Ivan non è solo il corpo che si muove, né un’immagine da guardare, anche se il corpo è lì, evidente, disponibile.  È il modo in cui sfugge proprio mentre pensi di aver capito cosa sta facendo. Un gesto che sembra spontaneo e invece no, uno sguardo che non si concede mai fino in fondo. 

Ivan Ugrin è una presenza che attraversa i linguaggi — danza, moda, performance — con una naturalezza disarmante, come se non esistessero confini, solo variazioni di intensità. Ivan invita e trattiene qualcosa. E proprio in quella sottrazione si apre una tensione sottile, quasi magnetica, tra vulnerabilità e controllo, desiderio e autonomia. 

Ivan Ugrin è cresciuto tra l’Europa dell’Est e Berlino, porta addosso una stratificazione precisa: disciplina, club culture, una certa idea di libertà che non ha bisogno di essere dichiarata. Arriva dalla danza, ma non ci è mai rimasto dentro in modo ordinato.

Negli ultimi anni ha attraversato set, passerelle e performance seguendo una traiettoria tutta sua, istintiva, difficile da incasellare.

Poi, a un certo punto, un’immagine.
Quella che inizia a circolare ovunque, che resta, che si fissa. Non tanto per quello che mostra, ma per quello che trattiene. Da lì in poi qualcosa cambia — visibilità, sguardi, possibilità — ma senza spostarlo davvero dal suo asse.

É come se per Ivan non ci fosse niente da dimostrare. E infatti non dimostra. Fa. E basta.

E in quel “basta” succede qualcosa di raro: non stai guardando qualcuno che vuole essere visto, ma qualcuno che decide quanto farsi vedere. E resta.

C’è una qualità rara nel suo lavoro: quella di far sembrare tutto istintivo, anche quando è profondamente consapevole. Possiede una forma di libertà che non ha bisogno di dichiararsi, perché si percepisce. Una autenticità che non ha bisogno di essere dichiarata. Che si intravede, si sposta, cambia forma.

C’è desiderio, sì. Ma non è mai completamente accessibile.
C’è controllo, ma non è mai rigido.
C’è libertà.

E allora resti lì, un secondo in più del necessario.
A chiederti cosa hai appena visto.
Forse è per questo che continui a guardarlo.

Il tuo corpo sembra pensare ancora prima di muoversi. Ricordi quando hai capito per la prima volta che il movimento poteva essere una forma di coscienza?

Il corpo in realtà ricorda. Conserva tutta la nostra storia. Non riesco davvero a ricordare la prima volta in cui me ne sono resə conto, ma posso dirti che ancora oggi il mio corpo ricorda spettacoli che ho fatto 5 o 10 anni fa.

Quando ho bisogno di richiamare i passi con la mente, spesso è il mio corpo a prendere il sopravvento e a ricordarmi cosa viene dopo.

Come danzatore e movement director, lavori su quel confine sottile tra controllo e abbandono. Ti interessa di più costruire un gesto o lasciarlo accadere?

Adoro improvvisare movimenti. Sul momento, lasciando che il mio corpo informi i miei movimenti in base a come mi sento quel giorno, in quell’istante, alla musica che sto ascoltando, all’ambiente che mi circonda, alla stanza in cui mi trovo.
Amo la libertà che questo mi dà.

Ti muovi tra danza, moda e performance come se fossero lo stesso linguaggio. Vedi davvero una differenza, oppure è solo una questione di contesto?

Onestamente, non vedo una differenza tra essere sul palco a esibirmi/danzare, essere su un set durante uno shooting, o camminare su una passerella. Per me è tutto performance.
Quello che succede nella mia testa è: mi sento leggermente nervoso perché voglio fare bene, ma mi fido completamente di me stesso e delle mie capacità.

Sono nervoso nei primi 5 minuti, ma poi mi concentro subito sulla performance e diventa solo divertimento!

Come modello, il tuo corpo viene costantemente interpretato dagli altri. Dove collochi la tua voce all’interno di un’immagine che è già stata costruita?

Sono consapevole che le persone interpretano me, la mia personalità o il mio corpo, ma non mi disturba davvero. Cerco semplicemente di essere me stesso, autentico e a mio agio in qualsiasi tipo di performance che verrà condivisa online. Do molta importanza alla buona comunicazione e alle intenzioni delle persone.

Nella campagna di Loewe, la tua immagine risultava quasi iconica — intima, sensuale, ma anche narrativa. Che tipo di spazio è diventato quel set, e cosa ci hai portato tu?

“Drink Your Milk” è stata la mia primissima campagna di moda. Ero molto nervoso nel viaggiare da solə a Madrid per lo shooting. Entrando sul set, però, tutti erano estremamente gentili, accoglienti e affettuosi. Scattare la campagna è stato davvero divertente. Ho sentito di poter essere al 100% me stesso.
Per me, su un set, è molto importante avere una buona connessione con il/la fotografo/a. E questo è successo con la fotografa Angela Suarez. Sapeva cosa voleva ed era molto chiaro nelle indicazioni.

L’immagine di “Drink Your Milk” sembra uno di quei momenti di moda che restano impressi. Com’è stato lavorare con Jonathan Anderson?

In realtà non ho incontrato Jonathan durante lo shooting della campagna “Drink Your Milk”.
L’ho conosciuto quando mi ha invitato a partecipare al lookbook di JW Anderson. Nutro enorme rispetto e gratitudine nei suoi confronti. È stato molto gentile e generoso con me. Sono qui grazie a lui, perché la campagna è diventata virale, dandomi molta visibilità e, successivamente, altre opportunità.

In un sistema che estetizza continuamente i corpi, come preservi — o reinventi — la verità di un gesto?

Penso che la chiave sia l’autenticità. Liberarsene dallo sguardo degli altri. Cosa è vero per te? Cosa ti rende felice? Come ti piace muoverti? Cerco sicuramente di fare questo.

All’interno della comunità LGBTQI+, il corpo è spesso uno spazio politico oltre che personale. Il tuo lavoro parte da questa consapevolezza o ci arriva in un secondo momento?

Credo fortemente che tutta l’arte sia politica, anche quando cerca di essere distante dalla politica.
Come persona queer, creo qualcosa dal nulla. E quel “qualcosa” passa attraverso il mio corpo.

La mia esistenza è politica, quindi tutto ciò che creo lo è a sua volta.

Quindi, per rispondere alla tua domanda: sì, questa consapevolezza è sempre presente, anche se in secondo piano.

Ti è mai capitato di trattenerti, per paura di essere frainteso, o hai sempre seguito l’istinto?

Sì, mi è capitato.
Sono una persona che pensa troppo e non mi è estraneo dubitare di me stesso, ma sono anche molto intuitivo e percettivo. Quando si tratta delle persone di cui mi circondo o di scelte di vita/lavoro, mi affido alla mia intuizione e al mio istinto.

Nelle immagini, il tuo corpo sembra abitare uno spazio molto esposto al desiderio — ma mai del tutto accessibile. Ti senti mai più guardato che veramente visto? E che tipo di potere c’è, per te, nel restare leggermente fuori portata?

Onestamente, penso che non sia possibile conoscere davvero una persona solo guardando il suo account social. Siamo tutti individui molto complessi, con le nostre storie ed esperienze.
Quindi, per me, chiunque online è “leggermente fuori portata”. Ho capito che non puoi controllare come gli altri ti vedono, e come gli altri vedono me non ha nulla a che fare con me, ma tutto a che fare con loro.

All’inizio, i miei social erano un esercizio personale di autostima.
Volevo pubblicare quella foto in cui penso di apparire bene, perché nella vita reale dubitavo molto di me.
Per me Instagram era uno spazio sicuro, dove col tempo l’online ha iniziato a influenzare la vita reale e viceversa. Attraverso la “validazione degli sconosciuti” ho acquisito sempre più sicurezza.

C’è un filo di ironia nel tuo lavoro — come una piccola crepa nella superficie dell’immagine. È istinto o un modo per controllare come vieni percepito?

Quando lavoro, sia su un set che durante una performance, entro in una modalità performativa.
Direi che quelle piccole crepe di ironia sono scorci del mio io più autentico.

Dico sempre che non mi prendo troppo sul serio e cerco di affrontare la vita con umorismo.

È anche il mio meccanismo di difesa, ah!

Fotografarti è davvero divertente. Cosa ti è rimasto della giornata sul set con TOH!?

Oh, sono davvero felice di sentirlo. Mi sono divertito molto durante lo shooting. Ho amato gli outfit. Ho amato l’energia sul set. Siete statə molto dolci, calorosi e accoglienti.

Dai l’impressione di essere una persona molto libera — di quelle con cui è facile entrare subito in connessione. Da dove nasce questa apertura?

Sono molto felice che questa sia la vostra prima impressione di me. Credo che sia semplicemente ciò che sono. Amo connettermi con gli altri, ascoltare le persone, e aiutare chi posso.
Il nostro tempo su questa terra è molto limitato, quindi perché essere stronzi quando si può semplicemente essere gentili?

Photography and Styling Alex Vaccani with Alessandro Marzo
Grooming Florianna Cappucci @ Greenappleitalia

L'articolo All about Ivan proviene da Toh! Magazine.

I Frost Children non si limitano a seguire le tendenze; le ridefiniscono. In questa intervista esclusiva, esplorano come la loro identità e le loro esperienze personali – come la collaborazione con il designer Francesco Risso e la creazione del “Frost Fest” – abbiano plasmato la loro carriera e la loro visione musicale. In occasione del loro dj-set travolgente, tenutosi in apertura del concerto di Dorian Electra lo scorso giugno a Milano, abbiamo intervistato e fotografato Lulù e Angel che ci hanno trasportato nel loro mondo che sembra un miscuglio di funghetti magici, esoterismo, colori fluo, sperimentazione e libertà d’espressione. 

Come è iniziata la vostra passione per la musica e quando avete deciso di formare i Frost Children? 

Siamo fratelli, quindi non abbiamo mai smesso di fare musica. Tecnicamente, abbiamo formato il gruppo nel 2019, ma non abbiamo mai suonato dal vivo prima del 2022.

Come descrivereste il vostro stile musicale e quali sono le vostre principali influenze? 

