Il debutto europeo di Not For Radio passa da Milano

C’è un momento preciso, nella traiettoria di un’artista, in cui tutto cambia pelle. Non è una rottura, ma una trasformazione. È da qui che parte Not For Radio, il progetto solista di María Zardoya, atteso questa sera, (venerdì 17 aprile 2026), al TAM Teatro Arcimboldi Milano per una delle tappe del tour europeo In The Forest.

Per il pubblico italiano è un debutto carico di aspettative: Zardoya, già voce magnetica dei The Marías, arriva con un progetto che non rinnega il passato ma lo attraversa, lo smonta e lo ricompone in una forma nuova, più essenziale e introspettiva. «Dovremmo pensare all’oscurità come al luogo in cui nasce la vita», racconta: una dichiarazione che diventa chiave di lettura di tutto il live.

Il tour In The Forest arriva a Milano questa sera: 17 aprile 2026

Il concerto milanese si inserisce in un tour che segna il primo approdo europeo di Not For Radio, dopo una serie di date sold out nei teatri nordamericani. Sul palco, il repertorio prende forma attorno a Melt, album di debutto pubblicato nell’ottobre 2025 ed entrato nella top 20 della Billboard 200.

Dieci tracce che si muovono tra dolore, solitudine e comunione creativa, nate da un processo immersivo lontano dal rumore del mondo.

Se con i The Marías il racconto partiva spesso dall’amore – basti pensare a Submarine (2024), disco che ha consolidato il loro successo internazionale – Not For Radio esplora ciò che accade dopo.

La fine, il vuoto, il tentativo di rimettere insieme i frammenti. È un percorso che non cerca risposte immediate, ma abita le domande, trasformando la malinconia in materia sonora.

Un live concept intimo tra oscurità, rinascita e nuove sonorità

Le suggestioni non mancano: tra le influenze dichiarate affiorano i Cocteau Twins, il cui immaginario etereo e fuori dal tempo riecheggia nelle atmosfere sospese di Melt. Ma Zardoya non cita, piuttosto assorbe e rielabora, costruendo un linguaggio personale in cui i confini tra pop, dream pop e psichedelia si dissolvono.

Dal vivo, tutto questo si traduce in un’esperienza immersiva e quasi confessionale. Le canzoni sembrano emergere lentamente dal buio, stratificandosi tra silenzi e aperture improvvise, in un equilibrio delicato tra fragilità e forza.

È un concerto che non punta all’impatto immediato, ma a una connessione più profonda, quasi fisica, con chi ascolta.

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Prima Facie: Un fenomeno mondiale che parla di giustizia, vittime e responsabilità

Scritto dalla drammaturga australiana Suzie Miller, Prima Facie ha debuttato a Sydney nel 2019 per poi conquistare Londra nel 2022, dove ha vinto due Laurence Olivier Award come Best New Play. Da allora è stato tradotto in 20 lingue, rappresentato in 37 Paesi e ha contribuito ad alimentare discussioni e riforme legislative nel Regno Unito in materia di tutela delle vittime di reati sessuali.

Il titolo, che in latino significa “a prima vista”, richiama il concetto legale secondo cui un fatto è ritenuto vero sulla base della prima impressione. Ed è proprio sulla distanza tra “apparenza” e “verità” che lo spettacolo costruisce la propria forza.

La storia di Tessa: quando la legge non basta

Tessa è un’avvocata penalista spesso impegnata nel difendere uomini accusati di violenza sessuale. Il suo approccio è razionale, tecnico, quasi chirurgico. Ma una notte tutto cambia: un evento traumatico la costringe a guardare il sistema legale dall’altra parte, quella delle vittime.
Il risultato è un viaggio emotivo che scardina certezze e mette in discussione la tenuta stessa della giustizia.

