Quando Maria Tomba ha cantato Diavolo in me di Zucchero sul palco di XFactor, l’immagine di una suora che cambia vita ha preso forma nella mente del regista Nicola Garzetti, trasformatasi poi in Celeste, la protagonista di Celestiale.

Con questa storia, il regista esplora il significato della libertà attraverso il caos, la spiritualità e la paura che nasce dal cambiamento. Ambientato in un convento, Celestiale è un dramedy che mescola fede e rave culture, momenti poetici e visioni psichedeliche. Tra apparizioni divine e dilemmi esistenziali, il film promette di lasciare il pubblico con più domande che risposte.

Qual è l’ispirazione principale dietro “Celestiale” e come il concetto di “libertà” si intreccia con la dimensione spirituale e drammatica della storia?

Nell’edizione del 2023 di Xfactor, alla seconda puntata credo, Maria Tomba canta “Diavolo in me” di Zucchero. Lei strepitosa nel suo pijamino leopardato mi fa arrivare in faccia un treno di ricordi legati a questa canzone che si coagulano nell’immagine di una suora, di spalle, che si fuma una sigaretta. Ai piedi degli anfibi. “Saluta i tuoi e bacia i miei” dice la canzone e lì capisco che quella era una suora che stava cambiando vita.

Era come se la conoscessi già e sentivo che Celeste, perchè così l’avevo chiamata, aveva paura della sua libertà. Ho preso un quaderno e ho cominciato a scrivere tutta la sua vita e ho capito perchè aveva paura. Ma questo si scoprirà ovviamente nel corto, perché è dalla paura, che parte tutto.

Il cortometraggio affronta temi complessi come il libero arbitrio, la fede e l’uso delle droghe in modo non convenzionale. Quale messaggio desideri che il pubblico porti con sé alla fine del film?

Io non sono credente ma credo nell’energia che due o più persone possono creare in una stanza quando sono insieme. Ci sono droghe che questa energia la amplificano e che possono creare il caos.

Io amo il caos. Penso che le storie migliori nascano dal caos, perché le vite dei personaggi vengono buttate in direzioni imprevedibili.

E qui entra in gioco il libero arbitrio perché il personaggio è liberissimo di tornare alla casella del via e non muoversi più. In Celestiale i personaggi si giocano tutto con un tiro di dadi. Ma non ci sarà blasfemia, ho superato quella fase. Voglio che il pubblico si diverta e si faccia delle domande a cui sicuramente non sarò io a rispondere.

Hai deciso di ambientare la storia in un convento. Cosa rappresenta questa location e come contribuisce a veicolare i temi principali del corto?

Il convento qui ha una dimensione assolutamente di pace, quiete e tranquillità. Spesso il convento è raccontato come un posto claustrofobico, ma non stavolta. Celeste non vorrebbe mai andarsene. Per lei è un posto sicuro, saldo. Se fosse per lei non se ne andrebbe mai. Poi arriva la lettera del vescovo e tutto crolla.

“Celestiale” promette di combinare dramma, ironia e momenti poetici. Come pensi di bilanciare questi toni contrastanti per mantenere un filo narrativo coerente?

Sarà un dramedy e la cosa bella di questo genere ibrido è che puoi amplificare più sfumature. Sarà molto coerente nella prima parte e schizzoide nella seconda. La macchina da presa seguirà questo doppio registro, ovviamente, ma anche la luce comincerà a comportarsi in modi imprevedibili, ci saranno apparizioni divine e demoniache, riferimenti alla rave culture affiancate ad immagini sacre e così via.

Dopotutto stiamo parlando di MDMA.

La tua squadra include professionisti di talento con cui hai già lavorato. Come le esperienze condivise su “Mèmori” influenzeranno la produzione e l’approccio creativo di “Celestiale”?

Mèmori è stato un banco di prova su moltissimi fronti tecnici e umani. Poco fa parlavo di energia tra le persone e tra noi della crew quell’energia scorre generosa. Di base mi sono chiesto comunque come poter migliorare quello che non funzionava a pieno in Mèmori ma soprattutto in fase di scrittura pensavo “ Questa scena farà perdere il sonno a Simone (Biagini, il direttore della fotografia)?” Se la risposta era sì allora rimaneva nel copione.

Come mai hai deciso di promuovere il progetto su Kickstarter?

I corti cinematografici spessissimo si finanziano con bandi regionali ma i temi che affrontiamo in “Celestiale” possono risultare spinosi e quindi quei finanziamenti sono utopistici per questo progetto. Sulla pagina Kickstarter del progetto ci sono tantissime informazioni sul corto, sul cast e sulle nostre intenzioni. Volevamo essere trasparenti, prima di tutto.

Ci sono svariate ricompense, tra cui la Shopper con il logo del film che è la mia preferita. Raffigura una Madonna che alza le braccia al cielo con un sorriso estatico, gli occhi chiusi e tutte attorno pillole di ecstasy, con uno smile stampato sopra. Ovviamente, la shopper, è celeste. Un’altra ricompensa interessante è quella da 5€ che permette di vedere “Mèmori” tramite un link che viene inviato appena si sottoscrive l’offerta.

Quale ruolo avrà la musica nell’accentuare i temi del film?