EDM. Club EDM. Canzoni pop da ballare. Musica emozionale. La nostra principale influenza al momento è Avicii, oppure gli Swedish House Mafia e Steve Aoki.

Qual è il processo creativo dietro le vostre canzoni? Avete un metodo specifico per scrivere e produrre musica?

Utilizziamo la guida oscura di nostro zio Theo Burgess-Frost per fare musica, chiamata “How to Summon an Abrys, 5 Steps for Summoning a Pop Music Muse.” Aveva questo circolo spirituale di musica nel nord dello stato negli anni ’70 e lo consultiamo sempre prima di fare una traccia. A volte iniziamo con un memo vocale alla chitarra, o a volte con un beat già completamente sviluppato. Cerchiamo di essere il più bravi possibile quando facciamo musica.

Cosa vi ispira di più quando componete nuove canzoni? 

Il desiderio di creare qualcosa che faccia sorridere i nostri cuori. Qualcosa che faccia battere il cuore e ci faccia sentire pazzi.

In che modo la vostra identità di genere influisce sulla vostra musica e espressione artistica? 

Penso che siamo più ispirati dalla fiducia e dalla bellezza. Dalla forza e dall’essere inarrestabili.

Potete condividere qualcosa di interessante o divertente che è successo durante una delle vostre sessioni di registrazione? 

Angel è rimasta chiusa nella cabina vocale recentemente e ha dovuto farsi strada coi graffi per uscire. Nessuno poteva sentire le sue grida a causa dell’isolamento acustico!

Come lavorate insieme in quanto fratelli? Ci sono mai momenti di tensione o conflitti creativi? 

Abbiamo un linguaggio condiviso che è qualcosa come la telecinesi. Non litighiamo molto. Cuciniamo l’uno per l’altro e prendiamo cose dal Bodega l’uno per l’altro, abbiamo la maggior parte degli stessi amici. In studio a volte non siamo d’accordo su alcune cose, ma di solito entriamo rapidamente in sintonia.

Qual è stato il momento più significativo o emozionante della vostra carriera finora? 

Il 2025 sarà un anno che cambierà la vita per i Frost Children. È anche fantastico sentire che molti idoli con cui siamo cresciuti ora ascoltano la nostra musica. Come quando Elton John ci ha menzionato nel suo show radiofonico su Apple Music mentre eravamo nei Poconos in Pennsylvania a registrare il nostro album “Hearth Room.”

Vi piace molto sperimentare con il suono. Come immaginate che la vostra musica evolverà nei prossimi anni? Ci sono nuovi generi o stili che vi piacerebbe esplorare?

Al momento siamo estremamente anti-chitarra e cerchiamo di attenerci all’elettronica. Penso che faremo decine di altri album con la chitarra in futuro. Stiamo iniziando a renderci conto che i nostri gusti semplicemente attraversano delle fasi. Ma al cuore di tutto c’è il carattere della nostra scrittura e produzione.

Quali sono i vostri obiettivi a lungo termine come Frost Children e cosa sperate di raggiungere nella vostra carriera musicale? 

Vogliamo suonare al Las Vegas Sphere, a Red Rocks, avviare un’etichetta, comprare molte case, ottenere posti migliori sui voli, mangiare fuori tutto il tempo e ubriacarci con liquori pregiati. Obiettivi di tipo dionisiaco…

Avete qualche consiglio per i giovani artisti che cercano di entrare nella scena musicale? 

Continuate a creare cose TUTTO IL TEMPO. Sento che questo mondo ha iniziato a chiudersi nell’inerzia, specialmente nella nostra generazione. Ci sono un milione di scuse per cui NON dovresti fare qualcosa, e saranno sempre lì per fermarti se non stai attento. Continua a fare cose e inizierai a capire cosa ti rende unico nel processo. E non farti male quando le persone non capiscono subito. Ama i tuoi haters.

Parlando di artisti emergenti, il 22 agosto 2024 si svolgerà il primo Frost Fest a Williamsburg, con due giorni dedicati a molti artisti emergenti scelti da voi. Come li avete selezionati? 

Fondamentalmente ci siamo chiesti: “Cosa succederebbe se ci fosse una lineup perfetta per un festival?” E poi l’abbiamo fatta noi. Danny Brown è stato molto esplicito riguardo al fatto che gli piace la nostra musica nel suo podcast, il che è stato sconvolgente perché siamo suoi fan da oltre un decennio. Ci siamo messi in contatto con lui molte volte da allora ed era entusiasta di fare una performance dove suoniamo come sua band dal vivo. Tutti gli altri sono artisti con cui abbiamo lavorato personalmente o di cui siamo attualmente entusiasti. Tutti gli artisti coinvolti stanno creando qualcosa di estremamente fresco e high-energy. Stiamo cercando di avviare una rivoluzione di Electro-Mania.

Potete parlarci della vostra relazione speciale con il designer Francesco Risso di Marni e di come potrebbe avervi influenzato in qualche modo? 

Fondamentalmente, Angel è stata ingaggiata per uno show di Marni subito dopo essersi trasferita a New York nel 2017 e da allora ha iniziato a fare tutte le loro sfilate e molte delle loro campagne. Sono tornato molte volte e ho visto Francesco evolversi in tempo reale e affermare il suo genio ancora e ancora. Marni è il miglior brand nella moda europea. Duhhh. Sono giocosi, senza tempo, fighi come l’inferno, adorabili, senza mai essere piattamente kawaii. È sexy e strano. E lo spirito collaborativo di Francesco è stato contagioso per me come modella timida di 18 anni. Abbiamo anche incontrato l’artista leggendario George Clanton attraverso Marni e abbiamo finito per fare un tour con lui lo scorso anno. Amiamo Marni!!

Qual è il tuo capo d’abbigliamento preferito: 

Francesco (Risso ndr) ci ha inviato due enormi giacche a vento lo scorso inverno, una gialla di lana per Angel e una a quadri per Lulu. Le abbiamo indossate insieme per un sacco di tempo, insieme a stivali alti arancioni e blu. Angel le ha indossate anche molto sul palco durante il nostro Double-Headed Tour la scorsa primavera.

Le vostre performance dal vivo sono molto energetiche e coinvolgenti, e trasmettete un’energia che può davvero catturare il pubblico. Qual è il vostro segreto? 

Lo swag non ti cade in grembo. Devi attrarlo con il Corpo.

Film preferito dei Frost Children: 

Angel: Paddington 2 

Lulu: Night at the Galactic Railroad

Qual è l’ultimo album di cui vi siete innamorati? 

Angel non può smettere di ascoltare “Top of the World” (feat. Dev) dei Cataracs. Lulu sta ascoltando il disco omonimo dei Modjo, che contiene l’iconico singolo “Lady, Hear Me Tonight.”

Production: Giuseppe Di Rosalia

Interview: Marco Cresci

Photo: Alex Vaccani

Styling: Alessandro Marzo

All clothes by MARNI

Thanks to :

KD House

Francesco Risso

L'articolo Frost Children: la nuova rivoluzione elettronica  proviene da Toh! Magazine.

Sono queste le coppie di opposti attorno alle quali oscillano gli scatti di Ilenia Luzzara e lo styling di Sofia Motta che nasce dalla volontà di voler raccontare per associazioni visive ciò che viene spesso associato al comportamento delle persone.

Dietro ad ognuna di esse, si crea una rottura tra ciò che si vuole realmente esprimere a quello che è ritenuto doveroso fare; l’istinto viene contrapposto al rigore.

Il racconto visivo che emerge è una narrativa in cui abiti, assemblati in un contesto museale e pregno di rigore, vengono sovvertiti da un atteggiamento e un attitude irriverente e libero. Come te, come Toh!

Photgrapher ILENIA LUZZARA
Stylist: SOFIA MOTTA
MUA: ILARIA PIGHI
Photographer assistant: ALESSANDRO TONINI
Stylist assistant: SARA PRESAZZI
Model: GIONATA CURRERI @ SPECIAL MAMAGEMENT

Search and destroy Search and destroy

L'articolo Search and destroy. proviene da Toh! Magazine.

Attraverso questi soggetti si mettono in dualità, in opposizione i due modelli per creare immagini forti e un’estetica, lo scontro dei colori, molto convincente.

Chi è il vincitore e chi è il vinto? Le maschere che mostriamo al mondo si scioglieranno lasciandoci nudi, solo allora avremmo vinto contro il nostro Io per goderci la libertà che continuiamo disperatamente a cercare.

Toh! Magazine ringrazia e dichiara che nessun modello è stato maltrattato per questo shooting.

PHOTOGRAPHY : Terence HASSEN terence@hassen.paris 

FASHION: Eric LEBON @l.e.bon
GROOMIE: Benjamin AGOYER @benjamin_maquilleur
MODELS: Alioune & Auguste @Mmanagementmodels

WORD: Giuseppe Di Rosalia @giuseppedirosalia

THANKS TO: Aude studiocuicuit@gmail.com 

Immagine d’apertura: LEFT: Shirt DRIES VAN NOTEN, Tee shirt UNIQLO, Pants BERLUTI, Shoes PRADA
RIGHT: Cap PRADA, Necklace KENZO, Jacket MOONYOUNGHEE, Top ISABEL MARANT, Pants COS,Shoes ANN DEMEULEUMEESTER

Toh! Magazine

L'articolo Wrapped in love with the freedom to be who we are proviene da Toh! Magazine.

Gli esordi di Jean Paul Gaultier

Da quando, nel 1976, Jean Paul Gaultier ha lanciato la sua prima collezione, dopo essersi formato negli atelier di Pierre Cardin e Jean Patou, è stato un susseguirsi di rivoluzioni a sua firma, non solo nella moda ma nella definizione dell’immagine dell’essere umano contemporaneo o, ancora meglio, nell’affermazione delle personalità a prescindere dal sesso e dell’appartenenza sociale.

Sì perché Gaultier ha nettamente anticipato il dibattito sull’abbattimento delle distinzioni di genere: le sue passerelle, giudicate spesso sovversive, sono state casa del no gender e hanno ribaltato gli stereotipi tanto del macho man quanto della donna oggetto.

