N.20 – Father John Misty “Chloë and the Next 20th Century” (Sub Pop)

Il cantautore Josh Tillman ripercorre l’età d’oro di Hollywood per una raccolta di canzoni sognanti, riccamente orchestrate e con un lato ironico, uno studio riuscito sull’atemporalità delle canzoni d’amore.

N.19 – Beabadoobee “Beatopia” (Dirty Hit)

Ispirato da un mondo sognante e infantile, enfatizzato nell’artwork, e dai successi radiofonici pop degli anni 2000, il secondo album di Bea Kristi è contemporaneamente denso e giocoso, melodico e dissonante, leggero e impegnato più intimo. Meno indie rock del suo predecessore ma in una veste che le calza comunque a pennello.

N.18 – Jockstrap “I Love You Jennifer B” (Rough Trade)

Alcuni album di debutto sono molto attesi a causa del clamore generato da Internet ma non è il caso del duo inglese Jockstrap, che hanno mantenuto le aspettative con “I Love You Jennifer B”, un disco magico fatto di pop sperimentale talmente stretchato da rendere il genere indefinibile. Have a good ride.

N.17 – Weyes Blood “And in the Darkness, Hearts Aglow ” (Sub Pop)

Il quinto disco di Natalie Mering è qualcosa di maestoso, come una spedizione nell’occhio di un ciclone; un insieme ambizioso e stravagante di canzoni d’amore e inni evegreen, con imprevedibili e appaganti arrangiamenti orchestrali. La sua consacrazione.

N.16 – CMAT “If My Wife Knew, I’ll Be Dead” (Awal)

Se siete un po’ dei nerd della musica non vi sarà sfuggito questo album che purtroppo non è stato distribuito in Italia. La 25enne cantautrice irlandese Ciara Mary-Alice Thompson in arte CMAT è una pop star tuttofare che ha realizzato un album di debutto quasi perfetto. Una deliziosa combinazione di lussuria ed ironia con melodie country pop che restano appiccicate in testa, testi esilaranti ed una voce avvolgente.

N.15 – Whitemary “Radio Whitemary” (42 Records)

Un disco che viaggia nella mente di chi ascolta per toccare i poli della nostra parte razionale e del nostro istinto che ci chiama e ci assorbe in una galleria di luci al neon e parole ripetute come mantra. In un abitacolo che ospita pensieri e sentimenti, in un viaggio lungo quanto l’esplorazione di noi stessi. Whitemary abruzzese in pianta stabile a Roma vi sorprenderà.

N.14 – Lykke Li “EYEYE” (Pias)

Il disco che dovrebbe chiudere il cerchio sul tema tanto caro all’artista svedese che vive da anni a Hollywood, ovvero i cuori spezzati, è anche il più scarno, grezzo e sincero della sua carriera. Palindromo nel titolo e nella sua durata 33:33, il quinto album di Lykke Li è compagno del dolore quanto la luce è compagna del mattino.

N.13 – Christine and the Queens “Redcar les adorables etoiles (prologue)” (Because)

Canzoni di rottura senza schemi predefiniti e melodie malinconiche anni ’80 marchiano la nuova uscita di Héloïse Letissier, che oggi si trasforma in Redcar. Un lavoro scritto e registrato in sole due settimane e che fa da prologo ad un progetto in via di sviluppo come la sua persona. “Redcar” non è facile e necessita diversi ascolti, ma superato lo step capirete la magnificenza e l’unicità di quest artista.

N.12 – Charli XCX “Crash” (Atlantic)

“Crash” è il disco pop migliore di Charli XCX dai tempi del mixtape “Pop 2”. Come il film di Chronenberg, da cui ha preso in prestito titolo e concept ha sovvertito le regole del cinema d’autore, “Crash” ribalta le regole del pop. Si torna a fare festa senza inibizioni ma in favore di suoni più facili e meno hyper pop.

N.11 – Ariete “Specchio” (Bomba Dischi)

La cantautrice romana Ariete si è costruita una fan base invidiabile che la adora, ogni suo concerto è una cerimonia fatta di cantate a squarcia gola e diritti lgbt+, se l’Italia l’ascoltasse con più attenzione sarebbe sicuramente un paese migliore. Storie d’amore e un’apatia adolescenziale alla “Donnie Darko” aleggiano tra le canzoni, ma c’è anche quell’energia che arriva all’improvviso tipica della sua età. Ci aspettiamo grandi cose.