Qui il sonno l’ho perso io perché ci ho messo un anno a capire che brano classico avrei voluto far remixare a Brian Matichecchia. Credo che saremo probabilmente poco eleganti e che ci daranno dei tamarri. Ma va bene così, perchè è vero. Anche la musica sarà un bel tiro di dadi.

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Qui si sfiorano le vite di Rose, Thimoty, Zhang e quella di Luz, proprietaria del LOVE CLUB, appunto, locale votato ad ospitare e intrattenere la comunità queer e che,per ragioni economiche, rischia di chiudere. 

Durante l’anteprima al Piccolo Teatro di Milano abbiamo incontrato Bex Gunther, Denise Santoro e Silvia Di Gregorio, le tre autrici della serie, il regista Mario Piredda, e l’esordiente Alessio Lu, che interpreta Zhang, un ragazzo cinese, mago del marketing, che sogna di esibirsi per la prima volta come drag queen ma deve difendersi da un fidanzato violento.

Lavorare con attori emergenti quali scenari registici ti ha permesso di esplorare?

Mario Piredda: Non è la prima volta che mi capita di lavorare con attori attrici che non sono mai stati davanti a una macchina da presa. Ho sempre mischiato attori professionisti e non professionisti. Fin da subito abbiamo deciso di aprire il cast anche per i ruoli principali. Credo sia più divertente riuscire a lavorare con persone come Alessio perché riescono a restituire davanti alla camera un vissuto autentico che invece gli attori professionisti devono costruire.

Due scene di sesso, di cui una con nudo integrale, nei primi sei minuti del primo episodio non sono una consuetudine. È una dichiarazione di intenti?

Denise Santoro: è stata assolutamente una scelta voluta. Sentivamo che mancava autenticità.

Bex Gunther: Assolutamente! Come donna lesbica mi sono resa conto che è spesso sbagliato il modo in cui viene rappresentato il sesso lesbico in TV. Amazon Prime Video ci ha chiesto di raccontare le nostre vite e noi siamo persone che fanno sesso, quindi abbiamo scritto queste scene di sesso con molta cura, e poi sul set gli “intimacy coordinators” hanno fatto il loro magia.

Le donne vengono raccontate come molto consapevoli del loro desiderio sessuale e questo, nel terzo episodio, si scontra frontalmente con il tema del consenso. C’è una volontà di educare i giovani maschi dietro a quella scena?

Silvia Di Gregorio: Secondo me è molto importante parlare di consenso e soprattutto vedere delle scene reali e autentiche, perché queste sono situazioni che sono capitate tante volte alle ragazze. Volevamo “educare” in qualche modo, far capire come ci si può approcciare anche nel sesso eterosessuale, come nell’episodio di Rose. Non volevamo parlare solo del nostro mondo queer, ma più in generale di quello che sono i corpi e le relazioni.

Bex Gunther: è importante guardare quella scena dal punto di vista di Rose, e a come lei impara ad affrontare quella situazione che a tutte e tutti potrebbe capitare. 

Denise Santoro: Ed è importante anche saper dire no. Non c’è niente di male nel dire di no. 

Non si parla mai di app di incontri. Scelta narrativa o le app sono ormai una boomerata?

Bex Gunther: Nooo! (ride) Non penso che siano una boomerata! Noi (riferendosi a Denise Santoro) ci siamo conosciute su Tinder e sono otto anni che siamo sposate, quindi ha funzionato! Magari siamo davvero Boomer, non so! Comunque nella scaletta c’era il tema delle app di incontri ma poi rivedendo le storie abbiamo capito che conveniva focalizzarci su altri temi.

Cosa differenzia LOVE CLUB dalle altre serie e film a tematica lgbtq+ italiane?

Silvia Di Gregorio: Sicuramente il range di età. Qui parliamo di Young Adults quindi siamo lontani da temi più adolescenziale, come ad esempio il coming out. Abbiamo lavorato su conflitti più adulti. 

Denise Santoro:  io credo che si differenzia anche nel fatto che è una serie scritta da un persone e recitata da persone che fanno parte della comunità LGBTQ+ e credo che questo sia quello che ci differenzia un po’ dagli altri. Quello che abbiamo raccontato nel 90% dei casi lo hanno già vissuto.

L’episodio di Zhang è quello formalmente e visivamente più cinematografico o sbaglio?

Mario Piredda:Sono convinto che ogni storia abbia bisogno di un certo tipo di regia. Leggendo la storia di Zhang mi sono accorto che era molto vicina al mio mondo quindi ho optato per una regia un po’ più classica, con inquadrature più statiche, con una maggiore ricerca del quadro e su altri episodi invece ho scelto di andare in un’altra direzione.

Alessio, la tua interpretazione di Zhang è davvero delicata e in solo 30 min vediamo una grande crescita del personaggio. Quanto di Alessio c’è in Zhang?

Alessio Lu: Il mio è stato un vissuto molto diverso ma su un piano parallelo, la storia è stata molto simile. L’esordio sul set l’ho vissuta quasi come se fosse un percorso di coming out, io scoprivo di essere un attore come Zhang scopriva di essere una drag. Sentivo di vivere le sue stesse emozioni. Lui ha visto il suo primo spettacolo drag esattamente come io ho visto per la prima volta il set di una serie. L’aspetto legato più a un’identità e alla paura di essere quell’identita, è qualcosa che ho vissuto fin da piccolo. Mi sono sempre sentito non identificato come se non ci fosse nessuno come me. Le emozioni che vissuto durante l’adolescenza sono molto simili a quelle che ha vissuto Zhang sul palco e tutto questo è sicuramente stato a servizio del personaggio.

