Avevamo incontrato l’eclettico Voodoo Kid (leggi qui l’altra intervista) in occasione dell’uscita del suo primo album “amor, requiem”, e oggi lo ritroviamo più energico, più a fuoco ed entusiasta. Il merito è il frutto di un percorso dall’analista che Voodoo Kid ha intrapreso per andare alla scoperta di se stesso e della propria identità.

Acquisendo così quella consapevolezza che oggi gli permette di far parte di una generazione finalmente libera, fluida, che non ha ostacoli in amore, e che non ha paura di urlarti in faccia i suoi sentimenti mettendosi a nudo. Un percorso cominciato probabilmente anni fa quando nel suo stesso nome incluse quel “kid” senza genere.

La sua musica racconta senza mezzi termini il suo percorso di accettazione e le sue passioni, come i manga, i videogame, le serie tv, lasciandosi anche contaminare dai suoi artisti preferiti tra cui 070shake, The Weeknd o Justin Bieber.

Abbiamo chiacchierato sul percorso che lo ha portato a creare “Anche i Demoni Piangono” (Carosello):

Ciao, come stai?

Tutto bene oggi, grazie!

Partiamo dal titolo “Anche i Demoni Piangono”, come sei riuscito a far piangere i tuoi tormenti interiori?

Questa raccolta nasce da un mio malessere, stavo male al punto da non riuscire più a stare bene. Così due anni fa ho intrapreso un percorso di terapia, soffrendo di ansia e depressione non riuscivo più ad ascoltare la mia parte più razionale e positiva, vedevo tutto in modo negativo anche quando non ce n’era motivo.

Alla fine ho capito che quando hai un problema l’unico modo per uscirne è parlarne, ma non prima di aver capito qual è la fonte del tuo malessere, il titolo fa riferimento a questo processo interiore, prima devi guardare i tuoi demoni piangere e poi li devi ascoltare.

Qui entra in gioco la terapia, perché da soli è difficile riuscire a rispondere ai propri demoni anche se si conoscono, ci vuole qualcuno che ti guidi in questa conversazione, e l’album è nato un pò così. Il titolo è venuto dopo, è stata una puntata di “Evangelion” a ispirarlo, che è uno dei miei anime preferiti.

Per me sta a significare quanto ti senti in un modo e sai spiegarne il perché, una cosa che ho imparato a fare parlando con uno specialista dei miei demoni. E’ stato lui a farmi capire di cosa avevo paura, e per me è stata una rivelazione poter finalmente capire quali erano le parti dentro di me che non andavano bene e poter risolvere problemi che tutt’ora ho, ma con cui va sempre un pò meglio.

In Italia la terapia è spesso ancora vista come un taboo, per te è stata fondamentale sia per il tuo benessere che per la ridefinizione della tua identità, pensi che le tue canzoni possono aiutare qualcuno che si sente intrappolato nei suoi demoni?  

Onestamente non spero altro, per me la musica è condivisione altrimenti me l’ascolterei con gli amici in cameretta. Ho scelto di parlare solo di questo topic nella raccolta, la chiamo così perché non è nata con l’intenzione di fare un album.

Non avevo deciso a priori di scrivere canzoni sulla mia depressione, sull’ansia, sulla mia fobia dello stare in mezzo alle persone che non conosco e che mi fa star male alle feste, o della mia difficoltà con le relazioni a distanza; sono canzoni scaturite mano a mano da questo percorso di terapia che ho intrapreso.

Di riflesso oltre che a parlarne con lo psicologo sono riuscito a trasformare il tutto in canzoni e non è stato per niente facile, pensa che sono due anni che non usciva niente di mio perché mi sento in continua evoluzione, sia per quanto riguarda la sanità mentale che la mia identità, due anni fa non utilizzavo i pronomi he/him per identificarmi.

Ho affrontato una crescita a livello personale molto importante e prima di dirmi: “dai facciamo uscire un lavoro più cospicuo”, avevo bisogno di esser certo su dove volevo andare e di aver capito a fondo tutto questo.