Ognuno dei capi di Jean Paul Gaultier può essere associato ad una rivoluzione, a cominciare dalla maglia marinière suo feticcio, apparsa per la prima volta nel 1983 e reinventata nel corso delle collezioni fino a diventare abito couture. A dimostrazione che la t-shirt a righe fosse tutt’altro che prerogativa dei marinai. 

Si continua con la gonna da uomo, la stessa (o forse anche più rock) che oggi non stupisce su idoli musicali come Harry Styles, Mahmood o Damiano dei Måneskin ma che negli anni Ottanta suonava ancora scandalosa, nel guardaroba maschile.

Poco dopo, avviene la liberazione del corpo femminile firmata Gaultier attraverso il corsetto con seni conici, che ha assunto visibilità mondiale quando Madonna, nel 1990, lo ha indossato per il suo tour Blond Ambition. Portando la lingerie in primo piano con irriverenza, l’intenzione del couturier era superare gli schemi della sensualità tradizionale e conferire all’immagine femminile un’armatura tutta nuova, senza tabù.

Jean Paul Gaultier ha rappresentato la generazione di passaggio tra il vecchio mondo dei couturier e quello nuovo dei designer, Sin da subito ha capito l’importanza di mescolare i generi, è grazie a lui che la strada sale per la prima volta in passerella, il Folk si trasforma in sensibilità multietnica e la sua sfilata per la collezione ss1994 divenne epica.

Impiantato a Parigi e fieramente francese, Gaultier non ha mai nascosto la sua attrazione per Londra e la sua estetica punk, a partire dai corpi tatuati che ricreò, insieme all’azienda di Anna Maria Fuzzi di Cattolica, su tulle elasticizzato che sembrava pelle istoriata, da stratificare sotto gli abiti.

Quella di Jean Paul Gaultier è dagli esordi una moda improntata ad ogni forma di inclusività. Le sue icone di bellezza, uno su tutti il modello -musa Tanel Bedrossiantz, sono espressive di uno charme fluido, dove tutti possono indossare tutto, ma sempre dotati di un incredibile carisma.

Le fisicità sono curvy. Il profumo è unisex e se il flacone più famoso (Le male) porta anch’esso una maglia a righe, in Gaultier 2 il numero indica apertamente che la destinazione è per entrambi i sessi.

Jean Paul Gaultier e il cinema

La fonte di ispirazione e motore dell’attività dello stilista è da sempre il cinema. Il film Falbalas di Jacques Becker, della metà degli anni Quaranta, fece da impulso creativo per il giovane Jean Paul, nato nel 1952, che lo guardò appena adolescente e rimase impressionato dal défilé con i costumi di Marcel Rochas visti su quello schermo.

La guêpière, di cui a Rochas viene attribuita l’invenzione, diventerà un oggetto cult dell’estetica di Gaultier e quella sfilata un richiamo costante per i suoi futuri show in passerella. Un altro film legato a doppio filo al nome di Gaultier è Kika-Un corpo in prestito di Pedro Almodóvar (1993) per il quale ha realizzato gli stravaganti costumi di Victoria Abril.

Con il regista spagnolo, il creativo ha collaborato anche in La mala educación nei primi anni Duemila mentre con Luc Besson ha concepito gli abiti di Il quinto elemento con Milla Jovovich e Bruce Willis (1997).

L’intreccio costante della carriera di Jean Paul Gaultier con il cinema è stato testimoniato recentemente da una mostra alla Cinemateca di Parigi da lui stesso curata, un personale racconto degli abiti che ne hanno fatto la storia, unendo sue creazioni a costumi iconici. Cimentandosi da regista teatrale, nel 2018, Gaultier aveva animato il palcoscenico delle Folies Bergère a Parigi con uno stupefacente Fashion Freak Show.

Sulle passerelle di Jean-Paul Gaultier hanno sfilato tutti, i belli e i brutti, i magri e i grassi, i giovani e gli anziani. Paladino della diversità ante litteram e pioniere della fluidità di genere, Gaultier ha abbattuto le barriere tra maschile e femminile, mescolando i guardaroba di lei e di lui,  dando potere alle donne, senza necessariamente toglierlo agli uomini, in questo modo ha rappresentato la generazione di passaggio tra il vecchio mondo dei couturier e quello nuovo dei designer.

70 anni di genio, creatività e ribellione che hanno cambiato l’industria della moda grazie a un approccio unico e umanista nell’esprimere la verità delle norme di genere nella società. Una verità, quella di Jean Paul Gaultier, che non ha avuto paura di riflettere in modo impenitente fin dagli anni ’80 col suo marchio, quando portò in passerella la “scandalosa” gonna da uomo come parte della sua collezione ‘And God Created Man’ nel 1985, ma non solo.

Nel corso di 50 anni di moda ha ignorato i tradizionali ruoli di genere, abbracciando l’androginia e la libertà della sessualità, lo stile sensuale e irriverente di Jean Paul Gaultier ha continuamente sfidato nel corso della sua carriera qualsiasi tipo di stereotipo e idee convenzionali di moda e bellezza, perchè come ha sempre detto: “La moda riguarda il tuo aspetto, che si traduce in ciò che vorresti essere”. Buon Compleanno.

L'articolo Jean Paul Gaultier: 70 anni di rivoluzione proviene da Toh! Magazine.

Photographer: Giuseppe Vaccaro
Stylist: Alex Vaccani
Stylist Assistant: Alessandro Marzo
Models:Aleksandr Gudrinš @ Crew e Aleksander Łukowski @ ILOVE
Casting Director: Mattia Marazzi
Production: Ivano Mansueto 

TOH MAGAZINE

L'articolo TOH! MAGAZINE – Heavy Weight proviene da Toh! Magazine.

Se parliamo di moda pensiamo a capi sartoriali, abiti haute couture scarpe e borse di “design”. Mai penseremo a delle scarpe da indossare sul viso o indumenti che traggono ispirazione dal fetish. Si è proprio il mondo feticista il mood che Albino Hector utilizza per le sue creazioni. Maschere realizzate con sneakers di brand noti, harness, t-shirt e tanto altro che hanno come denominatore comune un tabù che ancora molte persone hanno.

Creazioni che risultano ovviamente sexy ma che non distolgono l’attenzione al design interessante, dato dalla sua passione per la moda in particolare degli anni novanta.

Albino Hector è riuscito a creare un vero e proprio marchio che lo distingue o le rende unico anche nel modo di presentare le sue creazioni, il suo profilo IG e il suo sito sono un vero e proprio paradiso per gli amanti del feticismo come per Carrie Bradshaw un negozio di Manolo Blahnik.

Ciao Albino, ci parli un po’ di te come persona oltre che come creativo?

Non è facile essere sinceri nel descrivere se stessi senza abbellire o ingrandire alcuni dettagli. Ma penso che concetti come “contrasto” o “dualità” rappresentino perfettamente il mio modo di essere, di creare e la percezione che le persone hanno di me. 

Dietro il personaggio di Albino, c’è Hector, che è un ragazzo abbastanza caotico e disastroso nella sua vita normale, piuttosto introverso e calmo. 

Mi piace molto la mia solitudine nel mio laboratorio a lavorare sulle mie cose, adoro la palestra e il bodybuilding e dedico il mio tempo libero ai videogiochi, che è in netto contrasto con quanto si vede sulla rete.

Questo crea sempre un impatto, spero positivo, sulle persone che mi conoscono di persona, perché penso che si aspettino che io sia un tipo aggressivo o intimidatorio.

Quando hai deciso di realizzare la tua linea di accessori erotici come ad esempio le maschere realizzate con le sneaker? 

Non c’è stato un momento esatto in cui questa idea o intenzione sia nata. Quando stavo studiando Belle Arti, ho dedicato il mio progetto finale al lavoro/ricerca sul feticismo, in particolare sull’abbigliamento sportivo e il fetish delle scarpe da ginnastica, in un contesto omosessuale. 

Il progetto è iniziato con disegni, collage d’immagini pornografiche, fotografia, design 3D. Il progetto, ha preso molte forme. Si potrebbe dire che l’immagine più iconografica di questo movimento sarebbe una scarpa legata al viso, ed è lì che comincio a pensare all’idea di un oggetto che possa rappresentarlo.

È lì che appare l’idea delle maschere, che assolve esattamente alla funzione di avere una sneaker decostruita sul viso. 

Da qui, mi interessava creare più accessori per poter avere un completo per tutto il corpo, come se stessi disegnando un supereroe, e ho iniziato a realizzare imbracature e sospensori.

Da cos’è partita la tua ispirazione?

Penso che tutta la mia ispirazione sia condizionata dalle cose che mi piacevano quando ero bambino e adolescente, perché sono le cose che continuano ad affascinarmi. Ho avuto la fortuna di crescere con un computer e una connessione ADSL all’età di sette anni. 

Passavo giornate a disegnare, giocare ai videogiochi e navigare in internet. Mi piaceva disegnare e creare abiti dai personaggi dei videogiochi che mi piacevano.

In quel periodo amavo la moda e l’alta moda degli stilisti degli anni ’90/2000. Non facevo altro che  guardare le sfilate di Thierry Mugler o Alexander Mcqueen, e tutto ciò che ha consumato i miei occhi è finito per incarnarsi in disegni e disegni.

Una volta che ho iniziato gli studi e sono diventato adulto, l’estetica fetish mi suscitava molta curiosità.

Ho trovato il mio posto nel fetish nell’abbigliamento sportivo, che insieme al mio gusto per la palestra e lo sport, è diventato la mia fonte d’ispirazione oggi.

Perché le scarpe ?

Le sneakers sono la chiave del mio progetto, l’inizio e la fine. 

Poiché tutta l’attività sessuale feticista di questo “movimento” dipende da questo tipo di calzature. Ci sono anche dei codici abbastanza rigidi per quanto riguarda il modello e la marca delle scarpe, ed è questo che ha sviluppato l’iconografia di questo stesso feticismo.

Indossare una “Nike Tn” o una “Nike Shox” a volte è essenziale per questo tipo di attività e per far capire al tuo “compagno di giochi” che conosci l’argomento. 

Sono un segno distintivo e sebbene possa sembrare un po’ classista, l’uso di questi modelli e non di altri, ha un significato.

Questi modelli di scarpe da ginnastica erano molto in voga alla fine degli anni ’90 e all’inizio degli anni 2000 in Europa.

