Nato dall’amore per i bozzetti di grandi nomi come Karl Lagerfeld e Yves Saint Laurent, il suo percorso lo ha portato a lasciare il mondo del design di moda per abbracciare pienamente la sua identità artistica. Con uno stile che combina colori audaci, senso narrativo e un’irresistibile vena di leggerezza, Justin Teodoro celebra il glamour, la fantasia e il fascino intramontabile delle celebrità.

Dai progetti con marchi iconici come Hugo Boss e Shiseido, fino alla recente collaborazione con Madonna per il “Celebration Tour,” Justin ha dimostrato la capacità di tradurre il suo personale punto di vista in opere che emozionano e raccontano storie. In questa intervista, esploriamo il suo mondo creativo, le sue ispirazioni e la visione di un artista che continua a lasciare il segno nell’industria della moda e oltre.

Quali sono le principali ispirazioni dietro il tuo stile?
Sono sempre stato ispirato dalla cultura pop, come la moda, l’arte, la musica e i film. Tutti questi elementi influenzano il mio stile. Mi piace molto disegnare persone, quindi nei miei lavori ci sono sempre volti e ritratti. Inoltre, i miei disegni hanno spesso un senso narrativo. Penso che avere un messaggio e un punto di vista in ciò che disegno influenzi il modo in cui lo faccio.

La moda e le celebrità giocano un ruolo importante nelle tue illustrazioni. Come la cultura delle celebrità e il mondo della moda influenzano il tuo stile?
La cultura pop ha sempre influenzato il mio lavoro e il mio stile. Da bambino ho scoperto la moda grazie alle riviste Vogue e Harper’s BAZAAR di mia madre, e guardavo sempre film, televisione e video musicali. Tutte quelle immagini vivide sono rimaste impresse nella mia immaginazione, aiutandomi a sviluppare il mio occhio e il mio gusto estetico.

Ciò che amo della moda e della cultura pop è che si tratta di un mondo di fantasia, qualcosa di più grande della vita che può offrire una fuga dalla quotidianità.

Cerco quindi di portare quella fantasia e leggerezza nei miei lavori, attraverso l’uso dei colori, l’inclusione di citazioni specifiche o testi di canzoni, mantenendo sempre un tocco di divertimento e umorismo per rendere tutto più pop.

Cosa ti ha portato a combinare moda e arte dopo anni come designer di moda? Come si è evoluto il tuo stile nella transizione all’illustrazione?
Sono stato molto fortunato nella mia carriera nella moda. Ho vissuto un’esperienza straordinaria e ho imparato moltissimo. Tuttavia, dopo otto anni come designer di moda femminile a New York, mi sono reso conto che, pur amando la moda, forse non ero destinato a essere un designer. Ero sempre più attratto dal lato illustrativo del design. Ricordo che i bozzetti di Karl Lagerfeld e Yves Saint Laurent sono stati molto influenti per me.

Quando ho iniziato a orientare la mia carriera fuori dal design di moda, ho ricominciato a disegnare per me stesso e ho riscoperto il mio amore per l’illustrazione.

Così, combinando il lato artistico con quello legato alla moda, tutto ha iniziato a prendere senso: era una combinazione naturale dei due mondi.

Come artista, il tuo stile cambia ed evolve sempre con te man mano che cresci, ma credo che l’essenza rimanga la stessa. Forse oggi disegno in modo leggermente diverso rispetto a cinque anni fa o uso nuovi strumenti, ma quella sensazione e quel punto di vista restano costanti. Se c’è stata un’evoluzione importante, penso sia che ora sono più sicuro del mio lavoro e della mia visione.

Puoi raccontarci della tua esperienza nel team costumi per il “Celebration Tour” di Madonna?
Lavorare per un’icona come Madonna e far parte di quel team è stato davvero un sogno che si avvera. Tutti quelli con cui ho collaborato erano gentili e incredibilmente talentuosi, il che ha reso l’esperienza ancora più memorabile.

È stato sicuramente un lavoro molto impegnativo, ma ero pronto a fare tutto ciò che era necessario. Sono stato coinvolto come illustratore nel team dei costumi e ho collaborato con i designer per interpretare le loro idee e illustrare gli outfit che sarebbero finiti sul palco durante il tour.

Lavorare per Madonna e vedere la mia arte orbitare intorno a lei è stato un sogno.

È stata un’esperienza intensa ed entusiasmante che mi ha messo alla prova in modi creativi straordinari. Ho imparato moltissimo ed è stato un onore far parte di quel progetto.

Come hai reagito quando ti hanno detto che avresti lavorato con la Regina del Pop?
Ero al settimo cielo! Ogni giorno al lavoro pensavo:

“Se quel Justin di 12 anni che passava il suo tempo a disegnare e ascoltare la musica di Madonna, potesse vedermi ora, impazzirebbe!”.

È stato davvero un sogno oltre ogni immaginazione.

Qual è stata la sfida più grande nel creare campagne per marchi importanti come Hugo Boss, Richemont e Shiseido?
La sfida principale è sempre quella di trovare il modo di adattare le proprie idee e il proprio stile all’identità del cliente e del brand. Bisogna anche lavorare con grandi team e personalità diverse, gestendo le dinamiche di gruppo e le comunicazioni. Sono stato fortunato perché i marchi con cui ho collaborato erano interessati a lavorare con me per utilizzare il mio stile e la mia arte per promuovere i loro prodotti e la loro immagine. Penso che queste collaborazioni, quando aperte e reciproche, rendano il processo più facile e anche più divertente.

Pensi che il consumismo frenetico nella moda contemporanea e il frequente cambio di designer tra i marchi abbiano un impatto negativo sulla creatività?
Dal mio punto di vista, osservando l’industria da dentro e da fuori, credo che il consumismo frenetico e il continuo cambio di designer possano rendere le cose un po’ caotiche. Ma questo è il mondo in cui viviamo, soprattutto con i social media.

Non solo vogliamo sempre novità, ma le pretendiamo e le diamo per scontate.

Siamo bombardati da idee e informazioni continuamente. Quindi, mentre questa esigenza di creare costantemente può a volte diluire la creatività, penso che il pubblico abbia ancora l’occhio per riconoscere la genuina creatività in mezzo a tutto questo caos. Potrebbe non essere sempre evidente, ma riusciamo comunque a coglierla.

Quali marchi o designer trovi più interessanti al momento?
Mi piace molto Jonathan Anderson da Loewe. Amo tutto quello che sta facendo lì. È davvero brillante nel branding e nello storytelling, e ha una visione che combina moda e arte, che adoro. Inoltre, penso che sia uno dei pochi designer innovativi che fanno avanzare l’industria.
Mi piace anche la nuova ondata di giovani designer come Christopher John Rogers, Zankov, Bode, Commission, Willy Chavarria e Wales Bonner. Tutti loro creano abiti non solo ben realizzati ma con un forte punto di vista e individualità. E fanno abiti super portabili, bellissimi e davvero speciali, proprio il tipo di stile che mi piace indossare.