Perché una serie da 4 episodi da 30 minuti e non un film da 2 ore?

Silvia Di Gregorio: Perche una narrazione verticale ci permetteva di raccontare le varie storie più approfonditamente e perchè c’è ancora moltissimo da raccontare!

Bex Gunther: Perché il sequel di Love Club come film non lo vorrei mai vedere! Invece la seconda stagione di Love Club la vorrei vedere moltissimo!

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Da sempre Hollywood ama i film sul Cinema, La La Land appunto (sei oscar per quattordici nomination) “The artist” (cinque vinti, tra cui miglior film, per dieci candidature) Mank, la storia dello sceneggiatore di “Quarto potere”, e “C’era una volta a Hollywood” di Tarantino (entrambi due vittorie su dieci nomination) giusto per citarne alcune.

Allora perché questo schiaffo in faccia a Chazelle e a questo film che racconta, sarebbe meglio dire urla, il drammatico passaggio dal cinema muto a quello sonoro?
Babylon intreccia le vite del tuttofare messicano Manny Torres (Diego Calva), dell’aspirante star del cinema muto Nelly LeRoi (Margot Robbie) e del navigato e rispettato attore Jack Conrad (Brad Pitt) sullo sfondo della Los Angeles del 1926.

Nel primo quarto d’ora di film Chazelle ci butta in una festa che sembra un girone infernale, ma dove tutti sono felici, strafatti e poco vestiti. Puro edonismo, con tonnellate di coca a fare da carburante a quel mondo di vuota perdizione.

È però nella scena immediatamente successiva, in cui Brad Pitt recita: “L’uomo che ti fa benzina va al cinema perchè si sente meno solo, la! Non dovremmo propinargli sempre la solita merda!” che ho pensato: “ha detto più lui in questa frase che Steven Spielberg in tutto The Fablemans”.

Uscito nel periodo Natalizio, The Fablemans, è l’ultima celebratissima fatica del Re di
Hollywood, la sua opera più intima, dichiara lui stesso in un breve video che viene proiettato prima del film.
Racconto di formazione autobiografico, sulla vita della famiglia Fableman e su quanto sia bello andare al cinema e fare il cinema. Il tutto è narrato con un punto di vista
drammaticamente semplicistico, eroistico, ombelicale, innocuo, fatto per piacere a tutti. Fine.

Spielberg fin dalle sue prime produzioni ha ridefinito massicciamente l’immaginario del
cinema americano creando soprattutto un nuovo standard, il metro di misura con cui i
cineasti e produttori si sono misurati per 40 anni buoni tanto nelle immagini, quanto nello storytelling.

John Landis, Robert Zemeckis, George Lucas e appunto Steven Spielberg dai
primi anni ‘80 hanno dettato legge, con cognizione di causa, ma hanno gettato un velo di sfiga su chi non si conformava a quei dettami.

Poi è arrivato “Dogma 95” ma quella è un’altra storia.
Ora però, che il cinema indipendente si sta prendendo, finalmente, il suo spazio, adesso che storie antieroiche, bizzarre, inaspettate stanno invadendo le sale e le watchlist degli
spettatori elogiare un film come the Fablemans ed essere detrattori di Babylon risulta
grandemente anacronistico. Una Boomerata.

E di boomer, che tra Spielberg e Chazelle, buttano giù dalla torre il secondo ce ne sono
tantissimi.

Spielberg non fa nulla per scuoterci, lui che riusciva a sconvolgere il pubblico usando
“semplicemente” un cappottino rosso in “Shindler’s List”, ci accompagna per mano,
saldamente, senza scossoni.

Chazelle invece ci butta all’inferno, senza bussola, nel caos vero, autentico, informe, viaggiando sempre con la quinta ingranata.

Credo che il punto sia proprio questo, la critica ha preferito il lieve ma rassicurante dramma familiare del Maestro, dove alla fine il bene vince (perchè aderente all’american dream carico di nostalgia), all’incontrollabile follia, a tratti difficile da decifrare, senza eroismi, piena di fallimenti colossali dell’Allievo.

“Essere innocui insomma, che sennò è volgare” cantavano gli Afterhours nel ‘99,
anticipando quello che oggi si chiama “safetyism”, quella volontà tutta americana di non
urtare le sensibilità di nessuno, mai, in nessun ambito, soprattutto artistico.

Merda di elefante, pissing, vomito, abusi sessuali estremi, morti assurde, blackface su attori di colore, Babylon butta in faccia allo spettatore tutto questo per 3 ore e per Hollywood è stato evidentemente troppo per vedere che in realtà è un film estremamente poetico e profondo, quando la luce riesce a farsi spazio nelle tenebre di un animo umano, raccontato qui senza fare sconti a nessuno.

Particolarmente toccante e assolutamente vere sono le parole sul futuro, su quello che resta di un attore una volta che muore: “Ogni volta che qualcuno metterà in un proiettore una tua pellicola, tu rivivrai e diventerai eterno, come gli angeli e i fantasmi, anche se il tuo tempo adesso è finito”.

