Gloria, la protagonista de “La Vita che Volevi”, ha trovato la felicità nella pittoresca città di Lecce, dove ha fondato una piccola agenzia turistica e ha costruito una vita serena con il suo compagno Ernesto. Tuttavia, il suo equilibrio viene sconvolto dall’arrivo di Marina, una vecchia amica dell’università di Napoli, un tempo prima che Gloria iniziasse il suo percorso di transizione.

Marina non arriva sola: con sé porta Andrea e Arianna, figli nati da due diverse relazioni, ed è incinta di un terzo figlio, il cui padre è Pietro, un giovane dal carattere pericoloso.

Gloria, che vorrebbe mantenere le distanze da Marina per non ricordare un passato che desidera dimenticare, si trova presto invischiata nei segreti che Marina nasconde. A complicare ulteriormente la situazione, giunge Sergio, il padre di Arianna, un uomo duro e diffidente nei confronti di Gloria.

Per Gloria è giunto il momento di confrontarsi con “la vita che voleva”, il suo passato e il suo futuro, per scoprire che la felicità può arrivare in forme inaspettate e che l’amore è la forza che rende la vita degna di essere vissuta.

“Gloria è la protagonista della nostra storia e ci siamo innamorati di lei fin dal principio. Abbiamo voluto raccontare la storia di una donna transgender, lontana dagli stereotipi, vera, fatta di carne e sangue, piena di sfumature e contraddizioni. È da lei che siamo partiti per ideare la serie. È stata Gloria a guidarci e noi a seguirla.

L’abbiamo immaginata mentre camminava sicura per le strade di Lecce, una donna matura e realizzata, o nel passato, quando da giovane si divideva tra gli studi all’università di Napoli e le serate in discoteca, esibendosi in drag per guadagnare soldi e completare la sua transizione.

Accanto a lei, attraverso tante stesure e confronti, abbiamo costruito il suo mondo fatto di amori, affetti, lavoro, amicizia e famiglia. Non solo la famiglia d’origine, ma anche una nuova famiglia, inaspettata e non immaginata, che irrompe nella sua vita sconvolgendola. Il passato torna a presentare il conto, rappresentato da un figlio nato non per caso, ma per amore.

Questo è il tema che ci interessava esplorare: la possibilità inaspettata per Gloria di mettersi nuovamente in gioco, di fronte all’opportunità incredibile di poter essere madre, e di vivere una vita ancora diversa da quella che aveva immaginato.” raccontano la sceneggiatrice Monica Rametta e il regista Ivan Cotroneo.

La trasformazione di una storia scritta in immagini e scene è un’impresa di grande responsabilità. Quando inizia la preparazione, ci si sente responsabili del lavoro fatto e di quello che verrà, del tempo richiesto a tutte le persone coinvolte.

La creazione con Monica Rametta ha fissato molti punti fermi, a cominciare dalla protagonista: Vittoria Schisano si è imposta con forza per talento e aderenza al personaggio.

Il mondo di Gloria ha preso forma gradualmente, con il calore ma anche il dolore, spettacolare nei paesaggi e intenso nei primi piani. Raccontare la visione è stato l’unico modo per condividere un’idea di rappresentazione. La serie è il risultato del lavoro di gruppo, dall’amore e dalla creatività di tutti. Gli attori hanno donato il loro talento ai personaggi, rendendo viva la storia. La gratitudine è un sentimento essenziale e va ricordato sempre, perché nel cinema e nelle serie, l’amore e la creazione sono di tutti.

“La Vita che Volevi” non è solo una serie, è il frutto di un lavoro collettivo di autori e artisti, uniti nel desiderio di creare qualcosa di speciale e unico.

Questa miniserie di sei puntate, in uscita su Netflix il 29 maggio, rappresenta un momento significativo per la rappresentazione delle persone transgender nella televisione italiana. In un periodo storico particolarmente turbolento in Italia, dove i diritti delle persone LGBTQ+ sono spesso sotto attacco, la storia di Gloria offre un messaggio potente di resilienza, amore e accettazione. La sua presenza sugli schermi non è solo un traguardo per la visibilità transgender, ma un richiamo alla comprensione e all’inclusione in un mondo che ne ha un disperato bisogno.

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«Ho studiato il personaggio Griselda Blanco per 10 anni, fin da quando era ancora viva. C’è voluto un decennio per fare la serie, ho approfondito tutto su di lei e mi sono accorta che avevamo tanto in comune»

Sofia Vergara

Ma chi è Griselda Blanco?

Pare sia stata la prima donna criminale miliardaria le cui testimonianze raccontano che all’apice del suo impero criminale fosse arrivata a guadagnare addirittura due miliardi di dollari grazie al narcotraffico.

La miniserie Netflix ha inizio con la sua fuga da Medellin e l’inizio di una nuova vita a Miami, dove, tra gli Anni ’70 e ’80 costruisce il suo impero, grazie a furbizia, fascino e una fame di imporsi – da donna – in un mondo prettamente maschile. 

Abbiamo visto in anteprima Griselda su Netflix, qui vi spoileriamo qualcosa ma non tutto.

Griselda è una miniserie ispirata alla vita della scaltra e ambiziosa imprenditrice colombiana Griselda Blanco, una madre affettuosa che ha creato uno dei cartelli della droga più redditizi della storia del XX secolo. 

Con un mix letale di insospettabile ferocia e fascino, Griselda Blanco è riuscita a tenere in pugno business e famiglia, guadagnandosi il soprannome di “Madrina”.

Dai creatori e produttori di NARCOS e NARCOS: MESSICO, Eric Newman e Andrés Baiz (anche regista di tutti gli episodi) La serie è composta da 6 episodi e mostra Sofía Vergara nel suo primo ruolo drammatico, come non si è mai vista prima.

Nel cast insieme a lei Alberto Guerra (Dario Sepúlveda), Christian Tappan (Arturo Mesa), Martín Rodríguez (Rivi Ayala), Juliana Aidén Martinez (June Hawkins), Vanessa Ferlito (Carmen Gutiérrez).

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Un paio di settimane fa è stato pubblicato Il trailer di Sex Education 4 che anticipava una stagione ricca di nuove esperienze sessuali, crescita personale, amore,
risate, lacrime, amicizia, e tanto altro, come il coloratissimo guardaroba di Eric, il ritorno al lavoro di Jean con un nuovo capo (interpretato da Hannah Gadsby), quello di Adam in fattoria, e le abilità artistiche di Aimee, e per finire… Maeve che torna a Moordale per il suo primo vero appuntamento con Otis.

Di sicuro con questa ultima stagione di Sex Education diciamo addio alla banda di Moordale, che ci tiene compagnia dal 2019.

È giunto il momento di preparare i fazzoletti e salutarci con otto nuovi episodi, incluso un finale di stagione eccezionale della durata di 83 minuti.

Sex Education 4 in poche parole

Dopo la chiusura del liceo di Moordale, Otis e Eric devono affrontare un nuovo inizio – il loro primo giorno al Cavendish Sixth Form College. Otis è nervoso all’idea di creare una nuova clinica, mentre Eric spera con tutto sé stesso che non saranno di nuovo degli “sfigati”.

L’istituto Cavendish rappresenta uno shock culturale per tutti gli studenti di Moordale, che fino ad allora pensavano di essere progressisti. Questa nuova scuola è molto diversa, e diciamo pure un po’ utopica.

Ogni giorno si fa yoga nel giardino comune, si respira un’atmosfera all’insegna della sostenibilità e c’è un gruppo di ragazzi popolari per la loro… gentilezza?! Viv è totalmente sconvolta dall’atteggiamento non competitivo degli studenti, mentre Jackson sta ancora cercando di superare la sua storia con Cal.

Aimee decide di fare qualcosa di nuovo frequentando lezioni d’arte e Adam prova a capire se un’istruzione di tipo tradizionale sia adatta a lui.

Negli Stati Uniti, Maeve sta vivendo il suo sogno alla prestigiosa Wallace University, in cui segue le lezioni dell’autore di culto Thomas Molloy.

