Jean Bosphore ci immerge in un’atmosfera dove il tempo sembra fermarsi, il sole colpisce la pelle che diventa calda e ha bisogno di immergersi nell’acqua. Ci trasporta in un mondo sospeso, dove i pensieri svaniscono o, se riemergono, non hanno così tanta importanza.
Le opere di Jean Bosphore, in cui tutto sembra fermo e sereno, raccontano un ideale di tranquillità apparente che nasconde sfumature più profonde di solitudine e introspezione. I suoi dipinti ad olio evocano l’atmosfera dell’iconico film di Jacques Deray, La Piscine: non troviamo il bellissimo Jean-Paul interpretato da Alain Delon, ma altri uomini, comunque affascinanti, che provengono dai social e dalle amicizie, riflettendo così una dimensione più personale e contemporanea.
I colori freddi che caratterizzano le sue scene creano un’atmosfera avvolgente e seducente, esprimendo una sensualità elegante e raffinata, quasi troppo fine. Jean Bosphore è architettonico e ricercato: controlla ogni aspetto del suo lavoro e non lascia sfuggire alcun dettaglio, creando composizioni perfette che sfidano il confine tra realtà e immaginazione. In questa intervista, Jean Bosphore ci racconta il suo approccio alla pittura e la sua visione della società contemporanea.
La composizione è una delle caratteristiche della tua arte, sei così schematico anche nella vita?
Un amico una volta mi ha descritto come “chirurgico”.
Direi di sì, sono (molto) organizzato. Amo l’ordine! A volte sembro rigido, ma è così che trovo il mio equilibrio. Anche nel mio processo di lavoro, tutto è piuttosto metodico.
Le tue opere evocano il caldo, la salsedine sulla pelle, il bruciare del sole, ovviamente l’estate. Che rapporto hai con questa stagione?
Ho sempre amato l’estate. È un periodo di realizzazione per me.
Amo tutto di essa: il caldo, il sole, l’ombra, nuotare, il gelato… Inoltre, le persone sono più rilassate e anche molto più sexy!
Il tempo sembra anche sospeso, e sento che la noia è più accettabile, anzi, benvenuta.
Perché rappresentare momenti di calore con toni freddi?
Penso che mi piaccia il contrasto di rappresentare un momento estivo con un freddo blu-grigio. Recentemente sono diventato ossessionato da questa tonalità. Credo che tutto sia iniziato dopo un viaggio a L.A. Ho trovato la luce lì così bella, sembrava tutto sbiadito, desaturato, vicino a questo blu-grigio. Forse una miscela di inquinamento e troppo sole. E poi è anche meno prevedibile e ovvio di un tramonto arancione, tipo la vibe della “golden hour”.
Chi sono gli uomini raffigurati?
Oh, dipende! La maggior parte delle volte, uso foto che trovo online, le quali reinterpreto e mi approprio. A volte provengono da campagne pubblicitarie, altre volte sono di ragazzi che trovo attraenti su Instagram. E a volte, sono foto di amici. 🙂
Di solito, ho un’immagine molto chiara in mente! Posso passare ore, anche giorni, a cercare il personaggio giusto, la posa giusta, l’angolazione giusta.
Cosa rappresenta per te la nudità? Ha una particolare importanza anche nel tuo quotidiano?
No, la nudità va di pari passo con la mia stagione preferita: l’estate. Nelle mie opere, i corpi nudi sono semplicemente una rappresentazione di un’ambientazione sulla spiaggia o di un pomeriggio in piscina! Di conseguenza, un corpo nudo, per me, evoca sensualità e desiderio.
Che genere musicale attribuiresti attualmente alla tua arte?
Oh, adoro questa domanda! In realtà amo la musica—tanti stili diversi!
Ho creato gran parte delle opere che vedi qui ascoltando un album che mi ha plasmato e cambiato la vita: Dream of Life di Patti Smith!
Ma se dovessi associare un tipo di musica al mio lavoro, sarebbe disco—come Cerrone—o qualche vibe Italo-disco! Qualcosa di solare, energetico, sexy e groove. E allo stesso tempo, nostalgico e malinconico, come un’era perduta.
Quando e come è nato il tuo rapporto con la pittura ad olio?
Il mio percorso con la pittura a olio è piuttosto recente—ho iniziato a maggio 2024!
Ho cominciato con disegni iperrealistici a matita nel 2015. Poi sono passato ai pastelli colorati, poi alla pittura acrilica.
Passare all’olio è stata una rivelazione, un vero cambiamento. E non tornerei mai indietro.
La passione per l’architettura?
La mia passione per l’architettura è iniziata da giovane. Volevo fare l’architetto prima di passare al design del prodotto. Quindi, sono sempre stato attratto dall’architettura e dagli oggetti, ancora di più dopo aver scoperto i costruttivisti russi—Lissitzky, Théo van Doesburg, il movimento Bauhaus…
Penso che queste influenze giochino un ruolo importante nelle mie composizioni!
Se dovessi descrivere il “tuo” rapporto con la società contemporanea attraverso una metafora visiva, quale sarebbe?
Direi Portrait of Clive James di Jeffrey Smart. Adoro questo dipinto perché, per me, rappresenta la società contemporanea in modo distopico—dove il ritratto è solo un piccolo dettaglio all’interno di un’ambientazione architettonica opprimente! E quella luce incredibile…
Oltre lo spazio, la composizione, l’arredamento e tutti gli elementi che incorniciano le tue opere, a volte i protagonisti sembrano sospesi, assenti, pensierosi. È così? Perché?
Esattamente! Quel paradosso è ciò che adoro esplorare nelle mie opere. È un lato più oscuro di me.
Cerco di creare un senso di solitudine e noia. Anche la malinconia—adoro quella sensazione!
Queste scene estive, che sembrano ideali a prima vista, in realtà rivelano un personaggio che è spesso solo, perso nei suoi pensieri. Fa riflettere. Tutto sembra perfetto, ma probabilmente ha bisogno di terapia! Haha (proprio come tutti, in realtà).
L’intimità è sicuramente una delle tue forze pittoriche. È la tua intimità che si riflette nell’arte, o sono diverse intimità che si mescolano per emanare la sensazione a chi osserva?
Beh, l’intimità per me è un po’ come un segreto… Che io, però, non sono, haha!
Ma seriamente, l’intimità che mostro nelle mie opere dipende dalla storia che voglio raccontare e da come voglio farlo.
A volte si basa su momenti intimi che ho vissuto, che romanticizzo o trasformo. Spesso mi sento un narratore, che porta lo spettatore in un mondo—reale o immaginato.