Anthony Cudahy collega un’ampia varietà di riferimenti nella sua pittura, capolavori della storia dell’arte, archivi della cultura queer, iconografia gay, nonché ricordi personali e familiari.

Come ci spiega di seguito, Anthony Cudahy ha conosciuto l’arte da piccolo, ponendosi molte domande fino a quando ha capito che l’arte e sopratutto la pittura sarebbero diventati parte fondamentale della sua vita. L’arte di Antony Cudahy sprigiona un lieve velo erotico e un tratto drammatico, attirando chi l’osserva, un osservatore amante della pulizia visiva, dell’equilibrio e della ricercatezza del colore. Come il rosa che predomina nell’arte di Anthony.

Quando e come l’arte è entrata a far parte della tua vita?

Crescendo mia madre è stata molto artistica e solidale. Ci portava nei musei quando andavamo in viaggio, vedendo spesso più arte antica. La città in cui sono cresciuto non offriva molta arte, e Internet non era quello che è adesso.

Ho davvero trovato l’arte contemporanea in un posto ridicolo: la sezione dei libri d’arte di Barnes and Noble.

Al liceo ho trovato lì un libro di Lucian Freud Sono rimasto sorpreso nell’apprendere che era ancora vivo e dipingeva. Sapevo che le persone continuavano a dipingere, ma non sapevo che le persone potessero essere ancora considerate artisti. Ho scoperto che la pittura era in realtà qualcosa che si poteva ancora fare per tutta la vita, e ha avuto un enorme impatto su ciò che ho fatto da quel momento in poi.

Qual’è stato il tuo percorso?

Mi sono trasferita a New York a diciotto anni e ho frequentato il Pratt Institute. Ho trascorso anni dopo continuando a dipingere e facendo diversi lavori mentre cercavo di scavare sempre più a fondo nel mezzo. Ho fatto molte fanzine e ho lavorato su due piccole pubblicazioni Packet Biweekly e Slow Youth. Alla fine, sono andato all’Hunter College per studiare, ma a metà del mio percorso è subentrato il Covid e lo ha interrotto. Durante la mia permanenza lì ho iniziato a esporre con 1969 Gallery, poi Hales Gallery negli Stati Uniti e Semiose in Europa.

Cosa ritrai?

Sono soprattutto un pittore figurativo. I dipinti più piccoli si concentrano spesso su un’espressione o un gesto che trovo coinvolgente. I dipinti più grandi sono vagamente più narrativi. Il mezzo della pittura è molto autoreferenziale e spesso dipingo attingendo da dipinti di altri pittori o mi riferisco ad altre opere.

Chi sono i soggetti protagonisti delle tue opere?

Nonostante sia un pittore figurativo, sono spesso reticente a riferirmi alle opere come ritrattistica. Soprattutto nelle scene più grandi, le figure che agiscono spesso in modi allegorici, quasi come personaggi.

Quando ho iniziato a dipingere mio marito, il fotografo Ian Lewandowski, questo è diventato più confuso.

A volte i suoi dipinti rientrano più nel regno dei ritratti, ma altre volte interpreta un ruolo. Da quel momento in poi sono diventato sempre più interessato a posare e dipingere le persone nella mia vita. Prima prendevo ispirazioni da archivi d’immagini.

Perché la scelta della pittura a olio?

C’è un’alchimia nella pittura a olio. È una relazione permanente tra il pittore e il mezzo, perché ci sono così tanti strati per conoscere l’olio. Il colore è ovviamente un aspetto enorme ma solo una delle tante tane del coniglio.

Ogni tubo ha la sua personalità e interagisce con altri tubi in una rete infinitamente complessa.

È avvincente. Amy Sillman ha scritto un pezzo davvero meraviglioso su questo.

Nei tuoi lavori troviamo spesso diverse tonalità di rosa, che importanza ha per te?

Il colore è qualcosa a cui penso sempre più come forza all’interno del dipinto, come le figure. Alcuni colori possono esercitare un potenziale narrativo. Ci sono i rosa di cui sono particolarmente ossessionato.

Montserrat Orange di Williamsburg Paint è quasi magico.

Crea una luce e un’atmosfera semplicemente da solo.