Com’era il Voodoo Kid di “amor requiem” rispetto a come ti senti oggi?

Oggi Voodoo Kid è sicuramente più maturo. Prima non avevo il coraggio di guardarmi dentro e farmi certe domande per paura del giudizio di tutti gli altri Voodoo Kid che lo compongono.

Oggi sono più cosciente su chi sono, su chi voglio essere e su quale tipo di messaggio voglio veicolare. Chi fa musica entra in qualche modo nella vita di altre persone e se dai il messaggio sbagliato o se non ne dai nessuno, non arrivi in profondità e io è lì che voglio arrivare.

Quali sono state le referenze musicali del disco, ad esempio uno dei mie brani preferiti “Alice02” mi ricorda sonorità di artisti che stimo come 070shake o The Weeknd… ci ho preso?

Sì, per questa raccolta ho fatto l’esatto contrario di quanto fatto con l’album precedente dove ho lavorato con produttori diversi ma ho scritto solo io, per “Anche i Demoni Piangono” ho lavorato con autori diversi ma con un unico produttore (Renzo Stone ndg).

Per capire quale direzione prendere come sonorità ho fatto una playlist da prendere come reference che comprendeva “Modus Vivendi” di 070shake, gli ultimi due album di “The Weeknd” di cui sono megafan dai suoi esordi e “Hyperion” di Gesaffelstein. Quindi ci hai decisamente preso!

La raccolta, nonostante tocchi temi personali anche non facili ha queste sonorità spinte da clubbing che combaciano con la tua personalità esuberante… hai volutamente creato questo contrasto tra i testi e la musica?

Pensa ai testi di Michael Jackson che dice cose assurde ma la musica è super up. Il concetto è stato un pò questo, la gente può apprezzarlo per la melodia ma poi ascolti bene il testo e ti dici: “Ah cazzo! Ma sta parlando di questa cosa?”. Non è scontato ne facile arrivarci, ci ho lavorato davvero tanto ed ora sono contentissimo.

Questo spingere sulla cassa pensi derivi anche dal fatto che sei anche un dj?

Anche, io devo fare qualcosa tutti i giorni o impazzisco, se non è una canzone devo produrre o ascoltare musica nuova, mi serve per sentirmi bene. Ultimamente sono preso molto bene ad ascoltare Burial.

Prima hai citato “Evangelion”, so che hai una passione per gli anime e per i video game che penso si rifletta anche nel tuo look, ho ragione? E hai un personaggio preferito?

No, hai pienamente ragione! (ride ndg). Il personaggio preferito è una domanda difficile… però si ce l’ho e mi ci rivedo sia a livello caratteriale che fisico, è un personaggio che potrebbe essere definito controverso, è un cattivo anzi è il più cattivo dei cattivi mai visti.

Il manga da cui proviene è “Berserk” e lui si chiama Griffith e mi ci rivedo perché anche lui, anche se in modo differente, è afflitto e vessato costantemente da demoni psicologici. E’ una figura strana perché all’inizio sembra il salvatore del protagonista però poi per raggiungere certi obiettivi tradisce i suoi amici, anche se poi si scopre che lo fa per creare un mondo nuovo e migliore.

Sta per partire il nuovo tour, come sarà?

Explosive, baby! Dopo due anni in cui non ho fatto nulla mi sto sono concentrato molto sul live. Vorrei che chi mi viene a sentire capisca un po di più il mio universo anche attraverso quello che vedrà sul palco.

Io sono uno che se può fare una cosa la fa e se non la può fare la fa lo stesso! Oltre alla mia personalità sul palco coinvolgerò altre personaggi a livello scenico, tipo delle ballerine: io voglio fare la popstar!

Che rapporto hai con il tuo pubblico?

Bella domanda, io penso che i rapporti si instaurino dal vivo e purtroppo negli ultimi due anni ho fatto pochissimi live. Aspetto le nuove date per potermi relazionare con tutti.

