Nel suo diario visivo, che è insieme racconto autobiografico, mappa queer e dichiarazione di esistenza, Silvia Clo Di Gregorio, attraversa fotografia, scrittura e attivismo con una sincerità disarmante: corpi non conformi, chat d’archivio, cartoline con un dead name che non chiede permesso per essere guardato, e un amore che diventa spazio politico senza mai trasformarsi in slogan.

La sua pratica non solo documenta ma costruisce. Un luogo, una geografia, una possibilità. Un altrove che è privato ma non esclusivo, vulnerabile ma non fragile, profondamente personale e inevitabilmente universale.

In questa conversazione, entriamo dietro le quinte di un progetto che non vuole “rappresentare” la comunità queer, ma abitare la complessità dei suoi corpi e dei suoi legami. Un lavoro che non chiede di essere capito: chiede di essere visto. E, soprattutto, di essere immaginato.

Un Fantastico Altrove è stato definito un “diario visivo e politico” che racconta la relazione fra te e Samuele Galli, attraversando distanza, ritorni e trasformazioni. Quale momento della vostra storia senti che incarna meglio quella tensione tra intimità personale e atto politico?

Sam stava seguendo un workshop di scrittura creativa e un esercizio da fare era di prendere una corda (un oggetto concreto) e di oltrepassare i propri limiti figurativi, andando oltre la propria comfort zone. Così Sam ha scelto di mettersi a nudo. Io l’ho seguito e gli ho scattato questa foto, lasciandogli spazio e sapendo quanto per lui fosse importante e difficile quel momento, andando oltre la disforia di genere. Per me questa foto è una sorta di viandante sul mare di nebbia ma in versione nuda, libera.

Hai scelto il formato del diario fotografico, un “visual diary”, invece di un racconto puramente testuale. Cosa ti ha spinto a raccontare questa storia attraverso immagini, e non solo con le parole?

Mi piaceva riprendere la mia passione per la fotografia e l’archivio visivo che abbiamo tra me e Sam, focalizzandoci non solo sulla nostra relazione, ma anche su come si è costruito il nostro rapporto, prima di amicizia e poi di amore. Essendo cresciuti nella stessa via, la nostra prima foto insieme è datata 2003. Le nostre foto d’infanzia, le cartoline che gli inviavo, sono parti del nostro immaginario visivo comune e volevo fossero presenti in Un Fantastico Altrove.

In Un Fantastico Altrove compaiono cartoline con il dead name, fotografie a volto coperto, frammenti di archivio privato. Quanto è stato complesso confrontarti con la vulnerabilità e con la responsabilità di rendere pubblica una storia così intima e queer?

La scelta di mostrare e di raccontare è stata condivisa, senza che diventasse didascalica o stereotipata. Infatti, Un Fantastico Altrove non è un libro sulla transizione di genere, non ho uno sguardo pietistico: è più un’euforia, un gioco, un prendere per mano il lettore e invitarlo a tuffarsi nelle nostre vite. Per quanto riguarda mettere a nudo l’altro, non solo me, va di pari passo con il lavoro che sta facendo Samuele negli ultimi anni come attore e come advocate per i diritti trans, nel suo TEDx del 2024 parla di sé con il cuore aperto. Entrambi siamo allineati su questo, alla fine il nostro intento è di raccontare storie. 

Parlando del progetto, hai detto di voler “reinventare un luogo inclusivo, queer”, una sorta di altrove personale e collettivo. Che cos’è per te questa “geografia dell’altrove”? Una fuga, una conquista, un orizzonte politico?

L’immaginazione è fondamentale per inventare spazi e luoghi. Virginia Woolf diceva che era l’unica vita eccitante, quella immaginativa e, in qualche modo, Un Fantastico Altrove è quella scintilla. Non volevo però che rimanesse tutto nella mia mente, per questo la geografia dell’altrove è ricreare questi spazi nel mondo. Che sia poi politico perché mostrare le nostre identità e i nostri corpi non conformi, sia considerato un atto sovversivo in Italia, è una conseguenza. 

Un Fantastico Altrove è un libro bilingue e pubblicato da un editore italo-canadese. Dopo averlo portato anche all’estero, quale idea di “altrove” speri rimanga a chi lo legge?

Il libro in Canada, a Toronto e a Montreal, è stato accolto bene. C’è un’apertura all’ascolto dell’altro concreta, attenta, interessata anche verso un’artista italiana, che non stereotipa l’Italia ma in parte la critica. Spero che chi lo sfogli, ovunque sia, leggendo le parole di Micaela, assaporando la grafica ma anche solo osservando le foto, le cartoline degli anni 2000 e le chat tra me e Sam, trovi un orizzonte di possibilità. Ma anche intimità, dolcezza e una devozione all’onestà.

Nel tuo lavoro attraversi fotografia, performance, scrittura e attivismo. Quando hai capito che la tua pratica artistica non sarebbe stata solo estetica, ma anche uno spazio politico?

L’ho capito iniziando a lavorare, scegliendo cosa mostrare e chi mettere in primo piano. Nei miei videoclip musicali, più di 20 video dal 2016 al 2020 ho sempre scelto persone comuni, donne, corpi non conformi e antieroi come protagonisti.

La stessa cosa è avvenuta e sta avvenendo nel cinema, con Love Club (2023, Prime Video Italia), la prima serie TV italiana scritta e interpretata da persone queer, che ho co-creato e scritto, ha come protagonisti storie inascoltate, intersezionali di persone comuni, che sì sono anche queer, ma sono anche altro.

Per quanto riguarda la fotografia, invece, T-Boy, l’opera che nel 2021 è stata esposta a Ultraqueer al Palazzo Merulana di Roma, presente anche nel libro, è stata scelta da Michela Murgia come sua opera preferita di quella mostra collettiva, si è scattata una foto davanti e poi ha scritto un post a riguardo. La mia fotografia così sincera e intima era stata legittimata da una voce così potente nel panorama culturale e intellettuale italiano, e non solo mi ha fatto piacere, ma mi sono sentita capita. Al di là dell’estetica, ma per il messaggio.

C’è una prima immagine, fotografica o mentale, in cui hai riconosciuto per la prima volta la tua voce autoriale e il tuo modo di guardare il mondo?

Ho iniziato a scattare quando ero molto piccola, lavorando con l’autoscatto nella mia adolescenza, poi l’analogico è diventato la mia ossessione. Ho ritrovato poco tempo fa il mio Tumblr e, al suo interno, alcune fotografie in cui riconosco la stessa visione con cui guardo ora il mondo. Con Un Fantastico Altrove il mio autoritratto e la mia fotografia è più libera, anche dalla visione degli altri: ho meno paura di come appaio, se appagante per uno sguardo altrui. Metto in relazione ciò che significa per me essere una persona non binaria: giocare con il mio corpo, con il mio nudo, travestendomi come in un gioco d’infanzia in cui puoi diventare tutto quello che vuoi.

La tua produzione è autobiografica ma mai autoreferenziale: sembra piuttosto un modo per comprendere e decodificare la realtà. Quanto del tuo lavoro nasce dall’istinto, e quanto è invece il risultato di una costruzione meditata?

Entrambi i processi fungono da bilanciere nel mio lavoro. In primis perché è un lavoro personale che poi viene mediato e costruito in maniera collettiva. Sono abituata a lavorare sempre in gruppo, come nei set, così ho creato una mia squadra anche per il libro con Micaela Flenda, la curatrice e autrice dei testi, lo stesso Sam, Giuliano Iacobelli l’editore e Giovanni e Cecilia dei Paper Paper. Credo molto nella costruzione di un’opera collettiva insieme, partendo dalla mia materia prima, come accade sul set, con la mia sceneggiatura. 

Una parte del pubblico ti considera una voce necessaria della narrativa queer contemporanea. Come vivi questa percezione? Ti responsabilizza, ti pesa o semplicemente ti attraversa mentre continui a creare?

Sono grata di questi pensieri, che non solo mi attraversano ma mi riempiono. So quanto sia difficile portare avanti le proprie voci: da una parte mi responsabilizza, e allo stesso tempo sono io stessa a responsabilizzarmi.

Ho creato, insieme a un gruppo di persone bellissime. il primo Pride nella mia provincia, ma è nato proprio perché sono stata criticata pubblicamente dalle istituzioni locali, hanno sbattuto il mio volto in prima pagina perché osavo portare della cultura queer (che per loro non esiste) con storie come quelle di Valentina Petrillo e Lucy Salani in occasione del Tdor 2024. Ma questa rabbia e ingiustizia è stata trasformativa: abbiamo preso il nostro spazio, anche in quell’occasione, creando neanche un anno dopo, nella stessa provincia, il primo VCO Pride. Ho imparato che quando cercano di colpirti sul personale, togliendoti dalla forza della collettività per depotenziarti, è proprio quello il momento di fare unione e reagire, senza paura.

Il tuo percorso ti ha portato spesso a vivere e lavorare fuori dall’Italia. Cosa hai scoperto di te guardandoti da lontano? E cosa hai ritrovato tornando “a casa”, qualunque significhi per te questo concetto?

Mi sento più libera qui in Canada, lo vedo in quello che scrivo, come vedo il mio riflesso nel telefono quando chiamo i miei genitori. Ho scoperto che c’è tanto valore in quello che faccio. Non sono ancora tornata a “casa”, per ora ne sto costruendo una qui, con Sam. E guardandomi da lontano ho capito anche quanto, in Italia, il mio percorso fosse stato in passato appesantito da fardelli: persone che mi dicevano che mi avevano inventata o che pretendevano di definirmi. Qui ho potuto scrollarmeli di dosso. Un Fantastico Altrove è libero da quegli sguardi. È uno spazio che mi sono costruita e dove posso essere libera, molteplice e complessa.

Tutte le foto sono di Silvia Clo Di Gregorio e Samuele Galli

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L'articolo Il fantastico altrove di Silvia Clo Di Gregorio. proviene da Toh! Magazine.

Dal Piccolo Teatro Strehler al Cinema Arlecchino, passando per la Casa di Quartiere Garibaldi, il 39° MiX Festival trasforma Milano in un laboratorio di cinema, musica e cultura queer.

Sotto la nuova direzione artistica di Lara Vespari e Federico Manzionna, l’edizione 2025 si muove all’insegna del claim-manifesto “ACTION!”: una parola chiave che è insieme invito e atto di volontà, guida di una quattro giorni fatta di grandi pellicole, anteprime esclusive da tutto il mondo, incontri con artistə, registə, scrittori e scrittrici, dj set, musica live e stand up comedy; quì spettacolo e comunità si incontrano per raccontare il presente e immaginare nuovi mondi.

La redazione di Toh! Magazine, rinnova la sua partnership decennale per l’edizione del 39° MIX Festival, scegliendo i film da non perdere, dalle anteprime italiane di “Dreams in Nightmares” di Shatara Michelle Ford, “Cherub” di Devin Shears e “Somewhere in Love” di Morgan Simon con protagonista una fantastica Valeria Bruni Tedeschi, ai documentari che raccontano storie di identità, coraggio e comunità, come “Niñxs” e “Fatherhood”.

Oltre alle proiezioni, il 39° MiX Festival invita a vivere l’esperienza queer anche attraverso la musica tutti i giorni sul sagrato del Piccolo Teatro Strehler dalle 20:30 con dj set e performance tra cui venerdì 20 settembre alle 22 il dj set di Marco Cresci aka DJ412, fondatore di Toh! Magazine.

Special guest della cerimonia di apertura – giovedì 18 settembre alle 20.30 al Piccolo Teatro Strehler, condotta da Manola Moslehi – sarà Paola Iezzi, premiata con il More Love Award, riconoscimento che il MiX assegna a chi si distingue per l’impegno nel dare voce e visibilità alle tematiche LGBTQ+

Con quasi quattro decenni di storia, il MIX Festival rappresenta un punto di riferimento imprescindibile per la cultura LGBTQ+ italiana e internazionale. Fin dal 1986 ha acceso i riflettori sul cinema indipendente queer, offrendo spazio a storie capaci di celebrare, interrogare e reinventare le identità.

TESSERATI QUI!

Giovedì 18 sett:

DREAMS IN NIGHTMARES di Shatara Michelle Ford, Stati Uniti, Taiwan – Regno Unito, 2024, 128’ – ore 21:30 Piccolo Teatro Strehler – ANTEPRIMA ITALIANA

Il film d’apertura di questa edizione è della regista Shatara Michelle Ford. che con Dreams in Nightmares, conferma di essere una delle voci più originali del cinema indipendente americano contemporaneo. A partire da un canovaccio familiare — tre amiche in viaggio alla ricerca di un’amica scomparsa — la regista scardina i cliché del road movie per costruire un’opera stratificata, poetica e profondamente politica, senza mai cadere nella didascalia.

Z (Denée Benton), Tasha (Sasha Compère) e Lauren (Dezi Bing) intraprendono un percorso che è tanto geografico quanto interiore, attraversando paesaggi, incontri e ostacoli che rispecchiano le contraddizioni dell’America contemporanea.

Tutte e quattro le protagoniste, inclusa la “fuggitiva” Kel (Mars Storm Rucker), condividono un’identità queer vissuta senza proclami, come parte integrante di esistenze fatte di amore, desideri e fragilità. È in questo gesto di normalizzazione che Ford compie un atto politico radicale: mostrare corpi e vite nere queer che semplicemente esistono e si permettono di fiorire.

Dreams in Nightmar si distingue per la scrittura generosa e per le interpretazioni sfumate: Benton regala un’intensità silenziosa che si imprime nello spettatore, mentre Compère dosa ironia e vulnerabilità con grande equilibrio.

Rucker porta calore e leggerezza, e Jasmin Savoy Brown, in un ruolo minore ma dirompente, regala momenti comici di precisione chirurgica. La fotografia luminosa di Ludovica Isidori e la colonna sonora di Lia Ouyang Rusli completano un mondo visivo-sonoro sospeso tra realismo e sogno.

Dreams in Nightmares è un film che osa. Ford manipola tempo e spazio, mescola commedia e dramma, infonde leggerezza nei momenti più cupi. L’opera diventa così un invito a immaginare altre possibilità di vita, a credere che anche in un contesto ostile possano nascere comunità solide, creative e gioiose. Un viaggio imperfetto ma necessario, che restituisce al cinema indipendente la sua capacità di stupire.

Venerdì 19 Sett:

SAD JOKES di Fabian Stumm, Germania, 2024, 96′– ore 10:00 e ore 20:00, Piccolo Teatro Strehler Lungometraggi

SAD JOKES di Fabian Stumm è un film che sembra respirare con la stessa fragilità dei suoi personaggi. Ambientato in una Berlino sospesa, lontana dalle cartoline da club e più vicina a un’intimità quotidiana fatta di incomprensioni, desideri taciuti e battute che non fanno ridere, il film costruisce un ritratto generazionale disarmante.

Stumm, già noto per un cinema che ama l’incompiuto e l’imperfetto, orchestra una commedia nera che si muove come un collage emotivo: conversazioni spezzate, silenzi lunghi, micro-drammi che esplodono con la leggerezza di un sorriso amaro.

Il titolo è un manifesto: le barzellette tristi sono quelle che raccontiamo a noi stessi per sopravvivere.

Qui il riso non libera, ma graffia, eppure da questa ferita si apre un gesto di verità. I personaggi oscillano tra la paura di restare soli e la necessità di riconoscersi vulnerabili, e il regista li accompagna con una macchina da presa che non giudica, ma osserva, come fosse un amico che resta fino a tardi dopo una festa.

Girato con un’estetica minimale, tra interni claustrofobici e squarci di luce improvvisa, il film sembra dialogare tanto con la tradizione indie europea quanto con la sensibilità queer contemporanea: intimo, diretto, capace di ridere del dolore senza ridurlo. Sad Jokes non è solo un film, ma un invito a prendersi cura della propria tristezza — come fosse la battuta più sincera mai raccontata.

FATHEROOD di G. Benestad e August B. Hanssen – Norvegia, Islanda, Germania, 2025, 77′ – Cineteca Milano Arlecchino – Documentari

ANTEPRIMA ITALIANA

FATHERHOOD di G. Benestad e August B. Hanssen è un documentario che rimescola le immagini canoniche della paternità e le ricompone in un mosaico intimo, vulnerabile, queer.

Tra Norvegia, Islanda e Germania, il film segue la traiettoria di un padre trans che prova a riscrivere il proprio ruolo al di fuori di ogni binarismo, trasformando l’esperienza personale in un atto politico di radicale tenerezza.

Con una durata asciutta di 77 minuti, Fatherhood vibra come un diario visivo: frammenti di vita quotidiana, conversazioni, momenti di silenzio che diventano rivelatori. Lo sguardo dei registi non è mai invadente: accompagna, accoglie, lascia spazio, come se l’obiettivo fosse quello di aprire un varco nell’immaginario collettivo e mostrarci che la genitorialità può avere infinite forme.

L’estetica è sobria, quasi scarnificata, e proprio per questo potente: corpi filmati nella loro verità, paesaggi nordici che diventano specchio di solitudini e resistenze. In filigrana, c’è sempre l’idea che la paternità non sia solo un ruolo sociale, ma un terreno di affetti, cura e possibilità di reinventarsi.

Fatherhood è un invito a immaginare nuovi futuri, dove le parole “padre” e “madre” si contaminano, si trasformano, diventano spazi aperti. Un film che, più che raccontare, accompagna chi guarda a domandarsi cosa significhi davvero amare e prendersi cura.

Sabato 20 Sett:

CHERUB di Devin Shears, Canada, 2024, 73′ – ore 16:00 Piccolo Teatro Strehler, Lungometraggi

ANTEPRIMA ITALIANA

Cherub è un film piccolo, silenzioso eppure capace di farsi spazio dentro lo spettatore con una delicatezza disarmante. Il regista Devin Shears, al suo esordio, racconta una storia apparentemente minima, ma che nasconde una profondità emotiva rara: quella di Harvey (Benjamin Turnbull), uomo grasso e solitario, intrappolato in una quotidianità fatta di gesti ripetuti e di invisibilità sociale.

