Tra debutti, sorvegliati speciali e vecchi leoni che difendono il territorio, il messaggio è chiaro: la moda non perdona il compromesso benché meno chi non ha idee. 

I debutti

Versace – Dario Vitale

Il primo designer “esterno” a guidare Versace ha scelto un esordio che non strizza l’occhio al fan da Instagram ma al DNA profondo della maison. Vitale ha parlato apertamente della storia del brand e del suo fondatore, riportando in passerella sensualità, stampe e codici originari, ma filtrati da uno sguardo meno gridato.

Risultato: chi conosce Versace solo per la Medusa luccicante o per il glamour da red carpet è rimasto deluso. Eppure, paradossalmente, questa collezione è stata molto più Versace di quanto sembri. Vitale ha ricordato che Versace non è solo un logo, ma un linguaggio. È un inizio che spiazza, e per questo divide.

Jil Sander – Simone Bellotti

Bellotti non ha cercato scorciatoie: ha scelto il minimalismo puro, quello che non cede al superfluo. Tagli netti, colori sobri, nessun effetto speciale. Un ritorno all’essenza che ha senso in un mondo saturo di rumore. Ma il rischio è grande: in tempi così veloci, il silenzio deve saper urlare.

Bottega Veneta – Louise Trotter

Trotter ha celebrato i 50 anni dell’intrecciato senza trasformarlo in reliquia, ma come filo conduttore della collezione. Ha tenuto insieme artigianato e rigore, femminile e maschile, con una visione misurata e coerente. È un debutto solido, quasi didattico.

Il problema è che Bottega non vive di “compiti ben fatti”: a lungo andare servirà più tensione, più rischio, altrimenti resta solo un bell’esercizio di stile.

Gucci – Demna

Demna ha cancellato la passerella per sostituirla con un film, “La Famiglia”. Una scelta che ribalta l’idea stessa di show. I codici Gucci ci sono, ma raccontati attraverso un’estetica domestica, a tratti dissacrante. Il punto è che, togliendo lo spettacolo, Demna ha creato ancora più spettacolo: il gesto stesso è diventato la notizia.

Demna è genio o autoreferenzialità? Dipende da quanto sei disposto a seguirlo in questo cortocircuito.

Gli altri

Antonio Marras

Patchwork, damaschi, fiori, check: Marras non si modera mai. È un caleidoscopio visivo che affascina e sfinisce insieme. È pittura in movimento: chi entra nel suo mondo resta catturato, chi cerca leggerezza si perde.

Etro

Massimalismo dichiarato: gonne con spacco, jeans stampati, stratificazioni di colore e pattern. Etro non chiede scusa, anzi rivendica la sua natura iper-decorativa. Una coerenza che può essere virtù, ma anche gabbia soprattutto per il designer Marco De Vincenzo (uno tra i migliori in circolazione) che risulta imprigionato dentro un loop che non gli permette di essere se stesso al 100%

MM6 Maison Margiela

Il menswear più riuscito del womenswear, layering, trasparenze e tagli incompiuti. La collezione è fedele al linguaggio della casa, ma rischia di sembrare più disordinata che sovversiva. L’imperfezione può essere forza, ma solo se guidata. Bellissima la location e il casting un po meno la colonna sonora

Missoni

Ha portato in passerella la sua leggerezza, ma con un twist pragmatico: capi pensati per muoversi dal lavoro al tempo libero. È Missoni, sì, ma con un occhio alla funzionalità. La sfida? Restare poetici senza cadere nella banalità del “pratico a tutti i costi”. 

N°21

Dell’Acqua ha lavorato di sottrazione: stratificazioni trasparenti, toni leggeri, silhouette portabili ma non banali. È moda concreta, ma non piatta. Un equilibrio raro, che in tempi di estremi risulta quasi rivoluzionario.

