Milano apre le danze con Demna da Gucci (il suo debutto era previsto con una sfilata a marzo 2026) e invece, visti i risultati in forte perdita di Kering, si è optato per una presentazione. Ora, già il fatto che si parli di una presentazione e non di una sfilata dice tutto: paura, tentennamenti, ansia da prestazione. Gucci mette Demna e la sua estetica in vetrina ma col paracadute pronto.

Poi arriva Simone Bellotti da Jil Sander, catapultato dal caos calmo di Bally al centro del minimalismo. Se non dimostra precisione, know-how e pezzi desiderabili rischia di essere inghiottito da un silenzio glaciale, di quelli che uccidono più di qualsiasi recensione negativa. La moda non aspetta nessuno.

Tra i debutti c’è anche quello di Dario Vitale da Versace. Niente sfilata, anche qui, solo presentazione. Tradotto: non ci credono nemmeno loro. È evidente che Prada Group stia aspettando/pregando/leccando i piedi a Francesca Bellettini per il colpo grosso, magari con Vaccarello in dote. Nel frattempo, Vitale, che ha vestito Julia Roberts sul red carpet di Venezia come una segretaria part-time, resta lì come un Sabato De Sarno 2.0: parcheggiato a scaldare la poltrona, in attesa del prossimo cognome pesante.

Louise Trotter da Bottega Veneta porta disciplina e freddezza, ma il confine tra lusso silenzioso e coma irreversibile è sottile come un filo di pelle intrecciata.

Insomma per la prossima fashion week, Milano prepara i cadaveri, Parigi aspetta di esporli al pubblico, come ne Il racconto dell’ancella. Il tappeto rosso è già pronto per le teste che cadranno.

Jonathan Anderson arriva da Dior Donna, dopo il debutto che ha diviso in due il pubblico: tra chi lo ama e chi già lo definisce distruttore del brand più francese che ci sia con tutta la sua visione. Ma qui l’archivio pesa più del culo rifatto di una qualsiasi Kardashian. Credo che se non osa davvero, l’archiviato sarà lui.

Miguel Castro Freitas debutta da Mugler. Mugler non è Photoshop, è sesso, dramma, artigli. Se non ringhia, resta solo una pussycat da passerella, perché si sa che non c’è posto per la gentilezza in questa giungla. Mark Thomas proverà a resuscitare Carven, brand che nessuno ricorda se non qualche influencer accompagnata dalla scritta adv. Il rischio è quello di farlo sparire senza lasciare traccia.

McCollough & Hernandez (quelli di Proenza Schouler) prendono in mano Loewe dopo dieci anni di Anderson. Cosa succederà? Spero bene, ma già sembrano i supplenti dell’ora di ginnastica.

Poi arriva il big match: Pierpaolo Piccioli da Balenciaga. Il santino romantico di Valentino catapultato nel covo tossico di Demna. Se riesce, gloria eterna. Se fallisce, tonfo da manuale.

Glenn Martens da Margiela dovrà dimostrare di non essere solo teatro e costumi. O ridà sostanza al nome Margiela o lo trasforma nel più grande circo post-moderno mai visto.

Duran Lantink prova a rilanciare il prêt-à-porter di Jean Paul Gaultier dopo dieci anni di pausa. Se non riesce a ridere di sé stesso, sarà il pubblico a ridere di lui.

Infine, Matthieu Blazy da Chanel, il debutto più carico di aspettative: scrivere il nuovo Vangelo dopo Lagerfeld. Anche qui… se qualcosa dovesse andar male, resterà solo quello delle borse intrecciate.

E poi ci sarà Dell’Orco da Armani, anche se non lo vedo come un debutto dal momento che da un paio di stagioni fa le veci del Signor Armani alias “ha fatto anche cose buone”.

Alla fine, a pensarci bene, settembre e ottobre non sono un debutto. Sono un massacro. Un ballo delle debuttanti in cui le teste rotolano più velocemente dei look su Instagram.