La scelta stilistica di girare in formato 4:3, con un uso attentissimo dell’inquadratura, restituisce un senso costante di isolamento, come se Harvey fosse sempre al centro ma al tempo stesso escluso dal mondo che osserva. L’assenza quasi totale di dialoghi e la colonna sonora dalle corde percussive amplificano questa condizione sospesa, trasportandoci in una dimensione intima e fragile.

Turnbull tratteggia il protagonista con una delicatezza struggente: il suo sguardo curioso, quasi timido, sugli altri — la ragazza con la mela rossa che pranza accanto a lui, le coppie che si baciano con passione nei giardini botanici, i volti anonimi dei pendolari — diventa lo specchio di un desiderio urgente e profondo: quello di essere visto, amato, riconosciuto.

La svolta arriva quando Harvey, per caso, scopre in un sexy shop la rivista Cherub, dedicata a uomini grossi e ai loro ammiratori. Quelle immagini, lontane dai cliché e piene di corpi che si mostrano senza vergogna, aprono uno spiraglio di possibilità: che anche lui possa avere un posto nello sguardo degli altri, e che il suo corpo non sia solo invisibilità ma anche forza, desiderio, identità. L’atto di inviare un proprio autoritratto diventa così un gesto di liberazione e di empowerment, il primo passo verso una vita meno silenziosa.

Cherub si distingue per la sua grazia visiva: i colori caldi, le luci soffuse, la cura del dettaglio trasformano il film in un piccolo gioiello di umanità. Con soli 10.000 dollari di budget, Shears riesce a creare un’opera che supera in vitalità e precisione formale molti film ben più costosi.

In definitiva, Cherub è una storia intima, ma universale: un inno alla possibilità di trovare amore e dignità fuori dai modelli canonici di bellezza e desiderio. Un film breve, essenziale, che parla piano ma lascia un’eco potente. Uno dei film imperdibili di questo 39° MIX Festival.

NIÑXS di Kani Lapuerta – Messico, Germania, 2025, 93′- ore 19:00 Cineteca Milano Arlecchino – Documentari

ANTEPRIMA ITALIANA

Con Niñxs, presentato in anteprima al Mix Festival, Kani Lapuerta firma un documentario intimo e radicale che ribalta la rappresentazione abituale delle persone trans al cinema. Protagonista è Karla, seguita dal regista per otto anni, dagli esordi dell’adolescenza fino all’ingresso nell’età adulta.

Sin dall’inizio, Karla pone la questione centrale: «Vorrei che il pubblico ridesse, che non fosse il solito film tragico in cui i trans vengono uccisi o compatiti». È una dichiarazione d’intenti che segna l’intera opera.

Lapuerta, anche lui trans, sceglie un dispositivo narrativo innovativo: non un voice over unico, ma un “dialogue-over”, un commento a due voci, in cui regista e protagonista discutono, scelgono, talvolta non sono d’accordo su come raccontare la storia.

Questa forma conferisce freschezza e sincerità, trasformando il film in un laboratorio di autorappresentazione. Il tono resta prevalentemente leggero: vediamo Karla e le sue amiche truccarsi, ballare, girare video su TikTok, vivere momenti di spensieratezza. Ma a spezzare l’idillio interviene l’altra faccia della realtà: la paura concreta di “essere uccisa”, detta da Karla con una naturalezza disarmante.

La forza di Niñxs sta proprio in questa oscillazione tra sogno e minaccia, speranza e vulnerabilità. Lapuerta evita accuratamente di cedere al pietismo, concentrandosi sulla costruzione di una comunità fatta di amore, amicizia e sostegno familiare.

I genitori di Karla, ex punk e spiriti liberi, incarnano una presenza rara e preziosa: adulti che accettano, accompagnano e incoraggiano la figlia. Alcune sequenze, come il dialogo tra madre e figlia su cosa significhi davvero essere donna, possiedono una forza politica quanto poetica.

Niñxs diventa un atto di resistenza cinematografica: mostrare la gioia, la crescita e l’immaginazione di una ragazza trans come una vita possibile e degna, lontana dal sensazionalismo. È un ritratto intimo e collettivo al tempo stesso, che al Mix Festival porta una ventata di freschezza e un invito: imparare a guardare la felicità come strumento politico.

MIX FESTIVAL MUSIC – DJ SET by TOH! Magazine by DJ412 – ore 22:00, Sagrato del Teatro Strehler

Domenica 21 Sett:

THE NATURE OF INVISIBLE THINGS – Rafaela Camelo, Brasile – Cile, 2025, 90′ – Piccolo Teatro Strehler – lungometraggi

ANTEPRIMA TALIANA

THE NATURE OF INVISIBLE THINGS di Rafaela Camelo è un film che sembra inseguire ciò che sfugge allo sguardo: desideri, assenze, presenze fantasmatiche che abitano i corpi e i paesaggi. Coproduzione tra Brasile e Cile, il lungometraggio costruisce un universo sospeso, dove l’intimità si mescola al mistero, e dove il quotidiano viene attraversato da un senso di magia discreta, quasi impercettibile.

Camelo lavora per sottrazione: dialoghi minimi, gesti che restano a metà, scene che sembrano dissolversi prima di compiersi. È proprio in questi vuoti che emerge la forza del film: gli “invisible things” del titolo diventano i segreti che ogni personaggio custodisce, ma anche gli affetti e le fragilità che resistono, pur senza mai mostrarsi del tutto.

La fotografia, calda e materica, alterna interni intimi e paesaggi naturali che sembrano respirare insieme ai protagonisti, trasformando lo spazio in un personaggio a sé.

L’atmosfera richiama certo cinema sudamericano che ama i silenzi e le ellissi, ma Camelo riesce a imprimere una firma personale: sensuale, poetica, a tratti ipnotica.

The Nature Of Invisible Things è un viaggio nella parte sommersa dell’esperienza umana, dove le relazioni non si spiegano ma si intuiscono. Un film che invita a rallentare, a lasciarsi attraversare, a credere che ciò che non si vede possa avere la forza di cambiare il nostro modo di stare al mondo.

SOMEWHERE IN LOVE di Morgan Simon, Francia, 2024, 97′′ – 21:45 Piccolo Teatro Strehler – Fuori Concorso

ANTEPRIMA TALIANA

Con SOMEWHERE IN LOVE (Une vie rêvée), Morgan Simon firma un secondo lungometraggio presentato in anteoprima italiana al Mix Festival, che affronta un tema poco frequentato dal cinema francese contemporaneo: il declino sociale e personale di una donna di oltre cinquant’anni.

Protagonista è Nicole, interpretata da una straordinaria Valeria Bruni Tedeschi, madre single, disoccupata e sommersa dai debiti, che vive in una banlieue parigina insieme al figlio Serge, ormai insofferente nei suoi confronti. L’esistenza della protagonista sembra un lento scivolare verso il nulla, ma Simon costruisce una traiettoria narrativa che, pur partendo dal buio, cerca spiragli di luce, amore e resilienza.

Il film colpisce per la delicatezza con cui affronta il tema del déclassement, radicato anche nella biografia del regista.

Simon non si limita a una denuncia sociale, ma trova nell’intimo, nell’affettivo, il terreno più fertile: la solitudine, il rapporto conflittuale con il figlio, la dignità ferita di chi deve ricominciare da capo. Bruni Tedeschi, lontana dalle caricature, restituisce un ritratto autentico, fragile e potente al tempo stesso, capace di incarnare un mondo che non è il suo ma che riesce a far vibrare con verità.

Non mancano i rischi: in alcuni momenti, la sceneggiatura indulge in passaggi prevedibili, e l’evoluzione verso un lieto fine rischia di attenuare la forza drammatica iniziale. Tuttavia, la regia sobria e rispettosa, unita alla capacità di lasciare spazio agli attori, conferisce al film una sincerità rara.

La scelta di dare centralità a una donna non più giovane, proveniente da un ambiente popolare, è un gesto politico oltre che narrativo, che dialoga con la letteratura di Édouard Louis e con un cinema che prova a raccontare “dal basso” senza paternalismi.

Une vie rêvée non è un film perfetto, ma è necessario: mescola autobiografia e invenzione per restituire dignità a un’esperienza spesso invisibile, quella del declino sociale. È una storia di cadute e resurrezioni, che ricorda come anche nei luoghi più grigi possa germogliare la possibilità di una nuova vita.

QUI IL PROGRAMMA COMPLETO

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Con la prima edizione di The Gorgeous Evolution Ball Vol.1, la cultura Ballroom scrive una nuova pagina in Italia. A portarla sul palco del Teatro Principe di Milano sono Gian e Morgan Gorgeous Gucci, Godfathers della House of Gorgeous Gucci, che da anni lavorano per far crescere una scena ancora giovane ma già vibrante.

In questa intervista, Gian ripercorre il suo incontro con la Ballroom, riflette sul suo significato come spazio di espressione e resistenza, e condivide la visione che lo guida: trasformare la passerella in un luogo di libertà, famiglia e affermazione queer.

Ciao Gian, come ti sei avvicinato per la prima volta alla ballroom e cosa ti ha fatto capire che era il tuo spazio?

Mi sono avvicinato per la prima volta alla Ballroom attraverso la danza, che per me è sempre stata un mezzo di espressione. In quel contesto ho trovato la possibilità di dare voce a ciò che nella vita di tutti i giorni, e persino in ambito lavorativo, mi veniva spesso negato.

Ho capito che la Ballroom è davvero il mio spazio: un luogo di libertà, in cui poter esprimere pienamente me stesso e incontrare persone che condividono la mia stessa visione e il mio stesso bisogno di autenticità.

Cosa significa per te portare in Italia il primo Ball firmato House of Gorgeous Gucci?

Portare in Italia la prima Ball firmata GG insieme a godfather Morgan Gorgoeus Gucci , siamo cresciuti insieme in ballroom , è per me/noi il risultato di tanti anni di lavoro, impegno e dedizione.

Non si tratta solo di un traguardo personale, ma di un momento di condivisione che testimonia come la scena Ballroom nel nostro Paese stia diventando sempre più viva, riconosciuta e valorizzata.

Sono davvero felice di vedere che in tantissime persone stanno aderendo e non vedo l’ora di vederle competere con talento e creatività nelle varie categorie. Con questa serata, il nostro desiderio è contribuire in modo concreto alla crescita e alla celebrazione della cultura Ballroom in Italia.

Se dovessi descrivere la tua personalità in passerella con tre parole o immagini, quali sceglieresti e perché?

•⁠  ⁠Irriverente, perché nella vita di tutti i giorni questo lato mi permette di camminare a testa alta e di sfidare il concetto patriarcale secondo cui un ragazzo debba per forza aderire a un modello maschile.

•⁠  ⁠Audace, perché nella ballroom, come “butch queen”, il mio modo di vivere la vita è molto glam ma sempre radicato nella realtà sociale che ci circonda. 

•⁠  ⁠Creativo, perché nella ballroom posso esprimere la mia creatività senza limiti: è un gioco che mi mette costantemente alla prova e mi permette di confrontarmi con me stesso in modo stimolante.

Perché avete scelto il tema dell’“evoluzione” per questa prima edizione?

Quando ho iniziato la Ballroom in Italia era molto diversa: non esisteva ancora una vera e propria community LGBTQIA+, era tutto più frammentato e meno strutturato. Col tempo, grazie a tanto lavoro e all’impegno di tante persone, le cose sono cambiate e oggi stiamo vivendo una vera e propria evoluzione.

Ed è proprio questo il senso della Ballroom: un continuo movimento, una trasformazione costante che rispecchia anche il nostro percorso umano, perché, in fondo, siamo sempre in evoluzione.

In un momento storico in cui i diritti LGBTQIA+ sono minacciati in molte parti del mondo, qual è secondo te il ruolo della Ballroom come spazio di resistenza e affermazione?

La Ballroom ha un ruolo fondamentale come spazio di resistenza: è un luogo che sceglie consapevolmente di non aderire alle regole imposte dalla società e alle visioni di un mondo patriarcale.

Al contrario, propone un’alternativa, uno spazio libero in cui esprimersi senza dover sottostare a quei modelli. In questo senso, la Ballroom diventa non solo una forma di espressione artistica, ma anche una presa di posizione politica e culturale.

Qual è stata la sfida più grande nell’organizzare un evento di questa portata a Milano?

Sono tante le sfide nell’organizzare un evento del genere, ma ci terrei invece a sottolineare la grande opportunità che abbiamo avuto.

L’incontro con DOOM, infatti, è stato fondamentale: una realtà così strutturata, innovativa e influente che ha creduto fin da subito nel progetto, offrendoci un supporto concreto a 360° e una visione strategica che hanno reso possibile trasformare un’idea in un evento di rilievo.

Per tutta la comunità Ballroom è un segnale potente: vedere un player di questo calibro investire e valorizzare la nostra cultura è un riconoscimento che ci riempie di orgoglio e ci sprona a fare sempre di più.

La Ballroom spesso viene descritta come una chosen family: che significato ha per te questa espressione e come la vivi nella House of Gorgeous Gucci?

Per me la cultura Ballroom rappresenta ciò che sono. È il risultato del lavoro e delle lotte di tante persone che hanno difeso e affermato le nostre usanze, i nostri modi e i nostri costumi. Il ball è l’evento in cui ci ritroviamo e dove le house si sfidano, ma è anche molto di più.

La mia house è la mia famiglia: è lì che ho imparato, che ho scoperto parti di me che mi appartenevano da sempre. Con la mia house so di avere accanto persone che mi fanno sentire al sicuro, qualunque cosa accada, nella vita come nella ballroom.

C’è una categoria o un momento della ball a cui tieni particolarmente?

Sì, le categorie dedicate alle Femme Queen hanno per me un significato davvero speciale.
Nella cultura Ballroom, “Femme Queen” indica le donne transgender che partecipano e competono: figure storiche e fondamentali di questa scena, che hanno aperto la strada e continuano a ispirare con il loro talento ed eleganza. Essere un parent significa accompagnare queste persone non solo nella loro vita personale, ma anche nel loro percorso artistico e performativo.

Vedere le Femme Queen intraprendere un cammino, lavorare duramente, crescere e poi brillare in una Ball è qualcosa che mi riempie di orgoglio. L’ho imparato grazie alle mie “sorelline” e alle mie “figlie”, che mi hanno mostrato quanto sia prezioso questo ruolo e quanto valore ci sia nel sostenere e celebrare la loro forza e autenticità.

Qual è la canzone su cui ami sfilare oggi, quella che più ti fa sentire “Gian” in passerella?

THE LANGUAGES OF CUNT “ by Kevin jz prodigy 

Come pensi che la ballroom possa influenzare la cultura queer e il dibattito sociale in Italia oggi?

La nostra scena può risultare scomoda, perché mette in discussione tanti schemi e certezze, ma allo stesso tempo è capace di dare una forza enorme al mondo queer. In particolare, nel contesto politico e sociale italiano, la Ballroom rappresenta uno spazio di resistenza e di espressione che diventa fondamentale per affermare la nostra presenza e i nostri diritti.

Qual è il messaggio che speri arrivi al pubblico, dentro e fuori dalla comunità?

La vita, per me, è un po’ come un Ball: ci sono giorni in cui vinci e altri in cui perdi. Ma quello che conta davvero è che, indipendentemente dal risultato, non perdi mai il tuo valore, né l’essenza di chi sei realmente.

Foto Alex Vaccani

L'articolo La Ballroom è casa: intervista a Gorgeous Gian Gucci proviene da Toh! Magazine.

Kimz Kimz ha scelto l’anonimato, ma la sua voce emerge nelle sua arte con forza, come fenditure, crepe e strappi che diventano linguaggio. Ha trasformato il vuoto in casa e il colore in confessione, facendo della vulnerabilità non un difetto ma un gesto radicale. La sua pittura — tra cieli mutevoli, pugnalate improvvise e un blu che vibra di sogno e memoria — è un atto di disobbedienza poetica silenziosa.

Nulla nei suoi lavori è statico o definitivo: tutto è poroso, instabile, sempre in dialogo con il desiderio e con lo sguardo di chi osserva. Più che un racconto, l’opera di Kimz Kimz è un invito a restare sospesi, ad abitare le stratificazioni e i bagliori, ad accogliere il silenzio che grida e l’intimità che non si spiega, ma si vive.

Quando hai capito che l’arte non sarebbe stata solo un linguaggio, ma la tua casa?
Quando le parole mi sembravano insufficienti, ho trovato rifugio nelle immagini. L’arte è diventata lo spazio in cui finalmente il silenzio poteva parlare.

Quali rituali privati ti accompagnano prima di iniziare a creare?
Lavoro sul pavimento. Di solito in sottofondo c’è un documentario — ultimamente mi sono immerso nell’architettura palladiana. Ho visitato Villa Barbaro a Maser, che è stata divina.

In che modo la tua esperienza queer ha trasformato il tuo modo di vedere il mondo e di rappresentare i corpi?
L’essere queer mi ha insegnato che i corpi non sono mai fissi — sono porosi, stratificati, in costante negoziazione con il mondo. Questa fluidità dissolve i confini ed è diventata centrale nel mio modo di rappresentare presenza, intimità e desiderio.

La vulnerabilità attraversa la tua opera: per te è più una forza o una fragilità?
Entrambe. La vulnerabilità è la crepa attraverso cui entra la luce, ma anche il punto tenero che ci rende umani. La forza — e la performance della forza — spesso maschera la fragilità.

Quali frammenti della tua quotidianità senti di aver tradotto direttamente nel tuo lavoro?
Il cielo che cambia. Guardo sempre in alto.

C’è un ricordo d’infanzia che ancora oggi risuona nella tua pratica?
Alle elementari sono stato bullizzato per mesi da un ragazzo molto più grande. Un giorno ne ho avuto abbastanza e gli ho trafitto la mano con una matita. Non mi ha più tormentato. Nell’arte spesso faccio lo stesso: pugnalo un’immagine rapidamente, con decisione, e non mi volto indietro.