N.10 – Arctic Monkeys “The Car” (Domino)

Gli Arctic Monkeys non sono stati mai così evocativi e l’entusiasmo della band nell’esplorare nuovi stili è encomiabile. Forse chi vive nel ricordo rimpiangerà per sempre le loro hit da stadio come “Teddy Picker”, ma questo album si chiama “The Car” quindi mettetevi comodi e godetevi questo viaggio old-fashioned e che potrebbe metterli in lizza per comporre il prossimo theme di James Bond.

N.09 – Oliver Sims “Hideous Bastard” (Young)

Oliver Sim è noto per essere la voce dei The XX, questo suo primo album è un lavoro liberatorio che lo ha accompagnato un percorso di accettazione nei confronti di dipendenze, della sua sessualità e del convivere con lo stigma dell’HIV che ha contratto a soli 17 anni.

“Hideous Bastard” è il mostro che ha convissuto dentro ad Oliver e che finalmente si è liberato, e che ha creato un album in cui convivono passato e futuro, dove sonorità digitali si scontrano con l’amore per la musica degli anni ’60, trasmessogli dal padre e che danno vita ad un album imprevedibile.

N.8 – King Princess “Hold On Baby” (Columbia)

King Princess è l’alter ego di Mikaela Straus, cantautrice e polistrumentista queer di Brooklyn. “Hold On Baby” è il suo secondo album: una lavoro intelligente, intenso, provocatorio e seducente del pop che verrà e che giustifica l’hype si è costruito intorno a lei. Pensate che il suo primo contratto le è stato offerto a 11 anni… lei rifiutò ma aspettare paga, tanto che è stata scoperta dal super produttore Mark Ronson, diventando la prima firma per la sua etichetta Zelig.

N.7 – Aurora “The Gods We Can Touch” (Glass Note)

Proprio come i suoi due album precedenti, “The God We Can Touch” si discosta dalla musica pop canonica per le sue qualità innovative e cinematografiche. L’album è un concept per l’unità tematica dellle sue tracce, con ogni canzone dedicata all’umanizzazione di un diverso dio o divinità spirituale, dai personaggi mitologici greci alle figure cristiane. Un manifesto che si districa tra electro pop e tracce spirituali e che inneggia all’amore libero. Un’artista unica nel suo genere, che va assolutamente vista live.

N.6 – GINEVRA “DIAMANTI” (Asian Fake)

Un disco atteso “DIAMANTI” di Ginevra, cantautrice e musicista di Torino che si conferma un’artista avant-garde nella scena musicale Italiana. Canzoni pop fragili, notturne, intime ma anche sorprendentemente muscolari.

Ricche di riferimenti colti ed esterofili, risplendono nella notte come le sfaccettature di un diamante colpito dalla luce della luna o di una strobo. C’è l’elettronica che ti trasporta in un club berlinese, ma anche la nostalgia della Bristol dei Massive Attack e di Tricky, e di quei suoni che ti annebbiano come un joint.

“DIAMANTI” è un ibrido tra determinate sonorità inglesi e il cantautorato, un album che in mezzo al panorama italiano luccica come il nome che porta.

N.5 – Tove Lo “Dirt Femme” (Pretty Swede)

“Dirt Femme” è un album sexy, intelligente e, cosa più importante divertente della produttrice e cantante svedese Tove Lo. Un passo avanti per Tove Lo senza perdere nulla del suo fascino caratteristico, sicuramente l’album pop dell’anno, il quinto della sua carriera e il primo auto prodotto dalla sua neonata etichetta Pretty Swede. “Dirt Femme” è un disco che deve molto a Giorgio Moroder con i suoi sintetizzatori che pulsano dappertutto, è musica disco euforica accoppiata con testi tristi, da ballare e cantare insieme.

N.4 – Wet Leg “Wet Leg” (Domino)

Le Wet Leg hanno pubblicato un album di debutto che è diventato un “Istant classic” e giustifica tutto l’hype che le circonda. Il duo dell’isola di Wight mette in atto gioco spiritoso e caloroso nel caos dei loro venticinque anni, con hit infettive come l’ammiccante “Chaise Long” divenuta un festival anthem, “Wet Dream” è il suo ritornello da cantare a squarciagola o ancora “Angelica” e la sua malinconia retrò. Un album che ci riporta ai fasti del brit pop ma in modo intelligente e fresco.

