Prima Facie: Un fenomeno mondiale che parla di giustizia, vittime e responsabilità

Scritto dalla drammaturga australiana Suzie Miller, Prima Facie ha debuttato a Sydney nel 2019 per poi conquistare Londra nel 2022, dove ha vinto due Laurence Olivier Award come Best New Play. Da allora è stato tradotto in 20 lingue, rappresentato in 37 Paesi e ha contribuito ad alimentare discussioni e riforme legislative nel Regno Unito in materia di tutela delle vittime di reati sessuali.

Il titolo, che in latino significa “a prima vista”, richiama il concetto legale secondo cui un fatto è ritenuto vero sulla base della prima impressione. Ed è proprio sulla distanza tra “apparenza” e “verità” che lo spettacolo costruisce la propria forza.

La storia di Tessa: quando la legge non basta

Tessa è un’avvocata penalista spesso impegnata nel difendere uomini accusati di violenza sessuale. Il suo approccio è razionale, tecnico, quasi chirurgico. Ma una notte tutto cambia: un evento traumatico la costringe a guardare il sistema legale dall’altra parte, quella delle vittime.
Il risultato è un viaggio emotivo che scardina certezze e mette in discussione la tenuta stessa della giustizia.

La regia di Daniele Finzi Pasca: delicatezza, stupore, umanità

Finzi Pasca firma regia e luci, proseguendo la tradizione della Compagnia Finzi Pasca, nota per la sua poetica del “Teatro della Carezza” e del “Gesto Invisibile”. In Prima Facie, racconta, non vuole “toccare la bellezza dell’impianto drammaturgico”, ma accompagnare Melissa Vettore in una narrazione “in punta di piedi”, capace di restituire una storia che – purtroppo – continua a ripetersi ovunque.

La Vettore, già applaudita interprete di figure complesse come Camille Claudel e Isadora Duncan, affronta un ruolo che unisce forza e vulnerabilità, lucidità e fragilità.

Il team creativo comprende:

• Giovanna Buzzi (costumi)
• Matteo Verlicchi (scenografie)
• Roberto Vitalini per Bashiba.com (video design)
• Maria Bonzanigo (musiche)

La produzione è firmata Compagnia Finzi Pasca, con autorizzazione di The Agency (London), Ltd.

Un teatro che diventa spazio di dialogo

Il Parenti accompagna lo spettacolo con tre momenti di confronto aperti al pubblico:

26 novembre – incontro dopo lo spettacolo

Con Melissa Vettore, Giovanna Iannantuoni, Luisanna Tedde e Manuela Ulivi, moderati da Natascha Lusenti.
Un focus su parità di genere, prevenzione della violenza e tutela delle vittime.

27 novembre

Dialogo tra Daniele Finzi Pasca e Melissa Vettore.

28 novembre – h 18.00, Café Rouge

Tavola rotonda “Raccontare la violenza quando la legge non basta”
Con Chiara Di Cristofaro, Silvia Belloni, Marco Maria Scoletta.

Ingresso gratuito per chi presenta il biglietto di qualunque replica.

Orari e biglietti

• 25 novembre – 20:00
• 26 novembre – 19:15
• 27 novembre – 21:00
• 28 novembre – 19:45
• 29 novembre – 19:45
• 30 novembre – 16:15

Prezzi:

• Settore A: 30€
• B: 22€ (under30/over65 16€, convenzioni 18€)
• C: 18€ (under30/over65 16€, convenzioni 16€)

Biglietteria: via Pier Lombardo 14 – 02 59995206 – biglietteria@teatrofrancoparenti.it
Info: teatrofrancoparenti.it ph. Viviana Cangialosi

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Non male per uno spettacolo che prende in giro Dio, la fede e il politically correct con un’ironia talmente feroce da risultare… quasi divina.

Creato dai padri di South Park, Trey Parker e Matt Stone, insieme a Robert Lopez (l’unico uomo al mondo con due EGOT all’attivo – Emmy, Grammy, Oscar e Tony, due volte ciascuno), The Book of Mormon è la prova che il musical può essere allo stesso tempo osceno, sofisticato e persino tenero. Debuttato a Broadway nel 2011, lo spettacolo ha vinto nove Tony Awards, quattro Olivier Awards, un Grammy e ha registrato record di incassi da New York a Londra, da Melbourne a Sydney.

Ma di che parla The Book of Mormon, finalmente in arrivo nella sua versione originale sottotitolata in italiano? 

 Due giovani missionari mormoni, pieni di entusiasmo e di buone intenzioni, vengono spediti in un remoto villaggio dell’Uganda per convertire gli abitanti. Quello che troveranno è tutt’altro che un campo estivo spirituale. Povertà, malattie, un signore della guerra che minaccia mutilazioni genitali e una canzone – Hasa Diga Eebowai – che suona come un inno disneyano ma significa… qualcosa che non si può dire in chiesa.

Eppure, tra parolacce e bestemmie, The Book of Mormon riesce a raccontare una storia di amicizia, crescita e fede – o meglio, di quanto sia umano cercarla anche quando non ha senso. È un inno alla libertà di ridere di tutto, anche (e soprattutto) di ciò che ci spaventa.

Ma davvero The Book of Mormon é Il musical più blasfemo e più premiato della storia?

Il successo è stato immediato. Nessun boicottaggio, nessuna protesta religiosa: anzi, la Chiesa dei Santi degli Ultimi Giorni ha colto la palla al balzo e ha comprato spazi pubblicitari nel programma ufficiale dello spettacolo. Il messaggio? “Hai visto il musical. Ora leggi il libro.” Quando anche i mormoni si divertono a farsi prendere in giro, vuol dire che hai fatto centro.

Dietro le quinte, un team creativo da urlo: Casey Nicholaw (regia e coreografie), Scott Pask (scene), Ann Roth (costumi, premio Oscar), Brian MacDevitt (luci), Brian Ronan (suono) e Stephen Oremus (supervisione musicale).

The Book of Mormon é il musical che sa ridere della fede e di noi stessi

«Ridere dei mormoni era solo l’inizio», ha raccontato Matt Stone. «La risata è il modo migliore per abbattere le difese delle persone e raccontare una storia più grande.» Una storia che, in fondo, parla di noi: delle nostre illusioni, della nostra fede nel progresso, dei nostri buoni propositi che finiscono sempre un po’ storti.

In un’epoca in cui tutti si offendono per qualcosa, The Book of Mormon resta un miracolo teatrale: riesce a scandalizzare tutti senza far arrabbiare nessuno.

Acquista il tuo biglietto qui!

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Dalla ballroom di New York alla techno berlinese, passando per la disco militante francese, ecco i volti che stanno ridefinendo la notte sulle rive del Lago di Ginevra. Il Montreux Jazz Festival non è più da tempo solo jazz. Con la sua apertura verso nuove espressioni sonore e culturali, l’edizione 2025 consacra definitivamente il proprio impegno verso la diversità, dando spazio e visibilità a una generazione di artisti LGBTQ+ che stanno riscrivendo le regole del clubbing.

La presenza di questi artisti queer non è solo estetica o musicale: è politica, è comunitaria, è urgente. In una società che ancora lotta contro discriminazioni e stereotipi, il palco diventa uno spazio di liberazione e connessione.

Royale Cattin & Friends:
Sul palco Spotlight il 5 luglio, Royale Cattin & Friends portano in scena uno show che è un inno al kitsch, all’ironia e all’empowerment queer. Ispirata alle dive anni ’70 e ’80, Royale unisce drag performance e bingo, con interventi di Moon, Léon Lover, Canicule, Luigi e Fiona de Vil, il tutto accompagnato da DJ set che oscillano tra disco, house e pop reinterpretato con spirito irriverente.

In un’atmosfera da Studio 54 reinventata, il collettivo crea uno spazio di festa e condivisione dove l’identità viene esaltata e ogni corpo è invitato a brillare senza timori.

BASHKKA:
BASHKKA arriva a Montreux come un’esplosione di energia queer e consapevolezza. Il suo nome, che in turco significa “diversa”, è già un manifesto. Cresciuta tra Monaco e la scena ballroom di New York, porta nel suo sound una miscela viscerale di house, ghetto-tech e influenze diasporiche, profondamente intrecciate con le lotte delle comunità trans nere e brown.

La sua performance del 14 luglio sull’Ipanema Stage promette un rituale sonoro che unisce beat e militanza, corpi e politica, in un atto di affermazione identitaria che non chiede permesso.

Roi Perez:
La consolle di Roi Perez è un luogo di seduzione e trance. Originario di Tel Aviv, ma adottato dalla Berlino del Berghain, è uno dei DJ resident del Panorama Bar, simbolo internazionale del clubbing queer. Con i suoi set eclettici e giocosi, che spaziano tra house, disco e breakbeat, Roi racconta la pista da ballo come luogo ipnotico e liberatorio, dove ogni traccia è un invito alla trasformazione.

Al Montreux Jazz Festival si esibirà il 13 luglio durante il Disco Brunch Club (Ipanema stage), portando la sua visione fluida e sensibile di una club culture aperta e permeabile.

Barbara Butch:
Barbara Butch non è solo una DJ, è un’intera dichiarazione d’intenti. Icona queer francese, militante contro la gordofobia e l’omolesbobitransfobia, ha fatto la storia nel 2024 con la sua performance d’apertura delle Olimpiadi a Parigi, trasformando un ponte sulla Senna in un palcoscenico di visibilità e orgoglio.

Al Montreux Jazz Festival chiuderà la notte del 19 luglio alla Coupole con un set che si annuncia travolgente. La sua musica, una combinazione inclusiva di disco, house e pop, è uno spazio dove l’amore queer non solo è visibile, ma viene celebrato senza compromessi.

La presenza LGBTQ+ al Montreux Jazz Festival 2025 non è un dettaglio, è un cuore pulsante. Le performance di Royale Cattin & Friends, BASHKKA, Roi Perez e Barbara Butch non si limitano a far ballare: creano comunità, affermano identità, riscrivono linguaggi.

In un mondo che ancora fatica ad accogliere l’alterità, questi artisti e artiste offrono rifugio e rivoluzione sotto la stessa luce stroboscopica. E allora che il palco diventi pista, che la musica sia voce, che il Pride non sia solo un mese, ma un battito continuo che risuona fino all’alba sul lago di Montreux.

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Ambra Angiolini, nel ruolo principale, offre una performance che è al contempo delicata e potente, incarnando con autenticità e profondità il personaggio di Oliva.

La trama, ispirata all’omonimo romanzo di Viola Ardone, ruota attorno alla vicenda di Oliva, una giovane donna che si trova a lottare contro le rigide convenzioni sociali e familiari. Angiolini interpreta Oliva con una sensibilità straordinaria, riuscendo a trasmettere la complessità dei suoi sentimenti: dalla paura e la rassegnazione, alla determinazione e il desiderio di emancipazione.

La sua performance è un viaggio emotivo che tiene il pubblico con il fiato sospeso, coinvolgendo tutti in una storia di dolore, coraggio e speranza il tutto accompagnato dal repertorio di canzoni interpretate da Mina (Città vuota, Nessuno, Soli, Mi sei scoppiato dentro il cuore, Renato, Canta ragazzina, E poi).

Alcune di queste canzoni sono già presenti nel testo letterario di Viola Ardone, come raccontano le parole di Oliva: 

“Dalla finestra aperta arriva di nuovo la musica di una canzone, ancora Mina. E penso che le canzonette siano un inganno perché sono piene di giovani libere spregiudicate che accusano i ragazzi addirittura di non averle ancora baciate… mentre nella realtà facciamo peccato mortale anche solo se sorridiamo”.

C’è una storia vera, e c’è un romanzo. La storia vera è quella di Franca Viola, la ragazza siciliana che a metà degli anni ‘60 fu la prima, dopo aver subito violenza, a rifiutare il cosiddetto “matrimonio riparatore”.

Il romanzo prende spunto da quella vicenda, la evoca e la ricostruisce, reinventando il reale nell’ordine magico del racconto. 

All’inizio Oliva è una quindicenne che nell’Italia di quegli anni, dove la legge stabiliva che se l’autore del reato di violenza carnale avesse poi sposato la “parte offesa” avrebbe automaticamente estinto la condanna – anche se ai danni di una minorenne -, cerca il suo posto nel mondo.