Erano socialmente legati a un tipo o un’idea di mascolinità molto specifica, il ragazzaccio, il ragazzo tosto.

Tutto questo accompagnato da una cultura di tute sportive, musica elettronica, club, moto, automobili, formava un’idea molto attraente di un tipo di uomo in quel momento, e alla fine tutta questa cultura si può ridurre a questi modelli di scarpe, cioè perché sono così importanti, alcuni modelli sono un’icona, un simbolo.

La tua linea spazia anche in altre creazioni come t-shirt, harness e stampe, cosa ti diverte di più realizzare?

Mi manca davvero creare più immagini 3D per fare stampe, ma ora facendo le maschere e gli harness il mio tempo è molto limitato. Mi piace molto realizzarli, essendo fatti su misura per il cliente. Sento che sto facendo qualcosa di molto speciale e unico per ogni cliente.

Mi piace “l’artigianato” dei miei pezzi, perché non ho intenzione di produrre in serie o creare un prodotto commerciale.

Per me, un pezzo unico adattato al cliente ha più valore di un pezzo prodotto in grande stile per essere acquistato da chiunque. Ecco perché di solito non sono aperto alle collaborazioni con i brand, penso che perderei la particolarità dei miei pezzi.

D’altra parte, quando i clienti mi inviano foto con indosso i miei pezzi, mi rendono davvero felice.

Nel tuo profilo IG ti troviamo come modello che indossa le proprie creazioni, quanto ti piace farlo?

Dipende dal giorno, ho una grande dualità riguardo a questo fatto. Per me è facile posare con le mie creazioni, perché è veloce impostare un set fotografico, l’illuminazione che funziona su di me e scattare le foto per inserirle rapidamente nei miei social. Ma a volte è qualcosa di molto noioso e ripetitivo, quindi ultimamente sto facendo molte foto di amici e modelli, perché è qualcosa che mi piace davvero e ci divertiamo molto a scattare le foto.

Pensi che la gente abbia ancora tanti tabù sul manifestare il proprio feticismo?

Assolutamente sì, abbiamo fatto molta strada ma c’è ancora molto da fare.  Siamo fortunati a poter esplorare e condividere le nostre fantasie fetish  attraverso la rete, per conoscere persone con la nostra stessa passione, questo è fantastico.

Il movimento fetish sta davvero crescendo in alcuni paesi europei. 

Sono spagnolo e qui le cose sono molto diverse, anche se è un paese associato alla tolleranza, alla libertà e a molte feste, la verità è che la mentalità delle persone è molto chiusa a questi problemi. 

Come in molti paesi che abbracciano il Mar Mediterraneo, la religione ha fatto molti danni e continua a essere un ostacolo quando si tratta di muoversi verso la libertà sessuale.

Nel mio paese il fetish è qualcosa di molto segreto e intimo, e fa vergogna a esprimerlo, è molto triste. Ma qualcosa sta cambiando e il pubblico fetish sta crescendo, ma non abbiamo una scena coerente come in altri paesi.

In quale parte del mondo riesci a vendere di più le tue creazioni? 

Attualmente è negli Stati Uniti dove sto effettuando il maggior numero di spedizioni. È incredibile, sono molto contento di questo. Contando che lavoro dalla Spagna, per me è un grande successo. In Europa, paesi come la Germania, la Francia sono quelli che consumano di più il mio lavoro. Attualmente sto iniziando a ricevere ordini dall’Australia, dal Giappone o da molti paesi dell’America Latina, questo è per me un grande orgoglio.

Hai mai pensato di espandere la tua linea in altre forme di abbigliamento oltre le t-shirt o in dei sex toys?

Sì, ci penso costantemente, ma ho davvero bisogno di più tempo. Mi piacerebbe che i giorni avessero tre ore in più! Ma sì, la mia prossima idea sarebbe quella di poter creare calzini, qualche tipo di accessorio, gioielli e biancheria intima.

Spero di poter lavorare su questo molto presto. Per quanto riguarda i sex toys, ultimamente fantasticavo molto sull’idea di lanciare un cockring disegnato da me… Vedremo.

Che personaggio famoso vorresti vedere indossare le tue creazioni?

È un orgoglio vedere chi si considera un feticista indossare i miei pezzi, per me questo è il successo e l’obiettivo delle mie creazioni.

Creare qualcosa dal feticismo, per il pubblico fetish, è qualcosa di genuino.

Se è vero che ogni artista, designer sogna di vedere le sue creazioni in personaggi famosi o in luoghi stupendi, mi piacerebbe vedere François Sagat con un completo ALBINOHECTOR, Lil Nas X con una delle mie maschere dorate, o cantanti come Jelena Karleusa indossare le mie creazioni, quest’ultima mi farebbe impazzire!

L'articolo Albino Hector: Il fetish che fa moda proviene da Toh! Magazine.

Contrasti di colori si mescolano con la natura per una cerchia di persone non definite. Hot Wheels manifesta l’inclusione in un mondo che talvolta si reputa lontano, ma che invece è costituito da persone a cui non importa quanto siano diverse tra loro in termini di religione, sesso, razza e colore della pelle.

Tutte sono accumunate da un unico stile di vita: il motocross.

È una passione estrema fatta di adrenalina, suoni e giri. Hot Wheels supera la paura di collocare esclusivamente a determinati contesti alcuni capi dell’abbigliamento. Gioca cosi con la velocità accostando metaforicamente lo stile dei motociclisti in chiave ironica e sexy. Finché il brivido della velocità superi quello imposto dal dress code.

Photographer: Giuseppe Vaccaro
Stylist: Alex Vaccani
Stylist Assistant: Alessandro Marzo
Grooming: Rodrigo De Souza
Models: Simone Bricchi & Ondrej Mokos @ I Love Models Management
Casting Director: Mattia Marazzi
Production: Ivano Mansueto

L'articolo Hot Wheels – Fashion Cover Story proviene da Toh! Magazine.

Shein è stata fondata da Chris Xu (questo nome potrebbe essere inventato) nel 2008, e inizialmente si chiamava She Inside.

L’idea fu quella di puntare sul digitale e sulla velocità della manifattura cinese per conquistare il mercato europeo e americano e competere con i più grandi marchi di fast-fashion.

Ma cosa fa Shein?

Shein prende le merci prodotte dalle sue fabbriche e le rivende direttamente al pubblico, senza intermediari abbattendo i costi.

A differenza di negozi di abbigliamento fast fashion come Zara e H&M, Shein non ha una sua identità o una sua estetica: si limita a intercettare le mode dei vari paesi e a riproporle il più velocemente possibile sul mercato locale.

Perchè Shein sta uccidendo il sistema moda?

Per caricare 6.000 nuovi prodotti ogni giorno con un prezzo medio di £ 5,70, Shein, sta superando ASOS di sei volte il suo tasso di produzione, rinunciando alla sua etica a un ritmo simile. 

Dopo aver già rubato a innumerevoli designer indipendenti, sottopagato i suoi dipendenti e creato una propria rete di discariche, Shein ha ora rivolto gli occhi ai grandi nomi della moda, tra cui Rick Owens , che è diventato l’ultima vittima dell’azienda. 

Originariamente notato da Matei Olteanu e amplificato da High Fashion Talk su Instagram, Shein ora sta vendendo un paio di pantaloni della tuta , addobbati con lacci incrociati e reticolati – una copia quasi identica dei pezzi Mega Lace firmati da Rick Owens. 

Il marchio di fabbrica del designer è diventato un cult tra i fan del grunge distorto e può essere visto attraverso i pantaloni, le giacche e le calzature di molte collezioni Rick Owens, specie nella sua SS20. 

I commenti negativi sui social sono infiniti ma allo stesso tempo i wannabe che guardano alla moda come qualcosa di irraggiungibile dicono “Questo è così dannatamente all’avanguardia”.

A parte le ovvie distinzioni in termini di qualità e costruzione, i pantaloni Shein hanno un prezzo di £ 23, mentre gli originali Rick Owens vendono per £ 1550. 

A me sinceramente questa cosa fa molto ridere dal momento che l’azienda ha appena lanciato un concorso per sostenere i designer emergenti , anche se non sorprende, dato che designer come Bailey Prado e molti altri hanno ritrovato sull’e-commerce cinese i loro capi copiati spudoratamente.

Insomma, Shein è un completo mistero. Su internet si trova tutto e di più ma per quanto riguarda Shein non esiste nessun numero di telefono, nessuna e-mail e nessun contatto stampa.

Anche il nome del suo fondatore rimane un enigma totale, Questa azienda apparentemente opaca si affida principalmente al marketing digitale e agli influencer per farti appassionare ai loro prodotti, piuttosto che divulgare qualsiasi cosa sulla loro catena di approvvigionamento in modo trasparente. 

Poi non dite che non vi ho avvisati.

L'articolo Si scrive Shein si legge vergogna proviene da Toh! Magazine.

Dopo quasi due anni di sfilate digitali, la New York Fashion Week è tornata nella speranza di farci provare emozioni nuove.  Certo, c’è da dire che alcuni grandi nomi sono tornati a New York (Moschino, Thom Browne e Tom Ford sto parlando di voi) ma sono i designer emergenti a farmi battere forte il cuore e sperare che carattere, personalità e originalità abbiano la meglio sulle regole e i criteri del marketing e altro ancora.

Tra i designer sembra che la maggior parte stia anche prendendo le cose in grande, LaQuan Smith ad esempio ha scelto di presentare la sua ultima collezione in cima all’Empire State Building diventando il primo designer a farlo.  

Ma se c’è una cosa su cui possiamo contare a New York, è il fatto che non mancano i giovani talenti che si muovono nel settore della moda. 

I designer di tutto il mondo si sono catapultati a New York e il CFDA non ha potuto fare altro che accoglierli.

Da Private Policy passando per Social Work ho raccolto un gruppo di nuovi, nuovissimi designer e brand che secondo me dovresti conoscere.

Designer emergenti da NY a Milano: Social Work

Chenghui Zhang è una stilista nata in Italia ma cresciuta a Shanghai, ha studiato alla Parsons prima di lavorare per alcuni marchi americani come Helmut Lang e Ralph Lauren.