La regia di Daniele Finzi Pasca: delicatezza, stupore, umanità

Finzi Pasca firma regia e luci, proseguendo la tradizione della Compagnia Finzi Pasca, nota per la sua poetica del “Teatro della Carezza” e del “Gesto Invisibile”. In Prima Facie, racconta, non vuole “toccare la bellezza dell’impianto drammaturgico”, ma accompagnare Melissa Vettore in una narrazione “in punta di piedi”, capace di restituire una storia che – purtroppo – continua a ripetersi ovunque.

La Vettore, già applaudita interprete di figure complesse come Camille Claudel e Isadora Duncan, affronta un ruolo che unisce forza e vulnerabilità, lucidità e fragilità.

Il team creativo comprende:

• Giovanna Buzzi (costumi)
• Matteo Verlicchi (scenografie)
• Roberto Vitalini per Bashiba.com (video design)
• Maria Bonzanigo (musiche)

La produzione è firmata Compagnia Finzi Pasca, con autorizzazione di The Agency (London), Ltd.

Un teatro che diventa spazio di dialogo

Il Parenti accompagna lo spettacolo con tre momenti di confronto aperti al pubblico:

26 novembre – incontro dopo lo spettacolo

Con Melissa Vettore, Giovanna Iannantuoni, Luisanna Tedde e Manuela Ulivi, moderati da Natascha Lusenti.
Un focus su parità di genere, prevenzione della violenza e tutela delle vittime.

27 novembre

Dialogo tra Daniele Finzi Pasca e Melissa Vettore.

28 novembre – h 18.00, Café Rouge

Tavola rotonda “Raccontare la violenza quando la legge non basta”
Con Chiara Di Cristofaro, Silvia Belloni, Marco Maria Scoletta.

Ingresso gratuito per chi presenta il biglietto di qualunque replica.

Orari e biglietti

• 25 novembre – 20:00
• 26 novembre – 19:15
• 27 novembre – 21:00
• 28 novembre – 19:45
• 29 novembre – 19:45
• 30 novembre – 16:15

Prezzi:

• Settore A: 30€
• B: 22€ (under30/over65 16€, convenzioni 18€)
• C: 18€ (under30/over65 16€, convenzioni 16€)

Biglietteria: via Pier Lombardo 14 – 02 59995206 – biglietteria@teatrofrancoparenti.it
Info: teatrofrancoparenti.it ph. Viviana Cangialosi

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Il teatro, silenzioso e vuoto, respirava una calma surreale, l’unico giorno di pausa dalle frenetiche prove dell’opera che avrebbe preso vita con la prima di Rigoletto, il 22 novembre 2024, al Teatro Fraschini sotto la direzione del maestro Alessandro D’Agostini e la regia di Matteo Marziano Graziano. Un capolavoro di Giuseppe Verdi che, in questa nuova produzione, promette di mescolare tradizione e innovazione. Sotto la direzione del maestro Alessandro D’Agostini e la regia di Matteo Marziano Graziano, questa interpretazione si distingue per un approccio contemporaneo ai temi universali dell’opera.

Con Laurent Pellissier, abbiamo giocato, creato e parlato, ma soprattutto abbiamo condiviso tanta arte e profondità, scendendo e salendo in continuazione i tre piani della sartoria teatrale, tra tessuti e dettagli che raccontano storie.

Una storia che, come in un perfetto slalom, abbraccia lo stile di TOH! e si fonde per la prima volta con l’intensità e la ricercatezza dei costumi di una delle opere più celebri al mondo. Tra cambi e corse veloci, abbiamo esplorato il dietro le quinte, sfiorando con le mani infiniti tessuti che ci raccontano storie, mentre le raffinate scenografie di Francesca Sgariboldi si svelavano poco a poco. Le sue scene, infatti, non sono semplici fondali, ma organismi viventi, che respirano e riflettono le fratture e le crepe di una società complessa e conflittuale.

Laurent Pellissier ci ha raccontato che lavora a questi costumi da due anni, mettendo anima e cuore nella realizzazione di ogni singolo pezzo. Un elemento centrale della produzione è proprio il suo lavoro sui costumi, in cui ha scelto di utilizzare materiali di recupero per dare vita a abiti che raccontano storie uniche.

