Ogni estate, questo ex sito industriale si trasforma in uno degli appuntamenti più distintivi della nightlife queer globale: tre giorni in cui musica, performance e comunità ridefiniscono lo spazio, creando una dimensione collettiva unica.

WHOLE non è semplicemente un festival: è un ecosistema temporaneo dove dancefloor, corpi e relazioni diventano strumenti di espressione e libertà.

Enter The Whole: il tema 2026

Il concept scelto per il 2026 è “Enter The Whole”, un invito a entrare pienamente nello spazio del festival.

Meno spettacolo, più presenza.
Meno fuga, più connessione.

WHOLE viene immaginato come un portale: un passaggio intenzionale dal mondo esterno a uno spazio condiviso costruito su cura, partecipazione e libertà queer. In un contesto globale segnato da frammentazione sociale, il festival rimette al centro la collettività, dove:

• i corpi occupano spazio senza ridursi
• l’appartenenza non chiede permesso
• la gioia diventa un’esperienza condivisa

Dal punto di vista visivo, il tema evolve l’estetica iconica del festival: collage iperpop, surrealismo post-internet, futurismo Y2K e immaginari queer che intrecciano passato e futuro.

Line-up WHOLE Festival 2026: artisti e palchi

L’edizione 2026 presenta una line-up globale distribuita su sei stage: Arena, Beach, Crane, Forest, Ambient e Performance (quest’ultimo ancora da annunciare).

Arena (main stage)

Tra i nomi più attesi:
Miss Kittin, Freddy K, Juliana Huxtable, D.Dan, Hyperaktivist, Nazira, Quelza, Bashkka, Valentina Spirito e molti altri.

Forest

Una selezione potente tra techno e bass:
SHERELLE, HAAi, Parfait, Schacke, Tati Magik, Sara Dziri, Lola Edo.

Beach

Vibrazioni house e disco con artisti come:
Octo Octa, Tama Sumo, Gerd Janson, Massimiliano Pagliara, Gabrielle Kwarteng, Lakuti.

Crane

Suoni globali e sperimentali con:
Ms Nina, Authentically Plastic, Isa GT, Mina Galán, Nsasi, Pvssy Divx.

Ambient

Un viaggio immersivo tra elettronica e sound art con progetti come:
The Soft Archive, AV Freya, Erika, Majdolen, coloray.

I collettivi: il cuore pulsante della scena queer

Se gli artisti definiscono il suono, i collettivi costruiscono lo spirito del festival.

WHOLE 2026 riunisce crew provenienti da tutto il mondo, tra cui:

• Herrensauna
• Gegen
• Cocktail d’Amore
• Pornceptual
• MARICAS

Una rete viva che connette dancefloor da Berlino a Bogotá, da Kampala a Tbilisi.

Oltre la musica: talk, workshop e Cruising Village

WHOLE non è mai stato soltanto clubbing o programmazione musicale, ma un ecosistema culturale che si espande oltre il dancefloor e che ogni anno apre spazi di confronto, apprendimento e relazione.

Accanto ai set e alle performance, il festival costruisce infatti un programma di talk e workshop dedicati ai temi dell’intimità, della cura queer, dell’organizzazione collettiva e delle diverse forme di relazione tra corpi e comunità. Sono momenti in cui la dimensione teorica e quella esperienziale si intrecciano, dando vita a un dialogo continuo tra pensiero e pratica.

All’interno di questa cornice si inserisce anche il Cruising Village, che nel 2026 si amplia ulteriormente diventando una costellazione di ambienti differenti, pensati per accogliere modalità diverse di incontro e di esplorazione.

Accanto a spazi dedicati a esperienze pansessuali e a zone FLINTA*, il villaggio introduce nuovi formati di partecipazione, i cosiddetti “hosted slots”, curati direttamente da collettivi e comunità invitate, che propongono rituali, pratiche di connessione e attivazioni condivise.

In questo intreccio di pratiche, WHOLE continua a esplorare la cultura del cruising non solo come immaginario, ma come linguaggio sociale e relazionale, aprendo anche a esperienze sober-curious e a nuove modalità di presenza consapevole.

Community e accessibilità al WHOLE

WHOLE continua a investire in accessibilità e inclusione.

Il programma prevede:

• Community Tickets (già sold out), con il 50% riservato a persone FLINTA*
• Solidarity Program, che offre accesso gratuito a persone marginalizzate
• priorità a rifugiati, persone Black e POC, persone trans e gender-expansive, persone con disabilità

Inoltre, l’Open Call per volontari rimane centrale per costruire lo spirito collettivo del festival.

Un’esperienza che va oltre il festival

WHOLE Festival 2026 si conferma come uno degli eventi più rilevanti della cultura queer contemporanea: non solo una line-up di livello globale, ma un’esperienza immersiva che ridefinisce il concetto stesso di comunità.

Enter The Whole non è solo un tema, ma un invito:
entrare davvero, esserci pienamente, costruire insieme.

L'articolo WHOLE Festival 2026: il dancefloor come spazio politico e collettivo proviene da Toh! Magazine.

Non l’evidenza, ma ciò che vibra sotto la superficie: uno sguardo che trattiene, un gesto che esita, un corpo che non osa esporsi del tutto. Per Pedro Bon ogni volto è un autoritratto inconscio, un frammento della sua interiorità trasferito su un’altra pelle.

In un tempo che espone tutto, Pedro Bon sceglie ciò che resta taciuto.

I ritratti di Pedro Bon— sospesi tra compiuto e incompiuto — parlano una lingua che precede le parole.

I tuoi titoli — Los Irrompibles, Te Olvidaste, Cosmos, Hurt — sembrano evocare narrazioni intime. Il titolo nasce prima o dopo l’immagine?

Sempre dopo. Il titolo è una conseguenza, mai un punto di partenza. Arriva quando il dipinto ha già trovato la sua voce. È il tentativo di nominare una sensazione appena emersa.

Spesso mi affido alla musica: prendo in prestito titoli da canzoni che, per atmosfera o intensità, risuonano con l’opera. Non potrei fare il contrario.

È l’immagine che impone il titolo, non viceversa.

Il ritratto, per te, è indagine psicologica o dialogo con lo spettatore?

Nasce da un’urgenza personale. Dipingo emozioni che prendono forma in uno sguardo, in un gesto minimo, nella vibrazione della pelle.

Il dialogo con chi osserva mi interessa molto: a volte emergono letture che non avevo previsto. Ma l’origine resta intima. Il mio umore, il momento che sto vivendo, determinano l’opera. In fondo, sono tutti autoritratti inconsci: modi diversi di parlare di me attraverso qualcun altro.

Cosa significa, per te, catturare l’invisibile?

È l’unica cosa che conta. Limitarmi ai tratti fisici renderebbe il dipinto vuoto.

L’invisibile è ciò che si percepisce ma non si vede: desiderio, malinconia, una tristezza sommersa. Sono tensioni sottili, ma sono quelle che danno peso all’immagine.

Quanto del tuo mondo interiore entra nei tuoi lavori?

Tutto. Anche se non lo sapevo all’inizio.

Sono stati gli altri a farmelo notare: nei volti che dipingo c’è sempre qualcosa di me.

Non credo di poter rappresentare un’emozione che non abbia vissuto.

La pittura è diventata il mio linguaggio, il luogo in cui riesco a dire ciò che a parole non riesco a formulare.

Il desiderio è ispirazione, confessione o timore?

È ispirazione, ma soprattutto confessione.

Mi interessa un desiderio trattenuto, un omoerotismo sottile che non si impone allo sguardo. Preferisco la tensione all’evidenza. Quello spazio ambiguo in cui lo spettatore completa ciò che io suggerisco.

Se potessi trasmettere un solo messaggio attraverso il desiderio, quale sarebbe?

Complicità.

Quel momento elettrico in cui due sguardi si incontrano e sanno, senza bisogno di parole, di condividere lo stesso pensiero.

Che colore ha, per te, l’intimità?

Il colore della pelle. Ma non come superficie uniforme: come territorio complesso.

Verdi, blu, rossori improvvisi. Zone in cui sembra di sentire il sangue pulsare. L’intimità è fatta di sfumature, non di tonalità piatte.

Qual è la parte più autentica di un tuo ritratto?

Forse ciò che resta incompiuto.

Fatico a capire quando fermarmi. La mia impazienza lascia sempre zone irrisolte. Paradossalmente, sono proprio quelle a parlare di più di me.

Nei tuoi lavori il corpo interrompe il silenzio visivo. Che rapporto hai con il tuo?

Accettarmi è stato un processo lento.

Forse per questo dipingo corpi idealizzati: costruisco sulla tela una fisicità che non ho mai avuto. È un gesto di proiezione, ma anche di desiderio.

Quando inizi un ritratto, cerchi la somiglianza o la verità?

Nelle commissioni cerco la somiglianza: è ciò che viene richiesto.

Nel lavoro personale, invece, la somiglianza è solo un punto di partenza. Mi interessa amplificare ciò che sento potente, accentuare una tensione, spostare l’equilibrio.

Non voglio una copia: voglio un peso emotivo.

La domanda che nessuno ti ha fatto?

“Cosa provi quando vendi un’opera sapendo che potresti non rivederla mai più?”

È una separazione silenziosa. E non è mai del tutto indolore.

Ti mette più a disagio essere guardato o essere capito?

Essere guardato.

Non essere capito non mi spaventa. Ma stare al centro dell’attenzione sì. Il mio corpo lo tradisce subito: l’espressione cambia, mi irrigidisco. La timidezza è ancora lì.

È più erotico trattenere che mostrare?

Sì.

L’erotismo vive nell’immaginazione. Nel non detto. Quando trattieni, crei uno spazio che l’altro deve colmare. E spesso gli spettatori vedono nei miei lavori un’intensità erotica che io stesso, mentre dipingo, non misuro fino in fondo.

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Nel suo studio caotico, dove le pile di disegni crescono come organismi affamati, Harry trasforma ogni impulso — spam, fantasie, ricordi, lussurie, silenzi — in una mitologia personale che oscilla tra il sacro e l’erotico, tra il talismanico e il tenero. Il lavoro di Harry non chiede permesso: accade, si muove, ti guarda.

In questa conversazione, Harry parla del desiderio come combustibile, della libertà ritrovata oltre la moda, delle onde creative da cavalcare fino allo sfinimento, e di quella strana magia che nasce quando ascolti il tuo “clic” interiore. Una pratica che è insieme confessione, esorcismo e gioco sensoriale — e che continua a ridefinire, pezzo dopo pezzo, il modo in cui la bellezza può essere raccontata.

Quando hai capito per la prima volta che l’arte sarebbe diventata una parte centrale della tua vita, e cosa stava accadendo in quel momento che te lo ha reso chiaro?
Faccio fatica a immaginare una vita senza creare; non riesco a concepire come potrei esistere senza fare qualcosa. È un prurito incessante. Penso di aver sempre saputo che sarebbe stata una cosa da cui non posso scappare: sembra un destino assegnato.

Studiando moda alla Central Saint Martins, quali aspetti di quell’esperienza hanno influenzato maggiormente la tua pratica artistica attuale?
La spinta a creare qualcosa dal nulla e a farlo accadere con qualsiasi mezzo necessario è un’energia del mio periodo a St. Martins che porterò sempre con me, nel lavoro e nella vita.

Molti artisti parlano dell’ordinario come fonte di ispirazione — nel tuo processo, quali elementi della vita quotidiana tendi a trasformare o reinterpretare?
I momenti silenziosi di mezzo, così gustosi e fugaci — quell’effetto Avedon del voler catturare il momento appena prima o appena dopo, il secondo che perdiamo o ignoriamo. Quelli li amo di più.

I miei disegni provano a democratizzare tutti i pensieri e le esperienze: scorrono come un fiume di pensieri che vorticano, punteggiati da email spam e ruminazioni intrusive che schiaffeggiano il mio cervello.

Tutto ciò che i miei occhi toccano diventa qualcosa di meraviglioso da brandire.

Il tuo lavoro incorpora tessuti, ricamo e collage — come scegli i materiali con cui lavori? In molte opere i tessuti assumono forme che evocano i genitali maschili: è una scelta istintiva o simbolica? Cosa rappresenta per te questa presenza ricorrente?
Molto di ciò che faccio è guidato dall’istinto, da una spinta intuitiva. Uso una sensazione, un umore, un momento per orientare le scelte. Colori, materiali e composizioni emergono mentre canalizzo quel sentire, in movimento finché non sono soddisfatto: deve essere giusto.

Hai descritto la tua pratica come un modo per “alchemizzare desideri interiori” in figure e fiori — puoi parlarci di un’opera specifica nata da un desiderio molto personale?
È un’ossessione armata. Alchemizzo il desiderio come carburante per la creazione: attrazione, voglia, necessità, amore, lussuria. Il miglior esempio di questo carburante consumato sono i miei ritratti di uomini con la seta.

C’è un ricordo della tua infanzia o adolescenza che continua a riaffiorare nel tuo lavoro, in modo conscio o inconscio?
Muri freddi contro la guancia mentre origliavo, respiri controllati e silenziosi, orecchie in fiamme.

Molte delle tue opere sono descritte come “rituali” o “talismani” — come vedi il rapporto tra arte e spiritualità nella tua vita?
Sono profondamente intrecciate. A volte i miei disegni sembrano incantesimi. Gran parte del processo implica connettermi a un’energia metafisica, sentire la vibrazione di un altro piano, canalizzare un’onda. Non so cosa sia, ma so che la sento: è come surfare o cantare, sprofondare o dissolversi, agganciarsi e brandire. È capire i confini del vuoto e dove mettere il passo successivo. Sono decisamente un po’ “woo woo”.

Dopo aver collaborato con nomi come Chanel, Dior, Vivienne Westwood e Balenciaga, com’è stato il passaggio dalla moda a un’espressione artistica più autonoma?
Beato! Sebbene la moda offra sfide e vincoli stimolanti, trovo la vera libertà nell’autonomia totale — forse sono una maniaca del controllo, autoindulgente?
Mi sento molto fortunato che il mio focus sia fare arte.

Qual è stato l’ostacolo più grande — interno o esterno — che hai incontrato nel dedicarti completamente all’arte, e come lo hai superato (o come lo stai ancora affrontando)?
Parlare del mio lavoro! È un’estrazione dolorosa. Qualche consiglio?

Come affronti i momenti in cui l’ispirazione sembra svanire? Hai rituali, pratiche o routine che ti aiutano a superare i blocchi creativi?
Non fare nulla! Indulgi nei capricci. Fai quello che vuoi quando vuoi: passa tre ore a fare piegamenti all’indietro allo specchio, crea un momento, evoca la sensazione, connettiti con la frequenza desiderata usando vestiti, oggetti, profumi, musica e tempo. Guarda, senti, vivi. Ascolta con il corpo fisico ed energetico in attesa del clic: lo chiamo e arriva sempre.

Guardando al futuro, ci sono temi, materiali o forme che non hai ancora esplorato ma verso cui senti un richiamo?
Sono curioso della pittura, ma non so se ho la pazienza. Sono viziato e ho bisogno di gratificazione immediata, che il disegno mi dà: sbattere il colore giù e passare oltre. La pittura richiede di più. Sto lavorando a pezzi grandi, alcuni scultorei: sono molto emozionata!

Se qualcuno entrasse nel tuo studio in un giorno qualunque e potesse osservare il tuo processo creativo in tempo reale, cosa vedrebbe? Com’è il tuo spazio fisico e mentale mentre lavori?
Il mio studio è un caos: pile e pile di disegni stanno conquistando tutto. Trovo soddisfacente vedere montagne di accumulo — ansiosa o avida?

Spianamento insaziabile: devo continuare a muovermi. Molto tempo è attesa dell’onda che arriva, per poi cavalcarla fino all’amaro finale, strizzandola finché non ne sono stufo, inseguendo sempre la novità.
Procrastinazione silenziosa e disegno febbrile in proporzioni flessibili.

L'articolo Harry Freegard: cucire, desiderare, ossessionarsi proviene da Toh! Magazine.

Le immagini di Carmelo Plumari sono come pagine di un diario che non smette di scriversi: frammenti di vita colti in un istante di libertà, momenti in cui l’esistenza si mostra senza difese, fragile e luminosa.