Secondo te, quali sono i principali cambiamenti di cui l’industria della moda ha bisogno per rimanere rilevante e sostenibile?
Penso che ci siano troppe stagioni, troppe collezioni, troppe capsule e collaborazioni che ti fanno pensare che non abbiamo bisogno di così tanti prodotti. 

Quali aspetti del mondo delle celebrità ispirano e influenzano maggiormente il tuo lavoro?
C’è quel senso di glamour e fantasia “old school” nella cultura delle celebrità che mi attrae molto. Ma penso che molte delle illustrazioni che faccio di celebrità non siano solo perché sono famose, ma perché sono persone che ammiro e che significano qualcosa per me. Quindi, che siano attori, cantanti, modelli, artisti o scrittori, sono tutti creativi che hanno influenzato il mio lavoro, e i miei disegni sono, a modo mio, un omaggio a loro.

Se potessi disegnare un abito per una figura storica, chi sceglieresti e cosa gli faresti indossare?
Mi piacerebbe disegnare e progettare con Cecil Beaton. Ho sempre amato il suo stile personale e la sua estetica. Non so se mi permetterebbe davvero di disegnare per lui, ma mi piacerebbe avere una sessione di disegno con lui, mentre posa con i suoi iconici completi da dandy.

Sarebbe incredibile.

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A fare da protagonista è il colore, che è una delle componenti più emotive che caratterizzano il lavoro di Daniel. Quei toni a volte violenti sono capaci di guidare i nostri stati d’animo o aprirci la porta verso ambienti privati, eccitanti o malinconici.

Daniel Torrent immortala e trasformare gli impulsi fisici, in riflessioni sui desideri e sull’intimità maschile. Questa è una transizione, da qualcosa di puramente fisico a qualcosa di emotivo che cela sfaccettature di attimi privati e fanno riflettere sulla condizione di vita della comunità omosessuale.

Daniel ci parli un po’ di te?

Anche se la mia laurea è in Storia dell’arte e ho anche studi in regia di cinema, ho fatto un dottorato in belle arti e finalmente ho studiato illustrazione. Dal 2011 lavoro come illustratore e scrittore specializzato in albi illustrati, generalmente per un pubblico infantile o giovanile, anche se i soggetti che tratto sono spesso adulti: le perdita, l’arte, la malinconia, e con personaggi che fungono stereotipi. Questo lavoro comunque l’ho sempre accompagnato con le mostre di pittura in gallerie.

Quando hai capito che avresti voluto raccontare un arte incentrata sul corpo maschile e tutte le sue sfaccettature?

Fin dalle mie prime mostre, dedicate rispettivamente ai baci e alle metamorfosi di Ovidio, la fisicità dei corpi, in gran parte maschili, è stata molto presente. Dopo questi inizi e dopo un periodo di diversi anni in cui mi sono dedicato principalmente all’illustrazione per libri, è giunto poi un periodo in cui ho avuto un pò di tempo libero per fare quello che volevo.

A quel momento, avevo rotto con il mio partner ed ero confinato a casa da solo. Capisci che quello che volevo disegnare erano uomini nudi e coppie innamorate, hahaha.

Era un lavoro nato liberamente, caso vuole che dovevo fare una mostra in un museo vicino a Barcellona, al curatore sono piaciuti quei disegni ed è quello che abbiamo esposto. È così che questi illustrazioni sono diventati qualcosa di pubblico e qualcosa di ufficiale.

Intimità e scene di sesso sono due elementi molto presenti nel tuo lavoro, ce ne parli?

Per me l’intimità e le scene di sesso non sono due temi diversi, ma piuttosto il sesso, così come baciarsi, cucinare insieme o dormire l’uno nelle braccia dell’altro, fanno parte dell’intimità, della relazione. Il sesso, infatti, mi interessa per i suoi aspetti relazionali, comunicativi o di complicità.

La mia prima intenzione non è quella di eccitare con i miei disegni, anche se non mi sembra male, infatti le opere che mi piacciono di più sono quelle che hanno un maggior grado di astrazione nella rappresentazione del corpo.

Piuttosto, il mio intento è quello di mostrare il rapporto che si instaura tra due corpi: le mani e la bocca assumono il ruolo più importante, molto più degli organi sessuali, che spesso non sono nemmeno visibili.

I tuoi colori sono molto vividi e intesi, se vuoi come quelli scelti dall’occhio libero e felice che solitamente hanno i bambini. Come sei riuscito a mantenere questi approccio in modo così naturale?

Per un po’ ho dato lezioni private di disegno a bambini di cinque anni, e ho imparato tanto da loro quanto dall’accademia. Erano bambini molto talentuosi. Mi sono reso conto che lavoravano in modo molto intuitivo, fidandosi completamente delle loro impressioni e senza preoccuparsi molto del fatto che fosse fatto bene o meno. Era semplicemente un modo di elaborare la realtà in un modo diverso e ottenevano risultati altamente espressivi.

Da allora, senza dimenticare la mia formazione più classica, cerco di fidarmi maggiormente del mio istinto.

Combino questo con l’osservazione per esagerare qualsiasi variazione cromatica che mi sembra di vedere, specialmente nei toni della pelle, e dare vita ai disegni. A volte uso solo il colore perché mi piace l’effetto che ha.

Cosa ami del corpo maschile?

Forse ciò che più mi attrae del corpo maschile è l’energia, anche se mi piace anche lavorare con l’abbandono di questi corpi potenti, ad esempio durante il sonno, dove si crea un’ambivalenza molto interessante.

Come mai secondo te il sesso per noi uomini gay è così importante e sempre presente?

Non credo che il sesso sia più importante per i gay che per gli etero. Penso che quello che succede è che hanno cercato di negarci il diritto al sesso, attraverso la religione o la morale etero patriarcale, per noi il sesso è una conquista, forse è per questo che lo rendiamo più presente, perché ha qualcosa di sfida, orgoglio e soddisfazione per aver raggiunto qualcosa di così fondamentale, non senza fatica sociale ed emotiva.

È per questo che la maggior parte degli artisti gay fa spesso del sesso è sempre materia di studio nei loro lavori, che ne pensi?

Com accennavo gli artisti gay lavorano sul sesso per rendere esplicito qualcosa che per la moralità ben pensante dovrebbe essere soppresso o rimanere nascosto. Ecco perché credo che ci sia una sovra rappresentazione di quelle parti più sfidanti del sesso, tuttavia non c’è così tanta rappresentazione dell’affetto tra gli uomini. Penso che il problema possa derivare dal nome stesso con cui veniamo designati: omosessuali, come se solo il sesso -e non l’affetto ci definisse. E se siamo gay solo quando facciamo sesso, purtroppo io non sarei più dell’1% omosessuale.

Nel mio lavoro il sesso fa parte dell’affetto, l’amore che esiste tra due uomini. Non è mai sesso anonimo, ma un’altra espressione di complicità.

Nel tuo lavoro è come se fossero presenti due opposti come dolcezza e aggressività del gesto. Passiamo da momenti intimi di una coppia a corpi durante l’atto sessuale. Che ne pensi di questi due lati della stessa medaglia ?