E, in un universo che sostiene che “la femmina è una brocca, chi la rompe se la piglia”, Oliva ci narra, ormai adulta, la sua storia a ritroso, da quando ragazzina si affaccia alla vita fino al momento in cui, con una decisione che suscita scandalo e stupore soprattutto perché inedita e rivoluzionaria, rifiuta la classica “paciata” e dice no alla violenza e al sopruso. 

Una storia di crescita e di emancipazione che scandaglia le contraddizioni dell’amore (tra padri e figlie, tra madri e figlie) e si insinua tra le ambiguità del desiderio, che lusinga e spaventa. 

Ma Oliva, proprio come Franca Viola, decide di essere protagonista delle proprie scelte, circondata da una famiglia che impara con lei e grazie a lei a superare ricatti, stereotipi e convenzioni.

Un padre che frequenta il silenzio e il dubbio, ma che riuscirà a dire alla figlia “se tu inciampi io ti sorreggo”, e una madre che, dapprima più propensa a piegarsi alla prepotenza e al fatalismo, riuscirà infine a spezzare le catene della sottomissione e della vergogna.

Grazie alla scrittura limpida, poetica, teatralissima e immaginifica di Viola Ardone, Oliva Denaro diventa così la storia di tutte le donne che ancora oggi pensano e temono di non aver scelta, costrette da una legge arcaica e indecente (lo stupro fino al 1981 era considerato solo oltraggio alla morale e non reato contro la persona) ad accettare un aguzzino e un violentatore tra le mura di casa. Una storia di ieri e di oggi, che parla di libertà, civiltà e riscatto.

Un romanzo di formazione che trasuda teatro. Una storia di coraggio, emancipazione e coscienza di sé. Una scrittura evocativa e profonda dove la voce della protagonista, delicata e rabbiosa, riesce ad essere contemporaneamente racconto personale e collettivo. Una storia ‘al femminile singolare’ che si trasforma progressivamente e quasi eroicamente in un canto di libertà.

ORARI

mercoledì 3 Luglio – 19:45

giovedì 4 Luglio – 19:30

venerdì 5 Luglio – 19:45

sabato 6 Luglio – 19:45

domenica 7 Luglio – 19:45

martedì 9 Luglio – 20:00

mercoledì 10 Luglio – 19:45

giovedì 11 Luglio – 21:00

venerdì 12 Luglio – 19:45

sabato 13 Luglio – 19:45

domenica 14 Luglio – 19:45

PREZZI
SETTORE A (file A–I)

intero 38€

SETTORE B (file L–ZZ)

intero 28€; under26/over65 18€; convenzioni 21€ (valide anche sabato e domenica)

Info e biglietteria

Biglietteria
via Pier Lombardo 14
02 59995206
biglietteria@teatrofrancoparenti.it

Ambra Angiolini Oliva Denaro Ambra Angiolini Oliva Denaro Ambra Angiolini Oliva Denaro

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André non racconta le sue origini in modo convenzionale, perché i suoi uomini non sempre sono legati al mondo mediorientale ma attraverso il suo stile che lo contraddistingue, riesce a dare al soggetto le caratteristiche di quei paesi caldi e ricchi che di storia ne hanno e continuano a fare. L’arte di André è definita da linee blu che armoniosamente creano delle forme maschili, corpi, visi ricoperti di barbe pronunciate e peli che rivestono petti e corpi possenti. In modo garbato sono ricchi di eros dati dalla forte mascolinità che emanano i ritratti che André attraverso il suo minimalismo riesce a trasmettere. 

Il suo progetto artistico prende il nome di Eybaba, un’espressione comune persiana per dire “oh dai, “oh amico”. André è poeticamente legato alla sua cultura, che tanto è presente in se stesso e in ciò che crea e immagina.

Chi è André?

Sono un architetto paesaggista e artista di trentadue anni con sede a Colonia. La mia arte è specializzata in ritratti di uomini. È fortemente ispirata dal mio background persiano, che si riflette spesso nella scelta dei soggetti e del colore blu nelle mie opere.

Quando hai cominciato a creare?

Ho iniziato a creare arte fin da bambino, anche se i miei genitori non erano particolarmente creativi. Mi sono sempre divertito a disegnare e a creare oggetti di artigianato. Sapevo di voler intraprendere una carriera creativa. Così ho deciso di studiare architettura del paesaggio. Durante i miei studi, l’arte e il design erano sempre parte integrante. In quel periodo ho iniziato a dedicarmi anche alla grafica, alla pittura e alla tipografia, sperimentando molto con esse.

Durante la pandemia del Covid, ho iniziato a dipingere con gli acquerelli. È in questo periodo che è nato il mio progetto “Eybaba”. 

Il periodo di isolamento mi ha spinto a riflettere profondamente su me stesso e a esplorare la mia identità di persona queer con un background multiculturale.

Attraverso l’arte, ho trovato un modo per esplorare ed esprimere le mie emozioni e i miei pensieri. Questo viaggio di esplorazione artistica non solo ha dato forma al mio lavoro creativo, ma ha anche portato a una significativa crescita personale e a una più profonda comprensione di me stesso.

Chi sono gli uomini che ritrai? 

Alcuni degli uomini che ritraggo sono persone reali che mi hanno chiesto un ritratto, mentre altri sono puramente immaginari. I ritratti di fantasia sono per lo più creati da ricordi e momenti che ho raccolto di vari uomini. Per esempio, per strada, alle feste o nel mio feed di Instagram. Questi ritratti combinano caratteristiche specifiche come sopracciglia, barba, piercing o peli del corpo che mi affascinano e che incorporo nei miei ritratti. In questo modo, una fusione di caratteristiche di uomini diversi emerge in un nuovo ritratto.

Come scegli chi ritrarre?

In genere scelgo uomini che incarnano il tipo mediorientale/mediterraneo. Il loro aspetto è spesso caratterizzato da pelosità, barba e un’aura maschile pronunciata. Queste caratteristiche mi affascinano non solo dal punto di vista estetico, ma anche perché riflettono la mia identità culturale ed etnica.

Come mai la scelta della digitalizzazione? 

Mi sono imbattuto nella pittura digitale per caso. Nonostante lavori in digitale, tutti i miei schizzi e le mie idee partono ancora dalla carta. Il mezzo digitale offre il vantaggio di correggere istantaneamente gli errori e di eliminare l’esitazione che spesso si prova quando si ha a disposizione una tela o un foglio di carta bianca.

Tuttavia, ho scoperto che lavorare in digitale può talvolta limitare lo sviluppo del proprio stile artistico. I mezzi tradizionali come la carta o la tela introducono un elemento di casualità e spontaneità.

Quello che potrebbe sembrare un “errore” può inaspettatamente portare a nuove idee e direzioni creative.

Questa imprevedibilità è una parte cruciale della crescita artistica, più difficile da raggiungere nel mondo digitale.

Bianco e blu, cosa rappresentano per te questi due colori?

Il blu ha un significato molto speciale per me. È il colore preferito di mia madre. Ricordo anche i bicchieri blu con decorazioni dorate che mia nonna portò dall’Iran e che sono custoditi nella nostra famiglia come un tesoro.

Ma ciò che mi affascina di più è il Nazar, un simbolo protettivo profondamente radicato nella cultura persiana, anch’esso di colore blu. Per me rappresenta non solo la protezione dal malocchio, ma anche un legame con la mia eredità persiana.

Il bianco, invece, è semplicemente una tela bianca che funge da base per ogni immagine. Serve piuttosto a dare spazio e contrasto al blu per dispiegare la sua luminosa radiosità.

Cosa trovi affascinante in un uomo?

Ciò che mi affascina particolarmente di un uomo è l’insieme armonioso delle sue proporzioni e il rapporto equilibrato tra le diverse parti del suo corpo. Le caratteristiche speciali, come i tratti distintivi del viso o le imperfezioni, mi affascinano perché trasmettono non solo l’individualità, ma anche una storia o un carisma speciale.

Anche i capelli sul viso e sul corpo svolgono un ruolo importante, conferendo a ogni uomo un’espressione unica e una personalità sfaccettata. Non solo completano l’immagine complessiva, ma possono anche enfatizzare il suo stato d’animo, il suo carisma e la sua personalità. Soprattutto, trovo intrigante come i capelli diventino parte del carattere individuale di una persona e ne arricchiscano la presenza visiva.

I tuoi uomini hanno un aspetto molto mediorientale, quanto sei legato alla tua terra?

Sono per metà tedesco e per metà persiano, nato e cresciuto in Germania. Purtroppo non ho ancora avuto l’opportunità di visitare l’Iran. Pertanto, i miei unici legami con il paese sono attraverso il mio baba, le sue storie, le foto e la famiglia che vive lì.

Con l’avanzare dell’età, sento sempre più forte il desiderio di esplorare la mia identità persiana e il desiderio di visitare la mia “seconda patria” per essere più vicina alla mia famiglia e per comprendere meglio la mia cultura.

In particolare mi piacerebbe vivere le festività come il Nowruz, il capodanno iraniano. Nonostante l’attuale situazione in Iran, sono determinato a realizzare il mio desiderio di esplorare e approfondire la conoscenza delle mie radici persiane.

Che tipo di musica ascolti in questo periodo? 

I miei generi preferiti di sempre sono l’RnB e la musica latina. In questi giorni sto ascoltando alcuni giovani artisti persiani come PooBon e Arta.

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Gloria, la protagonista de “La Vita che Volevi”, ha trovato la felicità nella pittoresca città di Lecce, dove ha fondato una piccola agenzia turistica e ha costruito una vita serena con il suo compagno Ernesto. Tuttavia, il suo equilibrio viene sconvolto dall’arrivo di Marina, una vecchia amica dell’università di Napoli, un tempo prima che Gloria iniziasse il suo percorso di transizione.

Marina non arriva sola: con sé porta Andrea e Arianna, figli nati da due diverse relazioni, ed è incinta di un terzo figlio, il cui padre è Pietro, un giovane dal carattere pericoloso.

Gloria, che vorrebbe mantenere le distanze da Marina per non ricordare un passato che desidera dimenticare, si trova presto invischiata nei segreti che Marina nasconde. A complicare ulteriormente la situazione, giunge Sergio, il padre di Arianna, un uomo duro e diffidente nei confronti di Gloria.

Per Gloria è giunto il momento di confrontarsi con “la vita che voleva”, il suo passato e il suo futuro, per scoprire che la felicità può arrivare in forme inaspettate e che l’amore è la forza che rende la vita degna di essere vissuta.

“Gloria è la protagonista della nostra storia e ci siamo innamorati di lei fin dal principio. Abbiamo voluto raccontare la storia di una donna transgender, lontana dagli stereotipi, vera, fatta di carne e sangue, piena di sfumature e contraddizioni. È da lei che siamo partiti per ideare la serie. È stata Gloria a guidarci e noi a seguirla.

L’abbiamo immaginata mentre camminava sicura per le strade di Lecce, una donna matura e realizzata, o nel passato, quando da giovane si divideva tra gli studi all’università di Napoli e le serate in discoteca, esibendosi in drag per guadagnare soldi e completare la sua transizione.

Accanto a lei, attraverso tante stesure e confronti, abbiamo costruito il suo mondo fatto di amori, affetti, lavoro, amicizia e famiglia. Non solo la famiglia d’origine, ma anche una nuova famiglia, inaspettata e non immaginata, che irrompe nella sua vita sconvolgendola. Il passato torna a presentare il conto, rappresentato da un figlio nato non per caso, ma per amore.

Questo è il tema che ci interessava esplorare: la possibilità inaspettata per Gloria di mettersi nuovamente in gioco, di fronte all’opportunità incredibile di poter essere madre, e di vivere una vita ancora diversa da quella che aveva immaginato.” raccontano la sceneggiatrice Monica Rametta e il regista Ivan Cotroneo.

La trasformazione di una storia scritta in immagini e scene è un’impresa di grande responsabilità. Quando inizia la preparazione, ci si sente responsabili del lavoro fatto e di quello che verrà, del tempo richiesto a tutte le persone coinvolte.

La creazione con Monica Rametta ha fissato molti punti fermi, a cominciare dalla protagonista: Vittoria Schisano si è imposta con forza per talento e aderenza al personaggio.