Nelle sue spiagge non esistono gerarchie. Tutti sono uguali, tutti appartengono a quella stessa marea di luce che accarezza e consuma. C’è una dolce malinconia in questi scatti, una consapevolezza gentile che ogni sorriso, ogni ombra, ogni riflesso d’acqua è destinato a svanire, ma anche a restare, come una traccia salata sulla pelle.

Lo sguardo di Carmelo Plumari è quello di chi osserva con tenerezza, con la calma di chi non cerca la perfezione ma la verità del momento. C’è cinema nella sua fotografia, ma un cinema silenzioso, fatto di attese e di intuizioni, di quella luce che decide cosa mostrare e cosa lasciare nascosto.

In fondo, come scriveva Michael Cunningham, «la bellezza non è che il ricordo di un istante in cui abbiamo amato la vita».
E Carmelo Plumari sembra ricordarcelo, ogni volta che la sua estate torna a cominciare.

Le tue spiagge sembrano luoghi fuori dal tempo, spazi in cui la memoria si confonde con la luce. Quando scatti, stai cercando di fermare un ricordo o di inventarne uno nuovo?

Mah, direi un po’ entrambe le cose. Sicuramente il fermare un istante è alla base del lavoro di ogni fotografo: bloccare qualcosa che non si ripeterà mai più, se ci pensi, è davvero incredibile. Allo stesso tempo, l’ossessione che mi spinge a fotografare sempre gli stessi soggetti, gli stessi momenti, nasce sicuramente dal ricordo, quel ricordo che forse abbiamo in molti, di momenti belli vissuti in riva al mare.

Nei tuoi corpi c’è sempre qualcosa di umano e imperfetto, mai idealizzato. Ti interessa più la loro fragilità o la loro capacità di appartenere, per un attimo, a qualcosa di collettivo?

Questo è un capitolo un po’ spinoso, ma per me tutti i corpi sono perfetti nella loro unicità — e non lo dico per essere politically correct. Mi piacciono i corpi veri, tutti, senza distinzioni. Quanto alla fragilità, ti direi che la trovo bellissima, perché è profondamente umana. Ma mi affascina quel momento in cui le persone, anche senza rendersene conto, diventano parte di qualcosa di più grande. Le mie foto spesso nascono come delle scene, dei tableaux vivants che catturano un’energia collettiva forte e unica.

Hai parlato della spiaggia come di un luogo dove le gerarchie si sciolgono. Ti affascina questa sospensione sociale, o è piuttosto la sua illusione a catturarti?

La spiaggia è forse l’unico luogo che riesce davvero a fare da livellatore sociale, e lo fa nel modo più efficace: tutti sono in costume, tutti nello stesso posto senza troppe barriere. No, non è un’illusione: in quel posto, in quel momento, siamo tutti lì, allo stesso livello.

C’è una malinconia dolce nei tuoi scatti, come se ogni corpo fosse già un ricordo. Ti capita mai di sentire che la fotografia, più che documentare, serve a salutare qualcosa?

Sì, un po’ sì, hai ragione. Ogni foto è come salutare qualcosa che dura giusto il tempo di finire. Ma non è una cosa triste, anzi. Nulla di bello può essere eterno — e se lo fosse, forse smetterei di andare in giro con il mio zainetto sotto il sole cocente.

È proprio il fatto che qualcosa sia irripetibile a darti quello slancio per andare, scattare, conservare, a volte “collezionare” quei momenti.

In fondo, la fotografia nasce con questo intento: tutti scattiamo per tenere traccia di qualcosa di bello che non tornerà più, ma che vogliamo ricordare.

Le tue immagini non mostrano solo corpi, ma il modo in cui la luce li tocca, li consuma, li restituisce. È la luce la vera protagonista del tuo lavoro?

La luce comanda sempre. Sono un po’ fissato dal movimento del sole… scatto solo in certi momenti della giornata, in determinate giornate… ho tutte le app del caso. Se il cielo è anche solo un po’ velato, non scatto, ad esempio. Mi piace il contrasto netto delle ombre, la luce diretta sulla pelle bagnata: di quello sono ossessionato.

Il sole deve illuminare tutto — non solo il soggetto, ma anche il contesto, la scena, l’atmosfera.

Seguo la luce: è lei che decide cosa mostrare e cosa lasciare nascosto.

Quanto della tua Sicilia resta nel tuo sguardo, nei colori, nei gesti, nei corpi? È un’eredità o un fantasma che continua a tornare?

La Sicilia non se ne va mai. Anche quando non la nomino, è lì — nei colori, nelle composizioni, nei soggetti, negli oggetti. È un bagaglio che porto sempre con me, a volte un po’ pesante, ma di cui non potrei fare a meno. Mi è capitato di scattare in tanti posti, in Italia e all’estero, ma la ragione che mi spingeva a sceglierli era sempre la stessa: ci trovavo qualcosa di familiare, qualcosa che, in un modo o nell’altro, sapeva di casa.

In spiaggia tutti diventano uguali, eppure ognuno resta irripetibile. Ti interessa questo paradosso, questa tensione tra anonimato e identità?

Assolutamente sì. Mi piace che in spiaggia sembriamo tutti uguali, anche se in realtà non lo siamo affatto. Quando mi muovo tra le persone, da lontano individuo qualcuno o qualcosa che cattura la mia attenzione con un gesto, un modo di fare, uno sguardo… Se fossimo davvero tutti uguali, non succederebbe: mi troverei in un impasse non da poco. Il mio, alla fine, lo considero quasi uno studio antropologico, una sorta di esperimento sociale in cui mi limito a osservare e scattare ciò che mi incuriosisce, ma sempre come parte di un contesto più ampio.

Le tue fotografie hanno spesso il ritmo di un film muto, come se raccontassero senza volerlo. Ti riconosci di più come fotografo o come narratore di attimi che non torneranno?

Tutti i fotografi sono dei narratori. Quando scatto, penso sempre che ogni attimo abbia una storia da raccontare, e quell’ossessione di raccontarla fa parte di me. Un video ti dà già tanto: il suono, il movimento, le parole, una storia confezionata, appunto. Con una foto, invece, puoi lasciare spazio, dare libertà a chi guarda di immaginare quella che vuole. Non mi piace svelare troppo.

Se dovessi dire cosa rappresenta davvero per te la spiaggia, non come luogo, ma come sentimento, quale parola useresti per descriverla?

Libertà.

Sei cresciuto tra la campagna siciliana e le immagini in bianco e nero del cinema italiano. Quanto di quel mondo — il ritmo lento, la polvere, il desiderio — sopravvive ancora nel tuo modo di guardare le persone?

Viene tutto da lì, da ogni singolo dettaglio. Le mie scelte nascono da ciò che ho visto, che ho vissuto: l’uso delle pellicole, le grane, i colori, la selezione dei soggetti, dei luoghi un po’ fermi nel tempo o addirittura senza tempo. Tutto nasce dalla mia infanzia, da quel bambino che pian piano osservava il mondo che lo circondava.

Dopo anni di lavoro nella pubblicità e nella moda, la tua fotografia sembra voler tornare a qualcosa di più semplice, quasi primordiale. È una forma di ritorno alle origini o un modo per riscoprire la verità dietro l’immagine costruita?

La fotografia di moda è costruita, pensata, studiata, e io adoro tutto quel processo: creare qualcosa da zero, raccontare una storia già immaginata. Ma vuoi mettere la soddisfazione di fermare un momento vero?

Due ragazzi che si guardano e si baciano di nascosto, una madre che abbraccia il figlio durante la sua prima estate al mare, la risata di due amici che si tuffano da uno scoglio o le espressioni di due signore che si lamentano sempre delle stesse cose. Quelle cose non le pianifichi: accadono una volta sola, e tu hai il privilegio di essere lì, in quel preciso istante!

L'articolo Carmelo Plumari: corpi, luce e libertà proviene da Toh! Magazine.

Antoine Ferreira-Mendes trasforma il ricamo in un linguaggio visivo intimo, nostalgico e al tempo stesso provocatorio. C’è un senso di attesa nei suoi personaggi, come se stessero aspettando qualcosa di irripetibile. E mentre il filo tesse corpi e storie, l’artista cuce anche un universo emotivo che sfugge alle categorie, dove il maschile e il femminile si confondono con grazia. Con il suo stile riconoscibile e fuori dal tempo, Antoine Ferreira-Mendes ci invita a rallentare, a osservare, a sentire.

Cosa ti ha portato a scegliere il ricamo come tecnica principale per rappresentare il corpo umano?

Andavo spesso ai mercatini delle pulci con il mio fidanzato, a Parigi, e lì ho trovato molte tele che mi hanno ispirato. L’idea di ricamare i miei personaggi — che già disegnavo a matita e pennarello — mi incuriosiva. Ho iniziato con un cagnolino che avevo già disegnato… e non ho più smesso. Mi sembra che, ricamandoli, prendano vita. Li “vesto” di filo, anche se, spesso, sono poco vestiti.

Cosa cerchi di trasmettere attraverso i tuoi uomini ricamati?

Infanzia ed età adulta. Li immagino come le mie bambole.

E affrontano in mutande, birichini, affiancati dai loro peluche, animali e insetti domestici, tutte le prove e le tribolazioni del mondo.

Ma senza mai rinunciare alla loro vulnerabilità.

Quali artisti o movimenti influenzano il tuo lavoro? Ci sono riferimenti che magari non sono immediatamente visibili nelle tue opere?

Ultimamente sono stato molto ispirato dal film Io sono l’amore di Luca Guadagnino. In particolare, alcune scene con Tilda Swinton: quando si annoia e ricama nella sua prigione dorata a Milano, e poi — più avanti nel film — quando piange il figlio sul suo lettino, con una grande collana di perle al collo e un peluche sotto il braccio. Ho realizzato un ricamo ispirato a quella scena, così straziante.

I colori che usi sono spesso insoliti o accesi. C’è un significato simbolico dietro questa scelta?

No, per niente. Sono semplicemente colori — o combinazioni di colori — che mi piacciono, che mi vengono in mente. Di solito, mentre sto lavorando a un ricamo, visualizzo già i colori del prossimo.

Il ricamo è un processo lungo e meticoloso. Quanto tempo impieghi in media per completare un’opera?

Dipende dalle dimensioni. Un formato mini può richiedere un giorno, mentre per uno più grande mi servono settimane. Ed è un processo che amo molto.

Gli uomini che ricami esistono o nascono dalla tua immaginazione?

Spesso mi fotografo per disegnare, quindi all’inizio sono un po’ io la “bambola”. Poi i volti prendono forma nella mia immaginazione.

A volte nei tuoi lavori compaiono figure femminili. Come si inseriscono nel tuo universo artistico?

Con molta delicatezza. A volte sento il bisogno che i miei personaggi siano più femminili, o meno maschili, o semplicemente… come vogliono essere.

I tuoi soggetti sembrano spesso sospesi in uno spazio indefinito. Sono alla ricerca di qualcosa?

Vivono tra realtà e sogno, infanzia ed età adulta, amore e attesa.

Mi piace immaginarli mentre aspettano un incontro, quell’ultimo momento di seduzione, sospesi tra una performance totale e un ozio disperato.

Con amici ne parliamo come di uno stato “disperatamente romantico”, che trovo super sexy.

L'articolo Antoine Ferreira-Mendes: A Filo Scoperto proviene da Toh! Magazine.

Florian Baudouin, un nome che non è ancora associato al grande pubblico, ci ha parlato di come lo yoga, il Pilates e la pratica costante abbiano trasformato la sua vita, sia fisicamente che interiormente.

Lungi dall’essere una celebrità dello sport, Florian ha puntato su una filosofia personale che mescola disciplina, creatività e un profondo rispetto per se stesso. Il suo percorso è fatto di perseveranza, impegno e soprattutto un desiderio di crescita. In questa intervista, non solo ci racconta della sua passione per le discipline che pratica e insegna, ma anche di come, attraverso queste pratiche, abbia imparato ad affrontare le sfide della vita quotidiana, dalla gestione dello stress alla ricerca della solitudine, indispensabile per ricaricare le energie.

Florian ci ha conquistati per la sua autenticità e il suo approccio sincero al movimento e al benessere.

Per accompagnare questa intervista, abbiamo deciso di scattare una fashion story durante la sua pratica, affidandoci all’occhio raffinato di Alexis Robardet, fotografo già noto ai lettori di TOH! per le sue straordinarie immagini focalizzate sul corpo maschile con un’eleganza senza tempo. Le sue fotografie catturano la fusione tra forza e grazia, rendendo omaggio alla disciplina e alla bellezza del movimento.

Con una profonda consapevolezza del corpo e una visione nuova di sé, Florian ci offre un’ispirazione per coloro che, come lui, scelgono di dedicarsi a qualcosa che va oltre l’apparenza: la ricerca del benessere autentico, dentro e fuori dal tappetino. Il suo approccio ci insegna che non è necessario essere dei professionisti per intraprendere un viaggio trasformativo, ma che la vera chiave del cambiamento è un impegno sincero verso il miglioramento continuo.

Lo yoga Ti ha reso più flessibile… Ma quanto lo sei nella vita di tutti i giorni?

Lo yoga mi ha sicuramente aiutato a diventare più flessibile fisicamente, permettendomi di ampliare la mia gamma di movimenti. Non sono sicuro, però, che questa maggiore elasticità del corpo si sia tradotta automaticamente in una maggiore flessibilità mentale… Magari fosse così immediato!

Detto questo, mi piace avere una routine che mi dia stabilità e organizzazione nel lavoro e nell’allenamento. Allo stesso tempo, devo essere flessibile nella mia vita quotidiana, dato che lavoro come freelance da cinque anni negli studi parigini. Questo significa dover gestire spesso cambiamenti improvvisi, soprattutto negli orari, e adattarmi continuamente agli studenti che seguo.

Quanto lo yoga ti ha aiutato a conoscere te stesso… e quante persone vorrebbero conoscerti meglio grazie allo yoga?

Lo yoga mi ha permesso soprattutto di connettermi più profondamente con il mio corpo. È una pratica fisica che richiede un alto livello di concentrazione e consapevolezza corporea, soprattutto quando sei uno studente che segue una sequenza di posizioni, si affida all’insegnante nei passaggi da una postura all’altra e attiva le giuste parti del corpo.

Prima, i miei allenamenti erano molto esplosivi e dinamici, con poca attenzione alla posizione del corpo nello spazio. Lo yoga mi ha aiutato a riportare il corpo al centro della mia pratica fisica, a prendermi il tempo per fermare la mente e semplicemente connettermi con il movimento e con il concetto di “qui e ora.”

Ed è proprio questo che cerco di trasmettere ai miei studenti durante le lezioni. Voglio essere di supporto, ma anche stimolarli.

Amo quando il corpo è impegnato intensamente, perché obbliga la mente a concentrarsi sul momento presente.

Mi piacciono molto anche le pratiche acrobatiche, e spero che questo possa ispirare sempre più persone.

C’è stato un momento in cui lo sport ti ha letteralmente “salvato” o cambiato prospettiva su qualcosa?

Lo sport mi ha salvato nel senso che mi ha permesso di incanalare la mia energia e focalizzare l’attenzione su una o più discipline. Ciò che amo dello sport è l’aspetto dell’apprendimento: acquisire una nuova abilità. Mi affascina il modo in cui il corpo, con ripetizione e pazienza, riesce a trattenere nel tempo ciò che impara.

Praticare sport significa anche scoprire l’umiltà e imparare la pazienza. Il movimento, di per sé, è una vera e propria forma di terapia. Bisogna muoversi, anche solo per una passeggiata, per liberare la mente e ritrovare chiarezza e direzione.

Il movimento fa parte della tua vita, ma ci sono giorni in cui vorresti solo restare fermo? Come affronti quei momenti?

Amo muovermi, amo insegnare diverse discipline e praticarle io stesso, ma ho anche un enorme bisogno di staccare, come se mi scollegassi dal mondo, per ricaricarmi, riposare e recuperare energie. E anche per dare spazio alla mia creatività.

Ho la fortuna di vivere da solo e, come diceva Virginia Woolf, di avere “una stanza tutta per sé.” Per me, questi momenti di solitudine sono essenziali, anzi vitali, e cerco di proteggerli a tutti i costi.