Osservando la tua arte mi sembra di avvertire tanta intimità e delicatezza, è cosi?

Sono interessato alla vulnerabilità o alla precarietà e penso che per esistere in quel regno ci debba essere intimità.

È il duplice significato della parola tenero: una vicinanza romantica all’altro o un livido doloroso.

Man mano che sviluppavo i miei dipinti e disegni, sono diventati sempre più dettagliati. L’osservazione ravvicinata necessaria per questo è in un certo senso intima, trascorrendo così tanto tempo lento a esaminarne un altro.

Cosa provi nell’autoritratti? 

Simile ai dipinti di Ian che cambiano la mia prospettiva sul fatto che alcuni dipinti fossero ritratti, gli autoritratti sono un’aggiunta recente alla mia pratica. Spesso sono modi per interagire con altri dipinti. Il primo autoritratto che ho fatto è stato per il mio assolo con Semiose la scorsa estate ed ero io nella posa di un autoritratto di David Hockney.

Di recente ne ho fatto un altro per una mostra collettiva di autoritratti al Lyles and King qui a New York che era un riferimento a due autoritratti, uno di Joan Brown e l’altro di Francis Bacon. Mi piace complicare il ritratto di “artista in studio” aggiungendo un lignaggio di paternità assumendo la posa e l’intenzione di altri artisti.

Dove possiamo vedere le tue opere? Che progetti hai per il futuro?

Attualmente sto lavorando a un corpus di lavori per una mostra personale per il prossimo ottobre alla Grimm Gallery, Amsterdam.

Opera in apertura:

Anthony Cudahy,
devirosflexing i, 2020
Huile sur toile / Oil on canvas 61 × 46 cm / 24 × 18 inches No Inv. AC20010
Photo : A. Mole
Private collection

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La creatività che Marco Bongiorni possiede è ereditata da un contesto familiare che l’ha portato a vivere una vita fatta di bellezza e conoscenza. “Uomo che piange” è una serie di dipinti che Marco ha iniziato a realizzare qualche anno fa per un’esigenza personale. Un pianto che ha fatto fatica ad arrivare, il più grande gesto di sofferenza e commozione che si possa avere. Marco studia in modo emozionale e fortemente umano il pianto maschile, a cui non è mai stato attribuito un valore nella pittura.

Questo atto è ancora assurdamente interdetto per molte persone. Marco Bongiorni come tutte le persone ricche di emozioni e sensibilità, che non vuol dire inferiorità, piange. Si emoziona e ci emoziona. 

Chi è Marco? Ci parli un po’ di te?

Sono alto un metro e novantotto, peso 100 kg e sono un pittore.

Tutte le altre informazioni su di me possono essere fraintese o fraintendimenti esse stesse, quindi mi fermo qui.

Quando e come ti sei avvicinato al mondo dell’arte? 

Vengo da una famiglia in cui ho respirato arte visiva fin da piccolo. Nonno scultore, padre architetto, fratello illustratore. 

Abbiamo sempre considerato il lavoro creativo come un vero lavoro. 

Oltre a questo ritengo l’incontro con Claudio Olivieri uno dei momenti fondanti del mio percorso. Lo conobbi un’estate nel suo studio di via Carlo D’Adda a Milano. La luce che pioveva dai lucernari sui suoi quadri mi diede la conferma che la pittura trovava ancora senso nell’essere praticata.

Come definiresti la tua arte ? 

Periferica.

Io sono nato con la stenosi dei dotti lacrimali. In pratica non potevano uscire lacrime dai miei occhi per via di una membrana che non si era riassorbita. Hanno dovuto fare un piccolo intervento quando ero molto piccolo per lasciarmi piangere in pace.

Da allora ho sempre pianto e piango ancora oggi.

Questa serie di dipinti e disegni è iniziata tre anni fa da un’esigenza molto personale in un periodo particolare della mia vita. Mi sono trovato in studio un pomeriggio, solo, e ho cominciato a piangere. 

Poi ho applicato delle lacrime ad alcuni autoritratti che avevo appena fatto. Mi accorgevo che quei segni rigidi e forti davano all’immagine un taglio diverso, le lacrime non cadevano, piuttosto fuoriuscivano con una loro vitalità. Erano quasi un potere da super eroi.