La chiave di volta nella poetica di Babylon, quel singolo elemento senza il quale il film non sarebbe lo stesso, è l’inquadratura immediatamente prima del gran finale del film. Siamo già a 2 ore e 50 minuti dall’inizio, la regia sta per sfoderare la stoccata finale, il colpo da maestro ma prima di farlo fa arretrare la telecamera in una sala cinematografica e ci mostra il pubblico intento a guardare un film.

Vediamo le loro facce, le loro espressioni, c’è chi mangia i pop corn, chi limona duro. Giovani, vecchi, bambini, adulti, tutti, con il naso all’insù e gli occhi fissi sullo schermo. Poi la camera si alza, riprende in pianta la platea silenziosa e sbam, il gran finale si materializza davanti ai nostri occhi, a noi, che siamo il pubblico vero, il
pubblico in sala, traghettati verso una delle più grandi dichiarazioni d’amore per il cinema che abbia mai visto.

Non vi dirò cosa si vede in questo finale né come quel personaggio sia arrivato in quel
cinema, lo spoiler sarebbe davvero un crimine in questo caso.

Chazelle dichiara fino alla fine che il cinema si fa per il pubblico e non (solo) per soddisfare il proprio ego, quindi questo è un film che parla di noi, che durante il lockdown abbiamo cercato rifugio in quelle storie, che siamo andati al cinema anche con la mascherina, noi che siamo famelici di cinema o che magari ci andiamo solo per vedere un film della Marvel, e ci dice:” va bene, va bene così” perché è con voi che noi vivremo per sempre. Nei vostri occhi, nelle vostre orecchie, nel vostro cuore. Per sempre.

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Inizia domani la 78esima Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia (fino all’11 settembre) e per non farvi arrivare impreparati di seguito potete scoprire i film in corsa per la 15ª edizione del Queer Lion.

Ideato nel 2007 da Daniel N. Casagrande, il Queer Lion va al miglior film che per contributo artistico, impatto sociale ed impegno civile, raccontino storie con eventi e personaggi LGBTQIA+.

Dieci i film in gara quest’anno, 3 provenienti dal concorso principale Venezia 78: The Power of the Dog di Jane Campion, la commedia Competencia oficial con Antonio Banderas e Penélope Cruz, e l’attesissimo Madres paralelas di Pedro Almodóvar.

Quattro gli italiani in corsa per il premio: Il paradiso del pavone di Laura Bispuri, Il bambino nascosto di Roberto Andò, con protagonista un Silvio Orlando pazzesco, La santa piccola di Silvia Brunelli, Il silenzio grande di Alessandro Gassmann.

Completano il concorso Deserto Particular di Aly Muritiba, il messicano El hoyo en la cerca di Joaquin del Paso, La dernière séance di Gianluca Matarrese.

La giuria sarà presieduta da Ilaria Feole, saggista e critico cinematografico di FilmTv, membro del Sindacato Nazionale Critici Cinematografici Italiani, Antonella Benanzato, pittrice astratta informale, fotografa, musicista, giornalista professionista, ed Angelica Lorenzon, interprete.

Il Queer Lion Award verrà consegnato venerdì 10 settembre, di seguito le sinossi dei film i trailer e le foto in Concorso e non.

“The Power of the Dog” di Jane Campion
(Nuova Zelanda, Australia, 125’, 2021)

Anni ’20, al centro della storia la coppia dei ricchi fratelli Burbank, Phil e George, proprietari di un ranch in Montana che domina la vallata.

I due sono molto diversi: Phil è un uomo brillante ma crudele, con un atteggiamento prepotente e violento, mentre George è una persona testarda e puntigliosa, ma sempre gentile.

Quando George sposa in segreto la vedova Rose, Phil non accetta la cosa e inizia una guerra spietata contro la donna usando suo figlio Peter come pedina. Presentato nella sezione Venezia 78

“Competencia Oficial” di Gastón Duprat, Mariano Cohn
(Spagna, Argentina, 114’, 2021)

In cerca di prestigio, un miliardario decide di finanziare un film che lasci il segno. Per farlo, ingaggia la rinomata regista Lola Cuevas, che però si trova da subito a dover gestire gli ego opposti dei due protagonisti, la star hollywoodiana Félix e l’attore di teatro “impegnato” Iván. Per riuscirci, si inventa una serie di eccentriche prove che i due dovranno superare. Presentato nella sezione Venezia 78

“Madres Paralelas” di Pedro Almodóvar
(Spagna, 120’, 2021)

Due donne madrilene, entrambe single e rimaste incinte per errore, si trovano a partorire lo stesso giorno nel medesimo ospedale: Janis, di mezza età, consola la più giovane Ana, spaventata per il futuro, e le parole che scambia con lei in quelle ore in un anonimo corridoio d’ospedale finiranno per cambiare la vita di entrambe in maniera inaspettata. Presentato nella sezione Venezia 78

“Il Bambino Nascosto” di Roberto Andò
(Italia, Francia, 110’, 2021)

Gabriele Santoro vive in un quartiere popolare di Napoli ed è titolare della cattedra di pianoforte al Conservatorio San Pietro a Majella.

Silenzioso, colto, solitario, il maestro di piano è uomo di passioni nascoste, segrete. Una mattina un bambino di dieci anni si insinua nel suo appartamento e vi si nasconde.