In una scena artistica che spesso corre verso velocità e visibilità, come coltivi silenzio e intimità?
Attraverso stratificazioni e sfocature, lascio che le immagini esistano su più livelli. Possono apparire crude o esplicite a prima vista, poi dissolversi in un sogno. Voglio che restino.

Quali artisti – o anche figure al di fuori del mondo dell’arte – hanno plasmato la tua immaginazione?
Richard Diebenkorn, per la luminosità dei suoi colori. David Park, Yannis Tsarouchis, Jean Cocteau sono fonti di ispirazione. Possiedo un disegno di John Milton che continua a generare idee.

I film con Takeshi Kaneshiro, c’è qualcosa di innocente e insopportabilmente sexy in lui. Di recente mi ha colpito molto la mostra di Louis Fratino a Prato: esplicita eppure tenera. Per anni sono stato ossessionato da Frank Auerbach, la sua dedizione instancabile e il modo mellifluo in cui parla.

Anche la quiete di Giorgio Morandi. La tonalità dei suoi dipinti evoca i colori degli affreschi di Tiepolo, ma in scala molto più piccola e tuttavia piena di grandezza. Nel mondo di Instagram, gli artisti Wilfrid Wood e Giovanni Wetzl hanno influenzato e incoraggiato il mio lavoro.

Il blu ricorre spesso nel tuo lavoro: per te è un codice, un’emozione o un atto politico?
Il blu è sia il colore del cielo che del mare. Annegare in esso sembrerebbe pacifico; esservi sparati dentro con un razzo, violento.

È un colore di contraddizioni — desiderio, scomparsa, trascendenza. I blu nei dipinti di Piero della Francesca sono così pacifici, così divini.

Ho avuto la fortuna di vedere la Resurrezione a Sansepolcro e gli affreschi di Arezzo. A Londra abbiamo il Battesimo, a cui torno ancora e ancora.

In che modo il pubblico influenza o riscrive il significato del tuo lavoro?
Lo lascio fare. Non sono sicuro che la mia opera abbia significati fissi. Una volta che lascia me, appartiene a loro.

Ti senti più vicino a chi si accosta al tuo lavoro con empatia o a chi ne resta turbato?
Entrambi. L’empatia somiglia a un riconoscimento, ma il disagio segnala un cambiamento. Le mail di odio, quando arrivano, mi fanno quasi ridere.

Qual è stata l’opera più difficile che hai creato, e perché?
Non ho mai realizzato un autoritratto. Ci ho provato una volta, ma non ci sono riuscito.

Quanto del tuo lavoro nasce dall’istinto e quanto dalla disciplina?
Quasi tutto dall’istinto. Lavoro velocemente, pugnalo l’immagine, la lascio asciugare. L’unica disciplina è che lo faccio ogni giorno, anche mentre guardo la TV o qualcosa su Internet.

Se dovessi descrivere la tua pratica in una sola parola, quale sarebbe?
Blu.

Cosa sogni per il futuro dell’arte queer nei prossimi dieci anni?
In quest’epoca di omologazione indotta dagli algoritmi, spero in voci più uniche.

Più artigianalità. Più incidenti. Più fluidi corporei. Più buchi.

L'articolo Nel blu sospeso di Kimz Kimz proviene da Toh! Magazine.

Con Girl Violence, King Princess torna con un album che è molto più di una semplice raccolta di canzoni: è un viaggio intenso e personale attraverso emozioni, identità e rinascita creativa. Tra sonorità pop accattivanti e testi crudi, l’artista racconta la sua esperienza di lasciare tutto alle spalle — le relazioni, una major, una città — per ritrovare se stessa.

King Princess, una delle cantautrici più interessanti e sottovalutate dell’ultimo decennio, ci parla di musica, attivismo queer, collaborazioni e della sua recente esperienza come attrice sul set di Nine Perfect Stranger 2.

Una conversazione autentica che svela il cuore pulsante di una delle voci più audaci della nuova scena musicale.

Ciao Mikaela, come stai e dove ti trovi?

Sto molto bene, grazie! Sono a Brooklyn, a casa mia.

E tu dove sei?

A Milano.

Wow! Verrò a Milano a settembre.

Cosa verrai a fare?

Fashion Week, baby!

Allora ti aspettiamo, ma vogliamo anche uno show!

L’unica volta che ho suonato in Italia ero in apertura ai Sigur Rós a Lucca, e c’era tipo una sola persona a vedermi, una nonna di 80 anni. Però io le ho dato tutto e lei ha amato.

“Girl Violence” sembra una rinascita creativa. Cosa ti ha spinto a spogliarti di tutto e ricominciare da capo — lasciandoti alle spalle una relazione a lungo termine, una major e persino una città?

Credo che la cosa più incredibile del fare musica sia che è uno specchio del momento in cui ti trovi, emotivamente, spiritualmente, fisicamente e anche geograficamente. Per questo disco, che vedo come un’indagine sugli ultimi dieci anni della mia vita, ho sentito il bisogno di tornare a casa, a Brooklyn, e lasciare Los Angeles.

Mi sono chiesta: come posso rappresentare questo sentimento che mi accompagna da quando avevo 16 anni? Pensando alla mia vita, le parole Girl Violence rappresentavano al meglio questo pensiero. Questa idea, unita al ritorno alle mie radici, ha dato vita all’album.

Quindi è stata anche un’analisi utile a te stessa.

Oh my gosh! È stato come fare terapia.

La prima canzone, la title track, è come una dichiarazione d’intenti che imposta il tono dell’album. Sei d’accordo?

Assolutamente. È stata la prima canzone che ho scritto e getta le basi del disco, anticipandone i temi. Quando sceglievo la tracklist, questa canzone mi dava la sensazione perfetta per iniziare questo viaggio. È una piccola e dolce dichiarazione: “and I guess it’s true love ‘cause it really fucks with me. Nobody mentions that girl can be violence”. Il testo è giocoso ma allo stesso tempo malinconico.

Parliamo dell’artwork. Nei dischi precedenti sembrava che stessi interpretando un personaggio, ma questa volta ci sei solo tu, in primo piano e in movimento. Diresti che questo è il tuo album più personale?

Sì, potrei dirlo. Ma la cosa divertente è che in questo album ho un antagonista che si chiama Cherry, che è l’incarnazione di Girl Violence. È un demone antico con le tette enormi, la burattinaia del caos. Non potrei essere più me stessa: l’armatura è caduta.

“RIP KP” è audace, erotica e sfacciatamente queer. In che modo scrivere quella canzone ha cambiato il tuo rapporto con la tua identità?

In realtà è una canzone che parla dell’essere scopata ovunque — per me rappresenta il lato sexy di Girl Violence. Abbiamo deciso di pubblicarla come primo singolo perché mostra il lato più dolce: una brava ragazza così mentalmente presa da desiderare di essere la puttana di qualcuno.

Hai detto che questo è un album che avresti idolatrato a 15 anni. Cosa penserebbe la te quindicenne ascoltandolo oggi?

Se questo album fosse uscito quando avevo 15 anni, avrei comprato il vinile e mi sarei sdraiata sul letto a piangere ascoltandolo.

Che musica ascoltavi quando avevi 15 anni?

Oasis, Radiohead e, in generale, musica triste indie rock.

“Girl Violence” suona come il tuo album più vicino al pop finora — ma a livello di testi è anche il più crudo e personale. Questo contrasto era voluto?

La miglior musica pop nasce accidentalmente nei momenti in cui sei davvero a tuo agio. Non credo che il pop sia un genere, ma più il modo in cui cucini un pezzo. In questo caso, non avevo nessuno della label che mi dicesse cosa fare o che mi chiedesse di fargli sentire questo o quello.

Sono stata totalmente libera di esprimere me stessa, e di essere strana e fuori di testa come volevo. Il pop nasce dai miei istinti più strani come artista, e volevo trovarmi nella posizione di farlo nel modo più confortevole possibile.

È un album che per me suona molto libero e volevo che fosse facile da suonare dal vivo. Ricordo che la prima volta che abbiamo provato i pezzi per il live ho pensato: missione compiuta!

Hai detto che questo album ha un lato sexy, ma cosa è sexy per te?

Le lady sono molto sexy, una hot gay summer è sexy, fumare erba è sexy, andare al cinema e stare in casa con i miei amici è sexy, ma anche andare ai party!

Qual è l’ultimo film che hai visto?

Jurassic World: La Rinascita. L’ho adorato, adoro i dinosauri.

Scrivere testi così onesti all’interno di una struttura pop ti è sembrato liberatorio o rischioso?

Liberatorio. Sono molto istintiva, e quando ho voglia di cantare qualcosa è sempre una melodia pop. Amo la musica pop perché ti permette di essere libera, di stravolgere la struttura dei pezzi e rompere le barriere. Se sono spaventata non riesco a scrivere.

Chi è la voce che canta con te in “Say What You Will”?

Joe degli IDLES.

Come è nata questa collaborazione?

Mentre scrivevo il disco ho ascoltato moltissimo il loro album Tangk. È stato incredibile che abbia accettato di collaborare, e credo che mi abbia regalato uno dei testi più belli del disco. Quando avevo 19 anni ho suonato con Josh Holland e loro erano ospiti alla stessa serata; alla fine della performance hanno lanciato le bacchette della batteria, e una stava per cadermi in testa, ma l’ho afferrata. Mi hanno mandato dei fiori per scusarsi, ed è così che è nata la nostra amicizia. Ora siamo anche sulla stessa etichetta.

La moda e l’estetica sono sempre state centrali nel tuo lavoro. In che modo lo storytelling visivo si intreccia con il tuo processo di scrittura musicale?

Se sono esigente con la musica, lo sono ancora di più con l’arte. Per questo album, insieme ai miei amici, abbiamo pensato a cosa ci facesse ridere e a cosa potesse avere lo stesso effetto anche su altre persone. Abbiamo approcciato tutto così.

Sei da tempo un’icona queer e un’attivista. Senti una responsabilità quando crei opere che risuonano così profondamente con i giovani queer?

Ne sento la responsabilità, ma poi penso che io stessa sono una giovane queer! Ascolto molto la mia comunità e ne attingo: sono una figlia di internet e sono sempre online. Le persone gay sono così intelligenti e divertenti, imparo moltissimo guardando i miei fan su Discord o TikTok. In generale amo le cose che mi fanno ridere.

Come ti senti riguardo al clima politico negli USA sotto l’amministrazione Trump, specialmente rispetto ai diritti e alla visibilità LGBTQ+?

Decisamente non bene. Ma sta succedendo ovunque: stiamo tutti facendo lo stesso errore ripetutamente, in Germania, in Italia… Continuiamo a fare due passi avanti e uno indietro sui diritti. Ci sono persone che si riuniscono e decidono per noi; saranno anche religiose, ma io ci vedo più una paura radicata verso le persone queer. Hanno paura perché siamo forti e ci temono.

Non serve parlare di Bibbia, qui si tratta solo di potere. Questi bigotti pieni di odio, sentendosi insignificanti nella cultura, si sono ribellati per reclamare quelli che credono siano i loro privilegi. Ma non ci arriveranno mai. Noi saremo sempre qui, siamo le persone che fanno arte e cultura a prescindere: queer, immigrati, siamo quelli che fanno girare la lancetta.

Abbiamo una voce, e internet ci permette di connetterci. Questo manda questi stronzi fuori di testa. Non possono zittirci! È una situazione terrificante, e per questo la musica, l’arte, ridere e divertirsi sono fondamentali adesso. Sono la nostra tattica di difesa.

Parliamo del tuo ruolo come attrice in “Nine Perfect Strangers 2”. Com’è stato parteciparvi? Trovi ci siano similitudini tra il tuo personaggio e te stessa?

È interessante, penso che Tina sarei io se non fossi andata in terapia. Sarei arrabbiata e repressa come lei. È stato divertente esplorare un personaggio così rabbioso e stronzo.

Cosa hai imparato lavorando con una star come Nicole Kidman sul set?

È una fottuta star di Hollywood! Basta un suo sguardo per capirlo. Ho cercato di assorbire tutto il più possibile, sono stata in silenzio ad ascoltare perché ero circondata da persone così talentuose che facevano il loro lavoro, e io ero come una studentessa che prendeva appunti.

Sei sempre in movimento: canti, reciti e organizzi anche una one night selvaggia a New York. Com’è nata?

Bazongas! Una volta ero a San Diego a suonare per il Pride, avevamo mangiato alcuni funghi, e il mio amico Josh ha visto nella lobby dell’hotel una donna con delle tette enormi ed esclama: “Guarda che Bazongas ha quella!” Da lì è nato tutto. L’ultimo evento era a tema funerale, ci divertiamo moltissimo.

Cosa stai ascoltando ultimamente?

Tankg degli IDLES, ma anche molta musica del passato come Mezzanine dei Massive Attack,e gli album di Fiona Apple e dei Radiohead.

L'articolo King Princess: dalla rabbia all’estasi proviene da Toh! Magazine.

Shura è tornata. A cinque anni dal suo ultimo album, la cantautrice britannica — da sempre capace di raccontare la fragilità e l’intimità dell’amore queer con rara sensibilità — riappare con I Got Too Sad for My Friends, un disco che è insieme diario esistenziale e manifesto estetico.

Nato durante un momento di crisi creativa e personale, tra lockdown newyorkesi, introspezione forzata e nuove passioni (jujitsu incluso), il disco è un ritratto stratificato della Shura di oggi: più consapevole, ma ancora capace di lasciarsi attraversare dalla malinconia, con uno sguardo ironico e mai cinico.

In questa intervista, Shura ci racconta la genesi dell’album, il lungo blocco creativo, la gioia di collaborare con altri artisti, il bisogno di ritrovare uno spazio sicuro in un mondo che sembra diventare ogni giorno più ostile. Un dialogo che parte dalla musica, ma tocca anche corpo, comunità, politica e — naturalmente — amore.

Ciao, come stai?

Bene grazie, domani ci sarà la prima data del tour. Sono emozionata.

Come ti senti a pubblicare un nuovo album dopo molto tempo?

Sono molto felice! Anche se l’album in realtà è pronto da tanto, abbiamo deciso di aspettare il momento giusto. Dopo quattro o sei anni, aspettare altri sei mesi non faceva molta differenza. Ma ora è arrivata l’ora!

Cominciamo dal titolo: “I Got Too Sad for My Friends”. Cosa lo ha ispirato?

È il nome che diedi alla cartella SoundCloud con i demo dell’album, quasi cinque anni fa. Invece di chiamarla “Demo” come al solito, la intitolai così perché rappresentava come mi sentivo: molto isolata, con poco da condividere. Quando fai un lavoro creativo e ti senti bloccata, è difficile parlarne con gli amici: ti sembra di fare il lavoro dei sogni, eppure qualcosa non va.

Il titolo è triste, ma la prima volta che l’ho scritto mi ha fatto sorridere.

Suonava perfetto per un album. Ha un tono ironico, anche se tocca temi difficili. Volevo evitare di risultare pesante.

“I Got Too Sad for My Friends” è un disco pieno di consapevolezza, ma che ha bisogno anche di leggerezza.

Hai parlato apertamente del blocco dello scrittore. Cosa ti ha aiutato a superarlo?

Leggere molto. Il libro “If You Want to Write” di Brenda Ueland mi è stato utile. Parla della scrittura come cammino, e di quanto camminare aiuti a liberare la creatività. Era come un’auto-istruzione.

In realtà non era che non riuscissi a scrivere, ma non trovavo interessante ciò che scrivevo. Ho capito che serve un mistero, una verità o un problema da risolvere per far funzionare un testo.

Camminare nel mio appartamento di New York, ascoltare gli uccelli, sentire la brezza: tutto questo mi ha aiutata a restare presente, nonostante pensieri esistenziali pesanti.

La copertina ti mostra in armatura con un Walkman, circondata da piccoli mostri. Che storia volevi raccontare?

Hai colto bene! Quando uscì Romeo + Giulietta di Baz Luhrmann mi folgorò. DiCaprio era magnetico. Ricordo che non capivo se volevo essere lui o se ne ero attratta. Anche mio fratello gemello, che è queer, lo guardava con me. Poi abbiamo capito: lui voleva baciarlo, io essere lui!

Avevo appena riletto Il piccolo principe, che mi ha devastata. C’è un’immagine in cui è minuscolo su una catena montuosa, ma pieno di significato. I temi del disco – ansia, solitudine, svanire – sono tutti lì.

Un’altra influenza è Baldur’s Gate 3, che mi ha salvato dall’isolamento. Nell’artwork indosso un’armatura, ma non protegge organi vitali: quei mostri non sono reali, sono interiori. Il Walkman, i jeans rotti e le Converse mi riportano alla realtà. Non volevo sembrare un personaggio fantasy, ma restare me stessa

Come ha influenzato il suono e i temi del disco il tuo trasferimento a New York durante la pandemia?

Era un momento eccitante: avevo appena finito un album sull’innamorarsi a NY, avevo un tour. Poi, tutto si è fermato. Un crollo istantaneo.

Questo ha inciso sul mio blocco creativo. Il mio cervello era pronto al tour e al cambiamento, e invece mi sono ritrovata a chiedermi: “E adesso?”. È stato un lungo periodo di vuoto, e ha cambiato tutto.

L’album ha un suono caldo e retrò, da pop anni ’60 con texture elettroniche soft. Come ci sei arrivata?

Non riuscivo ad ascoltare altro in quel periodo. Quelle armonie mi tranquillizzavano.

Senza rendermene conto stavo scrivendo il disco che avevo bisogno di ascoltare: dolce, gentile. Io che di solito sono esplosiva!

Con Nothing’s Real avevo suoni forti, synth invadenti. Ma durante la pandemia volevo solo delicatezza. Mi sentivo vulnerabile, e cercavo bellezza naturale.

Molte tracce hanno una forte qualità cinematografica. Pensi spesso per immagini?

Al 100%! Ogni canzone ha un video musicale nella mia mente. Sempre.

Questo è anche il tuo primo album con dei featuring. Cosa ti ha spinto a farlo?

Ho collaborato anche in passato, ma i pezzi non sono mai finiti su un album. Stavolta, da artista indipendente, ho scelto persone che amo.