Il mio ritmo di lavoro, unito agli allenamenti personali che imposto per me stesso, a volte può sembrare frenetico, ma è sempre bilanciato da momenti di isolamento scelti con intenzione, che adoro. Amo la routine che mi permette di trovare un equilibrio tra il movimento intenso e la quiete totale, necessaria per ricaricarmi.

Lo sport ti aiuta a scoprire di più su te stesso. Cosa hai imparato di te che non ti aspettavi?

Ho imparato che so essere paziente, una qualità che nella vita di tutti i giorni non mi appartiene affatto anzi, direi il contrario.

Ma soprattutto ho scoperto di essere estremamente perseverante e determinato, specialmente grazie alla pratica delle verticali. Ho iniziato ad allenarmi sulle verticali nel 2021 e, da allora, mi registro regolarmente. Questo mi permette di avere un vero confronto tra il prima e il dopo, e devo dire che il cambiamento è sorprendente!

Le verticali sono una vera lezione di umiltà. È una disciplina dura e senza scorciatoie, che ti mette continuamente di fronte al fallimento, le cadute sono inevitabili, ma che ripaga con i progressi, grazie alla tecnica e alla costanza.

Lo yoga insegna l’equilibrio: in quale ambito sei meno “zen”?

Direi in amore… L’amore è complicato perché è un rapporto vertiginoso con un’altra persona. Ti dai completamente, investi nella relazione con qualcuno che non puoi mai davvero controllare o conoscere fino in fondo. Ed è proprio questo il suo fascino: il rischio, l’accettazione della vulnerabilità, ciò che rende l’amore meraviglioso, ma a volte anche scomodo o doloroso.

Amare significa scegliere di esporsi senza rete di sicurezza.

Trovare un equilibrio nell’amore è difficile, perché non dipende mai solo da te.

Oggi sei sulla copertina di TOH! magazine, come ti senti?

Sono davvero emozionato e onorato di essere qui oggi. Raramente ho l’occasione di condividere riflessioni così lunghe e profonde, quindi apprezzo moltissimo questa opportunità.

Grazie ancora per aver pensato a me, sono molto lusingato.

Se qualcuno volesse conquistarti, quale posizione di yoga dovrebbe padroneggiare alla perfezione?

Ahahah, direi una verticale, che di per sé screma già molti potenziali candidati. È una posizione così complessa che sembra semplice, ma in realtà richiede una disciplina incredibile e una perfetta consapevolezza di come posizionare il corpo nello spazio. Quando sei a testa in giù, devi ricostruire tutti i tuoi punti di riferimento abituali.

Questa padronanza del corpo mi affascina davvero! E credo di dover ammirare qualcuno per poterlo amare… È sano?

E quale errore… potrebbe farli cadere rovinosamente?

Non puntare le dita dei piedi mentre si bilancia se restiamo sulle verticali.

Oppure scoraggiarsi troppo in fretta, diventando pessimisti al primo segno di difficoltà.

Amo vedere passione e perseveranza nell’impegno, così come una sana determinazione nel volere riuscire.

Il tuo corpo è sia la tua carta d’identità che il tuo tempio. Ti senti più come uno scultore che lo modella o come un custode che lo protegge?

Non ho mai praticato sport per scolpire il mio corpo. Certo, vedere i risultati e i muscoli che si definiscono è soddisfacente e motivante. Ma sono più appassionato nell’insegnare al mio corpo una capacità che prima non aveva, quella è la parte che mi entusiasma.

Recentemente ho scoperto l’allenamento di forza in palestra, che ho iniziato principalmente per migliorare la mia pratica delle verticali, rafforzando spalle e braccia. Mi ha anche permesso di costruire forza nella parte inferiore del corpo, visto che sono un allenatore di ciclismo per una catena di studi parigini.

Oggi, vedere il mio corpo evolversi e plasmarlo è diventato una fonte di motivazione estetica, che si allinea perfettamente con la necessità di renderlo più forte.

l Pilates riguarda la precisione, lo yoga riguarda la fluidità. Come si uniscono queste due anime nel modo in cui vivi e “abiti” il tuo corpo?

Il Pilates mi fornisce una forma di forza che è utile per mantenere le posizioni yoga. Entrambe le discipline richiedono il coinvolgimento del core, così come concentrazione, lavoro respiratorio e consapevolezza del corpo.

Nella mia vita quotidiana, mi aiutano a restare dinamico e attento alle mie sensazioni.

Porsi davanti alla telecamera e insegnare yoga, hanno qualcosa in comune? Quale “flusso” preferisci?

Spesso pensiamo allo yoga come a una pratica profondamente personale e introspettiva, ma i grandi yogi del XX secolo che hanno reso popolare questa disciplina in occidente facevano vere e proprie performance per promuoverla.

Dimostrare ciò che puoi fare è anche un modo per ispirare. Mostrare posizioni complesse evidenzia la disciplina e la padronanza del corpo, il che può ispirare gli altri.

Vengo dal nulla, non ho mai fatto ginnastica, ed ero rigido come una tavola quando ho iniziato qualche anno fa.

Quello che desidero di più è condividere il messaggio che, con tempo, pazienza, buoni insegnanti e gentilezza, si può imparare tantissimo.

Spesso ci poniamo dei limiti, perché anche solo immaginare una versione diversa di noi stessi può essere intimidatorio.

Ma quando sei abbastanza fortunato da dedicare tempo a una pratica, è lì che accade la magia e la competenza prende forma.

Quindi, osiamo immaginare noi stessi in modo diverso e, soprattutto, al di là dei limiti che spesso ci imponiamo.

Photo by Alexis Robardet

L'articolo Florian Baudouin: yoga, sudore e seduzione. Un viaggio verso l’equilibrio proviene da Toh! Magazine.

Con le sue Polaroid, Ryan sfida il concetto di perfezione, rivelando una bellezza cruda, fatta di dettagli imperfetti, attimi fugaci e racconti sospesi. Ogni scatto sembra una confessione segreta, un dialogo silenzioso tra lui e chi guarda.

Il suo lavoro esplora il corpo maschile in modo inedito, spogliandolo non solo dei vestiti, ma di quelle barriere culturali che lo associano esclusivamente a forza e controllo.

Nelle sue immagini, la pelle racconta storie, i gesti rivelano vulnerabilità e ogni Polaroid diventa un frammento di verità, autentico e spiazzante.

Ryan non è un semplice osservatore; è parte integrante di ciò che fotografa. Le sue opere non sono solo il riflesso di un’estetica audace, ma un invito a entrare nel suo mondo: fatto di corpi che parlano, spazi privati trasformati in scene iconiche e una costante tensione tra ciò che è mostrato e ciò che resta celato.

In questa intervista, Ryan ci accompagna dietro le quinte del suo processo creativo, condividendo la sua visione sull’arte, sulla sensualità e sull’accettazione di sé. Ma, soprattutto, ci sfida a guardare oltre il primo sguardo, a trovare la bellezza nell’imperfezione e a riscoprire il potere del corpo come strumento di liberazione. 

Polaroid e nudità maschile: due scelte artistiche forti e intime. Cosa ti attrae di più della loro combinazione?

Amo l’immediatezza della Polaroid. È come una fetta di tempo catturata nella vita. Puoi tenerla tra le mani. Una Polaroid di nudo è ancora più speciale. Puoi tenerla per te o decidere di condividerla con gli altri. È come un segreto proibito.

Se una delle tue Polaroid potesse parlare, cosa direbbe? Scegline una: la tua preferita, la più controversa o quella con una storia folle alle spalle.

Penso che sarebbe quella con la scritta sulla porta del bagno di un bar gay.

Mia madre ha visto questa foto e mi ha mandato un messaggio.

Non le è piaciuta affatto, ma alla fine abbiamo avuto una bellissima conversazione sull’arte queer e sul fatto che non tutto ciò che fotografo è destinato a lei.

Ogni volta che vedo quella Polaroid sul mio muro, sento la voce di mia madre che dice: “DAVVERO, RYAN???” E questo mi fa sempre ridere.

Pelle, corpi, imperfezioni: spesso la perfezione non è ciò che cerchiamo. Come decidi cosa rendere protagonista di una foto?

Mi piace concentrarmi su parti del corpo che trovo sensuali in qualcuno. Ognuno è diverso, ma possiede tratti specifici e unici che lo caratterizzano. Osservo attraverso l’obiettivo.

Hai mai usato una Polaroid “sbagliata” o rovinata in modo nuovo e inaspettato?

Ho iniziato a scrivere o disegnare sulle mie Polaroid rovinate. È stato bello trovare un modo nuovo per usarle e renderle di nuovo “belle”. Ho anche sperimentato bruciandole, tagliandole o alterandole in vari modi.

Le Polaroid hanno un’immediatezza, ma anche un’imperfezione. Come questa imperfezione riflette la tua idea di bellezza?

All’inizio ero ossessionato dal farle uscire perfette. Poi ho capito che era una perdita di tempo. Puoi preparare lo scatto perfetto, con l’illuminazione e lo spazio ideali, ma ci sarà sempre qualcosa che “va storto”.

Siamo tutti come una Polaroid: un caos contenuto, con i bordi che ci trattengono.

Se una delle tue foto di nudo maschile finisse in un grande museo, in quale sala vorresti che fosse esposta?

Proprio all’ingresso, nella hall. Sciocchiamo tutti.

 fotografia esplora il corpo maschile in modo sensuale, vulnerabile e crudo. Quanto di Ryan c’è in ogni scatto?

Mi piace pensare di essere presente in ogni scatto. Lo stai vedendo dal mio punto di vista, ma mi piace anche inserire una piccola parte di me nell’immagine. Che sia la mia mano sul petto di un uomo, la mia gamba dietro le sue orecchie, o un autoritratto insieme a lui, voglio che chi guarda si senta come se fosse nella stanza con noi.

l corpo maschile è spesso associato a forza e controllo. Come giochi con questi concetti per rivelarne la fragilità?

Molte delle Polaroid che scatto sono molto intime. La camera da letto può essere un luogo di vulnerabilità. I discorsi sul cuscino sono quei momenti in cui puoi sorprendere le persone, quando si aprono davvero.

Mi piace avere momenti di “Polaroid pillow talk.”

C’è una parte del corpo maschile che ti affascina più di altre? Un dettaglio a cui torni spesso?

Adoro il petto. E se è peloso, ancora meglio. È la prima cosa da cui sono attratto. I miei occhi vanno al petto e poi risalgono fino alla clavicola.

La fotografia può essere uno strumento di liberazione e accettazione del proprio corpo?

Assolutamente sì. È così che ho iniziato ad accettare il mio corpo. Cominciando con autoritratti, poi ho iniziato a chiedere agli amici di scattarne alcuni con me e così mi sono sentito più a mio agio nella mia pelle.

Se potessi scattare una Polaroid in un luogo assolutamente proibito, dove andresti?

Forse nello Studio Ovale. Con il sedere pienamente in mostra sulla scrivania.

L'articolo Polaroid sotto le lenzuola: Ryan Rudewicz racconta il corpo maschile. proviene da Toh! Magazine.

Il suo approccio alla fotografia di nudo va oltre l’estetica superficiale, esplorando la complessità dell’identità, della vulnerabilità e dell’interazione tra corpo e contesto. Tyler riesce a creare immagini in cui ogni modello diventa protagonista di una storia che si sviluppa nel tempo. La sua fotografia non si limita a congelare un momento, ma a restituirlo come un pezzo di memoria vivente, un archivio dinamico che può essere rivisitato, reinterpretato e arricchito. Tyler fotografa persone che suscitano in lui sensazioni importanti, ma soprattutto che lo divertono, da uomini sexy a artiste straordinarie come FKA Twigs e Sevdaliza. In questa intervista, Tyler ci offre uno sguardo sulle sue riflessioni artistiche, sulla nudità come forma di espressione e sul delicato confine tra arte, intimità ed erotismo.

Una conversazione che ci invita a riflettere sulla natura del corpo, della società e, soprattutto, sulla nostra identità in evoluzione.

La nudità nei tuoi scatti sembra raccontare storie che vanno oltre il corpo. Come costruisci una narrativa attorno ai tuoi soggetti, e quanto è importante il contesto rispetto alla figura nuda in sé?

Trovo bellezza in tutti i modelli che fotografo, ed è proprio questo che mi attrae verso di loro fin dall’inizio. Ma c’è un trasferimento che va oltre l’estetica. È più una questione di energia. Adoro le personalità eccentriche, i personaggi vivaci. Le sessioni fotografiche più difficili per me sono con modelli rigidi o silenziosi, forse anche a disagio.

Amo ridere durante uno shooting, persino diventare una sorta di motivatore.

Fotografare un attore, un ballerino o un modello che è molto connesso al proprio corpo è il massimo del divertimento, perché è come entrare in una danza collaborativa. Questo è il contesto che costruiamo insieme, ed è per questo che le foto risultano sia intime che potenti: non è uno scambio unilaterale.

Il corpo maschile è spesso visto come simbolo di potere. Come lo smonti, o lo esalti, attraverso la nudità nei tuoi scatti?

Non sono sicuro di stare decostruendo il corpo maschile come simbolo di potere, ma penso di complicarlo. Il patriarcato assume molte forme che non si limitano al corpo maschile, ma allo stesso tempo il corpo maschile non è solo un simbolo del patriarcato. Credo che tutti i corpi possano racchiudere tenerezza e bellezza, poesia, gentilezza, e connettersi a strati più sfumati di fisicità e identità. Spero che sia questo ciò che le mie foto trasmettono.

Il corpo maschile nei tuoi scatti si fa anche paesaggio. Come decidi cosa esplorare e cosa lasciare inesplorato?

Lavoro in modo molto intuitivo. Non rifletto troppo sul concetto o sul risultato né prima né durante il lavoro. È bello pensare al corpo come a un paesaggio, perché, in fin dei conti, siamo esseri naturali, e penso che questo sia un modo più autentico di concepire la fotografia di una persona, specialmente di qualcuno che si è lasciato andare, mostrando vulnerabilità e magari posando completamente nudo davanti alla mia macchina fotografica. Uso sempre il linguaggio durante gli scatti: mi confronto con il modello, do indicazioni e suggerimenti, ed esploriamo insieme ciò che è possibile in quel momento.

In un mondo che sembra ancora censurare la nudità, ma non la violenza, cosa pensi che il nudo maschile abbia da dire a una società come la nostra?

Stiamo vivendo un momento estremamente pornografico nella storia dell’umanità. In un certo senso, questo è liberatorio sul piano sessuale, ma è anche un sintomo del capitalismo avanzato.

Oggi le persone possono guadagnare più soldi posando nude online che lavorando come insegnanti o operai specializzati. Cosa dice questo di noi? In sostanza, le persone hanno iniziato a usare le immagini del proprio corpo come una forma di valuta, sia su piattaforme come OnlyFans, X, o persino come influencer. Sebbene ciò abbia un impatto positivo sulla loro economia, può ulteriormente alienarci gli uni dagli altri e causare problemi di salute mentale, poiché trasformare l’intera identità di una persona in una merce può avere conseguenze profonde.

Qual è il dettaglio del corpo maschile che trovi più difficile da catturare, ma anche il più affascinante?

Un sorriso autentico.

Quando un modello accetta di posare nudo per te, qual è il primo pensiero che ti passa per la testa?

Sfida accettata! Facciamo arte!

Se dovessi rappresentare una tua canzone attraverso un’unica immagine fotografica di nudo maschile, che tipo di corpo e di posa sceglieresti?

Il mio nuovo album, VENUS, uscirà questa primavera. C’è una canzone intitolata TRANSFORM e mi piacerebbe catturare un modello che danza intuitivamente su questo brano.

Hai scattato diversi personaggi famosi, il più divertente?

Queen of Melrose!

Pensi che il tuo approccio alla fotografia sia più “visivo” o “sonoro”? Ovvero, c’è mai un’eco musicale o ritmica nel modo in cui componi i tuoi scatti?

Ho lavorato in molti generi per tanti anni. Quando fotografo, non penso realmente alla musica, e quando creo musica, non penso davvero alla fotografia, ma una cosa che le unisce è l’idea del worldbuilding. È un concetto che rimane costante in tutti i miei mezzi espressivi, che si tratti di musica, fotografia, performance, scultura, pittura o anche della mia scrittura.

Molte persone vedono la fotografia di nudo come qualcosa di strettamente erotico o estetico. Tu come descriveresti il confine tra arte, intimità ed erotismo nei tuoi lavori?