Il mondo di Gloria ha preso forma gradualmente, con il calore ma anche il dolore, spettacolare nei paesaggi e intenso nei primi piani. Raccontare la visione è stato l’unico modo per condividere un’idea di rappresentazione. La serie è il risultato del lavoro di gruppo, dall’amore e dalla creatività di tutti. Gli attori hanno donato il loro talento ai personaggi, rendendo viva la storia. La gratitudine è un sentimento essenziale e va ricordato sempre, perché nel cinema e nelle serie, l’amore e la creazione sono di tutti.

“La Vita che Volevi” non è solo una serie, è il frutto di un lavoro collettivo di autori e artisti, uniti nel desiderio di creare qualcosa di speciale e unico.

Questa miniserie di sei puntate, in uscita su Netflix il 29 maggio, rappresenta un momento significativo per la rappresentazione delle persone transgender nella televisione italiana. In un periodo storico particolarmente turbolento in Italia, dove i diritti delle persone LGBTQ+ sono spesso sotto attacco, la storia di Gloria offre un messaggio potente di resilienza, amore e accettazione. La sua presenza sugli schermi non è solo un traguardo per la visibilità transgender, ma un richiamo alla comprensione e all’inclusione in un mondo che ne ha un disperato bisogno.

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L’immagine più famosa della regista Sam Taylor-Johnson, quando era ancora Sam Taylor-Wood, la talentuosa giovane artista britannica, era un autoritratto in piedi con un completo nero, mentre tiene in mano un lepre puntato rigidamente verso l’alto.

Era forte, scomoda, e controversa sin dal suo fidanzamento a quarant’anni con l’attore Aaron Taylor-Johnson all’epoca diciannovenne, conosciuto sul set del film Lover boy, biopic sul giovane John Lennon, suo secondo film da regista.

La coppia contraddicendo le malelingue è innamorata più che mai, nel 2001 si sono sposati e oggi vivono a L.A. con i loro 4 figli; 2 sono del matrimonio precedente della Johnson. Ma lo smalto che contraddistingueva sia le opere dell’artista che i suoi primi filn da regista è andato perso, è come se allontanandosi da Londra trasferendosi a New York si fosse imborghesita, perdendo quel lato ribelle che la contraddistingueva. E così è questo suo nuovo film.

Amy Winehouse viene ritratta come una figura vitale e appassionata, lontana dall’essere solo un’eroina condannata. Le sue canzoni fungono da filo conduttore, accompagnando il racconto attraverso gli anni e gli eventi della sua vita.

Marisa Abela interpreta Amy con bravura, anche se è evidente la mancanza di profondità nel suo personaggio. Rispetto al documentario “Amy” del 2015 di Asif Kapadia, vincitore di un Oscar, il film non riesce a catturare appieno l’essenza e la complessità dell’artista.

Persino il padre, da sempre dipinto come uno dei suoi peggior nemico nel film viene dipinto come il migliore dei suoi protettori..

Il consiglio di Toh! Magazine è chiaro: se volete celebrare veramente Amy Winehouse, immergetevi nella sua musica e nella sua arte, piuttosto che guardare un film che non riesce a coglierne appieno l’anima come ha fatto al contrario il documentario premio Oscar “Amy”.

amy winehouse film

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Thinking Blind è una riflessione sull’uomo, vittima e carnefice del suo stesso stare sulla terra, sulla contaminazione di se stessi e del mondo, sul procedere implacabile del tempo. Ma è anche uno spettacolo sulla malattia, sull’HIV, sulle epidemie lecite e illecite, sull’omosessualità, sulla lotta per i diritti civili e sugli atti creativi come forme di resistenza.

Fight the fear of the Beginning, the Middle and the End!, recita Tilda Swilton in Blue: creare atti di resistenza alla decadenza e all’orrore, per (ri)costruire – come fece Jarman – il giardino perduto dentro di noi o quanto meno tentare di renderlo concreto nel nostro agire sulla terra.

Lo spettacolo si sviluppa su molteplici piani comunicativo-linguistici in cui le partiture visiva, sonora, performativa e drammaturgica si intrecciano tra loro rendendo la narrazione poetica e intima, anche grazie all’ascolto in cuffie wireless.

Nonostante in Blue sia predominante l’assenza di visione in favore dell’ascolto, la performance sviluppa una forte componente visiva ispirata a immagini iconiche e alla simbologia delle arti visive e pittoriche.

• Regia Ivonne Capece
• drammaturgia Ivonne Capece
• con Giulio Santolini, Ivonne Capece
• costumi e concept visivo Micol Vighi
• Sound designer Simone Arganini
• foto di scena Luca Del Pia
• performance in cuffie wireless 

Lo spettacolo, parte della rassegna Itaca. Occhio al futuro, è FINALISTA BIENNALE COLLEGE TEATRO 2021 – Sezione performance internazionale Under40.

KISS ME AGAIN: Tra cinema, teatro e mondo LGBTQIA+

Talk diretto da Diego Vincenti – giornalista per Hystrio e Il Giorno, in programma sabato 20 aprile dalle ore 17.30.

Interventi di:

• Bruno Fornasari e Tommaso Amadio – direttori artistici del Teatro dei Filodrammatici di Milano
• Michele di Giacomo – direttore artistico di Lecite Visioni Festival Teatrale LGBTQIA+
• Priscilla Robledo – co-direttrice artistica di Mix Festival di Cinema LGBTQ+ e Cultura Queer
• Mauro Giori – docente di storia del cinema e autore del saggio Omosessualità e cinema italiano. Dalla caduta del fascismo agli anni di piombo
• Ivonne Capece – direttrice artistica del Teatro Fontana, regista e performer.

Ingresso libero fino a esaurimento posti; prenotazione consigliata scrivendo a stampa.fontana@elsinor.net

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In un miscuglio di ironia, sincerità e ritmi pop, Claydym si rivela come un’autrice e interprete in grado di cogliere l’essenza delle esperienze quotidiane e trasformarle in canzoni che risuonano autentiche e coinvolgenti.

L’avevamo già incontrata con il suo primo EP UN-POPULAR, ma con il suo primo album Incidenti di Percorso, la giovane artista milanese si apre al pubblico con una serie di brani che mescolano racconti personali, narrazioni tragicomiche e melodie orecchiabili.

In questa chiacchiera che ci siamo fatti a ridosso dello shooting, Claydym ci porta dietro le quinte della sua musica, raccontandoci il processo creativo, le influenze e le sfide incontrate lungo il cammino.

Tra riflessioni sulla scrittura dei testi, la produzione del disco e l’impatto della sua presenza sui social media, Claudym si svela come un’artista che affronta il mondo con ironia e determinazione, senza mai perdere di vista la propria autenticità.

*a due mesi di distanza dall’uscita del disco Claudym pubblica un nuovo singolo che s’intitola “Complici”. non ci siamo fatti sfuggire l’occasione di farle alcune domande ampliando l’intervista, le trovate qui sotto:

*Come è nato questo nuovo “Incidente di Percorso”?

É in realtà uno dei primissimi brani del disco, nato due anni fa. In quel periodo ero presa tra i live estivi e quando sono tornata in studio (era agosto) ho sentito il bisogno di spezzare un po’ le catene dall’ep, che era uscito da poco, e di scrivere qualcosa giusto per gioco.

Diciamo che é tutto partito da un vocale che ha influenzato il sound che a sua volta ha influenzato la scrittura. Non ero infatti del tutto convinta di questa contaminazione un po’ country, ho custodito il pezzo per un po’ fino a risentirlo solo di recente, con la chiusura del disco e riconoscermici un sacco.

Complici è una Bonnie & Clyde 2.0 in salsa spaghetti western, contraddistinta dal tuo humor inconfondibile, cosa l’ha ispirata?

Non lo so di preciso, come dicevo prima credo il sound. Il fatto che fosse più distante da quello che facevo solitamente e che avesse questa vena appunto un po’ spaghetti western, mi ha permesso di staccarmi dal mio racconto e immaginare una storia a parte.

Che poi mi sono resa conto dopo essere comunque nata dal mio vissuto ahaha. Però é stata in effetti la prima volta che giocavo così col testo, parlando di qualcun altro, e questa cosa me la sono portata dietro in altri brani del disco. Alla fine Complici è stata un po’ un’apripista in questo senso.

Com’è stato lavorare con OkGiorgio alla produzione ora che è nel suo momento meritatamente hype?

Complici é nata appunto due annetti fa, in un momento in cui Giorgio non era in hype ma sapevo che aveva tutte le carte in regola per farcela. Ho sempre creduto in lui a prescindere dagli ascolti e da quanto il nome fosse chiacchierato, così come faccio sempre. Mi fido forse più degli artisti non in hype che il contrario ahaha.

Ricordo che questo brano é nato proprio da un vocale che avevo fatto a caso. Gliene stavo facendo ascoltare un po’ e su questo si era illuminato. Gli faccio “ma davvero?” ahahah e da lì ci siamo influenzati a vicenda nella scrittura e produzione: nella prima session c’era solo la linea vocale del drop e più strumentale. Su quella ho scritto e poi gliel’ho riportata con una mezza bozza di prod della seconda strofa. Poi insieme abbiamo lavorato all’intro e altre parti.

In genere sui pezzi sono più “controllante” perché ho un’idea più precisa di struttura, prod ecc. Questo é uno di quelli in cui però ci siamo guidati a vicenda scoprendo man mano cosa sarebbe uscito.

Finalmente è uscito il tuo primo disco “Incidenti di Percorso”, come la vivi?

Al momento mi sento un po’ in un frullatore! (ride, ndr). Però sono davvero orgogliosa di questo disco e felice del fatto che finalmente lo possano sentire tutti. É stato un lavoro lungo, di maturazione e mi piacerebbe riuscisse a far sentire un po’ di più la mia voce. Ma i feedback di questi giorni sono positivi e ne sono contenta.

Un album frutto di un lungo lavoro. Come ti trovi come artista esordiente nel calderone della musica italiana?

Penso che soprattutto in questo periodo si faccia una fatica immensa. É scoraggiante perché a volte sembra non ci sia proprio spazio. Servirebbe un po’ di fiducia in più verso i progetti nuovi. Però sono felice di avere avuto la libertà di fare la musica che volevo io, non é scontato.

I tuoi testi sono ancora un mix tra esperienze personali, amici e di fantasia, perché mi sembrano più personali rispetto ad Un-Popular, sbaglio?

É molto interessante questa cosa perché pensavo di aver avuto una scrittura più personale in Un-Popular e più narrativa in questo album.

Probabilmente pur essendo passata (rispetto all’ep) a racconti di situazioni o storie altrui, il mio approccio alla scrittura é diventato più aperto e quindi chiaro in questi anni, permettendomi di far uscire meglio la mia personalità anche quando non parlo di me, e questo mi fa molto piacere.

Ti piace sempre scherzare sulle sfighe della vita, quelle legate al quotidiano, dalla gomma da masticare attaccata sotto alla scarpa ad un bubble tea rovesciato, queste allegorie pop nascondono messaggi più seri?

Ci sono sicuramente dei brani più leggeri, come “Cose che si dicono” per esempio, ma quasi tutti nascondono un “amaro in bocca”, un racconto più profondo rispetto a quello che si pensa.

L’ironia é proprio un modo che ho tutti i giorni per comunicare ed é quindi uscita naturalmente nei testi delle canzoni, filtrando un po’ il contenuto.

Penso ci siano vari layer nei brani del disco, che passano, come dicevi tu, da quello visivo più pop e rassicurante (con le allegorie funny) fino ad arrivare ad una parte più profonda in cui capisci che la maggior parte dei testi parlano di una persona che é in continua lotta con sé stessa.

Sento un approccio più maturo sia nella musica che nella vocalità e anche nei testi, direi che c’è meno caos. È stata una scelta voluta?

Credo sia stato il risultato di una necessità più che di una volontà. Penso per esempio che questo disco suoni anche più pop, ma semplicemente perché é più chiaro.

Maturando, scrivendo, riascoltando, ho visualizzato degli errori che facevo e li ho corretti. Non perché volessi essere più efficace in termini di numeri, ma perché volevo essere più comprensibile.

Ho dato tantissima attenzione alla scrittura perché non mi sentivo abbastanza come cantautrice e questa insicurezza credo mi abbia fatta migliorare tanto. Ho capito, crescendo in questi anni con la musica, cosa fosse necessario e cosa no. 