Cassandra Jenkins l’ho vista a Brooklyn e me ne sono innamorata. Ci abbiamo messo sei anni per collaborare! Helado Negro l’ho conosciuto a Low Radio, a Williamsburg. Perfetto per “If You Don’t Believe in Love”. Era il mio primo duetto sexy con un uomo!

E poi Becca Mancari: tutto sembrava naturale con loro, a differenza del passato dove le collaborazioni erano spesso suggerite per ragioni di marketing.

Ti sei fatta anche male in questi anni, ma ora appari radiosa!

Grazie! Forse è merito del jujitsu ahah! Ho iniziato da poco, ma è una di quelle cose assurde che fai dopo i trent’anni: imparare a combattere!

A proposito: aspiri davvero a diventare una “Muscle Mommy”?

Ci provo! Ma non è così facile come pensavo ahah! Forse sarò pronta per il prossimo album.

La tua musica è importante per tante persone queer. Come vivi oggi la tua visibilità LGBTQ+?

Dieci anni fa avrei detto: sono queer e ne sono felice. Oggi non è così semplice.

All’epoca sembrava che tutto potesse solo migliorare. Oggi è deprimente. Pensa che “Touch” è uscito nel 2011, e ora dobbiamo chiederci se essere visibili sia sicuro.

Però: se ti senti attaccato, è il momento di combattere. Io sono pronta.

Pensare alla situazione dei diritti trans in America con un secondo mandato Trump è spaventoso.

Abbiamo girato un video low budget con tantissime persone queer, per mostrare quanto siamo splendenti. Spero di farvelo vedere presto.

Ora che sei tornata in Inghilterra, ti mancano gli Stati Uniti?

Mi mancano gli amici, e sono triste per loro. Ma tornare negli USA adesso? No. Forse lo farò quando il finale sarà diverso. Non che in UK sia tutto perfetto, ma almeno posso iniziare a lottare da qui. Prima ero ottimista. Ora, molto meno.

Prima di salutarci: l’ultimo album di cui ti sei innamorata?

Sto ascoltando tantissimo Sabrina Carpenter e amo Chappell Roan, ma il disco che mi ha rapita è Two Star & The Dream Police di Mk.gee. Mi ricorda Peter Gabriel, Prince, Sting ai tempi dei Police. Chitarre e produzione incredibili.

L'articolo SHURA: un’armatura contro i mostri interiori proviene da Toh! Magazine.

Dalla ballroom di New York alla techno berlinese, passando per la disco militante francese, ecco i volti che stanno ridefinendo la notte sulle rive del Lago di Ginevra. Il Montreux Jazz Festival non è più da tempo solo jazz. Con la sua apertura verso nuove espressioni sonore e culturali, l’edizione 2025 consacra definitivamente il proprio impegno verso la diversità, dando spazio e visibilità a una generazione di artisti LGBTQ+ che stanno riscrivendo le regole del clubbing.

La presenza di questi artisti queer non è solo estetica o musicale: è politica, è comunitaria, è urgente. In una società che ancora lotta contro discriminazioni e stereotipi, il palco diventa uno spazio di liberazione e connessione.

Royale Cattin & Friends:
Sul palco Spotlight il 5 luglio, Royale Cattin & Friends portano in scena uno show che è un inno al kitsch, all’ironia e all’empowerment queer. Ispirata alle dive anni ’70 e ’80, Royale unisce drag performance e bingo, con interventi di Moon, Léon Lover, Canicule, Luigi e Fiona de Vil, il tutto accompagnato da DJ set che oscillano tra disco, house e pop reinterpretato con spirito irriverente.

In un’atmosfera da Studio 54 reinventata, il collettivo crea uno spazio di festa e condivisione dove l’identità viene esaltata e ogni corpo è invitato a brillare senza timori.

BASHKKA:
BASHKKA arriva a Montreux come un’esplosione di energia queer e consapevolezza. Il suo nome, che in turco significa “diversa”, è già un manifesto. Cresciuta tra Monaco e la scena ballroom di New York, porta nel suo sound una miscela viscerale di house, ghetto-tech e influenze diasporiche, profondamente intrecciate con le lotte delle comunità trans nere e brown.

La sua performance del 14 luglio sull’Ipanema Stage promette un rituale sonoro che unisce beat e militanza, corpi e politica, in un atto di affermazione identitaria che non chiede permesso.

Roi Perez:
La consolle di Roi Perez è un luogo di seduzione e trance. Originario di Tel Aviv, ma adottato dalla Berlino del Berghain, è uno dei DJ resident del Panorama Bar, simbolo internazionale del clubbing queer. Con i suoi set eclettici e giocosi, che spaziano tra house, disco e breakbeat, Roi racconta la pista da ballo come luogo ipnotico e liberatorio, dove ogni traccia è un invito alla trasformazione.

Al Montreux Jazz Festival si esibirà il 13 luglio durante il Disco Brunch Club (Ipanema stage), portando la sua visione fluida e sensibile di una club culture aperta e permeabile.

Barbara Butch:
Barbara Butch non è solo una DJ, è un’intera dichiarazione d’intenti. Icona queer francese, militante contro la gordofobia e l’omolesbobitransfobia, ha fatto la storia nel 2024 con la sua performance d’apertura delle Olimpiadi a Parigi, trasformando un ponte sulla Senna in un palcoscenico di visibilità e orgoglio.

Al Montreux Jazz Festival chiuderà la notte del 19 luglio alla Coupole con un set che si annuncia travolgente. La sua musica, una combinazione inclusiva di disco, house e pop, è uno spazio dove l’amore queer non solo è visibile, ma viene celebrato senza compromessi.

La presenza LGBTQ+ al Montreux Jazz Festival 2025 non è un dettaglio, è un cuore pulsante. Le performance di Royale Cattin & Friends, BASHKKA, Roi Perez e Barbara Butch non si limitano a far ballare: creano comunità, affermano identità, riscrivono linguaggi.

In un mondo che ancora fatica ad accogliere l’alterità, questi artisti e artiste offrono rifugio e rivoluzione sotto la stessa luce stroboscopica. E allora che il palco diventi pista, che la musica sia voce, che il Pride non sia solo un mese, ma un battito continuo che risuona fino all’alba sul lago di Montreux.

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Nato in un periodo di grande complessità personale, “A Modern Witch” di Adult Matters è un atto di liberazione e riconciliazione con il sé più giovane, un modo per mettere ordine nella mente e trovare una nuova forza nella vulnerabilità.

Attraverso testi intensi e una trasparenza rara, Luigi Bussotti aka Adult Matters esplora temi di salute mentale, rabbia, amore e inclusività, tracciando un percorso potente e universale in cui la musica diventa strumento di guarigione e riscatto. Lo abbiamo intervistato:

A Modern Witch” è un album che trasuda emozioni crude e intime – in che modo la tua identità ha influenzato la scrittura di questo disco?

“A Modern Witch” è un disco che ho iniziato a scrivere nel 2021. Era un periodo della mia vita molto complesso. L’ ho scritto per liberarmi di alcune cose che mi portavo dietro da tantissimi anni: dal mio disturbo alimentare alla riappropriazione della mia identità.

È un album che sento fortemente connesso con il me bambino. L’ ho scritto per chiedergli scusa se non l’ho ascoltato, se l’ho dimenticato e se l’ho costretto a stare dove non voleva stare. 

Hai parlato di riconciliarti con il tuo sé più giovane – che rapporto hai oggi con il tuo passato e con le persone che ti hanno fatto sentire fuori posto?

Con il passato ho un rapporto complesso. Ci sono alcune cose che non mi piace ricordare. Mentre scrivevo questo disco sono emerse: le ho accolte e ho cercato di dargli valore.

Ci sono molte canzoni che ho scritto per persone che non fanno più parte della mia vita. Attraverso i dischi è come se mettessi dei punti simbolici ad alcune fasi della mia vita.

Fare musica mi permette di mettere in ordine la mia mente. 

La rabbia è un tema ricorrente nel disco – pensi che nella società italiana ci sia spazio per la rabbia, oppure abbiamo imparato a soffocarla fino ad arrenderci?

Credo che con la rabbia abbiamo tutti un rapporto “particolare”. Ci insegnano a non esprimerla, ci insegnano che si tratta di un’emozione negativa. In analisi ho imparato a gestirla, ad esprimerla.

Ho imparato a comunicare attraverso la rabbia le cose che mi infastidiscono. È davvero incredibile saperla gestire senza combinare disastri.

Sei molto trasparente su salute mentale e vulnerabilità – che ruolo hanno avuto questi aspetti nella tua evoluzione come artista e persona queer?

Sì, l’onesta per me è al centro di tutto: la musica per me non è un esercizio di stile. La musica è la lente con cui io osservo me stesso e il mondo che mi circonda.

Salute mentale e vulnerabilità hanno avuto un ruolo centrale nella mia evoluzione come artista queer. Quello della salute mentale è un argomento a cui tengo particolarmente ed è inevitabile che finisca nella musica che scrivo.

Sono una persona queer che scrive di amori infranti, dca e disturbi del comportamento. Sono cose che vivo tutti i giorni. E’ questo il mondo in cui vivo e il mondo che racconto attraverso la mia musica.

In Italia, la scena musicale indipendente sta diventando più inclusiva oppure è ancora un percorso a ostacoli?

In Italia c’è tanto lavoro da fare. Mi piacerebbe poter dire che la scena indipendente sia inclusiva ma non è così. Le line up dei festival sono lo specchio della società in cui viviamo e parlano chiaro direi.

Non mi piace generalizzare perché ci sono delle realtà “piccole” super inclusive e ci tengo a sottolinearlo, ma su larga scala e sui palchi grandi i passi avanti da fare sono molti. 

Il titolo A Modern Witch richiama un’immagine forte e simbolica – c’è qualcosa nella figura della strega che senti affine a te?

ll disco ho scelto di chiamarlo così perché credo che negli ultimi tempi “la strega” sia diventato un personaggio molto pop ed è quindi un titolo “ironico”. Attorno a queste canzoni ho sentito sempre una forte magia e scriverle è stato catartico. 

“Corrupt Bastards” è uno dei brani più intimi del disco, scritto in un momento di isolamento e vulnerabilità – cosa volevi esorcizzare con questa canzone, e come si intrecciano in essa il desiderio, la delusione e il bisogno di connessione autentica?

E’ l’ultima canzone che ho scritto del disco. L’ho scritta nel mio monolocale a Roma dove vivevo nel 2023. È l’unica canzone che ha un lieto fine.

Quando ho scritto Corrupt Bastards nella mia testa c’era una confusione incredibile. Mi sembrava di non riuscire più a distinguere le cose belle da quelle brutte, il giorno dalla notte e la luce dall’oscurità.

Poi l’arrivo di una persona che amo profondamente è come se avesse preso realmente a calci tutte le cose per cui soffrivo e le avesse fatte a pezzi per me. 

Le foto che accompagnano il disco svelano invece un lato più ironico di Adult Matters – cosa vuoi comunicarci attraverso quell’immaginario visivo?

Ahahah! sì! Le foto le ho scattate con Simona Catalani (una mia carissima amica che ha un progetto super bello che si chiama Simmcat) e Leandro Agrò.

Ho deciso di scattare con loro proprio perché essendo i miei migliori amici mi sentivo libero di poter essere come sono e mi sentivo super a mio agio. L’ Art direction di questo album l’ho curato insieme a loro e ad un’altra mia carissima amica: Annachiara D’Agostino.

Eravamo tutti d’accordo sul fatto che le canzoni fossero davvero “pese” e che servivano delle foto che andassero un po’ ad allegerire tutto il carico emotivo dell’album.

Ultimo album di cui ti sei innamorato:

L’ultimo disco di cui mi sono innamorato è “If You Asked For A Picture” di Blondshell. Non riesco a smettere di ascoltarlo. 

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Discoteca Vivace (FLUIDOSTUDIO), il nuovo album di Valentino Vivace, è stato preceduto dal singolo “Eroi”, molto più di una canzone: il racconto di un momento autentico, vissuto intensamente e trasformato in musica. Nato durante una notte magica nel deserto, il brano affronta il tema dei sentimenti tra persone dello stesso sesso con delicatezza e forza emotiva. In questo dialogo l’artista svizzero condivide la sua visione di libertà, creatività e identità, tra influenze italo-disco, riferimenti culturali e una passione viscerale per l’arte come espressione di verità.

Eroi” affronta il tema dei sentimenti tra persone dello stesso sesso. Come è nato il brano e quale impatto ha avuto sul pubblico che lotta per la libertà di vivere autenticamente?

 Il brano è nato dopo una notte magica nel deserto messicano con il mio miglior amico Gabriel El Rey del Swing. Abbiamo passato tutta la notte assieme da soli attorno a un fuoco, circondati da coyote, sotto un cielo di stelle incredibili. È stato un momento molto intenso per tutti e due e il fatto di scriverne una canzone è stata una conseguenza logica. La canzone ha avuto un impatto super positivo e questo mi rende molto felice.

Parli di una connessione profonda con un amico nel deserto. Quanto è stato importante per te raccontare una storia di affetto genuino, privo di giudizi, e che riflette l’essenza dell’amore in tutte le sue forme?

È stato molto importante, perché è quello che era naturale fare per me. Mi sono lasciato guidare dalle mie emozioni e sono davvero contento di averlo fatto e di come la gente ha reagito.

La libertà di espressione è uno dei temi centrali del tuo lavoro. Quali messaggi vuoi trasmettere alle persone che vivono difficoltà nell’affermare se stesse e la propria identità, senza paura?

 Finora ho quasi solo ricevuto commenti positivi quando sono stato me stesso, quindi posso solo incoraggiare queste persone di non avere paura di essere se stessi e di credere in quello che fanno.

In “Hulahoop” citi un’intervista di Sabrina Salerno in cui parla della libertà di usare il proprio corpo. Come pensi che la musica e l’immagine possano influenzare la percezione della sensualità, promuovendo un’idea di libertà individuale?

 L’immagine ha sempre avuto un ruolo importante nel mio progetto e influisce molto su tutto il mondo Vivace. Anche qui per me è sempre importante fare quello che mi piace, vestirmi come voglio e creare i miei look, mi da confidenza.

Come vedi l’evoluzione della musica italo-disco oggi rispetto agli anni ’80? Cosa cambia nell’approccio alla libertà di espressione in questo genere musicale?

 È diventata un po’ meno pazza forse. Ho l’impressione che negli anni ’80 tutto sia stato spinto fino al limite, a volte forse troppo haha. Oggi è forse un po’ più controllato tutto quanto.

Essendo cresciuto in un ambiente molto aperto, come pensi che il contesto familiare influenzi il modo in cui affronti temi come l’amore e la libertà nelle tue canzoni?

 Lo influenza tantissimo secondo me. Ho avuto la fortuna di crescere con genitori di mentalità aperta che mi hanno dato tanto amore e la libertà di essere e fare ciò che mi piace, e ne sono molto grato.

“Discoteca Vivace” è un album che esplora diversi mondi sonori. Qual è l’elemento che più ti affascina quando crei nuova musica e come definisci il tuo sound in relazione alla libertà creativa? 

Molto probabilmente il sintetizzatore, perché è uno strumento così polivalente e all’interno è nascosto un intero mondo. In più ci sono tanti diversi modelli, cosa che rende ancora più eccitante il tutto. È un elemento centrale del mio sound, al quale non voglio porre limiti, perché vorrei sempre poter fare ciò che voglio io e non qualcosa dettato da qualcun’altro.

Ho letto che la discoteca La Baia degli Angeli ha ispirato il tuo album. Mi spieghi come un luogo così simbolico possa influenzare il tuo processo artistico? 

Ho scoperto la Baia degli Angeli un po’ per caso e ne sono rimasto molto affascinato, la vista sul mare, l’architettura, ecc. Mi sono immaginato tante volte di passare una notte durante gli anni Ottanta lì e quindi è diventata un po’ un’immagine ideale della Discoteca Vivace.

Che rapporto hai con la cultura italo-disco e come pensi che influisca sulla tua musica, specialmente in relazione alla capacità di rompere le convenzioni?

 Influisce sicuramente sul lato giocoso, spensierato e colorato però quando diventa troppo kitsch mi piace un po’ meno, si deve trovare l’equilibrio giusto e non è sempre così scontato.

L’estetica degli anni ’80 permea molto il tuo lavoro. Quali elementi di quel periodo ti attraggono di più? 

I synth, le scenografie, i look e i colori.

Come descriveresti un tuo live? Qual è l’atmosfera che cerchi di creare, e come ti impegni a trasmettere la libertà di essere se stessi al tuo pubblico?

 È un’esplosione di energia, felicità e un po’ di nostalgia. Voglio creare un momento dove il tempo si ferma e la gente si può lasciare andare, ridere, piangere, divertirsi e ballare come vuole.  È il miglior live show che abbiamo avuto finora, la mia liveband è pazzesca, tutti suonano benissimo e anche a livello di luci abbiamo creato qualcosa di molto bello.

Chi ha curato l’artwork del disco? E’ molto bello e perfetto per la musica che contiene!

Stefano Romano. Ha davvero fatto un lavoro stupendo e l’artwork si sposa perfettamente con la musica.

L’ultimo album di cui ti sei innamorato: 

Channel Tres “Head Rush”

Photo: Alex Vaccani with Alessandro Marzo
Thanks to Afterlove

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Formatasi durante l’era del Covid, l’attuale formazione della band vede Echo Mars (they/them) alla voce e chitarra, Lu Racine (he/they) alla batteria, Ally Juleen (she/they) al basso, entrata nella band nel 2023, e Shane Blank (he/him), che si è unito di recente al gruppo, contribuendo con chitarra e synth.

I THUS LOVE non sono solo una band, ma un’esperienza vivida e selvaggia che esplode sul palco. I loro live sono un turbine di energia cruda, dove ogni nota sembra scivolare fuori dai limiti della musica e diventare parte di un’esperienza collettiva. La loro capacità di mescolare il suono grezzo del punk con una carica emotiva travolgente rende ogni performance unica.