Prada

E poi c’è Prada, che resta il baricentro di Milano. Nessun debutto, nessuna crisi d’identità: solo la solita capacità di dettare il tono della stagione. La collezione ha dimostrato ancora una volta che Prada non segue, guida. E soprattutto ricorda a chi arriva che la differenza tra “bravo” e “storico” è una questione di linguaggio. Prada continua a parlare la lingua che gli altri, appena arrivati, devono ancora imparare. 

La lezione di Milano

Milano non è stata né nostalgia né rivoluzione. È stata un test di autenticità. Vitale ha ricordato che Versace non è solo un logo, Bellotti ha scelto il silenzio del minimalismo, Trotter ha mostrato rispetto senza sbavature, Demna ha trasformato un’assenza in evento. Gli altri hanno resistito, ognuno a modo suo.

Quello che resta chiaro è questo: oggi non basta esserci. Se non imponi una visione — che sia rumorosa o sottilissima — diventi sfondo. E Milano, più che mai, non ha spazio per chi resta nel mezzo.

L'articolo Milano Fashion Week SS26: debutti, déjà-vu e conti in sospeso proviene da Toh! Magazine.

Ad aprire la kermesse la poesia di Antonio Marras, il designer sardo che punta tutto sull’emozione, sulla forza delle donne partendo da Grazia Deledda come riferimento.

Grazia Deledda è un personaggio che non avevo mai avuto il coraggio di sfiorare, che ho sempre ammirato da lontano per pudore ma questo mi sembrava il momento giusto per raccontare la storia di come una donna determinata può raggiungere i suoi obiettivi.

Antonio Marras

Grazia Deledda nasce a fine Ottocento, ha la quarta elementare, decide di fare la scrittrice e si trasferisce a Roma dove sposa un uomo che diventa il suo segretario: con costanza, forza e determinazione alla fine ottiene il premio Nobel nel 1926 per la letteratura.

Per raccontare questa storia che, come sempre per lo stilista, parte dalla Sardegna, Marras ha disegnato una collezione “nuragico-moderna, arcaico-contemporanea”. In passerella, cappotti e abiti realizzati come antichi tappeti sardi, maglioni di lana grossa incrostati di pizzi e ricami, stampe floreali e pantaloni-calza, completi di broccato e maxi felpe portate con il kilt lungo per tutti.

Diesel da sempre combatte per la democrazia e non è solo la montagna di 200.000 preservativi che fa da scenografia ad una collezione libera, piacevole e sperimentale il cui punto di partenza è la sex positivity.

Glenn Martens poco alla volta sta portando il brand di Renzo Rosso verso un mondo più couture senza dimenticare lo streetstyle e il clubbing. Il suo approccio ironico ma riflessivo non è da sottovalutare.

Insoddisfazione, inadeguatezza, disagio esistenziale e il tipico atteggiamento di chi è abituata alla nonchalance: più che l’abito può l’attitude misto al linguaggio del corpo che da solo racconta e abbatte i cliché trasformando le regole in possibilità di cambiamento, stravolgendo le abitudini e i riferimenti che perdono il loro significato primo.

La collezione di n21 by Alessandro Dell’Acqua mette in crisi le certezze e mette in discussione abiti e luoghi d’abitare (che poi sono i vestiti stessi) riempiti di cultura e di abitudini culturali che segnano la vita e la moda nel nostro contemporaneo.

In sottofondo la voce di Monica Vitti, negli abiti la sensualità e la femminilità di Jeanne Moreau e le contraddizioni rinchiuse tutte dentro la nuova borsa, Edith che è desiderabile senza avere l’arroganza di voler diventare una it bag. 

Alessandro Dell’Acqua ha iniziato a lavorare pensando a due figure femminili create dal cinema degli anni Sessanta ma che sembrano caratterizzare molto i nostri tempi. Monica Vitti e Jeanne Moreau nel film La notte, ma anche la sola Vitti in Deserto rosso, di Michelangelo Antonioni.