Ho studiato la questione del pianto in pittura, scoprendo che nella cultura visiva occidentale l’uomo che piange non si trova di frequente, al contrario per esempio della donna piangente che rimane uno dei grandi temi occidentali.

Ci sono degli esempi importanti certo, come Bramante e Bouts o casi più recenti come il drammatico abbraccio tra Ivan il Terribile e suo figlio morente di Repon, ma le lacrime sul volto maschile sono ancora una sorta di tabù visivo. Stranamente nella letteratura, soprattutto classica, invece si parla spesso del pianto dell’uomo da quello di Ulisse per Itaca a quelli di Achille ed Ettore.

Riguardo alla tua domanda vorrei dirti che questi miei uomini piangono per il mondo in cui esistono; per le condizioni in cui si trovano a essere in quanto uomini. Perché picchiano, stuprano e molestano.

Per la vergogna di non voler far nulla davanti a violenze e soprusi. Per la loro natura vigliacca che gli fa girare lo sguardo quando altre persone muoiono di fame, di freddo o annegano nel mediterraneo.

Ma poi non ne sono cosi certo perché anche questi uomini sono egoisti come tutti e poi il pianto e il disegno sono fatti specifici, non assoluti.

Questi uomini piangono la morte di amici che non ci sono più; Christian, Claudio, Donatella, Alberto e di altri. Piangono per **** che ha problemi con la giustizia, per **** e **** che si sono ammalati, per ***** e **** che stanno nel tunnel della coca e non ne escono. Piangono **** o le amiche che hanno avuto un aborto o piangono per le dita delle mani di mia nonna Adele che ho visto curvarsi su se stesse per l’artrosi.

Forse piangono perché sono dei divenuti uomini.

Uso le parole di Matteo Nucci che, nel suo Le lacrime degli eroi, racconta Dioniso disperato per la morte del suo amante ucciso da un toro furioso: “Davanti al corpo senza vita di Ampelo, il dio che non sa piangere piange”.

Un’altra tua passione è sicuramente il pugilato, cosa ti trasmette e quanto è importante per te questo sport? 

Mi sono innamorato del pugilato anni fa anche se l’ho sempre praticato in modo amatoriale. Col tempo l’ho guardato, studiato, letto e oggi posso dire che è certamente tra i miei sport preferiti. 

Mi piace la palestra come luogo dove pensare col corpo. Conoscere se stessi e però anche conoscere l’altro. Dove prendere appunti, trovare amicizia e seguire modelli lontani dai tuoi. 

È un luogo dove si forma l’empatia di cui abbiamo bisogno ogni giorno ed è forse per questo che mi è parso naturale associare la boxe al disegno, il linguaggio più empatico che conosca.

Credi che l’arte e il pugilato abbiano delle caratteristiche comuni? Se si quali? 

il pugilato ha caratteristiche in comune con qualsiasi attività umana, ma come dice Joyce Carol “non mi riesce di pensare alla boxe in termini letterari come metafora di qualcos’altro (…) Posso però valutare l’idea che la vita sia una metafora della Boxe”. 

A me interessa il pugilato come esempio, come metodo, come attitudine da rubare e applicare al mio disegno.

In tal senso il mio libro Drawing as fighting, manuale per un disegno da combattimento (Milieu Editore) è un tentativo di dare una forma accessibile a questo approccio che è certamente personale.

Chi legge il libro o partecipa a un workshop DAF fa esperienza diretta di cosa e quanto si possa imparare da un pugile.

La distanza per esempio è una delle parole che più frequentemente sentirai ripetere se entri in una palestra di pugilato. Sapere trovare la distanza giusta, imparare a sentirla, essere in grado di tenerla, sono lezioni che valgono sul ring, ma anche sul foglio foglio di carta.

Cosa ti affascina maggiormente? 

In termini pugilistici la schivata dei grandi pugili. Da Meyweather a Canelo e Lomachenko. La loro capacità di leggere le intenzioni dell’avversario prima che si manifestino.

Oltre a questo sono ricettivo su aspetti molto diversi del mondo. Adesso sono nel viaggio della pastorizia. Sto studiando pecore e pastori.