Penso che stia ancora cercando di capirlo. La mia pratica è molto radicata nel corpo, provenendo dalla performance, dal teatro e dalla danza.

Quando usiamo il nostro corpo nell’arte, c’è un’intimità o un erotismo automatico, perché i nostri corpi sono contenitori di tutte quelle dimensioni, esperienze e sensazioni.

Una cosa a cui penso molto con la mia fotografia è il tempo e come, quando fotografi qualcuno, congeli un momento nel tempo in modo indefinito – diventa iconico. Poi puoi rivedere quell’immagine come parte di un archivio, o puoi rivedere quel modello e continuare la storia anni dopo scattando di nuovo il suo ritratto. In definitiva, per me si tratta di custodire i nostri lasciti individuali e collettivi.

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Agosto in Pelliccia, già vincitore del premio per la Miglior Regia a Visioni Italiane 2022, segna un importante punto di partenza per Rocca, rappresentando il primo capitolo di una trilogia che affronta temi come l’identità, l’amore, l’accettazione e la dipendenza.

La trama: uno sguardo intimo e profondo
Agosto in Pelliccia racconta la storia di Tommaso, un giovane omosessuale che vive in un ambiente dominato dalla mascolinità tossica del fratello maggiore, Leonardo. Quest’ultimo, incapace di accettare le proprie insicurezze e paure, esercita un forte controllo su Tommaso, sottomettendolo e reprimendo i suoi sentimenti, pur provando in realtà affetto per lui. Questa dinamica familiare si svolge all’interno di un piccolo appartamento in cui convivono anche la nonna, gravemente malata di demenza senile.

Tommaso, descritto dal regista come una figura sensibile e coraggiosa, cerca di esplorare la sua identità sessuale in un contesto opprimente. I suoi movimenti sono paragonati a quelli di una volpe: sinuosi ma prudenti, agisce spesso di nascosto, in segreto. Leonardo, invece, appare come un lupo: rigido, sicuro in apparenza, ma intrappolato nelle sue paure.

Questa dicotomia tra i due fratelli crea una tensione che si snoda lungo tutto il corto, offrendo una riflessione profonda sulla complessità delle relazioni umane e sull’impatto della mascolinità tossica.

Un cinema di ricerca identitaria
Per Rocca, il cinema è molto più di un mezzo narrativo: è “il potere magico” che gli consente di dare forma al caos dell’universo e trovare equilibrio.

Agosto in Pelliccia rappresenta per lui il primo passo verso la consapevolezza della propria identità di regista, una risposta alla domanda che si pone da tempo: “Perché faccio cinema?”.

Questo corto è solo l’inizio di un viaggio esplorativo che continuerà con Sans Dieu (2024) eKràlik (2025), i successivi capitoli della trilogia. Ogni film esaminerà diversi aspetti dell’identità umana attraverso il prisma di relazioni amorose e dinamiche familiari complesse.

Un futuro promettente
Dopo il successo di Agosto in Pelliccia, Alessandro Rocca ha già presentato il suo secondo lavoro, Sans Dieu, alla 39ª Settimana Internazionale della Critica durante l’81ª Mostra del Cinema di Venezia, consolidando la sua presenza nel panorama cinematografico italiano.

Attualmente, il terzo capitolo della trilogia, Kràlik, è in fase di produzione, e le aspettative sono alte.

Con Agosto in Pelliccia, Rocca offre uno sguardo intimo e coraggioso sull’identità, mettendo in scena una storia che parla di relazioni e di lotta interiore. Gli spettatori potranno finalmente godere di questo corto dal 20 ottobre, su WeShorts, avendo così l’opportunità di scoprire il talento di un regista giovane, ma con una visione chiara e profonda del cinema.

L'articolo Agosto in Pelliccia: il corto di Alessandro Rocca sull’identità e mascolinità tossica. proviene da Toh! Magazine.

Osama Chami ci offre una visione intima del suo percorso artistico e del processo creativo che ha portato alla realizzazione del film Una Película Barata, (tradotto letteralmente Un film a buon mercato). Osama condivide come la sua passione per il racconto di storie lo ha spinto a intraprendere una carriera cinematografica, nonostante inizialmente avesse intrapreso studi medici. Le sue influenze vanno da registi classici come Almodóvar, Rohmer e Godard, fino a cineasti indipendenti più moderni come Gregg Araki e Gus Van Sant.

Una Película Barata, come il titolo suggerisce è stato concepito come un progetto a basso budget con regole precise, come l’ambientazione in un parco e un numero ridotto di attori. Il tema dell’amicizia è centrale, e il regista sottolinea come il film esplori la solitudine e l’autostima, riflettendo su un periodo difficile della sua vita personale.

Il film ispirato a un’estetica autentica e realistica, con riferimenti visivi a registi come Eric Rohmer e fotografi come Nan Goldin sarà presentato in esclusiva italiana al MIX Festival giovedì 26 settembre, dove è stato selezionato come film d’apertura. Per l’occasione e per consolidare il nostro legame con il MIX Festival abbiamo fatto due chiacchiere con Osama:

Ciao, come stai?
Sto bene! Sono davvero entusiasta di presentare il nostro film al MIX Festival!

Come è iniziato il tuo percorso nel mondo del cinema?
Ho sempre voluto raccontare storie sin da bambino. Mi sedevo con i miei fratelli e cugini e raccontavo loro storie inventate divise in capitoli. Poi ho iniziato a scrivere. Ho scritto molto quando ero giovane.

Così, quando ho capito che potevo tradurre quelle storie in un film, ho capito ciò che volevo fare. Anche se avevo iniziato a studiare per diventare medico, sognavo sempre di essere un regista. Ho iniziato a lavorare in TV e poi nel cinema, prima nella produzione, poi nelle location e infine nel reparto regia.

Ho imparato molto sulla realizzazione di film lavorando in tutti questi dipartimenti. Quando ho iniziato a produrre e dirigere i miei primi cortometraggi, ho cercato di utilizzare tutte queste informazioni per realizzare film indipendenti.

Cosa ti ha ispirato a diventare un regista?
Ho capito di voler diventare un regista quando ho visto per la prima volta “La legge del desiderio” di Pedro Almodóvar. Mi ha sconvolto. Ero molto giovane e non riuscivo a credere che si potesse essere così liberi, appassionati, divertenti e intrattenenti mantenendo comunque un’estetica super cool.

Chi sono stati i tuoi principali modelli o influenze nel cinema e come hanno influenzato il tuo stile di regia?
Ho sempre ammirato Pedro Almodóvar, Godard, Rossellini e Michael Haneke, ma mi sento più connesso con registi fai-da-te che hanno uno stile più indipendente, come Gregg Araki, Gus Van Sant, Lucrecia Martel, Sean Baker, Mia Hansen-Løve o Ted Fendt.

Per questo primo film, mi sono ispirato principalmente ai film e allo stile di Eric Rohmer che penso sia come “un Dio” per i registi indipendenti.

C’è anche questa regista spagnola, Icíar Bollaín, che adoro, e il suo primo film “Hola ¿estás sola?” è stata un’influenza molto importante per “Una película barata”.

Quando hai sviluppato la storia di Una Película Barata, da dove hai iniziato?

Sapevo che doveva essere un film a bassissimo budget, quindi avevo alcune regole mentre scrivevo la sceneggiatura: doveva avere pochi attori, la location principale doveva essere un parco e doveva essere girato di giorno.

Avevo questa storia di due ragazzi che si incontrano per caso in un parco. Si erano conosciuti 10 anni prima e uno di loro ricordava tutto, mentre l’altro no. Ho deciso di continuare a scriverla e vedere dove mi avrebbe portato.

Nel film affronti temi come la solitudine, la famiglia e le relazioni interpersonali. Cosa ti spinge a esplorare questi argomenti?

Nei miei film parlo spesso di personaggi che sono un po’ persi e della loro mancanza di autostima. Questo film parla di questo, ma credo di andare un po’ oltre. Quando ho scritto la sceneggiatura, ero appena uscito da una lunga relazione e mi sentivo responsabile per la rottura, quindi mi sentivo solo e molto in colpa. Per me era naturale che anche i miei personaggi si sentissero in quel modo.

Come lavori con gli attori sul set? Hai un metodo specifico per ottenere le interpretazioni che desideri?

Abbiamo avuto solo 7 giorni per girare il film, quindi sapevo che dovevamo fare molte prove. Sono stato fortunato che Enrique Gimeno e Jorge Motos fossero disposti a fare molte prove.

Abbiamo esaminato la sceneggiatura dall’inizio alla fine e abbiamo parlato molto dei personaggi, delle situazioni e dei loro comportamenti. È anche un modo per costruire un rapporto lavorativo in cui ci si fida l’uno dell’altro, dove ci si sente a proprio agio nel provare nuove cose, sapendo che possono fidarsi del mio giudizio.

Dopo queste settimane di prove, le riprese sono state molto più facili e gli attori si sentivano più a loro agio e sicuri. Mi piace anche parlare con loro delle emozioni che i personaggi dovrebbero provare poco prima che la telecamera inizi a girare. A volte è qualcosa di molto astratto, ma funziona sempre perché comprendono molto bene i loro personaggi.

Come vedi il futuro del cinema in termini di rappresentazione della diversità culturale e sessuale? Credi che il cinema possa influenzare il cambiamento sociale?

Penso che ci stiamo avvicinando a una rappresentazione più inclusiva in termini di diversità culturale e sessuale, ma c’è ancora molto da fare.

Penso che più personaggi diversi vediamo nei film e nelle serie, più la gente imparerà il rispetto e la diversità. È molto importante vedere tutti i tipi di personaggi nel cinema e in TV, e anche vedere che questi personaggi sono complessi e reali.

Amo quando un film racconta una storia e l’orientamento sessuale o il background culturale dei personaggi non sono rilevanti per la trama, ma contribuiscono a costruire personaggi più complessi, con maggiore profondità e interesse.

Quando ero giovane, non c’erano personaggi LGBTQ+ in TV o nel cinema spagnolo, né personaggi arabi, quindi non mi sentivo rappresentato. Ora è molto diverso: in serie TV commerciali come Élite, uno dei personaggi principali è un ragazzo gay arabo interpretato da Omar Ayuso, ed è uno dei personaggi più popolari della serie. Credo che avrei adorato vedere qualcosa del genere quando ero adolescente.

Il titolo Una Película Barata ha un significato particolare per te?

Quando ho iniziato a scrivere la sceneggiatura, non ero sicuro del titolo, ma avevo in mente alcuni nomi. Alla fine, ho deciso di chiamare il documento “Una película barata” così ogni volta che lo aprivo. mi ricordavo che dovevo seguire le regole per farlo con un budget il più basso possibile.

Credo che questo titolo di lavoro abbia influenzato la storia e fatto sentire i personaggi come se stessero realizzando un film sulle loro vite, un film molto economico e indie, dove non accade nulla di veramente importante, ma dove sono semplicemente seduti a parlare delle loro vite.
Quando ho inviato la sceneggiatura al mio team, tutti hanno adorato il titolo e mi hanno convinto a mantenerlo.

Come hai deciso l’estetica del film?
Ho sempre lavorato con Elías M. Félix, il direttore della fotografia di tutti i miei cortometraggi. È il DOP più talentuoso che abbia mai incontrato. Quando gli ho inviato le reference, eravamo sicuri di voler un film naturalistico, realistico e luminoso, che sembrasse girato in 16mm.

Volevo davvero che si sentisse autentico, che lo spettatore avesse la sensazione di assistere a una situazione non troppo pianificata, così da percepire l’autenticità dei personaggi e della loro storia.

Elías ha suggerito di usare solo un obiettivo zoom 8-64 mm per girare più velocemente e anche per risparmiare sul budget. È stata un’idea geniale e mi ha ricordato il modo in cui Robert Bresson girava con una lente da 50mm in tutti i suoi film.

Abbiamo guardato film di Eric Rohmer, Guy Gilles o Mia Hansen-Løve come reference, ma anche fotografi come Nan Goldin o William Eggleston. Ho lavorato con la stessa idea con Carlota Casado (direttrice artistica) e Axel Heilenkötter (costumista). Volevamo location gritty a Madrid, autentiche, filmando lontano dal centro città.

La direzione artistica è naturalistica, creando un ambiente vissuto e non prodotto. Il design dei costumi è altrettanto realistico, con abiti usurati che non sembrano nuovi, e i personaggi spesso ripetono i vestiti.

Ma ogni personaggio doveva avere il proprio stile di moda e personalità. La nostra principale referenza per i costumi sono stati i film di Gregg Araki (in particolare per le magliette di Fede!).

Qual è stata la sfida più grande durante la produzione?

Abbiamo girato il film in sette giorni, quindi abbiamo affrontato molte sfide. Abbiamo girato a novembre e, sebbene fossimo fortunati ad avere molto sole, avevamo poche ore di luce e ci sono stati alcuni giorni di pioggia.

Per fortuna, la nostra produttrice Mirella Cuesta ha avuto tutto sotto controllo!
La principale sfida è stata il tempo. Avrei voluto avere più tempo per girare più take o provare approcci diversi, ma la verità è che questa fretta ha reso “Una película barata” quello che è.

Credo che faccia parte della magia di un piccolo film indipendente: devi imparare a risolvere i problemi immediatamente e a volte queste soluzioni diventano parte del fascino o dello stile del film.

Per esempio, l’ultima scena del film doveva essere girata altrove, ma c’è stato un problema con la location e sono estremamente felice di averla girata come abbiamo fatto.

I film a tema queer spesso includono un bacio o una scena di sesso alla fine. Perché hai deciso di evitarlo del tutto?
Il film è un’ode all’amicizia, quindi non pensavo che un bacio fosse necessario. Forse ero in un momento della mia vita in cui pensavo che l’amicizia fosse qualcosa di molto prezioso, che doveva essere celebrato…

Alcune persone mi dicono che percepiscono una sorta di tensione sessuale tra i due personaggi, ma non l’ho mai vista in questo modo. Li ho sempre immaginati come due persone molto diverse che diventano amici davvero importanti.

Come descriveresti la collaborazione con il cast e la troupe? Ci sono stati momenti particolarmente significativi sul set?
Eravamo una troupe molto piccola, e questo ha reso tutto più facile, ma anche più intenso. Ci siamo davvero sentiti come una famiglia e questo si percepisce nel film.

L’ultimo giorno è stato davvero speciale: stavamo girando in montagna e stavamo riprendendo le scene più drammatiche di Iván. Eravamo tutti stanchi, ma avevamo anche imparato a lavorare come una squadra, e quando Jorge Motos ha fatto il suo monologo, si poteva vedere l’intera troupe piangere dietro la telecamera. Non dimenticherò mai quel giorno come regista.

C’è una scena o un momento nel film a cui sei particolarmente legato? Se sì, quale e perché?
Il mio momento preferito è quando Fede e Iván scappano dopo aver lasciato le fragole marce sotto il cuscino.

Credo che questo momento catturi perfettamente il momento in cui questi due personaggi diventano amici e Fede inizia a superare la sua depressione. Quando l’inquadratura si blocca (un piccolo omaggio a “Fino all’ultimo respiro!”) e vediamo il volto felice di Fede, mi emoziono ancora.

Quali reazioni speri di suscitare nel pubblico che guarda Una Película Barata? Quale messaggio vorresti lasciare?
Spero che siano sorpresi dalla storia e da come si sviluppa e cambia poco a poco. Spero che ridano e si emozionino e che si identifichino con i personaggi. Mi piacerebbe che si sentissero ottimisti dopo aver visto il film e che capissero che l’amicizia è la chiave per la felicità.

Hai lavorato insieme a Pedro Almodóvar. Cosa hai imparato da lui e pensi che ci sia una parte di lui nel tuo film in qualche modo?

Lavoro ancora per Pedro come suo assistente, quindi mi sento molto fortunato a poter osservare come lavora in ogni fase dei suoi film: dal momento in cui inizia a scrivere la sceneggiatura fino alla presentazione del film al pubblico.

È un genio, e c’è tanto da imparare da lui, ma quello che sottolineerei è la sua etica del lavoro, come organizza un set, come lavora con il suo team e i suoi attori, e come affronta ogni singola decisione come se fosse cruciale per il film… Non so se c’è una parte di lui nel mio film, ma credo che sia una delle mie più grandi influenze, quindi nei momenti più difficili mi chiedo sempre “Cosa farebbe Pedro?” e questo mi aiuta sempre.

