Christina Lucia Giuffrida è un’artista australiana, residente dal 2015 a New York City. Nei suoi quadri, dominati da colori intensi svela fantasie d’amore, di speranza e di mistero. Sotto cieli stellati dove la pelle blue delle sue donne protagoniste sono la rappresentazione di libera e nostalgica della sua terra natale.
Christina Lucia Giuffrida attraverso queste cartoline, che hanno carica onirica, sembra volerci offrire uno stimolo a voler tornare nella natura selvaggia, a vivere all’aria aperta e a dormire sotto una una luna piena, quella che illumina e fa brillare i corpi nudi. Qui tutto sembra essere incontaminato, fermo e silenzioso. Il mondo sembra essersi calmato dalla sua frenesia. Christina nei suoi dipinti sembra che tutto il resto non abbia più importanza, se non quello che accade del momento in cui le protagoniste sono immortalate nella vasta natura incontaminata dove sono libere.
Vieni dall’Australia ma ora risiedi a New York. Quanta della terra natia porti nella tua arte?
L’Australia è molto nella mia mente. Penso che nel 2019 ho iniziato ad avere un po’ di malessere a casa, e poi, ovviamente, questo è stato esacerbato dalla pandemia. Sono rimasta bloccata fuori dall’Australia e la mia fidanzata non avendo il visto australiano, siamo finiti per rimanere bloccate a New York nel nostro piccolo appartamento nel bene e nel male. Mi sono davvero impegnata a realizzare questi piccoli dipinti che sono un modo per calmarmi ed essere contemplativa. Il lavoro è il culmine di ricordi e fantasticherie sulla boscaglia che ho lasciato a casa. I dipinti sono piccole lettere d’amore: Un’ode all’Australia.
Dal giorno in cui ho visto i tuoi lavori sono rimasto sbalordito dalla potenza del colore, puoi parlarci della decisione di utilizzare una tavolozza così profonda?
Meraviglia infantile! È così che è nata la tavolozza. La storia è che mi sono formata come scultrice e ho realizzato sculture, installazioni e performance per quasi un decennio, ma sono rimasta bloccata nella mia pratica. All’epoca stavo lavorando in una scuola d’arte e abbiamo ricevuto una chiamata che diceva che un artista dell’Upper West era morto e volevano donare tutto il materiale del suo studio alla scuola. Quindi io e il mio capo abbiamo guidato un furgone nei quartieri alti e siamo entrati in questo minuscolo appartamento all’ultimo piano che sembrava una distorsione temporale: siamo tornati alla vecchia New York di cui tutti parlano.
Questo ragazzo ha avuto questa bella piccola situazione di vita e lavoro in un appartamento rustico in legno del 19° secolo. Aveva grandi scatole riempite di tubetti a tempera. Sto parlando, tipo, di migliaia di tubetti, anche di buona qualità: Horadam e Holbein. C’erano tutti i colori sotto il sole, il violetto spettro, il blu ceruleo, il verde Phthalo e il rosa opera.
Alcuni aperti, la maggior parte non aperti. Abbiamo riportato tutto a scuola e ho detto al mio capo: “Senti, devi farmi avere questi. Non so cosa farò con loro, ma ho bisogno di tutti questi colori”. E poi ho iniziato a dipingere e divertirmi allo stato puro.
È un rapporto immediato e abbastanza onesto che ho con il colore. Quando penso al paesaggio australiano, i colori sembrano davvero così vividi. Il cielo a casa è così blu, completamente diverso dal cielo nell’emisfero settentrionale. La qualità della luce sembra più brillante, più bianca e fa avanzare lo spettro dei colori. Inseguo costantemente quell’intensità di quell’atmosfera da casa.
C’è un senso di nostalgia, calma e mistero nelle tue opere. Da dove pensi che provenga?
Oh sì, questi sono sicuramente dipinti pesanti e nostalgici. Sento che sia il risultato della mia elaborazione della vita all’estero, dei miei genitori che invecchiano, loro che si sono trasferiti fuori dalla casa della mia infanzia. Della comprensione della tua mortalità, del tempo che passa e non torni indietro. A volte non riesci nemmeno a recuperare quei posti perché il posto cambia. Il mondo in questi dipinti sembra uno spazio di transizione, dove tutti i miei ricordi stanno convergendo con tutte le possibilità del futuro. E immagino che lo spazio sia calmo e, si spera, contenga un piccolo mistero.
Vedo anche molto romanticismo, quanto è importante per te? Come funziona nella tua visione e poi nei tuoi dipinti?
Il romanticismo ha un brutto colpo, e per una buona ragione, ma ne sono assolutamente affascinata e disorientata. Osservando le numerose manifestazioni del romanticismo nella storia dell’arte occidentale dal barocco ai preraffaelliti del XIX secolo, anche artisti moderni come Frank Frazetta, si vede questo modo molto particolare e francamente bizzarro di rappresentare e rapportarsi ai corpi femminili. Trovo isterico che “Le donne che fanno cose nude (o semplicemente siano nude)” sia un genere completamente a sé stante che attraversa i secoli. Ma lo amo anche con tutto il cuore.
Il mio lavoro è una risposta genuina a questo, spero che catturi l’umorismo, l’imbarazzo, la realtà di cosa significhi fare la vita nuda dal diretto sguardo dell’occhio maschile. Sento che, se lo si lascia, il romanticismo al suo meglio, ha un umorismo consapevole che è in grado di ridere di se stesso senza ironia o odio per se stessi.