Stoffe che hanno già vissuto altre vite, come i tessuti decorativi di matrimoni o i quadri a punto croce ereditati, trasformati da Laurent in costumi che non solo riflettono la complessità dei personaggi, ma parlano anche di una profonda scelta etica: quella di promuovere la sostenibilità nel teatro contemporaneo.

Le tecniche artigianali, come il boro boro e il patchwork, celebrano le imperfezioni dei materiali, trasformandole in elementi di valore estetico e narrativo. Ogni piccola imperfezione diventa un racconto, una traccia che si intreccia con quella dei personaggi e dell’opera stessa. I costumi, infatti, giocano con luce e ombra, lucentezza e opacità, creando un contrasto visivo che riflette le tensioni e le dualità presenti nei temi dell’opera.

Questa nuova produzione di Rigoletto al Teatro Fraschini offre al pubblico un’esperienza unica, che unisce la profondità emotiva dell’opera originale a una sensibilità contemporanea. Un’esperienza fatta di scelte artistiche che celebrano la sostenibilità e l’artigianalità. Un appuntamento imperdibile, quindi, per gli appassionati di opera e per chi cerca nuove interpretazioni di un classico intramontabile.

Abbiamo realizzato questo servizio senza alcuna percezione del tempo, immersi nella bellezza e nella cultura che il Teatro Fraschini ci ha donato, e nella profonda sensibilità che Laurent Pellissier trasmette attraverso il suo lavoro e i suoi occhi, di un azzurro brillante che raccontano storie senza fine.

Qual è stata la sfida principale nel rivisitare il Rigoletto con una prospettiva contemporanea?

È un’opera scritta più di 170 anni fa, con una sensibilità e un gusto molto diversi rispetto a quelli di oggi, soprattutto su certi temi. A prima vista, potrebbe sembrare intrisa di misoginia e pregiudizi verso le persone disabili (e in parte lo è). Tuttavia, scavando più a fondo nel libretto e nella musica, emergono archetipi universali e potenti che restano incredibilmente attuali. La sfida è partire proprio da questi archetipi e usarli come guida per creare una rilettura che parli al pubblico contemporaneo. Attraverso costumi, scenografie e scelte registiche, è possibile dare un’impronta attuale a un’opera che, nonostante tutto, continua a trasmettere emozioni profonde e senza tempo.

L’uso di materiali di recupero è una scelta estetica o anche etica? Come si intrecciano queste due dimensioni nel design dei costumi?

Direi entrambe, ma c’è una dimensione più profonda oltre l’estetica. I materiali che scelgo sono come archivi di storie: portano con sé un passato che si intreccia con le mie esperienze e con quelle dei personaggi. Per esempio, molti degli abiti di Gilda, la figlia di Rigoletto, sono realizzati con stoffe che decoravano un matrimonio e che la sposa ha venduto su eBay dopo la cerimonia. La giacca di Giovanna, la custode di Gilda, è fatta con un patchwork di quadri a punto croce recuperati nella periferia di Berlino da una signora che aveva ereditato l’intera collezione dalla zia. La camicia del Duca di Mantova, un personaggio maschilista e narcisista, è composta da frammenti di abiti, camicie e ricami presi da vestiti femminili.

Ho usato anche tende, lenzuola di famiglia, costumi di carnevale, scampoli, fondi di magazzino e persino sacchi di caffè.

Puoi descrivere il processo creativo dietro l’utilizzo di tecniche artigianali come il boro boro e il patchwork per i costumi?

Trovo affascinante l’idea di utilizzare i materiali fino in fondo, senza sprecarne nemmeno un frammento, e di sviscerarne l’essenza. Tecniche come il boro boro e il patchwork celebrano le imperfezioni, trasformandole in dettagli di valore estetico e narrativo. Strappando, scucendo e tagliando tessuti e abiti di seconda mano, ho creato nuove forme e texture. Ho lavorato molto anche all’uncinetto e a maglia, mescolando le tecniche per dare nuova vita e significato ai materiali.

