account.

Guardando le tue opere si percepisce una forma di autoironia che permette alla comunità LGBTQIA+ di ridere delle difficoltà della nostra condizione in una società omofobia. Hai mai subito bullismo o attacchi omofobici?

Quando ero adolescente sono stat* vittima di bullismo a scuola. Ero giovane e non sapevo nemmeno di essere gay. I bambini possono essere cattivi. Crescendo ho avuto la fortuna di non sperimentare mai l’omofobia. Ho 33 anni e vivo la mia omosessualità senza paura. Il mio lavoro non è mai stato attaccato per i suoi temi queer. Non tutti sono così fortunati, lo so, ed è per questo che è importante combattere per gli altri.

Dove è possibile acquistare le tue opere?

Sono vendute in edizione limitata di 5 copie ciascuna sul mio sito web www.romainberger-photography.com. Dopo il tuo ordine, riceverai la fotografia firmata con un certificato di autenticità e senza alcuna censura. Molte sono già soldout ed è davvero bello sapere che il mio lavoro fa il giro del mondo.

L'articolo Romain Berger: scatto per protestare proviene da Toh! Magazine.

Nelle foto di Lars Stephan generalmente vediamo luoghi meravigliosi e il suo corpo nudo in relazione ad essi. Lars utilizza la ritrattistica come metodo d’esplorazione della sua identità e del suo posizionamento nel contesto.

Principalmente Lars Stephan è interessato al dialogo costante tra un aspetto del sé e l’ambiente circostante. Nei suoi scatti infatti fa sì che il personaggio interiore che ha deciso d’interpretare venga costantemente influenzato dagli aspetti e luoghi naturali in cui ha deciso di collocarsi e con il fine ultimo d’immortalare questi momenti. 

Mi racconti del tuo background?

Sono cresciuto in Germania, ma ho sempre avuto la voglia di viaggiare e scoprire nuovi luoghi. Mia madre era ed è ancora una grande viaggiatrice così da bambini ha portato me e mio fratello gemello in giro per tutta l’Europa.

Da adulto ho continuato a farlo, ho vissuto e trascorrere del tempo tra gli altri posti in Australia, Cile, Argentina, Francia, New York. Attualmente sto facendo un master in fotografia a Londra al LCC .

Quando hai capito che l’autoritratto fotografico sarebbe diventato il tuo modo d’esprimerti? 

Scatto fotografie perché voglio cogliere qualcosa prima che svanisca definitivamente. È stato così fin da bambino. Disegnavo ma non ho mai avuto il coraggio di esprimere che ciò che volevo veramente scattare delle fotografie.

Fotografarmi è uno sfogo. Lo faccio provando ad interpretare diversi personaggi, è molto terapeutico, ma non è l’unica cosa che fotografo, cerco di catturare momenti; soprattutto quando viaggio, è affascinante.

Tutto è fresco, nuovo e mai visto prima, è molto stimolante, sia per i miei lavori artistici che per i miei reportage di viaggio. 

Riesci a prendere distanza tra Lars il fotografo e Lars il modello, qual’è la sfida? 

Io non mi vedo come un modello. Usare me stesso come un modello, ma non mi rivedo negli autoritratti. Non sono davvero io, sto solo dando vita ad un personaggio.

Come ti sei accorto di essere così a tuo agio da mostrarti nudo nei tuoi lavori?

 In realtà non sono affatto sicuro. Posso solo farlo, a scopo artistico e soprattutto perchè sto interpretando un personaggio.

Apprezzo che molte delle tue foto siano senza tempo, potrebbero essere state scattate ieri o 10 anni fa ma questo non importa. Il rapporto che sei in grado di ottenere tra il corpo nudo e il luogo è particolare, come ti è venuta quest’idea?

È stato ed è un processo molto naturale, soprattutto nelle scelta paesaggistica, rimuovendo ogni riferimento alla civiltà. Prediligo l’atemporalità. Osservo il posto, trascorrere un po’ di tempo lì, cerco di coglierne le sfumature e subito dopo inizio a scattare.

Credi che un corpo nudo sia più sexy o libero?

Credo che le parole giuste per descrivere il corpo nudo sia senza tempo.

Ma credo che tu ti diverta a fotografarti così, trasmetti un senso di libertà. Ho ragione?

Può essere molto liberatorio essere completamente nudo in un ambiente naturale, con nessuno in giro. Tuffarsi in mare, senza vestiti, senza che nessuno sia lì ad osservarti ( tranne forse il proprio partner) è una cosa meravigliosa, ma io ho un’immagine in mente che alla fine voglio offrire.

Non c’è non una storia alle spalle. Inoltre ho paura che raccontando com’è andata nel momento in cui stavo scattando una foto possa rompere la magia della foto.

Un luogo o un paesaggio in cui ti vedi nudo e non sei ancora andato?

Non mi vedo nudo in un certo paesaggio. È più come reagisco ad un determinato paesaggio. In generale, tutti i paesaggi offrono la possibilità di fare una foto. 

Alla fine la reazione però è quella di spogliarsi. Hai mai avuto paura di farti beccare e venire arrestato perché eri nudo all’aperto?

C’è il rischio, ma la mia esperienza dimostra che le persone non si aspettano di vedere un uomo nudo in certi luoghi, di conseguenza, non “lo vedono”.

Pensi alle reazioni degli spettatori quando ti scatti o non ci dai peso?

Non ho il pubblico in mente quando fotografo. Di solito sono ispirato da un luogo o un’idea che ho e che voglio tirare fuori dal mio corpo. Voglio produrre qualcosa perché mi emoziona. Il pubblico è secondario.