Otis si strugge per lei, mentre deve abituarsi al fatto di non essere più figlio unico e nemmeno l’unico terapista della scuola…

Asa Butterfield torna a interpretare il protagonista Otis Milburn, al suo fianco Gillian
Anderson, Ncuti Gatwa, Aimee-Lou Wood, Emma Mackey, Connor Swindells, Kedar
Williams-Stirling, Mimi Keene.

Confermati nei rispetivi ruoli anche George Robinson, Chinenye Ezeudu, Dua Saleh, Alistair Petrie, Samantha Spiro, Jim Howick, Rakhee Thakrar e Daniel Ings.

Si uniscono al cast in questa stagione finale Dan Levy, vincitore dell’Emmy come miglior attore non protagonista per Schitt’s Creek, Thaddea Graham (Doctor Who), Lisa McGrillis (Somewhere Boy), Marie Reuther (Kamikaze), l’attrice e modella Jodie Turner Smith, il comico Eshaan Akbar e gli esordienti Felix Mufti, Anthony Lexa, Alexandra James, Reda Elazouar, Bella Maclean e Imani Yahshua.

Dal suo debutto su Netflix nel 2019, Sex Education è stata candidata e ha vinto numerosi premi, incluso l’International Emmy Awards nel 2022 come miglior serie comedy. Inoltre, nei primi 91 giorni dall’uscita la terza stagione ha totalizzato 66.6 milioni di visualizzazioni.

A inizio luglio, Netflix ha annunciato che la quarta stagione sarà quella finale pubblicando una lettera ai fan, in cui la creatrice, sceneggiatrice e produttrice esecutiva Laurie Nunn ha affermato.

“Siamo incredibilmente orgogliosi di Sex Education e siamo in debito con il nostro fantastico team di sceneggiatori, attori e tutta la troupe che ha messo così tanto amore nel realizzare ogni episodio.

Hanno lavorato in maniera instancabile per questa stagione finale, e non vediamo
l’ora di condividerla con voi”.

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Per tutto il 2022, le piattaforme di cinema e streaming hanno offerto film LGBTQ+ che hanno deliziato gli spettatori. La rappresentazione queer, sia davanti che dietro la telecamera, si è evoluta con intensità quest’anno, sia per evasione che per mostrare uno specchio della nostra cultura. Lo stesso si può dire della TV, che ha visto “Heartstopper” incoronato come il nostro programma preferito del 2022.

10 – Fire Island (Disney +)

“Fire Island” è una versione gay di “Orgoglio e Pregiudizio” di Jane Austen basata sulla mecca gay di Fire Island a New York, già divenuto un classico queer. Il film segue i migliori amici Howie (Bowen Yang) e Noah (sceneggiatore Joel Kim Booster), insieme alla loro famiglia prescelta, mentre salpano per la loro vacanza annuale a Fire Island.

La gioia queer è al centro di questa commedia romantica di Andrew Ahn. Pur affrontando in modo pratico argomenti di razza, immagine corporea e autostima, “Fire Island” riesce a rappresentare in modo autentico la natura edificante di ciò che significa far parte di una chosen family amorevole.

Questo film è puro spasso, impossibile non identificarsi in uno dei suoi personaggi, la scelta perfetta per una serata cinematografica collettiva.

N.9 – “My Policeman” (Prime Video)

Si è parlato sin troppo di Harry Style nel film di Michael Grandage “My Policeman“, adattamento dell’omonimo romanzo di Bethan Roberts in cui Harry interpreta Tom, un bel poliziotto con un segreto nascosto.

Un dramma romantico per lo più ambientato negli anni ’50, quindi in un periodo in cui l’omosessualità era illegale, e che vede il cuore di Tom diviso tra sua moglie Marion (Emma Corrin) e l’amante Patrick (David Dawson).

Con scene di sesso esplicite e tenere, “My Policeman” è la cronaca di una storia d’amore consumata e condannata sulle rive di Brighton. Il film è destinato a lasciarti con gli occhi appannati man mano che questi personaggi invecchiano e il rimpianto del tempo perduto diventa inevitabile.

N.8 – “In from the Side”

“In from the Side” è la storia di una relazione adulterina tra due membri di un fittizio club di rugby gay. Il film esplora i molteplici tipi di legami che possono verificarsi all’interno di un grande gruppo di uomini gay in un ambiente sportivo di squadra apparentemente iper-maschile e aggressivo, illuminando le tensioni emotive molto reali e le pressioni che questo può creare.

La storia è incentrata su Mark, un membro del club relativamente nuovo e inesperto che ha una relazione disfunzionale con il suo partner disinteressato, e il suo coinvolgimento romantico adultero con il giocatore di rugby più esperto, Warren.

In contrasto tra momenti più leggeri e sorprendenti per un debutto a basso budget, il film punta a un melodramma brillante, dove tutto è amplificato mettendo insieme una partita emozionante e altamente omoerotica, giocata sotto la pioggia battente e il fango, con gli uomini che urlano e si contorcono al rallentatore.

N.7 – “The Inspection”

“The Ispection” è un film drammatico americano diretto da Elegance Bratton ispirato alle sue esperienze di vita reale. Il film segue un giovane uomo che affronta l’omofobia, sia in un campo di addestramento dei marines che a casa da sua madre.

Dopo aver superato i testi fisici necessari per diventare un marine, Ellis French si reca nel campo di Parris Island, nel Carolina del Sud. Quando i suoi commilitoni scoprono della sua omosessualità, Ellis è costretto ad affrontare feroci episodi di omofobia e nonnismo.

Il film è stato acclamato dalla critica e la performance di Jeremy Pope ha ottenuto una nomination ai Golden Globe 2023 come miglior attore protagonista in un film drammatico.

N.6 – “All the Beauty and the Bloodshed” (al cinema dal 23 febbraio 2023)

“All the Beauty and the Bloodshed” è il documentario sulla fotografa Nan Golding che ha trionfato alla 79ª edizione della Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia.

La grazia e la profondità delle sue fotografie sono così sorprendenti che sembra che i suoi soggetti queer ci stiano osservando mentre noi li guardiamo, con quella sorta di sguardo trattenuto attraverso il tempo e la cultura che li rende potenti e unici.

È necessario ricordare quanto sia ordinario e radicale un gruppo di adorabili persone trans che fanno un picnic nel parco, o ascoltare, vedere e sentire come l’epidemia dell’AIDS appariva e si avvertiva per le persone lgbt+ che la maggior parte dell’establishment politico americano sperava solo di vedere morire.

La regista Laura Poitras struttura la storia di Nan durante il documentario, muovendosi avanti e indietro nel tempo in una gigantesca giostra girevole delle fotografie di Nan Goldin con un risultato poetico e potente come la sua arte.

N.5 – “The White Lotus: Sicily” (Sky)

Il successo di una serie come “White Lotus: Sicily” denota una voglia generale di leggerezza, tra tante serie cervellotiche o troppo frivole la serie di Mike White trova quel giusto equilibrio tra il voyerismo delle vite degli altri da social e un mistero irrisolto.

Se la stagione 1 aveva diversi aspetti lgbtq+, in “White Lotus: Sicily” si amplificano: c’è la bromance story tra i due migliori amici Cameron e Ethan in vacanza con le mogli, l’amicizia fluida delle due escort Lucia e Mia, la bollente scena di sesso tra Quentin e il suo “nipote” Jack e ancora Valentina che perde la sua verginità lesbo con Mia in modo gioioso e romantico.

Senza svelarvi altro e in attesa della stagione 3, ci auguriamo che la nostra Sabrina Impacciatore diventi famosa in America perché è ora che qualcuno si accorga del suo innegabile talento.

N.4 – “Everything, Everywhere, all at Once” (al cinema)

Un caleidoscopio action movies sul multiverso, “Everything Everywhere All At Once” dei Daniels è il film più sorprendente dell’anno, una vera impresa che spero faccia incetta agli Oscar 2023. L’assurda commedia drammatica segue Evelyn (Michelle Yeoh), il suo sfortunato marito (Ke Huy Quan) e la sua figlia ribelle (la formidabile Stephanie Hsu, mentre la famiglia viene controllata dall’IRS.