Abbiamo parlato prima di cosa ti piace, ma ti saluto chiedendoti: qual è l’ultimo album di cui ti sei innamorato?

In macchina ho un cd fisso che è “Future Nostalgia” di Dua Lipa ma in generale devo dirti “Dawn FM” di The Weeknd.

Voodoo Kid “Anche i Demoni Piangono Tour” (date in aggiornamento):

21 gennaio – Piazza della loggia, Brescia

22 febbraio – Off Topic, Torino

28 febbraio – Locomotiv, Bologna

15 marzo – Arci Bellezza, Milano

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N.20 – Father John Misty “Chloë and the Next 20th Century” (Sub Pop)

Il cantautore Josh Tillman ripercorre l’età d’oro di Hollywood per una raccolta di canzoni sognanti, riccamente orchestrate e con un lato ironico, uno studio riuscito sull’atemporalità delle canzoni d’amore.

N.19 – Beabadoobee “Beatopia” (Dirty Hit)

Ispirato da un mondo sognante e infantile, enfatizzato nell’artwork, e dai successi radiofonici pop degli anni 2000, il secondo album di Bea Kristi è contemporaneamente denso e giocoso, melodico e dissonante, leggero e impegnato più intimo. Meno indie rock del suo predecessore ma in una veste che le calza comunque a pennello.

N.18 – Jockstrap “I Love You Jennifer B” (Rough Trade)

Alcuni album di debutto sono molto attesi a causa del clamore generato da Internet ma non è il caso del duo inglese Jockstrap, che hanno mantenuto le aspettative con “I Love You Jennifer B”, un disco magico fatto di pop sperimentale talmente stretchato da rendere il genere indefinibile. Have a good ride.

N.17 – Weyes Blood “And in the Darkness, Hearts Aglow ” (Sub Pop)

Il quinto disco di Natalie Mering è qualcosa di maestoso, come una spedizione nell’occhio di un ciclone; un insieme ambizioso e stravagante di canzoni d’amore e inni evegreen, con imprevedibili e appaganti arrangiamenti orchestrali. La sua consacrazione.

N.16 – CMAT “If My Wife Knew, I’ll Be Dead” (Awal)

Se siete un po’ dei nerd della musica non vi sarà sfuggito questo album che purtroppo non è stato distribuito in Italia. La 25enne cantautrice irlandese Ciara Mary-Alice Thompson in arte CMAT è una pop star tuttofare che ha realizzato un album di debutto quasi perfetto. Una deliziosa combinazione di lussuria ed ironia con melodie country pop che restano appiccicate in testa, testi esilaranti ed una voce avvolgente.

N.15 – Whitemary “Radio Whitemary” (42 Records)

Un disco che viaggia nella mente di chi ascolta per toccare i poli della nostra parte razionale e del nostro istinto che ci chiama e ci assorbe in una galleria di luci al neon e parole ripetute come mantra. In un abitacolo che ospita pensieri e sentimenti, in un viaggio lungo quanto l’esplorazione di noi stessi. Whitemary abruzzese in pianta stabile a Roma vi sorprenderà.

N.14 – Lykke Li “EYEYE” (Pias)

Il disco che dovrebbe chiudere il cerchio sul tema tanto caro all’artista svedese che vive da anni a Hollywood, ovvero i cuori spezzati, è anche il più scarno, grezzo e sincero della sua carriera. Palindromo nel titolo e nella sua durata 33:33, il quinto album di Lykke Li è compagno del dolore quanto la luce è compagna del mattino.

N.13 – Christine and the Queens “Redcar les adorables etoiles (prologue)” (Because)

Canzoni di rottura senza schemi predefiniti e melodie malinconiche anni ’80 marchiano la nuova uscita di Héloïse Letissier, che oggi si trasforma in Redcar. Un lavoro scritto e registrato in sole due settimane e che fa da prologo ad un progetto in via di sviluppo come la sua persona. “Redcar” non è facile e necessita diversi ascolti, ma superato lo step capirete la magnificenza e l’unicità di quest artista.