Non la vedo come una rottura, penso che ci sia un passaggio graduale dalla tenerezza alla passione senza contraddizioni, e molte volte si mescolano. In effetti, c’è un’esplorazione globale dell’intimità tra uomini, che molte volte supera il regno strettamente gay, negli spogliatoi, nello sport di contatto, a volte semplicemente due ragazzi che leggono con uno che appoggia la testa sul grembo dell’altro. Non sappiamo se sono omosessuali, ma sappiamo che il loro livello d’intimità gli ha fatto rompere la distanza che in qualche modo è richiesta a noi uomini.

Mi parli della scelta di colorare di rosso alcune zone dei corpi?

Il rosso è il colore più caldo e vibrante di tutti, a volte lo uso per esprimere la temperatura della pelle, altre semplicemente come risorsa estetica.

Da dove trai ispirazione per le scene che disegni?

A volte lavoro con modelli, altre con fotografie, ma devo sempre connettermi emozionalmente con ciò che sto disegnando.

La passione e l’essere “caliente” è qualcosa che accomuna i nostri due paesi. Hai mai avuto un fidanzato italiano? Da chi hai imparato la mia lingua?

Sono stato a Bologna per un corso Erasmus al DAMS, li ho imparato a parlare italiano. Ho avuto e ho ancora amici italiani, anche se nessuno è stato mio fidanzato. Se c’è qualche volontario mi faccia sapere

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Le sensazioni che Alejandro Manzano Tomás sono quelle che corrispondono a quelle che prova nei suoi sogni, che qui si colorano grazie a matite e pennarelli. I The Cranberries hanno fatto da accompagnamento ad Alejandro mentre disegnava queste tavole influenzandone molto il processo di creazione.

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Horacio Abdala è un illustratore nato in Argentina nella caotica e ricca di cultura città di Buenos Aires. Da sempre appassionato per il mondo dell’illustrazione, riesce a toccare argomenti piccanti come il sesso in maniera del tutto divertente. Colorato e tecnicamente grafico, i suoi lavori variano da spade e pistole a forma di peni, a dei teneri uomini bears che trova fisicamente più attraenti, dove fuoriesce il lato più profondo ed emotivo che quello spinto e sexy. I lavori di Horacio Abdala più espliciti si possono trovare nel suo ig account Horno, mentre quelli meno espliciti in Soft Horno.

Horacio Abdala incarna sicuramente l’uomo ideale, caldo a letto e tenero nella vita.

Come definiresti il tuo lavoro?

Attraverso i miei due progetti Horno e Soft Torno, cerco di esprimere due lati della sessualità. Nel primo il lato più erotico, fisico e divertente, nel secondo quello più emotivo.

Com’è nata la passione per le tue creazioni erotiche ?

Mi è sempre piaciuto guardare i porno! Ma la verità è che quando ho iniziato a fare Horno,

la mia intenzione era di dare un approccio diverso al sesso, mescolarlo con l’umorismo e togliere un pò di tabù da certe cose.

Nei tuoi lavori troviamo delle parti esplicite come i peni illustrati come se fossero delle dita, quanto è importante per te l’ironia?

Penso che l’ironia nel mio lavoro sia qualcosa che uso un pò come chiave, nella vita reale sono anche piuttosto sarcastico, ecco perché si riflette nelle mie illustrazioni.

L’ironia mescolata all’umorismo rende molto più facile trasmettere determinati messaggi che altrimenti potrebbero essere molto scioccanti. Mi piace l’impatto moderato.

Come nasce la scelta dei soggetti da illustrare? Sono immaginari o persone vere?

Quando disegno Horno, non penso a delle persone in particolare, solo situazioni e corpi che potrebbero appartenere a chiunque.

Mi ispira molto di più la situazione che il personaggio.

Soft Horno, è soprattutto la mia immaginazione, ma a volte mi ispiro ai dettagli di alcuni ragazzi che mi piacciono, ma quasi mai ad una persona in particolare.

Una delle due opere che mi ha colpito maggiormente è il pene versione pistola, come mai hai deciso di ritrarlo così?

Per fare quell’illustrazione, sono partito dalla parola “sborrata” e successivamente ho provato a fare un gioco tra l’immagine e il significato, è una controversia tra le due parti. Quindi le interpretazioni sono libere.

In soft horno, il tuo account instagram dove pubblichi illustrazioni più censurate troviamo molti uomini orsi, come mai? E’ una scelta che deriva dai tuoi gusti sessuali?

Penso che in Soft Horno la mia idea principale sia quella di mostrare una parte più emotiva e non ho davvero alcun interesse a mostrare uomini nudi o che fanno sesso.

Per quanto riguarda gli orsi, si, amo gli orsi! Trovo molto più interessante disegnare corpi con curve che muscoli. 

Cosa ti colpisce maggiormente in uomo?

E’ difficile descrivere cosa mi piace particolarmente degli uomini. Ma trovo molta poesia nel corpo e nelle sue curve, nell’intensità, rusticità e tenerezza, nella mescolanza di tutto.

Com’è sessualmente parlando Horacio?

Sono come in Horno!

Hai altre passioni oltre all’illustrazioni, quali?

Mi piace molto ascoltare la musica, cercare nuove band e stili. Faccio sport, mi piace molto la ginnastica artistica e acrobatica.

Come e dove ti piacerebbe vederti tra dieci anni?

Mi vedo dipingere immagini molto grandi di peni, orsi pelosi e fluidi! Nel mio studio, da qualche parte nel mondo. Viaggiando attraverso le mie mostre.

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Richard Kilroy attraverso le sue opere è riuscito a farsi notare al punto da entrare a far parte di una mostra collettiva realizzata da Dior nel 2010 e realizzare nel 2017 l’artwork per l’album Diamonds del leggendario Elton John. Ha inoltre collaborato con brand noti della moda. Lo stile di Richard Kilroy dall’inizio del suo percorso artistico ad ora è cambiato notevolmente. Prima realizzava dei soggetti con uno stile realistico e scontato, che però non gli apparteneva, tanto da farlo stare male.  Adesso è riuscito e continua a sviluppare un nuovo stile e modo di illustrare. Blocchi dello stesso colore sono le sue figure umane che disegna, uomini dal fisico scultoreo che ricordano le figure greche. Forme molto essenziali e grafiche che riescono a formare le sontuose forme del corpo maschile. Richard Kilroy trae ispirazione da vecchie riviste gay o semplicemente dalla sua immaginazione. 

Richard oltre ad essere un illustratore è anche editor e scrittore, fondatore della fanzine Decoy che spera di poter riprendere il prossimo anno dopo cinque anni di assenza.

Come e quando è nata la tua passione per l’illustrazione?

Penso che proprio come ogni bambino, che abbia un potenziale talento, quando viene elogiato e riceve approvazioni per i propri disegni, ha fatto nascere in me il desiderio di avere successo in questo ambito godendone i risultati. A scuola disegnavo di tutto: videogiochi, cascate, alberi, macchine ed edifici. I personaggi dei videogiochi in particolare con i loro corpi e costumi da combattimento sexy, solitamente più di donne che uomini. 