Succede ancora che ti chiedano se scrivi veramente tu i tuoi testi perché sei donna?

É da un po’ che non mi succede in realtà (ride, ndr). Forse ci si sta abituando a questa cosa? Negli ultimi mesi, anzi, ho trovato tantissime persone attente e partecipi, che sottolineavano il mio ruolo nelle canzoni che ascoltavano. 

Sei molto esposta sui social, a volte sembri scazzata, altre super energica, altre sbadata. Mi chiedo qual è, se c’è, differenza tra ClaUdym e Claudia.

Nessuna, anzi a volte non mi rendo conto del contesto in cui mi trovo e rischio di sparare delle robe che forse dovrebbe dire solo Claudia!

Claudym é la parte di me che si mette più in gioco perché generalmente nella quotidianità non vivo situazioni molto adrenaliniche.

Però quando capitano a Claudia (che, per abitudine é più composta e tranquilla) le affronta allo stesso modo. Non c’é un alter-ego, sono esattamente così. Mi piace essere un po’ l’antieroe, la pop star che non é star per niente.

Ascoltando l’album e le sue derive anni ’90 è come se avessi assorbito tutte l’energia di quel periodo in cui eri una teenager e l’hai fatta defluire attraverso la Claydum di oggi con un risultato che suona nostalgico ma moderno, è così?

Assolutamente. La musica dei Novanta / Duemila é quella che mi ha formata sia umanamente che musicalmente. Sono i miei riferimenti, stampati in modo indelebile dentro di me perché legati anche ai ricordi d’infanzia: non c’é niente di più potente.

Non é un caso che, in un periodo in cui non c’é grande varietà nella musica, le novità che ho ascoltato in questi anni erano gli artisti che riportavano gli anni ’90 nei giorni nostri.

Renforshort, Upsahl, Willow Kayne, Master Peace, e via dicendo. Mi sono ritrovata in questa corrente. Già in Un-Popular c’erano delle influenze dei ’90, ma in Incidenti Di Percorso si sono definite di più.

Con chi hai lavorato alla produzione del disco? Ci sono dei pezzi bomba da questo punto di vista, penso a come ti travolge “Trigger” che sfiora la gabber, o “Blahx4” che mi riporta un po’ al mondo dei primi No Doubt.

Il disco é stato prodotto per metà da okgiorgio e per metà da Marcello Guava. Nonostante ciò penso ci sia un sacco di coerenza e sintonia tra i vari brani. Quando mi fido professionalmente di una persona mi piace mantenere quel team, per questo non ci sono tanti nomi coinvolti in questo album.

Le canzoni sono state quasi tutte scritte da me e poi prodotte in studio con Giorgio o Marcello, ad eccezione di tre brani in cui ho collaborato con Wako, Celo, Itto piuttosto che Palmitessa.

Con Wako in particolare si é stretto un bel legame ed é stato umanamente di supporto su un po’ di pezzi del disco, facendoci compagnia in studio quando ci stavamo lavorando.

Che ascolti hai fatto mentre registravi il disco? 

Un po’ di quelli citati prima (Renforshort, Upsahl, Master Peace, Willow Kayne) più tanti dell’epoca ’90-2000, come le All Saints, i Blur, Prodigy, Gorillaz, e via dicendo.

Sui social hai sempre un sacco di idee divertenti. Dal cartonato di Danny De Vito, a tu che ti fai doppiare da tua nonna, alla vita dei tuoi cari topini… si vede che hai un background creativo. Pensi ti sia stato utile nel tuo lavoro di cantante che fa parte di un meccanismo così esigente? Perchè si da per scontato che per fare una storia ci vogliono 15 secondi ma in realtà può diventare stressantissimo farne una. Cosa ne pensi?

A volte sono un po’ in difficoltà. In generale mi diverte sempre fare contenuti creativi perché ho vari stimoli e quindi diventano semplicemente delle valvole di sfogo aggiuntive, altre vie di comunicazione.

Questa mia indole coincide bene con la necessità di farlo, però é molto stancante.

Adesso a un artista si richiede tutto un mischione di cose che rischiano di distogliere dal focus centrale.

Oltre al fatto che assorbono davvero tante energie. I social infatti li trovo un po’ meno invitanti rispetto a tempo fa.

Non mi diverto più a postare quello che sto facendo nelle storie, per esempio. Me lo vivo e basta. Anzi, soprattutto non lo faccio quando sono in compagnia. Instagram e TikTok sono diventati più una sorta di portfolio per me.

Mi dispiace un po’ però quando la serietà di un artista viene sminuita da quanto é attivo sui social, non pensando al fatto che nel 2024, soprattutto per un emergente, é una modalità meno controllata (anche se comunque dipendente da logiche algoritmiche) di far arrivare il proprio lavoro a più persone.

“Uomini Alfa” è una canzone che attacca il patriarcato ma con strafottenza, direi che è una girl power che l’ha scritta. Quanti uomini alfa hai incontrato nella tua vita?

Abbastanza, e nel contesto studio potrebbe essere una continua sfida interfacciarsi con nuove persone.

A volte non veniamo prese sul serio: sottili atteggiamenti di mansplaining, esperienze comuni a tutte e stancanti.

Però sono fortunatamente stati incontri sporadici e non particolarmente significativi. Non vorrei essere fraintesa, ognuna di queste esperienze ha lasciato una traccia, ma si parla di sconosciuti o persone con cui non ho mai più dovuto avere a che fare direttamente.

Gli uomini che mi sono vicini sono sempre stati empatici: un safe place che a volte rende più scioccante mettere la testa fuori e scoprire che c’é ancora chi si atteggia diversamente.

Quanto è importante per te raccontare le tue esperienze ma in un modo che definirei tragicomico, come se mettessi in piazza le tue sfighe quotidiane ridendoci sopra; fa parte della tua cifra stilistica?

Più o meno, però farlo é fondamentale per me per sopravvivere. Sono una persona molto ironica e lo sono soprattutto nel comunicare la mie fragilità e i miei problemi agli altri.

É un modo per esorcizzarli e prenderne il controllo, ma anche per cercare di farsi una risata. Però in realtà prendo tutto in modo mega drammatico! Forse é per questo che cerco di alleggerire.

Vivo ogni ostacolo come una fatica enorme. Sono… un po’ pesante! (ride, ndr)

Il pop ultimamente si prende molto sul serio, a me manca un po’ di spensieratezza o anche di scazzo e tu ce lo hai riportato! È una scelta intenzionale?

Sì e no. Come dicevo prima é un lato di me che é uscito naturalmente perché fa parte della mia quotidiana comunicazione e del mio modo di essere. Però, se dovessi analizzarmi, é una cosa che non andrei a togliere, un po’ una mia cifra stilistica che mi piace.

Quindi se mai dovessi perdermi o sentirmi dire di fare altro, me lo voglio ricordare. Ho vissuto io stessa il peso di questo prendersi sul serio e della distanza col pubblico messa dai miei artisti preferiti.

Non mi piace e non mi faceva sentire adatta a provare a fare anch’io musica, perché diversa da quella cosa lì. Io voglio essere normale.

É un periodo in cui in Italia ci sono tantissime artiste donne, alcune riescono ad emergere altre restano in un sottosuolo che va scoperto e una volta fatto è meraviglioso, c’è solidarietà tra di voi?

É molto difficile rispondere senza cadere nella generalizzazione, però di base direi che quello della musica é in partenza un club, con tanti alla ricerca di una salvezza, un modo per esserci o rimanere, e di conseguenza se non rispetti certi requisiti difficilmente vieni calcolato.

Fatta questa premessa, é oggettivo che l’industria musicale porti ad una maggiore competizione tra le artiste femminili, perché siamo meno e perché vittime di un divieto di ogni genere di sovrapposizione, (look simili, colore di capelli uguale, o capelli colorati in generale, e tante altre cose sono già abbastanza per definire un’artista la copia di un’altra, mentre a livello maschile questa cosa non succede).

Diventa quindi un po’ una gara a chi ci riesce prima. Uscire da queste dinamiche e capire che lo spazio dato ad un’altra persona non lo leva a te (ma questo in generale) é difficile, ma é una cosa che ho cercato e che cerco sempre di fare perché ho capito che supportare mi fa sentire bene.

Non posso dire, sinceramente, di sentirmi parte di un gruppo, ma non posso nemmeno dire che sia sempre una questione di mancanza di solidarietà. Forse la motivazione é semplicemente relazionale.

Per carità, ho delle amicizie e artiste con cui ci sosteniamo, sto facendo una generalizzazione. Però se si vuole far credere che a prescindere ci sia una squadra e tanta empatia, questo secondo me purtroppo non é ancora arrivato.

Com’è stato aprire le date al Forum di Assago dei Pinguini Tattici Nucleari? Ti è servito a farti conoscere un po’ di più? Io penso che in Italia dovrebbe esserci più spazio ai giovani artisti in apertura dei concerti dei big come succede all’estero

Sì, sarebbe bello e sono molto grata ai Pinguini per avermi dato questa possibilità, assolutamente non scontata, soprattutto considerando la responsabilità di aprire un concerto in un palazzetto per un’artista con pochissimi live alle spalle, quasi zero. É stata un’emozione incredibile e bello vedere sostegno ed entusiasmo da un pubblico non tuo.

Ci sono per fortuna quelli così felici di sostenere il loro artista/la loro band, che tutto ciò che poi é legato a loro lo accolgono a prescindere nella propria famiglia. Mi sono sentita così e alcune persone sono rimaste.

Questa tua predilizione per un look street da maschiaccio da dove arriva?

Già da quando ero piccola, ma in modo variabile. Io dico sempre che ho un sacco di contrasti, é come se fossi divisa in due persone, così come penso che esca in Claudym e nelle mie canzoni. Quindi ricordo una me con un look mega maschiaccio e una me con gonnellina e fiocchetti.

Ho avuto i capelli corti per tanti anni e mi piacevano, salopette e scarpe da ginnastica. La mia Spice preferita era Mel C (ma anche Mel B) ed é scontato dire che amavo Pink, Gwen Stefani, Natalie Imbruglia.

Negli anni dello sviluppo ho vissuto molto male il mio corpo. Ricordo che nel periodo delle medie facevo il bagno con i pantaloncini da uomo, lunghi fino al polpaccio, e la muta sopra. Mi piaceva tantissimo.

Poi ho dei ricordi e fotografie di me, appunto, tutta composta, con la gonna, la camicetta… grandi contrasti, mi sa che mi piaceva già molto giocare con la mia estetica.

Ma in generale le donne con i look street le ho sempre trovate mega stilose e guardate con ammirazione, volevo essere come loro. A questo si aggiunge un disagio nello scoprirmi che, nonostante gli anni passati, non se n’é andato del tutto.

Come sarà il nuovo live di Claudym?

Molto divertente e coinvolgente. Abbiamo preparato un piccolo show, nelle nostre possibilità, ma ben strutturato e con un bel dialogo con il pubblico. Non vedo l’ora di portarlo sui vari palchi.

Ultima domanda di rito: qual è l’ultimo album di cui ti sei innamorata?

“How to make a master peace” di Master Peace. Album recentissimo, che spacca!

Production & words: Marco Cresci

Fotografo Alessandro Esposito
Stylist Alex Vaccani
Grooming Sara Vescia
Stylist Assistant Alessandro Marzo
Photographer Assistant Luca Trelancia

Thanks to: Circus Management, Island Records, GDG PR

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Per chi non conoscesse i Gossip, la band è stata fondata nel 1999 nella città di Olympia, Washington, da Beth Ditto (voce), Brace Paine (chitarra) e Hannah Blilie (batteria). Con il loro mix esplosivo di punk rock, indie e dance-punk, hanno rapidamente catturato l’attenzione del pubblico e della critica, diventando uno dei gruppi più iconici degli anni 2000.

Dopo una pausa di qualche anno dedicata ai progetti solisti e alle esplorazioni artistiche personali, i membri della band hanno deciso di riunirsi per creare qualcosa di veramente speciale. Il risultato è “Real Power”, un album che riflette l’energia travolgente e la passione senza limiti che hanno sempre caratterizzato i Gossip.