Scoprirà presto che il bambino è figlio di un camorrista e che, come accade a chi ha dovuto negare la propria infanzia, Ciro ignora l’alfabeto dei sentimenti. Presentato nella sezione Fuori Concorso

“Il Paradiso del Pavone” di Laura Bispuri
(Italia, Germania, 89’, 2021)

In un giorno d’inverno, Nena riunisce la famiglia per festeggiare il suo compleanno. Il paradiso del pavone è un piccolo viaggio nell’intimità e nell’autenticità degli esseri umani: un film su una famiglia allargata in cui tutti si parlano ma nessuno si ascolta davvero.

Finché un evento inaspettato costringe i protagonisti a guardarsi negli occhi e a svelarsi per ciò che sono. Presentato nella sezione Orizzonti

“El hoyo en la Cerca” di Joaquín del Paso
(Messico, Polonia, 100’, 2021)

Come ogni anno l’istituto scolastico Los Pinos, una scuola prestigiosa di tipo confessionale, manda i suoi ragazzi in ritiro in campagna.

Sotto l’occhio attento di insegnanti e preti, i ragazzi vengono condotti sul cammino del loro sviluppo fisico e morale. Attraverso lo sguardo di diversi adolescenti di classe media e privilegiata, il film mostra il modo in cui la loro educazione influisce sul futuro della società stessa. Presentato nella sezione Orizzonti

“La Santa Piccola”
di Silvia Brunelli (Italia, 97’, 2021)

Il film racconta di Mario e Lino, due amici, nati e cresciuti nel quartiere Sanità, due diciottenni mai usciti da quella micro-realtà.

Hanno una vita monotona, finché la sorella di uno di loro convince le persone del posto di aver compiuto un miracolo e comincia ad essere venerata come una Madonna.

Le sorti della sua famiglia cambiano ed entrambi i ragazzi scoprono di essere diversi da quello che pensavano: Mario si rende conto di essere omosessuale e innamorato di Lino, che, invece, non se ne accorge, e, anzi, cerca di fuggire dalla routine della sua vita. Presentato nella sezione Biennale College

“Deserto Particular”
di Aly Muritiba (Brasile, Portogallo, 120’, 2021)

Un solitario poliziotto di quarant’anni vive nel ricco sud del Brasile. Il suo cuore batte per una donna conosciuta su Internet. I due hanno una relazione continua e sempre più profonda malgrado non si siano mai visti dal vivo.

Un giorno la donna scompare dal web e lui decide di partire per Bahia per andare a cercarla. Giunto a destinazione scoprirà che la donna che ama è in realtà un uomo.

“Il silenzio grande” di Alessandro Gassmann
(Italia, Polonia, 106’, 2021)

Villa Primic, un tempo lussuosa dimora, ora scricchiolante magione che sembra uscita da un racconto di fantasmi, è stata messa in vendita.

Una decisione dolorosa, presa dalla signora Primic, Rose, e condivisa dai due eredi della fortuna dilapidata della famiglia, Massimiliano (protagonista di un coming out davvero toccante) e Adele: l’unico che non è affatto contento è il capofamiglia, Valerio, che scoprirà di non aver mai davvero conosciuto i suoi cari e, forse, nemmeno se stesso, fino a raggiungere l’amara consapevolezza che vivere non significa essere vivi. Presentato nella sezione 18. Giornate degli Autori

“La Dernière Séance” di Gianluca Matarrese
(Italia, Francia, 100’, 2021)

Bernard è appena andato in pensione. Ha 63 anni, vive solo con le sue due gatte e decide di traslocare in una nuova casa, quella in cui vivrà l’ultimo capitolo del romanzo della sua vita.

Preparando gli scatoloni, inizia a fare una selezione: cosa lascio qui, cosa porto? Bernard è il mio master e io sono il suo slave. Il suo ultimo amante.

Lo aiuto a mettere a posto la frusta in uno scatolone, tra le briciole della sua memoria, i ricordi degli amori che l’AIDS gli ha strappato dalle braccia, le tracce di una famiglia adottiva che l’ha respinto, dell’educazione rigida che l’ha forgiato, di una madre e di un padre che non ha mai conosciuto.

I nostri giochi sessuali sono le occasioni di incontro di due generazioni: tra un colpo di frusta e un harness di cuoio discutiamo di amore, di morte, dell’epidemia di AIDS negli anni Ottanta, del suo nuovo progetto di vita, di noi. Le ferite e il corredo funerario di un sopravvissuto, un grido di vita alla luce delle pulsioni sessuali. Presentato nella sezione 36. Settimana Internazionale della Critica

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Cannes ci ha regalato qualche brivido queer di qualità, presto in sala arriverà la Palma d’Oro e altri titoli succulenti della Selezione ufficiale. In un’annata per ora numericamente un po’ magra, per quanto riguarda il cinema LGBTQ+, attendiamo Venezia a Toronto nella speranza di qualche altra uscita degna di nota. Questi nel frattempo i titoli presto in sala o in streaming da non farsi scappare, tra blockbuster e film d’autore (a volte entrambe le cose assieme). 

Jungle Cruise (Jaume Collet-Serra)

con Dwayne Johnson, Emily Blunt, Jack Whitehall, Édgar Ramírez

Il primo personaggio espressamente gay dell’universo Disney? Eccolo qui, in questo mega blockbuster avventuroso rimandato più volte a causa della pandemia. Ci siamo quasi, ma frenate gli entusiasmi. Il capitano Frank Wolff, interpretato da Dwayne Johnson (AKA The Rock), è al timone di una bagnarola col compito di condurre una scienziata (Emily Blunt) e suo fratello (Jack Whitehall) alla ricerca dell’origine della vita eterna nei meandri della Foresta Amazzonica. Il personaggio di Jack Whitehall avrebbe dovuto avere una scena di coming out all’interno di Jungle Cruise, attenzione però, dovrete leggere tra le righe, perché la parola “gay” non viene mai pronunciata. 