Comunque la mia prima vera ossessione da illustratore è stata per l’Art Nouveau, in particolare per Alphonse Mucha, con la sua linea grafica, le composizioni incredibili e le esagerazioni di forme naturali ed i tessuti erano totalmente nuove per me.

Le figure umane che disegni spesso sono colorate interamente dello stesso colore, perché questa scelta?

Questo è solamente il risultato di aver voluto esplorare il colore dopo aver trascorso anni utilizzando il colore minimale, affrontando i miei limiti. Mi ero davvero stufato del mio stile.  Dopo dieci anni ,mi sono sentito in un vicolo cieco a livello creativo. Ero frustrato dal tipo di commissioni che il fotorealismo incoraggia a dover fare.  Non ero abbastanza ispirato. Il fotorealismo è un campo minato  se non stai attento può diventante banale.  

Alla fine non ce la facevo più, era un continuo realizzare dei ritratti a persone che non trovavo così eccitanti e impiegavo tanto tempo a terminare l’opera.

Ho raggiunto il picco in una commissione per realizzare l’artwork promozionale dell’’album Diamonds di Elton John nel 2017. Mi hanno pagato molto bene e ne sarò per sempre grato, ma piuttosto che aprirmi le porte, per me è stata più la chiusura di un capitolo.

Posso ancora fare dei lavori simili se i soldi sono tanti, ma il mio cuore non è lì in questo momento. Ecco perché ho iniziato a cambiare il mio modo di illustrare, anche se è stato un po’ più lento di quanto avrei voluto ed è ancora in evoluzione.

Mi piace disegnare, utilizzando tutta la pagina. Ho evoluto anche la linea della silhouette. Tutto si riduce alla forma, ho un occhio naturalmente grafico per forma e composizione. Trovo che disegnare curve femminili non mi entusiasmi più. Sono ossessionato dalle linee che il corpo maschile può offrire, ovviamente spinte dalla mia carnalità di uomo gay.

Tra i tuoi lavori troviamo diverse illustrazioni di moda di noti brands come Gosha RubChinskiy, Balenciaga, Vivienne Westwood, sono state delle collaborazioni volute da loro o è stata una tua scelta illustrarli? Cosa ti piace e ti accomuna a loro?

La maggior parte sono commissioni per magazine (online e cartacei). Solo pochi sono stati direttamente richiesti dai brand, come Canali e John Smedley. Come gli illustratori di moda e gli artisti in generale, ci esprimiamo attraverso le nostre scelte creative. Le mie scelte erano solitamente dettate perché trovavo un modello particolare interessante e l’abbigliamento era qualcosa che invece avrei voluto indossare. Detesto disegnare abiti in particolare qualcosa di incredibilmente complesso come la maglieria.

Nel 2010 la casa di moda Christian Dior, ti ha commissionato di realizzare un disegno per la mostra Dior Illustrated, come ti sei sentito a far parte di questo grande evento? 

Sono stato molto molto fortunato. Avevano pianificato qualcun altro ed io ero l’opzione successiva.

Ero appena uscito dall’università, al verde e poco professionale. Non sapevo chi fosse René Gruau l’artista su cui si basava l’intera mostra. Pensavo che i soldi fossero fantastici, ma ripensandoci non lo erano, ma è va bene così.

Oggi non ho più quel metodo di illustrare, era troppo letterale e rigido, anche se credo ancora oggi  di aver risposto concettualmente bene al brief che mi fu richiesto. È stato il mio primo cliente al di fuori dell’università e rimane ancora oggi  il più prolifico. Il cliente era Dior Parfums e Somerset House.

Parlando di arte erotica, troviamo anche delle illustrazioni di uomini nudi, cosa ti suscita disegnarli? 

In parole povero sono gay e mi piace il maschio nudo. Creo partendo dall’immagine che trovo di modelli e foto vintage porno, o semplicemente libero la mia immaginazione. Non mi eccito o masturbato mentre lo faccio. Adoro Tom of Finland, ma non mi eccita guardare il suo lavoro.

Come in qualsiasi livello di attrazione naturale, il tuo sguardo si ferma maggiormente su ciò che trovi bello e sorprendente. Vuoi trasformare quell’apprezzamento in qualcosa di tangibile e condividerlo in qualche modo.

Cosa pensi dell’arte queer? 

È uno sbocco inestimabile per secoli di repressione, il risultato di tale cambiamento e l’ accettazione sociale negli ultimi decenni.

Gli uomini che ritrai hanno sempre un bel corpo equilibrato, cosa ti piace in particolare del corpo maschile ? 

Qualunque cosa! Qualcuno ha paragonato i miei disegni ad una qualità greca del disegno figurativo. Tutto ciò non è stato deliberato o considerato, ma posso comprendere come mai questo venga affermato.

Oltre ad essere un illustratore sei anche un redattore e scrittore, come riesci a conciliare tutte le tue mansioni? 

L’editor e la scrittura non sono qualcosa che ho fatto da cinque anni. Alcuni anni fa ho creato la mia fanzine “Decoy”, e  Menswear Illustration un libro che ho scritto per una casa editrice sull’illustrazione dell’ abbigliamento maschile. Stavo lavorando al numero nuovo di Decoy, in lavorazione dopo cinque anni dall’ultimo numero, si stava trasformando in qualcosa di eccitante con altri fantastici illustratori queer, ma con il covid e il lockdown tutto quello che avevo pianificato è diventato molto più difficile o semplicemente impossibile. È in attesa a tempo indeterminato, spero che possa riprendere nel nuovo anno.

Di cosa scrivi ?

Solo sul lavoro di altri illustratori e influenze.

Hai degli artisti del passato o dei giorni oggi a cui ti senti molto legato stilisticamente e umanamente ? 

Un’enorme influenza per me è stata George Stavrinos, un illustratore americano tragicamente morto di AIDS nel 1990, all’età di 42 anni. È stato uno dei pochi illustratori a lavorare nello stesso tempo sia come noto illustratore in riviste di moda che in riviste gay come Blueboy. Il suo approccio agli uomini era particolarmente sexy.

Ho creato un instagram all’inizio del lockdown per celebrare il suo lavoro (@georgestavrinos), ma è molto difficile trovare immagini ad alta risoluzione dei suoi lavori. Per vari motivi il suo lavoro non è mai stato promosso e ricordato in modo efficace. Ho trascorso innumerevoli ore a ricercare, archiviare e pubblicare ogni giorno per diversi mesi i suoi lavori. Da allora, un bel po’ di noti designer dell’industria della moda e figure giornalistiche hanno seguito l’account ,e hanno inviato messaggi per dire quanto amavano il suo lavoro e cosa significava per loro, felici di rivivere tutto di nuovo e di far rivedere il lavoro di George Stravrinos. È stato un vero privilegio per saperne di più oltre alle sue capacità tecniche, parlare con i suoi amici e quelli che lo conoscevano.