L’album dei Gossip si apre con “Act of God”, una delizia space-age soul in cui i cori stregati e le tastiere tormentate accompagnano lo strazio di Beth Ditto, fresca di divorzio da sua moglie Kristin Ogata.

Seguendo questo inizio esplosivo, “Real Power” continua a esplorare una varietà di temi, dall’amore e dalla perdita alla politica e all’identità personale. I brani iniziali catturano l’essenza della ribellione e della determinazione, mentre altri offrono momenti di intimità e vulnerabilità.

Ciò che rende “Real Power” così straordinario è la sua capacità di mescolare suoni e stili in modi sorprendenti e innovativi. I Gossip dimostrano una volta di più la loro versatilità, spaziando dal punk furioso al pop irresistibile senza mai perdere la loro identità unica.

Ma è la voce di Beth Ditto a dominare veramente l’album, trascinando l’ascoltatore in un viaggio emozionante attraverso ogni traccia. Con la sua gamma vocale impressionante e la sua presenza magnetica, Beth si conferma come una delle voci più potenti e carismatiche della musica contemporanea.

“Real Power” è un album che non solo soddisferà i fan di lunga data dei Gossip, ma che attirerà anche nuovi ascoltatori con la sua freschezza e la sua audacia. È un promemoria del potere della musica di connettere, ispirare e muovere le masse.

In un’epoca in cui il mondo ha più che mai bisogno di unione e di speranza, i Gossip si ergono come un faro di luce e di energia positiva. Con “Real Power”, la band si conferma come una forza da non sottovalutare nella scena musicale contemporanea.

I Gossip suoneranno a Milano il 23 giugno al Magnolia Summer 2024. Per comprare i biglietti clicca qui

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Svegliaginevra è il nome d’arte di Ginevra Scognamiglio, cantautrice campana di Benevento è una della voci pià interessanti della scena dell’indie italiana. La sua carriera è cominciata a Melbourne, in Australia, dove cantava in inglese, passata poi per il Festival di Sanremo, nella categoria Giovani, con il brano Punto nel 2020.

Da allora si è ritagliata il suo posto nella scena con tre album: Le tasche bucate di felicità, Pensieri sparsi sulla tangenziale e il recente Nessun Dramma (Columbia), uscito lo scorso 24 novembre, anticipato dal singolo Gelatai, scritto insieme al frontman dei Pinguini Tattici Nucleari Riccardo Zanotti e da “American Wedding” feat. con l’artista finlandese Goldielocks.

Nessun Dramma evidenzia la maturità emotiva dell’artista che, con consapevolezza, fa tesoro delle esperienze negative vissute e le esorcizza nei suoi brani con il suo stile intimo e raffinato. L’abbiamo intervistata:

Ciao, come stai?

Ciao! Prima di iniziare volevo dirti che sono molto contenta di fare questa intervista con te.

Oh Grazie! Anche noi siamo felici di poterti dare lo spazio che ti meriti. Sei a Milano?

Eh si, sono a Milano da tre anni. Non so quando scapperò da qui ma per ora sono a Milano.

Ti sei stancata?

No è proprio l’attitudine che ha Milano di correre sempre, poi sono in un periodo in cui devo correre pure io, aggiungici il clima sempre con sto cielo grigio, io sono una molto tranquilla, mare, pizza, mandolino e quindi qui a volte tutto si perde.

Ti capisco bene, il mio fidanzato è palermitano puoi immaginare..

Woooow lui pensa sempre all’arancina

AHAHAHAHAH! Esatto!! 

Torniamo seri: si dice sempre che il secondo album è sempre quello più difficile, quindi ti chiedo com è il terzo?

Rispetto agli altri due posso dire che questo è stato molto intenso, tanto da pensare che sono due dischi in uno. Sono molto contenta del risultato perchè ho percepito lo switch anche dal punto di vista della scrittura dove magari ho proprio fatto uno studio di artisti, libri, opere che mi facessero avvicinare ancor di più alle persone. 

Il primo disco è quello dell’identità, non sai dove andrà, cosa succederà, parlava dei miei problemi e amen. Il secondo ho giocato, sperimentato, ma il terzo è quello per cui penso di fare sto lavoro.

Con questo terzo disco ti sei aperta anche al pop, confermi?

Si, per me l’aggettivo pop non è per niente dispregiativo anche perchè, inutile dirlo, ma sono cresciuta con Britney Spears alla fine dei ’90 e dei 2000. 

Parlando del disco: Nessun Dramma può essere un invito a prendere la vita con più leggerezza?

Si, è quello che vorrei fare anch’io! Tanti mi chiedono: “ah ma quindi tu hai capito come si fa?”. No, non ho capito nulla!

Però si, vuole proprio essere un invito alla leggerezza e alla voglia di capire dove stiamo andando, a chi dobbiamo credere? Le informazioni sono offuscate, non c’è chiarezza. Sono consapevole che è più facile a dirsi che a farsi, ma il mio disco vuole provare a farci sentire più leggeri.

Il tuo disco è un po’ un concept album, era così già dall’inizio o lo è diventato?

Lo è diventato. Sicuramente ho iniziato a scrivere questo disco con in testa uno scopo diverso, ovvero quello di prendermi le mie responsabilità e prendere dunque una posizione.

Poi però cercando un fil rouge, mi sono resa conto che tutte le canzoni erano accomunate dalla voglia di lasciare un messaggio, che può essere incentrato sul noi e sul nostro modo di amare, alla psicologia delle reazioni che abbiamo di fronte alle emozioni.

Io sono super fan dei modi in cui le persone reagiscono alle emozioni, lo faccio anche con i miei amici. Io sono brava con gli altri, ma per i miei problemi devo trovare ancora quello bravo.

Mi piace molto la cover dI Nessun Dramma e il look che indossi, volevo chiederti se fosse ispirato a Patty Smith.

Assolutamente si, è ispirato alla sua libertà di espressione.

Io mi sono stufata di sta storia che la donna deve sempre apparire in un certo modo, ci dobbiamo vestire in un certo modo, dobbiamo accavallare la gambe. Mi sono rotta dello stereotipo.

Spero che questo sia arrivato con la cover del disco!

A proposito di altri artisti: in “Non mi piace” canti che Lucio Dalla ti fa ragionare sempre, ci sono altri cantanti che ti aiutano con le loro canzoni a prendere determinate scelte o che semplicemente ti fanno star bene quando sei giù?

Si, in generale tutta la musica mi ha sempre aiutato, l’ho sempre vista come una terapia. Poi nello specifico il cantautorato italiano da Bersani a Silvestri insieme a personaggi come Tori Amos. 

La canzone di Lucio Dalla a cui mi riferisco è “Come è profondo il mare”.

Beh è lodevole quello che hai fatto anche perchè detta la strada del disco, fa capire dove stai andando.

Grazie, infatti sono molto contenta. Per me è molto importante che questo si capisca, poi io sono una un po’ old school ci tenevo ad avere il libricino con i testi, perché in parte ti faccio vedere un po’ della mia personalità.

Per questo ho deciso che il disco si dovesse aprire con delle parole che facessero capire, a chi lo ascolta per la prima volta, che dentro non ci sono solo canzoni ma anche qualcosa che viene da dentro, un po’ come parlare con i tuoi amici a cui ti apri e racconti tutto.

Quindi “Nessun Dramma” è un disco personale ma anche fragile?

Si, mi sono proprio messa a nudo anche perchè ispirandomi ad altri grandi artisti, è ovvio che io non mi sto paragonando a loro perchè non sono una grande artista, ho capito che la chiave di tutto è spogliarsi completamente da ogni qualsivoglia forma di armatura e/o debolezze.

Quando scrivi le canzoni tendi ad isolarti o ascolti qualcuno o qualcosa in particolare?

No no, quando registro devo proprio essere concentrata, però ci sono dei dischi che mi hanno sempre influenzato tipo Lana del Rey, Bon Iver ma anche la Swift o Gaga. Ho cercato di unire cose serie e cose più pop perchè è importante che si sappia come la penso.

Mi dici come ti è venuta in mente il paragone tra un gelato e un addio?

Oh questa è bella, è una cosa che racconto sempre con piacere. Eravamo in studio io, Riccardo Zanotti e Giorgio Presenti (produttore che ha lavorato al pezzo) e durante la stesura mancava il focus del messaggio che era: ci siamo voluti bene, cerchiamo di ricordarci solo le cose belle e traiamo insegnamenti da questa storia.

Dunque il ritornello doveva essere più o meno così, poi ci siamo messi a fare una lista di flashback o ricordi e mancava una frase per chiudere il pezzo, volevamo qualcosa che avvicinasse tutti e che tutti almeno una volta si chiedono tipo.. Cosa fanno i gelatai d’inverno? 

Ghiaccio invece parla di relazioni che oggi durano il tempo di una stories di Instagram…

Ma secondo me durano anche meno di una stories, ad ogni modo con Ghiaccio volevo aprire gli occhi su questa superficialità che viviamo.

Mi ricordo che piangevo quando mia nonna mi raccontava che quando mio nonno era militare si scrivevano le lettere, oggi invece dopo due settimane ti ghostano, ti bloccano.

Questa cosa mi ha portato a scrivere una canzone che spero serva alle nuove generazioni per ridimensionare un attimo la cosa, perché secondo me sappiamo tutto tranne come funzionano le cose fondamentali della vita, come l’amore, le relazioni, le amicizie e i valori che ci fanno diventare persone. Sarà che tutto va veloce, però ci stiamo perdendo tutto. 

Come è nata la collaborazione con l’artista finlandese Goldylocks?

Lei l’adoro, dal vivo poi è ancora più brava e bella. Se ti capita di vederla mi dirai!

Comunque è successo che c’è stata una collaborazione tra Sony Finlandia e Sony Italia e quindi è arrivato sto pezzo di Ella, che quando l’ho sentito ho pensato fosse già una canzone famosa e quindi mi hanno detto… aggiungi le tue strofe e sforniamo sto power duo.

Che relazione hai con i tuoi fan? Al terzo disco puoi dire di avere una fan base?

La mia cerchia di fan è ridotta ma è fedelissima, pensa che quando è uscito il disco ho scritto personalmente a loro chiedendogli dei feedback. Li sento come fossero amici, li adoro.

Che feedback ti hanno dato?

Finora tutti positivi, non sono famosa come Emma che ha gli haters. 

Qual è l’ultimo disco di cui ti sei innamorata?

Ah facile, “Lux Eterna Beach” l’ultimo di Colapesce e Di Martino, un disco stupendo poiché hanno trovato una loro completezza, una potenza data dal Balance della scrittura. In Italia non è facile esporsi come fanno loro. Bravi.

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«Ho studiato il personaggio Griselda Blanco per 10 anni, fin da quando era ancora viva. C’è voluto un decennio per fare la serie, ho approfondito tutto su di lei e mi sono accorta che avevamo tanto in comune»

Sofia Vergara

Ma chi è Griselda Blanco?

Pare sia stata la prima donna criminale miliardaria le cui testimonianze raccontano che all’apice del suo impero criminale fosse arrivata a guadagnare addirittura due miliardi di dollari grazie al narcotraffico.

La miniserie Netflix ha inizio con la sua fuga da Medellin e l’inizio di una nuova vita a Miami, dove, tra gli Anni ’70 e ’80 costruisce il suo impero, grazie a furbizia, fascino e una fame di imporsi – da donna – in un mondo prettamente maschile. 

Abbiamo visto in anteprima Griselda su Netflix, qui vi spoileriamo qualcosa ma non tutto.

Griselda è una miniserie ispirata alla vita della scaltra e ambiziosa imprenditrice colombiana Griselda Blanco, una madre affettuosa che ha creato uno dei cartelli della droga più redditizi della storia del XX secolo. 

Con un mix letale di insospettabile ferocia e fascino, Griselda Blanco è riuscita a tenere in pugno business e famiglia, guadagnandosi il soprannome di “Madrina”.

Dai creatori e produttori di NARCOS e NARCOS: MESSICO, Eric Newman e Andrés Baiz (anche regista di tutti gli episodi) La serie è composta da 6 episodi e mostra Sofía Vergara nel suo primo ruolo drammatico, come non si è mai vista prima.

Nel cast insieme a lei Alberto Guerra (Dario Sepúlveda), Christian Tappan (Arturo Mesa), Martín Rodríguez (Rivi Ayala), Juliana Aidén Martinez (June Hawkins), Vanessa Ferlito (Carmen Gutiérrez).