Un mix tra commedia, fantascienza e azione con un grande impatto emotivo, ed effetti speciali da far girare la testa. La quota queer di “Everything Everywhere All At Once” si trova in Joy (Hsu). La giovane donna vuole presentare la sua ragazza a suo nonno, arrivato per la festa di Capodanno cinese della famiglia.

Folle ma pieno di speranza, esilarante e straziante allo stesso tempo, “Everything Everywhere All At Once” parla d’imparare ad amare nonostante le disperazioni della vita. Un film che muove quesiti e che resterà nella tua mente per molto molto tempo.

N.3 – “Euphoria 2” (Sky)

Sebbene non sia una rappresentazione accurata della maggior parte delle esperienze queer che abbiam vissuto personalmente al liceo, la trama forte e realistica della provincia Americana di “Euphoria” ha affascinato il pubblico per due stagioni ed è uno dei pochi spettacoli a mostrare le storie dei giovani LGBTQ+ in modo veritiero.

La due volte vincitrice di un Emmy, Zendaya, nella serie Rue, è la vera protagonista della seconda serie, dove viene sviscerato il suo personaggio di liceale dipendente dalla droga che complica la vita delle persone che la amano.

Tutto sempre sbattuto in faccia senza filtri, tra cheerleader, spacciatori, nerd amanti del teatro, giocatori di football, una cam girl e un papà chiuso in se stesso. Certo avremmo voluto vedere un po’ più Jules (Hunter Schufer), ma di sicuro la nuova stagione in arrivo nel 2023 la riporterà alla ribalta, altrimenti ci sarà una vera e propria insurrezione dei fan.

Sicuramente la serie migliore degli ultimi anni, consigliata ai puritani che non vogliono aprire gli occhi sulla realtà.

N.2 – “Tutto Chiede Salvezza” (Netflix)

Risvegliarsi in un centro psichiatrico dopo un TSO e doverci rimanere una settimana. È questo quello che succede a Daniele (Federico Cesari), un giovane romano, dopo un violento scatto d’ira davanti ai genitori al termine di una serata d’eccessi.

Liberamente ispirata all’omonimo romanzo di Daniele Mencarelli, “Tutto Chiede Salvezza” è una serie italiana che prova ad affrontare un tema ancora considerato tabù: quello delle malattie mentali.

La serie segue Daniele in questa difficile settimana portando lo spettatore a chiedersi se il protagonista abbia davvero dei problemi psichiatrici o se è stato vittima di una reazione esagerata.

In sette episodi, ciascuno per ogni giorno della settimana la serie è un incalzante calvario che diventa scoperta di sé, senza rinunciare all’ironia e all’empatia che scaturisce dai “matti” con cui si trova a convivere ognuno con la sua storia personale, a cui si aggiungono medici e infermieri.

La quota queer è interpretata da Gianluca (Vincenzo Crea), che interpreta il “femminielllo” con il padre militare, e lo fa con una delicatezza e con un realismo che ci è entrato subito nel cuore.

N.1 – “Heartstopper” (Netflix)

La serie “Heartstopper” segue la storia d’amore tra due adolescenti, il gay dichiarato ed intellettuale Charlie Spring (Joe Locke) e l’esuberante giocatore di rugby Nick Nelson (Kit Connor). “Heartstopper” è una serie leggera e gioiosa senza conflitti, ed è esattamente ciò che i giovani queer vogliono: venire a patti con la loro sessualità o identità di genere senza traumi esistenziali, ma con naturalezza tramite l’esperienza e la scoperta di se stessi

“Heartstopper” è la serie che avremmo voluto vedere tutti da teenager perché mostra l’omosessualità nel modo più naturale possibile, senza drammi e senza lo spettro delle malattie.

A meno di un mese dalla sua uscita, Netflix ha rinnovato Heartstopper per altre due stagioni, prepariamoci ad innamorarci di nuovo.

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È dalla prima serie che sono ossessionato da Stranger Things, sarà che negli anni ’80 ero bambino e sono cresciuto a pane e Spielberg, ma mettete quattro bambini sopra una bmx con una torcia in mano e una fitta nebbia illuminata da un neon e mi avrete conquistato.

Ci sono voluti due anni di attesa, causa pandemia, che diciamolo è stato come una gita nel “sottosopra” e non ci è piaciuta affatto, ma finalmente la stagione 4 di Stranger Things è tra noi, divisa in due volumi, il volume 1 disponibile dal 27 maggio e il volume 2 dal 1° luglio.

Ma attenzione non sarà l’ultima serie di Stranger Things, il produttore Shawn Levy ha annunciato che sarà la stagione 5 a chiudere il cerchio.

Nonostante avessi a disposizione i primi 7 episodi, ovvero l’intero volume 1, ne ho visti 4 perché non sono un amante del binge watching, quando una serie mi piace particolarmente, preferisco centellinarla perché non vorrei finisse mai.

Stranger Things 4 ci riporta sei mesi dopo la fine della stagione 3, ovvero dalla battaglia di Starcourt che ha portato terrore e distruzione a Hawkins, facendo perdere i poteri a El (Undi se la guardata in italiano).

Siamo nel 1986 e i nostri adolescenti preferiti si preparano ad affrontare le conseguenze di quanto successo ed i protagonisti si separano per la prima volta. Non vi diremo dove vanno ne con chi ma possiamo dirvi che sono vestiti in modo davvero davvero ’80 e che Stranger Things 4 inizia in modo leggero, tutto scorre pacifico in una routine fatta di amori, bullismo e gerarchie da college, tanto che per un attimo ci dimentichiamo del sottosopra.

Ho detto per un attimo però perché quando arriva lo farà nel più pauroso dei modi, Stranger Things 4 è la serie che più vira all’horror con tutti i riferimenti possibili al genere che negli anni ’80 era più di moda, con tanto di sembianze del nuovo “mostro” a ricordarci quelle di Freddie Kruger, in una versione più demoniaca.

Stranger Things 4 Volume 1 è piena di suspense, eccitante, divertente e allo stesso tempo spaventosa da morire.

La storia prende presto un culmine febbrile, con una narrazione così avvincente che diventa impossibile non esserne voraci.

Se vi dico che Hopper (David Harbour) dopo aver salvato Hawkins è vivo e prigioniero in Russia non vi svelo nulla che non avete già visto, ovvio è che farà arrivare sue notizie a Joyce (Winona Ryder) e che partirà una spedizione per salvarlo che non sarà priva d’insidie. Ma non vi dirò chi ne farà parte.

El (Milly Bobby Brown) ha perso i suoi poteri, in piena crisi adolescenziale ed esistenziale, derisa dai compagni come la nerd che t’impietosisce e di cui vorresti prendere le difese, tipica delle commedie USA ambientate al college. Persino Mike (Finn Wolfhard), Dustin (Gaten Matarazzo) e Will (Noah Schnapp), sono spiazzati dal suo comportamento.

Max (Sadie Sink) se la vede più brutta di tutti e sarà al centro della serie, mentre il suo Lucas (Caleb McLaughlin) entrando nella squadra di football passa da looser a popolare, a discapito delle sue amicizie…

Nancy (Natalia Dyer) e Robyn (Maya Hawke), il cui personaggio porta alta la bandiera LGBTQ+, diventeranno le detective pronte a sacrificare tutto per sconfiggere il male, con una scena/interrogatorio ad un killer in carcere (interpretato da Robert England), che omaggia “Il Silenzio degli Innocenti”.

Il potere che Stranger Things aveva prima è tornato, in pieno vigore, come un ritorno alla forma di ciò che lo ha reso speciale. È sinistro, divertente ma soprattutto sincero.

La nuova minaccia è tangibile e legata alle stagioni precedenti, così questi primi episodi ci offrono un ulteriore occhio sul passato di El chiudendo alcune delle trame aperte dai suoi esordi.

Nel primo volume della serie 4 ogni gruppo di protagonisti avrà le sue vicende da portare avanti, interconnesse tra loro e che, immancabilmente, andranno a riunirsi il prossimo luglio, coi due episodi finali. Una formula che funziona e che ne guadagna grazie al minutaggio esteso di ogni puntata.

La stagione 4 di Stranger Things non corre mai, prendendosi il suo tempo per raccontare ogni dettaglio ma riuscendo a tenerti incollato allo schermo. Lunga vita ai Duffer Brothers per aver ideato la serie delle serie.