Nel 2018, ha deciso di lanciare la sua linea con un focus su basi sovversive con una sensibilità vintage. Pensa alle sottoveste drappeggiate sovrapposte a pantaloni scozzesi o ad abiti di seta a righe patchwork tagliati in forme asimmetriche.

Più di recente, il marchio si è concentrato sui motivi del surrealismo, in particolare sui dipinti di Dalì e sulle stampe russe di scatole di fiammiferi. 

In particolare, la designer sta cercando la sua icona, e potrebbe essere la rosa, che è stata reinterpretata più e più volte da diversi artisti, tirandone fuori la forma e usandola per abbellimenti, finiture e altro nella sua prossima collezione SS22. 

Designer emergenti da NY a Milano: Private Policy

Il brand Private Policy  è così devoto a New York City , che il designer Siying Qu afferma che le strade stesse sono al centro dell’estetica del marchio. “Non solo lo stile dei newyorkesi ci incuriosisce, ma ci ispira anche ciò che pensano e discutono”, spiega Siying Qu. “Guardiamo agli eventi attuali o alle questioni sociali, come un giornale. Trovare un argomento che ci appassiona diventa il punto di partenza per una collezione”.

Nelle ultime stagioni, il marchio ha esplorato di tutto, dai ferrovieri cinesi del 1800 in America al più antico orto comunitario di New York, dando vita a una gamma di stili e idee: dalle semplici magliette grafiche alle gonne asimmetriche in pelle e ai bottoni con immagini illustrative. 

Il marchio considera ogni pezzo un punto di partenza per una discussione comunitaria o un problema sociale. “La moda è potente e vogliamo che il potere venga utilizzato per risolvere problemi reali”, aggiunge Lopez.  

Designer emergenti da NY a Milano: Hyusto

È possibile un mondo senza sneakers? Secondo Hyusto, marchio di calzature 100% Made in Italy, si. D’altronde lo slogan sul packaging è chiaro: “A world without sneaker is possible”.

Nasce così il brand Hyusto che nel dialetto di Civitanova Marche vuol dire “giusto”. Il progetto infatti affonda le radici nel cuore del paradiso calzaturiero italiano, le Marche, e forte di questo knowhow nasce il concept del brand, con una collezione che rivede i modelli classici come il mocassino, la slipper e la loafer, con una filosofia genderless e senza regole di tempo che hanno già fatto perdere la testa a Shawn Mendes che ha indossato proprio ieri agli VMA’s un paio di loafers Hyusto.

Designer emergenti da NY a Milano: Andrea Grossi

Andrea Grossi è un giovanissimo designer che mixa riferimenti classici maschili a estetiche futuristiche, in uno stile da lui definito “Digital Couture”.

Le sue collezioni sono a metà strada tra sperimentazione di tecnologie digitali e tecniche tradizionali, come tagli laser, lavorazioni 3D e l’utilizzo di materiali come pelle e denim, manipolati con stampe di modelli virtuali.

Lil Nas, Tommy Cash e Blanco sono già suoi fan. Poi fate voi

Designer emergenti da NY a Milano: A–Company

Sara Lopez ha lanciato A–Company nel 2018, ispirata dall’idea di ricostruire pezzi moderni e classici da un nuovo punto di vista, avvicinandosi alla teoria critica, agli studi queer e ai semplici gesti quotidiani. “Mi interessa il guardaroba moderno e il suo scopo nella società”, spiega delle sue giacche di jeans oversize senza genere e camicie button-down, molte delle quali presentano abbottonature e colletti asimmetrici che sembrano leggermente storti.

Lopez progetta e produce esclusivamente i suoi pezzi a New York City, che sta diventando sempre più una rarità oggi: “Il mio obiettivo è ritagliarmi un nuovo spazio per l’abbigliamento analitico e artistico all’interno di un modello collaborativo e sostenibile”, io adoro! 

L'articolo I designer emergenti da tenere d’occhio. proviene da Toh! Magazine.

ATXV con la sua idea di moda segue nuovi codici elaborati dalla reimmaginazione e dalla combinazione naturale e autentica di tutti gli elementi compresi nell’armadio maschile e femminile che attraverso la sua visione si trasformano in nuovo linguaggio per una nuova silhouette: abiti ruotati e drappeggiati, linee asimmetriche e tagli inaspettati per esaltare e vivere parti del corpo senza pregiudizi. 

Una sensualità minimale, fresca, non solo nel risultato, ma anche e soprattutto nella produzione. 

Minimizzare infatti riguarda anche l’impatto ambientale: quella di Antonio Tarantini è una moda responsabile, in un’ottica sostenibile, che tenta di raggiungere la soglia di zero sprechi nella creazione e produzione di abiti, come i tessuti non utilizzati delle stagioni precedenti che vengono recuperati nello sviluppo di nuove creazioni.

Una collezione dall’aspetto minimale per l’essenzialità delle linee e la purezza dei colori ma carica di significato perché parla di libertà, di ricerca di sé e della felicità. Antonio Tarantini ha debuttato con una collezione che è stato anche un momento di riflessione e di rinascita grazie ad un progetto ambizioso di sostenibilità e genderless. 

Chi e cosa c’è dietro ATXV?

Io sono Antonio, e ATXV nasce dalla mia voglia di rinascere, dalla necessita’ di mostrarmi vulnerabile davanti al mondo, con tutte le mie fragilità’ senza paura. Rigenerando la mia vita è le mie esperienze ho trovato il coraggio di cominciare tutto da un nuovo inizio. Parlando finalmente con la mia voce.

Dove e quando è iniziato il tuo percorso nella moda?

Ho cominciato prestissimo a lavorare come womenswear designer a Milano la città dove sono nato. Ricordo ancora di aver ricevuto la chiamata per un colloquio mentre ero a lezione, e la settimana  dopo mi sono ritrovato a lavorare nello ufficio stile di Dolce&Gabbana, da lì mi sono trasferito a Parigi per lavorare con John Galliano per Christian Dior. Un’esperienza unica, che mi ha portato a lavorare anche sulla Haute Couture. Milano poi, mi ha richiamato per affiancare per 8 anni Donatella Versace nella parte creativa per le collezioni donna rtw e Atelier.

Come descriveresti il tuo brand a chi non lo conosce? 

ATXV è un brand che parla un unico linguaggio, senza divisioni, dove la libertà di essere se stessi è la protagonista.

Mi pare di capire che tu sia molto attento alla scelta dei materiali, dove produci? 

La collezione è interamente prodotta in Italia, mentre tutti i tessuti che uso sono certificati, o provengono da rimanenze di magazzino, in modo tale da non generare inutili sprechi. La scelta dei materiali, e’ per me il primo passo nel processo creativo e una delle cose più importanti. Il Jersey e’ il materiale principale della collezione, volevo un tessuto che tutti conosciamo, e che abbiamo nell’armadio. Volevo distorcerlo, arricciarlo, drappeggiarlo capovolderlo, per poter uscire dai soliti schemi, e raccontare con nuovi tagli e forme la nuova realtà di un umanità cambiata.

La tua moda è assolutamente fluida e senza etichette di genere, è una cosa che finisce qui o le tue collezioni saranno sempre genderless? 

Non sono mai riuscito a capire i muri che ci sono tra il guardaroba femminile e quello maschile, non sai quante volte ho sentito: “No! quello è da donna non va bene per un uomo” e viceversa. Divieti che ho vissuto io in prima persona nella mia vita personale. Quindi quando ho cominciato a lavorare su ATXV ho detto: “basta!” mi è venuto quindi assolutamente spontaneo parlare a tutti, mescolando in un unico linguaggio tutti quei codici intoccabili.

Qual è il messaggio che vuoi mandare, se vuoi mandarlo, con la tua moda? 

Il mio è un messaggio di unione e di libertà, sentirsi bene e felici di utilizzare degli abiti per esprimere se stessi è la mia priorità.

Antonio Tarantini ATXV

L'articolo Antonio Tarantini ATXV: moda per la libertà proviene da Toh! Magazine.

Fotografia di Julien Casas, stile di Mauro Biasiotto per Toh Magazine

I haven’t got a clue if you’re the one
but I like you
and I like how you make me feel
I wanna do this right
don’t wanna waste this night
but I’m drowning
drowning in your love

Bring me flowers
hand talk for hours
and I like you
and I like how you make me feel
kiss my face
your warm embrace
and I like you
and I like how you make me feel

I’m a little scared to hold you closer
cause I just might never ever let you go
caught up in your smile
I’m happy as a child
but I’m still drowning
drowning in your love

tBring me flowers
talk for hours
and I like how you make me feel
kiss my face
your warm embrace
fand I like you
gand I like how you make me feel

Your heart cares for nothing in return
and I’m just taking
taking you in
caught up in your smile
I’m happy as a child
but I’m still drowning
drowning in your love

L'articolo Toh Magazine: Bring me flowers proviene da Toh! Magazine.

La modalità è fatta di presentazioni digitali mixate a show dal vivo e ibridi tra virtuale e reale, sotto forma di micro film e altri contenuti.

Al contrario di Milano, a Parigi i designer hanno messo al centro di tutto gli abiti e le collaborazioni.

A partire da Kim Jones per Dior, che ha realizzato a 4 mani una collezione intera con Travis Scott; JW Anderson ha presentato gli occhiali da sole creati con Persol e molti altri ancora. 

La condivisione, negli ultimi anni solo virtuale, a Parigi torna sul piano del reale. A sfilare sono vestiti creati soprattutto per essere indossati (e comprati).

Tanta maglia, ma anche tanta pelle; una sartorialità rinfrescata da stilemi Coconut Boy anni Duemila, con la camicia bowling che la fa da padrona tra le tendenze menswear primavera estate 2022; e un casualwear a tutto colore, per un uomo che si stiracchia dal torpore e torna a mostrarsi con una rinnovata energia.

Paris Fashion Week: il passaporto universale di Burberry 

Partiamo da Burberry che ha presentato una sfilata digitale, per la prima volta all’interno del calendario della Paris Fashion Week, filmata però sul set del Millennium Mills nei Royal Victoria Docks, East London: questa la location desertica e surreale che accoglie il défilé.

La collezione, dal titolo Universal Passport, va in scena sulle note di Strangle Planet di Shpongle, punto di riferimento globale nel campo della musica elettronica. 