Al cinema e su Disney+

Falling – Storia di un padre (Viggo Mortensen)

con Lance Henriksen, Viggo Mortensen, Terry Chen, SVerrir Gudnason, Hannah Gross e Laura Linney

Viggo Mortensen, al suo debutto alla regia, scrive e dirige un toccante film a tematica gay.  Presentato in anteprima al Sundance Film Festival 2020, Falling racconta la storia di Willis (Lance Henriksen), un uomo di altri tempi (insomma, bigotto) che è costretto a lasciare la fattoria dove vive per trasferirsi in California a casa di suo figlio John (Viggo Mortensen) che vive con il suo compagno Eric (Terry Chen) e la loro figlia Mónica (Gabby Velis). Per padre e figlio arriva così il momento per un confronto atteso a lungo, dopo anni di incomprensioni e silenzi.

Al cinema dal 26 agosto con BIM

Tutti parlano di Jamie (Jonathan Butterell)

Con Max Harwood, Richard E. Grant, Lauren Patel, Sharon Horgan

2011, esce il documentario Jamie: Drag Queen at 16. Da questa storia vera nel 2017 viene tratto il musical Everybody’s Talking About Jamie (libretto di Tom MacRae e musiche di Dan Gillespie Sells) che segue l’ottimo esempio di Kinky Boots. Ora arriva anche la versione cinematografica. Jamie è un liceale inglese, vive a Sheffield nello South Yorkshire, è gay e ha un sogno: vuole diventare una drag queen. Nonostante il supporto della madre, della sua migliore amica e di un mentore d’eccezione, le difficoltà non sono poche: la scuola è un ambiente ostile, il padre una figura distante. Il primo passo per essere sé stessi è abbattere i muri che costruiamo dentro di noi. 

Su Prime Video dal 17 settembre

Dear Evan Hansen (Stephen Chbosky)
Con Ben Platt, Julianne Moore, Kaitlyn Dever, Amy Adams, Danny Pino

Forte di 6 Tony, 1 Grammy e 3 Laurence Olivier, Dear Evan Hansen pure non essendo un musical a tematica queer è diventato subito un cult tra il pubblico americano LGBTQ+, forse perché (purtroppo) essere adolescenti soli, spaventati e depressi (come i protagonisti di questa storia) è qualcosa in cui è particolarmente facile immedesimarsi. Il regista di Wonder e Noi Siamo Infinito ha girato l’adattamento per il grande schermo che vede Ben Platt riprendere il ruolo da protagonista, già interpretato a teatro. Con lui anche le “new entry” Julianne Moore e Amy Adams. Del musical esiste anche il romanzo, pubblicato in italia da Sperling & Kupfer. 

Al cinema dal 23 settembre con Universal Pictures

The Eternals (Chloé Zhao)

Con  Gemma Chan, Richard Madden, Kumail Nanjiani, Lia McHugh, Brian Tyree Henry, Lauren Ridloff, Barry Keoghan, Don Lee, Gil Birmingham, Harish Patel, Kit Harington, Salma Hayek e Angelina Jolie

Dopo aver trionfato a Venezia e agli Oscar con Nomadland, Chloé Zhao prova a rivoluzionare l’universo Marvel. Cast stellare per questo attesissimo nuovo capitolo del MCU, il terzo della fase 4 nonché il primo (finalmente) con al suo interno una storyline gay. Dopo gli eventi di Avengers: Endgame, una tragedia inaspettata costringe gli Eternals (una razza aliena immortale creata dai Celestiali) a uscire dall’ombra e riunirsi contro il più antico nemico dell’umanità, i Deviants. Brian Tyree Henry (Se la strada potesse parlare, Widows – Eredità criminale) nel film è Phastos, il primo supereroe apertamente gay del MCU. 

Al cinema dal 3 novembre con Disney

Titane (Julia Ducournau)

Con Agathe Rousselle, Vincent Lindon, Garance Marillier, Laïs Salameh

Palma d’Oro a Cannes 2021 per la regista francese Julia Ducournau, seconda donna a vincere l’ambito premio dopo Jane Campion (nel 1993 con Lezioni di Piano). La regista si era già fatta notare nel 2016 con il suo inquietante debutto cinematografico, Raw (un horror cannibalesco); Titane promette di essere un horror altrettanto disturbante, folle e visionario (tra David Cronenberg e Shin’ya Tsukamoto, e ancora oltre), nonché gender-fluid.
Prossimamente al cinema con I Wonder Pictures (vedi foto di apertura)

La Fracture (Catherine Corsini)

Con Valeria Bruni Tedeschi, Marina Fois, Pio Marmai

Presentato in Concorso al Festival di Cannes 2021 dove si è aggiudicato la Queer Palm, il film di Catherine Corsini (regista di La Belle Saison) mette in scena la storia di una coppia lesbica sull’orlo della rottura. Le due protagoniste si ritrovano in un pronto soccorso di Parigi sotto assedio dei gilet gialli, il loro incontro con uno dei manifestanti ferito e arrabbiato manderà in frantumi le loro certezze e i loro pregiudizi.