Che musica attribuiresti alla tua arte? 

Non so risponderti, ma ho imparato molto sul disegno ascoltando Dj tourtamoblist come Gruff, Skyzo, Tyone e tutta l’Alien Army.

Che progetti hai per il futuro? 

Stiamo preparando un progetto con la fondazione Ermanno Casoli di Fabriano.

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Tutto è fortemente importante nella pittura che Giulio Catelli produce; il colore, il tratto la composizione e soprattutto i soggetti. Ragazzi raffigurati in vari contesti e momenti della vita quotidiana, che sono legati a Giulio Catelli dalla memoria. In palestra, lungo il fiume Ete, questi uomini dal tratto che a volte sembra toccare una forma d’astrattismo ci fanno emozionare, riflettere e sognare.

Giulio Catelli riesce a creare un’atmosfera seducente nonostante i suoi dipinti non raffigurino atti espliciti o nudi integrali, ma ci regalano cosi una sensualità poetica e raffinata.

Quando hai iniziato a dipingere?

Ho cominciato abbastanza precocemente sulla spinta degli esempi familiari: i nonni pittori da entrambe le parti, mio padre scultore e mia madre disegnatrice e illustratrice. 

Verso i quattordici anni avevo già una cartellina di disegni e un quaderno di caricature dei professori. I piccoli dipinti che sono seguiti, hanno in gran parte questo tono scherzoso e ironico.

 Qual è stato il tuo percorso artistico?

È stato piuttosto canonico, con l’Accademia di belle arti integrata da un Corso di laurea in studi storico – artistici; sia in un’istituzione sia nell’altra, la possibilità della pittura come pratica contemporanea era trascurata, sottostimando peraltro, anche molti assunti di base degli altri media espressivi.

Mi appassionava soprattutto l’arte europea degli anni trenta; all’università di Roma potevo attingere ai testi del fondo Venturi, con i libri ingialliti e friabili, come i rotoli di Qumran. 

Ho lavorato soprattutto sul paesaggio, all’inizio suggerito e larvale, poi sul ‘vero’ in presa diretta en plein air, a segnare una predilezione per gli spazi aperti e per una luminosità piena e ariosa. 

Nel tempo non sono molto cambiati i soggetti, il paesaggio e la figura sono rimasti ad avvicendarsi; spero invece, che si sia ampliato il modo di sentire e di avvicinare le cose del mondo. Ma se dovessi dire cosa ha influenzato di più il mio percorso, direi senza dubbio l’incontro con altri pittori, prima avvicinati e poi divenuti amici.

Ricordi quando hai terminato il tuo primo dipinto? Cosa ti ha provocato?

Il primo quadro l’ho dipinto una sera insieme a mia sorella Raffaella, ricordo soprattutto il senso della sorpresa, questo anzi direi, è il sentimento che è rimasto a identificare il mio rapporto con la pratica della pittura. Nei tentativi degli inizi, ero attratto dal calore della materia, dalla corporeità degli impasti.

Spesso, dopo aver riposto i lavori ad asciugare nello sgabuzzino delle scope (il primo sacrarium della pittura), tornavo per vedere se quel brivido, se quel “pulsare” del colore che osservavo in corso d’opera, si fosse spento o se invece, si fosse saldato nell’amalgama dell’immagine.

 Chi sono per te gli uomini raffigurati?

Al momento sono più che altro ragazzi, soggetti d’affezione tanto generici quanto legati a memorie autobiografiche, figure colte nelle pause dalla scuola o sullo sfondo dei parchi cittadini.

Possono anche essere ritratti di amici e talvolta, autoritratti. 

Più in generale credo di poter dire, che la figura proprio per la sua fisicità e l’addensarsi di dimensioni narrative e psicologiche, vada ridimensionando aspetti allusivi e metaforici: di entrare in contatto con quanto di concreto, espressivo, se si vuole anche impuro, è nella vita e nel presente.

Che importanza ha nella tua vita la figura maschile?

Questo potrebbe essere più un quesito psicoanalitico che pittorico.

La pittura si serve di tutte le pulsioni, anche di quella sessuale ma insieme con altre forze e risorse.