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QUEENDOM venerdì 12 gennaio | ore 20.30Cinema Godard | Fondazione Prada con la regista Agniia Galdanova e l’artista queer Gena Marvin.

 Il nuovo appuntamento di Queerelle, al Cinema Godard, vi aspetta venerdì 12 gennaio alle ore 20.30, con “Queendom”, uno splendido e suggestivo documentario tra arte e attivismo che segue le performance pubbliche e la vita di Gena Marvin, artista queer che da anni sfida le politiche anti LGBTQ+ di Putin.

Un prezioso racconto visionario che si muove tra documentario e cinema di finzione per restituire la forza, il coraggio e il potente estro creativo di un personaggio straordinario. A seguire ci sarà una conversazione tra la regista Agniia Galdanova, l’artista Gena Marvin, il direttore del Piccolo Teatro di Milano Claudio Longhi, il responsabile del Cinema Godard Paolo Moretti e il MiX Festival.

L’evento si inserisce anche all’interno degli appuntamenti sul corpo politico pensati come accompagnamento allo spettacolo teatrale “Ho paura torero”, in scena al Teatro Grassi dall’11 gennaio all’11 febbraio. 

Prenota qui il tuo posto

La serata prosegue al Club Plastic, in via Gargano 15, con l’Official Party del film hosted by Gena Marvin. L’ingresso è gratuito, a partire da mezzanotte.

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Oggi Jeremy Allen White è per Calvin Klein il testimonial della nuova campagna di underwear scattata da Mert Alas. 

Per l’occasione Jeremy Allen White è stato ritratto mentre indossa solo le mutande più iconiche del marchio, con lo skyline di New York a fare da sfondo.

Sfoggiando pose da icona sexy quale è diventato, Jeremy “Mostra la sua connessione alla città e ne amplifica la potente energia”. La campagna di underwear uomo primavera 2024 “Rinfresca i design classici Calvin Klein grazie ad un nuovo trattamento del logo e dei materiali per un comfort quotidiano”. E sinceramente rinfresca anche i nostri occhi e accendendo desideri che è meglio non divulgare.

Chi è Jeremy Allen White?

Per quelle poche, pochissime persone che non lo sanno Jeremy Allen White, classe 1991, sta vivendo un momento d’oro. Dopo aver dismesso i panni di Lip Gallagher in Shameless ha indossato il grembiule da chef in The Bear, serie osannata da tutti

È proprio per questo ruolo che ha ricevuto diverse candidature e premi, tra cui un Golden Globe come miglior attore.
Padre di famiglia fino allo scorso anno, al momento pare che la sua nuova fiamma sia la cantante spagnola Rosalia.

Piuttosto schivo, riservato e quasi sempre fuori dai giri di Hollywood a Jeremy non gli interessa apparire bello a tutti i costi anzi si è detto spesso ‘sorpreso’ di essere considerato un sex symbol, eppure al talento d’attore affianca il talento di essere un bono senza paragoni con il suo fascino naturale di chi non teme di mostrarsi scompigliato dietro le telecamere così come sul red carpet, e forse è proprio per questa immagine poco impostata che ci fa bagnare.. volevo dire sognare.

Godetevi questi scatti in attesa di vederlo al cinema dal 1 febbraio in “The Iron Claw”, la storia vera della famiglia Von Erich che negli anni ’80 fu una leggenda del wrestling americano. Jeremy si trasforma per la pellicola in Kerry Von Erich uno dei tre fratelli wrestler, sullo schermo interpretati da Zach Efron e Harris Dickinson. Inutile dire che i tre si sono fatti il fisico per entrare nei personaggi e il tasso di testosterone è già alle stelle tra jeans attillati anni ’80 e mini slippini sul ring.

L'articolo Jeremy Allen White è nudo per Calvin Klein.  proviene da Toh! Magazine.

“Jonny” è uno dei dischi che aspettavamo di più nel 2023, vuoi perchè il cantante, Jonny Pierce, è un grande amico di Toh! Magazine e anche perchè l’ex The Drums nel nuovo album va oltre, raccontando la sofferenza e la solitudine di chi è cresciuto in una comunità religiosa con un padre Pastore, e ne ha vissuto la violenza.

Per noi “Jonny” è un disco introspettivo, forse il più personale di Pierce dal suo esordio, e tra riverberi e drum machine ci racconta che anche una bestia come la solitudine può far trovare la giusta via per sopravvivere, insegnando a superare i traumi subiti.

Musica.
L’Intervista

The Drums

Chi legge Toh! Magazine sa bene che scoprire nuovi artisti è da sempre una delle nostre mission, per questo 2023 di scoperte ne abbiamo fatte ma Rareş è quella che ci ha colpito di più.

“Femmina” è un disco pazzo nel senso buono del termine, di quelli che ti fanno esclamare: “Weird is cool!”. Sperimenta con i synth, decostruisce la forma canzone, mescola elettronica, pop, punk e hyper-pop , giocando a storpiarsi la voce in mille modi con testi apparentemente criptici ma profondamente personali.

Insomma, Rareş ha creato qualcosa di nuovo e inaspettato in Italia. Dategli una chance.

Musica Italiana.

Rareş

Con le sue illustrazioni, Filip Adrian crea un elogio dell’ironia e del camp condita di sano cinismo che fa risultare tutto assordantemente attraente.
L’artista riesce a creare delle conversazioni figurative a dir poco stridenti, dove si può vedere l’innocenza adolescenziale contaminata dalla mancanza di pruderie, che fa coppia con l’età adulta, ma che è anche enormemente liberatorio. 

Arte.
Illustrazione

Filip Adrian

Timmi Taubenschreck ci mostra una serie di uomini immortalati in momenti insoliti, intimi ma anche in situazioni più studiate e sceniche.

Timmi fotografa ciò che la maggior parte della gente vorrebbe fotografare o osservare, perché è realmente molto eccitante.

Arte.
Fotografia

Timmi Taubenschreck

Ahmad è un fotografo palestinese che vive a Montreal, le sue fotografie sono la rappresentazione dell’identità e fisicità queer. Il corpo nei suoi lavori è rappresentato libero, senza inibizioni, rivelando le emozioni e le pulsioni.

Il suo approccio attraverso la macchina fotografica è crudo e chiaro senza mezze misure come se avesse tolto ogni tipo di compromesso o di velature così come piace a noi.

Arte.
Fotografia

Ahmad

Baju Wijono è stato selezionato come uno degli artisti dell’anno perché è un pittore controverso che attraverso la sua arte che spazia dall’astratto a figurativo cerca di esprimere e manifestare il suo dissenso contro Instagram e la sua censura che ci spinge sempre più verso un’omologazione in un web fatto di censura e di divieti.

Baju propone arte libera, così come dovrebbe essere, senza pregiudizi ne giudizi e viene vissuta liberamente senza omologazioni e il suo pensiero è potente e libero.

Arte.
Pittura

Baju Wijono

Caroline Polachek è la pop star di cui sappiamo aver bisogno senza nemmeno conoscerla. Il suo disco, il più bello del 2023 secondo la redazione di Toh! Magazine, è una pietra miliare della musica degli ultimi dieci anni che all’electropop unisce le cornamuse (vedi “Blood and Butter”), archi e pianoforte (“Pretty In Possible”) e una spolverata di Matia Bazar degli anni d’oro. (Welcome To My Island).

Caroline ha spostato la lancetta verso un pop intellettuale mettendo da parte le paure della sperimentazione e puntando su voce e coreografie da far perdere la testa al primo ascolto.

L’ALBUM INTERNAZIONALE

Caroline Polachek
“Desire, I Want to Turn Into You“

Madonna 40 anni dopo insegna ancora a tutti cosa vuol dire fare uno show live, La Ciccone non si ricicla, si sfida, sceglie di ballare su tappeti di vetro ed affrontare l’affollato e anche forse troppo saturo scenario pop di oggi invece di incamminarsi verso la malinconica china del revival.

Lo show è stato come una festa per celebrare la vita, l’orgoglio, lo stile, la storia di chi per prima si è battuta spianando e aprendo la strada a tutte quelle che oggi in un modo o in un altro definiamo “pop star”.

Questo concerto, dove non sono mancati momenti politici, di rivendicazione e di unità collettiva ha avuto il ruolo di manifestare una Madonna che non si vedeva da tempo, testimonianza del genio della sua follia e quasi privo di difetti. A chi dice
che Madonna non canti si sbaglia, Ciccone ha studiato e non l’abbiamo mai sentita così
intonata, a chi pensa che sia vecchia si sbaglia di nuovo: Madonna è senza età. E chi crede di aver visto tutto si sbaglia ancora, il celebration tour è lo spettacolo dell’anima, ti guarda dentro, ti sprona a dare e a fare di meglio e sempre di più.
Brava!

IL CONCERTO

Madonna
The Celebration Tour

Cosa possiamo dire di The Bear che non sia già stato detto? Forse niente se non consigliarvi di guardarla se ancora non l’avete fatto. La trovate su Disney+

LA SERIE

“The Bear”

Bottoms è per noi il film del 2023, il duo Seligman/Sennott prova, riuscendoci, a cambiare la commedia scolastica americana. Il film disponibile su Prime Video è stato uno dei più discussi e commentati negli States da quando è stato presentato al Sundance confermando l’immenso talento dei registi.

IL FILM

Bottoms

L’abbiamo già detto ma possiamo ripeterlo a iosa: nessuno nella moda oggi conta di più di JW Anderson. La sua visione della vita, della moda e delle persone va oltre i trend e le proposte ormai tutte uguali dei brand di moda.

JW celebra il vestirsi come un atto esuberante che oltrepassa le barriere di genere e gusto. Come non amarlo?

LO STILISTA

JW Anderson

L’intento della mostra è stato quello di mettere in discussione il modo in cui gli artisti, qualunque sia la loro sessualità, hanno voluto mostrare un’immagine affermativa per combattere gli stereotipi che troppo a lungo hanno segnato un destino comune.

Con più di 500 opere presentate al pubblico, la mostra ha proposto anche una interessante rassegna di vecchi film, di documenti rari oltre a dipinti di indubbio valore. Interessantissimi alcuni disegni praticamente sconosciuti di Andy Warhol, eseguiti con penna a sfera negli anni ’50, prima che diventasse l’artista per eccellenza della pop art.

LA MOSTRA

Over the Rainbow
Centre Pompidou, Parigi

Toh! Magazine 2023 Toh! Magazine 2023 Toh! Magazine 2023 Toh! Magazine 2023

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Affascinato dal mondo greco, dal movimento, dalla bellezza del corpo, Massi illustra figure che dominano lo spazio bianco. Corpi che volteggiano creando un senso di leggerezza ma allo stesso tempo posseggono un’importante presenza, forti, slanciati come dei ballerini o atleti olimpionici. Massi c’è in ogni tratto di quelle figure che illustra, sia con con l’anima che con il corpo, donandoci la sua unica sensibilità che lo contraddistingue.  

Chi c’è dietro Massi arte?
C’è Massimiliano, quel ragazzo che fa fatica a identificarsi in un uomo adulto. Ora alto, magro con la barba ma rimasto agli anni delle elementari, ai momenti in cui il suo gioco preferito consisteva nel ritagliare e incollare i cartoncini per creare strane figure sui fogli, ancora curioso come un tempo e con la voglia di stupirsi continuamente.

Cosa ti influenza maggiormente?
Sono influenzato dal bello in ogni sua fattispecie, che sia nella forma di corpo, di statua o di racconto.

Trovo che la bellezza sia la scintilla che accende in me la creatività e che riesce a dare luce alla mia immaginazione.

Come nasce la tua passione per la mitologia?
Come tutti i bambini cresciuti nel secolo scorso, senza devices di alcun tipo, il mondo delle fiabe mi ha accompagnato per tutta l’infanzia e posso dire che non me ne sono mai distaccato a pieno.

Amo tutto quello che può essere raccontato sotto forma di storia o favola, più o meno inverosimile che sia.