Tisci, per la prossima primavera-estate, scompone e ricompone i simboli, i pezzi iconici del brand inglese per ottenere un risultato diverso con gli stessi elementi.

Si va dal classico trench proposto in versione smanicata alle t-shirt stampate con ombre di teschi decostruiti, che mixano la gamma di neutri con accenti metallici e tocchi di rosso, presenti anche nelle uscite donna. 

Tisci è uno che ne sa, ha imparato tantissimo negli anni e con questa collezione è come se avesse messo a frutto le lezioni di decostruzione di Martin Margiela dei primi anni Novanta e le scarnificazioni del post atomico di Rei Kawakubo, avviandosi su una strada di lettura analitica degli elementi sia di Burberry sia dell’abito borghese e, facendoli a pezzi, li ricostruisce conservandone parte della forma ma stravolgendoli nel significato. Insomma, una linea energica e dinamica, che sintetizza il lavoro di Riccardo Tisci alla guida negli ultimi tre anni del brand.

Paris Fashion Week: Dior Homme a 4 mani

In un paesaggio a metà tra i quadri di Georgia O’ Keefe, il Paese delle Meraviglie un roseto parigino e il deserto degli States arriva la sfilata di Dior Homme by Kim Jones, che insieme a Travis Scott, firma la collezione dal nome Cactus Jack.

Condivisione, dicevo prima, che questa volta si concretizza in un’intera linea che rivisita in chiave artistica e musicale i codici del brand.

Ci sono il completo suit in versione corta e total black e le camicie bowling a schizzi di colore. I testi musicali si stagliano sulla maglieria in jacquard, riprodotti  insieme al motivo Dior Oblique, in versione macro o traforato. 

Un’estetica da Coconut Boy si concretizza nelle uscite rosa e animalier, nei gioielli a forma di cactus, nei maglioni intarsiati di fiori hawaiani dalle tonalità fluo. 

Destinazione vacanze, non senza gli accessori: le case da esploratore stampate con il monogramma di diamanti Dior, ripreso dagli archivi degli anni ‘60; le Saddle bag in versione bracciale da polso; le sneakers ispirate allo skate, con suola plateau inclinata; il cappello mix di baseball e bucket hat.

Paris Fashion Week: JW Anderson, un nostalgico kitsch

«Guardare indietro per guardare avanti». Con queste parole Jonathan Anderson descrive la collezione primavera estate 2022 (e Resort donna 2022) presentata alla Paris Fashion Week Uomo. 

Lo stilista ha scelto di ritornare a collaborare con Jurgen Teller, il fotografo di moda tedesco, per la terza volta. Il risultato? Delle fotografie, scattate in una casa nel sud-est di Londra, racchiuse in una preziosa box con 33 look, in cornici free-standing. Protagonisti, giovani collegiali ritratti in modo realistico, in abiti scolastici ma caleidoscopici, saturi.

Ogni foto è avvolta in una carta da regalo personalizzata con un dipinto del XVIII secolo di uno scoiattolo che mangia una ghianda, accanto a una ciotola di fragole: motivi e simboli che si rincorrono sulla maglieria, sulla giacca antivento e le tute con la zip, coloratissimi e a tratti kitsch. «Total vibe più che total look», sempre per dirla con le parole dello stilista: a risvegliarsi i suoi ricordi d’infanzia («Mi piaceva l’idea di creare qualcosa che sembrasse un po’ come tornare a scuola») ma anche l’identità tutta dell’individuo. E a completare la collezione, gli occhiali da sole firmati con Persol.

Paris Fashion Week: L’edonismo libero di Loewe

Jonathan Anderson, alla guida anche di Loewe, per la stagione estiva pensa ad una moda che ruota intorno al contatto fisico. Tutta la collezione si racconta attraverso trench con logo, parka in pelle, cappotti con cerniere e coulisse in vita, pantaloncini cargo ampi indossati con tuniche drappeggiate, maglioni multistrato cut-out, tute, top a fazzoletto e pantaloni sportivi in colori acrilici.

Sembrano tutti elementi di base di un guardaroba, ma il loro modo di stare insieme appare  nuovo, libero, spensierato e nudo dai canoni della mascolinità.

Paris Fashion Week: Lanvin e l’estetica anni Duemila

L’immaginazione come veicolo di un nuovo futuro, a partire da un nostalgico passato. Potrebbe essere questo il messaggio codificato nel video di Lanvin per presentare la collezione primavera estate 2022 uomo e donna. 

Una modella al trucco che chiude gli occhi e si ritrova bel mezzo di un party, al ritmo di Pure Shoes delle All Saints. (Adoro quella canzone)

Il corto è ispirato a un videoclip musicale, ambientato in una casa in una località tropicale. Persone che ballano, bevono e giocano al telefono senza fili, vestiti di camicie hawaiiane, pezzi d’evasione con stampe all over, ma anche tailleur bouclé per lei. 

Un insieme di pezzi pratici per un guardaroba in bilico tra il dovere e il piacere, l’ufficio e la vacanza, la nostalgia e il glamour, quello creato da Bruno Sialelli. Infatti, sul finale, la modella si risveglia e torna alla sua normalità.

Rick Owens, la nebbia di Venezia

È un uomo avvolto dalla nebbia, quello della collezione Rick Owens primavera estate 2022 dal titolo programmatico Fogachine Men’s. 

La sfilata va in scena sulla spiaggia di fronte a casa sua, al Lido di Venezia dove ha trascorso la maggior parte della pandemia. Si tratta del quarto e ultimo show ambientato in Italia. 

Le uscite si susseguono sul bagnasciuga, tra camicie bowling, definite dallo stesso Owens, “i blazer di questa generazione”, e pantaloni a zampa, spalle scultoree, completi bianchi e canotte, oltre a una capsule di jeans prodotti con un tessuto speciale giapponese, fino ai giubbotti con le piume ricamate da Maison Février.

Abiti che rappresentano un ricordo ricorrente, abbinati agli stivaloni che crescono in altezza. La nebbia è ricreata grazie a piccole macchine poste su di essi, e avvolge la collezione, come a voler simbolizzare un desiderio di purificazione e lenta rinascita.

Paris Fashion Week: il white noise di GmbH

Serhat Isik e Benjamin Huseby, talentosissimi designer di GmbH immaginano un dialogo culturale contemporaneo che si traduce in smanicati in knitwear che si sviluppano con dinamiche coulisse, camicie in popeline e in denim legate sopra alla vita, un approccio di genere sovversivo che smuove un dialogo tra masse ed etnie. 

Il titolo White Noise, fa riferimento al libro di Don DeLillo e al rumore bianco che viene usato per rilassare e aiutare a dormire, che va forse letto in riferimento alla frequenza che emettono questi look, alla loro leggerezza soprattutto nei capi finali, con una serie di pellicce in colori pastello, un soffice piumaggio sopra i jeans lacerati nel quale adagiarsi lasciando le spalle scoperte.

I jogger felpati vengono portati con una camicia lilla allacciata sopra l’ombelico e una catena a ciondoli (i frequenti gioielli sono il frutto di una collaborazione con Nhat-Vu Dang) che solca il corpo come una danzatrice del ventre. Le culture si mescolano, una T-shirt è realizzata in collaborazione con il fashion label queer palestinese Trashy Clothing.

Lo show, girato a Berlino, rivela la seconda parte della collezione di demi-couture presentata nell’aprile scorso. La collezione, e il pensiero riportano anche al libro, che vi consiglio, di Bauman “Società Liquida” che dice: “La vacuità del luogo è negli occhi di chi la guarda è nelle gambe o nelle ruote di chi procede. Vuoti sono i luoghi in cui non ci si addentra”.

L'articolo Come è andata la Paris Fashion Week uomo? proviene da Toh! Magazine.

Motorhome è un nuovo spazio con cui sperimentare ed essere se stessi, è libertà e risorsa.

Ora che l’estate è arrivata, la voglia di viaggiare si fa più forte in ognuno di noi. Questa storia vuole essere un inno alla libertà, all’ironia con noi stessi e perché no anche a un pizzico di seduzioni in uno spazio delimitato ed intimo.

Le immagini evocano spensieratezza e la voglia di andare e respirare noi stessi liberamente a pieni polmoni.

Fotografa e Stylist Rachel Sorgon
Modello Filippo Camillo

Ora che l’estate è arrivata, la voglia di viaggiare si fa più forte in ognuno di noi. Questa storia vuole essere un inno alla libertà, all’ironia con noi stessi e perché no anche a un pizzico di seduzioni in uno spazio delimitato ed intimo.

toh magazine shooting motorhome pride month camper foto cane toh magazine motorhome Ora che l’estate è arrivata, la voglia di viaggiare si fa più forte in ognuno di noi. Questa storia vuole essere un inno alla libertà, all’ironia con noi stessi e perché no anche a un pizzico di seduzioni in uno spazio delimitato ed intimo.

L'articolo MOTORHOME By Rachel Sorgon. proviene da Toh! Magazine.

Jean Paul Gaultier, l’amato enfant terible della moda, nel corso della sua carriera ha fatto sollevare molte sopracciglia, poiché ha sempre avuto l’obiettivo di sbalordire la borghesia, riuscendoci capovolgendo lo status quo con nozioni sovversive come gonne da uomo, reggiseni a cono e cyborg chic.

Dal ritiro di Gaultier lo scorso anno, il marchio è stato per lo più silenzioso. 

Poi il 22 maggio sull’Instagram del brand è arrivato un post che diceva – “The end” – e così siamo tutti impazziti anche perchè non c’era nessuna spiegazione in vista, e l’isteria montava nella sezione dei commenti, ma c’erano suggerimenti che facevano pensare che non tutto era perduto.

Ai follower sono state date briciole di informazioni nei giorni successivi, incluso l’hashtag: #FutureIsCollective.

Il futuro di Jean Paul Gaultier (brand) sarà costruito sulle solide fondamenta del suo patrimonio, afferma il nuovo capo, Florence Tétier . Grafico 38enne e cofondatore della rivista semestrale Novembre. 

Tétier si occupa anche di gioielli, da poco ha creato un brand che porta il suo nome.