Che rapporto hai con la movida lgbtq+ londinese?

Beh, assolutamente nessuno quest’anno. Vorrei poter uscire ma non esco come una volta. A Liverpool e Leeds non c’era niente e non ho mai veramente fatto nessun tipo di esperienza o parte di una comunità significativa.

Spostandomi dal nord ho aperto gli occhi al sesso e ho affrontato le mie insicurezze. Trasferirsi a Londra mi ha aperto gli occhi, il pensiero di uno strip club ad esempio mi terrorizzava. Odio ancora quei luoghi, l’insicurezza e la disperata ricerca di convalida che gocciola dai muri.

Non mi sono mai piaciute la scene gay di South London o Soho, che sono troppo sexy o semplicemente trappole per turisti. East London ha sicuramente una forte comunità creativa lgbtq + intrecciata con la moda e l’arte, ed è qui che ho creato delle amicizie e sono riuscito a connettermi con questi luoghi.

Che progetti hai per il futuro?

Sviluppare ulteriormente il mio lavoro. Vorrei magari poter perdere tutto il peso che mi blocca, e vorrei prendermi più cura di me stesso e della mia salute mentale. Vorrei riuscire ad apprezzare il poter disegnare anche qualcosa di diverso dalla forma maschile. Una cosa alla volta però.

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Come e quando hai cominciato ad interessarti all’illustrazione?
Jamie Edler: Mi sono innamorato dell’illustrazione sin dalla tenera età, amo il modo in cui è presente nelle nostre vite, che sia in maniera sottile o più esplicita. L’illustrazione è anche un modo per iniziare una conversazione su argomenti che possono suonare astratti o difficili da trattare, e ha la forza di avere un impatto sui punti di vista, le attitudine e le opinioni delle persone, a volte senza saperlo.

È un mezzo che può essere utilizzato in maniera divertente, ma è anche un modo per raccontare ciò che è difficile da capire o da spiegare. Così come molti creativi, disegno sin da quando ho avuto la capacità di tenere una matita in mano (beh, perlopiù si trattava di cavalli e sirene, ma hey! bisogna pure iniziare da qualche parte!). Ho cominciato la mia carriera da freelance nel 2017, subito dopo essermi laureato alla Falmouth University.

Qual’è la tua più grande fonte di ispirazione?
La mia risposta potrà suonare un po’ un clichè, ma è la vita di ogni giorno – cerco la serenità e la curiosità nel banale. Amo le pubblicità vintage, le copertine dei libri e l’estetica ‘city-pop’. Amo anche tenermi aggiornato sulla moda e integrarla nelle mie illustrazioni. Molta ispirazione arriva anche dai film, nello specifico il cinema internazionale: mi piace osservare il modo in cui la composizione ed il colore vengono utilizzati per trasmettere una emozione o un preciso momento storico.

Spesso i tuoi lavori prendono la forma di poster o di copertine. C’è una ragione particolare per questo tuo modo di utilizzare il testo e le immagini?
Mi piace che le illustrazioni abbiano un contesto in cui esistere, che sia reale o immaginario. È divertente impostarle all’interno di una struttura specifica, e la tipografia è in sè una estetica precisa nonchè un modo di dare una cornice alle immagini. Amo poi i vecchi poster e le pubblicità d’epoca, e mi piace quindi sperimentare in questa direzione.

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[Questa intervista è stata tradotta dall’inglese e pubblicata in Italiano. Una traduzione automatica attraverso Google è disponibile tramite il menù in alto]

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Il rapporto che si crea tra Matthew Robins e la persona che accetta di farsi ritrarre è fondamentale per l’artista per portare al termine la sua opera. Matthew adora disegnare i peli e i fondoschiena di uomini che amano prendersi cura del proprio corpo.

Lo sfondo delle sue opere è spesso arricchito da piante. Il rapporto che ha con la natura è molto forte, trova la natura sexy. Ha da poco iniziato un progetto che lo vede ritrarre dei selfie di uomini nudi inviati tramite Instagram.

Matthew Robins si ispira ad artisti come Picasso, per la sua continua evoluzione stilistica e la necessità di dover continuamente cambiare tecnica pur mantenendo sempre la sua identità. 

Le tue opere vedono come protagonisti uomini nudi, come avviene la selezione per far si che vengano ritratti ?

Disegnare persone durante il disegno dal vero tende ad essere la maggior parte delle volte piuttosto accademico e le pose sembrano molto legnose. Mi piace per questo motivo lavorare con persone creative: altri artisti, ballerini, persone che capiscono che il mio lavoro consiste semplicemente nel passare qualche ora insieme e nel cercare di immortalare parte di quel tempo sulla carta. Di solito provo a passare un po’ di tempo chattando con persone nuove, capire se saranno abbastanza rilassati e se l’energia sia giusta.

Il processo di selezione è diventato più raffinato negli ultimi due anni,  ho imparato a riconoscere le persone noiose e soprattutto i narcisisti estremi, dato che sono le persone meno interessanti da disegnare e so che il lavoro non andrebbe bene. 

Mi piace raffigurare persone che si prendono cura del proprio corpo e persone con cui è divertente uscire. Se le persone hanno posato spesso come modelli, per loro diventa troppo normale, non riesco più a catturare quell’energia umana che cerco di avere nel mio lavoro, per questo motivo tendo ad evitarli. Il progetto di selfie a cui sto lavorando è un po’ diverso in quanto dipingo partendo dalle foto. Un’idea a cui ero totalmente contrario in passato, ma essendomi ispirato ad artisti come Eric Fischl, ha iniziato a incuriosirmi un pò di più. Il processo di selezione per questi lavori è molto più semplice, vedo se una foto è sexy o interessante.

Spesso a incorniciare i corpi nudi troviamo delle piante, perché questa scelta? Che rapporto hai con la natura?

M’interessa il mix di colori, le tonalità della pelle in contrasto con toni vegetali. Blu e verdi seduti fianco a fianco con rosa marroni e viola, le forme fluide delle foglie si sposano molto bene con le curve del corpo umano. Le piante sono sexy, hanno un aspetto fantastico, ma esistono anche per riprodursi. Il sesso è importante per le piante ed è importante per il mio lavoro. Nonostante il sesso sia la nostra ragione principale per essere su questo pianeta, molte persone sembrano invece aggiungergli strati extra di complessità. Le piante mi aiutano a ricordare di pensare più semplicemente riguardo al sesso. Sono cresciuto in campagna e per un po’ sono stato giardiniere part-time per mantenermi.  

Le piante sono sempre state intorno a me e mi piace averle nel mio studio tanto quanto i ragazzi che disegno.

Che reazioni credi provino le persone che decidono di spogliarsi per te? 

Cerco di far sentire le persone a proprio agio non appena arrivano in studio. Le rassicuro anche sul fatto che essere eccitati è una reazione davvero fantastica che rende divertente il mio lavoro. Penso che alle persone piaccia essere guardate. Spesso però mi sento anche molto vulnerabile come se fosse la prima volta. Improvvisamente c’è una persona nuda di fronte a me e posso sentirmi timido per i primi minuti.