N.12 – Charli XCX “Crash” (Atlantic)

“Crash” è il disco pop migliore di Charli XCX dai tempi del mixtape “Pop 2”. Come il film di Chronenberg, da cui ha preso in prestito titolo e concept ha sovvertito le regole del cinema d’autore, “Crash” ribalta le regole del pop. Si torna a fare festa senza inibizioni ma in favore di suoni più facili e meno hyper pop.

N.11 – Ariete “Specchio” (Bomba Dischi)

La cantautrice romana Ariete si è costruita una fan base invidiabile che la adora, ogni suo concerto è una cerimonia fatta di cantate a squarcia gola e diritti lgbt+, se l’Italia l’ascoltasse con più attenzione sarebbe sicuramente un paese migliore. Storie d’amore e un’apatia adolescenziale alla “Donnie Darko” aleggiano tra le canzoni, ma c’è anche quell’energia che arriva all’improvviso tipica della sua età. Ci aspettiamo grandi cose.

N.10 – Arctic Monkeys “The Car” (Domino)

Gli Arctic Monkeys non sono stati mai così evocativi e l’entusiasmo della band nell’esplorare nuovi stili è encomiabile. Forse chi vive nel ricordo rimpiangerà per sempre le loro hit da stadio come “Teddy Picker”, ma questo album si chiama “The Car” quindi mettetevi comodi e godetevi questo viaggio old-fashioned e che potrebbe metterli in lizza per comporre il prossimo theme di James Bond.

N.09 – Oliver Sims “Hideous Bastard” (Young)

Oliver Sim è noto per essere la voce dei The XX, questo suo primo album è un lavoro liberatorio che lo ha accompagnato un percorso di accettazione nei confronti di dipendenze, della sua sessualità e del convivere con lo stigma dell’HIV che ha contratto a soli 17 anni.

“Hideous Bastard” è il mostro che ha convissuto dentro ad Oliver e che finalmente si è liberato, e che ha creato un album in cui convivono passato e futuro, dove sonorità digitali si scontrano con l’amore per la musica degli anni ’60, trasmessogli dal padre e che danno vita ad un album imprevedibile.

N.8 – King Princess “Hold On Baby” (Columbia)

King Princess è l’alter ego di Mikaela Straus, cantautrice e polistrumentista queer di Brooklyn. “Hold On Baby” è il suo secondo album: una lavoro intelligente, intenso, provocatorio e seducente del pop che verrà e che giustifica l’hype si è costruito intorno a lei. Pensate che il suo primo contratto le è stato offerto a 11 anni… lei rifiutò ma aspettare paga, tanto che è stata scoperta dal super produttore Mark Ronson, diventando la prima firma per la sua etichetta Zelig.

N.7 – Aurora “The Gods We Can Touch” (Glass Note)

Proprio come i suoi due album precedenti, “The God We Can Touch” si discosta dalla musica pop canonica per le sue qualità innovative e cinematografiche. L’album è un concept per l’unità tematica dellle sue tracce, con ogni canzone dedicata all’umanizzazione di un diverso dio o divinità spirituale, dai personaggi mitologici greci alle figure cristiane. Un manifesto che si districa tra electro pop e tracce spirituali e che inneggia all’amore libero. Un’artista unica nel suo genere, che va assolutamente vista live.

N.6 – GINEVRA “DIAMANTI” (Asian Fake)

Un disco atteso “DIAMANTI” di Ginevra, cantautrice e musicista di Torino che si conferma un’artista avant-garde nella scena musicale Italiana. Canzoni pop fragili, notturne, intime ma anche sorprendentemente muscolari.

Ricche di riferimenti colti ed esterofili, risplendono nella notte come le sfaccettature di un diamante colpito dalla luce della luna o di una strobo. C’è l’elettronica che ti trasporta in un club berlinese, ma anche la nostalgia della Bristol dei Massive Attack e di Tricky, e di quei suoni che ti annebbiano come un joint.