Sono gli anni della messa in discussione e dell’insoddisfazione provocata dai traguardi sociali raggiunti. Ma anche quelli della scoperta della sensualità, perfino dell’erotismo, insieme all’uso spregiudicato per l’epoca – della scaltrezza e della perfidia. Sono gli anni in cui cliché della provincia italiana e della media borghesia si sgretolano messi di fronte a un mondo in mutazione. Certo, poi ci sono riferimenti al periodo d’oro di Prada e di Lang ma ci stanno tutti perché non sono urlati, non sono copiati, sono omaggi.

Oggi al designer interessa lo stesso atteggiamento che ricerca il nuovo senza nascondersi nella comodità delle certezze e per questo ha messo insieme molti cliché del guardaroba femminile per meglio identificarli, stravolgerli, abbatterli o semplicemente sdrammatizzarli. In questo modo Dell’acqua sceglie di lavorare non attraverso le forme e volumi ma dando ai vestiti la possibilità di mettersi al servizio di un linguaggio del corpo molto libero che così diventa automaticamente anche molto sofisticato. BRAVO.

A quanto pare la sartoria è il “nuovo” Graal della moda e questo vuoldire che MM6 è sulla buona strada. Il team di creativi per la prossima stagione ha presentato pezzi ibridi su misura, stratificati di cultura, umanità e poi decostruiti/ricostruiti.. come fosse un best of degli insegnamenti di Martin.

Da sempre il team di creativi di MM6 ha delle regole ben precise tra cui quella di avere sette modi diversi per interpetare il concetto del gruppo di tre (modulazione di assemblare e smontare i capi dando loro diversi significati e funzioni).

Ora, anche se alcuni pezzi sembravano piuttosto elaborati i risultati li ho trovati interessanti per via della loro realtà concettuale. Il compito di MM6 è quello di rendere i vestiti cool ma comunque indossabili per questo non gliene frega niente di finire sulle riviste patinate ma di essere indossati dalle persone vere perché la moda deve scatenare emozioni.

Va precisato che MM6 non ha un atelier, lavora industrialmente e che il più delle volte utilizza materiali umili e molto semplici perché come ai tempi di Martin il tutto è creato da molte persone poiché si tratta di umanità e va costruita insieme. 

La prima volta che vidi uno show di Marco Rambaldi (credo il primo) piansi, ricordo di avergli scritto personalmente dicendogli che in lui vedevo la speranza di una rinascita della moda italiana, una novità, una via d’uscita dallo stereotipo. 

Col tempo ho cambiato idea, penso sempre che abbia grande talento ma penso anche che le persone intorno a lui non lo stiano aiutando a metterlo in mostra. 

La sua ultima collezione, Supernova, Non ha brillato come il nome suggerirebbe anzi l’ho trovata piuttosto sottotono. I riferimenti al Cocoricó non hanno legato bene la storia che forse il designer voleva raccontare.

Pochi colori, stampe opinabili, a salvare il tutto le pelli recuperate dal deadstock e il lavoro magistrale sulla maglieria, infatti è finalista del woolmark prize 2023.Si può fare di più e Marco ha tutto il tempo per farlo. 

Kim Jones da Fendi inizia a perdere colpi, o forse la bussola del suo Apple Watch non funziona più benissimo. La collezione per il prossimo autunno/inverno è tutto un gioco di archivi, di Karl Lagerfeld e di tirate di orecchie da parte di Silvia Venturini Fendi.

In passerella look per certi versi severi, spesso colorati e molto lineari. Ci sono le stampe del 1996 e alcuni disegni di Lagerfeld dell’81, poi ci sono le gonne tagliate a metà e altre che si allargano ai lati per via di alcuni pannelli e qui Karl si sente ancora fortissimo. Le borse, vero fiore all’occhiello del brand, questa stagione pare passino in secondo piano. Kim cosa devo fare con te?