Le tecniche che utilizzi per disegnare sono sempre diverse, cosa scaturisce in te il dover provare nuovi modi di illustrare? 

Gli artisti che ammiro di più sono Picasso, Hockney e Matisse, disegnano e dipingono in molti modi diversi, ma il loro lavoro ha lo stesso spirito riconoscibile. 

Ho studiato illustrazione all’università, dove siamo stati incoraggiati a trovare il nostro stile, ma credo che nell’arte questa sia una strada senza uscita. Quando mi sento troppo a mio agio con la pittura o con qualsiasi tecnica stia usando, preferisco cambiare lo strumento o cambiare la posizione della persona che sto ritraendo.

Cosa ti trasmette osservare un corpo a pochi centimetri da te? Riesci a mantenere la concentrazione per il tuo lavoro?

No, non sempre. Dipende anche dall’altra persona e dal suo umore. 

A volte siamo riusciti a fare solo un disegno prima che mi distraessi e potessi finire il mio disegno. Altre volte sono davvero entusiasta e mi diverto a cavalcare l’energia che la sessualità crea. Ecco perché mi piace scegliere modelli che mi eccitano, crea un’energia incredibile quando si è entrambi in una stanza a godere i propri ruoli.

Qual’è la parte che preferisci illustrare di un corpo maschile? Perché?

Mi piacciono molto i peli del corpo, è molto divertente disegnarli perché si tratta di fare segni ritmici. È così orribile quando i modelli si presentano e si sono rasati i peli del corpo.

Mi piace anche disegnare un bel sedere, può cambiare forma in modo così sottile, ma puoi catturarlo in due o tre linee fluide, se si è dell’umore giusto. Sono semplicemente belli.

Come nasce il progetto di ritrarre dei selfie che ti inviano?

Chiedo sempre alle persone che vogliono mettersi in posa di inviarmi foto di se stesse prima di incontrarle, per vedere come sono nude, e per cercare di capire la loro personalità. 

Se le foto sono davvero sexy e totalmente disinibite, allora so che saranno brave a posare per i miei disegni. Penso che le persone vogliano essere guardate, soprattutto gli uomini. Molti dei miei followers su Instagram hanno l’abitudine di mandarmi foto dove sono eccitate o in situazioni stravaganti e cosi ho iniziato ad affascinarmi all’idea di ritrarli in questa serie di selfie.

Cosa fai nella vita quando non disegni? 

Faccio film e spettacoli teatrali dal vivo, canto e recito. 

Lavoro con i burattini e l’animazione. Ho appena ricevuto una vecchia Xbox 360 che qualcuno ha buttato via e che spero non s’impadronisca della mia vita.

Le creazioni di Matthew Robins si possono acquistare su Etsy .

L'articolo Matthew Robins: “Il sesso è importante per il mio lavoro”. proviene da Toh! Magazine.

Fin da subito ha disegnato quello che desiderava esattamente come dovrebbe fare qualsiasi artista. Ora grazie a tutto quello che dipinge e crea Guang Ye ha un noto seguito di Followers sulla sua pagina Instagram e di estimatori. Nelle opere di Guang Ye la tensione erotica è sempre presente. La sua capacità di mescolare l’oriente con l’occidente è sorprendente, soprattuto nella raffigurazione di corpi muscolosi in ambiti sensuali ed intimi.

Da dove vieni? Mi parli delle tue origini?

Provengo da una famiglia di contadini nel bel mezzo della Cina. Mi piace disegnare dall’età di sette anni. Ho ricevuto una formazione artistica formale nella scuola superiore, a causa del mio scarso livello d’inglese, non sono riuscito a frequentare la scuola d’arte che mi piaceva, quindi mi sono solamente diplomato in una scuola di design.

Quando hai capito che volevi essere un artista? Quale altro lavoro o professione avresti voluto fare?

Dopo aver lavorato per cinque anni ho capito che non volevo fare altro che arte. Se mi fosse stata offerta un’altra scelta sarei voluto diventare un attore.

Chi sono i soggetti dei tuoi quadri?

Beh, il riferimento della mia arte potrebbe essere qualsiasi uomo con un forte simbolismo maschile, incluso il mio fidanzato, i miei amici, i collezionisti d’arte o il laborioso fattorino che puoi vedere per strada.

Mi piacciono i tuoi riferimenti omoerotici da dove vengono?

Dal mio diario fotografico, dalle raccolte su Internet o da ricordi ed impressioni.

Come descriveresti la tua arte?

La rappresentazione dei corpi nei dipinti era un tabù nell’etica umana. Un oggetto può avere significati diversi se interpretato da prospettive diverse, mentre la natura dell’oggetto rimane identica. In altre parole, la nostra comprensione del mondo è spesso limitata, o peggio, fuorviata dalla nostra soggettività.

Il mio lavoro consiste nel trasformare gli impulsi fisici, in riflessioni sui desideri umani e sulle cicatrici che hanno lasciato. Questa transizione, da qualcosa di puramente fisico a qualcosa di emotivo, riflette per me la condizione di vita della comunità omosessuale.

Siamo passati dai parchi ai social media, dove i desideri vengono visualizzati e digitalizzati. Le comunicazioni sono diventate più spontanee, la desertificazione delle emozioni umane ha lasciato più persone nella disperazione di fronte alla sensazione di “nulla”. Quindi la mia arte è il ritratto degli individui nell’era dell’informazione. Il panorama della nostra moderna società.

Che cosa ti dà più libertà di espressione rispetto ai media che stai usando?

Il coraggio di accettare e abbracciare il mio vero io, è sufficiente per liberare l’espressione ultraterrena.

Il fondoschiena è spesso presente nei tuoi disegni, se dovessi nominarne tre parti del corpo maschile che non ti stancherai mai di ritrarre quali sarebbero?

Un bel cazzo, un fondoschiena sodo e gambe muscolose.

Ho letto su Internet che hai dipinto più di 1000 corpi maschili, sono tanti! Quando hai capito che volevi dipingerli in un contesto sessuale?

Nel momento in cui oso riconoscere il mio vero io ed il mio desiderio.

Cosa significa per te l’erotismo?

L’erotismo per me è come una boccata d’aria frescavi serve per sentirmi vivo. Il desiderio è vita e nutre creativamente la mia arte e l’esplorazione di me stesso.

Pensi che per noi, uomini gay, il sesso sia sempre così importante?

Per quanto mi riguarda, l’omosessualità deriva dalla sottomissione di un uomo alla bellezza allettante del corpo maschile e della mascolinità. Per essere chiaro alla bellezza del cazzo.

Noi gay possiamo solo soddisfare i nostri desideri psicosessuali attraverso la carezza e la penetrazione tra due uomini. Per aspera ad astra. (Attraverso le asperità si giunge alle stelle.)

Adoro il modo in cui tratti i corpi nella tua pittura, potresti parlarne per favore?