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Con i suoi primi otto episodi, Russian Doll ha scavato nelle menti di due newyorkesi stanchi, Nadia (Natasha Lyonne) e Alan (Charlie Barnett) e tornando indietro, i creatori Lyonne, Amy Poehler e Leslye Headland hanno ottenuto qualcosa di inebriante, snervante e spettacolare che è culminato in un finale perfetto.

Avevamo perso le speranze eppure, tre anni dopo, ecco che arriva una seconda stagione di Russian Doll, ma cosa si sono inventati gli autori per tenerci di nuovo incollati allo schermo?

Nella prima stagione Nadia e Alan finiscono in un limbo e non riescono a smettere di morire per poi tornare in vita tutte le volte nel giorno del 36esimo compleanno di Nadia, ecco la seconda stagione si apre a poche settimane dal suo 40esimo.

Nadia è sempre schizofrenica e sta ancora fumando sigarette una dietro l’altra per l’East Village mentre Alan va alla ricerca dell sua sessualità. Ma cosa può succedere nella seconda stagione: Nadia e Alan iniziano a ripetere un giorno diverso?

Piuttosto che trasformarla in un Phil Connors dai capelli rosso fuoco, la nuova stagione manda sia Nadia che Alan in viaggi molto più indietro nel tempo a bordo della metropolitana, che funziona da tramite temporale.

Tutto comincia con il suo sbarco nell’East Village intorno al 1982, dove specchiandosi si renderà conto di essere sua madre Nora, (Interpretata magistralmente da Chloë Sevigny, quì presente rispetto al cameo della prima stagione ), per poi spostarsi in Ungheria durante la seconda guerra mondiale, mentre Alan finisce nella Germania degli anni ’60 dove si vedrà nei panni di sua nonna.

I 7 nuovi episodi finiranno per diventare un frenetico avanti e indietro negli anni, in cui Nadia cercherà di mettere a posto i misfatti di famiglia legati ad un antico tesoro rubato.

Il viaggio nel tempo funge anche da metafora della malattia mentale che attraversa la famiglia di Nadia, e della sua paura di aver ereditato la schizofrenia di sua madre Nora.

Non voglio fare spoiler, ma posso dire che Russian Doll è ancora una volta una serie diretta, senza filtri, così come la sua protagonista che ci da quasi fastidio per il suo essere così caotica, ma che alla fine porta lo spettatore ad avere una sorta di sindrome di Stoccolma che gliela farà amare. Ovviamente non mancherà la sua amica esuberante Maxine (Greta Lee) e la madrina Ruth (Elizabeth Ashkley), uno dei personaggi chiave di questa seconda stagione.

Anche il finale di questa stagione farebbe sembrare la serie conclusa, (ed onestamente ci speriamo), ma a questo punto tutto è possibile, magari dopo un viaggio nel tempo Nadia e Alan saranno rapiti dagli alieni!

Tutti e sette gli episodi della seconda stagione di Russian Doll li trovate su Netflix dal 20 aprile

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Bridgerton 2 segue le vicende del Visconte Anthony Bridgerton (Jonathan Bailey, attore britannico dichiaratamente gay), unico vero bono della serie,  primogenito della omonima famiglia nonché capofamiglia dopo la morte del padre, nella sua ricerca di una moglie perfetta che possa rispondere ai suoi canoni e possa anche fare le veci della madre nella gestione della casa. 

La ricerca, tuttavia, prenderà fin da subito delle pieghe inaspettatamente complesse a causa dell’arrivo, dall’India, delle sorelle Kate Sharma (Simone Ashley) ed Edwina Sharma (Charithra Chandran).

Durante la stagione dei corteggiamenti indetta dalla Regina d’Inghilterra, Anthony si trova in mezzo a due fuochi: da una parte l’indole di salvaguardare l’onore della famiglia corteggiando il Diamante della Stagione Edwina, dall’altro l’amore per la sorella Kate la quale fa di tutto per opporsi alla loro unione.

Le iniziali frecciatine verbali e fisiche tra i due, non fanno altro che avvicinarli sempre di più peggiorando le cose per entrambi e per l’intera società aristocratica inglese.

Tuttavia non ci sono solo i Bridgerton in questa storia, ma anche i Featherington che si trovano a dare il benvenuto al loro nuovo erede, dopo la morte di Lord Featherington, e con Penelope (Nicola Coughlan) che deve riuscire a muoversi sapientemente nei salotti dell’alta società cercando di nascondere il suo alter ego di Lady Whistledown anche davanti ad amici e parenti.

Bridgerton 2, quindi, pone nuovamente una lente di ingrandimento sull’alta società londinese mostrandone pregi, difetti e segreti, ma questa volta si interessa alla vita di un uomo che troppo presto si trova a vestire i panni di Visconte di una delle famiglie più ricche e potenti di Londra.

Anthony viene ritratto come una persona forte solo esternamente, poiché dentro nutre numerosi traumi e complessi che non vuole mostrare esternamente per il bene della famiglia e del buon nome della stessa.

A differenza delle sorelle (in questa stagione tocca a Eloise interpretata dall’attrice Claudia Jessie), lui non viene costretto a debuttare in società affinché possa trovare una moglie che ne possa innalzare la dote e il livello sociale.

Essendo un maschio ha già un posto fisso nella società e quindi anche la libertà di scegliere quando e con chi sposarsi, ma è proprio l’avvicinarsi di un’età troppo adulta per l’epoca (ci troviamo sempre in una rivisitata età della Reggenza, ovvero gli anni dieci dell’Ottocento) che lo spinge a sbrigarsi per far sì che la dinastia possa proseguire.

Shonda Rhimes ha svolto, nuovamente, un lavoro attento e meticoloso nella realizzazione dei costumi e delle ambientazioni della Londra dell’epoca.

Visivamente è tutto perfetto e una vera gioia per gli occhi, anche grazie a un sublime uso della macchina da presa che accentua sapientemente i primi piani e gli sfarzosi e magnifici ambienti. Contemporaneamente Rhimes compie un passo molto audace mostrando una società aristocratica totalmente differente da quella narrata nei libri di storia.

Già dalla prima stagione, infatti, Bridgerton ci ha fatto capire come la volontà della creatrice sia quella di ribaltare le nostre aspettative sull’epoca in cui è ambientata l’opera di Netflix. 

Se la parola chiave della prima stagione di Bridgerton era “semplicità”, quella della seconda stagione è “audacia”. Inaspettatamente, la nuova produzione diviene più matura, coinvolgente, seria e si allontana da classici cliché che avrebbero potuto rendere la storia debole o poco interessante.

Ci sono varie storie che si intrecciano oltre alla principale, e sono tutte intriganti perché mostrano lotte interiori, debolezze, vizi e voglia di evasione nascoste da maschere destinate a rompersi per il bene dei propri ideali e dei propri sentimenti. La seconda stagione di Bridgerton, pertanto, resta elegante, sfarzosa, pittoresca e brillante, ma consente allo spettatore di emozionarsi, di divertirsi, di riflettere e di sognare.

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Andy Warhol con molta probabilità avrebbe adorato l’IA. In fondo lui è sempre stato il re indiscusso della pop art. Ha trascorso la maggior parte della sua vita nella cultura del consumo, passando dalle Brillo Boxes, le Campbell’s suop can e alle celebrity serigrafate.

Nella serie l’IA viene usata per ricreare la voce di Warhol con il suo accento di Pittsburgh e la sua cadenza inconfondibile, per narrare stralci della sua vita.

The Andy Warhol Diaries, prodotto da Ryan Murphy, è un documentario suddiviso in sei episodi che mettono in luce alcuni aspetti della vita dell’artista partendo dalla sua infanzia a Pittsburgh.

“Sono solo un mostro”, dice Warhol a un certo punto durante il trailer. “Non ero molto vicino a nessuno. Anche se, immagino che volessi esserlo”.

Negli episodi vengono toccate anche tutte le epoche successive, evidenziando alcuni momenti che lo hanno portato ad essere un artista e una celebrità, come quelle che ritraeva e adorava circondarsi. Sebbene Andy Warhol fosse una figura straordinaria, super attiva e prolifica come artista, regista, editore e icona, era estremamente riservato riguardo alla sua vita personale. 