Marco De Vincenzo mi è sempre piaciuto perché ha sempre fatto le cose a modo suo. Il suo lavoro da Etro, iniziato da pochissimo, lo vedo più come uno studio di estrazione, una ricerca del suo io più creativo. 

Questo significa che il ragazzo di Messina è disposto a scendere a compromessi con l’eredità di un brand dall’estetica bohemien anni ‘70 accostato alla precisione strutturata e geometrica tipica del designer a cui ci ha abituati dal 2010 con la sua linea omonima, purtroppo oggi fuori produzione.

La nuova collezione si chiama Radical Etro e Marco come un archeologo affronta il passato per scoprire la luce del suo futuro. 

In passerella abiti romantici molto etro ma con il tocco di Marco e cappotti con accenni che richiamano i copriletto (qui il collegamento con la collezione molto domestica presentata a gennaio) Per De Vincenzo, migliorare la competenza tessile di Etro “è un dovere”.

A tal fine, ha intervallato numeri di chiffon ariosi con tute slim-fit con stracci allungati, tagliati in ricchi broccati del XVIII sec. o cappotti realizzati in trame a maglia multicolor malleabili a doppio petto, la prova inconfutabile che Marco rispetta il brand ma non è succube. Marco De Vincenzo non è cambiato, ama il rischio anche se non è un sovversivo. E oggi niente è più radicale di questo. 

Andrea Incontri da Benetton porta in passerella l’idea della serialità e del ciclo che si ripete dando alla collezione il titolo di Infinity.

Nel ciclo della ripetizione della moda, l’infinito definisce perché, come indica il suo segno (un 8 sdraiato in orizzontale) è un percorso che non ha mai fine: come Benetton, che nato nel 1965 ha percorso cicli su cicli per arrivare a questa collezione che è il secondo appuntamento di Andrea Incontri, designer sottovalutato ma con un grande potenziale.

Sono convinto che l’approccio del nuovo direttore creativo che ha il compito, seppure non dichiarato, di riportare Benetton a quella notorietà che l’ha portato a rappresentare la moda possibile all’Italiana ancora prima della nascita del pret-à-porter e del made in Italy possa funzionare.

Filippo Grazioli alla sua seconda collezione da direttore creativo di Missoni convince sempre di più.

Se alla sua prima ho scritto che mi sarebbe piaciuto vederlo giocare con i codici della casa con un approccio più libero e audace, senza paura posso dire di essere stato accontentato.

Per la sua nuova prova per Missoni, parte da una fioritura di rose incontrata in archivio.

Ho visto le cartella stampa scritta da Anna Piaggi per una sfilata del 1984. Parlava delle rose e della storia d’amore tra Rosita e Ottavio Missoni.

Filippo Grazioli

Lo show si tiene a Palazzo Mezzanotte e varcato l’ingresso anni 30, si entra in una sala dagli sgabelli circolari con velari di tela dalle rouches, in tre curve continue. Sui seat, ma anche su alcuni inviti la scritta, «Do you remember the first kiss?». Lo show parte e subito si respira aria di evoluzione.

La sua una donna che nella molteplicità trova se stessa, in bilico tra le silhouette che segnano il corpo e lo allungano e i volumi decisi che lo avvolgono nel tailoring di ispirazione mannish.

Il gioco delle proporzioni è costante, nei capi e nei disegni, nel micro e macro che continuamente si congiungono e alternano, dai blouson ai fiammati, fino al famosissimo e ai noioso zig-zag.

Fiammati, zig zag i e poi un tripudio di rose, finanche selvagge quando fuse con macchie animalier.

Giustissimo lo styling di Lorenzo Posocco, uno tra i pochi stylist in Italia che sa come fare il suo lavoro. Bellissime le borse che ricordano i codici della casa e che potrebbero, finalmente, far entrare Missoni nell’universo sempre più vuoto degli accessori. Bravo!