Abbiamo chiacchierato con i THUS LOVE che ci parlano del loro nuovo album All Pleasure, della loro evoluzione artistica e del legame tra musica, attivismo queer e libertà creativa.

Cosa rappresenta Brattleboro per voi come luogo creativo e comunità artistica?

Brattleboro è un posto in cui puoi sentirti sia completamente isolato che totalmente accolto allo stesso tempo. Ha un’energia sotterranea in cui le persone creano per il semplice gusto di farlo, e quello spirito DIY è stato cruciale per noi. Ci ha dato la libertà di ritagliarci il nostro spazio e plasmare il nostro suono senza pressioni esterne. Dunque i THUS LOVE non potrebbero esistere senza Brattleboro.

Come è nata l’idea per il titolo del nuovo album All Pleasure?

Fin dall’inizio, ci siamo detti che se lavorare a questo album non ci avesse dato piacere, allora non lo avremmo fatto. Creare musica dovrebbe essere un atto di gioia, e ci siamo attenuti a questo principio. Questo non significa che non ci siano state difficoltà, ma spero che chiunque ascolti questo album possa percepire l’entusiasmo e la gioia che abbiamo provato nel realizzarlo insieme in una stanza.

Quali emozioni o messaggi volete trasmettere attraverso i temi della gioia e del piacere nell’album?

Per me, il piacere non riguarda solo la felicità, ma anche la libertà. È il permettersi di esistere pienamente, senza vergogna o restrizioni.

Il messaggio dell’album è proprio questo: la gioia come atto di ribellione, qualcosa che nessuno può portarci via.

Com’è stato lavorare e creare insieme nel vostro studio rinominato “Hobbit Hole”?

Il “Hobbit Hole” era una sorta di sacro rifugio creativo per noi. Era angusto, sudato, caotico—ma era casa. In quello spazio, solo noi quattro all’epoca, abbiamo costruito tutto da zero, sia letteralmente che musicalmente. Lì potevamo essere completamente noi stessi senza filtri, ed è stato fondamentale per creare qualcosa di onesto e appagante.

Come siete riusciti a integrare i nuovi membri Ally Juleen e Shane Blank?

L’arrivo di nuovi membri ha rappresentato un cambiamento, ma è stato naturale. Ally e Shane avevano già intuito l’energia della band e hanno portato qualcosa di nuovo senza compromettere ciò che avevamo costruito. La chimica è stata immediata, permettendoci di espandere il nostro sound in modi che prima non avremmo immaginato.

Qual è il ricordo più divertente o significativo della creazione dell’album?

Probabilmente quando abbiamo finito la title track All Pleasure. È stata la prima canzone che abbiamo scritto tutti insieme come band, e ha segnato l’inizio di un nuovo capitolo per noi.

Come è evoluta la vostra musica con l’espansione a quattro membri?

Avere più persone significa avere più prospettive, più energia e più profondità. Ora la nostra musica ha una nuova ampiezza—c’è più spazio per esplorare le texture, le dinamiche e sperimentare in modi che prima, come trio, non erano possibili. È stato emozionante vederlo prendere forma.

In che modo il vostro approccio DIY definisce l’identità della band?

Il DIY è tutto per noi. Abbiamo sempre costruito il nostro mondo, che si trattasse di creare il nostro merch, registrare nel nostro spazio o organizzare i nostri concerti. Ci mantiene radicati e assicura che tutto ciò che pubblichiamo sia autenticamente nostro, senza compromessi.

Quanto è importante per voi usare la vostra piattaforma per sostenere i diritti LGBTQ+ nella sfera politica?

Essere artisti queer visibili è già un atto politico, che lo vogliamo o no. Sappiamo quanto sia importante vedere qualcuno come te sul palco, sentire la tua esperienza riflessa nella musica.

Se la nostra piattaforma può amplificare queste voci e creare spazi per altre persone, allora lo consideriamo una responsabilità importante.

Come navigate l’intersezione tra espressione artistica e attivismo politico nella vostra musica?

Per noi, le due cose sono inseparabili. Esistere in modo autentico come persone queer è già una forma di resistenza. Ma vogliamo anche mettere al centro la gioia, perché l’esistenza queer non riguarda solo la lotta—è celebrazione, comunità, amore.

Che messaggio vorreste dare ai giovani artisti queer che cercano di emergere in un contesto simile al vostro?

Non aspettate il permesso. Non avete bisogno della validazione di un’industria che non è stata costruita per voi. Trovate le vostre persone, create i vostri spazi e fate arte che sia autentica per voi. Il pubblico giusto vi troverà.

Come vedete l’interconnessione tra gioia e resistenza come individui queer e musicisti?

La gioia è resistenza. In un mondo che cerca di farti sentire piccolo o sbagliato, scegliere di essere felice, di prosperare, di ballare, amare e creare—questo è rivoluzionario. Non si tratta solo di sopravvivere, ma di vivere pienamente.

THUS LOVE Live:

14 Marzo 2025 – Milano, Arci Bellezza
15 Marzo 2025 – Bologna, Covo Club

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Francesca Siano, in arte Francamente, mentre si gode il sole di Palermo insieme alla sua fidanzata, ci parla della sua carriera, che affonda le radici in esperienze come la vittoria di Sannolo ’24 e la partecipazione a X Factor. Scopriamo come musica, attivismo e ricerca di identità si intreccino nel suo percorso, tra passato e presente. Nella sua musica, l’artista esplora nuove sonorità e affronta i temi della queerness e dell’empowerment femminile, senza mai sottrarsi al confronto.

Ciao Franca, come stai?

Bene, sono a Palermo al sole!

Cosa fai in Sicilia?

La mia fidanzata è di Palermo, quindi sto un po’ qui!

Quindi hai lasciato Berlino!

Eh sì, ho ritrovato il sole, infatti la mia pelle mi dice: ma cos’è questa sensazione?! Ahahah!

Prima di X Factor c’è stata la tua vittoria a una manifestazione milanese che sta crescendo sempre più, che è Sannolo, nello specifico l’edizione del 2024!

Esattamente! Sannolo è stato il punto di partenza di molte cose.

Credi che Sannolo ti abbia dato la spinta per partecipare a X Factor?

Totalmente! Sono due cose per me molto legate. Innanzitutto, è stato il modo per tornare in Italia in modo diverso, dal 2021 vivevo a Berlino. Ho sempre scritto in italiano, contaminata dalla musica elettronica, ho fatto tantissimo busking a Berlino, perché adoro suonare per strada.

Fu un’altra artista, Rossana De Pace del collettivo di cantautrici di cui faccio parte anche io, a parlarmi di Sannolo, e a convincermi a partecipare, anche se io pensavo: “Adesso questi si vedono arrivare una candidatura da questa disgraziata che scrive da Berlino e non mi considereranno mai…” E invece è andata bene!

A Sannolo ho trovato un clima bellissimo, al di là della competenza c’è la passione nel fare quello che fanno. La cosa che più mi stupì fu l’alto livello di professionalità a fronte di un’iscrizione gratuita, a differenza di molti contest, e a me questa cosa stupì tantissimo.

Penso che X Factor non sia nient’altro che un Sannolo di proporzioni più grandi; averci partecipato mi ha fatto capire come funzionano determinati meccanismi, hai dei tempi da rispettare, non si può sforare, lo stesso avviene in tv ma con proporzioni diverse.

E poi molte delle persone con cui collaboro adesso le ho conosciute proprio attraverso Sannolo, è stata la mia tappa di ritorno in Italia da cui poi è cominciato tutto.

Qual è stata la tua reazione quando hai scoperto che facevi parte della squadra di Jake La Furia, considerando che siete agli antipodi uno dall’altra?

Ahahahah! È stata una sorpresa, letteralmente! Ricordo che agli home visit, a telecamere spente, gli dissi: “Io ho massima stima per te, sono cresciuta proprio nel momento in cui i Club Dogo spopolavano, che era il periodo delle medie, è chiaro che però ho sempre associato Jake La Furia a un mondo molto distante dal mio.” E lui mi ha risposto: “Ma perché dici questo? Io ti ho scelta per come canti.”

Poi è uscita la mia parte dell’attivismo e credo che in questo lui abbia avuto meno pregiudizi di me. Penso di essere caduta in quello che di solito tendo a combattere. Chiaramente, essendo io un essere umano, mi sono fatta molto ingannare da come si presenta. Poi è stato il primo a dirmi che determinate canzoni dei Club Dogo di 15 anni fa non le cantano più, perché si sono posti la questione del linguaggio e del sessismo.

Jake La Furia è una persona di un’apertura e di una personalità incredibili, è stato un incontro di mondi molto fecondo. Per me X Factor è stato prima di tutto un’esperienza umana.

Hai definito sorelle i tuoi due primi singoli, “Parcadute” e “Fucina”. Continuerai con questo cantautorato elettronico che vira verso gli ’80s e che si può cantare e ballare?

Sono canzoni che danno una direzione, ma poi penso anche che la queerness porti verso un costante atteggiamento di apertura che si riflette anche nella musica. Per cui, di sicuro, sono un preludio e sono la direzione da prendere se penso a quello che sto facendo in fase di produzione.

Ma non escludo che magari possa arrivare un’altra innovazione, una nuova ispirazione. Certo, sarà difficile scansare gli anni ’80, di cui ho una passione, anche per i colori e per il loro mondo che amo.

Quindi stai scrivendo canzoni nuove?

Sì, sto scrivendo, anche perché ho il privilegio di poterlo fare. Mi rendo conto che sono giorni tranquilli e sento tanto il rilascio dopo la contrazione muscolare di X Factor.

Non so quante delle cose che sto scrivendo rimarranno pensieri o si evolveranno in canzoni, è una cosa nuova per me. Non ho mai avuto del tempo nella mia vita in cui poter scrivere e basta, e per questo lo ritengo un privilegio.

Sui tuoi canali social parli molto di attivismo, ti esponi senza paura e parli anche di gender! In Italia di questi tempi… che paura!

Esatto: “Aiuto, arriva il gender!” Che poi sono persone che, se gli chiedi: “Ma sai cos’è?” Ti rispondono: “No!” Allora, come fai ad aver paura di una cosa che non sai cos’è?

Io ho tanta fiducia e vedo un desiderio non solo di cambiamento, ma anche di ascolto della realtà, perché non puoi dire che determinate persone non esistono o che determinati orientamenti sessuali siano meno validi di altri. Ci sono e basta, sarebbe come dire che i capelli biondi sono meglio di quelli marroni!

C’è un desiderio nelle persone di far emergere la realtà in tutte le sue sfumature.

Hai anche un modo molto giusto di rispondere, sempre inattaccabile!

Dopo X Factor, oltre ai follower, sono arrivati anche i nuovi haters e io credo che la questione migliore per risolvere le diatribe sia parlarne e non chiudersi in se stessi per colpa degli insulti, che non sono mai di chi li riceve.

Confrontarmi per me è sempre stata una cosa utile, sia con le persone vicine, ma anche con attivisti che fanno questo di mestiere.

Bisogna imparare a non farsi risucchiare in questo aspirapolvere d’odio e capire che nessuno di noi è costretto a scendere a un confronto con tutte e tutti. Se l’unico obiettivo di un individuo, e lo applico in ogni contesto, è quello di spargere odio senza dialogo, che resti lì dove sta.

Ci sono invece occasioni di persone che mi hanno chiesto cose che andavano al di là della loro comprensione, o semplicemente erano in disaccordo con me, ma lo hanno fatto in modo educato. Ne abbiamo parlato e ci siamo confrontati in modo sano.

Sarebbe tremendamente democristiano se mettessi tutti d’accordo, ma non è di certo questo il mio obiettivo… È giusto che ci sia anche una controparte, ma la mia parte è così ricca di nutrimento che tende a fare ombra sul resto.

Insieme ad altre 3 cantautrici hai formato il collettivo “Canta fino a 10”, me ne parli?

“Canta fino a 10” è nato nel 2021 a Torino, che è la città che ci ha unite, nonostante io all’epoca fossi l’unica torinese. È formato, oltre a me, da altre 4 cantautrici, Anna Castiglia, Rossana De Pace, Cheriach Re e Irene Buselli. Nasce da un’amicizia e da problemi che pensavamo essere singolari, tipo che quando salgo sul palco si dà per scontato che non sia in grado di accordare una chitarra, o fanno commenti sul mio corpo, o capita che mi senta a disagio perché il backstage è tutto maschile.

E invece ci siamo accorte che erano situazioni condivise, addirittura ci siamo rese conto che, nonostante avessimo voci diverse, venivamo tutte paragonate a Carmen Consoli. La verità è che noi cantautrici abbiamo una rappresentazione così piccola che quando fai la cantautrice, in automatico ti paragonano a lei, senza che il tuo timbro ci assomigli minimamente. Che poi, Carmen Consoli è la regina assoluta, è intoccabile.

Quando potremo vederti live?

Siamo in una fase di allestimento. Io ho un grande sogno di non esibirmi da sola, quindi sto facendo un lavoro di ricerca di persone che possano partecipare al progetto e abbracciare un certo tipo di ideali. Ma bisognerà attendere un po’.

Qual è l’ultimo album di cui ti sei innamorata?

Chappel Roan perché mi ha riportata al presente. Io ho l’abitudine di buttarmi nei dischi vecchi, ma ascoltando Pink Pony Club per caso, mi ha fatto innamorare del suo album The Rise and Fall of a Midwest Princess. So che ha tanto spazio, ma spero ne prenda ancora di più.

Francamente Francamente Francamente

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Quando Maria Tomba ha cantato Diavolo in me di Zucchero sul palco di XFactor, l’immagine di una suora che cambia vita ha preso forma nella mente del regista Nicola Garzetti, trasformatasi poi in Celeste, la protagonista di Celestiale.

Con questa storia, il regista esplora il significato della libertà attraverso il caos, la spiritualità e la paura che nasce dal cambiamento. Ambientato in un convento, Celestiale è un dramedy che mescola fede e rave culture, momenti poetici e visioni psichedeliche. Tra apparizioni divine e dilemmi esistenziali, il film promette di lasciare il pubblico con più domande che risposte.

Qual è l’ispirazione principale dietro “Celestiale” e come il concetto di “libertà” si intreccia con la dimensione spirituale e drammatica della storia?

Nell’edizione del 2023 di Xfactor, alla seconda puntata credo, Maria Tomba canta “Diavolo in me” di Zucchero. Lei strepitosa nel suo pijamino leopardato mi fa arrivare in faccia un treno di ricordi legati a questa canzone che si coagulano nell’immagine di una suora, di spalle, che si fuma una sigaretta. Ai piedi degli anfibi. “Saluta i tuoi e bacia i miei” dice la canzone e lì capisco che quella era una suora che stava cambiando vita.

Era come se la conoscessi già e sentivo che Celeste, perchè così l’avevo chiamata, aveva paura della sua libertà. Ho preso un quaderno e ho cominciato a scrivere tutta la sua vita e ho capito perchè aveva paura. Ma questo si scoprirà ovviamente nel corto, perché è dalla paura, che parte tutto.

Il cortometraggio affronta temi complessi come il libero arbitrio, la fede e l’uso delle droghe in modo non convenzionale. Quale messaggio desideri che il pubblico porti con sé alla fine del film?

Io non sono credente ma credo nell’energia che due o più persone possono creare in una stanza quando sono insieme. Ci sono droghe che questa energia la amplificano e che possono creare il caos.

Io amo il caos. Penso che le storie migliori nascano dal caos, perché le vite dei personaggi vengono buttate in direzioni imprevedibili.

E qui entra in gioco il libero arbitrio perché il personaggio è liberissimo di tornare alla casella del via e non muoversi più. In Celestiale i personaggi si giocano tutto con un tiro di dadi. Ma non ci sarà blasfemia, ho superato quella fase. Voglio che il pubblico si diverta e si faccia delle domande a cui sicuramente non sarò io a rispondere.

Hai deciso di ambientare la storia in un convento. Cosa rappresenta questa location e come contribuisce a veicolare i temi principali del corto?

Il convento qui ha una dimensione assolutamente di pace, quiete e tranquillità. Spesso il convento è raccontato come un posto claustrofobico, ma non stavolta. Celeste non vorrebbe mai andarsene. Per lei è un posto sicuro, saldo. Se fosse per lei non se ne andrebbe mai. Poi arriva la lettera del vescovo e tutto crolla.

“Celestiale” promette di combinare dramma, ironia e momenti poetici. Come pensi di bilanciare questi toni contrastanti per mantenere un filo narrativo coerente?

Sarà un dramedy e la cosa bella di questo genere ibrido è che puoi amplificare più sfumature. Sarà molto coerente nella prima parte e schizzoide nella seconda. La macchina da presa seguirà questo doppio registro, ovviamente, ma anche la luce comincerà a comportarsi in modi imprevedibili, ci saranno apparizioni divine e demoniache, riferimenti alla rave culture affiancate ad immagini sacre e così via.

Dopotutto stiamo parlando di MDMA.

La tua squadra include professionisti di talento con cui hai già lavorato. Come le esperienze condivise su “Mèmori” influenzeranno la produzione e l’approccio creativo di “Celestiale”?

Mèmori è stato un banco di prova su moltissimi fronti tecnici e umani. Poco fa parlavo di energia tra le persone e tra noi della crew quell’energia scorre generosa. Di base mi sono chiesto comunque come poter migliorare quello che non funzionava a pieno in Mèmori ma soprattutto in fase di scrittura pensavo “ Questa scena farà perdere il sonno a Simone (Biagini, il direttore della fotografia)?” Se la risposta era sì allora rimaneva nel copione.

Come mai hai deciso di promuovere il progetto su Kickstarter?

I corti cinematografici spessissimo si finanziano con bandi regionali ma i temi che affrontiamo in “Celestiale” possono risultare spinosi e quindi quei finanziamenti sono utopistici per questo progetto. Sulla pagina Kickstarter del progetto ci sono tantissime informazioni sul corto, sul cast e sulle nostre intenzioni. Volevamo essere trasparenti, prima di tutto.