Sei emozionato che il tuo film aprirà il MIX Festival?

Sono in realtà molto nervoso e allo stesso tempo entusiasta di aprire il MIX Festival. Ho sentito cose incredibili su MIX per anni ed è sempre stato il nostro sogno presentare il nostro film lì, quindi quando ci hanno detto che avremmo aperto il festival è stata una sensazione straordinaria di orgoglio e felicità.

Non vedo l’ora di vedere come reagirà il pubblico italiano al nostro film!

L’ultimo disco di cui ti sei innamorato è:
La musica è una delle mie più grandi passioni.

Mi sveglio e subito metto su della musica, e sono aperto a ogni genere. Per me era molto importante trovare la giusta musica per il mio film, e sono stato molto fortunato a trovare Bruma, che sapeva esattamente cosa avevo in mente.

In questo momento sono ossessionato da “Cascade” di Floating Points. Penso che abbia un suono incredibilmente cinematografico, ipnotico ed euforico. Sono anche ancora innamorato di “Brat” di Charli XCX e “God Said No” di Omar Apollo. Ma non vedo l’ora di ascoltare il nuovo album di Mustafa, “Dunya”.

Recentemente ho visto “Queer” di Luca Guadagnino e ha utilizzato questa incredibile traccia “Leave Me Alone” dei New Order, il che mi ha fatto riscoprire il loro album “Power, Corruption & Lies”, che sto ascoltando continuamente.

L'articolo Osama Chami: il suo “Una Película Barata” è un’ode all’amicizia queer proviene da Toh! Magazine.

ll regista Zacharias Mavroeidis sceglie una struttura leggera e circolare, navighiamo quindi tra il presente e i flashback. Grazie anche alle performance sincere dei due protagonisti il film è realistico ed esplora tutti gli aspetti delle relazioni queer, sia sessuali che sentimentali. Il regista riesce a mettere a nudo sia emotivamente che fisicamente i protagonisti e ovviamente il fascino di Yorgos non passa inosservato.

The Summer With Carmen è una commedia romantica queer. Demos e Nikita, due migliori amici, sono su una spiaggia gay. Discutono di una sceneggiatura che stanno scrivendo insieme. Cercano di trovare il punto di vista della storia e questo li riporta all’estate trascorsa due anni fa, un’estate che è stata molto, molto importante nella loro vita. Sono successe molte cose che li hanno cambiati in pochissimo tempo. È un film davvero solare, divertente e positivo.

Yorgos Tsiantoulas nel film ha tutte le carte per far innamorare di lui un gran pubblico gay col suo ruolo del sexy Demostene. Alto, barbuto e peloso, ha tutti gli attributi fisici del maschio virile su cui ci piace fantasticare. 

Nel film il personaggio di Yorgos è come se non fosse pienamente consapevole della sua immensa carica sessuale e del suo potere di seduzione. È affettuoso, sensibile e sentimentale. Abbiamo parlato con Yorgos per conoscerlo un pochino più di lui e per farci raccontare la sua esperienza in questo film.

Ciao Yorgos, quando hai deciso di diventare attore?

La recitazione è sempre stata una mia passione fin da bambino, perché ricordo di essere stato attratto dal mondo del teatro e dai suoi personaggi fin da piccolo. La colpa è dei miei genitori, che continuavano a trascinare tutti i loro figli, me compreso, ai concerti, alle rappresentazioni teatrali e al cinema.

Il percorso per diventare attore è stato un mix di dedizione, studio e capacità di cogliere le opportunità che mi si presentavano. Ho scelto questo percorso professionale perché credo nel potere e nella necessità di raccontare storie. Credo che l’umanità desidererà sempre le storie degli altri, ascoltare le loro vite, e la recitazione è il mezzo per far sì che ciò accada.

È una professione che richiede resilienza e adattabilità e, naturalmente, la strada per il successo può essere accidentata. Tuttavia, la gioia di dare vita ai personaggi e toccare il cuore del pubblico fa sì che ne valga la pena. Mi sento un bambino quando lo faccio. Come un bambino che gioca. Forse è questa la ragione più importante per cui lo faccio.

Questo è il tuo primo lungometraggio dopo una carriera a teatro, come l’hai vissuto?

Il cinema è un territorio completamente nuovo ed entusiasmante per me, il film “The Summer with Carmen”è stato il mio primo credito nell’industria cinematografica, interpretando il personaggio principale di Demostene. Mi sento fortunato e orgoglioso di far parte di questo progetto.

Puoi raccontarci qualcosa del tuo background teatrale? Pensi che ti abbia aiutato per il film?

La mia prima incursione nella recitazione è stata il teatro di scena. Mi sono trovato attratto dal palcoscenico, dove il contatto immediato con il pubblico era elettrizzante. Il teatro mi ha insegnato la disciplina della performance dal vivo e l’arte di incarnare un personaggio nel momento.

Ho lavorato con importanti registi riconosciuti sia in Grecia che nel resto d’Europa come Dimitris Papaioannou e Romeo Castellucci, che sono rinomati per un teatro immersivo dell’immagine. Nelle loro produzioni mi sono offerto di esibirmi nudo sul palco, cosa che mi ha davvero dato molta sicurezza e mi ha aiutato nel processo di recitazione per mettere in scena il personaggio di Demostene.

Oltre al teatro, ho anche esplorato opportunità in spettacoli e serie televisive, che hanno offerto un diverso tipo di sfida ed esperienza di apprendimento, soprattutto nell’industria greca.

Quali altre esperienze di vita ti hanno aiutato a dare di più ai tuoi personaggi sul palco?

Le esperienze di vita reale rendono i personaggi ritratti più realistici sul palco o nei film. Mi assicuro sempre di attingere a sentimenti reali che ho provato per attaccare le emozioni del personaggio in modo credibile.

Esperienze come relazioni, viaggi, ricordi d’infanzia mi hanno sempre aiutato nel processo di costruzione di un personaggio. Ma sono un bravo spettatore.

La recitazione è un processo di imitazione della vita, quindi un buon osservatore dei dettagli della vita può essere un bravo attore. Cerco sempre di tenere gli occhi aperti sulle storie, i gesti e i dettagli delle altre persone per metterli in azione e avere a disposizione più colori sulla mia tavolozza con cui disegnare.

“The Summer With Carmen” è una storia realistica e sexy di amicizia e amore nella comunità gay ateniese contemporanea. Puoi dirmi cosa pensi di questo film?

La proposta del film mi è arrivata nel periodo del covid: oscurità, nerezza, disoccupazione, confinamento in casa. E devo ammettere che questo periodo di pandemia mi ha messo in un grande fosso esistenziale. Ci sono stati giorni, settimane, mesi in cui mi sono sentito perso. Mi sono interrogato su quali scelte ho fatto, su cosa significa essere un attore dopotutto e in circostanze come queste, quando tutto crolla. Quindi quando è arrivata questa sceneggiatura è stato un enorme dono. L’ho letta ad alta voce, tutta, in piedi nell’appartamento, nel giro di due ore. Ero così felice, per la sua leggerezza, l’umorismo, la non didattica del testo. Mi piaceva che elaborasse la relazione tra due persone, semplicemente, naturalmente, senza finzioni forzate. Sai, a volte senti che chi va a girare una storia queer oggi ha una lista di cose che deve includere per essere “approvato da Netflix”, la chiamerò così.

È a vantaggio del film che non ha nulla del genere. Niente è sottolineato, nessun dito è puntato. È un bromance easy going, fresco e divertente che simboleggia l’amicizia e l’estate ateniese.

Com’è stato essere diretto da Zacharias Mavroeidis?

Ho visto tutti i lavori passati di Zacharias. Per me, ogni film è come una versione diversa di lui. Hanno tutti in comune una sceneggiatura molto strutturata e curata nei dettagli, in cui è un maestro, e una fotografia molto bella ma semplice. Non puoi fare a meno di innamorarti dei suoi colori e dei suoi personaggi molto umani.

Zacharias è il regista più gentile, divertente e creativo che abbia mai incontrato nella mia carriera. Crea un ambiente che consente agli attori di abbracciare completamente i loro personaggi, promuovendo un senso di fiducia e libertà creativa. Lavorare con lui è stato un viaggio di scoperta, sia personale che professionale, e non vedo l’ora di continuare a evolvere il suo mondo cinematografico.

Molto spesso per le persone queer gli amici sono il sostituto della famiglia, le così dette choosen family. Qual è stata la tua esperienza?

Per non dire che gli amici possono anche andarsene quando le cose si mettono male, questo è spesso vero, ma per un numero considerevole di persone queer, gli amici diventano la loro fonte di sostegno, poiché non sempre hanno famiglie funzionali. Sfortunatamente le persone LGBTQ+ sperimentano ancora l’aumento del rifiuto, della discriminazione o persino della mancanza di sostegno tra i loro parenti. Gli amici entrano in scena con sostegno emotivo, compassione e offrendo un senso di appartenenza.

Come descriveresti il ​​tuo personaggio? Pensi di avere qualcosa in comune con lui?

Demostene è un eroe chiuso, più pesante, più silenzioso, meno espressivo. Anch’io sono un po’ così. Condivido qualcosa con Demostene: questa è la versatilità multi-persona, nel senso di adattamento alle situazioni. A seconda dell’ambiente in cui mi trovo, interpreto anche dei ruoli.

Demostene doveva essere molte cose allo stesso tempo, come se avesse una cabina di pilotaggio con molti pulsanti davanti a sé e, a seconda di dove si trova, preme un pulsante e diventa quella persona in particolare. Anch’io ho questo: sono diverso con i miei genitori, diverso con i miei amici, diverso con i miei colleghi come attore, diverso con i miei attori quando dirigo.

Demostene aveva questa chiave performativa. Quando l’ho capito, l’ho sbloccato. Un uomo psico-emotivamente costantemente all’erta per chi ha di fronte. Anche durante le prove, a seconda di chi mi veniva messo accanto, tiravo fuori un Demostene molto diverso. L’equilibrio di tutti questi elementi ha creato il ruolo alla fine. Nikitas glielo dice anche nel film quando gli viene chiesto chi li avrebbe interpretati a Hollywood: “hai mille volti, non sei un ruolo facile”.

Come attore? Che tipo di creatività stai portando in quella parte della tua vita?

La creatività è la mia vita. Inoltre, qualsiasi ruolo io interpreti è come se stessi vivendo la vita di quel personaggio sul palco o sullo schermo. Ne esploro le ragioni, le idiosincrasie e i sentimenti per conoscere il processo e la probabile causa del loro funzionamento. Gioco con il significato e mi vengono in mente modi creativi per dare vita ai personaggi. Con il più debole degli sguardi, il delirio di discorsi gravi per l’ouverture, voglio solo dipingere ciò che è onesto e vero.

Nel film il tuo personaggio va alla spiaggia naturista. Fai lo stesso?

Sì, lo faccio. Amo molto la sensazione di essere nudo nell’elemento acqua. Lo trovo catartico in molti modi e lo consiglio vivamente.

Sei fisicamente attraente per molti uomini gay, come ti senti a essere una specie di sex symbol per la comunità lgbt?

È vero che qualsiasi personaggio in un film può prendere vita propria, ma il mio obiettivo è sempre stato quello di far emergere la profondità e la verità di un ruolo che sto interpretando.

Anche se sono lusingato di essere considerato un “sex symbol”, la mia responsabilità quando interpreto un personaggio è di essere il più autentico possibile. Se il personaggio porta fascino e appeal che risuonano con il pubblico al punto che creano un’icona, è merito della forza della storia e dello sforzo collaborativo dell’intera troupe.

E quindi, anche se è una bella sfida “essere un simbolo”, è ancora più difficile mantenere una sana distanza dall’immagine pubblica, ma è ancora più importante continuare a sfidare me stesso con ruoli che facciano sì che le persone mi vedano in modo diverso. Alla fine della giornata, sono l’arte della recitazione e le storie che raccontiamo che contano.

Dove si può vedere il tuo film “The Summer with Carmen”?

Il film è disponibile al momento nei cinema, ovviamente in Grecia, ma anche in Belgio, Francia, Brasile e molto presto sarà disponibile nei cinema di Regno Unito e Irlanda, Germania e Austria, Polonia e Svizzera.

Gli Stati Uniti possono trasmettere in streaming il film tramite Apple TV e Google Play e molto presto lo streaming sarà disponibile anche in Spagna, Taiwan, Hong Kong/Macao, Indonesia, Malesia, Filippine, Singapore, Thailandia, Brunei, Cambogia, Laos, Myanmar, Vietnam, Afghanistan, Bangladesh, Bhutan, India, Maldive, Nepal, Pakistan, Sri Lanka e Australia/Nuova Zelanda.

Com’è stata la recitazione con la cagnolina Carmen?

Avevo già lavorato a teatro con gli animali, soprattutto con i cavalli e le scimmie a teatro con Romeo Castellucci. Ma non avevano un ruolo così importante come Carmen nel film che è in realtà il mio partner sullo schermo. Il regista voleva una cagnolina che fosse in sintonia con le emozioni di Demostene: voleva un animale carino ma anche un po’ spaventato dalle cose, impaurito, una cagnolina che dice con gli occhi “Amami”.

Anche la storia dietro la vera Carmen è toccante. È stata salvata da un canile e adottata ma aveva ancora dei traumi, e delle difficoltà a socializzare. Quando abbiamo iniziato a girare, aveva molta paura di me per via delle mie dimensioni. Ma una delle cose più belle che sono successe durante queste riprese, durate 25 giorni, è che ogni giorno si avvicinava a me. Ci fidavamo l’una dell’altra. Nel film si vede come è passata da timorosa a socievole e trovo che sia bellissimo da vedere.

Siamo in piena estate, che musica e che libro consiglieresti di portare in spiaggia?

Per una lettura estiva facile consiglierei “I nostri antenati” di Italo Calvino, una raccolta di due novelle e un romanzo, che esplora la narrativa surrealista all’interno delle favole medievali. Divertente, commovente e magico. Una lettura obbligata.

E forse per la musica l’ultimo album di Lana del Ray “Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd”. Mistico, d’atmosfera e facile da ascoltare.

L'articolo Yorgos Tsiantoulas l’attore di The Summer With Carmen è il crush estivo che tutti vorremmo proviene da Toh! Magazine.

Fortunato è il vero “composto” del suo lavoro, non perché è lui l’artista, ma perché dentro la sue opere si trova la sua essenza, il suo corpo spesso nudo si tuffa nella sue tele, coprendolo e prendendosi cura di lui. Le sue cere riempiono le forme di questi uomini che trasmettono una forte carica sessuale, data dalla fisicità di questi corpi nudi e dalle gambe forti e pelose, dai colori spesso caldi e dai volti non definiti, ma allo stesso tempo penetranti. Fortunato esplora la sessualità tramite la sensazione tattile, il voler toccare e desiderare i corpi da lui creati. Osservando i suoi lavori possiamo notare la connessione che c’è tra loro, quasi come un vero e proprio rapporto di amore o sessuale. Tramite le immagini che Fortunato ci ha inviato possiamo vivere una sensazione infuocata, come le giornate in pieno agosto, dove il sudore gronda dal corpo caldo. 

Nella tua bio scrivi il “rifiuto della forma” come mai questo rifiuto da parte tua?

Perché credo sia interessante distaccarsi da una forma per crearne una nuova, più vicina alla visione che si ha in quel momento.

Nei tuoi lavori sopratutto nelle tele c’è una forte presenza di materia, che trasmette una voglia immediata nel toccare. Quanto è importante per te il materiale e il tatto? 

È il punto di partenza. Quando penso/immagino una tela, penso al fatto di poter toccare la tela, di poter toccare il materiale, la materia che in quel momento sto creando, tagliando e incollando dall’inizio alla fine.

Cosa ha scaturito in te la scelta di raffigurare degli uomini? 

Trovo il corpo maschile molto sensuale e sessuale.

Ho cercato di trasmettere quella che è la mia idea di materia/arte su quei corpo maschile basandomi sempre sull’idea di poter toccare di poter giocare e creare il corpo maschile utilizzando colori pastosi e molto materici.

Chi sono per te questi uomini? 

Sono qualcosa che immagino, qualcosa che creo.