Trovo sia necessario sapere del progetto di gioielleria di Tétier, perché porta un po ‘di quella spontaneità nel suo lavoro a Gaultier, dove riciclerà concetti e firme d’archivio e non oggetti trovati per caso ai mercatini.

In Gaultier, Tétier applicherà le sue capacità per raggiungere l’obiettivo principale: Mantenere viva l’eredità di Jean Paul. Proprio come il fondatore della maison ha riscritto le regole della moda, il suo successore intende adottare un approccio anticonformista al sistema, che sarà indipendente dai programmi e dalle stagioni della moda.

Qualche giorno fa Tétier ha svelato il primo drop del marchio, programmato in coincidenza con l’arrivo del Pride Month. 

Il primo “summer drop” in più parti offre una visione caleidoscopica del patrimonio della casa. Segna anche il rilancio della collezione prêt-à-porter del marchio, creando un momento unico e completo. 

Quando Gaultier ha presentato la sua ultima sfilata di prêt-à-porter per la primavera 2015 la stampa unanime disse “è la fine di un’era”. 

Questo commento ha ispirato il ritorno della linea prêt-à-porter. Perchè diciamolo Gaultier è eterno, tutti vogliono gaultier da sempre e sempre lo vorranno.. che sia la maglietta a righe o il profumo. 

La collezione è ispirata agli archivi e progettata sotto la direzione di Tétier dal team dell’atelier, molti dei quali hanno lavorato per Gaultier per anni.

Il brand rimane legato alle tradizioni e agli orari dell’alta moda, ma con una svolta. Al momento del suo ritiro, Gaultier, che rimane un ambasciatore del marchio, ha annunciato che avrebbe consegnato l’eredità del suo marchio a un designer diverso ogni stagione. Chitose Abe di Sacai è la prima designer ospite che si è assunta l’incarico e la sua collezione, ritardata a causa del COVID, ma che dovrebbe debuttare in passerella a Luglio 2021.

Allo stesso modo, Tétier ha scelto di lavorare con un team di creativi a rotazione per ogni drop tenendo fissa l’idea di mostrare come si possa essere fedeli allo stile di Jean Paul Gaultier, ma anche di come si possa tradurre con persone che sono molto diverse da lui.

Per iniziare Télier si è concentrato sulla camicia marinara a righe che è la firma del lavoro di Gaultier.

I sei designer (che rappresentano cinque marchi) che hanno contribuito al tema nautico sono Ottolinger Christa Bösch e Cosima Gadient; Alejandro Gómez Palomo di Palomo Spain ; Nix Lecourt Mansion , stilista transgender parigina che ha vestito tra gli altri Lady Gaga; Marvin M’Toumo , vincitore del premio Chloé a Hyères; e il gioielliere Alan Cocetti, che adoriamo.

Oltre alle collaborazioni prêt-à-porter e in edizione limitata, Gaultier ha proposto sei pezzi unici creati dall’atelier; e c’è anche una selezione di vintage a tema marinaio. 

A Tétier non interessano le gerarchie, per questo tutti i pezzi saranno mescolati insieme per ricreare questo universo molto Gaultier, dove tutti sono allo stesso livello motivo per cui il drop, che mentre scrivo è già soldout è stato messo in vendita da 150 euro a 750 euro, mentre i pezzi unici a 1.500

Insomma, pensavamo fosse la fine e invece, fortunatamente, non è così. A quanto pare, Jean Paul Gaultier è solo all’inizio.

TUTTE LE FOTO SONO DI @nicolascoulomb

L'articolo TUTTI (RI)VOGLIONO GAULTIER proviene da Toh! Magazine.

Le sue collezioni sono a metà strada tra sperimentazione di tecnologie digitali e tecniche tradizionali, come tagli laser, lavorazioni 3D e l’utilizzo di materiali come pelle e denim, manipolati con stampe di modelli virtuali.

Fortemente colpito dal suo immaginario a tratti nostalgico ma comunque avanguardista, ho deciso di intervistarlo, per farmi e farvi raccontare e conoscere meglio il suo mondo.

Ciao Andrea, cosa ti ha spinto a creare un brand?

Ciao, in realtà non ho mai creato “legalmente” il mio brand, diciamo che qualcosa è avvenuto naturalmente dopo la mia collezione di laurea al Polimoda nel 2019, pian piano le persone hanno iniziato ad interessarsi e da lì è nata la seconda collezione.

Hai definito il tuo stile “digital couture” me lo spieghi?

Certo, deriva dal mio background da graphic designer, il mio metodo di lavoro unisce una parte di progettazione fisica a manichino e sul modello per poi esportare il capo in 3D in digitale ed andare a riprogettare le forme, la superficie o le stampe. Digital couture mixa queste due cose.

A chi si rivolge Andrea Grossi, chi è il tuo pubblico?

A chiunque abbia voglia di mettersi in gioco ed entrare in questo “mondo” in cui cerco di unire passato presente e futuro. Le mie creazioni sono rivolte a chiunque abbia emozioni legate a tradizioni e passati comuni però sia affascinato dal futuro e creda in un domani migliore.

Nelle tue collezioni le proporzioni dei tuoi abiti sembrano voler sfidare le convenzioni della tradizionale sartoria maschile e gli stereotipi del maschio alpha. Qual è il tuo punto di vista?

Mi piacerebbe abbattere un pò il concetto di maschio alpha, di machismo però rimanendo sempre in un mondo di uomo che sta bene con se stesso. Amo l’idea di giocare con gli stereotipi della mascolinità creando un nuovo modello di bellezza. Io sogno un uomo che può avere scarpe con i tacchi e capi aderenti, e al tempo stesso si senta uomo al 100%.

Tutte le tue creazioni sono strettamente connesse a questioni attuali, come la crisi ambientale e sociale. Come mai?

Sarebbe difficile il contrario. Io come persona faccio parte di un mondo e provo a fare la mia parte perché questo mondo sia migliore, credo sia quello che ognuno di noi fa nella propria vita, semplicemente io provo a farlo attraverso la moda, che non è altro che un riflesso della società, attraverso i miei occhi.

Quanto conta per te il Made in Italy, la sartorialità e l’aspetto artigianale di un prodotto? 

Il Made in Italy è la base del mio progetto, è ciò che voglio proteggere e innovare, cercando di creare una definizione di Made in Italy più moderna e attuale che possa applicare questo grande know how a soluzioni innovative e sostenibili.

Chi ti piacerebbe indossasse i capi Andrea Grossi?

In realtà il mio obbiettivo principale sono io stesso. Nel percorso da studente e designer mi sto impegnando per rendere i capi portabili per ogni occasione d’uso e rispecchiano davvero la mia personalità, per cui il principale target, per cui spesso mi domando se sono capi giusti, sono io.

Come vedi il tuo brand tra 5 anni?

Bella domanda, io spero resti qualcosa di reale, sincero e spensierato. Spero sia sempre un bel mezzo di espressione per me, mi spaventa un pò la parte economica che arriverà, però sono pronto ad affrontare tutti gli step per trasformare Andrea Grossi in un prodotto accessibile a tutti.

Dove è possibile acquistare i tuoi capi?

Al momento non sono disponibili, diciamo che sto lavorando sulla Season 3 nell’ottica di offrire dei prodotti reali a tutte le persone che si sono interessate al progetto.

L'articolo Andrea Grossi e la sua digital couture proviene da Toh! Magazine.

L'articolo Cheer up Milano #TBT proviene da Toh! Magazine.

È evidente che Alessandro Michele sta cambiando completamente le regole della moda: prima con la stagionalità, poi con le fashion week, il concetto di genere e ora con #GucciAria prova a distruggere il significato di collaborazione per come viene solitamente inteso nella moda. Riuscendoci!

Un look alla volta la collezione Gucci non si riduce ad uno show di stili ibridi, bensì si arricchisce e diventa sempre più desiderabile.

In 94 look Gucci omaggia, si autocelebra e al tempo stesso si reinventa e festeggia 100 anni.

Un secolo di moda anche se c’è da dire che Gucci è si un brand centenario, ma ciò nonostante ha avuto pochi direttori creativi in paragone ad altri marchi. 

A ben pensarci la moda di Gucci nasce con Tom Ford negli anni Novanta il quale gli attribuisce cucendogli addosso tutto l’immaginario della sensualità e del sexy, dal fetish all’annullamento di genere delle categorie delle pratiche sessuali. 

Gucci ha il potere di essere un culto, e Tom Ford è stato forse il primo ad accorgersi di questa grandissima potenzialità, per questo motivo Alessandro Michele ha infatti riportato in passerella una miriade di classici direttamente dall’epoca Gucci di Tom Ford per continuare a portare avanti la sua riflessione sulla sessualità.

Così Michele trasforma il pettinato stile equestre attraverso l’inserto di motivi fetish applicati sul corpo come fossero imbracature o choker passando per i power puff, le maniche di piume.

Pizzo lingerie e jeans con logo a vita bassa allacciati con una cintura che torna ancora una volta ad essere desiderabile indossata con décolleté anch’esse logate.

Come non citare l’abito di velluto rosso che ha ricordato quello che Gwyneth Paltrow indossò agli MTV Music Awards del 1996, che se potessi permettermelo sarebbe già mio.

Come a voler mettere in scena una rinascita della maison attraverso le tantissime cose che Gucci contiene, si ha l’impressione di sfogliare un album fotografico di famiglia Gucci fatto di elementi, contaminazioni, messaggi e codici segreti.

Dopo Tom è stato il momento di Frida che Michele ricorda con Flora, la stampa del periodo Giannini, fino ad arrivare all’incestuosa collaborazione con Balenciaga (Incestuosa perchè sono entrambi “figli” di Kering) segnando dunque una rinascita, una rivincita, una ricollocazione e una rivolta nella moda.

Michele fa quindi sua l’estetica di Demna Gvasalia, per una serie di look e accessori che fondono le silhouette di Balenciaga con i classici tessuti di Gucci.

Sono già cult la borsa Jackie di Gucci e la borsa Hourglass di Balenciaga ricoperte da una versione co-branded dell’All-Over Logo Pattern di Balenciaga.

Lo stesso pattern è replicato anche su vari abiti, tra cui un tailleur interamente ricoperto di paillettes.