Prossimamente al cinema con Academy Two.

Benedetta (Paul Verhoeven)

Con Virginie Efira, Charlotte Rampling, Daphne Patakia, Lambert Wilson

Suore lesbiche che fanno sesso in preda a visioni estatiche. Questo il concept del nuovo film del regista di Basic Instinct e Showgirls. Presentato in concorso al festival di Cannes, Benedetta si preannuncia quantomeno come un film iconoclasta. Il film, che vede protagonista Virginie Efira, è basato sul saggio di Judith C. Brown Atti impuri – Vita di una monaca lesbica nell’Italia del Rinascimento, sulla storia vera di Benedetta Carlini, suora e mistica del XVII secolo.

Prossimamente al cinema?

Great Freedom (Sebastian Meise)

Con Franz Rogowski, George Friedrich

Presentato nella sezione Un Certain Regard del Festival di  Cannes 2021 (Jury Prize), il film di Sebastian Meise è un dramma carcerario di grande impatto: Hans Hoffmann è gay, ma nella Germania postbellica l’omosessualità è illegale ai sensi del paragrafo 175 del codice penale (che verrà cancellato solo negli anni ‘70). Finito in prigione però l’uomo non si rassegna all’impossibilità di amare. Protagonista della pellicola Franz Rogowski, già visto in Undine, La donna dello scrittore, Victoria e Un valzer tra gli scaffali. 

Al cinema chissà quando

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^{_{Questa intervista è apparsa su Toh! N.30}}

Noel Alejandro ha infranto le regole dei film porno commerciali, prediligendo un’estetica e uno stile che esaltano la sensualità e l’intimità tra i protagonisti.

Quello che ne è emerso è una cinematografia diversa e a tratti nuova per quanto riguarda il porno, difficile da etichettare. Che il porno gay possa diventare un prodotto d’autore?

Noel Alejandro ha risposto a tutte le domande in questa intervista #TBT di Alex Vaccani.

Ciao Noel, sei un regista di film porno gay indipendenti. Quando hai capito che volevi girare questo genere di film e non quelli mainstream?

Non ho mai voluto far parte del mondo del porno mainstream. Ho studiato arte e cinema a Barcellona e dopo i miei studi ho lavorato con Erika Lust, una tra le più importanti registe nel panorama erotico femminile in Europa. 

Dopo averla affiancata per qualche anno, ho girato il mio primo film “Eloi & Biel” nel 2013, che mi ha portato a partecipare ad alcuni festival in giro per l’Europa.

Vedendo quello che c’era in giro ho notato un gap che nessuno stava colmando. A oggi ho girato dieci corti e posso dire a voce alta che sono orgoglioso di far parte di questo genere. 

Oggi il mondo pornografico è mal visto, ma questo è dovuto a come i registihanno deciso di presentarlo, ovvero senza sensibilità e senza visione artistica.

È interessante perché nei tuoi film non si percepisce finzione, è come se tu mostrassi davvero sesso intimo tra due persone. Come fai?

Molti mi dicono che percepiscono una buona connessione tra gli attori e quanto ciò risulti godibile per lo spettatore. Credo che tutti noi guardiamo i film porno perché vogliamo sentirci parte della scena, ma la maggioranza del porno oggi è parte di un processo industriale dove gli attori non sentono più quello che stanno facendo, spesso sono più preoccupati se la luce illumina correttamente il six pack che alla connessione con il loro partner, come se avere un corpo perfetto fosse abbastanza per eccitare gli altri. Sbagliato!

Come scegli gli attori? È complicato lavorare con attori non professionisti?

Beh non è un processo semplice. Twitter è uno strumento potente poiché la maggior parte degli attori lo usa, ma ricevo un sacco di mail anche da persone che non ne fanno parte.

La maggior parte sono ballerini e artisti che provano la curiosità e il desiderio di fare una scena di sesso naturale in uno dei miei film.

Certamente questo comporta dei rischi per me, ma sono solito lavorare con attori non professionisti così sono davvero rari i casi in cui accadono inconvenienti.

Fare sesso davanti alla cinepresa è facile una volta che hai deciso, ma gestire lo stress dei giorni precedenti è tutta un’altra cosa, questo è il mio monito a chi si candida.

Per quanto riguarda la sceneggiatura, da dove trai ispirazione?

Questa è la mia battaglia. Lotto sempre molto per offrire la mia visione di come il cinema dovrebbe essere e di come vedo la vita, così i miei film sono sempre una grande opportunità per trattare alcuni argomenti che solitamente non ho il coraggio di condividere con le persone. 

Per farti un esempio, mi reputo una persona che ha un punto di vista molto scientifico, non credo in nulla che non possa essere ricollegato alla scienza, come Dio, il paranormale o tutto ciò che riguarda lo spirituale.

Nei miei film invece, spesso parlo di tutto questo perché sono per me il mezzo prediletto per esprimere tutto quello che non mi permetto di credere.

Ho sempre creduto che ci sia una sottile linea sfocata tra arte e pornografia indipendente. Che cosa ne pensi?

Per me l’arte è principalmente un messaggio, una comunicazione. Un film porno indipendente credo che possa essere girato con uno stile che offra informazioni sul suo creatore. 