Sono ateo e nonostante questo, anche la religione, che sia declinata come mito o Bibbia, mi incuriosisce molto. La mitologia nello specifico la vedo come l’unione di due mondi nettamente distinti e comunque intrecciati: storie quasi fiabesche, create dalla mente dell’uomo, che raccontano l’origine del cosmo, spiegando quello che l’uomo di allora non era ancora in grado di giustificare, per mancanza di mezzi e memorie. La cosa migliore è che riesca a farlo senza alcun tipo di censura: nei miti sono rappresentati tutti gli aspetti, anche più crudi, che compongono le nostre vite: dall’amore alla violenza, dall’amicizia alla vendetta, dal sesso al tradimento.

Le tue figure danzano, lottano, ma chi sono realmente?
Le figure che rappresento sono ispirate a sculture, dipinti, a volte rimandano a semplici immagini viste sui social. Quando queste riescono a suscitarmi una qualche emozione, l’immaginazione viaggia e il mio obiettivo diventa quello di creare delle storie che possano essere raccontate, intorno a quelle figure che attirano la mia attenzione. Al centro dei miei progetti, c’è sempre il movimento, l’azione, le forme, di fatti i miei soggetti non hanno un volto riconoscibile.

Perché la scelta di utilizzare il bianco e il nero?
È una scelta degli ultimi tempi in realtà. È buffo perché in passato ho sempre utilizzato i colori, anche molto accesi. Ho recentemente maturato l’idea che l’utilizzo del bianco e del nero dia maggior risalto alle forme che mi trovo a rappresentare, evidenziandone le linee, le curve e la dinamicità. In più, c’è il rimando alla filosofia orientale, da cui sono ampiamente influenzato. Il concetto di yin-yang, luce e ombra, pieno e vuoto, l’uno che completa l’altro, l’uno che non può esistere senza l’altro.

Sono estremamente affascinato da questa visione degli opposti, che nel suo fine ultimo collima nella ricerca di equilibrio e di armonia, e finisce per esserne essenziale.

Da dove nasce la figura maschile che hai deciso di utilizzare per rappresentare il “tuo uomo”?
È evidente nelle mie creazioni il costante richiamo al mondo classico, in particolare quello dell’Antica Grecia, che costituisce un po’ il fil rouge tra tutte le mie opere. Quella ricerca spasmodica, quasi maniacale, di ogni singolo dettaglio del corpo umano come emblema della perfezione. La mia arte si ispira, ma non copia, anzi deforma quell’uomo perfetto, con ogni muscolo in bella vista, accentuando alcune parti del corpo, come le gambe e le braccia allungate.

Nel mio “uomo (im)perfetto” io ci rivedo l’immagine che ho di me stesso, di come mi vedo nel mio subconscio o in alcuni casi, di come vorrei realmente essere.

La tua arte anche se carica di eros è censurata da linee non fortemente spinte, come mai?
Essendo agli inizi della mia carriera, in questo momento voglio che la mia arte sia accessibile a tutti, cosicché un pubblico più ampio ci si possa interfacciare e lasciarsi rapire, arrivando ad immedesimarsi nelle mie opere. Ciò non esclude che in futuro io possa essere ispirato a realizzare una collezione di quadri o disegni di immagini più spinte o a sfondo sessuale e senza censura. Ci tengo a ricordare che la maggior parte delle mie creazioni nasce più spesso per mio diletto e passione che su commissione. Tuttavia, ad oggi, preferisco fare uso di un eros velato, lasciando libertà al singolo spettatore di togliere questo velo, quando e come vuole.

Quanto è fondamentale il sesso nella tua arte?
Il sesso è un ingrediente che compone la mia arte.

È il q.b. del sale nelle ricette: la sua assenza comprometterebbe la realizzazione del piatto.

Capita esca qualche quadro più salato, su richiesta o per l’ispirazione del momento; altre volte do prevalenza ad altri ingredienti e sapori. Le quantità possono variare ma l’importante è che ci sia: a nessuno piacciono i piatti insipidi.

Com’è nata la collaborazione con Bikkembergs?
È stato Lee Wood, il direttore creativo di Bikkembergs a contattarmi sul mio profilo social, una sera di febbraio. Avevo quasi pensato fosse e un fake e stavo anche per ignorare il messaggio, prima di rendermi conto di chi mi avesse effettivamente scritto. Si è presentato e senza troppi giri di parole mi ha chiesto se avessi mai pensato ad una collaborazione nel mondo della moda. Poche ore dopo ci siamo sentiti telefonicamente e mi ha esposto il suo progetto e spiegato in che modo volesse farci rientrare un mio contributo.

È rimasto impressionato dalle figure atletiche, muscolose, impegnate in gesta eroiche che sono solito rappresentare, e le ha ritenute coerenti con il concept del brand. Lee mi ha dato modo di spaziare con la creatività, dandomi carta bianca e lasciandomi libero di sviluppare un’idea che avesse ad oggetto figure ispirate alle Olimpiadi dell’Antica Grecia.

Posso solo augurarmi che questa collaborazione sia la prima di una lunga serie.

Quanto te stesso c’è dentro il tuo lavoro?
Ogni tratto, ogni segno di matita tracciato sul foglio dice qualcosa di me, dello stato d’animo che ho nell’attimo in cui sto realizzando quell’opera. Lo stesso soggetto rappresentato oggi sarebbe comunque diverso se lo rappresentassi domani o se l’avessi rappresentato ieri. Anche le linee seguono il mio umore: più spigolose, nei giorni di malinconia o tristezza, più dolci se la giornata è stata lieve; il volto e le espressioni potrebbero essere più duri, se c’è qualcosa che mi dà noia o rabbia.

Credo che disegnare per me sia assimilabile ad una seduta dallo psicologo.

Disegnare mi dà modo di dare sfogo ai miei sentimenti e imprimerli sulla carta. I miei lavori crescono con me, e io con loro.

Se potessi vivere in un mito, quale sarebbe?
Domanda interessante. Ad essere onesti, non so se vorrei davvero vivere in un mito visti gli epiloghi tragici e violenti. Mi affascina il mito di Prometeo, il gigante che rubò il fuoco agli dei per donarlo agli uomini e per questo fu condannato da Zeus alla sofferenza esterna, per poi essere salvato, dopo millenni, da Ercole. Mi piacerebbe sicuramente avere la stessa forza e il suo stesso coraggio. L’altezza ce l’avrei anche forse anche il fuoco, almeno quando disegno.

È tutto il resto che manca!

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Laura Girolami con questo shooting va alla ricerca di qualcosa che non c’è o che ancora non abbiamo avuto modo di vedere. Attraverso colori scuri, materiali che si spingono al limite ma che poi ritornano alla loro forma primaria attraverso il potere della sensualità primordiale femminile.

Fotografia Irene Vesentini
Styling Laura Girolami
Post-produzione Rachele Boccadoro
Make-up & Hair Valentina Molino from Pro*Lab Milano

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La sua è una storia «necessaria», sulla costruzione di sé in una famiglia italo-tunisina, sul rapporto con il padre, l’omosessualità e la geografia personale costruita crescendo.

Con Baba Mohamed Maalel ha conquistato immediatamente il cuore di un numero incredibile di lettori, che come accade per la buona narrativa di autoficiton ha riconosciuto le proprie esperienze nella storia narrata: il rapporto padre-figlio, l’ironia tutta peculiare che ogni famiglia possiede, i passaggi di formazione attraversati dal protagonista Ahmed, che scopre il mondo e costruisce la sua geografia personale pur rimanendo sempre legato ai genitori, Paolina la mamma pugliese e Taoufik, il padre di origini tunisine.

Quella di Mohamed Maalel è una prosa fresca, vivace, il suo è uno sguardo intimo e senza sconti sulla propria vita, sull’insieme di sensazioni, riflessioni, paure ed entusiasmi che la convivenza di due culture diverse può suscitare in un bambino che cresce e diventa adulto.

Il punto di vista usato da Mohamed Maalel è così puntuale da riportarci subito alla memoria sensazioni sepolte e attutite dagli anni: le prime esperienze di coscienza di sé, l’attrazione verso i ragazzi, la queerness, tutti eventi che esplodono di tensione, euforia, gioco e dolore fra le pagine di Baba.

Quando un autore è al suo esordio, com’è successo a te con Baba, c’è sempre una corsa alla definizione. Sono state abbondantemente usate le espressioni «autofiction», «romanzo di formazione», «identità», «seconda generazione» e «multiculturalità». Ti chiedo tre parole che nessuno ha ancora usato per descrivere Baba.

MM: per Baba userei: famiglia, redenzione, memoria.

Baba affronta un argomento difficile: il rapporto padre-figlio. Oggi però voglio chiederti dei tuoi genitori letterari. Chi sono gli autori che ti hanno influenzato, spinto alla scrittura, magari messo anche in soggezione, e che rapporto hai con loro dopo la pubblicazione del tuo primo romanzo?

MM: gli autori che rappresentano il mio percorso “narrante” sono Annie Ernaux, Manuel Vilas e Nicola Lagioia. La prima mi ha insegnato il significato di introspezione, il secondo il valore della memoria familiare, il terzo che è sempre bello tornare a casa. Sto recuperando gli ultimi libri della Ernaux. Con Vilas il rapporto è diverso, perché ho letto In tutto c’è stata bellezza (Guanda, 2019) durante gli ultimi giorni di malattia di mio padre, ho preferito quasi prenderne le distanze. Nicola Lagioia, invece, continua a essere un mio grande riferimento.

La rappresentazione di sé è un’attività necessaria a ogni essere umano ma spesso lasciamo che siano gli altri a descriverci. Qual è il tuo consiglio a chi sente il bisogno di raccontarsi ma non sa da dove cominciare?

MM: spesso mi sono chiesto: da dove iniziare? È giusto partire così? Non esiste una regola, non ci sono definizioni da rispettare. Il cuore non ha solo una funziona fisica: tutto parte da lì, la testa pensa solo a mettere ordine al resto.

La lingua è il primo confronto con una cultura geografica. Tu stesso hai insegnato inglese e hai scelto di vivere a Palermo, la città del sud Italia che più dialoga con la realtà globale. Quanto è importante per te ragionare e lavorare sulla lingua?

MM: da piccolo (come oggi) ho sempre avuto un debole per le lingue, i loro suoni, le loro cadenze. Anche in questo caso, però, tutto arriva spontaneo. La lingua di mio padre, il tunisino, è diventata la mia solo dopo tanti anni. Lo stesso è successo per l’andriese, che tutt’oggi non parlo alla perfezione, ma che sfrutto nei momenti divertenti con i miei amici. Ragiono in più lingue, a volte penso siano necessari i sottotitoli per capirci qualcosa.

In Baba, il cibo è assai importante, non solo per il rapporto tra il protagonista Ahmed e suo padre Taoufik, è atto d’amore, è rifugio, è piacere. Ho amato una delle liste (che nel romanzo sono scritte a mano, ndr), dedicata ai diversi cous cous dell’ideale ristorante di Ahmed. Che cosa sono per te il cibo, la sua cultura e i suoi rituali?

MM: bella domanda, cercherò di essere quanto più essenziale possibile (altrimenti rischierei di diventare logorroico). In Baba il cibo, la sua cultura, i suoi diversi rituali sono una componente essenziale capace di legare ogni memoria e ogni dolore. Il Ramadan, il Natale, il caffè macchiato in ospedale, ogni elemento “commestibile” è parte della mia creatività e della mia scrittura. Quando sono ansioso mangio, e lo stesso faccio quando in testa arriva una nuova idea da sviluppare. Baba è amore, e lo è anche per il cibo.

A Palermo non hai solo vissuto ma hai costruito la tua carriera di giornalista, occupandoti di politica e di cultura. Oggi qual è il tuo sguardo sulla città, sui suoi abitanti e sulla sua scena culturale?

MM: Palermo è una città che mi ha rapito, nel senso buono del termine. Ci sono arrivato otto anni fa, convinto che sarei tornato in Puglia dopo qualche mese. Alla fine le sue culture che si uniscono, la sua cucina e i suoi monumenti mi hanno fatto comprendere l’importanza di avere nuovi spazi all’immaginazione. C’è tanto da fare, soprattutto sull’aspetto legato agli eventi culturali. A Palermo abbiamo il Sicilia Queer filmfest, il Festival delle Letterature Migranti, il Sole e Luna Doc Film Festival, ma non bisogna adattarsi, bisogna pretendere sempre di più per dare valore a ciò che già abbiamo e a quello che verrà.

