Qui si sfiorano le vite di Rose, Thimoty, Zhang e quella di Luz, proprietaria del LOVE CLUB, appunto, locale votato ad ospitare e intrattenere la comunità queer e che,per ragioni economiche, rischia di chiudere. 

Durante l’anteprima al Piccolo Teatro di Milano abbiamo incontrato Bex Gunther, Denise Santoro e Silvia Di Gregorio, le tre autrici della serie, il regista Mario Piredda, e l’esordiente Alessio Lu, che interpreta Zhang, un ragazzo cinese, mago del marketing, che sogna di esibirsi per la prima volta come drag queen ma deve difendersi da un fidanzato violento.

Lavorare con attori emergenti quali scenari registici ti ha permesso di esplorare?

Mario Piredda: Non è la prima volta che mi capita di lavorare con attori attrici che non sono mai stati davanti a una macchina da presa. Ho sempre mischiato attori professionisti e non professionisti. Fin da subito abbiamo deciso di aprire il cast anche per i ruoli principali. Credo sia più divertente riuscire a lavorare con persone come Alessio perché riescono a restituire davanti alla camera un vissuto autentico che invece gli attori professionisti devono costruire.

Due scene di sesso, di cui una con nudo integrale, nei primi sei minuti del primo episodio non sono una consuetudine. È una dichiarazione di intenti?

Denise Santoro: è stata assolutamente una scelta voluta. Sentivamo che mancava autenticità.

Bex Gunther: Assolutamente! Come donna lesbica mi sono resa conto che è spesso sbagliato il modo in cui viene rappresentato il sesso lesbico in TV. Amazon Prime Video ci ha chiesto di raccontare le nostre vite e noi siamo persone che fanno sesso, quindi abbiamo scritto queste scene di sesso con molta cura, e poi sul set gli “intimacy coordinators” hanno fatto il loro magia.

Le donne vengono raccontate come molto consapevoli del loro desiderio sessuale e questo, nel terzo episodio, si scontra frontalmente con il tema del consenso. C’è una volontà di educare i giovani maschi dietro a quella scena?

Silvia Di Gregorio: Secondo me è molto importante parlare di consenso e soprattutto vedere delle scene reali e autentiche, perché queste sono situazioni che sono capitate tante volte alle ragazze. Volevamo “educare” in qualche modo, far capire come ci si può approcciare anche nel sesso eterosessuale, come nell’episodio di Rose. Non volevamo parlare solo del nostro mondo queer, ma più in generale di quello che sono i corpi e le relazioni.

Bex Gunther: è importante guardare quella scena dal punto di vista di Rose, e a come lei impara ad affrontare quella situazione che a tutte e tutti potrebbe capitare. 

Denise Santoro: Ed è importante anche saper dire no. Non c’è niente di male nel dire di no. 

Non si parla mai di app di incontri. Scelta narrativa o le app sono ormai una boomerata?

Bex Gunther: Nooo! (ride) Non penso che siano una boomerata! Noi (riferendosi a Denise Santoro) ci siamo conosciute su Tinder e sono otto anni che siamo sposate, quindi ha funzionato! Magari siamo davvero Boomer, non so! Comunque nella scaletta c’era il tema delle app di incontri ma poi rivedendo le storie abbiamo capito che conveniva focalizzarci su altri temi.

Cosa differenzia LOVE CLUB dalle altre serie e film a tematica lgbtq+ italiane?

Silvia Di Gregorio: Sicuramente il range di età. Qui parliamo di Young Adults quindi siamo lontani da temi più adolescenziale, come ad esempio il coming out. Abbiamo lavorato su conflitti più adulti. 

Denise Santoro:  io credo che si differenzia anche nel fatto che è una serie scritta da un persone e recitata da persone che fanno parte della comunità LGBTQ+ e credo che questo sia quello che ci differenzia un po’ dagli altri. Quello che abbiamo raccontato nel 90% dei casi lo hanno già vissuto.

L’episodio di Zhang è quello formalmente e visivamente più cinematografico o sbaglio?