“DIAMANTI” è un ibrido tra determinate sonorità inglesi e il cantautorato, un album che in mezzo al panorama italiano luccica come il nome che porta.

N.5 – Tove Lo “Dirt Femme” (Pretty Swede)

“Dirt Femme” è un album sexy, intelligente e, cosa più importante divertente della produttrice e cantante svedese Tove Lo. Un passo avanti per Tove Lo senza perdere nulla del suo fascino caratteristico, sicuramente l’album pop dell’anno, il quinto della sua carriera e il primo auto prodotto dalla sua neonata etichetta Pretty Swede. “Dirt Femme” è un disco che deve molto a Giorgio Moroder con i suoi sintetizzatori che pulsano dappertutto, è musica disco euforica accoppiata con testi tristi, da ballare e cantare insieme.

N.4 – Wet Leg “Wet Leg” (Domino)

Le Wet Leg hanno pubblicato un album di debutto che è diventato un “Istant classic” e giustifica tutto l’hype che le circonda. Il duo dell’isola di Wight mette in atto gioco spiritoso e caloroso nel caos dei loro venticinque anni, con hit infettive come l’ammiccante “Chaise Long” divenuta un festival anthem, “Wet Dream” è il suo ritornello da cantare a squarciagola o ancora “Angelica” e la sua malinconia retrò. Un album che ci riporta ai fasti del brit pop ma in modo intelligente e fresco.

N.3 – Rosalía “Motomami” (Columbia)

“MOTOMAMI” di Rosalía spazia per flamenco, bachata, reggaeton, bolero, synthpop, hyperpop, samba e collage sperimentali che potremmo definire “avant-pop”. Motomami è tanto provocatorio e rischioso quanto creativo. Mette in mostra Rosalía come un “master”, intrecciando i fili contraddittori del pop latino e anglosassone con forme tradizionali e d’avanguardia e suoni freschi in un approccio radicale gloriosamente articolato che rende l’ascolto ossessivo. Rosalía è la popstar del futuro.

N.2 – 070 SHAKE “You Can’t Kill Me”

Da quando è entrata sulla scena come collaboratrice IN “Ghost Town” di Kanye West, 070 Shake sembra abbia esplorato e sperimentato senza paura suoni diversi. Mescolando e abbinando, scuotendo e mescolando il piatto, spesso emergendo con un marchio musicale straordinariamente unico, “You Can’t Kill Me” è una continuazione di questo marchio artistico – quello di un artista che non si ferma mai. In questo progetto, 070 Shake fa un passo successivo che è emozionante e pieno di momenti meravigliosi anche grazie alla produzione di Mike Dean. Un album d’amore oscuro e viscerale che dal vivo arriva diretto con tutta la sua potenza e il suo carisma magnetico.

N.1 – Yeah Yeah Yeahs “Cool It Down” (Secretly Canadian)

Il cielo di Los Angeles non è mai stato così infuocato, gli Yeah Yeah Yeahs da New York cambiano skyline e tornano dopo 9 anni con “Cool It Down”, un album con atmosfere alla David Lynch, ma con quella loro ruvidezza DIY inconfondibile.

Il quinto album degli Yeah Yeah Yeahs esplora l’isolamento dell’era della pandemia, affronta la rovina ambientale, e parla di cieli rosso fuoco che sembrano il preludio di un apocalisse, ma lasciando sul finale un segnale di speranza e di ottimismo sul futuro.

Gli Yeah Yeah Yeahs sono cresciuti, si sono evoluti e noi insieme a loro, la voce di Karen da ruvida e tagliente è diventata a tratti setosa, in altri sussurrata, sembra quasi una meditazione post punk che culmina nel duetto con Perfume Genius “Spitting on the Edge of the World”, un inno epocale che sputa sul mondo e su tutte le sue contraddizioni. Un album tremendamente attuale che si aggiudica il podio come miglior album del 2022 per TOH! Magazine.

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