Questo processo non è solo tecnico, ma anche emotivo: ogni imperfezione racconta una storia che si intreccia con quella dei personaggi e dell’opera.

Il concetto di “spaccatura” è centrale nella vostra visione. Come viene tradotto visivamente nell’opera?

Il tema della “spaccatura” viene rappresentato visivamente in modi diversi, a volte in modo evidente, altre volte più sottile. Le scenografie raffinate di Francesca Sgariboldi, per esempio, rivelano gradualmente, nel corso dell’opera, le fratture e le crepe della società in cui i personaggi vivono.

Le scene diventano quasi un organismo vivente, che respira e riflette le complessità e i conflitti interiori dei protagonisti.

Anche il concept registico di Matteo Marziano Graziano esplora con grande sensibilità le spaccature interiori di ogni personaggio, rivelandone contraddizioni e sfaccettature senza giudizio.

Nei costumi, ho tradotto il tema attraverso un processo creativo che parte da una riflessione interiore, prima ancora che estetica.

Ogni elemento visivo nasce organicamente da questo percorso.

C’è un materiale o un elemento visivo che, secondo te, incarna meglio l’essenza di questa produzione?

Non c’è un solo materiale, ma direi che il gioco tra luce e ombra, tra lucentezza e opacità, è sempre presente. Questo contrasto visivo riflette le tensioni e le dualità dei personaggi e dei temi dell’opera.

Le tue esperienze nei laboratori dell’Opéra di Parigi e negli atelier di ricamo hanno influenzato l’approccio ai costumi per quest’opera?

Assolutamente sì. A Parigi ho lavorato in un atelier di ricamo che collabora con grandi marchi dell’alta moda e nei laboratori di decorazione del costume dell’Opéra National de Paris. Queste esperienze mi hanno insegnato tanto sulle tecniche artigianali, sull’uso creativo dei materiali e sulla praticità necessaria a un costume teatrale. Ho capito l’importanza dei dettagli invisibili al pubblico, ma essenziali per aiutare i cantanti a “entrare” nel personaggio. Ogni costume diventa una parte fondamentale della loro trasformazione, sia visivamente che emotivamente.

C’è un personaggio del Rigoletto che ti ha richiesto un approccio particolarmente innovativo o complesso nel design del costume?

Non direi un personaggio in particolare, ma forse il coro dei cortigiani. Sono la parte oscura della società: scherniscono, deridono e agiscono con ignavia e passività. Nei loro costumi ho voluto riflettere questa dualità, mascherando l’oscurità con lustrini e paillettes, da cui però emerge qualcosa di truce e grottesco. Con i personaggi principali, come Gilda o il Duca di Mantova, ho avuto bisogno di più tempo per connettermi emotivamente, il che ha reso la realizzazione dei loro costumi più impegnativa.

C’è un designer particolare che ti ispira per il suo stile o approccio?

Vivienne Westwood, prima di tutto. Ma anche John Galliano, Francesco Risso e Matty Bovan. Ammiro la loro libertà nell’uso dei materiali, delle forme e dei colori.

La sostenibilità nei costumi sta diventando un tema sempre più centrale nel teatro. Come vedi il futuro di questa tendenza nel tuo settore?

La sostenibilità è un tema che mi sta molto a cuore e che sta iniziando a emergere sia nella moda che nel teatro, ma c’è ancora molto da fare. Non deve essere solo una strategia di marketing, ma un cambiamento profondo che parte dalla progettazione stessa delle produzioni.

Noi di TOH! ti conosciamo bene e apprezziamo la tua sensibilità. Fai parte orgogliosamente della comunità queer. C’è un po’ di queerness nei costumi creati per l’opera?

Assolutamente sì, c’è sempre un po’ di queerness nel mio lavoro. Alcuni personaggi, come deciso dal regista, sono dichiaratamente queer, mentre altri hanno un’ambiguità che lascia spazio a letture diverse.