N.3 – Rosalía “Motomami” (Columbia)

“MOTOMAMI” di Rosalía spazia per flamenco, bachata, reggaeton, bolero, synthpop, hyperpop, samba e collage sperimentali che potremmo definire “avant-pop”. Motomami è tanto provocatorio e rischioso quanto creativo. Mette in mostra Rosalía come un “master”, intrecciando i fili contraddittori del pop latino e anglosassone con forme tradizionali e d’avanguardia e suoni freschi in un approccio radicale gloriosamente articolato che rende l’ascolto ossessivo. Rosalía è la popstar del futuro.

N.2 – 070 SHAKE “You Can’t Kill Me”

Da quando è entrata sulla scena come collaboratrice IN “Ghost Town” di Kanye West, 070 Shake sembra abbia esplorato e sperimentato senza paura suoni diversi. Mescolando e abbinando, scuotendo e mescolando il piatto, spesso emergendo con un marchio musicale straordinariamente unico, “You Can’t Kill Me” è una continuazione di questo marchio artistico – quello di un artista che non si ferma mai. In questo progetto, 070 Shake fa un passo successivo che è emozionante e pieno di momenti meravigliosi anche grazie alla produzione di Mike Dean. Un album d’amore oscuro e viscerale che dal vivo arriva diretto con tutta la sua potenza e il suo carisma magnetico.

N.1 – Yeah Yeah Yeahs “Cool It Down” (Secretly Canadian)

Il cielo di Los Angeles non è mai stato così infuocato, gli Yeah Yeah Yeahs da New York cambiano skyline e tornano dopo 9 anni con “Cool It Down”, un album con atmosfere alla David Lynch, ma con quella loro ruvidezza DIY inconfondibile.

Il quinto album degli Yeah Yeah Yeahs esplora l’isolamento dell’era della pandemia, affronta la rovina ambientale, e parla di cieli rosso fuoco che sembrano il preludio di un apocalisse, ma lasciando sul finale un segnale di speranza e di ottimismo sul futuro.

Gli Yeah Yeah Yeahs sono cresciuti, si sono evoluti e noi insieme a loro, la voce di Karen da ruvida e tagliente è diventata a tratti setosa, in altri sussurrata, sembra quasi una meditazione post punk che culmina nel duetto con Perfume Genius “Spitting on the Edge of the World”, un inno epocale che sputa sul mondo e su tutte le sue contraddizioni. Un album tremendamente attuale che si aggiudica il podio come miglior album del 2022 per TOH! Magazine.

best album 2022 best album 2022 best album 2022 best album 2022 best album 2022

L'articolo I 20 best album del 2022 proviene da Toh! Magazine.

Karen O, Nick Zinner e Brian Chase i tre membri degli Yeah Yeah Yeahs, hanno aspettato nove anni prima di pubblicare il quinto album, “Cool It Down”, un disco breve ma che arde come un fiammifero.

“Cool It Down” ha spostato l’attenzione della band su Los Angeles dove Karen O passa gran parte del tempo, da quando ha messo su famiglia. Ma Nick è rimasto nella Big Apple, città a cui la band deve tutto.

Il quinto album degli Yeah Yeah Yeahs esplora l’isolamento dell’era della pandemia, affronta la rovina ambientale, e parla di cieli rosso fuoco che sembrano il preludio di un apocalisse, ma lasciando sul finale un segnale di speranza e di ottimismo sul futuro.

Se vi aspettate una hit che vi colpisce in faccia come un pugno pieno di glitter, non la troverete in “Cool it Down”, gli ululati di Karen O al microfono nemmeno.

La delirante energia live che li accompagna dai tempi del debutto con “Fever to Tell” nel 2003 – album che fece riaccendere i riflettori sulla scena indie rock di New York, oggi raccontata anche nel documentario d’imminente uscita “Meet me in the Bathroom” – la potete ritrovare live, tra sputi a fontana e il mitico microfono infilato dentro i pantaloni a ricreare un cazzo, perché diciamolo: non c’è frontwoman che regga il confronto con Karen O sul palco.

Gli Yeah Yeah Yeahs sono cresciuti, si sono evoluti e noi insieme a loro, la voce di Karen da ruvida e tagliente è diventata a tratti setosa, in altri sussurrata, sembra quasi una meditazione post punk che culmina nel duetto con Perfume Genius “Spitting on the Edge of the World”, un inno epocale che sputa sul mondo e su tutte le sue contraddizioni.

Abbiamo chiacchierato con Nik Zinner, fondatore della band, chitarrista e fotografo:

Ciao Nick, come stai e dove ti trovi?

Sono a New York tutto bene, è la città migliore che ci sia.