Tuttavia la domanda è proprio sulla figura umana e d’istinto, penso immediatamente alla bellezza: ma quale bellezza? L’unica che m’interessa è oltre il canone, quella che si manifesta più profondamente nella libertà d’approccio, nelle ‘occasioni’ del quotidiano, imprendibile e sublime.

Così posso dire che fra l’esibizione dello strazio, tanto presente in gran parte della scena contemporanea e invece, la possibilità di una fiducia nei sensi e nei sentimenti: ho scelto proprio quest’ultima via, quella che spero lontano da una sciocca celebrazione, tenti una ricomposizione dei nostri conflitti.

Ci parli un po’ delle tecniche che utilizzi? 

Non utilizzo una sola tecnica, la tendenza sarebbe di disfarsi dei passaggi obbligati, di uscire da quei principi, metodologie che a mio avviso possono costituire un ostacolo all’espressione.

In generale sono per una certa fluidità del segno, per una forma che tende a essere aperta libera da una progettualità vincolante. Dipingo in modo che la traccia del colore assuma una valenza corsiva e un po’ grafica, con spazi bianchi tra le stesure.

I colori dei tuoi dipinti si alternano da tonalità neutre e delicate a tocchi caldi e freddi più intensi, ci parli del tuo rapporto con il colore?

Il colore nel mio lavoro non ha una sua ragione solo in riferimento a una forma esterna, ha una fisicità propria, una consistenza che gli viene dal gesto, dal tocco che tutto il corpo con le sue tensioni e i suoi umori gli imprime.

Per registrare questa varietà di tracce e stesure, di preferenza dipingo su un supporto chiaro in modo che i toni abbiano una lucentezza interna.

Impasto fino a ridurre a una poltiglia neutra la pasta brillante dei tubetti, ricavandone una sorta di grigio grafite con cui do avvio al quadro; può capitare che continui su un registro basso come di bordone, più spesso lascio esplodere il colore in tutta la sua luminosità.

I tuoi lavori sembrano avere un velo di malinconia, è cosi?

Senz’altro la malinconia è un tratto del mio temperamento, disposto al ricordo e alla divagazione bizzarra.

Tuttavia, senza indulgere in un pessimismo arrendevole (cerco anzi di contrastarlo), direi che la pittura si possa nutrire anche di una certa esitazione, di un’ombra, di un indugio che sottragga l’immagine alla pura rappresentazione.

Mi accorgo di desiderare una misura tranquilla e accogliente, questo tuttavia, non mi impedisce di sentire l’esigenza di dover precisare, mettere a fuoco e ancora di studiare.

Cosa ti ispira maggiormente nella vita?

Direi la vita stessa. Nonostante le timidezze, la ritrosia – e talvolta i blocchi- quello che cerco, probabilmente a contrastare questi aspetti caratteriali così frenanti, è proprio l’immersione dinamica e imprevedibile delle cose del mondo. 

Hai in programma delle mostre?

Qualcosa è in cantiere. Sto mettendo insieme appunti e disegni, sul paesaggio che vedo ogni mattina aperte le imposte, e ancora lavoro alle immagini dei ragazzi impegnati nelle partitelle di calcio, o negli spostamenti tra casa e scuola: figurette allegoriche dell’immediatezza gioiosa e semplice della pittura. 

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Un’arte narrativa, riflessiva e intima. Silvia ci trasporta nel suo mondo interiore, ricco di vari aspetti e di turbolenti stati emotivi. Si mette a nudo allo spettatore in terza persona attraverso uno scenario ricco visivamente di vari oggetti e soggetti che mantengono un equilibrio visivo. Il rapporto con la natura è fondamentale per Silvia, come il rapporto con gli animali, ad esempio il cavallo a cui dona una serie di dipinti celebrandolo nella sua maestosa bellezza fisica ma anche sottolineando la sua potente natura simbolica. Silvia ci fa sicuramente riflettere che se nella vita si rincorrono i propri sogni, e si fa della propria passione un lavoro in parte hai vinto con te stesso, aldilà delle mille difficoltà che si possano riscontrare. 

I dipinti di Silvia raccontano se stessa, ma raccontano un po’chiunque, tra mille emozioni e mille paure da affrontare quotidianamente. 

Chi è Silvia, ci parli un po’ di te?