Nei costumi cerco sempre di rompere le regole, superando gli stereotipi o portandoli all’estremo.

La queerness è presente anche nel processo creativo non lineare e nell’uso di materiali inusuali.

Cosa significa per te creare abiti che riflettano la fragilità e la resilienza dei personaggi di Verdi?

Significa lasciarmi guidare dall’intuizione, mettendo in gioco le mie stesse fragilità e conflitti. Quando lavoro, mi lascio ispirare dal materiale stesso, come se fosse una scultura.

A volte mi capita di creare un capo senza sapere a chi appartenga, ma alla fine trova sempre la sua collocazione.

È un processo emotivo, quasi inconscio, che dà forma alla fragilità e alla resilienza dei personaggi.

Photographer Alex Vaccani with Alessandro Marzo

Styling & Concept Alex Vaccani + Alessandro Marzo

Date delle rappresentazioni:

• Domenica 24 novembre – Teatro Fraschini, Pavia – Ore 15:00
• Giovedì 28 novembre – Teatro Sociale, Como – Ore 20:00
• Sabato 30 novembre – Teatro Sociale, Como – Ore 20:00
• Giovedì 12 dicembre – Teatro Ponchielli, Cremona – Ore 20:00
• Sabato 14 dicembre – Teatro Ponchielli, Cremona – Ore 15:00
• Venerdì 10 gennaio – Teatro Donizetti, Bergamo – Ore 20:00
• Domenica 12 gennaio – Teatro Donizetti, Bergamo – Ore 15:00

Laurent Pellissier Laurent Pellissier Laurent Pellissier

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La Merda è il brutale, disturbante e straordinario testo sulla condizione umana – già tradotto in numerose lingue – di Cristian Ceresoli.

Lo spettacolo prende il volo grazie all’interpretazione sublime e da strapparsi la pelle di dosso di Silvia Gallerano che si manifesta come uno stream of consciousness dove si scatena la bulimica e rivoltante confidenza pubblica di una “giovane donna brutta”.

I tre capitoli che lo compongono rispecchiano le più grandi e misere tra le ossessioni di oggi: le cosce, il corpo, il cazzo, il sesso, la fama e il successo.  Si cavalca il malcontento generale ma con grande maestria: l’attrice, nuda in scena, seduta in cima ad uno sgabello gigante, è oltremodo eccezionale.

Il monologo itinerante torna in Italia per tre date a Roma, Torino e Milano, dopo anni di sold out in tutto il mondo. Abbiamo raggiunto Silvia Gallerano, che tra le altre cose è la prima attrice italiana ad aver vinto il The Stage Award for Acting Excellence.

INTERVISTA

Silvia, chi è la donna che interpreti?

La donna che interpreto in realtà siamo tutti noi, è una donna ma è anche un uomo.

In realtà penso non abbia neanche un’identità sessuale, dunque è un essere umano di quest’epoca pronto a far tutto pur di farcela, apparire, essere ricordato poiché vive la condizione che tutti oggi viviamo: il bisogno incessante di fare per farsi ricordare e sentirsi migliore degli altri.

Può davvero essere chiunque.

Cos’è LA MERDA?

LA MERDA è tutto quello che ci circonda: è il nostro paese, e la vita che ci siamo costruiti credendo che il nostro intento più fondante fosse quello di apparire, come se invece di fare un percorso di individuazione si facesse un percorso di apparizione e dunque questo mangiare la merda è un po’ come mangiare noi stessi.

Si può tranquillamente dire che la merda è una cosa di cui ormai non definiamo neanche più i contorni perchè non solo ci circonda ma proprio fa parte di noi.

Io e Christian ci teniamo molto a dirlo, non c’è un giudizio negativo nei confronti del personaggio perchè ci rendiamo conto che dentro di lei c’è molto di noi. 

Il mettersi a nudo vuole essere un richiamo alla nostra società ormai messa a sua volta a nudo da Tv e social? 