Ci sono svariate ricompense, tra cui la Shopper con il logo del film che è la mia preferita. Raffigura una Madonna che alza le braccia al cielo con un sorriso estatico, gli occhi chiusi e tutte attorno pillole di ecstasy, con uno smile stampato sopra. Ovviamente, la shopper, è celeste. Un’altra ricompensa interessante è quella da 5€ che permette di vedere “Mèmori” tramite un link che viene inviato appena si sottoscrive l’offerta.

Quale ruolo avrà la musica nell’accentuare i temi del film?

Qui il sonno l’ho perso io perché ci ho messo un anno a capire che brano classico avrei voluto far remixare a Brian Matichecchia. Credo che saremo probabilmente poco eleganti e che ci daranno dei tamarri. Ma va bene così, perchè è vero. Anche la musica sarà un bel tiro di dadi.

Clicca qui per supportare Celestiale:

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Mazzoleni ha lavorato per anni come discografico di alcuni dei più grandi nomi del panorama italiano e internazionale è un manager consulente mediatico e discografico.

Tra aneddoti curiosi, rivelazioni e incontri con collaboratori chiave, l’autore esplora il talento artistico di Madonna, rivelando come la sua musica sia stata spesso sottovalutata e mal interpretata.

Dalla scoperta di brani inediti alla sua esperienza alla Library of Congress, fino alla riflessione personale sulla carriera della “Regina del Pop”, Madonna Songbook – in uscita il nove dicembre – è un tributo completo alla sua carriera e al suo impatto sulla musica che va a colmare un vuoto importante nelle pubblicazioni legate all’artista.

In questa intervista, l’autore condivide il suo lungo viaggio alla scoperta della musica di Madonna, rivelando curiosità, difficoltà e emozioni che ha vissuto nella creazione di un’opera che vuole essere, prima di tutto, una celebrazione dell’autenticità musicale della popstar.

Madonna Songbook è un progetto che si nutre di passione, ricerca e incontri con i collaboratori storici di Madonna, per raccontare, canzone dopo canzone, la carriera di una delle artiste più influenti di sempre.

Cosa ti ha spinto a scrivere Madonna Songbook, un libro così dettagliato sulla discografia di Madonna?

Il desiderio di vedere il suo talento musicale riconosciuto. Ci sono molti libri simili -per certi aspetti- al mio, e dedicati a Prince o the Bowie o i Queen o Elton John. Tutti uomini, guarda caso!

Sono cresciuto in profonda ammirazione di tutti loro, ma soprattutto di Madonna ed è sempre stato difficile, ad eccezione di alcuni sporadici momenti come quando uscì Ray of Light, non sentirmi deriso per la mia passione per Madonna.

È stato a lungo un’abitudine diffusa quella di sminuirla – nonostante gli eclatanti successi – chiamandola una esperta di marketing che si affiancava al giusto produttore – guarda caso un uomo – del momento per poter rimanere sulla cresta dell’onda. Per fortuna, nessuno osa più dire una cosa del genere di Taylor Swift, per fare un esempio contemporaneo. 

Ebbene la sintesi di Madonna Songbook è la pratica dimostrazione di come Madonna sia autentica fautrice del proprio repertorio musicale. Ad eccezione di certi collaboratori degli anni più recenti (Diplo, Pharrell e al massimo Babyface negli anni Novanta), nessuno dei suoi più famosi coproduttori ha avuto successi commerciali e artistici così eclatanti come quando ha lavorato con lei.

Loro stessi, da me citati o intervistati direttamente per l’occasione, hanno confermato quanto l’intuizione artistica di Madonna fosse alla base di tutte le canzoni che hanno fatto assieme, in maniera completamente antitetica a quella definizione di calcolo strategico che molti le attribuiscono. 

E poi volevo semplicemente celebrale la parte più bella di tutto il suo lavoro artistico. La musica! Sono cinquecento canzoni analizzate una per una, accompagnate da moltissime immagini, ed è stato un viaggio bellissimo esplorarle e analizzarle e creare il libro con il designer Anthony Coombs, anche lui fan di Madonna. 

C’è stato un momento particolare in cui hai deciso di iniziare Madonna Songbook?

È stato esattamente a Natale di due anni fa, quando ho acquistato un libro dedicato a tutte le canzoni di Prince, di cui sono un grande fan, e ho desiderato fortemente che ci fosse un libro simile su Madonna.

Il mio carissimo amico di New York Matthew Rettenmund, esperto di pop culture, sentendomi lamentare che non esistesse un libro del genere, mi ha semplicemente detto che potevo scriverlo io, considerando il fatto che ho cominciato a raccogliere articoli di giornale e a registrare interviste di Madonna nel 1985 con meticolosa e maniacale cura da archivista. 

Qual è stata la sfida più grande nel raccogliere e organizzare tutte queste informazioni?

La sfida più grande è stata quella di tenere costante il livello di indagine e di cura su ogni canzone, nonostante i titoli fossero più di 500. all’inizio è stato quasi una passeggiata scrivere un primo capitolo di prova, e ci ho messo tutto me stesso, poi ho dovuto rendermi conto che con quel livello di approfondimento, avrei dovuto lavorare moltissimo senza mai abbassare la guardia.

E così è stato per molti mesi. Sono 45 anni di musica, e per quanto conoscessi già benissimo tutto il repertorio, quando sono arrivato all’ultimo decennio mi sono guardato indietro e ho apprezzato quanto Madonna abbia dato alla musica e mi sono domandato se lei stessa se ne sia mai resa conto, essendo un artista che non ama guardarsi alle spalle e solo recentemente ha iniziato a celebrare i fasti di una carriera completamente senza precedenti. 

C’è un aneddoto curioso legato alla tua esperienza alla Library of Congress?

In termini di risultati della ricerca che ho fatto là, sì, c’è stata l’incredibile gioia di sentire tre canzoni completamente inedite, che quasi nessuno ha mai sentito. Sono rimasto lì due giorni, sotto stretta osservazione di una persona seduta alle mie spalle per verificare che non avessi con me nessun mezzo di registrazione.

Non avevano calcolato che io stessi “registrando” quelle canzoni nella mia testa e quando sono uscito dalla Library le sapevo già cantare a memoria. È stato davvero emozionante sentirle. Sono tre provini del 1994 che mi hanno dato ulteriore conferma dell’incredibile talento di Madonna nel realizzare velocemente dei brani con melodie estremamente accattivanti. 

Hai parlato con tanti collaboratori di Madonna, da Stephen Bray a Donna De Lory e Niki Haris. Qual è stata l’intervista più sorprendente o che ti ha emozionato di più?

Sono stato felicissimo di “stanare” produttori come Andrè Betts, che ha sempre parlato pochissimo della sua esperienza con Madonna, anche se l’emozione più grande è stata parlare con Stephen Bray. Oggi è celebrato come l’autore di musical di successo come The Color Purple.

Si è negato per diverso tempo ma alla fine si è convinto e mi ha inizialmente concesso soltanto 45 minuti, ma poi ci siamo trovati così bene che sono stato io a concludere la conversazione dopo 2 ore e 40 passate a parlare delle canzoni che lui ha fatto con Madonna nei 10 anni di collaborazione con lei.

Ho raccolto alcune sue frasi che sono diventate la prefazione del libro e penso che abbia catturato perfettamente l’essenza del talento di Madonna, che parte sempre da un luogo emozionale. 

Nel libro parli anche di canzoni inedite e remix poco noti. Qual è stata la scoperta più affascinante e quella più sottovalutata della sua produzione?

A parte i tre brani inediti che ho sentito a Washington e qualche titolo trovato negli elenchi dei depositi di copyright senza che potessi ascoltarli, non c’è stata nessuna scoperta assoluta, nel senso che conoscevo già tutto il repertorio per una passione personale coltivata in questi quarant’anni.

Posso però parlare di una riscoperta di certe canzoni tramite le interviste coi suoi produttori che mi hanno mostrato come lei, in pochissimo tempo e senza perdersi in divagazioni, riesca a fare le giuste scelte creative per realizzare un brano. In tal senso, anche pezzi comunemente considerati canzoncine pop come Jimmy Jimmy sono in realtà un costrutto specifico di narrazione e ispirazione musicale ben preciso. Fare musica easy non è affatto facile. 

Personalmente trovo che lei stessa abbia sottovalutato la bellezza di un sofisticato inedito dei tempi di Erotica , Goodbye to Innocence. A livello più mainstream, penso che molte delle sue più recenti produzioni siano state sottovalutate a causa della sua longevità artistica, per non dire più banalmente della sua età anagrafica, ad esempio quel capolavoro di ballata che è Ghosttown. 

Hai scelto un approccio colloquiale ma accurato. Come sei riuscito a rendere il libro accessibile sia ai fan hardcore che ai lettori meno esperti? Quando e come è nata la tua passione per Madonna? 

Innanzitutto saranno i lettori a dirmi se ci sono riuscito, e lo spero vivamente.

Il mio approccio è stato di rivolgermi in maniera confidenziale a persone che di base amino già la musica di Madonna , a volte anche con un pizzico di umorismo, perché è inutile prendersi troppo sul serio, non stiamo parlando di Mozart (e peraltro penso che anche il dibattito su Mozart gioverebbe di un po’ di leggerezza).  Allo stesso tempo, ho cercato di essere quanto più oggettivo possibile, tant’è che nel libro ci sono diverse centinaia di note bibliografiche. La totalità dei virgolettati, e sono moltissimi, è rimandata a specifici testi, articoli, libri, trasmissioni televisive, eccetera. 

C’è un momento della sua carriera che ti ha segnato particolarmente?

Quando si è così appassionati a un’artista, quasi tutto il suo percorso segna le nostre vite, particolarmente in gioventù. Sicuramente i capitoli di Erotica, Ray Of Light, e American live sono stati la colonna sonora di una mia personale crescita.

A volte la musica di Madonna mi ha stimolato a riflessioni fondamentali, altre volte è arrivata semplicemente a marcare una particolare svolta personale già in atto nella mia vita. 

Quale canzone di Madonna rappresenta meglio la tua vita o ti emoziona di più, e perché?

Mi è molto difficile rispondere a questa domanda, proprio per quanto ho appena detto. Ce ne sono diverse, ma quando nel suo più recente tour Madonna ha ripescato dopo 32 anni di silenzio la magnifica Bad Girl, ho vissuto una profonda commozione che mi ha riportato a quegli anni in cui più o meno consapevolmente costruivo una mia identità, cercando non senza difficoltà una piena autostima e accettazione di me stesso. 

Nel libro ho inserito una cinquantina di brevi inserti in cui ho chiesto ad amici, fan, creativi e professionisti – compresi diversi collaboratori di Madonna stessa – di scegliere una canzone dal suo vasto repertorio e di di dire perché fosse così significativa per loro: è stata un’esperienza veramente molto bella raccogliere i loro scritti. Beh, lo sai, ci sei anche tu!

Cosa speri che i lettori colgano o imparino leggendo Madonna Songbook e cosa hai imparato tu scrivendolo? 

Il paradosso di questo libro è che per gusto e amore di fan, i lettori e io stesso ci addentriamo nel più minuzioso dettaglio di ogni canzone alla ricerca del segreto della bellezza di Madonna.

Lei invece in ogni suo momento di intervista o di rivelazione della propria ispirazione, si rifiuta di essere dettagliata, preferisce che una canzone appartenga all’ascoltatore e alla sua immedesimazione e non sia quasi più sua, mettendo quindi un accento sull’immediatezza e sull’ imprevedibilità. 

Hai avuto modo di incontrare Madonna per lavoro più volte, cosa porti nel cuore di queste esperienze?

Pur avendo anelato a un incontro con lei per molti anni, quando la mia professione mi ha offerto per per la prima volta questa opportunità ero quasi intimorito, non volevo sminuire il mito che avevo adorato dai poster appesi al muro della mia cameretta di adolescente. Invece, dal momento in cui entrata nella stanza si è creata immediatamente una forte complicità professionale e lei è stata molto generosa con me. In altre occasioni ho capito che anche lei ha le sue giornate no o che a volte prevale la diva che c’è in lei.  In quelle istanze 

 ho imparato ad apprezzare uno sguardo interessato, o persino il suo silenzio, come quella volta che non ha obiettato che io fossi l’unica persona nel prato dello stadio di San Siro, dove mi ero piazzato arditamente, a testimoniare le prove del suo spettacolo. Certo, ero paralizzato e non osavo ballare, ma dentro di me urlavo: “sta cantando Vogue solo per me!” (Anche se tanti altri professionisti si erano piazzati qua e là più discretamente negli angoli dello stadio!) 

Incontra l’autore Giulio Mazzoleni:

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Il giovane cantautore Giuse The Lizia ci invita a scoprire Internet – il suo nuovo album che porterà sul placo del MI AMI il prossimo 24 maggio,dove i ritmi moderni e l’autenticità dei testi si incontrano per raccontare l’impatto del mondo digitale sui rapporti umani. Cresciuto a Bagheria ventidue anni fa, Giuse ha fuso la tradizione della musica italiana con sonorità contemporanee, ispirandosi a esperienze personali e a storie comuni a molti giovani. Durante l’intervista, ci parla delle collaborazioni artistiche, della sua prospettiva sul tema dell’accettazione sociale e delle sfide incontrate lungo il percorso. Con Internet, Giuse esplora non solo la complessità delle connessioni virtuali ma anche la resilienza delle relazioni reali in un’epoca di rapidi cambiamenti.

Raccontaci del tuo nuovo album Internet. Qual è il tema centrale e cosa ti ha ispirato a scriverlo?

“INTERNET” l’ho scritto per raccontare le mie storie. Poi mi sono accorto che le storie che raccontavo avevano tutte come sfondo internet: le relazioni di cui parlo e i legami che costruisco e racconto nel disco hanno spesso internet come fonte all’origine. Magari ci si conosce sui social, oppure molte brutte storie finiscono (in maniera altrettanto brutta) con un messaggio, che cestina una relazione di due anni.

Hai esplorato diversi generi musicali in questo progetto. Come hai scelto le sonorità e le collaborazioni che ne fanno parte?

Volevamo sperimentare, non c’era un’idea ben precisa, è venuto tutto in modo naturale in studio. Mi sono trovato molto bene a lavorare con okgiorgio e Mr.Monkey, con loro sono riuscito a spingermi oltre la mia comfort zone, a cercare nuove sonorità.

Le collaborazioni invece sono nate in maniera diversa: con centomilacarie ci conosciamo e siamo amici, c’era un legame umano che poi è diventato anche artistico, mentre su “Tonight Gospel” sentivo la penna di Mecna come la più giusta per raccontare le cose in modo rap ma sempre con una vena nostalgica e romantica.

Nel tuo brano “Flash” omaggi Lucio Dalla campionando l’iconica “Disperato, Erotico, Stomp”. Quanto è importante per te l’eredità della musica italiana e in che modo ti influenza?

La musica italiana mi influenza tantissimo, l’ho ascoltata tanto e continuo ad amarla. Forse la cosa che più mi piace della musica italiana è proprio la sua forma canzone e i suoi schemi strutturali, che in qualche modo ho interiorizzato. Al cantautorato di quegli anni ci sono legatissimo anche per una questione di nostalgia, per gli ascolti che facevo in macchina con i miei genitori, quindi è una parte fondamentale del mio background musicale.

Le tue canzoni parlano di esperienze comuni tra i giovani. Come pensi che la tua musica risuoni con la tua generazione?

Penso che risuoni forte, nel senso che chi mi ascolta e ha la mia età riesca ad immedesimarsi tanto. Questa è una chiave importante, cioè il riuscire a far affezionare gli altri non tanto al personaggio ma alle cose che dice, che poi diventano le cose di tutti e che accomunano le diverse persone. Sono davvero contento di questo aspetto. 

TOH! è una piattaforma LGBT+. In quanto ventenne, quale percezione hai dell’accettazione della nostra comunità tra i tuoi coetanei, considerando il clima d’intolleranza che stiamo vivendo?

Io in questo devo dire che sono molto positivo. Faccio una premessa: io vivo in una bolla, i miei amici li scelgo anche in base a queste cose, sono visioni della vita e del mondo ancora prima che opinioni politiche in senso stretto, non riuscirei ad avere come amici delle persone che non condividono la mia stessa base valoriale e ideologica. In generale, però, mi sembra che determinate tematiche e conquiste abbiano davvero coinvolto tanti giovani. In percentuale credo siano molti di più i giovani che sostengono questa lotta (e altre lotte collaterali) rispetto a quelli che non lo fanno. Spero che la mia visione sia corretta, sicuramente è positiva.

Internet gioca un ruolo fondamentale nelle relazioni di oggi. Vuole il titolo essere anche un atto di denuncia riguardo all’influenza del digitale sulle connessioni umane?

Come ho detto spesso, io stesso ho un giudizio abbastanza neutrale di quello che è per me internet in termini di danni e in termini di vantaggi. L’aspetto relazionale è sicuramente qualcosa di critico: i social hanno portato davvero un problema di linguaggio e di incomunicabilità. Al contempo, però, hanno permesso di mantenere tanti legami a distanza e di coltivare relazioni importanti anche se geograficamente lontane, e io che sono fuorisede questa cosa la sento tanto, quindi il titolo rispecchia entrambi gli aspetti.

Qual è stata la sfida più grande che hai affrontato nella creazione di Internet rispetto ai tuoi lavori precedenti?

Sicuramente la sfida più grande è stata quella di fare una scrematura tra le canzoni che avevo scritto, erano davvero tante. Avevo meno pezzi tra cui scegliere per “CRUSH”, il mio primo disco, quindi la scelta è stata più facile in quel caso. Anche lavorare alle canzoni, tra gli impegni vari, non è stato facilissimo, però l’abbiamo portata a casa.

In che modo il tuo background culturale di Bagheria ha influenzato il tuo percorso musicale e il tuo stile?

In vari modi, sicuramente a Bagheria ho la fortuna di aver vissuto tanto in termini di esperienze e di stimoli. Ho grande memoria e nostalgia del mio vissuto adolescenziale, prendo tanto da quel passato lì. E poi posso confrontarmi con dei grandi artisti bagheresi, penso a Tornatore e Guttuso. Mi sento in qualche modo ispirato da queste grandi personalità.