Sono nata nel 1986 a San Fernando, Cadice. Mi sono laureata in Belle Arti presso l’Università di Siviglia e, nonostante il mio lavoro sia pieno di cinematografia e composizioni che ricordano molto la fotografia (un’altra mia passione), i miei riferimenti sfociano in temi molto più profondi.

Il punto di partenza del mio lavoro è la mia infanzia e le esperienze passate.

È per questo che le mie radici di Cadice sono palpabili nelle mie creazioni. Le montagne di sale, la spiaggia, il mare e la mia terra costituiscono una realtà artistica che tuttavia ci trasporta.

Come vive in Spagna un’artista?

Ho la fortuna di potermi dedicare e sopravvivere con ciò che mi piace, ma come sottolineo “sopravvivo” perché questo è un “otto volante costante”.

In questo Paese gli artisti non sono pienamente valorizzati o curati, a cominciare dalle istituzioni.

In altri paesi europei, gli artisti hanno molte più strutture per esercitare questa professione. A volte esporre il tuo lavoro ti costa denaro a causa della produzione di materiali, tempo e scarse vendite. Insomma, sono molto contenta di fare quello che faccio, ma attualmente dedicarsi alle arti visive o alla cultura in generale in questo paese è difficile.

Cos’è per te l’arte?

Credo che l’arte sia tutto, è la bellezza che risiede dentro ognuno di noi con i nostri punti di forza e di debolezza. L’arte è una parte indispensabile oggi affinché tutto non sia così grigio.

Chi sono i soggetti che raffiguri, come ad esempio gli uomini?

Il mio lavoro è nutrito da un processo fotografico esaustivo che mi aiuta a formare collage unici catturati attraverso la pittura. I personaggi che di solito rappresento nei miei lavori sono persone profondamente radicate nel mio ambiente.

Parto dalle mie immagini che mi aiutano a rivelare la realtà che voglio raccontare in un determinato momento.

Uso sia le mie fotografie con simboli autobiografici, sia fotografie che trovo e poi modifico per creare l’ambientazione per il mio lavoro.

Spesso nei tuoi lavori troviamo una contaminazione tra l’uomo e l’animale, perché?

All’interno dei miei dipinti possiamo vedere i paesaggi invasi da qualcosa di più dell’umano, di solito attribuisco al protagonista la figura del cavallo. Non è affatto banale che sia quello e non un altro animale. La figura del cavallo rappresenta nelle diverse culture e religioni un simbolo di forza e potenza.

Quindi, consapevolmente o inconsapevolmente, utilizzo un animale di potere, nobile e leale, e lo rappresento in varie situazioni con il protagonista; a volte sconfitto, a volte lontano… A volte inerte.

Forse, la sensazione di potenza e forza che ci dà la loro presenza è in realtà la rappresentazione di potenza e forza che io stesso cerco di mostrare, timidamente, nella rappresentazione del mio modo di affrontare le mie stesse emozioni e le mie stesse paure.

Ed è così che, a volte senza forze, a volte ferita, cerco di curare i miei sogni vitali, con la loro rappresentazione plastica.

Questo o altri animali sono quelli che mi permettono di passare dal piano fisico a quello spirituale.

Quanto e perché la natura è importante per te?

Il mare, le saline e tutti i paesaggi che rappresento sono la base fondamentale per comprendere il mio progetto. L’importanza sta nell’essere l’idea portante del mio progetto, della mia terra, delle mie origini, dei miei ricordi, delle mie esperienze.

I tuoi lavori trasmettono molto contatto fisico. Sei una persona molto fisica ?

Sì, lo sono. Le relazioni personali che abbiamo tra di noi sono ciò che ci forma come persone e ci rende ciò che siamo.

Cos’è per te la libertà?

Per me  la libertà, è alzarsi ogni mattina e poter lavorare su ciò che mi piace.

Che musica attribuiresti alle tue opere?

Di solito ascolto musica di tutti i generi, ma principalmente ascolto musica indie e gruppi come The xx, The Smiths, Ivan Ferreiro e Vetusta Morla.

L'articolo Silvia Lermo,“Sopravvivo nel mio costante otto volante”. proviene da Toh! Magazine.