Matthieu Blazy è per me uno tra i migliori nuovi designer in circolazione. Sa tagliare un abito, dare un senso di novità e appeal a qualcosa che visto fino a ieri sembrava irrilevante.

Questa nuova visione di Bottega Veneta è praticamente perfetta, il designer ha il potere di ribaltare ogni pensiero che si ha sulla moda che vediamo oggi. Blazy riesce ad arrivare al punto in cui il desiderio della moda incontra la necessità del vestito e manda in scena una collezione che riesce a raccontare tutte le tensioni del presente.

Se poi mixi l’incontro tra la classicità del passato e l’urgenza futurista di Boccioni che spiega non solo la voluta dissonanza dei vestiti che si incrociano in passerella ma un procedimento creativo che ha del coraggioso in un’epoca di appiattimenti sulle figure rassicuranti, Blazy rischia ma comunque riesce ad indicare un sentiero, una strada, una direzione per un percorso futuro che non ha bisogno di urlare quanto siamo fighi e quanto siamo bravi. A questo giro, il migliore in assoluto.

Che dire di Prada? Per uno come me che ama profondamente il brand di Miuccia oggi è molto difficile dire qualcosa di positivo. Prada non si ripeteva mai, Prada dava sempre lezioni di stile, di moda e di cultura, oggi Prada fa vestiti o almeno è così da quando c’è il badante Raf. Anche la scelta musicale sta diventando banale, i concetti che provano a raccontare qualcosa che è esattamente come le ultime collezioni dal 2020 in poi servono come specchietti per le allodole e per riempire le pagine dei quotidiani finanziati dal gruppo. I fiori applicati sulle gonne, i ricordi di fw14 – fw2007- e le ossessioni di Raf ridotte all’osso per dargli il contentino. Peccato.

mfw milano fashion week mfw milano fashion week mfw milano fashion week mfw milano fashion week mfw milano fashion week mfw milano fashion week

L'articolo MFW Milano Fashion Week, le review delle sfilate proviene da Toh! Magazine.

Diciamo che la transizione è stata abbastanza facile per chi ha una storia; ma che si sta rivelando invece assai più insidiosa per chi, invece, si trova a dover fare i salti mortali per compierla.

È nel punto di equilibrio tra eleganza, sport e comodità che si trova la sintesi di questa tre giorni di moda uomo, settore che sta vivendo così la sua età della Restaurazione, con il ritorno di quei pezzi considerati intramontabili e identitari di ogni marchio, accompagnati da nuove creazioni all’insegna dell’altissima qualità dei materiali, per un lusso realmente esclusivo. 

Ad aprire le danze è stato Gucci che, dopo i sette anni sotto la “geniale” e sovversiva direzione creativa di Alessandro Michele, sta tornando ad un’estetica più classica: la sua sfilata uomo Autunno/Inverno 2023-2024 per via dell’accaduto era la più attesa ma si è rivelata una comprensibile delusione, per non dire flop.

È toccato al team creativo interno all’azienda il compito di raccogliere un’eredità pesante come quella di un creativo a cui si associa il gender fluid non come stile ma come visione di vita.  In tal senso, il ritorno (dopo tre anni) a collezioni separate per uomo e donna è stato già un primo sostanziale e aggiungerei inutile passo. Ecco quindi che il team ha lavorato per sottrazione, consegnando un guardaroba ai limiti dell’anonimato, con declinazioni libere delle tante mascolinità contemporanee che fondono influenze diverse, derivate dagli archivi e da ispirazioni contrastanti, in primis lo streetwear.

Da Fendi solo l’allestimento della sala con i suoi binari aerei che trasportavano sfere argentate creata da Nico Vascellari bastava a far intendere che lo spettacolo e la collezione sarebbero stati ipnotizzanti, e già dal primo look la sensazione era confermata.
Considerando i costosissimi componenti come i cappotti in pelle dipinti a mano e con finiture antiche, giacche in shearling, lunghi giubbotti in pelle plongé, giacche in cashmere intrecciate a mano, borse imbottite con coperte di cachemire e stivali di coccodrillo con tacco cubano impossibile comprare qualcosa con meno di cinque mila euro.