Credo abbia una doppia valenza e penso che ognuno possa trovarci il senso che vuole in base a ciò che gli regala l’esperienza dello spettacolo.

Se il personaggio fosse stato vestito avremmo immaginato la sua provenienza, quanti anni avesse.

Invece, mostrarsi completamente nuda è un modo come un altro di sentirsi ancora più uguale agli altri. 

Lo spettacolo è andato in scena praticamente in tutto il mondo, Che differenze hai trovato tra il pubblico e i teatri di cui eravate ospiti? 

Tenendo conto che ho fatto più di 500 repliche, posso dirti che si, è sempre diverso.

Tutte le sere quando comincio lo spettacolo non so mai cosa succederà, nel senso che essendo un testo rivolto direttamente alle persone che ho davanti, a secondo di come reagiscono cambia l’andatura emotiva, quindi certe sere è tragico, altre è pieno di risa, poi si rimane gelati e non vola una mosca.

Certo è che tutto cambia anche grazie all’ampiezza del teatro, alla città in cui siamo in maniera anche imprevedibile: pensavo di trovarmi persone super serie a Berlino, invece ridevano come matti, mentre tutto il contrario è successo a Roma.  

Cosa pensi che lasci questo spettacolo alle persone che vengono a vederlo?

Questo non lo so. Posso dirti quello che il pubblico che è venuto a vederci mi ha raccontato negli anni: ci sono persone che piangono dall’inizio alla fine poiché hanno vissuto in prima persona l’umiliazione che racconta il personaggio, altre che invece escono dal teatro incazzate, altre divertite.

Sicuro è che tutti tornano a casa come se avessero ricevuto un pugno nello stomaco. Si, un pugno nello stomaco è la frase che più mi sono sentita dire.

LA MERDA è del 2012, pensi che oggi sia ancora necessario? E se è si, perché? 

Quest’estate stiamo pensando di tornare a Edimburgo per dare allo spettacolo un nuovo input internazionale.

Pensa che Christian ha scritto il monologo prima del movimento #MeToo e dei festini di Berlusconi e dunque è come se a livello di cronaca continuassero a succedere cose che rendono lo show ancora più attuale di prima poiché purtroppo ci portiamo il peso della dittatura dell’immagine dagli anni ’80 e chissà per quanto tempo ancora dobbiamo portarcela dietro.

Pensi che il titolo “LA MERDA” sia ancora un titolo scomodo? Perché? 

Caspita se è scomodo! In questi anni ci è davvero successo di tutto: dagli autobus a Torino che non potevano circolare perchè avevano scritto “La Merda” sulla fiancata, passando per altre città dove meno si dice meglio è.

All’estero invece al contrario, li conta vendere e dunque mettevano gli asterischi sulla parola shit e abbiamo portato lo spettacolo in posti enormi, tipo in Australia all’Adelaide Festival. 

In Italia in otto anni abbiamo portato lo spettacolo solo in due stabili pubblici, ma due per davvero: uno a Venezia e uno a Bolzano.

Per il resto abbiamo portato lo spettacolo in luoghi privati, piccole realtà e centri sociali dove era gradita la nostra presenza.

Non facciamo parte del sistema teatrale italiano, non ci siamo entrati. Milano è l’unica città dove siamo stati inseriti in stagione, prima all’Elfo Puccini e da tre anni siamo al Teatro Leonardo.

A Roma, per esempio, siamo stati all’Auditorium, che di solito è dedicato alla musica.

Fosse stato per il sistema teatrale italiano, avremmo fatto le sei repliche all’inizio e poi avremmo chiuso.

Invece abbiamo voluto rischiare e tradurre il testo in inglese e portarlo in giro per il mondo.

l’Italia ci ha rivoluti indietro solo dopo che abbiamo vinto dei premi importanti all’estero. Questo è triste, e la dice lunga su come siamo messi nel nostro paese.

Perché il nudo imbarazza ancora, nonostante Youporn e Pornhub siano i siti più cliccati in assoluto? 