Mario Piredda:Sono convinto che ogni storia abbia bisogno di un certo tipo di regia. Leggendo la storia di Zhang mi sono accorto che era molto vicina al mio mondo quindi ho optato per una regia un po’ più classica, con inquadrature più statiche, con una maggiore ricerca del quadro e su altri episodi invece ho scelto di andare in un’altra direzione.

Alessio, la tua interpretazione di Zhang è davvero delicata e in solo 30 min vediamo una grande crescita del personaggio. Quanto di Alessio c’è in Zhang?

Alessio Lu: Il mio è stato un vissuto molto diverso ma su un piano parallelo, la storia è stata molto simile. L’esordio sul set l’ho vissuta quasi come se fosse un percorso di coming out, io scoprivo di essere un attore come Zhang scopriva di essere una drag. Sentivo di vivere le sue stesse emozioni. Lui ha visto il suo primo spettacolo drag esattamente come io ho visto per la prima volta il set di una serie. L’aspetto legato più a un’identità e alla paura di essere quell’identita, è qualcosa che ho vissuto fin da piccolo. Mi sono sempre sentito non identificato come se non ci fosse nessuno come me. Le emozioni che vissuto durante l’adolescenza sono molto simili a quelle che ha vissuto Zhang sul palco e tutto questo è sicuramente stato a servizio del personaggio.

Perché una serie da 4 episodi da 30 minuti e non un film da 2 ore?

Silvia Di Gregorio: Perche una narrazione verticale ci permetteva di raccontare le varie storie più approfonditamente e perchè c’è ancora moltissimo da raccontare!

Bex Gunther: Perché il sequel di Love Club come film non lo vorrei mai vedere! Invece la seconda stagione di Love Club la vorrei vedere moltissimo!

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Da sempre Hollywood ama i film sul Cinema, La La Land appunto (sei oscar per quattordici nomination) “The artist” (cinque vinti, tra cui miglior film, per dieci candidature) Mank, la storia dello sceneggiatore di “Quarto potere”, e “C’era una volta a Hollywood” di Tarantino (entrambi due vittorie su dieci nomination) giusto per citarne alcune.

Allora perché questo schiaffo in faccia a Chazelle e a questo film che racconta, sarebbe meglio dire urla, il drammatico passaggio dal cinema muto a quello sonoro?
Babylon intreccia le vite del tuttofare messicano Manny Torres (Diego Calva), dell’aspirante star del cinema muto Nelly LeRoi (Margot Robbie) e del navigato e rispettato attore Jack Conrad (Brad Pitt) sullo sfondo della Los Angeles del 1926.

Nel primo quarto d’ora di film Chazelle ci butta in una festa che sembra un girone infernale, ma dove tutti sono felici, strafatti e poco vestiti. Puro edonismo, con tonnellate di coca a fare da carburante a quel mondo di vuota perdizione.

È però nella scena immediatamente successiva, in cui Brad Pitt recita: “L’uomo che ti fa benzina va al cinema perchè si sente meno solo, la! Non dovremmo propinargli sempre la solita merda!” che ho pensato: “ha detto più lui in questa frase che Steven Spielberg in tutto The Fablemans”.

Uscito nel periodo Natalizio, The Fablemans, è l’ultima celebratissima fatica del Re di
Hollywood, la sua opera più intima, dichiara lui stesso in un breve video che viene proiettato prima del film.
Racconto di formazione autobiografico, sulla vita della famiglia Fableman e su quanto sia bello andare al cinema e fare il cinema. Il tutto è narrato con un punto di vista
drammaticamente semplicistico, eroistico, ombelicale, innocuo, fatto per piacere a tutti. Fine.

Spielberg fin dalle sue prime produzioni ha ridefinito massicciamente l’immaginario del
cinema americano creando soprattutto un nuovo standard, il metro di misura con cui i
cineasti e produttori si sono misurati per 40 anni buoni tanto nelle immagini, quanto nello storytelling.