L’influenza di Demna, però, si è estesa anche ad altri look e silhouette dal taglio boxy della collezione ma anche ad accessori come gli occhiali da sole e collane.

Presente in altri look la scritta “Savoy”, che insieme all’incursione Balenciagucci è forse la vera protagonista della collezione.

La sua origine richiama il Savoy Hotel, un albergo di lusso amatissimo a Londra dall’Ottocento in poi, frequentato fra gli altri da Oscar Wilde, Frank Sinatra, Marilyn Monroe, i Beatles e Winston Churchill. 

Fu proprio al Savoy che Guccio Gucci lavorò durante il suo periodo londinese, scoprendo il mondo della valigeria dei ricchi e, infine, sviluppando l’idea di tornare a Firenze per aprire una bottega di valige che sarebbe poi diventata il Gucci che conosciamo.

Negli anni ’20, l’hotel ispirò il nome della Savoy Ballroom a New York, un locale iconico che venne definito «il cuore pulsante di Harlem» e fu uno dei punti di riferimento per l’evoluzione della cultura swing e jazz in America.

Sebbene ci fossero molti accessori, comprese borse stampate con i testi delle canzoni di Gucci, anelli al naso con logo, catene per il corpo e persino gioielli raffinati, lo stile massimalista di Michele si è fatto da parte a favore di un aspetto più ordinato.

Alla fine del film-sfilata, le modelle irrompono in un paradiso all’aperto, un giardino dell’Eden post-COVID-19, spruzzando profumo, mettendo il rossetto e abbracciando vecchi amici inneggiando alla libertà e al ritorno di una vita normale perchè come lo stesso Michele ha dichiarato:”Questo show è un inno alla vita”.

L'articolo Gucci Aria è il best of di Alessandro Michele proviene da Toh! Magazine.

Insieme ad Hanan, mente tagliente e creativa di @Ideservecouture abbiamo cercato di capire meglio cosa sta succedendo al sistema moda, e nel nostro piccolo lo facciamo per comprenderlo non per distruggerlo.

“Tutto torna di moda” è probabilmente è la frase migliore per spiegare come il nepotismo sia diventato più forte stagione dopo stagione. Le passerelle sono piene di figli di celebrità famose che percepiscono la moda come una “introduzione” al mondo della fama, un hobby o l’ultima risorsa. 

I brand fanno affidamento sulla loro presenza sui social media e sul seguito dei loro fan. Questo pone la domanda: siamo in un mondo che è prevenuto nei confronti dei social media e del nepotismo? È questo che determina le regole dell’industria della moda?

La formula del successo del settore sembra richiedere un cognome famoso supportato da un numero consistente di follower, il che rende i criteri piuttosto bassi. Anche se un cognome famoso di solito assicura il lavoro, i follower sono un ulteriore vantaggio.

Jenner, Hadid e Moss sono pochi nomi nel mare del nepotismo. Fin da subito a queste bellissime ragazze sono stati risparmiati numerosi rifiuti e delusioni, pur riuscendo ad assicurarsi un posto al vertice.

Lila Moss, figlia diciottenne dell’icona della moda Kate Moss, ha debuttato in passerella aprendo e chiudendo la collezione primavera 2021 di Miu Miu. L’amicizia di Kate con Kim Jones, il nuovo direttore creativo di Fendi, è ben nota in tutto il mondo della moda e ha dato a Lila la rara opportunità di calcare la passerella couture di Fendi con sua madre. Le opportunità continuavano ad arrivare poiché Lila è stata recentemente protagonista della campagna di Marc Jacobs per “Perfect”.

Kaia Gerber, la figlia di Cindy Crawford, ha debuttato in passerella nel 2017 per la collezione Calvin Klein di Raf Simon. Da allora, le è stata data l’opportunità di sfilare per varie maison tra cui Saint Laurent, Givenchy, Bottega Veneta.

L’ultimo numero della rivista Elle aveva come protagonista la ventiquattrenne Hailey Bieber, figlia di Stephen Baldwin e moglie di Justin Bieber, che attualmente è la ragazza “IT” dei media. Lo stesso numero di Elle Magazine si riferisce a lei come a una “top model”, tuttavia la carriera di modella di Hailey è più focalizzata sui servizi fotografici e meno sulle passerelle.

Negli anni ’90 il titolo di “top model” dovevi sudarlo duramente. Grazie al loro duro lavoro e alla loro esperienza, le leggendarie top model hanno raggiunto il successo senza che nulla fosse loro consegnato. Ad esempio, Linda Evangelista ha avuto 12 estenuanti cambi di guardaroba durante uno show di Chanel, Naomi Campbell non ha rifiutato un’opportunità e Christy Turlington ha iniziato a lavorare per i modelli Ford guadagnando solo $ 60 l’ora.

È molto chiaro che stretti legami e relazioni sono profondamente radicati nell’industria della moda, tuttavia, questo privilegio è ben rappresentato anche nel competitivo mondo del design.

In un recente articolo per WWD, il nuovo e imminente designer Charles De Vilmorin, parla di diventare il direttore creativo di Rochas. Con solo 2 collezioni al suo attivo, una laureata e una couture, De Vilmorin è entrato facilmente in un lavoro che molti possono solo sognare. L’articolo afferma:

“Rochas è un marchio che occupa un posto speciale nel mio cuore, sia per i profondi legami familiari personali che per l’eredità dell’etichetta, che trovo così ricca e stimolante”. Oltre a diventare direttore creativo di Rochas, De Vilmorin è attualmente nominato per il prestigioso Premio LVMH. Vincere questo premio gli darebbe altri 300.000 euro per sviluppare il suo marchio.

Gli esempi sopra citati ci ricordano la frase: “Non è sempre quello che sai, ma chi conosci”.

Questo non è un attacco a nessuno degli individui menzionati poiché non sono loro il problema, lo è il sistema. La traiettoria della moda che si basa sulla “spinta” impenitente di uno di loro è il difetto del sistema. Anche i media che lodano costantemente e riportano solo pochi nomi dovrebbero assumersi la responsabilità. Ad esempio, innumerevoli articoli sul guardaroba di Kendall Jenner sono facilmente accessibili, tuttavia, gli articoli sui modelli di colore sono a malapena rappresentati nei media mainstream.

Durante la collezione autunnale di Mugler, Dominique Jackson, attrice e modella transgender, ha rubato la scena a tutti con la sua camminata ispirata a quella di Naomi Campbell negli anni ’90. Poche pubblicazioni hanno coperto la storia, tuttavia, i media mainstream hanno scelto di concentrarsi invece su Bella Hadid e Irina Shayk. I social media hanno elogiato Dominique e Hunter Schafer, modella e attivista LGBTQA +, per la loro partecipazione allo spettacolo, mentre sembrava che l’attenzione del mainstream non riconoscesse i loro sforzi.

In un’intervista alla Oxford Union Society nel 2015, l’onnipresente Anna Wintour ha commentato il progresso della moda e il suo futuro. Wintour ha dichiarato: “La moda è molto più democratica e aperta a tutti, non è una porta chiusa e tu sei fuori dalle corde dove nessuno ti lascerà entrare. Adesso tutti sono invitati alla festa”.

Sì, siamo invitati alla festa, ma non necessariamente nella lista degli invitati. I devoti della moda sono ancora fuori dal club congelati mentre sperano che il buttafuori li scelga dopo.

La moda ha una facciata inclusiva, ma dietro la facciata c’è una casa fondata su motivi traballanti di razzismo, nepotismo e discriminazione. Lentamente, i muri tremano per le parole e il rumore della nuova guardia della moda che non tollera la mentalità della moda attuale. Abbracciamo tutto ciò che la moda ha cercato di nascondere per anni come la diversità, l’inclusività e la positività del corpo.

La nuova guardia della moda è disposta a ritenere le persone responsabili e denunciare l’ingiustizia tramite i social media, la criptonite dell’industria della moda.

Perché se ne parla così tanto? L’attuale stato della moda sta compromettendo la possibilità del proprio sogno. Il mondo è pieno di designer emergenti che vogliono “fare le cose in grande”. Un sistema che è difettoso e ingiusto, purtroppo incolpa questi visionari sconosciuti per il fallimento, facendoli incolpare.

Vedere continuamente i volti riconoscibili negli articoli di moda e nella copertura dei media dimostra che il nepotismo è evidentemente presente nel mondo della moda.

Il futuro della moda è per tutti. Tutti sono invitati e le porte sono spalancate. Nessuno sta aspettando in fila, basta entrare e sentirsi a casa.

TO BE CONTINUED…

^{_{nepotismo moda}}

L'articolo Il nepotismo è il male della moda? proviene da Toh! Magazine.

La digital cover di Marzo vuole esplorare il concetto di spostamento e nomadismo, attraverso un camper che muove i confini applicati alle nostre case e vestiti, i confini delle strutture sociali in cui siamo immersi.

L’idea di superare il simbolismo dei vestiti, sradicando i preconcetti e i pregiudizi delle apparenze confondendo il femminile al maschile offrendo un opportunità di libertà di genere e sessualità: il pizzo mescolato allo sportswear o il gilet con cinture di sicurezza. 

Stravolgere e ricontestualizzare, mixando giocosamente i riferimenti per creare un personaggio difficile da incasellare perché lontano dagli stereotipi.

Nulla è preciso in modo tale che non sia etichettato, perché non necessita in alcun modo di giudizio. Allontanarsi dalla normalità per liberarci dal pregiudizio che spesso si costruisce attorno alle persone.

Fotografo: Giuseppe Vaccaro
Stylist: Alex Vaccani

Trench e cintura plissè MAISON LAPONTE, t-shirt VANADIO23, costume ACNE STUDIOS, calze BIKKEMBERGS, sandali KARL LAGERFELD

Camicia MRZ, bermuda ALEXANDRA MOURA, calze BIKKEMBERGS

Grooming: Gianluca Casu
Modello: Levi S. Nagy @ D’MEN
Stylist assistant: Alessandro Marzo

^{_{toh fashion cover story marzo toh fashion cover story marzo toh fashion cover story marzo toh fashion cover story marzo toh fashion cover story marzo}}

L'articolo Constant Traveller – Toh Fashion cover story proviene da Toh! Magazine.