Perchè siamo degli ipocriti e quindi andiamo sui siti porno quando siamo da soli e non lo diciamo a nessuno. 

In un periodo storico come questo, in cui sempre più donne, fortunatamente, trovano il coraggio di denunciare abusi e violenze. Credi che LA MERDA possa essere d’aiuto? 

Si, si e ancora si! Tutte le volte che vedi raccontata una storia in cui ti riconosci pensi che allora non sei da sola e quindi ti spinge a raccontarla a chi di dovere.

La cosa che ci frega sempre, quando si subiscono degli abusi, che sia una storia che riguarda solo noi, che abbiamo sbagliato solo noi e che dunque possiamo risolvere solo noi, ma non è così.

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La Merda è il brutale, disturbante e straordinario testo sulla condizione umana – già tradotto in numerose lingue – di Cristian Ceresoli.

Lo spettacolo prende il volo grazie all’interpretazione sublime e da strapparsi la pelle di dosso di Silvia Gallerano che si manifesta come uno stream of consciousness dove si scatena la bulimica e rivoltante confidenza pubblica di una “giovane donna brutta”.

I tre capitoli che lo compongono rispecchiano le più grandi e misere tra le ossessioni di oggi: le cosce, il corpo, il cazzo, il sesso, la fama e il successo.  Si cavalca il malcontento generale ma con grande maestria: l’attrice, nuda in scena, seduta in cima ad uno sgabello gigante, è oltremodo eccezionale.

Il monologo itinerante è passato di nuovo da Milano dopo anni di sold out in tutto il mondo. Abbiamo raggiunto Silvia Gallerano, che tra le altre cose è la prima attrice italiana ad aver vinto il The Stage Award for Acting Excellence.

INTERVISTA

Silvia, chi è la donna che interpreti?

La donna che interpreto in realtà siamo tutti noi, è una donna ma è anche un uomo.

In realtà penso non abbia neanche un’identità sessuale, dunque è un essere umano di quest’epoca pronto a far tutto pur di farcela, apparire, essere ricordato poiché vive la condizione che tutti oggi viviamo: il bisogno incessante di fare per farsi ricordare e sentirsi migliore degli altri.

Può davvero essere chiunque.

Cos’è LA MERDA?

LA MERDA è tutto quello che ci circonda: è il nostro paese, e la vita che ci siamo costruiti credendo che il nostro intento più fondante fosse quello di apparire, come se invece di fare un percorso di individuazione si facesse un percorso di apparizione e dunque questo mangiare la merda è un po’ come mangiare noi stessi.

Si può tranquillamente dire che la merda è una cosa di cui ormai non definiamo neanche più i contorni perchè non solo ci circonda ma proprio fa parte di noi.

Io e Christian ci teniamo molto a dirlo, non c’è un giudizio negativo nei confronti del personaggio perchè ci rendiamo conto che dentro di lei c’è molto di noi. 

Il mettersi a nudo vuole essere un richiamo alla nostra società ormai messa a sua volta a nudo da Tv e social? 

Credo abbia una doppia valenza e penso che ognuno possa trovarci il senso che vuole in base a ciò che gli regala l’esperienza dello spettacolo.

Se il personaggio fosse stato vestito avremmo immaginato la sua provenienza, quanti anni avesse.

Invece, mostrarsi completamente nuda è un modo come un altro di sentirsi ancora più uguale agli altri. 

Lo spettacolo è andato in scena praticamente in tutto il mondo, Che differenze hai trovato tra il pubblico e i teatri di cui eravate ospiti? 

Tenendo conto che ho fatto più di 500 repliche, posso dirti che si, è sempre diverso.

Tutte le sere quando comincio lo spettacolo non so mai cosa succederà, nel senso che essendo un testo rivolto direttamente alle persone che ho davanti, a secondo di come reagiscono cambia l’andatura emotiva, quindi certe sere è tragico, altre è pieno di risa, poi si rimane gelati e non vola una mosca.