I tuoi uomini, così mi piace pensarli, hanno una fisicità scultorea non convenzionale, da cosa sei stato influenzato o ispirato? 

Con precisione da nulla in particolare, ma trovo il corpo maschile e la nudità molto affascinante, 

Sono attratto dalla sua forma.

Ci parli un po’ della scelta cromatica e della tecnica utilizzata? 

Utilizzo pastelli a cera e a olio per creare quella forma pastosa di materia che ti da quella sensazione di tatto immediato. La scelta cromatica è stata del tutto casuale, ho cercato basandomi sui materiali che avevo di creare qualcosa di diverso dai miei soliti toni.

Spesso ti troviamo nudo tra un’opera e l’altra, che rapporto hai con il tuo corpo? E quanto te stesso c’è nella tua visione maschile delle tue figure? 

Ho imparato ad accettare il mio corpo, sto ancora imparando. Di me non c’è nulla, forse l’idea che vorrei di me. Ma sto bene con il mio corpo nudo.

Sto bene nudo con la mia arte, soprattutto all’inizio davanti a una tela bianca.

Mi metto sul suo stesso piano, mi spoglio e creo insieme a lei.

Non esiste un vero e proprio sito se non la tua pagina IG e Tumblr, una scelta? O ci stai lavorando? 

Ci sto lavorando cit.

Forse è semplicemente pigrizia o la banale sensazione di non credere troppo in me stesso

Come si vive al giorno d’oggi tramite l’arte? 

Domanda difficile a cui non so veramente cosa rispondere. L’arte fa parte di me si dà bambino. Creo e basta. In primis lo faccio per me stesso, per tirare fuori quello che penso è quello che ho dentro.

Poi il resto vien da se.

Quanto sei legato alla tua terra, la Puglia?

Mi ci sono ritrovato e per il momento sto bene. La realtà in cui vivo è molto piccola, ma ho trovato il mio spazio.

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É innegabile Mister Outdoors abbia un gran bel sedere e noi come tutti i suoi numerosissimi follower ce ne siamo accorti e siamo suoi fan. La domanda è stata si può fare del bene con il sedere? Ebbene sì Mister Outdoors c’è riuscito e continua a farlo e in questa intervista ci ha spiegato come.

Mister Outdoors è riuscito a far apprezzare a molti  la sua passione a spogliarsi nella natura diventando una vera star di IG. 

La sua identità è segreta non lo vediamo mai in faccia, ma ovviamente il suo sedere, che grazie alla sua popolarità ha spinto Mister Outdoors a creare un sito Butt For Good, attraverso il quale egli dona il 50% dei suoi profitti. Pensiamo a quanta differenza potrebbero fare tutte le persone che hanno centinaia di migliaia di follower? Facendo come Mister Outdoors forse si potrebbe rende la natura e le persone più felici.

Puoi dirmi come è nata l’idea di aprire la pagina Instagram e il sito web di Mister Outdoors?

Onestamente mi stavo solo divertendo con gli amici mentre facevo escursioni togliendoci i pantaloni e facendo gli sciocchi. Poi una cosa ha portato all’altra e ho iniziato l’account. Solo per divertimento. Non ho mai taggato o seguito nessuno.

Quanto ti sei reso conto che il tuo sedere aveva così tanto potenziale?

Non avevo idea che sarebbe diventato quello che è. Voglio dire, siamo onesti. Sapevo di avere un bel culo perché la gente lo commentava sempre, ma non mi rendevo conto che poteva importare a così tante persone.

La maggior parte delle persone su IG si spoglia per ottenere un sacco di like o per poi aprire un Onlyfans. Tu invece hai deciso di toglierti i vestiti per una buona causa, puoi parlarcene?

Dopo un po’ di tempo che avevo l’account, mi sono reso conto che non avrebbe avuto senso avere così tanto seguito e non farne uscire qualcosa di buono. Quindi ho avuto l’idea di avviare un sito web chiamato BUTTFORGOOD che vendeva solo stampe in edizione limitata e sosteneva varie cause con il 50% delle vendite. Le persone possono scegliere le cause che vogliono sostenere.

Ora, dopo un piccolo aggiornamento e rispondendo alle richieste dei miei follower, il sito web è MISTEROUTDOORS.ORG e offre nuovi articoli, come T-shirt in edizione limitata, telo mare ecc. Con questo sto sostenendo The Nature Conservancy perché è vicino al mio cuore: senza natura non ci sarebbe Mister Outdoors.

Recentemente, dopo centinaia di richieste, ho anche avviato un account onlyfans che è un’estensione di IG per le persone che volevano mostrare il loro sostegno. Non è esplicito, ma è un po’ più divertente e offre una sbirciatina dietro le quinte. Uso anche parte di quei proventi per sostenere la causa. Cerco sempre di fare una piccola differenza con quello che posso.

Nella vita direi che un po’ di culo non basta mai e tu ne hai…è quella tua parte preferita del corpo?

Il mio corpo o di qualcun altro? Se è mio, allora direi che sono le mie gambe. Di altre persone sono un grande fan delle mani e degli avambracci. Non sono sicuro del perché, ma lo è sempre stato.

Pratichi il naturismo o ti svesti solo per le foto?

Mi piace essere nudo in casa e sempre quando sono all’aperto nella natura.

Che sensazione si ottiene dall’essere completamente nudo in natura?

Sembra giusto. La natura sulla natura. Sento che è così che dovrebbe essere.

Di tutti i luoghi che ti sei fotografato, di quale hai il ricordo più bello e perché? In quale hai rischiato di essere arrestato se mai ti sia capitato?

Quello a cui sono più legato è Angel’s Landing nel Parco Nazionale di Zion. È sempre così affollato, quindi trovarlo solo per me la mattina presto è stato davvero speciale. Inoltre non ci sono leggi contro la nudità nei parchi nazionali degli Stati Uniti. Quindi è sicuro.

C’era una foto che ho fatto a Los Angeles su Melrose Ave vicino un cartello davvero divertente. Ero con i miei amici. Svestito in macchina. Sono corso fuori e ho posato. Hanno scattato poche foto e sono tornato in macchina. Ci siamo solo resi conto dopo che c’erano poliziotti proprio dall’altra parte della strada. Per fortuna non se ne sono accorti.

Sei una persona vana?

Mi piace la domanda diretta. Quando ero più giovane, ero molto più vanitoso. Non diamo la colpa all’ambiente, ma quando vivi a Los Angeles per un certo numero di anni, è facile cadere in questo. C’è ancora una parte di me che ha sicuramente tendenze da vanitoso, ma invecchiando i miei valori si sono corretti e mi importa molto di più delle cose che contano davvero come il carattere, l’integrità e il sano livello di consapevolezza.

Non vediamo mai la tua faccia, cosa pensi che cambierebbe se invece lo mostrassi?

Tutto. Diventerebbe su di me, la persona dietro il personaggio. Le persone si relazionano con te in modo diverso. C’è un’aspettativa diversa. Questo è molto più divertente per tutti e si concentra sulle cause che scelgo di sostenere invece della persona.

Ok, hai creato una sorta di manuale per avere un sedere come il tuo, puoi dirci un paio di segreti per coloro che vorrebbero averlo così?

Fai un sacco di escursioni su ripide montagne con lo zaino pesante e mangia bene. Non c’è nessun segreto.

Trovo meraviglioso che tu sia riuscito a trovare un modo come questo per dare in beneficenza, hai sfruttato il tuo dono innato e allo stesso tempo, oltre ad essere un piacere per gli occhi, sei anche un piacere per cause giuste e nobili. Sei un eroe senza calzamaglia?

Hahahahha, eroe no, senza calzamaglia sì. Credo solo nella gentilezza generale. Penso che potremmo fare tutti un po’ meglio. Soprattutto nel mondo di oggi dove tutti sembrano essere in questa modalità di sopravvivenza ansiosa e pensano solo a se stessi. Se tutti pensassimo più collettivamente e abbracciassimo la nostra umanità e sofferenza collettiva, le cose potrebbero essere  migliori. Cerco sempre di lasciare le persone e i luoghi pochino meglio di quanto li ho trovati.

Quando hai iniziato il naturismo?

Probabilmente alle 10.

Pensi che ci siano ancora troppe restrizioni sulla nudità e sul corpo?

Sono originario dell’Europa e penso che gli europei abbiano un rapporto più sano con la nudità rispetto agli americani. È solo più normalizzato fin dalla tenera età, le persone hanno meno chiusure a causa di questo da adulti. Non è proprio niente a cui pensi davvero. Sopprimere e vietare alle persone qualsiasi cosa le fa desiderare di farlo ancora di più, in modi più estremi. 

Anche non essere in grado di esprimersi fisicamente ha implicazioni sulla psiche umana e si presenta più tardi nella vita nelle relazioni con gli altri e con se stessi.

Hai mai avuto problemi con la censura IG?

Sono stati davvero gentili con me finora. Cerco davvero di mantenerlo adatto alle famiglie. Voglio dire è solo un sedere. Tutti ne abbiamo uno.

Cosa ne pensi della censura, non hai la sensazione che a volte stiamo andando indietro?

Penso che ci sia spazio e bisogno in certi spazi e ambienti. Ma penso che sia andato fuori di mano e ora è usato per controllare le persone più che per proteggerle.

Pensi di poter essere o di essere stato un’ispirazione per altri?

Nel corso degli anni ho ricevuto così tanti bellissimi messaggi da persone che sono state ispirate in modi che non potevo immaginare. Che si tratti solo di andare all’aria aperta, di cercare di andare a fare una nuotata nuda o addirittura di intraprendere un viaggio di fitness per perdere peso.

È bello che tu abbia dato al tuo acquirente la possibilità di scegliere a chi donare l’ente di beneficenza, perché questa decisione?

Grazie. Perché tutti noi apprezziamo le cose diverse in modo diverso. Ma come ho detto prima, con il nuovo sito web c’è un posto specifico che sostengo ora.

Cosa pensa una persona di nobile carattere di tutte queste ingiustizie che l’umanità fa agli altri?

Sono una persona molto sensibile e solo guardando le notizie mi ritrovo in lacrime più spesso di quanto vorrei ammettere. Semplicemente non capisco come un essere umano possa trattarne un altro in modi così spregevole. Sento che stiamo perdendo la nostra umanità e che la vita umana ha perso il suo valore. Tutto è una questione di profitti e potere. E mi rende incredibilmente triste.

Qual è la tua prossima avventura?

Hawaii

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Ian Stone attraverso i suoi dipinti figurativi, osserva la relazione tra sensibilità queer e di genere. I suoi corpi non mostrano solo la fisicità che tendenzialmente tutti ricercano dell’uomo muscoloso, ma spaziano in altre forme di bellezza analizzando più la parte emotiva del soggetto ritratto. 

Un analisi personale e profonda che rende Ian unico nel mondo dell’arte queer. Ian si chiede come i concetti tradizionali di bellezza e mascolinità possano influenzare la sensibilità queer e che spesso contribuiscono all’omofobia. Un viaggio che Ian attraverso il suo lavoro affronta raccontando storie di uomini gay della porta accanto. 

Ian Stone è anche un tatuatore, potete trovare i suoi lavori nel suo profilo Instagram ianstonetattoo.

Che rapporto hai con le persone che decidi di ritrarre?

Dipende, durante la pandemia, c’è stato un blocco qui a Montreal e così ho deciso di procurarmi i modelli per i miei dipinti online, chiedendo alle persone di inviarmi i loro selfie su Scruff, Grindr e Instagram. Spesso vedevo una foto che mi piaceva e chiedevo loro se potevo dipingerla.

Mi interessavano molto le stanze e gli oggetti di cui si circondavano. Ora scelgo i miei modelli in base ai concetti che sto esplorando. Spesso si tratta di amici o conoscenti, e a volte lancio un appello su Instagram per trovare tipi di corpo più specifici.

Come definiresti il tipo di mascolinità che ritrai?

Dipende dal tipo di lavoro che faccio, ho iniziato con i selfie e quindi quello che sceglievo di ritrarre era spesso basato su pose più effeminate e dato che amo dipingere le mani, spesso sceglievo di dipingere i modelli in base all’aspetto delle mani. Oggi il mio lavoro si basa molto sull’idea di identità di genere.

Ho scelto di allontanarmi dalla rappresentazione gay “ideale” del maschio muscoloso e cesellato e di abbracciare ciò per cui la maggior parte degli uomini viene presa in giro e ha paura di esibire.

Mi piace pensare che se un uomo vuole indossare abiti rosa a fiori o truccarsi, è più per una questione di auto espressione creativa e queer che per il genere.

Lo spazio e la composizione sono molto importanti nei tuoi lavori, che rapporto hai con questi due elementi?

Man mano che maturo nella pittura, mi rendo conto che mi piace molto ritagliare i soggetti in modo molto stretto. C’è qualcosa di molto coinvolgente nell’avere una tela piena di pelle da un bordo all’altro. Sto zoomando di più e sono sempre più interessato a oggetti e parti del corpo specifici che mettono in evidenza idee specifiche relative alla messa in discussione dell’identità e dell’espressione di genere.

Hai mai pensato di autoritratti o farti ritrarre da altri artisti?

È buffo perché ho iniziato la mia pratica artistica esclusivamente disegnando e dipingendo autoritratti.

Avevo perso 120 chili ed ero ossessionato dal documentare il mio aspetto.

Ho smesso completamente una volta terminato il master e ho iniziato a concentrarmi maggiormente sulla ritrattistica. Tuttavia, quando ho realizzato la mia serie di selfie nel 2020, ho fatto due autoritratti. Era giusto includere me stesso dopo aver chiesto le immagini di così tante persone. Ne ho fatto anche uno con l’uccello di fuori. 

Di farmi ritrarre da qualcuno? Perché no? Sono sempre felice di essere il modello di qualcuno, ma non capita spesso.

Cosa pensi dell’attuale mercato dell’arte queer?

È una domanda interessante, di recente ho viaggiato molto e ho visitato molti musei e trovo frustrante che non ci sia quasi nessuna rappresentazione queer nei musei d’arte. Allora penso: se l’arte queer fosse rappresentata, se potessi contribuire alle prossime generazioni di artisti queer, cosa vorrei esporre? Questo mi riporta al motivo per cui ho iniziato a fare arte “queer”. C’è molta arte queer che non mi piace. Trovo che sia spesso basata esclusivamente sul sesso, sulla mascolinità e sui muscoli.

Mi interessa di più l’uomo gay di tutti i giorni nei suoi interni non curati, piuttosto che la fantasia porno che spesso gli uomini hanno.

A volte ritraggo nudità nei miei ritratti, ma non è mai esplicitamente sessuale. Non si tratta di sesso o di cazzo. Si tratta di soggettività queer. L’interesse per me è la creatività, le lotte, i punti di vista sul genere e sulla sessualità delle persone queer e il modo in cui tutte queste questioni differiscono dalla cultura eteronormativa.

Non voglio fare la figura della sgualdrina, ma credo che si possa dire di più con il cazzo nei pantaloni.

L'articolo Ian Stone e il suo uomo gay di tutti i giorni  proviene da Toh! Magazine.

Questi suoi disegni danno un tono diverso a questo nuovo ramo dell’illustrazione contemporanea, unendo l’umorismo oscuro, l’autoriflessione e la bombardante onnipresenza della cultura pop, dei manga e del camp. Filip riesce a creare delle conversazioni figurative a dir poco stridenti, dove si può vedere l’innocenza adolescenziale contaminata dalla mancanza di pruderie, che fa coppia con l’età adulta, ma che è anche enormemente liberatorio. 

È naturale così che si manifesti nei sui disegni il suo amore per l’arte, che deriva dai cartoni animati (Sailor Moon in primis), dalle anime e dalla cultura pop con cui è cresciuto. Il talento di Filip Adrian si rivela chiaramente in ciascuno dei suoi disegni, che è unico nel suo genere e ci porta in un fantastico universo di gomme da masticare rosa al gusto di fragola e veleno verde, con un pizzico di sex appeal queer e camp che ci piace da impazzire… Potere del cristallo di luna, vieni a me!

Quando è nata la tua passione per l’illustrazione?

Mi è sempre piaciuto fare scarabocchi, dipingere, le matite che diventavano acquerello con lo sputo, i pastelli a cera… Al liceo passavo molto tempo su internet perché vivevo in un posto sperduto nella campagna toscana e non avevo amici. Così mi sono fatto una cultura visuale e ho capito che anche gli scarabocchi avevano un loro certo potere e non ho più smesso.