John Landis, Robert Zemeckis, George Lucas e appunto Steven Spielberg dai
primi anni ‘80 hanno dettato legge, con cognizione di causa, ma hanno gettato un velo di sfiga su chi non si conformava a quei dettami.

Poi è arrivato “Dogma 95” ma quella è un’altra storia.
Ora però, che il cinema indipendente si sta prendendo, finalmente, il suo spazio, adesso che storie antieroiche, bizzarre, inaspettate stanno invadendo le sale e le watchlist degli
spettatori elogiare un film come the Fablemans ed essere detrattori di Babylon risulta
grandemente anacronistico. Una Boomerata.

E di boomer, che tra Spielberg e Chazelle, buttano giù dalla torre il secondo ce ne sono
tantissimi.

Spielberg non fa nulla per scuoterci, lui che riusciva a sconvolgere il pubblico usando
“semplicemente” un cappottino rosso in “Shindler’s List”, ci accompagna per mano,
saldamente, senza scossoni.

Chazelle invece ci butta all’inferno, senza bussola, nel caos vero, autentico, informe, viaggiando sempre con la quinta ingranata.

Credo che il punto sia proprio questo, la critica ha preferito il lieve ma rassicurante dramma familiare del Maestro, dove alla fine il bene vince (perchè aderente all’american dream carico di nostalgia), all’incontrollabile follia, a tratti difficile da decifrare, senza eroismi, piena di fallimenti colossali dell’Allievo.

“Essere innocui insomma, che sennò è volgare” cantavano gli Afterhours nel ‘99,
anticipando quello che oggi si chiama “safetyism”, quella volontà tutta americana di non
urtare le sensibilità di nessuno, mai, in nessun ambito, soprattutto artistico.

Merda di elefante, pissing, vomito, abusi sessuali estremi, morti assurde, blackface su attori di colore, Babylon butta in faccia allo spettatore tutto questo per 3 ore e per Hollywood è stato evidentemente troppo per vedere che in realtà è un film estremamente poetico e profondo, quando la luce riesce a farsi spazio nelle tenebre di un animo umano, raccontato qui senza fare sconti a nessuno.

Particolarmente toccante e assolutamente vere sono le parole sul futuro, su quello che resta di un attore una volta che muore: “Ogni volta che qualcuno metterà in un proiettore una tua pellicola, tu rivivrai e diventerai eterno, come gli angeli e i fantasmi, anche se il tuo tempo adesso è finito”.

La chiave di volta nella poetica di Babylon, quel singolo elemento senza il quale il film non sarebbe lo stesso, è l’inquadratura immediatamente prima del gran finale del film. Siamo già a 2 ore e 50 minuti dall’inizio, la regia sta per sfoderare la stoccata finale, il colpo da maestro ma prima di farlo fa arretrare la telecamera in una sala cinematografica e ci mostra il pubblico intento a guardare un film.

Vediamo le loro facce, le loro espressioni, c’è chi mangia i pop corn, chi limona duro. Giovani, vecchi, bambini, adulti, tutti, con il naso all’insù e gli occhi fissi sullo schermo. Poi la camera si alza, riprende in pianta la platea silenziosa e sbam, il gran finale si materializza davanti ai nostri occhi, a noi, che siamo il pubblico vero, il
pubblico in sala, traghettati verso una delle più grandi dichiarazioni d’amore per il cinema che abbia mai visto.

Non vi dirò cosa si vede in questo finale né come quel personaggio sia arrivato in quel
cinema, lo spoiler sarebbe davvero un crimine in questo caso.

Chazelle dichiara fino alla fine che il cinema si fa per il pubblico e non (solo) per soddisfare il proprio ego, quindi questo è un film che parla di noi, che durante il lockdown abbiamo cercato rifugio in quelle storie, che siamo andati al cinema anche con la mascherina, noi che siamo famelici di cinema o che magari ci andiamo solo per vedere un film della Marvel, e ci dice:” va bene, va bene così” perché è con voi che noi vivremo per sempre. Nei vostri occhi, nelle vostre orecchie, nel vostro cuore. Per sempre.

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