Andy Warhol iniziò a scrivere i suoi diari subito dopo essere stato vittima della pistola della scrittrice Valerie Solanas nell’attentato del 1968. La serie espone alcuni temi come la sua sessualità, la sua amicizia con l’artista Jean-Michel Basquiat, il suo rapporto con la chiesa e la fede. Il documentario contiene anche interviste di amici e persone che l’hanno vissuto come John Waters e Rob Lowe.

The Andy Warhol Diaries uscirà il 9 marzo su Netflix. Guarda il trailer qui sotto.

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Questo perché, al contrario del loro genitori e dei loro nonni, la Gen Z non vive la sessualità e le espressioni identitarie come forme di psicosi collettiva. È incredibile lo so però è così realmente.

Accanto a serie con il bollino di qualità Queer (come Pose, Special, Love Victor), succede così di trovare titoli ricchi di personaggi gay, bisex e transessuali come Tiny Pretty Things, Bond, Skam, Atypical. Perfino in Walker (reboot di Walker, Texas Ranger) uno dei protoganisti (Keegan Allen) è gay. 

Queste alcune delle serie TV LGBTQ+ più interessanti in arrivo dopo l’estate. 

Q-Force

Netflix ha detto: cartoni animati LGBTQ+. Protagonista di questa serie animata è un gruppo di superspie capitanato da un agente segreto gay, Steve Marywhether (noto anche come Agente Mary). Mary è stato declassato dall’American Intelligence Agency (AIA) dopo il suo coming out, ma lui non si dà per vinto e con la sua squadra di agenti queer dimostrerà il suo valore.

L’agenzia allora sarà allora costretta a riconoscere e rendere uffiicialmente operativa la sua squadra, ma a una condizione: aggiungere al gruppo anche un agente etero. 

Gli ideatori della serie sono Sean Hayes (Jack di Will & Grace) e Michael Schur (produttore di serie cult come Parks and Recreation, Brooklyn Nine-Nine, The Office e The Good Place). Previsto un umorismo spericolato. Su Netflix dal 2 settembre

Sex Education Season 3

Finalmente è in arrivo la terza stagione di Sex Education, una delle serie Netflix che più hanno entusiasmato pubblico e critica. Adolescenti inglesi alla scoperta del sesso, cosa potrà mai andare storto? Tutto ovviamente.

La serie di si distingue per una narrazione esplicita e brillante, genuinamente sopra le righe e mai paternalista, dando voce – più di ogni altro telefilm – a un ampissimo di identità e orientamenti sessuali. 

Nemmeno essere figlio di una sessuologa disinibita e moderna (Gillian Anderson) può essere d’aiuto nella scoperta del sesso e dei sentimenti, anzi, per Otis (Asa Butterfield) è solo una complicazione in più.

Nuova stagione, nuovo anno scolastico con nuovi problemi per tutti i protagonisti di Sex Education: Otis fa sesso occasionale (la sua storia d’amore con Mave è stata boicottata), Jean – sua madre – sta per avere un bambino, Eric e Adam hanno ufficializzato la loro relazione sfidando le reciproche famiglie ad accettare la loro omosessualità.

Nel frattempo però è arrivata una nuova preside che cercherà di ripristinare gli standard di eccellenza del liceo. Missione impossibile? Su Netflix dal 17 settembre

The Other Two

Al centro della serie le disavventure di Cary (Drew Tarver) e Brooke (Heléne Yorke), fratello e sorella millennial che devono fare i conti con l’improvviso successo del loro fratellino tredicenne diventato una star del web (Case Walker, star di TikTok).

Cary è un aspirante attore la cui carriera stenta a decollare, è gay e il suo famosissimo fratello gli dedica una canzone che diventa un’hit: “My Brother’s Gay”. Suo malgrado, e non per merito suo, Cary diventa così una sorta di icona gay.

Quella di The Other Two è una satira pungente, i bersagli la fama e la celebrità ai tempi dei social e di TikTok. La serie è uno dei ritratti televisivi più a fuoco sull’essere un millenial gay che cerca di sopravvivere alla metropoli (maldestro, insicuro e innamorato del coinquilino più o meno etero).

La prima stagione è stata trasmessa su Comedy Central nel 2019, la seconda stagione arriva il 26 agosto 2021 su HBO Max.

Chucky. La bambola assassina

Anche il più classico degli horror si tinge rainbow. Dopo otto film, è in arrivo la serie TV dedicata a Chucky, la bambola assassina (Syfy e USA Network).

Protagonista di questo nuovo capitolo della saga sarà un adolescente gay: Jake Weber (Zachary Arthur), essere giovani e omosessauli in periferia, un doppio guaio, se poi ti capita di trovare durante a una svendiata una bambola maledetta i guai si moltiplicano alla svelta, e orrendi omicidi iniziano a verificarsi.

Nella serie torneranno anche alcuni attori storici del franchising tra cui la mitica Jennifer Tilly.  Dal 13 ottobre (uscita USA)

Heartstopper

Dalla popolarissima graphic novel di Alice Oseman, sono in arrivo su Netflix otto episodi con ​​Joe Locke, al suo esordio, e Kit Connor.

Heartstopper è la storia di due ragazzi, Charlie e Nick, che si scoprono innamorati, affrontando assieme tutti i problemi dell’essere adolescenti.

Sulla scia della lunga tradizione dei manga shōnen’ai, una serie tv tenerissima (ma non smielata) e contemporanea che parla di accettazione (di sé e degli altri), di amicizia, amore, paura, vergogna e coraggio, sempre con un tocco leggero e fresco.

Della sceneggiatura si è occupata la stessa Alice Oseman, alla regia invece Euros Lyn (Broadchurch, Happy Valley). Su Netflix

Euphoria Season 2

In Euphoria tutto è un grande dramma, esattamente come ogni adolescenza che si rispetti. Questo forse uno dei segreti del successo della serie tv di Sam Levinson (Assassination Nation) assieme al suo impianto visuale a tratti sbalorditivo.

La serie, sboccata, sfacciata, corrosiva, anche grazie al suo cast (Zendaya, Barbie Ferreira e Hunter Schafer tra gli altri), è diventata un instant cult.

L’arrivo della seconda stagione è stato ritardato a causa della Pandemia, e nell’attesa sono stati trasmessi due episodi speciali dedicati alle due protagoniste principali, Rue e Jules, uno dei personaggi transessuali più belli del panorama televiso (profondo, sfaccettato, attuale, vero). Su HBO

They Both Die At The End

Dal romanzo young adult di Adam Silvera, la storia di Mateo e Rufus che decidono di passare assieme il loro ultimo giorno di vita.

Futuro prossimo, Mateo riceve una telefonata da Death-Cast, una società in grado di prevedere la morte delle gente, informandolo che ora è un Decker: qualcuno con solo ventiquattro ore di vita.

Dopo le prime ore di rassegnazione, con riluttanza, il ragazzo decide di scaricare Last Friend, un’app inventata per aiutare i Decker a trovare qualcuno con cui trascorrere il loro ultimo giorno.

Mateo e Rufus si incontrano così tramite questa app e decidono di trascorrere assieme le loro ultime ore sulla Terra, per loro inizia un ultima grande avventura che cambia le loro vite… Per sempre. 

La miniserie è sceneggiata da Chris Kelly (Other People, The Other Two) e prodotta da J. J. Abrams e Ben Stephenson. Su HBO

Le Fate Ignoranti

In arrivo su Disney+ la serie tv di Ferzan Ozpetek ispirata al suo film cult del 2001 con Margherita Buy e Stefano Accorsi. Quando Massimo (Luca Argentero), il marito di Antonia (Cristiana Capotondi), rimane ucciso in un tragico incidente d’auto, la donna scopre che l’uomo aveva una storia d’amore con Michele (Eduardo Scarpetta), scenografo dell’Opera di Roma.