Poiché al di là dell’analisi approfondita della sfilata in superficie era ed è evidente che quella di Fendi è stata una delle collezioni più lussuose di Milano, con una texture morbida nella sua consistenza e avvolgente nelle sue proporzioni generose e nei suoi molteplici strati di tessuti pregiati. 

Tornando ai vestiti si dice che quando Silvia Venturini Fendi viveva a New York negli anni ’80 e lavorava da Bergdorf Goodman, era solita indossare un top monospalla sotto i suoi look da lavoro, in modo da essere pronta per un giro allo Studio 54, o per un giro al Roxy. Ecco rivivere in passerella questi modelli monospalla per gli uomini in aggiunta a maglioni sexy o un’insolita camicia da sera a righe che offre uno scivolone ad ogni passo.

Analizzando la collezione, si trovano pezzi che costeranno come tre anni di affitto di una stanza a Milano in colori sobri e classici come il grigio, l’avena il blu e il nero ma che sono reversibili, così da giustificare il prezzo.

Una collezione meravigliosa ha segnato il debutto di Marco De Vincenzo nella moda maschile di Etro e ha dato prova di un’irresistibile progressione creativa.

In un momento storico in cui gli stilisti appena nominati Direttori creativi di un brand vengono messi sotto pressione per fornire un’immagine definita e d’impatto fin dall’inizio, è molto più interessante vedere un designer che sviluppa la sua visione gradualmente; facendo sentire gli spettatori coinvolti nel processo di scoperta.

A questo scopo, gli ospiti che arrivavano nella fabbrica di Via Orobia potevano vedere e toccare con mano il motivo per cui De Vincenzo si impegna a mettere l’eredità tessile di Etro al centro della sua attività, mentre scaffali e rotoli di campioni di tessuto d’archivio hanno offerto uno sguardo al know-how di Etro.

Se l’allestimento non fosse abbastanza esplicativo, lo stilista ha messo in evidenza modelli desiderabili  e ricchi tessuti nella collezione, aggiungendo una parte della sua storia personale.Prendiamo il primo look: un lungo cappotto di lana con un motivo geometrico all over che riproduceva una coperta di velluto che lo stilista possedeva da bambino.

Come una sorta di talismano, ha guidato una convincente sequenza di maglieria artigianale, capispalla accoglienti e sartoriali, tutti impregnati di una freschezza riconducibile ai nuovi consumer.

Un elemento chiave, il tartan, rimandava ai primi tempi di Etro, mentre i bellissimi maglioni con motivi optical strizzavano l’occhio agli effetti ottici di De Vincenzo. Una reintroduzione del paisley è stata filtrata attraverso la lente dello stilista in tute e abiti-camicia.

Mantenendo le forme non complicate, la silhouette allungata degli anni ’70 aveva accenti grungy. Un altro elemento degno di nota sono i pantaloni da smoking delicatamente ricamati con fiori in vita abbinati  a camicie a quadri per outfit che evocavano il DNA  di Etro senza la necessità di altri riferimenti. Bravo.

DSquared2 e MSGM non pervenuti. Entrambe le collezioni prive di emozioni, ancora una volta fumo negli occhi per nascondere vestiti che servono per coprirsi, per gente convinta che basti il logo su una felpa o un cappellino per trovare un posto nel mondo.

In una stagione maschile milanese povera di emozioni è stato lasciato a Miuccia Prada e Raf Simons il compito di alzare l’asticella oltreché il soffitto.