Stai per partire in tour, hai preparato qualcosa di speciale?

Stiamo preparando un grande show, molto più studiato e preparato rispetto al primo tour, che per me è comunque stato incredibile. Sicuramente eguaglieremo la figata del primo tour e penso che la supereremo abbondantemente.

La canzone che non vedi l’ora di cantare?

“x te che mi conosci così bene”.

Qual è l’ultimo album di cui ti sei innamorato?

“Club Dogo”, l’ultimo disco dei Dogo.

Foto: Alex Vaccani con Alessandro Marzo

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Le sue tele ritraggono momenti semplici ma intensi, con protagonisti che spesso sono persone a lui molto vicine. Con un seguito in crescita su Instagram, dove condivide le sue opere, Simon Martin continua a sfidare i confini della pittura figurativa, unendo tecniche antiche a tematiche contemporanee. Il suo percorso artistico si evolve costantemente, mantenendo sempre al centro la bellezza dell’intimità e della vulnerabilità

Le tue opere spesso raffigurano momenti intimi e silenziosi. Cosa ti spinge a catturare queste scene fugaci della vita quotidiana?

Quando ero studente e decisi di imparare seriamente la pittura, chiesi ai miei amici di posare per me. Li invitavo nello studio, dove potevano riposare mentre li dipingevo. Spesso si addormentavano, dando vita a dipinti molto teneri.

Amavo la tranquillità e il rapporto di fiducia che si creava tra noi in quella situazione.

Questo senso di intimità è qualcosa che ho voluto portare avanti nelle mie composizioni.

Ho anche il desiderio di dipingere immagini che mi mancavano da giovane: scene semplici e ordinarie di intimità gay.

La pittura è un medium che richiede molto tempo per creare una singola immagine, conferendole quasi la qualità di un’icona che trascende la banalità delle scene raffigurate.

La tua arte alterna tra realismo e atmosfere oniriche. Come ti muovi nello spazio tra questi due stili nel tuo lavoro?

Cerco di trascrivere la fragilità e l’infallibilità della memoria. Ho scelto la pittura per la sua capacità di evocare le sfumature della percezione: piccoli dettagli realistici emergono attraverso strati liquidi e imprecisi. Mi piace pensare al mio lavoro come a una vecchia carta da parati che si intravede attraverso le crepe di un muro dipinto.

In che modo le tecniche e i temi antichi influenzano il tuo approccio moderno alla pittura figurativa?

Quando sei un pittore, la tua mente è piena dei fantasmi dei dipinti del passato. A volte mi sorprende quanto possano riemergere inconsciamente nelle proprie composizioni. Ho studiato molto i Nabis, perché ho sempre amato il loro uso del colore. In particolare, come a volte riescono a rendere le ombre più luminose delle luci, simili a una fotografia bruciata. Trovo quest’idea piuttosto poetica.

Molte delle tue opere esplorano la relazione tra le figure e il loro ambiente. Che significato hanno questi spazi per te e come interagiscono con i tuoi soggetti?

La pittura, per me, è uno spazio di fluidità, senza gerarchie sulla tela. Persone, luoghi, idee e sogni convivono sullo stesso piano e si fondono l’uno nell’altro, proprio come noi viviamo negli spazi tanto quanto gli spazi vivono dentro di noi.

Chi sono i soggetti che ritrai?

I modelli sono persone a me vicine: il mio fidanzato o i miei amici. Probabilmente questo mi aiuta a generare empatia tra l’opera e lo spettatore, simile ai sentimenti che provo verso di loro.

I tuoi ritratti sembrano sfuggire allo sguardo dello spettatore, creando spesso una sensazione di distanza. Cosa cerchi di comunicare attraverso questa tensione tra il soggetto e l’osservatore?

Non si tratta tanto di creare una distanza con lo spettatore, quanto di lasciargli la libertà di entrare nel dipinto o meno.

In un certo senso, è come creare una pittura “passiva” con cui puoi interagire solo se decidi di osservare.

Hai lavorato con una varietà di mezzi, tra cui acrilico, olio e acquerello. Cosa consideri quando scegli un mezzo per una particolare opera?

Il fattore principale è il tempo. Mi piace dipingere rapidamente idee che hanno impiegato tempo per emergere. L’acrilico, e più precisamente la pittura vinilica, è lo strumento perfetto per l’immediatezza: si asciuga velocemente e può essere ricoperta con olio in modo molto sottile.

L’acquerello è un modo di lavorare diverso. Non puoi commettere errori e devi accettare i movimenti dell’acqua.

Può essere frustrante, ma anche stimolante.

Poiché la materia segue il proprio corso, puoi usare gli “incidenti” come base di riflessione per una successiva composizione sulla tela.

Quali progetti futuri ti entusiasmano di più e come rappresentano l’evoluzione della tua pratica artistica?

In questo momento, sto lavorando a una serie di dipinti ispirati a TikTok e ai reels. Sono ancora all’inizio di questa ricerca e non ho ancora definito pienamente l’ambito. È quasi una riflessione sul collage: la giustapposizione di due immagini, quando un video scorre verso il successivo, può creare nuovi strati di significato.

Sto anche esplorando il tema dell’intimità: quella che può essere messa in scena o quella che viene costruita attraverso il proprio feed curato.

In apertura foto di Christopher Barraja

Grazie alla galleria Jousse Entrepris, Paris per la collaborazione

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Paolo Camilli, l’uomo che ha deciso di abbandonare ogni zona di comfort (la sua e quella del pubblico) per guidarci nel caotico mondo delle relazioni con il suo spettacolo “Sconfort Zone – Il Paradiso delle irrelazioni”, è ormai una figura consolidata del panorama comico e teatrale italiano. E, bisogna dirlo, se c’è qualcuno che può mescolare ironia, pop culture e riflessione in un frullatore emotivo, è proprio lui.

La capacità di Camilli nel farci ridere di noi stessi e del mondo che ci circonda è indiscutibile, non è un caso se è tornato per una terza replica milanese al Teatro Manzoni.

Nello spettacolo “Sconfort Zone”, Paolo ci offre una guida pratica su come sopravvivere alle relazioni: dall’amore alla famiglia, passando per quel gioiellino di inettitudine che è la vita lavorativa.

Accompagnato da una Intelligenza Artificiale Emotiva (un po’ come chiedere a Siri consigli su come risolvere i drammi esistenziali), lo spettacolo ci regala una carrellata di personaggi.

Da Carrie di Sex and the City a Ilary Blasi, fino a Scupido, un supereroe che, invece di combinare coppie, le aiuta a disintossicarsi dalle relazioni tossiche. Sì, avete capito bene: siamo in zona “surreale ma vero”.

L’idea di farci uscire dalla nostra confort zone sembra essere il filo conduttore di tutto. Però, diciamolo, c’è un’ironia implicita in tutto questo: siamo sempre così affezionati alla nostra bolla di sicurezza che, probabilmente, l’unico modo per strapparci fuori da lì è proprio un comico che ci fa ridere della nostra incapacità cronica di comunicare. E Paolo Camilli ci riesce benissimo, con una risata amara e tagliente, che ci fa sentire visti e derisi allo stesso tempo.

Non si può ignorare il peso che Camilli ha guadagnato sui social e nel mondo dell’attivismo LGBTQ+: è uno dei volti più rappresentativi della nuova comicità italiana. Tuttavia, il suo impegno non smette mai di essere supportato da una vena sarcastica e irriverente, che spezza qualsiasi retorica buonista. Lo show diventa quindi una specie di satira collettiva, una catarsi comica su quanto siamo disastrosi nel vivere e relazionarci con il prossimo, ma soprattutto con noi stessi.

“Sconfort Zone” è uno spettacolo per chi ama ridere del proprio disastro interiore, e per chi è abbastanza coraggioso da accettare che forse, solo forse, non c’è una soluzione.

Ma ehi, almeno possiamo riderci su. E Paolo Camilli ci offre una risata potente, intelligente e – soprattutto – brutalmente onesta.

Prossime date:

22/23 ottobre Roma – Teatro Ambra Giovinelli

14 novembre Napoli – Teatro Troisi

12 dicembre Spoleto – Teatro Nuovo Gian Carlo Menotti

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I Frost Children non si limitano a seguire le tendenze; le ridefiniscono. In questa intervista esclusiva, esplorano come la loro identità e le loro esperienze personali – come la collaborazione con il designer Francesco Risso e la creazione del “Frost Fest” – abbiano plasmato la loro carriera e la loro visione musicale. In occasione del loro dj-set travolgente, tenutosi in apertura del concerto di Dorian Electra lo scorso giugno a Milano, abbiamo intervistato e fotografato Lulù e Angel che ci hanno trasportato nel loro mondo che sembra un miscuglio di funghetti magici, esoterismo, colori fluo, sperimentazione e libertà d’espressione. 

Come è iniziata la vostra passione per la musica e quando avete deciso di formare i Frost Children? 

Siamo fratelli, quindi non abbiamo mai smesso di fare musica. Tecnicamente, abbiamo formato il gruppo nel 2019, ma non abbiamo mai suonato dal vivo prima del 2022.

Come descrivereste il vostro stile musicale e quali sono le vostre principali influenze? 

EDM. Club EDM. Canzoni pop da ballare. Musica emozionale. La nostra principale influenza al momento è Avicii, oppure gli Swedish House Mafia e Steve Aoki.

Qual è il processo creativo dietro le vostre canzoni? Avete un metodo specifico per scrivere e produrre musica?

Utilizziamo la guida oscura di nostro zio Theo Burgess-Frost per fare musica, chiamata “How to Summon an Abrys, 5 Steps for Summoning a Pop Music Muse.” Aveva questo circolo spirituale di musica nel nord dello stato negli anni ’70 e lo consultiamo sempre prima di fare una traccia. A volte iniziamo con un memo vocale alla chitarra, o a volte con un beat già completamente sviluppato. Cerchiamo di essere il più bravi possibile quando facciamo musica.

Cosa vi ispira di più quando componete nuove canzoni? 

Il desiderio di creare qualcosa che faccia sorridere i nostri cuori. Qualcosa che faccia battere il cuore e ci faccia sentire pazzi.

In che modo la vostra identità di genere influisce sulla vostra musica e espressione artistica? 

Penso che siamo più ispirati dalla fiducia e dalla bellezza. Dalla forza e dall’essere inarrestabili.

Potete condividere qualcosa di interessante o divertente che è successo durante una delle vostre sessioni di registrazione? 

Angel è rimasta chiusa nella cabina vocale recentemente e ha dovuto farsi strada coi graffi per uscire. Nessuno poteva sentire le sue grida a causa dell’isolamento acustico!

Come lavorate insieme in quanto fratelli? Ci sono mai momenti di tensione o conflitti creativi? 

Abbiamo un linguaggio condiviso che è qualcosa come la telecinesi. Non litighiamo molto. Cuciniamo l’uno per l’altro e prendiamo cose dal Bodega l’uno per l’altro, abbiamo la maggior parte degli stessi amici. In studio a volte non siamo d’accordo su alcune cose, ma di solito entriamo rapidamente in sintonia.

Qual è stato il momento più significativo o emozionante della vostra carriera finora? 

Il 2025 sarà un anno che cambierà la vita per i Frost Children. È anche fantastico sentire che molti idoli con cui siamo cresciuti ora ascoltano la nostra musica. Come quando Elton John ci ha menzionato nel suo show radiofonico su Apple Music mentre eravamo nei Poconos in Pennsylvania a registrare il nostro album “Hearth Room.”

Vi piace molto sperimentare con il suono. Come immaginate che la vostra musica evolverà nei prossimi anni? Ci sono nuovi generi o stili che vi piacerebbe esplorare?

Al momento siamo estremamente anti-chitarra e cerchiamo di attenerci all’elettronica. Penso che faremo decine di altri album con la chitarra in futuro. Stiamo iniziando a renderci conto che i nostri gusti semplicemente attraversano delle fasi. Ma al cuore di tutto c’è il carattere della nostra scrittura e produzione.

Quali sono i vostri obiettivi a lungo termine come Frost Children e cosa sperate di raggiungere nella vostra carriera musicale? 

Vogliamo suonare al Las Vegas Sphere, a Red Rocks, avviare un’etichetta, comprare molte case, ottenere posti migliori sui voli, mangiare fuori tutto il tempo e ubriacarci con liquori pregiati. Obiettivi di tipo dionisiaco…

Avete qualche consiglio per i giovani artisti che cercano di entrare nella scena musicale? 

Continuate a creare cose TUTTO IL TEMPO. Sento che questo mondo ha iniziato a chiudersi nell’inerzia, specialmente nella nostra generazione. Ci sono un milione di scuse per cui NON dovresti fare qualcosa, e saranno sempre lì per fermarti se non stai attento. Continua a fare cose e inizierai a capire cosa ti rende unico nel processo. E non farti male quando le persone non capiscono subito. Ama i tuoi haters.

Parlando di artisti emergenti, il 22 agosto 2024 si svolgerà il primo Frost Fest a Williamsburg, con due giorni dedicati a molti artisti emergenti scelti da voi. Come li avete selezionati? 

Fondamentalmente ci siamo chiesti: “Cosa succederebbe se ci fosse una lineup perfetta per un festival?” E poi l’abbiamo fatta noi. Danny Brown è stato molto esplicito riguardo al fatto che gli piace la nostra musica nel suo podcast, il che è stato sconvolgente perché siamo suoi fan da oltre un decennio. Ci siamo messi in contatto con lui molte volte da allora ed era entusiasta di fare una performance dove suoniamo come sua band dal vivo. Tutti gli altri sono artisti con cui abbiamo lavorato personalmente o di cui siamo attualmente entusiasti. Tutti gli artisti coinvolti stanno creando qualcosa di estremamente fresco e high-energy. Stiamo cercando di avviare una rivoluzione di Electro-Mania.

Potete parlarci della vostra relazione speciale con il designer Francesco Risso di Marni e di come potrebbe avervi influenzato in qualche modo? 

Fondamentalmente, Angel è stata ingaggiata per uno show di Marni subito dopo essersi trasferita a New York nel 2017 e da allora ha iniziato a fare tutte le loro sfilate e molte delle loro campagne. Sono tornato molte volte e ho visto Francesco evolversi in tempo reale e affermare il suo genio ancora e ancora. Marni è il miglior brand nella moda europea. Duhhh. Sono giocosi, senza tempo, fighi come l’inferno, adorabili, senza mai essere piattamente kawaii. È sexy e strano. E lo spirito collaborativo di Francesco è stato contagioso per me come modella timida di 18 anni. Abbiamo anche incontrato l’artista leggendario George Clanton attraverso Marni e abbiamo finito per fare un tour con lui lo scorso anno. Amiamo Marni!!

Qual è il tuo capo d’abbigliamento preferito: 

Francesco (Risso ndr) ci ha inviato due enormi giacche a vento lo scorso inverno, una gialla di lana per Angel e una a quadri per Lulu. Le abbiamo indossate insieme per un sacco di tempo, insieme a stivali alti arancioni e blu. Angel le ha indossate anche molto sul palco durante il nostro Double-Headed Tour la scorsa primavera.

Le vostre performance dal vivo sono molto energetiche e coinvolgenti, e trasmettete un’energia che può davvero catturare il pubblico. Qual è il vostro segreto? 

Lo swag non ti cade in grembo. Devi attrarlo con il Corpo.

Film preferito dei Frost Children: 

Angel: Paddington 2 

Lulu: Night at the Galactic Railroad

Qual è l’ultimo album di cui vi siete innamorati? 

Angel non può smettere di ascoltare “Top of the World” (feat. Dev) dei Cataracs. Lulu sta ascoltando il disco omonimo dei Modjo, che contiene l’iconico singolo “Lady, Hear Me Tonight.”

Production: Giuseppe Di Rosalia

Interview: Marco Cresci

Photo: Alex Vaccani

Styling: Alessandro Marzo

All clothes by MARNI

Thanks to :

KD House

Francesco Risso

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Un’arena polisportiva aperta a tutta la città, una serata a teatro interamente dedicata alle arti performative queer evun progetto sinestetico che traduce la bandiera arcobaleno in una composizione sonora per i non vedenti. Diventa
sempre più ricco e a 360° il programma di Milano Pride 2024.

Nelle Pride Square sono in programma talk con attivisti ed esperti che spaziano dai temi della salute alla situazione geopolitica attuale e ai diritti LGBT+ in Cina evin Palestina, ma anche giochi, bolle di sapone e favole arcobaleno per i più piccoli, e un queer tango in piazza. Oltre 300.000 sono le persone attese alla parata e allo show del 29 giugno per un evento con attivisti, politici, performer e cantanti.

Organizzato da CIG Arcigay Milano in collaborazione con le associazioni del Coordinamento Arcobaleno, l’insieme delle associazioni LGBT+ del territorio, Milano Pride 2024 ha il Patrocinio della Commissione Europea e del Comune di Milano, oltre che di numerosi altri Comuni del territorio.

“L’invito al Pride è aperto a tutti, nessuno escluso, vi aspettiamo per condividere un messaggio comune, forte e chiaro: basta discriminazioni, basta violenze. In primo piano la lotta contro l’omolesbobitransfobia, il bullismo e per diritti di tutte le famiglie.” Commenta Alice Redaelli, Presidente di CIG Arcigay Milano che quest’anno festeggia
40 anni di attivismo. “Da anni il Milano Pride è un evento intersezionale, che parla di diritti a 360° andando anche oltre i confini italiani: dai femminicidi e la parità di genere fino ai conflitti in Ucraina e in Medio Oriente. Questi i temi che affronteremo sul palco, in parata e nel programma di talk e incontri delle Pride Square”.