Antonia, devastata dalla notizia, si ritroverà a stringere un’amicizia inaspettata con Michele e la sua cerchia di amici, esplorando un nuovo significato di famiglia. Nel cast anche Carla Signoris, Serra Yilmaz, Ambra Angiolini, Filippo Scicchitano e Samuel Garofalo. La serie sarà composta da 8 episodi, della durata di 50 minuti ciascuno, su Disney+ nel 2022.

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Zero è la storia di un adolescente timido che ha il potere dell’invisibilità e deve imparare a controllarlo per difendere il suo quartiere, rinunciando ai suoi sogni artistici.

Tra ragazzi di strada, superpoteri, differenze culturali e tutta la scena musicale rap/trap contemporanea, Zero ci porta in un quartiere lontano dall’immagine di Milano che siamo abituati a vedere, rendendo protagonisti quelli che il mondo lo guardano dal basso.

Il tema costante di Zero è quello dell’emarginazione, del ritenersi invisibili, del sentirsi diversi ma che però risulta poco credibile, forse per mancanza di budget o forse perchè si ha troppa fretta nel preparare una serie con un fortissimo e importante messaggio di inclusione e diversità.

Come spesso accade con le serie o i film ispirati da libri, racconti etc.. anche nel caso di Zero, con il libro la serie ha davvero poco a che fare, ne riprende solo i nomi di alcuni dei protagonisti ma la storia è tutta un’altra cosa.

Se nelle pagine del romanzo veniamo catapultati subito in un vortice abbastanza stereotipato e ripetitivo su quanto sia difficile essere di colore e vivere emarginati, qui, nell’adattamento tv, il racconto si alleggerisce molto e si mischia a elementi di generi diversi, dal thriller fino al racconto di formazione.

In Zero veniamo immersi in un mondo che, con un susseguirsi di scontri di quartiere, differenze etniche, amicizie, amori e superpoteri ci fa vivere diverse emozioni, non tutte positive.

Nata da un’idea di Antonio Dikele Distefano, che si occupa anche della scrittura insieme a Menotti, Stefano Voltaggio, Massimo Vavassori, Carolina Cavalli e Lisandro Monaco.

La storia ci porta nel Barrio, quartiere povero da tempo sotto attacco dei vandali, luogo dove conosciamo da subito Omar (Giuseppe Dave Seke) che adora passare il proprio tempo seguendo la sua passione, armato di matita, un foglio sulla scrivania e il mondo che la sua mente alimenta ispirandosi ai fumetti che ama. 

È proprio quel mondo immaginario il suo luogo ideale, perché nel quartiere dove lavora come rider per una pizzeria, pur incontrando ogni giorno tantissime persone, lui è invisibile. Nessuno lo vede in giro, e ci sono solo lui, i suoi fumetti e la famiglia, in un rapporto speciale che lo lega alla sorella Awa (Virginia Diop).

Presto però la situazione cambia, e tutto parte da una delle sue consegne, durante la quale incrocia il suo destino con quello di Anna (Beatrice Grannò). Tra i due scatta il colpo di fulmine, e Omar, che aveva intenzione di lasciare l’Italia per inseguire il suo sogno, inizia a cambiare prospettiva. (Maddai)

Nel frattempo, il quartiere continua a subire attacchi di ogni tipo, che per puro caso porteranno Omar ad incontrare quelli che diventeranno i suoi migliori amici, ovvero Inno ( Madior Fall), Momo (Richard Dylan Magon), Sara (Daniela Scattolin) e Sharif (Haroun Fall).

Omar scoprirà presto di non essere più invisibile agli occhi di altre persone, ma lo diventerà nel vero senso della parola. Inizialmente non tutto va come previsto, ma col passare degli episodi Omar capisce come sfruttare il suo potere e, soprattutto, intuisce quello che può fare per il suo quartiere.

Tutto sembra andare per il verso giusto, ma dietro il decadimento della zona si stagliano ombre che ben presto si riveleranno delle minacce concrete.

Fino a qui tutto bellissimo, l’idea della serie ha degli spunti molto interessanti se pensiamo che si parte dal vedere una Milano che gli stessi milanesi cercano di nascondere, arrivando a toccare tematiche come la classe sociale, l’integrazione e lo Ius Soli.

Zero cerca di unire i punti in un racconto che si sgretola già dopo qualche episodio.

Sin da subito, però, la serie mostra grandi crepe nella sceneggiatura: tutto succede in fretta, tutto corre troppo e si ha come la sensazione di perdersi qualcosa, come se mancassero dei passaggi fondamentali che avrebbero reso la vicenda più credibile.

Omar, ad esempio, scopre di avere il superpotere e nella scena successiva si cambia completamente pagina, come se non fosse successo nulla.

Anche sul fronte della recitazione, forse anche per i problemi di scrittura, le interpretazioni risultano spoglie, senza anima, passando da siparietti scolastici a momenti di leggerezza, ad altri spezzoni più drammatici che sollevano qualche dubbio recitativo.

La serie finisce anche male, nel senso che il tutto si conclude in modo poco soddisfacente senza fornire grandi risposte, ma crea qualche dubbio sulla scrittura di alcuni personaggi, che sembrano protagonisti di svolte un po’ troppo radicali.

Bellissima invece la colonna sonora e tutte le musiche presenti nella serie.

Il compositore delle musiche, ideate appositamente per Zero, è Yakamoto Kotzuga. Tra i brani principali presenti nella colonna sonora, l’inedito di Mahmood che ha anche accompagnato il trailer, dal titolo Zero, scritto dallo stesso Mahmood e la sua crew composta da Petrella e Faini e prodotto da Dardust, che chiude la serie e che farà parte del nuovo album di Mahmood, GhettOlimpo in uscita l’11 Giugno.

Inoltre, Mahmood ricopre l’importante ruolo di music supervisor dell’ultimo episodio, per il quale ha curato la selezione musicale. Nel primo episodio,  è  presente il brano Red Bull 64 Bars x Zero di Marracash prodotto da Marz, dal titolo “64 barre di Paura”, anche nel teaser di ZERO, attualmente disponibile in esclusiva su www.redbull.com/64bars.

Nella soundtrack completa di ZERO si alternano i brani di artisti del più moderno e attuale scenario musicale italiano, spaziando tra rap, urban, trap e R&B: Tha Supreme con Blun7 a Swishland, Emis Killa con Fuoco e Benzina, Bloody Vinyl, Slait, Tha Supreme feat. Mara Sattei e Coez con Altalene, Madame con Voce e  Ginevra con Rajasthan.

Accanto ai successi nostrani anche uno sguardo al panorama internazionale con brani ricercati e multi-culturali, tra grandi classici e novità: Lil Wayne con Uproar, Alborosie con Cry, Amadou and Mariam feat. Manu Chao con Sénégal Fast Food, Nahaze con Behind e Ama Lou con Northside.

Sono sincero: avevo grandi aspettative su questa serie che però non sono state superate, ma resto fiducioso perchè l’idea di base è molto bella, la storia può ancora avere senso anche se siamo lontani dal dire: wow! Aspetterò la seconda stagione sperando mi faccia ricredere sulla prima.

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Complici il cinema e la musica ieri e Netflix oggi, la canottiera è diventata iconica, politica, sfigata, tragicamente sexy.

I film straboccano di canottiere: dal Neorealismo a Tornatore, da Visconti a Hollywood, da Il Padrino, passando per tutti i Fast&Furious, salutando Madonna in Cercasi Susan Disperatamente e nel video di Ray of light arrivando a Zendaya che, nel film Netflix Malcolm&Marie, ha ridefinito il significato di sexy facendola arrivare negli armadi delle influencer e facendola letteralmente sparire dai negozi.

Perchè se è vero che è un film funziona grazie ai suoi personaggi è altrettanto vero che la canottiera è un gesto, un gesto che serve a creare il personaggio.

Nel 1951 usciva al cinema Un tram chiamato desiderio, in cui Marlon Brando interpreta il rozzo e proletario Stanley Kowalsky, che senza la canottiera non sarebbe stato lo stesso, così come Paul Newman, nel 1958, in La lunga estate calda, dove ad un certo punto si spoglia mandando ai matti chiunque lo guardi ancora, 60 anni dopo. 