Essendo cresciuto nella cultura tradizionale cinese, mi piace lasciare la tela parzialmente non dipinta, in modo che la superficie possa respirare. L’opera d’arte appare spaziosa e viva. Mi piace inoltre visualizzare, nei miei studi sul corpo maschile, una traccia dritta attraverso le linee curve, dando agli spettatori lo spazio per riflettere.

Cosa non smetterai mai di fare?

Creare ed esprimere.

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Nato in Basilicata, nella storica città di Matera, Stefano cresce in un contesto borghese ma non evita le curiosità che la strada possa portagli. A 18 anni decide di trasferirsi a Milano dove intraprendere e consegue gli studi in Art direction e Marketing della pubblicità. La grande città iniziava a stancarlo cosi decide di tornare alla sua città d’origine che lo lega fortemente, dove si sente più libero, tranquillo e dove riesce a trovare ispirazione e concentrazione per ciò che ama fare.

Le opere di Stefano presentano linee e scelte cromatiche molto semplici, quasi naïf che fanno sognare chi le guarda, provando una sensazione di delicatezza e leggerezza. Riesce attraverso la sua creatività a raccontare delle storie che possono risultare spensierate ma che in fondo hanno anche un forte peso. Spazia con le basi per le sue opere, dalle grandi tele a dei piatti o pezzi ti stoffa.

Stefano inoltre è il fondatore insieme a un gruppo di ragazzi della Seal Factory un’associazione culturale senza scopo di lucro dove attraverso l’arte e la letteratura vorrebbe coinvolge e riunire bambini rimasti orfani e donne vittime di violenza. Tra i tanti progetti futuri, la voglia di trasformare la sua casa in un salotto  culturale come fece Andy Warhol con “The Factory”.

Alla ricerca di Serafino” è il progetto artistico che stai portando avanti, Chi è Serafino?

Serafino è il mio migliore amico, ma anche il mio peggiore nemico…immaginario! È il mio guru, ma anche la mia arma di distruzione. Serafino è quella voce che quando sei giù ti da la spinta per tirarti su. In pratica ognuno di noi ha un Serafino con sé, questo è abbastanza ovvio; ma molti non sanno di averlo o meglio, se lo sono dimenticati. Serafino, in effetti, è facile da dimenticare, perché è quell’emozione o sensazione che provi nel compiere un’azione che ti fa tornare bambino, una cosa che gli adulti non fanno proprio tutti i giorni. 

È propio lì, in quel preciso istante, che Serafino nasce; ma come tutti i bambini ha bisogni di energie per crescere. Bisogna alimentarlo cercando continuamente questa sensazione per garantire a Serafino una via di crescita protetta. Il suo cibo è la sua creatività. Senza, Serafino non ha senso di esistere.

Serafino dunque non è solo il mio migliore amico, ma anche il tuo migliore amico. Vive in un mondo immaginario dove non gli è possibile toccare realmente sentimenti ed emozioni se non attraverso qualcuno che gliele trasmetta. Può, dunque, assorbire la felicità come l’odio, ma non sa di essere felice o arrabbiato, proprio come un bambino che sta ancora scoprendo chi è. 

Io e Serafino ci conosciamo da sempre; ma gli ho dato un volto di recente, in un giorno di pioggia, poco dopo essermi licenziato. Finalmente trovavo del tempo per dedicarmi alla mia arte. Mi sono detto: “Bene, hai voluto fare arte, ora torna a disegnare” ed ho disegnato Serafino.

Come riesci a vivere con il tuo alter ego? Che rapporto hai con lui?

È difficile vivere con il propio alter ego, questo è un dato di fatto. Un giorno ti senti Courtney Love e l’altro Leonardo Di Caprio a mollo appoggiato alla tavola di legno.

La tua nave è affondata, ma il tuo amore in salvo e perdi tutte le tue forze prima di collassare del tutto. Comunque, Serafino non è il mio alter ego, bensì una figura che mi segue sin da quando ero piccolo ed è presente nella mia vita nel bene e nel male.

Ti capita di arrabbiarti con Serafino? Se si perché?

È normale, anche se io e lui viviamo in due mondi completamenti diversi e difficili da comparare. Serafino è molto dispettoso, mi mescola i colori mentre disegno facendomi sbagliare o mi rovescia tutti i vasetti di miele dalla dispensa. Penso che lo faccia perché è goloso; ma non potrò mai essere davvero arrabbiato con lui, perché lui solo non mi abbandonerà mai.

Da dove nasce la tua esigenza di disegnare? Qual’è stato il tuo percorso?

Io sono dislessico, cosa che quando ero ragazzino non significava niente, ancora. Perciò, non riuscivo a esprimermi in modo chiaro e nessuno mi insegnava come fare. Ho trovato nell’arte un canale di comunicazione immediato e sincero, che ha alimentato la mia passione, nata per esigenza e trasformata in dedizione.

Sono cresciuto, per mia fortuna, in una famiglia dove l’arte e la libertà di essere e di esprimersi non sono mai mancate. Sono cresciuto con Topolino, Fantasia e canzoni che inneggiavano alla rivoluzione e al cambiamento che mi hanno sempre fatto riflettere sulle differenze socio-culturali.

Alle medie, la mia professoressa di Arte mi diceva che non avrei mai avuto futuro nel campo artistico perché ero al di fuori degli schemi, riuscivo a vedere quello che non c’era, semplicemente perché più sensibile della media. 

Questo non mi ha fermato. Mi sono iscritto al liceo artistico di Matera, città mia d’origine, dove mi sono specializzato nel settore accademico. 

Non potrò mai scordarmi una delle mie più grandi fan, la mia docente di disegno Marta Salonna. Ricordo che un giorno dovevamo consegnare come esame di ultimo anno prima di diplomarci la riproduzione di un’opera. Io scelsi Burri. Mi misi nel cortile della scuola dentro una cornice di legno di 2x2m a bruciare buste di plastica con un accendino e della lacca per capelli. Forse per i fumi tossici o qualche altro motivo è nata in me l’esigenza di creare e stare a contatto con tutto ciò che è materico.

A 18 anni mi sono trasferito a Milano. E chi c’era mai stato a Milano! Mi sono laureato allo IED in Art direction e Marketing della pubblicità. Pensavo che potesse diventare il mio percorso, ma stavo solo mettendo da parte il mio vero essere per inseguire un sogno che nemmeno io volevo realmente che si realizzasse.

Dopo molti anni trascorsi a Milano hai deciso di tornare alla tua città originaria, Matera, come mai questa scelta?

Sono stato sempre legato alla mia terra, alle mie origini, al mio dialetto e a quella taranta che non ti fa mai smettere di ballare. Matera per me non è solo la città dove sono cresciuto, ma il mio parco giochi. Ho avuto la fortuna di crescere nei Sassi. Una specie di terra di nessuno dove tutto era possibile. Potevi costruire capanne, costruire fortini per le guerre di quartiere, arrampicarti sulle rocce, stare a contatto diretto con la natura e assaporare tutte le sue meraviglie senza aver mai la paura di farti male.  