Qualcuno uscirà incoronato, gli altri finiranno nella cronaca nera della moda. Benvenuti al ballo delle debuttanti: la musica è già partita, e la lama è affilata. E fidatevi: non tutti sopravviveranno al valzer, sarà come vedere il film Non si uccidono così anche i cavalli?, ma in versione lustrini e paillettes.

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Per la sua prima sfilata come nuovo direttore creativo di Missoni, Filippo Grazioli ha puntato sulla riduzione, proponendo una collezione interessante poiché seppur radicata nei classici della casa, è stata spogliata della tipica joie de vivre di Missoni a favore di un corpo più sexy, giovane e sull’attuale tendenza del minimalismo sexy degli anni ’90.

Ad ogni modo pare che Grazioli non abbia voluto mostrarsi completamente infatti la stessa versione della silhouette slanciata e avvolgente è stata riproposta, con variazioni solo nelle lunghezze.

Non mi sento di dare giudizi sullo show poiché il materiale è poco, posso dire che Grazioli è sicuramente è uno stilista esperto, che si è fatto le ossa da Hermès e da Givenchy con Riccardo Tisci: conosce il lusso e sa tagliare un vestito sexy e snello. Ci vorrà del tempo per entrare nel ruolo di direttore creativo di un marchio dal carattere così forte. Mi piacerebbe vederlo giocare con i codici della casa con un approccio più libero e audace, senza paura.

Il debutto di Marco De Vincenzo da Etro invece ha tutto un altro sapore, quello della novità: il designer siciliano, alla sua “prima” volta da direttore creativo per un brand che non porta il suo nome è stato grandioso e soprattutto senza nostalgia.

In passerella ad esempio non c’era il paisley, perché il “passato rischia di essere una trappola” ha detto il designer che ha scelto di puntare sul suo istinto e la sua capacità da couturier.

De Vincenzo non si è mai forzato piuttosto è sempre stato naturale il suo lavoro, e la ricerca continua del nuovo. Questo non vuol dire che intende cancellare la storia di un brand storico come Etro.

Inizio e chiusura della sfilata sono molto Etro, con i pantaloni in denim jacquard che aprono la passerella e gli abiti di pizzo con inserti di stampe che la chiudono.

Il cuore della collezione è molto De Vincenzo: gli abitini di maglia a trecce degradé Rainbow, che è una sua signature, i tubini di raso con le frange in duchesse. Il tutto indossato da zoccoli da Aladino, tra fantasie di uccelli e ricami di frutti esotici, camicie e short a righe che uniscono il dna del brand e lo stile della sua nuova guida creativa. Le borse, vero segreto del successo di De Vincenzo (ha imparato a farle da Fendi) andranno a ruba. Meraviglioso.

Alessandro Michele da Gucci porta in scena una sfilata visivamente carica di emozioni ma che però lascia sempre qualcosa di non risolto. Gli “esperti” del settore urlano al genio io dico che è solo un furbetto paraculo.

I vestiti, che sono la cosa più importante di una sfilata questa volta pare siano passati in secondo piano. Penso che i 68 look della collezione non avevano bisogno di doppi per avere un impatto: c’era la sartoria rigorosa, un finto abbigliamento sportivo, il solito sfarzo hollywoodiano e le cineserie ricamate.

La giacca di paillettes con scritto FUORI!!! fa riferimento a una rivista dei primi anni ’70 prodotta dal Fronte Unitario Omosessuale Rivoluzionario Italiano e ha anche resuscitato una borsa di ispirazione equestre dei primi anni ’80.

Invece no, vince il gioco dell’esibizionismo di Michele, perchè per lui è più importante il contorno che il succo.