Gli applausi scroscianti alla fine della loro fantastica sfilata di domenica, che ha visto una collezione austera creata esclusivamente per vendere.”Sartorialità riduttiva, schegge grafiche di stampa e maglia, messi a nudo sulla pelle”, si legge sulle note della sfilata che tradotto significa: Colletti appuntiti e frammenti di maglione abbottonati nelle giacche o nei cardigan, come nuovi dickies, lasciando il petto scoperto. Come tutte le sfilate di Prada, era ripetitiva.

Eppure, è stato difficile trovare difetti nell’impareggiabile sartoria delle giacche, che si contrapponevano a pantaloni sottili e affusolati con pieghe permanenti davanti e dietro.

I capispalla erano sensazionali: cappotti di lana classici fino al midollo tranne che per le quattro cerniere orizzontali bianche – o vivaci nastri lungo le maniche e il carré, che davano loro un tocco visivo; giacche e tuniche in pelle scamosciata, squadrate o sottili, nel più profondo il più delizioso dei colori caramello, e i bomber militari ridotti a uno sbuffo di raso verde o navy, con la fodera arancione come unico dettaglio.

Poi la punta di minimalismo: un giubbotto bianco che assomigliava a un cuscino il cui riferimento è Margiela 1990 e Margiela 1999.
Salvo alcuni colletti a punta, questa collezione è stata completamente priva di stampe, lasciando la parola alla precisione delle forme e combinazioni di colori così desiderabili come limone pallido e giada, cammello e arancio, oppure malva e marrone cioccolato.

Prada e Simons, che di solito prima o dopo lo show rilasciano interviste questa volta hanno detto che il ritorno all’essenziale può essere la strada migliore da percorrere in tempi duri e bui come questo.

“C’è un premio per l’abito più stupido alla settimana della moda maschile a Londra?”, scriveva il  Daily Mail nel gennaio 2013. In testa alla lista c’era quello di Jonathan Anderson.

“Da J.W. Anderson l’umiliazione dei modelli è stata resa completa, dato che lo stilista ha mandato in giro il suo clan di bellezze maschili con pantaloncini a balze”, ha commentato il tabloid britannico non ancora pronto ai discorsi sull’identità di genere.

A distanza di 10 anni, quei pantaloncini sono tornati, questa volta in pelle e con un lucchetto in vita.

Trovo che Anderson sia uno dei più promettenti in circolazione, lo dico da anni e non mi stancherò di dirlo anche se nel complesso, questa collezione è stata povera di nuove idee, e piuttosto povera di abiti: un buon numero di modelli hanno sfilato vestiti solo di soffici slip infantili, alcuni stringendo un lungo rotolo di tessuto di lana, o abbracciando un cuscino.

“Si tratta di intimità, di domesticità, è un riavvio”, ha dichiarato Anderson aggiungendo che il suo marchio è in forte espansione tanto da aprire un nuovo negozio in primavera in Via Sant’Andrea a Milano dove le scarpe con gli occhi di rana arriveranno ad aprile, solo in taglie da adulto.

Se non trovate altre review è perchè evidentemente non mi hanno trasmesso niente, anzi si… Armani con la sua parata eteronormativa mi ha solo arrabbiare e onestamente difficilmente troverà spazio su questo magazine.

mfw fw23 mfw fw23 mfw fw23 mfw fw23 mfw fw23

L'articolo MFW FW23-24 UOMO: Le nostre review proviene da Toh! Magazine.

Miuccia Prada e Raf Simons con la loro ss23 presentano una collezione elegantemente cruda fatta di gesti della realtà attraverso una sequenza di riflessioni, rifrazioni, osservazioni e fluidità.

Per lo show, Prada invita il regista Nicolas Winding Refn (quello di Drive) che con il suo punto di vista concepisce l’esperienza che ruota attorno alla collezione ma che comunque non ha niente a che fare con i vestiti.

La collezione attraversa visioni e realtà differenti, gioca costantemente con la dissimilitudine e il paradosso.

Un tessuto a base di carta è utilizzato in una serie di abiti strappati e aderenti al corpo che appaiono intimi e impulsivi.