Nell’85 Freddy Mercury si esibisce a Wembley indossando una canottiera bianca e infuoca lo stadio e Fantozzi gli ha dato quel tocco di disagio e sfiga, ma che ha comunque abbracciato un certo tipo di target, Umberto Bossi ci ha costruito un’intera carriera politica grazie alla canottiera e da allora pensavamo di non vederla mai più indosso a nessuno.

E invece no, perchè si sa che certi amori fanno giri immensi e poi ritornano e infatti, dopo essere stata protagonista sulle passerelle (Dolce&Gabbana, Dries Van Noten, Jean Paul Gaultier su tutti) la canottiera fa switch tornando direttamente nel film capolavoro di Netflix Malcolm&Marie, diretto da Sam Lavinson.

Il film racconta la tormentata notte di un regista, fresco della prima di successo del suo ultimo film, e della compagna, attrice, che coglie l’occasione per dirgliene quattro.

John David Washington, per me tra i nuovi sex symbol del cinema, si sfila di dosso lo smoking come pochi sanno fare e Zendaya, sorprendente protagonista assoluta del film, con tre cambi di look ha reso memorabile un film e un personaggio.

Lo stylist, Law Roach, alla sua prima volta da costumista cinematografico, ha pensato ad un abito lungo, che ricorda quello di Michelle Pfeiffer in Scarface, così perfetto nel rendere le inquietudini interiori del personaggio, così glam da essere già finito nelle wishlist di chiunque. Una manciata di minuti dopo vediamo Marie in un completo intimo bianco e minimal, con canottiera e slip, riuscendo inaspettatamente a stravolgerne completamente il significato. 

Come sarebbe stato il personaggio di Marie senza quel look così semplice ma infinitamente sexy?

Il suo nervosisimo non avrebbe la stessa evidenza, la sua emotività non sarebbe così palpabile ed elettrica, anche quando con un coltello in mano fa vedere al suo compagno che sarebbe stata perfetta per la parte che non le ha dato. Un look semplice ma potente, sexy ma non volgare, classico ma ancora nuovo, che aggiunge al personaggio una forza visiva notevole, senza ingabbiarlo e, al contrario, lasciandolo libero di far fluire tutto il proprio tormento interiore, anche grazie a una gestualità che proprio il look enfatizza.

Così gli outfit diventano i terzi protagonisti di questo imperdibile film che conferma il detto per cui se l’abito non fa il monaco, a volte il costume di scena fa il personaggio.

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Agendo come fate madrine, Alexia e Gloria, in ogni episodio, aiuteranno i protagonisti che sognano di far parte dell’universo drag, a perseguire la strada per questa carriera. Ad affrontare le proprie paure e insicurezze, per far sbocciare la diva che c’è in loro, anche se nascosta.

Da due Drag Queen cosa ci potevamo aspettare se non consigli che spaziano dal trucco, ai costumi, all’atteggiamento, all’impostazione della voce, alle coreografie e fino alla postura. I vari partecipanti sperimenteranno una trasformazione, che li porterà alla loro presentazione finale. 

Il duo si appoggia ad un team di coach che assistono chi ha superato la selezione, in modo che possano scoprire il meglio di sé e come realizzare la propria performance migliore.

Subito si potrebbe pensare ad A Queen Is Born come la versione brasiliana di Ru Paul’s Drag Race, ma questa serie a quanto si dice sembra essere meno una competizione, paragonata a quelle che ci ha abituato Mama Ru. Più una vetrina di storie toccanti. Vedremo così aspiranti drag queen contare sulle loro madrine per tirare fuori il loro lato più affascinante, creativo e audace.

A Queen Is Born è una celebrazione del drag come forma d’arte curativa e trasformativa. E’ una serie che mostra l’importanza di accettarsi, trovando il proprio modo di essere felici qualunque esso sia.

Il reality è stato creato per Netflix. I creatori dello show sono Gustavo Mello e Mari Nunes con la produzione Boutique Filmes.

A Queen is Born parla di libertà, i sogni che diventano realtà, il dialogo, la tolleranza, il divertimento. Nei vari episodi sono presenti anche familiari e amici, che non sempre capiscono le scelte di vita delle aspiranti queen.

Come facilmente ci possiamo immaginare dal trailer lo spettacolo è campy, magari non al livello degli altri reality…ma stiamo a vedere.

Vedremo i look di Alexia Twister e Gloria Groove, che il mese scorso è stata tra le protagoniste della serie di cover di Vogue Brasil intitolata “Eleganza Extravaganza”.

Non credo sia necessario mettere a confronto i vari Ru Paul Drag Race americani con A Queen Is Born. Probabile sarebbe una guerra persa, ma alla fine quello che conta è che una piattaforme come Netflix continui sempre di più ad ascoltare la nostra richiesta; quella di persone LGBTQ+.

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Alla base della serie c’è l’omonimo romanzo di Walter Tevis. Se il nome non vi dice molto pensate a Lo spaccone di Robert Rossen con Paul Newman, al suo seguito, Il colore dei soldi di Scorsese con Paul Newman e Tom Cruise, poi ancora a L’uomo che cadde sulla terra di Nicolas Roeg con David Bowie: tutti tratti da suoi libri. 

La storia è quella di Beth, un’orfana che – grazie a all’aiuto del burbero custode dell’orfanotrofio in cui è finita a 9 anni – scopre di essere la regina degli scacchi.

Anche quando verrà adottata da una coppia borghese, che in realtà ben poca attenzione le presta, il suo unico obiettivò è quello di giocare a scacchi, di imparare, di vincere.

Entra così nel circuito dei tornei, dimostrando a tutti di essere un vero e proprio fenomeno, inarrestabile – all’apparenza. Esistono anche tornei femminili, ma dato che il regolamento non lo vieta per Beth l’unica scelta possibile è quella di competere con i più forti, gli uomini; non vuole essere seconda a nessuno.

Solitudine, speranza e dipendenza sono gli ingredienti attorno a cui ruota la vita di questa campionessa, dipendente fin da piccola da psicofarmaci e poi, da adolescente, anche dall’alcol. 

È un outsider Beth, non capisce le sue coetanee – tutte concentrate su vestiti, ragazzi e canzoni pop – e loro non capiscono lei, solo gli scacchi la ossessionano: vincere è il suo riscatto dallo squallore e dall’alienazione.

Si sente viva solo quando è davanti a una scacchiera, poi alcol e pasticche per mettere a tacere le ombre che la rincorrono.

Nella sua mente gioca e rigioca le partite vinte, per scoprire i suoi punti deboli, quelle perse, per capire come superarsi.

Sulla scacchiera – al contrario di quanto avviene nella sua quotidianità – prende vita un mondo che è in grado di capire, di padroneggiare, di controllare.   

Torneo dopo torneo Beth si fa strada in un mondo di uomini, sembra imbattibile, è al contempo fredda e istintiva, la guidano una determinazione e una rabbia che scorrono avide sotto pelle. 

Scott Frank, già alla sceneggiatura di film come Minority Report (Steven Spielberg, 2002) o The Interpreter (Sydney Pollack, 2005), riesce a calibrare il ritmo e il tono della narrazione in maniera intelligente ed efficace, dopo il primo episodio introduttivo procede spedito nel raccontare l’ascesa della sua protagonista nel competitivo mondo degli scacchi, fino allo scontro con i giocatori più temibili, i russi.

Il regista dà così vita a un dramma che alterna suspense e malinconia, scavando nelle profondità delle sua protagonista senza diventare troppo celebrarle o cupo.

Di grande impatto ambientazioni, costumi e fotografia. La palette, caratterizzata da toni prevalentemente autunnali, è studiata per far risaltare il rosso vermiglio dei capelli di Beth; sullo sfondo gli Stati Uniti degli anni ’60 che cambiano lentamente, anno dopo anno.

Costumi, e location (bellissime quelle degli alberghi e dei centri commerciali) rivelano un lavoro di produzione raffinato e maniacale, pensato però sempre in funzione della storia e dei suoi personaggi, senza diventare mai mero espediente estetico. 

Conoscere o meno le regole del gioco non fa differenza. Gli scacchi sono il MacGuffin attraverso cui raccontare un coming of age pieno di ombre e solitudine, ricco di complessità, dove il fascino della dipendenza e il dono dell’autonomia si intrecciano nel costruire una narrativa sul genio femminile.