Anche da Sunnei c’era l’idea dei gemelli, il duo di designer formato da Loris Messina e Simone Rizzo raccontano che la loro collezione è una metafora di come la moda possa agire come una forza trasformativa, che è tanto magica quanto assolutamente folle ma al contrario della sfilata di Gucci qui i protagonisti erano assolutamente i vestiti non le modelle. In scena una serie di look intelligenti, tagliati in modo chiaro per un brand in continuo aggiornamento. Bravi.

Donatella Versace è una donna ribelle, intelligentissima, sicura di sé e anche un po’ diva. Questa piccola descrizione della designer serve a comprendere ancora di più la collezione ss23 andata in scena ieri.

Si parte con quattro look apparentemente gotici, poi è arrivato il colore monocromatico: fucsia elettrico e viola principesco, tagliato in un jersey liquido o un abito trasparente di raso, e abiti da sera in molte varianti: senza spalline con più frange sui fianchi o sinuosi con un cappuccio ad anello.

Un distillato di passato pop che sfiora Biba fino alle giarrettiere e i veli di pizzo in rosa, viola e giallo acido che sembravano strappati dal playbook dell’era “Like a Virgin” di Madonna tramite Stephanie Seymour in “November Rain” chiudendo con Paris Hilton per ricordarci che le donne sono le padroni del mondo.

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Oggi è più probabile che un disco messicano, coreano o, come in questo caso, spagnolo possa imporsi anche al di fuori dei confini nazionali. Un caso in grado di fare scuola è quello della catalana Rosalía, che oggi esce con il suo terzo album “Motomami”

Per capire Rosalía è fondamentale ascoltare i suoi album, dall’inizio alla fine. Cantando con una voce acuta e da soprano che evoca i ricordi di Edith Piaf, il fenomeno pop spagnolo di 28 anni traccia una formosa melodia vocale ascendente su accordi di pianoforte che squillano delicatamente.

Registrato in tutto il mondo (comprese Los Angeles, Barcellona e Repubblica Dominicana) e caratterizzato da collaborazioni con The Weeknd , Pharrell Williams, Q-Tip, James Blake, il suo partner di lunga data in studio El Guincho e il pionieristico produttore portoricano Tainy, “Motomami” riguarda il ripensamento dei confini culturali stabiliti; l’album, brandisce momenti di rottura, discordia e collisione per evocare un mondo moderno che mette in discussione, ma cerca ancora conforto nelle vecchie tradizioni popolari. 

Ancora e ancora in queste canzoni scintillanti e taglienti, che fondono reggaeton, hip-hop, bachata, R&B e jazz (per citare solo alcuni degli stili a portata di mano), crea improbabili connessioni con poca preoccupazione sul fatto che le cuciture sono visibili; anzi, queste cuciture potrebbero essere il punto centrale del suo lavoro in un’epoca in cui l’assimilazione ha perso il suo lustro come ideale sociale.

“Motomami” testimonia la rapida ascesa alla celebrità pop, e non sempre con l’entusiasmo ridacchiante che Rosalía mostra nei suoi frequenti video su TikTok. Nella drammatica “La Fama”, caratterizza la fama come “un amante schifoso” e un “pugnalatore alle spalle che arriva facile come lei”; “Bulerías”, l’unico brano radicato esplicitamente nel flamenco, racconta il duro lavoro dietro il glamour della celebrità: “Per continuare a stare in piedi”, canta, “mi sono uccisa 24 ore su 24, 7 giorni su 7”.

La separazione dalla sua famiglia durante l’isolamento della pandemia ha reso il viaggio ancora più disorientante. Tra i toni lugubri dell’organo di “G3 N15”, si rivolge a un giovane parente di cui non riesce a ricordare il colore degli occhi e a un altro i cui interessi – “razzi o navi spaziali o barche a vela” – sono diventati confusi nella sua mente. È una confessione straziante resa solo più toccante dall’inclusione di un messaggio vocale di sua nonna che riflette sull’importanza della famiglia.