Se c’è uno stile e una visione allora ci possono essere dei ricettori. 

Credo che nell’industria pornografica ci sia una completa mancanza di tutto questo, non colgo nessun messaggio.

Il sesso è potere e politica. Che ne pensi?

 Il sesso è un elemento importante della nostra società, è un qualcosa che disturba tantissimo alcune persone mentre ne delizia altre.

Il modo con cui noi facciamo sesso e con chi decidiamo di farlo dicono tanto del nostro background e della nostra cultura e soprattutto chi siamo veramente. 

A volte non possiamo fuggire dai nostri desideri e alcuni governi usano il sesso per controllare le persone.

Il modo in cui decidiamo di rappresentare il sesso in un film è il modo in cui molte persone impareranno come davvero funzionano alcune strutture sociali e come il sesso debba essere fatto o anche che cosa sia accettabile o no.

Non credi che nel 2017 sia triste che il sesso gay sia considerato ancora un tabù?

 Se guardiamo indietro di circa venti anni, la vita omosessuale era rinchiusa ancora nei ghetti. 

Ma anche oggi molto lavoro deve essere fatto per far sì che sia completamente accettato, nelle società moderne vediamo come le cose stanno cambiando. 

Ci sono ancora molte persone che considerano indecente la foto di due ragazzi che si baciano, come qualcosa che non dovrebbe apparire in una pubblicità o in televisione, ma sta a noi spingere oltre questi confini e far cambiare la direzione alle cose. Normalizziamo il sesso gay.

È difficile lavorare in questo settore?

Sono regista, ma anche produttore e distributore, e a volte incontro un sacco di problemi, perché se fai pornografia nessuno ti vuole, PayPal non ti vuole, la maggior parte dei servers non ti vuole, Vimeo non ti vuole, YouTube non ti vuole, Facebook ti rende tutto difficile. Trovo che sia difficile emergere quando tutto internet ti è contro.

 Se dovessi scegliere un porno gay per masturbarti che cosa sceglieresti?

Il mio gusto nella pornografia non è poi così differente dal resto delle altre persone.

Noel Alejandro

L'articolo Noel Alejandro: il mio porno d’autore. proviene da Toh! Magazine.

Presentato al 38° Torino Film Festival, Poppy Field (Camp du Maci) segna l’esordio di Eugen Jebeleanu e conferma la lucidità dello sguardo sul contemporaneo del cinema rumeno degli ultimi 10 anni.

La pellicola si ispira a fatti realmente accaduti. 2013, Bucarest: la proiezione di un film LGBT viene interrotta da un gruppo di manifestanti, The Orthodox Brotherhood of the Great St.George: fanatici religiosi e nazionalisti armati di cartelli, icone e rosari. Il film era I ragazzi stanno bene con Julianne Moore e Annette Bening.

A queste negli anni seguono altre manifestazioni simili, nel 2018 contro la proiezione di Soldiers. Story from Ferentari della regista serba Ivana Mladenovic (il suo Ivana the Terrible in concorso e visibile gratuitamente in streaming all’ArteKino Film Festival, insieme ad altri dieci film) e 120 BPM di Robin Campillo.

Questa è la premessa che Jebeleanu usa per costruire il tessuto sociali in cui si muove il suo protagonista, Cristi, un poliziotto – anzi, un gendarme – rumeno segretamente gay.

Il film inizia con l’arrivo in città del suo compagno, Hadi, un assistente di volo. Per di due si prospetta un weekend casalingo d’amore, Cristi difatti non ha intenzione di farsi vedere in pubblico col fidanzato, a cui non dispiacerebbe anche una semplice gita in montagna. Ma è subito chiaro che i due hanno davanti a loro orizzonti differenti.

Seguiamo quindi Cristi in un turno di lavoro. La sua squadra è chiamata a gestire la protesta di un gruppo di attivisti religiosi che hanno fatto irruzione in un cinema (di proprietà statale) per interrompere la proiezione di un film indecente. La situazione è tesa, i poliziotti non sanno che fare. Da una parte guardano ai fanatici con pena, dall’altra non hanno la minima intenzione di prendere le parti del pubblico, per paura di essere ritenuti simpatizzanti o peggio ancora loro stessi gay.

La tensione aumenta, il disagio si fa palpabile: il cinema diventa una polveriera. Uno degli spettatori riconosce Cristi, tra i due evidentemente ci sono dei trascorsi e il suo segreto – che deve mantenere a ogni costo – scatena un complesso effetto domino e lo scoppio della violenza.

La cornice sociale della storia innesca nel protagonista un conflitto interiore che lo porta a confrontarsi con sé stesso.

Cristi è costretto a uniformarsi ai meccanismi etetonormativi del suo ambiente di lavoro, incarnando così il conflitto e la vulnerabilità di molte persone queer esposte ad ambienti machisti e tossici. I colleghi sanno di lui? Lo sospettano? Il regista è abilissimo nell’insinuare il dubbio, senza dire troppo o mostrare, il cameratismo della squadra si esprime anche in questo.

Jebeleanu dirige in maniera sobria e efficace uno spaccato intimo, quello di Cristi è un ritratto complesso che non scade in toni giudicanti o facili morali preconfezionate, osserva il suo protagonista con un misto di distacco e tenerezza.

L'articolo <i>Poppy Field</i> è la Romania che non ti aspetti proviene da Toh! Magazine.