Trovo i tuoi disegni assolutamente divertenti, quando ho iniziato a vederli sono impazzito! Quanto è importante l’ironia in quello che disegni?

Quando uso l’ironia posso raccontare qualsiasi cosa, anche la più oscura, traumatica o inquietante, senza pesantezza e senza creare un certo senso di estraniazione. Se non usassi l’ironia, anche se a volte è più qualcosa che viene da me ed è per me soltanto, non saprei comunicare.

Quand’è disegnando che ti accorgi che hai avuto una buona idea?

Di solito penso prima di disegnare e dopo, non nel mentre. Disegno una serie di visioni, come se fossero fermi immagine di un treno di pensieri. Poi metto via tutto, mi metto a fare altro, così posso rivedere tutto con occhi freschi. Spesso ho delle idee molto brutte.

Cosa speri che le persone possano provare guardando le tue illustrazioni?

Vorrei che si sentissero come quando si reagisce via messaggio/commento con un “LMAO HAHAHAHAHAHAHAHAAHAHAHAHAH ROTFL LOL LOL IO MORTAAA LOLOLOLOL!” con la faccia completamente inespressiva e senza aver neanche pensato di sbilanciarsi abbastanza da sorridere.

Tutto ciò che è artistico e che fa riflettere allo stesso tempo è una forma di espressione ma al contempo anche di ribellione. Cosa ne pensi a riguardo?

La ribellione è molto punk, ma è un po’ meno punk quando vivi nell’agio, nel privilegio e non devi più chiedere a mamma se puoi uscire la sera. A me piace pensare che sia più come prendere qualcuno per mano, in maniera consenziente, e mostrargli qualcosa di non necessariamente nuovo, ma da un punto di vista diverso.

Che rapporto hai coi social media?

Ho passato montagne di tempo sui social media e poi ho un po’ smesso. Mi piace restare aggiornato su cosa fanno le mie amicizie, anche se io non condivido quasi mai niente di personale. Ho smesso di mostrare la mia vita perché preferisco mantenere un po’ di mistero.

Vedere la mia faccia mi stanca molto, e mi stancano un po’ le facce degli altri, però poi mi piacciono i capezzoli, i polpacci, le borse, i capelli, le case, le scarpe, i culi, i costumi, le vacanze degli altri…

Faccio un sacco di screenshot e poi, dopo averli lasciati in qualche cartella a maturare, magari finisce che li disegno. A volte vorrei avere la spensieratezza e la mancanza di autocoscienza, che in fin dei conti sono una benedizione, delle persone che osservo sui social.

La maggior parte degli artisti che intervisto li scopro sui IG però allo stesso tempo credo che abbia fatto dimenticare alle persone come stare davvero insieme in un modo puro. Che ne pensi?

Mi mancano i tempi in cui quando entravo in una stanza e non avevo mai visto prima la maggior parte delle persone e quando ci presentavamo, potevo inventare nomi e persone nuove per intrattenermi ed intrattenere. E mi mancano anche i tempi in cui se non ci vedevamo nella vita vera, potevo solo immaginare dove fossero tutti e cosa stessero facendo. Mi mancano i viaggi fatti con la testa, immaginando cosa stesse succedendo in città, nella nazione, nel continente, nel mondo…

Come descriveresti i tuoi disegni?

Infantili, tittillanti, inquietanti. A volte faccio degli incubi che mi svegliano all’improvviso, ma quando li ripenso quasi mi fanno ridere: è lo stesso processo che uso per pensare a come costruire un’immagine.

Mi accennavi tempo fa alla realizzazione di un fumetto me ne vuoi parlare?

Sto lavorando a due fumetti e un romanzo. Il fumetto di cui ti parlavo è un po’ un progetto segreto. Certo, tecnicamente ne ho parlato persino alle cassiere de Il Gigante sotto casa, alla signora che mi fa il laser alle spalle, e al portinaio dell’edificio in cui lavoro; quindi non posso assolutamente parlarne. Per quanto riguarda l’altro, i miei temi sono spesso gli stessi: nostalgia dell’infanzia, stupidità, un prurito verso il paranormale, imparare sbagliando etc. In questo caso si tratta di una ricerca del benessere provando, in totale stupidità, rimedi non convenzionali e destinati al fallimento. Tipo i sassi carini che non voglio definire con il nome più utilizzato per non attirare odio e rancori.

Se tu avessi un bumper sticker sulla tua bicicletta quale sarebbe?

Premetto che non ne ho uno perché vorrei che la mia bicicletta non fosse riconoscibile, tipo quando la lascio parcheggiata nei posti loschi (il centro commerciale) o quelli sconvenienti (l’ufficio). Per questo scopo avere una grande cassetta colorata sul porta pacchi non mi aiuta. Comunque, se dovessi scegliere un bumper sticker, direi BIMBA A BORDO perché il rosa è il mio colore preferito.

Sei mai scappato di casa da bambino?

Non sono mai scappato di casa perché comunque uscivo da solo tutto il tempo, passavo i giorni fuori e tornavo solo se avevo fame o se tornavano a casa tutti gli altri. Invece, mi piaceva scappare nei posti.

Per esempio mia mamma mi portava a Firenze o Roma o Palermo, e quando tutto diventava troppo noioso e lei si distraeva, mi giravo e scappavo di corsa nella direzione opposta.

Era una cosa di alta magia svanire nel nulla. Quando poi mi annoiavo di nuovo o avevo paura, tornavo indietro a cercarla. Se ci penso è sorprendente che nessuno mi abbia rapito. Probabilmente ero troppo fastidioso per venire rapito. Chissà.

Credi nel karma? È mai tornato indietro qualcosa a ricordarti di qualcosa di cattivo che avevi fatto?

Non mi piace chiamarlo karma, però credo che le cose brutte capitino spesso alle persone brutte. Ho fatto un sacco di cose cattive agli altri, ma mi sono anche fatto da solo un sacco di cose cattive, quindi immagino di aver pareggiato.

Se questo sistema non funzionasse e le cose dovessero essermi davvero tornate indietro, adesso dovrei avere tipo le peggiori malattie incurabili, avere la testa che ruota di 180 gradi e vomitare scarafaggi volanti. Chic!

È anche vero che ho un versamento mensile automatico a Telethon ed ai senza tetto carini una banconota di piccolo taglio la passo volentieri. Non voglio fare della matematica perché i numeri sono per i nerd, ma forse tutto ha senso.

Qual’è il primo pensiero che hai quando ti svegli alla mattina?

E anche oggi non sono morto nel sonno

Subito dopo controllo se è già il momento di iscriversi ad un prossimo corso di acquagym: è una mia nuova ossessione e se non sono veloce abbastanza con le prenotazioni, poi finisco in lista d’attesa e mi scoraggio. L’acquagym è il secondo, ma a volte primo, pensiero che ho quando mi sveglio.

Preferisci una girl band o una boy band?

Vorrei tanto dire una boy band, ma i tipi nelle boy band che mi vengono i mente non sono mai fighi (o se uno è un po’ figo, gli altri 3 o 4 sembrano Mrs. Doubtfire o dei carlini con la messa in piega), mentre le girl band sono iconiche! Che stile, ragazze! Quando avevo 7 anni non pensavo ad altro che alle Spice Girls e alle guerriere Sailor, la girl band più iconica di tutte.

Chi è la tua più grande influenza?

Più che un’unica influenza, ho una specie di monte Olimpo personale in testa con sulla punta una cattedrale politeista piena di altari dedicati a: Sailor Moon, Courtney Love, Isabella Santacroce, Miranda July, Tea Hacic-Vlahovic, Sam Raimi, le Superchicce, Antonio Ligabue, Nathalie Djurberg, Chiara Fumai, Peter Berlin, stagioni intere di Ru Paul’s Drag Race, Ari Aster, Francois Sagat, Hello Kitty, Lana Del Rey, J.T. Leroy, e tanti altri, ma non voglio dilungarmi troppo. Mi distraggo troppo facilmente per farmi influenzare da una cosa soltanto.

Cosa ti imbarazza maggiormente?

Nulla è imbarazzante se non ti senti in imbarazzo, ma quando mi trovo nel posto sbagliato nel momento sbagliato a fare dello small talk, vorrei che si aprisse una voragine nella quale sparire tra fiamme danzanti, demoni con tridenti e cascate di lava. E poi la mia faccia, quella mi imbarazza più di ogni altra cosa.

L'articolo Filip Adrian: l’ironia nella sua forma più bella. proviene da Toh! Magazine.

Jun Lu ha un approccio spontaneo con la macchina fotografica. I suoi soggetti trasmettono un grande senso di libertà offerta anche grazie al nudo maschile che è un elemento ricorrente. Liberazione ed edonismo scorrono nelle immagini di Jun, che cogli e celebra la vita e la sua intensità. Il corpo maschile è offerto ai nostri occhi senza censura e senza pregiudizio, fatto si libertà sessuale. 

Jun, puoi parlarci un po’ di te?

Sono un fotografo e direttore creativo del Texas, attualmente vivo a Brooklyn, New York.

Ammiro il tuo modo di scattare foto, sono così fresche e sexy. Cosa puoi dirci a riguardo?

Sono interessato ad esplorare l’individualità nella comunità gay e queer, spesso in un modo leggero, divertente e sexy.

Chi sono i modelli che fotografi?
I modelli che ritraggo sono amici, familiari, sconosciuti e talvolta amanti. Li incontro nella vita reale, attraverso gli amici, online e attraverso i lavori. Soprattutto sono persone da cui sono ispirato o attratto come esseri umani.

È difficile farli spogliare?
Affatto. Scatto solo ciò che sembra più naturale e confortevole per entrambi. Il consenso è fondamentale e il comfort dei miei soggetti è estremamente importante per realizzare le mie immagini. Ovviamente è più facile ora che ho un portfolio di lavoro che le persone abbiano già un’idea del tipo di immagini che pubblico.

Ti è mai capitato durante queste sessioni di avere momenti di divertimento o quando ti sentivi troppo eccitato?
Quando scatto, la mia mente è in uno spazio mentale completamente diverso, di solito da qualche parte tra l’essere eccessivamente ansioso ed estremamente ispirato. C’è così molta responsabilità che porti come fotografo. Vuoi che tutti siano a proprio agio, vuoi che le vibrazioni siano giuste, la musica deve essere adatta al tuo pubblico, devi capire come vuoi comporre e dirigere il tuo soggetto e devi essere deciso. Questo spesso mi lascia poco spazio per essere eccitato la sotto.

Come è nata l’idea di puntare sulla rappresentazione del nudo maschile. Che cosa ti attrae di più in un corpo?
Sono attratto dagli uomini, quindi naturalmente ero già interessato all’immagine maschile. C’è anche qualcosa nella carne maschile, da burrosa a pelosa alla pelle tatuata e come viene resa in una fotografia che mi entusiasma davvero. Sono anche interessato all’idea che anche le immagini che catturo oggi possano essere rilevanti tra 100 anni. Il nudo maschile non passerà mai di moda.

Che ricordi hai del periodo in cui hai fatto quel fantastico servizio per noi con Casey Spooner?
La dedizione di Casey. E tutti quei custom Prada! Gli ho chiesto di girare alle 7 del mattino a casa sua e ha detto di sì, con il caffè che ci aspettava.

Che rapporto hai con la tua nudità?
Mi sento a mio agio, ma al momento non sono ispirato a girare l’obiettivo verso me stesso.

Come pensi si sia evoluto il tuo modo di fotografare da quando hai iniziato?
Ho trascorso molto tempo in un viaggio per capire chi sono come fotografo. All’inizio ero così concentrato sulle cose tecniche, su quale fotocamera stavo usando ecc. Al giorno d’oggi m’interessa meno questo e più a connettermi con i miei soggetti e concentrandomi sulla creazione di un lavoro che sia profondamente personale.

Se dovessi scegliere una tua foto che pensi si adatterebbe perfettamente a TOH!
quale sarebbe?

L'articolo Jun Lu e la sua versione sexy e leggera del mondo queer. proviene da Toh! Magazine.

Tomás è portoghese, ama la sua terra calda e ricca di tradizioni. Le sue figure dai colori che ricordano gli azulejos rappresentano uomini in movimento, intrecciati tra loro o illustrati singolarmente ma sempre nell’atto di far qualcosa. Una danza di corpi maschili, carichi di sessualità data dalla struttura massiccia del corpo. Tomás con la sua arte innesca a chi osserva la voglia di libertà. Libertà da ogni tipo di gabbia sia fisica che psichica come le sue figure, lineari su sfondi semplici che creano un immaginario minimal, puro.

Blu e bianco, perché questi due colori predominano nella tua arte?

È successo per caso, mentre cercavo di scoprire il modo migliore per esprimere l’emozione di alcuni disegni. Quando me ne sono accorto, il blu ha preso il sopravvento ed è diventato il colore principale che uso. È un colore che dà un senso d’intimità e vulnerabilità, ma allo stesso tempo è orgoglioso e non discreto. Inoltre, stabilisce un rapporto tradizionale con la mascolinità che io cerco di sfidare.

Ci parli un po’ di te?

Sono un artista e architetto di 27 anni, nato in Portogallo. Disegno da quando ho memoria e ora sono felice di vedere che la mia arte mi sta portando in tanti posti. Amo quello che faccio e avere la possibilità di trovare persone che si relazionano con la mia arte e che investono su di me è fantastico.

Qual è il tuo bisogno più grande?

Il mio bisogno più grande è quello di esprimere ciò che sento e di avere il tempo di esplorarlo. Può sembrare banale, ma è importante per qualsiasi artista. Ho bisogno di tempo per capire cosa sto provando e per capire in che modo si riempirà la tela. La maggior parte delle volte, però, accade il contrario: lo metti sulla tela e poi inizi a capire da dove proviene, con analogie e con il processo creativo surrealista.

Chi sono i soggetti che illustri?

Può essere chiunque. Non penso a chi sia quella figura: in un certo senso, quella figura è un concetto. In quanto concetto, può essere portatore di simbolismi che sono soggettivi per gli spettatori.

Quanto è importante per te la forma?

La forma mi aiuta a trasportare le persone nella mia realtà. È essenziale, è la traduzione diretta del mio lavoro. Anche se le mie opere sono molto bidimensionali e in uno spazio vuoto astratto, la distorsione volumetrica delle figure è l’espressione principale della mia pratica.

I tuoi uomini sembrano spesso ballare, è così?

Nonostante non disegni con questa intenzione, molti lo dicono e io lo adoro! Credo che il tipo di contorsione a cui sottopongo le mie figure abbia molte analogie con la danza contemporanea. Per me il disegno è movimento, proprio come la danza. 

Quanto ti senti portoghese?

Il Portogallo è la mia casa, le mie radici. È dove ho scelto di stare adesso, ma non escludo l’idea di vivere in altri Paesi. 

L’arte che crei è apprezzata nel tuo Paese?

Credo di sì. Anche se ho iniziato a condividere il mio lavoro solo di recente, ho avuto buone opportunità di mostrare la mia arte. Tuttavia, la maggior parte dei miei seguaci e collezionisti non sono portoghesi.

Cosa rappresenta l’uomo per te?

Per cominciare, l’uomo è solo un contenitore, una figura che esprime qualcosa. Gli uomini che disegno celebrano le espressioni di genere e decostruiscono la mascolinità in un modo che considero sano, non tossico, bello e necessario. Più che un genere, è un corpo.

Che cosa è essenziale per te?

La pace della mente e il tempo. Detto questo, penso che continuerò a creare.

Come definiresti il tuo modo di creare?

Ho bisogno di tempo, per pensare, non fare nulla e fissare una pagina bianca. In qualche modo, qualcosa verrà fuori. Faccio molti schizzi e quando penso che possa esserci qualcosa di buono, lo provo su una tela. È un processo che non riesco ancora a comprendere appieno, perché lascio andare il controllo in così tanti modi diversi che la maggior parte delle volte il risultato finale mi sorprende. In altre rare occasioni, un’immagine molto chiara mi viene in mente in modo casuale e mi rimane impressa per giorni o settimane, finché non trovo il tempo e lo spazio per materializzarla.