Mi chiedevo, qual è stato l’input che vi ha fatto tornare con un nuovo album dopo 9 anni?

Ci prendiamo sempre del tempo tra un disco e l’altro, e poi Karen e Matt ora hanno dei figli che hanno ribaltato il loro mondo. Come band abbiamo fatto dei live tra la fine del 2017 e il 2018 per celebrare i 10 anni del nostro primo album “Fever to Tell” e quegli show furono travolgenti, con un responso incredibile da parte del pubblico.

Questo entusiasmo ci ha fatto pensare che non volevamo diventare una di quelle band che si riuniscono ogni tanto per un tributo, volevamo materiale nuovo per tenere viva l’energia che ci ha sempre distinto. All’inizio pensavamo di pubblicare qualche singolo nel 2020 ma poi è arrivata la pandemia e si è evoluto in un album.

Si dice che squadra vincente non si cambia, voi sin dagli inizi lavorate con SSION per artwork e video, con Dave Sitek per la produzione e Christian Joy che crea i costumi di Karen. Siete una famiglia allargata ormai!

Ahahahahah! La verità è che siamo stati fortunati nel lavorare con questi artisti incredibili sin dall’inizio. Veniamo tutti da un background DIY, quando abbiamo iniziato eravamo tutti alle prime armi, siamo cresciuti insieme sia artisticamente che come persone, siamo molto legati.

Il vostro primo album “Fever to Tell” era un’ode a New York, “Cool it Down” invece è per me come una Los Angeles post-apocalittica, qual è il tuo punto di vista?

Assolutamente d’accordo al 100%. (sghignazza n.d.g.) Karen vive soprattutto a Los Angeles ora che ha famiglia e il 2020 con il Covid sembrava davvero l’apocalisse! Inoltre in California ci sono stati gli incendi più pesanti della sua storia, il cielo era sempre arancione, pioveva cenere, e Karen ci raccontava che non poteva uscire di casa perché l’aria era irrespirabile. Un vero schifo, più che post-apocalittico direi presente-apocalittico ahahahah!

Dopo questo racconto direi che hai dato un senso anche all’ artwork del disco!

Esattamente, la cover è una foto che ha trovato Karen, è di una fotografa che si chiama Alex Prager credo risalga al 2015, ma era perfetta per i sentimenti che il disco esprime.

Il primo singolo che avete rilasciato “Spitting on the Edge d the World” è un feat. con Perfume Genius, per altro la sua voce e quella di Karen sembrano fatte per cantare insieme, come lo avete coinvolto?

Penso anche io che le loro voci creino una combinazione speciale, Perfume Genius è una persona bellissima e un bravissimo artista, onestamente è stata l’unica persona che ci è venuta in mente, Karen ha detto: “Ci sento Perfume Genius in questa canzone” e così è andata.

Nessuno di noi lo conosceva personalmente ma siamo suoi grandi fan, così lo abbiamo contattato tramite amici comuni scoprendo così che la stima era reciproca, così ha accettato felicemente e ci ha anche raggiunto a Kansas City per girare il video con un clima freddissimo che ci ha spinto al limite!

Ho visto delle immagini di backstage con voi congelati! Però con quella macchina custom realizzata da SSION che avete chiamato “HellYEAHRacer” ne è valsa la pena dai! Vorrei salire anche io sul tetto di quell’auto e cantare a squarcia gola in mezzo al deserto!

Faceva davvero un freddo indescrivibile! Per quanto riguarda la macchina sarebbe bello portarla in tour con noi, ci stiamo pensando!

Fatelo per favore! Ma è vero che la prima volta che avete parlato di fare questo album tu e Karen eravate in un ristorante cinese ubriachi?

Sì… era dicembre 2019, noi usciamo spesso insieme ma non ci vedevamo di persona da molto tempo ed è stata la prima volta che parlando abbiamo preso in considerazione l’idea di fare nuova musica. Avevamo bevuto una bottiglia gigantesca di Sakè…

Il Sakè è il classico alcolico che ti frega perché è piacevole berlo, è confortevole, ma poi ti stende…

Esatto! Ahahah! E’ stato un grande pranzo, abbiamo cominciato a parlare di chi potevamo coinvolgere nel disco e di cosa ci sarebbe piaciuto fare, completamente ubriachi.

“Cool it Down” è il vostro album più soft ma non privo di quell’energia che vi ha sempre distinto. Vi sentite cresciuti ulteriormente con questo album?