Le superfici sono animate da gesti umani in cui tracce di vita modellano le forme dei capi, mentre gli strappi intenzionali e il disegno delle linee e delle pieghe ne catturano la spontaneità, come ricordi di bellezza incastonati nel tessuto.

Gli abiti da giorno e da sera si contaminano tra loro: i cappotti eleganti si fondono con le giacche di pelle, la sartoria prende in prestito strascichi di tessuto (di nuovo).

I capi per vivere l’intimità della casa in delicati toni pastello si fondono con i capi per l’esterno, mescolando realtà distinte.

Gli accessori vengono proposti in nappa antica con superfici patinate, pressate e stropicciate, utilizzate per reinterpretare le silhouette archetipiche e classiche delle borse Prada. Proprio come nella vita reale, la collezione osserva e abbraccia dicotomie impreviste.

Il lavoro di Miuccia e Raf a questo giro però appare come un riassunto degli ultimi due anni insieme, quella andata in scena ieri è stata una collezione che ha lavorato in modo sintetico, per fare qualcosa di estremamente innovativo dai materiali ai tagli ma con riferimenti diversi.

C’era un po’ di Prada SS21 uomo (quel grigio che ricorda il colore delle camicie dei dipendenti della Fondazione Prada), colori più estivi e materiali più leggeri (vedi SS20 donna).C’erano le stampe Tie-dye Pre-fall 20 ma anche il minimalismo della silhouette che ci riporta alla SS21 donna o i colori della SS22. Si, c’erano anche i fiori della FW19 (un ibrido con le rose della SS21: apparentemente più romantico!!).

Una sintesi senza effetto wow, senza emozioni forti. A consolarci resta il gesto di Miuccia per chiudere il cappotto e le camicie abbottonate. Peccato.

Boss per questa Milano fashion week ha messo in piedi una sfilata giusto per ricordare che esiste ancora e che si è rifatto il look, in passerella una serie di grigi, cammelli e altre cose noiose.

A chiudere lo show Naomi Campbell ma anche Anthony Joshua, pugile inglese e ambassador del marchio, e l’atleta paralimpica Veronica Yoko Plebani, al suo debutto in passerella. Bella l’intenzione dell’inclusività ma per il resto tutta fuffa.

Nicola Brognano, alla guida di Blumarine, aggiunge un tassello “nuovo” all’estetica del brand: il gotico.

Lo stilista ha dichiarato che «questa collezione rappresenta un’ulteriore evoluzione dell’immaginario Blumarine.

Ho voluto dare maggiore spazio a un denim più dark, borchiato e lavorato, in contrasto con abiti fluidi in georgette e maglieria effetto crochet.

Una Blumarine evocativa, reale e onirica allo stesso tempo» Boh, a me sembrava John Richmond.

Al Palazzo del ghiaccio di Milano, nel secondo giorno di MFW va in scena una festa in piscina.

Tra gonfiabili e materassini l’ultima prova di Jeremy Scott, direttore creativo di Moschino: il consueto surrealismo prende vita in passerella grazie ad abiti che attingono all’heritage del brand, a partire dai simboli tanto cari a Franco.

Uno su tutti, il salvagente, che si posa sui fianchi dei tailleur, si trasforma in copricapo, in giacca biker con tanto di valvole di sfiato, o si tramuta in accessori puffy come stivali e maxi bag.

Le righe degli ombrelloni sono le protagoniste di abiti gilet, le maniglie dei gonfiabili sono le spalline dei trench, le teste dei fenicotteri, l’originale coda dell’abito da cocktail. Trait d’union l’intramontabile cuoredella Maison, declinato come dettaglio sui tubini e in forme gioiello. 72 uscite una più giocosa dell’altra. Niente di nuovo ma almeno è stato divertente. 

Milano fashion week

L'articolo Milano fashion week: La carovana della moda è arrivata a Milano -day 2. proviene da Toh! Magazine.