Oltre a essere uno scrittore e un giornalista, hai anche un passato da analista televisivo (per TV Talk, RAI Tre). Cosa ne pensi dell’attuale televisione italiana?

MM: Tv Talk è stata per anni la mia casa, ne ho un ricordo bellissimo, amici con cui ancora oggi mi sento e che incontro con piacere. La televisione ha un ruolo importante, per quanto riguarda la narrazione del nostro presente: è chiaro che i gusti son gusti e nessuno può permettersi di giudicarci in base a cosa guardiamo in televisione. Questo pensiero l’ho sviluppato nel corso degli anni a Tv Talk, e oggi ne sono ancora più convinto. Ovviamente la razionalità è sempre un metodo da considerare, soprattutto negli ultimi mesi.

In Baba «Rumore» di Raffaella Carrà è la colonna sonora della prima esperienza di liberazione di Ahmed. Si tratta di una scena in interni, mentre fuori si addensano nuvoloni di incomprensione e repressione familiare. Cosa è per te Raffaella? A più di due anni dalla sua morte come consideri il suo impatto sulla cultura italiana?

MM: ascoltavo Raffaella Carrà prima di entrare in classe, durante le scuole medie. Mi aiutava a non pensare, a credere di poter superare qualunque difficoltà. La sua Voglio tutto, soprattutto te (sigla de Il Principe Azzurro, Canale 5, 1989) è ciò che più si avvicina al mio senso di creatività. È stata ed è una donna dal forte impatto culturale, sociale, contro ogni morale. Mi manca, vorrei rivedere il suo sorriso in tv per un’ultima volta.

In Baba la famiglia della madre di Ahmed: nonna, zie e cugine sono un coro femminile di quelli che impari a conoscere, contraddizioni comprese, e ad amare sin da piccolo. Che rapporto hai con la tua famiglia pugliese? Si sono un po’ riconosciuti fra le pagine di Baba?

MM: ho una grande fortuna: posso vantarmi di avere un rapporto eccezionale con tutta la mia famiglia, dalle cugine alle zie sempre pronte a una chiamata da un’ora la domenica mattina. Spesso quando parlo al telefono con uno dei miei familiari, qualche amico mi chiede: ma come fai ad avere tutta questa confidenza con i tuoi parenti? Non lo so neanche io, forse abitudine, o forse perché da trent’anni nulla è cambiato. Tutte e tutti si sono riconosciuti nel libro, anche in situazioni romanzate, il che mi fa sempre sorridere. Sono parte della mia vita, una parte che ricopre Ahmed, così come Mohamed.

Alluvioni, terremoti e instabilità politica hanno intensificato i flussi migratori da Tunisia, Libia e Marocco verso l’Europa. Qual è il compito più importante, di una società civile nei confronti dei migranti in fuga da guerra, violenza e cataclismi naturali?

MM: credo ci sia la necessità di riappropriarsi di un termine importante come «accoglienza» che per colpa di una politica lontana dall’idea di inclusione, oggi viene usato soprattutto per indicare l’incapacità o l’impossibilità ad accogliere. L’Italia è da sempre un paese in cui vivono tante culture e parlare di integrazione si può. In quest’ultimo periodo il paese sembra voler cambiare questa sua connotazione, ma sono fiducioso e spero che si ricordi della sua natura aperta e a accogliente e smetta di affidarsi a certi pensieri politici di esclusione.

Guardiamo avanti, dopo il successo di Baba, cosa sta attirando il tuo interesse? Cosa dobbiamo aspettarci dai tuoi nuovi progetti?

MM: voglio riflettere sul concetto di intercultura, sulla visione dell’altro, sull’idea di comprensione e scoperta di sé. Tutto gira intorno a temi che appartengono alla mia vita quotidiana ma con uno sguardo e una ricerca verso realtà nuove.

Photo Credit: Fabio Florio.

Mohamed Maalel Mohamed Maalel

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Spiccano Conann del regista di culto Bertrand Mandico e, fuori concorso, Rotting in the Sun dell’autore cileno Sebastián Silva in collaborazione con MUBI; e ancora incontri con artistə, registə, influencer, attori e attrici, installazioni, spettacoli e tanta musica live con i consueti dj set serali.

Un’edizione che, come sottolinea il claim, si preannuncia per contenuti, protagonisti ed eventi, con un approccio trasversale a tutti gli aspetti della cultura queer.

Da 37 anni il MiX Festival porta al suo pubblico la migliore cinematografia LGBTQ+ nazionale e internazionale. Quest’anno, oltre alla nostra vetrina mondiale di
film queer contemporanei, proseguendo il percorso intersezionale e multidisciplinare tracciato prima di noi, porteremo il pubblico anche al di là dello schermo cinematografico, con un programma di iniziative che si apre ad ogni tipo di differenza, conoscenza e contaminazione, creando sinergie e collaborazioni con altre
realtà culturali.

Paolo Armelli, Pierpaolo Astolfi e Priscilla Robledo

 Così oltre agli storici tre concorsi internazionali – Lungometraggi, Documentari e Cortometraggi – che porteranno in gara opere potenti e visionarie capaci di modificare le prospettive e di dare una nuova visione del mondo sempre più complesso, si aggiunge in questa edizione il Concorso Queer Music Video, nato in collaborazione con il creative hub Futuro Solido, con l’obiettivo di intercettare e promuovere nuovi
talenti queer e di presentare nuove modalità di raccontare le identità LGTBQ+ attraverso altri media.

A inaugurare il ricchissimo programma composto da film provenienti da tutto il mondo, sarà:

giovedì 28 settembre, ore 20, Piccolo Teatro Strehler – l’anteprima italiana di Mutt dell’esordiente Vuk Lungulov- Klotz, vera sorpresa dell’ultimo Sundance 2023, dove ha debuttato in anteprima mondiale e dove l’interprete protagonista Lio Mehiel ha vinto il premio U.S. Dramatic Special Jury Award for Best Acting, e della 73° Berlinale in cui si è aggiudicato la Special Mention of the Generation 14plus International Jury. (leggi intervista a Lio Mehiel, cover star di Toh! Magazine di settembre)

Il film del regista cileno-serbo, ospite del festival – grazie al supporto del Consolato Usa a Milano – insieme al suə protagonista, narra una storia intensa che si svolge nell’arco di 24 ore a New York, con al centro vite in transizione, non solo di genere; sarà presentato la mattina successiva, anche a studenti e studentesse delle scuole superiori (ingresso su invito).

La proiezione inaugurale sarà preceduta dalla cerimonia di apertura, condotta da Paolo Camilli, fresco vincitore di un SAG Awards per la sua partecipazione nella serie Hbo “The White Lotus” e prossimo giudice nella terza edizione di Drag Race Italia, e che vedrà il saluto istituzionale dell’assessore alla cultura del Comune di Milano, Tommaso Sacchi, e l’intervento dell’attrice Marta Pizzigallo, qui con un monologo dedicato all’anniversario delle rivolte delle donne in Iran, oltre all’esibizione live della rapper Big Mama e alla coreografia firmata da Giorgio Camandona con lə artistə di
Italy Bares, il noto charity show che sostiene la ricerca di Anlaids.
 
A chiudere il MiX Festival – domenica 1° ottobre, ore 21.15, Piccolo Teatro Strehler – un’altra proiezione in anteprima italiana, Four Little Adults della regista finlandese Selma Vilhunen, divertente commedia che racconta la storia di quattro adulti alle prese con le sfide poste da una relazione poliamorosa, già vincitrice di un premio per la Migliore interpretazione al Göteborg Film Festival.

Come ogni anno si rinnova e anzi raddoppia l’appuntamento sul Sagrato con la musica dei migliori dj della scena queer milanese e non solo. Da giovedì 28 settembre a domenica 1° ottobre dalle ore 19.30 alle 21.00 alla console del MiX Festival si alterneranno artistə selezionatə dai media partner MTV e Paramount+.

A seguire, negli stessi giorni dalle 21.00 a mezzanotte, torna il classico appuntamento di Music On The Steps, il palinsesto di dj curato da Simone Bisantino, che vedrà alternarsi nomi del calibro di Playgirls from Caracas, Just Cavalle, Barbarella, Mariven, Toilet Club, Twilo, Cool Kids Can’t Die, Ragazza Milano e DJ412 che altro non è che Marco Cresci, direttore di Toh! Magazine.

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Un paio di settimane fa è stato pubblicato Il trailer di Sex Education 4 che anticipava una stagione ricca di nuove esperienze sessuali, crescita personale, amore,
risate, lacrime, amicizia, e tanto altro, come il coloratissimo guardaroba di Eric, il ritorno al lavoro di Jean con un nuovo capo (interpretato da Hannah Gadsby), quello di Adam in fattoria, e le abilità artistiche di Aimee, e per finire… Maeve che torna a Moordale per il suo primo vero appuntamento con Otis.

Di sicuro con questa ultima stagione di Sex Education diciamo addio alla banda di Moordale, che ci tiene compagnia dal 2019.

È giunto il momento di preparare i fazzoletti e salutarci con otto nuovi episodi, incluso un finale di stagione eccezionale della durata di 83 minuti.

Sex Education 4 in poche parole

Dopo la chiusura del liceo di Moordale, Otis e Eric devono affrontare un nuovo inizio – il loro primo giorno al Cavendish Sixth Form College. Otis è nervoso all’idea di creare una nuova clinica, mentre Eric spera con tutto sé stesso che non saranno di nuovo degli “sfigati”.

L’istituto Cavendish rappresenta uno shock culturale per tutti gli studenti di Moordale, che fino ad allora pensavano di essere progressisti. Questa nuova scuola è molto diversa, e diciamo pure un po’ utopica.

Ogni giorno si fa yoga nel giardino comune, si respira un’atmosfera all’insegna della sostenibilità e c’è un gruppo di ragazzi popolari per la loro… gentilezza?! Viv è totalmente sconvolta dall’atteggiamento non competitivo degli studenti, mentre Jackson sta ancora cercando di superare la sua storia con Cal.

Aimee decide di fare qualcosa di nuovo frequentando lezioni d’arte e Adam prova a capire se un’istruzione di tipo tradizionale sia adatta a lui.

Negli Stati Uniti, Maeve sta vivendo il suo sogno alla prestigiosa Wallace University, in cui segue le lezioni dell’autore di culto Thomas Molloy.

Otis si strugge per lei, mentre deve abituarsi al fatto di non essere più figlio unico e nemmeno l’unico terapista della scuola…

Asa Butterfield torna a interpretare il protagonista Otis Milburn, al suo fianco Gillian
Anderson, Ncuti Gatwa, Aimee-Lou Wood, Emma Mackey, Connor Swindells, Kedar
Williams-Stirling, Mimi Keene.

Confermati nei rispetivi ruoli anche George Robinson, Chinenye Ezeudu, Dua Saleh, Alistair Petrie, Samantha Spiro, Jim Howick, Rakhee Thakrar e Daniel Ings.

Si uniscono al cast in questa stagione finale Dan Levy, vincitore dell’Emmy come miglior attore non protagonista per Schitt’s Creek, Thaddea Graham (Doctor Who), Lisa McGrillis (Somewhere Boy), Marie Reuther (Kamikaze), l’attrice e modella Jodie Turner Smith, il comico Eshaan Akbar e gli esordienti Felix Mufti, Anthony Lexa, Alexandra James, Reda Elazouar, Bella Maclean e Imani Yahshua.

Dal suo debutto su Netflix nel 2019, Sex Education è stata candidata e ha vinto numerosi premi, incluso l’International Emmy Awards nel 2022 come miglior serie comedy. Inoltre, nei primi 91 giorni dall’uscita la terza stagione ha totalizzato 66.6 milioni di visualizzazioni.

A inizio luglio, Netflix ha annunciato che la quarta stagione sarà quella finale pubblicando una lettera ai fan, in cui la creatrice, sceneggiatrice e produttrice esecutiva Laurie Nunn ha affermato.

“Siamo incredibilmente orgogliosi di Sex Education e siamo in debito con il nostro fantastico team di sceneggiatori, attori e tutta la troupe che ha messo così tanto amore nel realizzare ogni episodio.

Hanno lavorato in maniera instancabile per questa stagione finale, e non vediamo
l’ora di condividerla con voi”.

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