Certo è che tutto cambia anche grazie all’ampiezza del teatro, alla città in cui siamo in maniera anche imprevedibile: pensavo di trovarmi persone super serie a Berlino, invece ridevano come matti, mentre tutto il contrario è successo a Roma.  

Cosa pensi che lasci questo spettacolo alle persone che vengono a vederlo?

Questo non lo so. Posso dirti quello che il pubblico che è venuto a vederci mi ha raccontato negli anni: ci sono persone che piangono dall’inizio alla fine poiché hanno vissuto in prima persona l’umiliazione che racconta il personaggio, altre che invece escono dal teatro incazzate, altre divertite.

Sicuro è che tutti tornano a casa come se avessero ricevuto un pugno nello stomaco. Si, un pugno nello stomaco è la frase che più mi sono sentita dire.

LA MERDA è del 2012, pensi che oggi sia ancora necessario? E se è si, perché? 

Quest’estate stiamo pensando di tornare a Edimburgo per dare allo spettacolo un nuovo input internazionale.

Pensa che Christian ha scritto il monologo prima del movimento #MeToo e dei festini di Berlusconi e dunque è come se a livello di cronaca continuassero a succedere cose che rendono lo show ancora più attuale di prima poiché purtroppo ci portiamo il peso della dittatura dell’immagine dagli anni ’80 e chissà per quanto tempo ancora dobbiamo portarcela dietro.

Pensi che il titolo “LA MERDA” sia ancora un titolo scomodo? Perché? 

Caspita se è scomodo! In questi anni ci è davvero successo di tutto: dagli autobus a Torino che non potevano circolare perchè avevano scritto “La Merda” sulla fiancata, passando per altre città dove meno si dice meglio è.

All’estero invece al contrario, li conta vendere e dunque mettevano gli asterischi sulla parola shit e abbiamo portato lo spettacolo in posti enormi, tipo in Australia all’Adelaide Festival. 

In Italia in otto anni abbiamo portato lo spettacolo solo in due stabili pubblici, ma due per davvero: uno a Venezia e uno a Bolzano.

Per il resto abbiamo portato lo spettacolo in luoghi privati, piccole realtà e centri sociali dove era gradita la nostra presenza.

Non facciamo parte del sistema teatrale italiano, non ci siamo entrati. Milano è l’unica città dove siamo stati inseriti in stagione, prima all’Elfo Puccini e da tre anni siamo al Teatro Leonardo.

A Roma, per esempio, siamo stati all’Auditorium, che di solito è dedicato alla musica.

Fosse stato per il sistema teatrale italiano, avremmo fatto le sei repliche all’inizio e poi avremmo chiuso.

Invece abbiamo voluto rischiare e tradurre il testo in inglese e portarlo in giro per il mondo.

l’Italia ci ha rivoluti indietro solo dopo che abbiamo vinto dei premi importanti all’estero. Questo è triste, e la dice lunga su come siamo messi nel nostro paese.

Perché il nudo imbarazza ancora, nonostante Youporn e Pornhub siano i siti più cliccati in assoluto? 

Perchè siamo degli ipocriti e quindi andiamo sui siti porno quando siamo da soli e non lo diciamo a nessuno. 

In un periodo storico come questo, in cui sempre più donne, fortunatamente, trovano il coraggio di denunciare abusi e violenze. Credi che LA MERDA possa essere d’aiuto? 

Si, si e ancora si! Tutte le volte che vedi raccontata una storia in cui ti riconosci pensi che allora non sei da sola e quindi ti spinge a raccontarla a chi di dovere.

La cosa che ci frega sempre, quando si subiscono degli abusi, che sia una storia che riguarda solo noi, che abbiamo sbagliato solo noi e che dunque possiamo risolvere solo noi, ma non è così.

Se vi siete persi lo spettacolo, non preoccupatevi: anzi segnatevi in agenda le date del 12 e 13 febbraio 2021. La merda torna a Milano.

L'articolo La merda è lo spettacolo che ti serve vedere. proviene da Toh! Magazine.