Sono cresciuto in strada, ma in un contesto borghese. Ho sempre visto nella mia città un incredibile potenziale artistico. Parliamo pur sempre di una delle città più antiche del mondo, dove la mancanza di prospettiva e queste stradine che creano labirinti uno sopra l’altro ti danno un senso di libertà. Dove non esiste cemento e puoi toccare la texture del tufo corroso dagli agenti atmosferici, la roccia viva che sprigiona calore con le sue mille sfumature di grigio e questi alberi di fichi che con arroganza sfondano muri, tetti, pavimenti e crescendo ti regalano il frutto della vita. Ecco perché sono tornato a Matera: ero stanco di essere una macchina, un numero, un cavallo con i paraocchi.

Stavo dimenticando cosa fosse il vero valore del rispetto che non ha nulla a che fare con l’educazione. Ero stanco di svegliarmi con l’idea di fatturare, lavorare troppe ore al giorno ed sfruttato da un sistema di capitalismo estremo. Avevo bisogno di fermarmi, tornare all’essenza e alla base della mia felicità.

Dove trovi l’ispirazione per i tuoi lavori? Come definiresti il tuo modo di dipingere?

L’ispirazione dei miei lavori nasce da una forte complicità con Serafino. Noi non stiamo sempre insieme: ogni tanto ci dividiamo e quando ci rincontriamo iniziamo a raccontarci tutte le avventure che abbiamo vissuto. Da lì che partono le idee che raccontano una storia che viaggia tra il reale e il fantastico. 

La mia arte è fatta di forme pure ed essenziali, togliendo  tutto ciò che è superfluo e lasciando l’essenza, l’anima dell’essenza. Il mio è un mondo colorato, dove i colori primari fanno da padroni e il nero e il bianco diventano degli amanti. Sono sempre stato colpito dall’arte greca. Infatti, artisti come Alekos Fassianos e Dimitris Mytaras mi sono di ispirazione. Per quanto riguarda i colori direi senza ombra di dubbio che Mirò ha fatto la sua parte. 

Ho cercato di portare la mia arte dentro a un mondo fatto di Innocenza e Fantasia. Non saprei definire onestamente il mio modo di disegnare. Alcuni la chiamano Arte contemporanea, Arte Naïf. Io non la etichetto semplicemente così: do vita alla mia Creatività.

 Cosa ama fare nel tempo libero Stefano ? E cosa ama fare Serafino?

Come dice il grandissimo orso più geniale della storia, Winnie The Pooh: “Il dolce far niente spesso porta alle cose migliori”. Esattamente questo. Inizio a camminare senza meta e a fare cose senza senso. Faccio la prima cosa che mi viene in mente. Poi la seconda, la terza. Questo non perché non abbia di meglio da fare, ma perché credo che quell’orsetto abbia propio ragione: alcune volte non devi far nulla per essere felice. 

Serafino, invece, non si ferma mai. Fa capriole, piroette, si tuffa nei barattoli di colore rovesciandomeli tutti e scappa dappertutto. Conta quante nuvole ci sono in cielo e quante si riflettono nelle pozze d’acqua a terra. A lui piace rincorrere i Lumin, che sarebbero delle speci di lucciole, per creare effetti luminosi duranti le sue raffigurazioni teatrali delle ombre.

Pensi che il tuo compagno di vita un giorno si possa allontanerà da te? Ti spaventa l’idea?

Ovviamente, il pensiero a primo istinto mi terrifica; ma Serafino l’ho perso per 10 anni già una volta e lui è rimasto li ad aspettarmi. Quindi la cosa non mi terrifica affatto. Anzi, mi spaventa il fatto che dovrò portarmelo con me tutta la vita! A volte diventa geloso se conosco qualcuno che non sto nemmeno qui a raccontartelo, cosa è capace di combinare.

Quando crei ti piace avere della musica in sottofondo, se sì cosa ami ascoltare?

Amo molto il silenzio e i suoni naturali quando creo. Non ho bisogno di musica per creare. La musica è più nella mia testa. Il cervello crea le note e la mia mano come un bravo direttore d’orchestra dirige l’intera banda. Compaiono totalmente dal nulla spartiti, strumenti, sedie. L’auditorium si riempie di strumenti e la tromba è lo strumento degli angeli. Nei dipinti del Rinascimento, quando c’erano degli angeli erano a suonare la tromba, forse donatagli da Dio stesso. Ecco, la mia mente funziona nello stesso modo. Se mi capita di ascoltare della musica preferisco senza dubbio la musica classica o quella balcanica.

Come ti senti appena porti al termine un lavoro o progetto artistico?

Alleggerito, come penso succeda a tutti gli artisti. Allo stesso tempo non mi affeziono mai a nessuna mia opera, tanto da non essere mai soddisfatto al 100%. So che scuserete la modestia…trovo che le mie opere siano belle; ma se mi abituassi a questo pensiero non sarei invogliato a creare qualcosa di ancora più significativo. La mia arte è un’arte narrata. Chi compra le mie opere non acquisisce solo un un quadro o un disegno ma possiede un pezzo di una storia non imitabile.

Stai sviluppando nuovi progetti artisti in questo periodo? Cosa ci riserverai per il futuro?

In questo periodo sto sviluppando un progetto che mi sta molto al cuore, si chiama Seal Factory, un’associazione culturale, fondata da me ,Roberto Guagnano, Vittoria Caldarola, Alice Bignardi e Olga Bartzoka. un gruppo di giovani ragazzi uniti da un unica passione in comune per l’arte e la cultura.

Insieme abbiamo deciso di fondare un associazione non a  scopo di lucro tramite la quale vogliamo organizzare progetti che creino consapevolezza riguardo al mondo dell’arte e della letteratura e parlino soprattutto alle categorie di persone che, personalmente, ci stanno più a cuore: in particolare i minori orfani e le donne vittime di violenza. Per questo i progetti che Seal Factory vuole realizzare nei prossimi sei mesi sono tutti pensati per viaggiare e raggiungere per prime Atene e Berlino.

La prima cosa che faremo, sarà trasformare la mia casa a Matera in un salotto culturale. Ci faremo ispirare da Andy Wharol che negli anni ’70 metteva la sua factory a disposizione di altri artisti.

Oltre al tuo amico immaginario, c’è una persona fisica molto speciale nella tua vita?

Questa è una domanda un po’ “prezzemolina”. Come i bohémien ci hanno insegnato bisogna vivere in povertà per amore dell’arte.

Alcuni dicono che non si vive d’amore, io ribadisco il contrario, Bisogna vivere in nome dell’amore perché senza amore non c’è stimolo e senza stimolo non c’è creatività.

Quindi direi che in questo momento l’unico amore che sto vivendo è l’amore per i miei cani, la mia famiglia e i miei amici che mi supportano e sopportano ogni giorno. Magari qualcuno leggendo questo articolo avrà voglia di scrivermi ed allora potrò rispondere diversamente a questa domanda.

L'articolo Stefano Sigillino ci presenta il suo goloso Serafino. proviene da Toh! Magazine.