Ma se la fama ha messo a dura prova la vita personale di Rosalía, il successo è stato chiaramente un vantaggio artistico. “Motomami” praticamente pulsa con la libertà di chi è pieno di capitale creativo; la sua espansione stilistica condivide qualcosa con “Lemonade” di Beyoncé, mentre il mix di rumore aspro e melodia pop scolpita dell’album può ricordare la musica composta da MIA dopo che ” Paper Planes ” divenne un successo di sinistra alla fine dei 2000.

Nell’ipnotica “Candy”, canta della rottura con un ragazzo che “mi ha rotto solo un po’”, infila un campione da una canzone di Burial (che a sua volta campiona una traccia di Ray J) attraverso un ritmo reggaeton sferragliante. 

“Chicken Teriyaki” lancia un canto in stile parco giochi mentre si vanta di fare acquisti per “una collana che romperà la banca come Naomi negli anni ’90”. Il taglio del titolo, con un ritmo elastico ovviamente modellato in parte da Pharrell, è di 61 secondi di pura spavalderia da ragazzina; “Cuuuuuuuuuuute” tende verso l’iperpop con uno spruzzo selvaggio di percussioni di mitragliatrice.

“Hentai” non è l’unica vetrina vocale dell’album. C’è anche “Delirio de Grandeza”, una cover di un bolero cubano vintage che lei inganna con un campione graffiante di Soulja Boy. E poi c’è la parte più intima, “Sakura”, in cui si immagina a 80 anni, guardando indietro con una risata ai suoi giorni da idolo pop.

Non diversamente da MIA, a cui fa un omaggio in “Bulerías”, Rosalía è fuoco vivo per quanto allegramente mescola e abbina generi e tradizioni; la fama che ha ricevuto come donna europea che abbraccia il reggaeton ha particolarmente irritato alcuni osservatori, ma tanto quelli si irritano sempre. Eppure anche il flamenco è stata un’arte trovata per la cantante, che ha detto di non conoscere il genere fino a quando aveva 13 anni, dopodiché ha intrapreso un intenso studio decennale.

“Motomami” rivela la sua attenzione a un leggendario suono latinoamericano che è esploso in popolarità in tutto il mondo dai tempi di “El Mal Querer”? Certo. Ma ciò che emerge è il suo amore per il reggaeton.

Rosalía è anche una regista scaltra: per realizzare la sua versione di bachata, l’amato stile dominicano, in “La Fama”, non ha reclutato un affermato cantante di bachata, ma piuttosto The Weeknd, la cui voce implorante e leggera risulta perfetto per la canzone – e la cui megastar ha contribuito a garantire un pubblico enorme per il suo ultimo mash-up culturale.

Alcuni vedranno la sua strategia come piuttosto ricca in una canzone sulle proprietà lesive dell’anima della fama. Rosalía è d’accordo con il paradosso.

È raro ascoltare un album così sperimentale, che aspira ad estendersi attraverso i generi e giocare con la forma, e che raggiunge esattamente ciò che si prefigge di ottenere. Rosalía era già una cantante formidabile, ma qui sembra anche aver appreso che con la superstar globale arriva la libertà di stabilire la propria agenda. 

Nelle splendide battute finali dell’album, canta quasi a cappella: ” Solo hay riesgo si hay algo que perder/Las llamas son bonitas porque no tienen orden/Y el fuego es bonito porque todo lo rompe”. C’è solo rischio se c’è qualcosa da perdere, dice.

Rosalía può fare qualsiasi musica voglia. È brillante. Motomami è grande. Ma se la sua visione per questa musica di San Juan, Santo Domingo, Medellín, Miami e Bronx non riesce a onorare la ricchezza di quelle origini, se la storia è solo la ricchezza del suo dono, questo non è il cambiamento che era stato promesso . Rosalía non deve cambiare il mondo. Ma se ci stava provando, qualcosina è andato storto perché puoi essere nella stessa stanza con i migliori produttori del mondo, ma se stai creando canzoni della durata di un video di TikTok, forse c’è qualcosa da rivedere.