Pensi che qualcuno possa fraintendere il tuo lavoro ed etichettarlo come un eccesso di vanità? Ti darebbe noia?

Posso capire perché la gente potrebbe chiamarmi vanesio, ma i miei primi autoritratti sono nati dall’insicurezza e poi si è sviluppata in qualcosa d’altro.

Non m’interessa quello che dice la gente o penso di me. Penso che come artista si debba solo fare quello che si devi fare. È parte del lavoro di un artista rendere visibili cose che altrimenti non si potrebbero vedere.

Può essere una ricerca folle, e naturalmente, si riceverà critiche per questo, ma fa parte del gioco. 

Hai un corpo super atletico quanto tempo trascorri nel mantenerlo così? 

Mi piace essere in buona forma e avere un corpo funzionale. Voglio continuare in questo modo. Essere consapevoli del proprio corpo è una cosa che ho scoperto molto presto e credo che mantenere un corpo sano non sia davvero un gran lavoro.

Sei è stato un modello, quindi probabilmente conoscere tutti i nomi dei fotografi, a quale fotografo ti senti più vicino artisticamente? 

Sono stato un modello solo per un breve periodo. Ho sempre desiderato scattare con fotografi dai grande nomi, che sapevano quello che stavano facendo, che avevano un’idea, un concetto, una visone corretta che va oltre alla foto di moda che diventa ridondante molto velocemente.

Non ho un fotografo che ammiro, ci sono aspetti di un sacco di fotografi che ammiro tutti per motivi diversi. Solo per citarne alcuni citerei Cindy Sherman, Robert Frank, William Eggleston, Daido Moriyama, Bert Stern, Bill Brandt, Edward Weston, Dan Holdsworth, Richard Misrach e Darren Almond.

Lars Stephan

L'articolo Lars Stephan: il corpo in dialogo con la natura proviene da Toh! Magazine.

Mous Lamrabat vanta radici arabe, anche se è cresciuto in Belgio e attraverso la fotografia è riuscito a conciliare le sue radici culturali, creando un mondo fatto di ossimori, di stupore e di libertà.

Personaggi ambigui diventano emblemi affascinanti e specchio di una società multirazziale, che guarda al futuro con freschezza e positività, trasformando l’insolito in unico.

Nelle sue fotografie Mous Lamrabat unisce i simboli della cultura marocchina e della fede musulmana con i brand di moda occidentali e la cultura pop. Ne escono ritratti beffardi e gioiosi, con uno humor positivo, mai aggressivo, spiritosi e illuminanti.

Mous Lamrabat considera l’umorismo lo strumento migliore per far riflettere le persone. Il suo obiettivo è mettere in discussione cliché radicati sui popoli arabi. “Non posso cancellare i pregiudizi delle persone. Però posso mostrare che in noi c’è molto di più di quello che pensano”, ha dichiarato in un’intervista alla Cnn.

Nei suoi scatti il logo McDonald’s può apparire su una museruola alla Hannibal Lecter. O come hennè sulle mani di giovani donne arabe. Un altro elemento ricorrente è il logo Nike: in una foto un uomo posa con una fetta di anguria a forma di swoosh (titolo: “Nike, please call me”). In un’altra il logo è su una busta usata come turbante.

Lamrabat è nato in un villaggio nel nord del Marocco. È cresciuto nella città di Sint-Niklaas, in Belgio, dove i genitori si sono trasferiti quando era ancora ragazzo. Ha studiato design alla Royal Academy of Fine Arts di Ghent, prima di dedicarsi alla fotografia. Ha raccontato di aver trovato il suo stile durante un viaggio di ritorno in Marocco, nel 2017. “Cercavo qualcosa che fosse mio, ed era proprio lì, di fronte a me. Come un elefante dal culo grosso“.

Le sue foto raccontano l’incontro di diverse culture – marocchina, berbera, africana, europea, musulmana – in uno spazio nuovo da lui chiamato “Mousganistan”.

Le sue opere mettono insieme icone pop e abiti tradizionali. Indumenti come la djellaba o il niqab vengono rivisitati e brandizzati nelle sue fotografie con i simboli di grandi aziende occidentali: Chicago Bulls, Los Angeles Lakers, Ikea, Gucci, Bmw. O con la faccia di Spongebob.

L’idea di Mous Lamrabat è mostrare questi abiti prima di tutto come capi d’abbigliamento, liberandoli dalla connotazione legata alle tradizioni arabe. Guardandoli in una chiave diversa, gli abiti possono apparire improvvisamente molto meno conservatori.

Il fotografo ha presentato la sua prima mostra nella sua città natale e da allora ha avuto successo un po’ ovunque: ha esposto le sue fotografie ad Abu Dhabi, Parigi e Amsterdam. È finito su molte riviste, dal magazine africano Nataal al British Journal of Photography, fino a Vogue.

Una sua preoccupazione, come ripete nelle interviste, è essere scelto solo per le sue origini africane o marocchine, come simbolo di una cultura emarginata. Nel frattempo spera che il suo successo apra le porta ai talenti più giovani del suo Paese. “Amo il Marocco. Vogliamo dimostrare che siamo creativi, il nostro non è un mondo fermo. Abbiamo idee. Ci stiamo muovendo proprio come tutti gli altri”.

Segnatevi sto nome, perchè ne sentirete parlare sempre più spesso.

L'articolo Mous Lamrabat: il Marocco che non conosci proviene da Toh! Magazine.