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Per tutto il 2022, le piattaforme di cinema e streaming hanno offerto film LGBTQ+ che hanno deliziato gli spettatori. La rappresentazione queer, sia davanti che dietro la telecamera, si è evoluta con intensità quest’anno, sia per evasione che per mostrare uno specchio della nostra cultura. Lo stesso si può dire della TV, che ha visto “Heartstopper” incoronato come il nostro programma preferito del 2022.

10 – Fire Island (Disney +)

“Fire Island” è una versione gay di “Orgoglio e Pregiudizio” di Jane Austen basata sulla mecca gay di Fire Island a New York, già divenuto un classico queer. Il film segue i migliori amici Howie (Bowen Yang) e Noah (sceneggiatore Joel Kim Booster), insieme alla loro famiglia prescelta, mentre salpano per la loro vacanza annuale a Fire Island.

La gioia queer è al centro di questa commedia romantica di Andrew Ahn. Pur affrontando in modo pratico argomenti di razza, immagine corporea e autostima, “Fire Island” riesce a rappresentare in modo autentico la natura edificante di ciò che significa far parte di una chosen family amorevole.

Questo film è puro spasso, impossibile non identificarsi in uno dei suoi personaggi, la scelta perfetta per una serata cinematografica collettiva.

N.9 – “My Policeman” (Prime Video)

Si è parlato sin troppo di Harry Style nel film di Michael Grandage “My Policeman“, adattamento dell’omonimo romanzo di Bethan Roberts in cui Harry interpreta Tom, un bel poliziotto con un segreto nascosto.

Un dramma romantico per lo più ambientato negli anni ’50, quindi in un periodo in cui l’omosessualità era illegale, e che vede il cuore di Tom diviso tra sua moglie Marion (Emma Corrin) e l’amante Patrick (David Dawson).

Con scene di sesso esplicite e tenere, “My Policeman” è la cronaca di una storia d’amore consumata e condannata sulle rive di Brighton. Il film è destinato a lasciarti con gli occhi appannati man mano che questi personaggi invecchiano e il rimpianto del tempo perduto diventa inevitabile.

N.8 – “In from the Side”

“In from the Side” è la storia di una relazione adulterina tra due membri di un fittizio club di rugby gay. Il film esplora i molteplici tipi di legami che possono verificarsi all’interno di un grande gruppo di uomini gay in un ambiente sportivo di squadra apparentemente iper-maschile e aggressivo, illuminando le tensioni emotive molto reali e le pressioni che questo può creare.

La storia è incentrata su Mark, un membro del club relativamente nuovo e inesperto che ha una relazione disfunzionale con il suo partner disinteressato, e il suo coinvolgimento romantico adultero con il giocatore di rugby più esperto, Warren.

In contrasto tra momenti più leggeri e sorprendenti per un debutto a basso budget, il film punta a un melodramma brillante, dove tutto è amplificato mettendo insieme una partita emozionante e altamente omoerotica, giocata sotto la pioggia battente e il fango, con gli uomini che urlano e si contorcono al rallentatore.

N.7 – “The Inspection”

“The Ispection” è un film drammatico americano diretto da Elegance Bratton ispirato alle sue esperienze di vita reale. Il film segue un giovane uomo che affronta l’omofobia, sia in un campo di addestramento dei marines che a casa da sua madre.

Dopo aver superato i testi fisici necessari per diventare un marine, Ellis French si reca nel campo di Parris Island, nel Carolina del Sud. Quando i suoi commilitoni scoprono della sua omosessualità, Ellis è costretto ad affrontare feroci episodi di omofobia e nonnismo.

Il film è stato acclamato dalla critica e la performance di Jeremy Pope ha ottenuto una nomination ai Golden Globe 2023 come miglior attore protagonista in un film drammatico.

N.6 – “All the Beauty and the Bloodshed” (al cinema dal 23 febbraio 2023)

“All the Beauty and the Bloodshed” è il documentario sulla fotografa Nan Golding che ha trionfato alla 79ª edizione della Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia.

La grazia e la profondità delle sue fotografie sono così sorprendenti che sembra che i suoi soggetti queer ci stiano osservando mentre noi li guardiamo, con quella sorta di sguardo trattenuto attraverso il tempo e la cultura che li rende potenti e unici.

È necessario ricordare quanto sia ordinario e radicale un gruppo di adorabili persone trans che fanno un picnic nel parco, o ascoltare, vedere e sentire come l’epidemia dell’AIDS appariva e si avvertiva per le persone lgbt+ che la maggior parte dell’establishment politico americano sperava solo di vedere morire.

La regista Laura Poitras struttura la storia di Nan durante il documentario, muovendosi avanti e indietro nel tempo in una gigantesca giostra girevole delle fotografie di Nan Goldin con un risultato poetico e potente come la sua arte.

N.5 – “The White Lotus: Sicily” (Sky)

Il successo di una serie come “White Lotus: Sicily” denota una voglia generale di leggerezza, tra tante serie cervellotiche o troppo frivole la serie di Mike White trova quel giusto equilibrio tra il voyerismo delle vite degli altri da social e un mistero irrisolto.

Se la stagione 1 aveva diversi aspetti lgbtq+, in “White Lotus: Sicily” si amplificano: c’è la bromance story tra i due migliori amici Cameron e Ethan in vacanza con le mogli, l’amicizia fluida delle due escort Lucia e Mia, la bollente scena di sesso tra Quentin e il suo “nipote” Jack e ancora Valentina che perde la sua verginità lesbo con Mia in modo gioioso e romantico.

Senza svelarvi altro e in attesa della stagione 3, ci auguriamo che la nostra Sabrina Impacciatore diventi famosa in America perché è ora che qualcuno si accorga del suo innegabile talento.

N.4 – “Everything, Everywhere, all at Once” (al cinema)

Un caleidoscopio action movies sul multiverso, “Everything Everywhere All At Once” dei Daniels è il film più sorprendente dell’anno, una vera impresa che spero faccia incetta agli Oscar 2023. L’assurda commedia drammatica segue Evelyn (Michelle Yeoh), il suo sfortunato marito (Ke Huy Quan) e la sua figlia ribelle (la formidabile Stephanie Hsu, mentre la famiglia viene controllata dall’IRS.

Un mix tra commedia, fantascienza e azione con un grande impatto emotivo, ed effetti speciali da far girare la testa. La quota queer di “Everything Everywhere All At Once” si trova in Joy (Hsu). La giovane donna vuole presentare la sua ragazza a suo nonno, arrivato per la festa di Capodanno cinese della famiglia.

Folle ma pieno di speranza, esilarante e straziante allo stesso tempo, “Everything Everywhere All At Once” parla d’imparare ad amare nonostante le disperazioni della vita. Un film che muove quesiti e che resterà nella tua mente per molto molto tempo.

N.3 – “Euphoria 2” (Sky)

Sebbene non sia una rappresentazione accurata della maggior parte delle esperienze queer che abbiam vissuto personalmente al liceo, la trama forte e realistica della provincia Americana di “Euphoria” ha affascinato il pubblico per due stagioni ed è uno dei pochi spettacoli a mostrare le storie dei giovani LGBTQ+ in modo veritiero.

La due volte vincitrice di un Emmy, Zendaya, nella serie Rue, è la vera protagonista della seconda serie, dove viene sviscerato il suo personaggio di liceale dipendente dalla droga che complica la vita delle persone che la amano.

Tutto sempre sbattuto in faccia senza filtri, tra cheerleader, spacciatori, nerd amanti del teatro, giocatori di football, una cam girl e un papà chiuso in se stesso. Certo avremmo voluto vedere un po’ più Jules (Hunter Schufer), ma di sicuro la nuova stagione in arrivo nel 2023 la riporterà alla ribalta, altrimenti ci sarà una vera e propria insurrezione dei fan.

Sicuramente la serie migliore degli ultimi anni, consigliata ai puritani che non vogliono aprire gli occhi sulla realtà.

N.2 – “Tutto Chiede Salvezza” (Netflix)

Risvegliarsi in un centro psichiatrico dopo un TSO e doverci rimanere una settimana. È questo quello che succede a Daniele (Federico Cesari), un giovane romano, dopo un violento scatto d’ira davanti ai genitori al termine di una serata d’eccessi.

Liberamente ispirata all’omonimo romanzo di Daniele Mencarelli, “Tutto Chiede Salvezza” è una serie italiana che prova ad affrontare un tema ancora considerato tabù: quello delle malattie mentali.

La serie segue Daniele in questa difficile settimana portando lo spettatore a chiedersi se il protagonista abbia davvero dei problemi psichiatrici o se è stato vittima di una reazione esagerata.

In sette episodi, ciascuno per ogni giorno della settimana la serie è un incalzante calvario che diventa scoperta di sé, senza rinunciare all’ironia e all’empatia che scaturisce dai “matti” con cui si trova a convivere ognuno con la sua storia personale, a cui si aggiungono medici e infermieri.

La quota queer è interpretata da Gianluca (Vincenzo Crea), che interpreta il “femminielllo” con il padre militare, e lo fa con una delicatezza e con un realismo che ci è entrato subito nel cuore.

N.1 – “Heartstopper” (Netflix)

La serie “Heartstopper” segue la storia d’amore tra due adolescenti, il gay dichiarato ed intellettuale Charlie Spring (Joe Locke) e l’esuberante giocatore di rugby Nick Nelson (Kit Connor). “Heartstopper” è una serie leggera e gioiosa senza conflitti, ed è esattamente ciò che i giovani queer vogliono: venire a patti con la loro sessualità o identità di genere senza traumi esistenziali, ma con naturalezza tramite l’esperienza e la scoperta di se stessi

“Heartstopper” è la serie che avremmo voluto vedere tutti da teenager perché mostra l’omosessualità nel modo più naturale possibile, senza drammi e senza lo spettro delle malattie.

A meno di un mese dalla sua uscita, Netflix ha rinnovato Heartstopper per altre due stagioni, prepariamoci ad innamorarci di nuovo.

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John MacConnel è un vecchio amico di TOH! Qualche anno fa si è raccontato esprimendo la sua arte ancora giovane e fresca, che con il passare del tempo l’ha portata a una maturazione notevole. L’arte di John MacConnell è esplosa nella sua totale eleganza, che l’ha sempre distinta. Figure maschili che prima erano schizzi adesso sono più definite creando una vera e propria opera. Dai contrasti del bianco e nero John MacConnell azzarda con colori accessi. I corpi ritratti sono intimi e messi a nudo nel vero e proprio senso della parola.

Quanto e come è cambiata la tua arte da allora?

Nel 2014 ho fatto molti progetti per le mie opere d’arte. Tutte le immagini che ho condiviso erano schizzi a penna e acquerello. I soggetti erano principalmente amici che avevo conosciuto tramite Instagram. Non avevo ancora iniziato a realizzare disegni e dipinti sviluppati.

Questo è iniziato subito dopo l’intervista e nella primavera del 2015 ho organizzato una mostra intitolata Instant Gratification.

Oggi mi concentro sulla realizzazione di dipinti a olio e di dettagliati disegni a matita, ma gli schizzi restano ancora una parte importante della mia pratica.

A cosa stai lavorando ultimamente?

Sono attratto dagli spazi sicuri per le persone queer, fisici e virtuali. Il mio lavoro attuale è ispirato soprattutto dai social media. Le comunità online sono spesso luoghi in cui le persone queer si connettono tra loro quando uno spazio fisico sicuro o la distanza sono un problema.

La storia recente ha dimostrato l’importanza di questi ambienti, che meritano di essere registrati tanto quanto i paesaggi tradizionali. Utilizzando queste comunità online, mi connetto con le persone e collaboro con loro per realizzare il mio lavoro.

Attraverso le mie serie Instant Gratification, Pinch Zoom, Rapid Development e Pictura in Pictura, catturo diversi aspetti delle nostre esperienze con i social media, positivi e negativi. 

Il mio lavoro fa riferimento al vocabolario visivo del mezzo e affronta i temi della connessione, dell’adulazione, dell’idolatria e dell’oggettivazione.

Ci parli un po’ dell’importanza che ha per te la figura maschile nei tuoi lavori? 

La figura maschile è il soggetto principale del mio lavoro. Catturare le persone è il mio interesse e il mio talento. 

Mi sembra che il nudo maschile non sia abbastanza rispettato nell’arte contemporanea. Il nudo femminile è un soggetto accettabile, ma il nudo maschile è demonizzato. 

Per me è importante rappresentare il corpo maschile così com’è: bello, vulnerabile, sensuale, forte e complesso.

Dai tuoi primi lavori a oggi è cambiata la visione del corpo e della sessualità maschile? 

No non è cambiata, il corpo maschile è bello in tutte le sue forme, colori e sembianze. È stato meraviglioso vedere una conversazione crescente nei media sul corpo e sulla sessualità. Speriamo di continuare a vedere ulteriori progressi verso l’accettazione in tutto il mondo. C’è ancora molto da fare.

Cosa deve trasmetterti un uomo per essere protagonista di una tua opera? 

Non ci sono requisiti specifici per essere il soggetto del mio lavoro. Tendo a lavorare con tipi creativi: altri artisti, scrittori, ballerini, attori, ecc. 

Mi piace disegnare persone interessanti. 

Quando lavoro con qualcuno, riusciamo a passare del tempo a tu per tu. Ho conosciuto tante persone di talento e con loro ho avuto alcune delle migliori conversazioni della mia vita mentre lavoravo.

Che progetti hai per il futuro?

In questo momento sto preparando un lavoro completamente nuovo. Ho una mostra a Boston nella primavera del 2023. Era da un po’ che non ero così eccitato per qualcosa.

L'articolo John MacConnell e il corpo maschile forte e complesso. proviene da Toh! Magazine.

Creatore di vari contenuti multimediali, Marc Turlan è un artista molto conosciuto che vanta numerose mostre. Marc scatta fotografie e video focalizzandosi sull’uomo e lo studio del corpo e della sessualità che esso trasmette. Nudi en plein air e nudi più intimi chiusi tra le mura, si alternano manifestando la libertà di essere se stessi che Marc Turlan trasmette con la sue immagini.

Chi è Marc Turlan, ci parli un po’ di lei?

Sono un artista; con il mio lavoro cerco di creare ritratti di oggi. Mostrare il desiderio, il mio desiderio, l’erotismo, l’amore…

Come e quando hai iniziato a dedicarti all’arte?

La questione dell’arte è entrata nella mia vita molto presto, attraverso i mosaici romani all’inizio del mio apprendistato, poi attraverso la fotografia e la collaborazione con altri artisti.

Quando e come hai iniziato a focalizzarti sulla figura maschile?

Penso fin dalla mia prima mostra, nel 2006, alla villa Noailles di Hyères, dove ho utilizzato foto tratte da riviste. Ma negli ultimi anni mi sono concentrato esclusivamente su ritratti maschili sia per le foto che i video.

Ci parli un po’ dei contenuti che crei e delle varie forme artistiche che adoperi?

Ho realizzato e continuo a realizzare collage e molte fotografie. Ma spesso per le mie mostre cerco metodi di stampa diversi, ad esempio su tessuti.

Come definiresti il tuo modo di creare?

Studi sul porno

I tuoi modelli sono tutti gay?

Mi piace immaginare la fluidità dell’arte come generi e non porre il genere come un limite o una scelta di base.

Molti dei miei modelli sono gay, ma sento un’evoluzione e una maggiore fluidità che spero di poter mostrare presto.

Cosa ti diverte di più?

L’editing delle foto: quando guardo le foto scattate da solo è un momento di vero entusiasmo.

Chi sono gli uomini che utilizzi per i tuoi lavori?

Cerco di mostrare gli uomini della mia vita, gli uomini che incontro, gli uomini su cui a volte fantastico, gli uomini di tutti i giorni.

Quanti taboo secondo te hanno ancora gli uomini nel manifestare la propria libertà sessuale?

Abbiamo la folle e preziosa possibilità di poter manifestare liberamente sessualità plurali complesse e libere.

I tabù in Occidente sono quelli che decidiamo di avere.

Sono molteplici e variegati: il che è anche piacevole.

Nella tua vita ti sei sempre sentito libero di manifestare il tuo essere?

Ci vuole una vita per esprimere ciò che si è. Ma ancora una volta abbiamo questa meravigliosa possibilità di scegliere, di essere liberi!

L'articolo Marc Turlan e i suoi corpi nudi. proviene da Toh! Magazine.