Si anche se ci siamo messi in discussione con ogni album direi, non volevamo fare un album che vendesse non m’interessa esser visualizzato su YouTube, ma il modo in cui è stato creato è sempre lo stesso, l’energia dei nostri esordi è sempre presente. Siamo cresciuti, siamo persone diverse e il nostro sound si è evoluto con noi.

Volevo parlare di “Lovebomb” in cui Karen canta in un modo a lei inusuale, sussurrato, e della sua atmosfera alla David Lynch, c’è quella sensazione sospesa nel pezzo come se stesse per accadere qualcosa…

Grande! Siamo tutti dei fan di Lynch, quindi figo! E’ stato interessante per Karen cantare in un modo completamente diverso dal solito, ma anche per noi perché non c’è un’altra canzone degli YYY’s simile a questa.

E’ la canzone più intima che abbiamo mai scritto ed è stata registrata in modo che la voce di Karen sembra stia parlando direttamente a chi l’ascolta, dentro alla sua testa. Parla di quando non potevamo vedere ne toccare nessuno per via della pandemia, del sentire la necessità di sentirsi nuovamente vicino fisicamente a qualcuno che si ama.

Sei anche un fotografo, che è un lavoro solitario comparato alla band, quando hai cominciato a scattare foto e cosa ritraevi?

Ho cominciato al liceo e mi è sempre piaciuto fare fotografia documentaristica, che è quello che faccio ancora, scatto foto di cose che accadono a New York o attorno a me ovunque mi trovi.

Lato band è incredibile perché ho documentato qualsiasi nostra esperienza, ho un archivio vastissimo creato in 22 anni di carriera.

Cerco di non essere nostalgico ma allo stesso tempo avere l’opportunità di accedere facilmente a tutti i nostri ricordi è qualcosa di incredibile.

Sto lavorando molto lentamente a un libro fotografico sugli Yeah Yeah Yeahs, ma ho veramente troppe foto tra cui scegliere!!!

Scatti ancora le foto del vostro pubblico ai concerti?

Sì, credo di aver mancato 4 show in tutta la nostra carriera, quindi anche lì, immagina quante foto posso avere!

Com’è stato tornare on stage dopo la pandemia, i vostri concerti sono sempre molto wild, io stesso mi sono trovato a fine concerto entusiasta e fradicio come un teenager ogni volta che vi ho visti, hai visto un’energia diversa?

Immagina quell’intensità moltiplicata per cinque! E’ molto diverso, è tutto più vitale e tutti, compresi noi, siamo più riconoscenti. E’ davvero disarmante quando senti ancora tutto questo calore dopo 20 anni di carriera! Il pubblico è con noi, lo avvertiamo, ed è una delle sensazioni più belle del mondo.

Avremo modo di vedervi tornare live in Italia?

Non lo so ancora, ci piacerebbe moltissimo, Karen ama l’Italia. Faremo un tour il prossimo anno e spero che l’Italia sia compresa, ci metterò una buona parola.

Qual è la canzone degli Yeah Yeah Yeahs che ti emoziona più suonare dal vivo per il responso che ricevi dal pubblico?

Al momenti direi “Art Star” dal nostro primo ep, ce ne sono diverse tra cui “Head Will Roll” e “Zero”, ma quella canzone smuove davvero le persone, l’intensità emotiva è altissima, c’è una connessione tra noi e il pubblico che mi sorprende ogni volta.

A proposito d’Italia, avrai sentito che di recente è stata eletta la destra al governo… dacci un consiglio, una speranza, voi siete sopravvissuti a Trump!

L’ho letto sì… Non posso dirti che sia stato facile mentirei, e ancora non lo è. Durante l’era Trump ogni giorno usciva una news o veniva presa una decisione che ti buttava a terra.

E’ stato davvero… credimi sto cercando qualcosa da dirti che possa incutere un poco di speranza ma non so davvero cosa dirti! Ogni giorno sarà come combattere e sarà necessario farlo. E’ fondamentale ricordarsi che non si è da soli, che tante persone la pensano come te, come noi, e che vi unirete e vi farete sentire tutti insieme.

Speriamo… E qui ti lascio, chiedendoti qual è l’ultimo album di cui ti sei innamorato:

L’ultimo album dei Washington DC “Skinty Fia” mi piace davvero molto, ma ti consiglio anche “Seek Shelter” degli Iceage, una band danese bravissima.

L'articolo L’apocalisse ottimista degli Yeah Yeah Yeahs proviene da Toh! Magazine.