Ho avuto molte critiche sentimentali e romantiche nella mia pratica e da artista più giovane ero davvero imbarazzata e me ne vergognavo. È stato solo quando mi sono seduta con tutta la mia pittura a tempera e mi sono avvicinato così tanto a quella, che ho trovato me stessa e il lavoro in un modo genuino.
Qual è il tuo rapporto con la natura? È sempre presente nel tuo lavoro…
Quando ci penso, penso che il mio rapporto con la natura a questo punto sia di dolore al cuore. Ricordo quando mi sono trasferita per la prima volta a New York, nell’ottobre 2015, e stava iniziando a fare freddo, a marzo mi è venuto in mente un pensiero: “Non ho sentito erba o terra sui miei piedi in sei mesi”. Era così strano per me, ero praticamente cresciuta correndo in giro senza scarpe. Era la sensazione di rendersi conto che stavo lentamente divorziando dal senso della natura. Un senso che non mi rendevo conto era così intessuto nel modo in cui mi muovo nel mondo: la mia anima, la mia salute mentale.
Voglio dire, so che posso andare al parco qui, o prendere il traghetto per la spiaggia di Rockaway, ma quelle esperienze sono fugaci. È un’escursione e poi si torna sul cemento. Forse continuo a dipingere la natura perché questo è il più vicino possibile a New York su base giornaliera. Devo continuare a ripassarlo perché ho paura di dimenticarlo.
Perché hai deciso di utilizzare il colore blu per rappresentare la pelle?
Per me era importante che le donne non fossero reali. Non li considero alieni o altro, ma non rappresento una realtà. La loro pelle blu dà loro la licenza di fare tutto ciò che vogliono senza le regole di gravità o nessuno dei problemi che affrontiamo come esseri umani. Queste donne sono il mio veicolo per fare di tutto. Il blu è anche un modo per tenermi aperto alle possibilità e alla sperimentazione, in senso formale, perché se queste donne non sono reali, allora forse la luce nel loro mondo agisce in modo diverso o forse attraverso alcune cose strane nella composizione, io non lo sono. Posso non essere così vincolata.
Aria aperta, viaggio in campeggio sotto il cielo, gli scenari dei tuoi quadri, cosa significano per te?
Forse significa che non dovrei vivere in città.
C’è un senso di libertà nel tuo lavoro che amo. Che cosa significa per te la libertà? Pensi che oggi siamo completamente liberi o dobbiamo ancora lottare per ottenere quella libertà che meritiamo?
La libertà è uno stato d’animo. Il modo migliore per lavorare verso quella libertà è vivere la tua vita. Ama e lasciati amare. Si sta avvicinando abbastanza alla libertà. Immagino che l’altro lato della libertà siano i diritti umani fondamentali e il rispetto come persona autonoma. A tal proposito sì, abbiamo ancora tanto, tanto lavoro da fare.
Parlando ancora di libertà, e dal fatto che sei un’artista che rappresenta le donne nel tuo lavoro, qual è il tuo punto di vista sull’aborto? Non pensi che gli USA abbiano fatto troppi passi indietro?
Penso che l’aborto sia una questione profondamente personale e privata e nessuno ha alcun motivo per costringere qualcuno a mantenere una gravidanza e per questo sono Pro-Choice. Non esaminerò tutte le situazioni in cui l’aborto è una procedura medica salvavita. Odio l’idea che una persona incinta debba giustificare a chiunque cosa sia una decisione personale così difficile. È un enorme passo indietro per gli Stati Uniti e colpirà in modo sproporzionato i poveri. Ma fortunatamente gli Stati Uniti hanno tre rami del governo democratico, quindi spero che questa decisione non sia permanente per sempre.
Mi piacciono i tuoi dipinti perché non importa colore, genere, sessualità o stato d’immigrazione. Sono esattamente come dovrebbe essere il mondo. Qual è il tuo punto di vista?
Grazie, lo apprezzo. Non sono sicura di realizzare questi dipinti come una critica alla società, non sto necessariamente raccomandando a tutti di andare a vivere nella boscaglia come un culto del nudo blu, guidando in un fuoristrada. Questi dipinti sono roboanti, sono divertenti, si spera che siano consapevoli di sé, forse sono una tregua dalla vera follia della vita. Penso che anche il mio lavoro dia la priorità alla gioia, e questo è ancora un gesto radicale per i queer, un modo per loro di annunciare che pensano che la vita sia bella.
Trovare la tua pace e la tua gioia è la cosa più potente che puoi fare. Sai, l’unico modo in cui sembro essere in grado di fare il mio lavoro è se spengo il mio cervello accademico, attivo, ipercritico. Non ho mai fatto niente di così buono con quella parte del mio cervello con lui alla guida. Queste non sono immagini che sono state progettate in quel modo.
Mi piace giocare con i concetti formali della composizione, ma le immagini si uniscono in un modo che sembra un’esplorazione molto onesta e infantile.
Non ci sto pensando troppo, sto solo considerando ogni passo con attenzione e poi vado avanti. Forse questo rende me e il lavoro “semplici”, ma mi fido di più di tutto ciò che ho realizzato da un po’ di tempo.