Anya Taylor-Joy è magnetica e incarna alla perfezione il personaggio di Beth, con le sue nevrosi e il suo orgoglio, le dona una dolcezza severa, animata da furia e desiderio.

A rendere la Regina degli scacchi una serie perfetta c’è – anche – il lavoro sui personaggi secondari, caratterizzati e scritti in maniera meticolosa, pieni di sfaccettature e umanità. Tra i più riusciti quello della madre adottiva di Beth, Alma (Marielle Heller), una donna  piena di frustrazioni, ingabbiata in un’esistenza borghese e solitaria che la deprime e la schiaccia.

Quello tra lei e Beth è un rapporto particolare, la donna non riesce a vedere nella ragazzina adottata all’orfanotrofio una figlia, col tempo, invece, la loro diventerà una complicità tra donne adulte e sole, in grado di consolarsi a vicenda con una mano stretta in silenzio. 

Sulla strada del successo Beth fa incetta di cuori infranti, a volte il suo. Affascinanti e frustrati, gli scacchisti che incontra sul suo percorso sono amici, complici e – talvolta – amanti.

Rivali raramente, lei è più forte, e lo sa bene – loro anche, e non possono fare a meno di cadere ai suoi piedi.  Ma è proprio a un passo dal traguardo, in bilico tra la gloria e il baratro della sconfitta, che scopre – nonostante la lunga strada piena di cadute e traversie – di non essere stata mai realmente da sola. 

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Un film con Spock e Sheldon Cooper che attirerà gli amanti dei cast stellari – ma che è destinato a essere abbandonato dopo mezz’ora di visone, destinato a rimpolpare quella fila di Continua a guardare di cui finalmente, da un po’, ci si può liberare.

Eppure: quel banner comparso dal nulla, quel film atteso in realtà da molti, nasconde cinquant’anni di Storia – cinquantadue anni, per la precisione, di storia di tutti noi: che cercano di essere riassunti nella mezz’ora del backstage The boys in the band: Something personal, pressoché invisibile, sempre sulla stessa piattaforma.

La Storia comincia al Theatre 4, nella West 54th Street, tra la nona e la decima Strada: era il 14 aprile del 1968, una domenica di Pasqua, quando The boys in the band andava in scena per la prima volta off-Broadway – come si dice per il circuito alternativo alle grandi produzioni.
Rimase lì in cartellone per due anni, fino al 6 settembre del 1970, per più di mille repliche.

Avrebbe rivisto la luce solo nel ’96, al Lucille Lortel Theater nel Greenwich Village, per un paio di mesi: ma fu il revival del 2018 a portarlo, finalmente, nella più celebre strada newyorkese.

Il testo era stato scritto da un certo Mart Crowley, uno che all’epoca aveva un paio d’anni in più di quelli che ho io adesso: aveva frequentato l’Università Cattolica d’America, si era trasferito a Hollywood per lavorare in qualche produzione televisiva e aveva conosciuto Natalie Wood sul set di un film bellissimo che si chiama Splendore nell’erba.

Wood lo nominò membro del cosiddetto “Nucleo”, la sua ristretta cerchia di amici che dovevano avere come requisito fondamentale la gentilezza – e lo assunse come suo assistente personale, principalmente per lasciargli il tempo di scrivere questa drammatica commedia che gli avrebbe dato fama nazionale.

La pièce metteva al centro della trama un gruppo di uomini omosessuali: fatto inaudito e latentemente pericoloso per l’epoca, se consideriamo che non c’erano ancora stati i moti di Stonewall ed era illegale per due maschi ballare insieme: non si poteva neanche parlare di una comunità gay.

I nove attori che accettarono d’interpretare i nove personaggi lo fecero allora contro il volere dei propri agenti: sei di loro erano realmente gay – e se avessero fatto coming-out avrebbero messo fine alle proprie carriere; cinque morirono a causa dell’AIDS fra il 1984 e il 1993.

La sceneggiatura rispettava l’unità di luogo e di tempo: (quasi) tutto si svolge durante la festa di compleanno del caro amico Harold, come poi avrebbe titolato la versione cinematografica italiana – uscita nelle nostre sale il 29 ottobre del ’70.

Perché bastarono due anni e lo spettacolo teatrale già approdò sul grande schermo, lasciando a Mart l’onere di adattare lo script alle regole cinematografiche e affidando la macchina da presa a un certo William Friedkin, trentacinquenne di Chicago, che nel lustro successivo avrebbe poi fatto incetta di Oscar prima con un film dal titolo Il braccio violento della legge e poi con un altro, L’esorcista.

Produttore oltre che autore, Crowley insisté affinché il cast della versione cinematografica non cambiasse rispetto a quella del palco e, per la sua performance nei panni di Michael, caro amico dell’Harold del titolo, Kenneth Nelson fu candidato al Golden Globe come miglior attore emergente.

Produceva anche Kenneth Utt, che per una triste coincidenza sarebbe poi stato – 23 anni dopo, poco prima di morire per un tumore alle ossa – il produttore di Philadelphia.

Per il riscatto si dové quindi aspettare esattamente cinquant’anni, il 30 aprile del 2018, quando il revival andò in scena al Booth Theatre di Broadway: gli attori scelti per interpretare i nove ruoli potevano finalmente dichiararsi tutti gay, «orgogliosi uomini gay che interpretano personaggi gay» disse uno di loro, Andrew Rannells – peraltro fidanzato con un altro degli attori, tanto sopra quanto sotto al palcoscenico, Tuc Watkins – e con cui ha avuto due gemelli.

L’opera(zione) non poteva sfuggire a uno prolifico e attento come Ryan Murphy – attento soprattutto al tema dell’HIV: basti pensare alla presenza di Rock Hudson nella discutibile miniserie Hollywood, oltre che al film già cult The normal heart.

Proprio dalla crew di entrambi questi show ha pescato l’uomo a cui commissionare la regia della trasposizione 2020 dei Boys – che pure questa, non a caso, arriva a cinquant’anni di distanza dall’altra.

Si chiama Joe Mantello, di anni ne ha quasi cinquanta, nella miniserie era stato Dick Samuels, nel film Mickey Marcus ma soprattutto, a teatro, ha vestito i panni di Louis Ironson, il ragazzo che abbandona Prior Walter in una vera pietra miliare della nostra Storia, Angels in America, per la quale fu candidato anche al Tony Award.

Richiamato a firmare anche questa terza versione della sua sceneggiatura – insieme a un fedelissimo di Ryan Murphy, Ned Martel – Mart Crowley compare nella pellicola in un piccolo cameo che volontariamente avviene nel Julius’ Bar, in una delle prime sequenze, una delle pochissime che escono dall’appartamento di Michael e che, forse, sono il punto debole del film.

Il locale – il più antico bar gay di New York City – si trova al 159 di West 10th Street e aprì i battenti nel 1864, ma solo negli anni Cinquanta del secolo successivo ha iniziato a essere fulcro di clientela gay.

Nel 1966, tre anni prima delle proteste allo Stonewall Inn che si trova proprio dietro l’angolo, il Julius’ fu il teatro di una ribellione della Mattachine Society contro i regolamenti discriminatori della New York State Liquor Authority, che proibivano alle aziende di servire bevande alcoliche alle persone LGBTQ.

La Mattachine Society è stata una delle prime organizzazioni americane a battersi per i diritti delle persone omosessuali e la protesta, che i suoi organizzatori soprannominarono argutamente «sip-in», portò i tribunali dello Stato di New York, l’anno successivo, a pronunciarsi contro la pratica della State Liquor Authority.

Il Julius’ quindi non poteva che essere anche uno dei luoghi delle riprese del primo adattamento cinematografico della pièce: ma se Crowley è riuscito a vedere quel film, purtroppo non ha fatto in tempo a vedere quest’altro – dopo aver persino festeggiato l’84esimo compleanno sul set.

È morto infatti il 7 marzo di quest’anno, lasciandoci in eredità «un promemoria di quanto fosse difficile e doloroso» ha detto Zachary Quinto; ma anche di quanto sia necessario continuare a lottare, ancora, sempre, dovunque – aggiungo io.

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