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La scorsa settimana, mentre la Milano Fashion Week era a buon punto, i rumors di una collezione creata e firmata da Donatella Versace, Kim Jones e Silvia Venturini Fendi ha cominciato a tuonare nel cielo ancora azzurro di Milano. 

Sebbene Kim Jones abbia inaugurato la fashion week milanese con lo show di Fendi e Donatella venerdì, un invito scritto a mano su un foglio di carta suggeriva di non prendere impegni per domenica 26.

Così i fan più fedeli e gli addetti ai lavori hanno annullato tutto quello che avevano da fare per ritrovarsi, i più fortunati, nel cortile di Casa Versace in Via Gesù 12, gli altri collegati sui social per vedere Fendace attraverso uno spettacolo costellato di star delle passerelle di ieri e di oggi tutti insieme.

Aperta dalla leggendaria super sovversiva Kristen McMenamy in un look nero con spille da balia, la prima metà dello spettacolo è stata accompagnata da una Medusa scintillante e ha visto anche le altre icone come Amber Valletta, Kate Moss e Naomi Campbell sfilare favolosamente con i look più classici trovati scavando nel profondo e immenso archivio Versace che è stato rivisitato da Fendi e viceversa.

Uno spettacolo nello spettacolo che segue le orme di Balenciaga e l'”hackeraggio” di Gucci , che è sbarcato in passerella all’inizio di quest’anno. 

Con entrambe le etichette ospitate sotto l’ombrello di Kering, la collezione aveva un senso, ma se si considera che Fendi e Versace sono di proprietà diverse la mossa è sembrata ancor più selvaggia. 

Detto questo, Kim Jones è stato il designer che per primo ha iniziato a confondere le linee tra marchi inaspettati quando ha collaborato con Supreme mentre era a capo di Louis Vuitton, con molte etichette che hanno seguito l’esempio negli ultimi anni.

“A febbraio, dopo la sfilata del prêt-à-porter, siamo andati a cena con Donatella. 

Silvia e Donatella sono andate molto d’accordo e abbiamo pensato che sarebbe stato bello divertirsi un po’”, ha raccontato Kim.

Possiamo dunque dire che Fendace è stato un design-off: Kim e Silvia hanno disegnato Versace e Donatella ha disegnato Fendi. Per divertimento quindi e non per una mossa commerciale. 

Avendo la possibilità di mettere le mani sull’archivio Versace, ha aggiunto: “è stato strabiliante. Ci sono cose che non avrei mai avuto la possibilità di vedere con i miei occhi. 

E quando Donatella è andata all’archivio Fendi ha scelto per caso cose dello stesso periodo che stavamo guardando. 

Inoltre Donatella non ha mai disegnato per un altro marchio, e nemmeno Silvia, quindi è stato molto interessante da vedere. 

Ma le ragioni alla base erano semplici: volevamo fare qualcosa che fosse ottimista e divertente quando torniamo agli spettacoli dal vivo. E volevamo farlo perché ci amiamo”.

un incontro di tre diverse menti della moda, tutte ai massimi livelli del sistema, e tutte che agiscono con un’umiltà creativa fin troppo rara in questo settore nel concedersi l’un l’altro libero sfogo per reinterpretare il dna dell’altro. 

A pensarci bene c’è anche una logica storica, in quanto Gianni Versace e Karl Lagerfeld erano entrambi rivali ma comunque molto amici.

Ciò che è rimasto poco chiaro quando è iniziata la festa post-show che prometteva di essere una notte intera è se questa Fendace è una tantum o se potrebbe esserci un round di ritorno, forse ospitato da Fendi, la prossima stagione.

Ad ogni modo la grande domanda sulla bocca di tutti ora, però, è: chi sarà il prossimo? 

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