Il messaggio che questa 23esima edizione vuole lanciare è forte, nel segno della libertà individuale e del diritto a essere sé stessi. In un momento storico complesso come quello che ci hanno consegnato anche le recenti elezioni

Milano Pride 2024 MESSAGGIO + DOCUMENTO POLITICO

Liberə di essere è il motto e tema portante di Milano Pride 2024. Libertà, autodeterminazione, rispetto della dignità e dell’integrità fisica e morale di ogni individuo sono i principi basilari della convivenza civile, riconosciuti dalla
Dichiarazione Universale dei Diritti dell’Uomo così come dalla Costituzione della Repubblica Italiana. “Se guardiamo alle nostre società e a quanto accade in molti Paesi del mondo, dobbiamo constatare che questi alti valori non solo non sono praticati ma vengono consapevolmente disattesi, screditati e calpestati,” commentano le
associazioni organizzatrici di Milano Pride nel Documento Politico.

Liberə di essere è il fil rouge della dichiarazione. Liberə di esistere/essere se stessə in nome dell’integrità fisica, del rispetto, della lotta contro l’omotransfobia e i femminicidi, e con una forte richiesta di Cessate il Fuoco! a Gaza.

Liberə di essere una famiglia a supporto delle famiglie omogenitoriali, perché non esiste un concetto di famiglia “giusta” o “sbagliata”. Liberə di crescere per contrastare la violenza di genere e bullismo di matrice omolesbobitransafobica nelle scuole, così come supportare le persone transgender nel loro percorso di studi a partire una implementazione delle carriere alias.

Milano Pride 2024 GLI EVENTI

Presentazioni di libri, sport, concerti e molto altro. Il Pride Month avvolge e coinvolge l’intera città con spettacoli di teatro, tour guidati e mostre d’arte ma anche stand-up comedy, talk e party. Il calendario completo di tutte le iniziative è pubblicato nella sezione Eventi sul sito ufficiale di Milano Pride.

● Sabato 22 e domenica 23 giugno, piazza dell’Arco della Pace si trasforma in un’arena polisportiva con tornei, eventi, musica, dj-set e cultura aperti al pubblico. Protagoniste le squadre sportive LGBTQ+ di Milano ma anche le loro alleate sul territorio nazionale, le federazioni e personalità dello sport. L’iniziativa è un progetto di Pride Sport Milano, l’associazione che unisce tredici associazioni e oltre 700 atletə che scelgono di promuovere l’inclusione la gentilezza e il rispetto attraverso lo sport.

● Domenica 30 giugno, il giorno dopo la parata e l’evento all’Arco della Pace, Milano Pride invita tutt* al Teatro Elfo Puccini per Sempre Liberɜ – Queer on Stage, una serata interamente dedicata alle arti performative queer dal teatro alla danza, dalla stand-up comedy all’opera. “Ispirata a una nota aria della Traviata, Sempre Liberɜ è un format multidisciplinare e intergenerazionale che porta il mondo del Pride
dalla piazza al teatro.” Commenta Michele di Giacomo, fondatore di Alchemico Tre e Direttore Artistico dello spettacolo.

Sempre Liberɜ è un’iniziativa di CIG Arcigay Milano. Michele Di Giacomo conduce la serata insieme a Marta Pizzigallo con musiche di Gipo Gurrado. Tra gli ospiti: Matteo Bittante con Dancehaus Company, l’autore di prosa Tobia Rossi, la cantante Romina Falconi, la performer Angelica Squicciarini con Filippo Ermanno Pizzocri e Rafael Candela, il ballerino Yesid Quejada Moreno, e la cantante Maria Elena Pepi accompagnata dal maestro Andrés Jesús Gallucci. I biglietti sono acquistabili presso il Teatro Elfo Puccini.

Da mercoledì 26 a venerdì 28, nel quartiere arcobaleno di Porta Venezia, tornano le PRIDE SQUARE. Piazza Santa Francesca Romana e Piazzale Lavater ospitano talk, dibattiti, arte e cultura, oltre che momenti dedicati alle famiglie e ai più piccini. In Piazza Bellintani sarà presente un presidio dedicato a salute e prevenzione, con infopoint e test HIV e sifilide, rapidi, anonimi e gratuiti in collaborazione con Milano Checkpoint. La conduzione delle Pride Square è affidata a Alessandro Lussiana, La Wanda Gastrica e La Trape. A seguire alcune delle iniziative in programma.

● QUEER TANGO. Ballare Tango Queer, così come si intende internazionalmente, significa incontrare nell’abbraccio l’altra persona senza pregiudizi, al di fuori degli stereotipi di genere. Il progetto “Queer tango Milano” si propone di far conoscere e diffondere il tango argentino come possibilità aggregativa. Piazzale Lavater, Mercoledì 26 giugno, ore 21.55.

● LISTEN! è la serata concerto con Checcoro, Good News Female Gospel Choir e Diversa Vox, i tre cori LGBTQIA+ di Milano per cantare a gran voce l’orgoglio e la libertà di essere e di amare. Piazzale Lavater, Giovedì 27 giugno, ore 19.50.

● PALESTINA QUEER: ESISTENZA È RESITENZA. Elias Wakeem, artista e performer queer palestinese, ci condurrà in un racconto sulla condizione delle persone LGBTQIA+ palestinesi in Israele e nei territori occupati; si parlerà della situazione attuale, del conflitto e delle molteplici forme di oppressione e discriminazione. Piazzale Lavater, Venerdì 28 giugno, ore 19.00.

● CULTURA BALLROOM. La scena Ballroom è una corrente LGBTQIA+ della comunità afroamericana e latina. Ora anche a Milano e in Italia. A raccontarla, suonarla e ballarla ci sarà La B. Fujiko con Ken Jii, Medusa, Havva e Icy Ninja che si alternano in un Roll Call, momento tipico delle Ball in cui ognunə performa, per poi aprire la pista a chiunque voglia ballare. Piazzale Lavater, Venerdì 28 giugno, ore 22.30.

● IL POTERE ECONOMICO DELLE DONNE. Quanto il lavoro delle donne pesa sull’economia di un Paese? Aminata Gabriella Fall alias @pecuniami, Anna Granata e Piera Mottola discutono su come la società influenzi i comportamenti delle persone socializzate come donne e come i comportamenti economici nei quali siamo immersi intervengono nei nostri contesti familiari. Piazza Santa Francesca Romana, Giovedì 27
giugno, ore 18:35.

● PRIDE 7 E LA SFIDA DEL G7, un talk sui diritti LGBTQIA+ e i diritti umani in un mondo globale. Il Pride 7 è il gruppo che raccoglie le principali associazioni LGBTQIA+ dei 7 paesi del G7, con l’obiettivo di incoraggiare i Paesi membri del G7 di garantire il rispetto dei diritti delle persone LGBTQ+ e ad assicurare che le questioni LGBTQ+ emergano come un punto chiave dell’agenda per la discussione e l’azione in tutti i futuri vertici del G7. Ne parliamo con Akira Nishiyama, vice presidente di Japan Alliance of LGBT legislation e rappresentante del P7. Piazza Santa Francesca Romana, Giovedì 27 giugno, ore 19:25.

● SHANGAI PRIDE E I DIRITTI LGBT+ IN CINA. Un evento con testimonianze di attiviste di Shanghai PRIDE e unə rifugiatə queer. Il fotografo Shawn Zhang presenta anche il progetto “Better Together” che offre uno sguardo intimo sulla vita delle persone queer cinesi. Piazza Santa Francesca Romana, Giovedì 27 giugno, ore 19:55.

● COME È CAMBIATO L’ORGOGLIO LGBT+? Con il format MyGen per l’occasione dal vivo in piazza, un dibattito incentrato sul confronto intergenerazionale fra attivisti su cosa sia cambiato del movimento LGBTQIA+ e delle esperienze delle persone della comunità. In collaborazione con VD News. Quali differenze o punti in comune emergeranno? Piazza Santa Francesca Romana, Giovedì 27 giugno, ore 20:55.

● RACCONTI DAL MATRIX. Le persone transgender vengono spesso raccontate nei media attraverso pregiudizi, luoghi comuni, visioni distorte e transfobiche. Approfondiamo come lavorare per una corretta narrazione, anche grazie a persone transgender che con il loro lavoro nel settore portano un cambiamento
positivo. A cura di ACET (Associazione per la Cultura e l’Etica Transgenere), con Arono Celeprin, Jessica Giorgia Senesi, Cristina Bugatty e Clotilde Petrosino. Piazza Santa Francesca Romana, giovedì 27 giugno, ore 21:45.

● QUEER FAMILIES. NUOVE PROSPETTIVE SULLA FAMIGLIA. La famiglia nucleare è davvero l’unico modello perseguibile? Quali nuovi orizzonti si prospettano e quali possibilità ci sono già oggi? Decostruiremo la famiglia in un’ottica decisamente queer, andando a indagare se e come ripartire da quelle macerie, quali scenari e nuovi cammini si aprono e la loro reale praticabilità dal punto di vista legale. Piazza Santa Francesca Romana, Venerdì 28 giugno, ore 17:30.

Progetto Speciale: IL PRIDE IN TUTTI I SENSI. Partendo dal concetto di inclusività a 360° il Milano Pride abbraccia a pieno tutte le comunità e trasforma l’accessibilità da un semplice servizio a dei veri e propri contenuti. Per questo in Pride Square la bandiera arcobaleno potrà essere esperita con tutti i sensi, non solo la vista – ma anche con tatto, gusto, udito. Sarà presente infatti l’installazione artistica Emozioni Tattili di Arman Avetikyan con sei totem arcobaleno composti da tessuti di diverse consistenze, che rimanderanno ai significati dei colori e delle loro emozioni. La gelateria Wally preparerà un gusto di gelato rainbow con diverse consistenze e sapori, invitando le persone a indovinare gli ingredienti con un piccolo contest. Infine verrà presentato l’innovativo The Sound of Pride: i sei colori della bandiera diventano musica. Grazie a una collaborazione con TBWA\Italia, le frequenze dei colori sono state tradotte in musica permettendo alle persone con disabilità visive di sentirsi pienamente incluse, e vivere
attraverso la musica, un momento corale. Il progetto è stato realizzato grazie anche al biofisico quantistico Daniele Gullà e allo studio di produzione Human Touch Music di Alessandro Branca e Serena Menarini. Il brano sarà poi reso disponibile sul sito del Milano Pride.

• The sound of pride nella sua parte classica sarà interpretata dall’Orchestra Sinfonica di Milano. Il brano sarà presentato live mercoledì 26 giugno alle 18 in piazza Lavater.
IL RAINBOW SOCIAL FUND “Il Rainbow Social Fund è un modo per tradurre l’energia della partecipazione del Milano Pride in azioni concrete per costruire una società più aperta e generosa, intersezionale e proiettata verso il futuro.” Commenta Alice
Redaelli, Presidente di CIG Arcigay Milano. “Grazie ai fondi raccolti in occasione del Milano Pride siamo in grado di rispondere ai bisogni di chi è ai margini, finanziare servizi rivolti alla comunità LGBTQIA+ ma anche dare gambe a attività sociali, culturali, artistiche e che pensano al futuro. La lotta per i diritti passa anche dalla
solidarietà, e questo è possibile solo grazie alla generosità di chi ci supporta.”

Tra i progetti sostenuti dal Rainbow Social Fund ci sono Casa Alba per donne senza fissa dimora, housing assistito per i richiedenti asilo politico LGBTQIA+, assistenza legale per le vittime di violenza omotransfobica, il progetto Milano Checkpoint dedicato alla salute e alla prevenzione, il MIX Festival, la piattaforma PESSIMA Art che promuove e supporta artisti transgender e non binary, l’iniziativa Milano per gli alberi che mira a ripristinare del patrimonio del verde pubblico in seguito al nubifragio di luglio 2023, e ACETeam, la squadra di calcio di persone trans.

MILANO PRIDE 2024 LA PARATA + EVENTO

Nel pomeriggio di sabato 29 giugno torna la grande parata tra le strade di Milano. Centinaia di migliaia di persone coloreranno le vie della città.
IL PERCORSO – L’inizio del concentramento sarà alle ore 15.00 in via Vittor Pisani, davanti a Piazza Duca d’Aosta di fronte alla Stazione Centrale. Il corteo parte da piazza Repubblica alle 15:30 per continuare lungo via della Liberazione, connettersi a via Melchiorre Gioia e raggiungere piazza XXV Aprile, i Bastioni di Porta Volta e viale Elvezia.
Giunto di fronte all’Arena, il tragitto continua lungo viale Byron, viale
Melzi d’Eril, e corso Sempione per concludere all’Arco della Pace.

Dal grande palco in Arco della Pace si leveranno le voci delle associazioni, le
richieste della comunità LGBTQIA+ e le rivendicazioni degli attivisti, oltre ai saluti delle istituzioni e a momenti di intrattenimento. A seguire celebreremo il Pride in piazza con la musica di artisti che supportano i valori di Milano Pride.

● I presentatori della serata sono Marta Pizzigallo, Edoardo Zaggia, Francesco Cicconetti, Kaze e Fabrizio Colica.
● Gli artisti che si altereranno sul palco sono: Orietta Berti, La Cesira, Clara, Daniele Gattano, Michele Bravi, Gianmaria, Karma B, N.A.I.P., Debora Villa, Ditonellapiaga, Ricchi e Poveri, BigMama, Beatrice Quinta, Sethu, Gaia, Chadia e Francesca Michielin.

PRIDE MIX Fest – Tutte le iniziative del FESTIVAL MIX

Il Pride del MiX Fest sarà un viaggio itinerante in città! Abbiamo preparato una line up di eventi e proiezioni a giugno e luglio, vieni a trovarci! •⁠  ⁠ Film in realtà aumentata! 4 cortometraggi queer in virtual reality, per la prima volta a Milano.

18 e 19 giugno al Palazzo del Cinema, walk in dalle 17 alle 23, info e prenotazioni qui: https://bitly.cx/UkQl •⁠  ⁠

Cinema all’aperto a Dergano: il 19 giugno DJ set dalle 18:30 e poi ore 21:30 Deserto Particular al Nuovo Armenia, introdotto dalla nostra senior programmer Margherita Ghetti, info e prenotazioni qui: https://bitly.cx/m6VzK •⁠  

⁠ 26 giugno, proiezione di Kokomo City in Santeria Toscana con talk e DJ set di David Blank a seguire, evento in collaborazione con MUBI e My Queer Blackness My Black Queerness: biglietti a breve disponibili su DICE!•⁠  

⁠ Ci troverete anche in Pride Square (piazzale Lavater) il 27 e il 28 giugno dalle 17 alle 24, quartier generale del Milano Pride: presenteremo il MiX38, sarà possibile fare la tessera 2024 e acquistare il nuovo merch a tema #noshame.

Ci sarà musica, talk, drinks, ricchi premi e cotillon! •⁠  ⁠ A luglio, cinema all’aperto amore mio: ogni giovedì in collaborazione con Anteo presenteremo un film a tema queer della rassegna estiva AriAnteo a City Life. Info e prenotazioni sul sito del Palazzo del Cinema: https://bitly.cx/ppp5 

Buon Milano Pride 2024 a tuttə!

L'articolo Milano Pride 2024, quello che devi sapere proviene da Toh! Magazine.

A metà strada tra un ragazzo di provincia e una pin-up anni ’50, Giovanni con la sua Lina riesce a farsi sentire attraverso look senza tempo, idee ben precise e parole estremamente intelligenti che ci portano a riflettere su chi siamo e cosa vogliamo davvero.

Per la cover del Pride Month di Toh! Magazine Abbiamo chiesto all’artista di raccontarsi e reinterpretare l’iconica copertina dell’album, altrettanto iconico, del 1987 “Rane Supreme” di Sua Maestà Mina.

Il risultato è potente come lo è il nostro diritto alla libertà che rivendichiamo ogni giorno semplicemente essendo noi stessi, che poi è come dovrebbe essere!

Chi è Giovanni Montuori e chi è Lina Galore?

Giovanni Montuori è un giovanotto del Sud Italia che ha lasciato la terra natia per esplorare le passioni, le possibilità e le scoperte che una grande città come Milano avrebbe potuto regalargli. Lina Galore è, per l’appunto, una di quelle passioni, una di quelle possibilità e una di quelle scoperte.

Potrebbe esistere l’uno senza l’altra?

Credo sia abbastanza impossibile ormai. Lui è lei e lei è lui. Li distingue forse qualche look eccentrico e giusto un filo di trucco, ma hanno gli stessi ideali, condividono gli stessi punti di vista e nutrono la medesima passione per il potere politico, rappresentativo e sociale di ogni forma d’arte.
Lina ha aiutato Giovanni ad acquietare il suo rapporto col proprio lato femminile rafforzando, paradossalmente, la consapevolezza della propria mascolinità, per giungere alla conclusione che fra loro questi concetti non si escludono, non si combattono e, in fin dei conti, non hanno nemmeno chissà quale rilevanza. Sono estremamente grato a Lina per avermi portato in questo spazio di luce
e coscienza, quindi al momento mi sento di escludere un’ esistenza che non contempli la sua presenza.

Quando hai capito che il drag potesse essere la tua strada?

Devo dire che il drag mi ha dato molte soddisfazioni, ma il momento in cui ho realizzato che per una volta non stavo perdendo del tempo inutilmente è avvenuto in piena pandemia. Durante il primo lockdown, chiuso in casa, giravo e condividevo dei contenuti social divertenti per esercitarmi con gli studi di stand-up comedy e teatro che stavo svolgendo privatamente. Un giorno nei dm trovo il messaggio di questa donna che mi chiede, semplicemente, di incoraggiare con un video suo figlio a non lasciarsi abbattere dall’insistenza dei bulli, a stare su e ad essere orgoglioso di sé stesso.
Ricevere il messaggio di una madre che ha letto in me la possibilità di poter salvare la cosa più cara al mondo per lei mi ha reso orgoglioso di quello che stavo facendo. Mi ha fatto sentire utile. La cosa divertente è che questo figlio, con enorme supporto della madre, è poi diventato a sua volta una drag queen (molto brava, fra l’altro).

Cosa non ti piace della comunità lgbtqia+?

Non c’è nulla che non mi piaccia della comunità LGBTQIA+. Come tutte le comunità, alcuni dei suoi componenti occasionalmente inciampano in delle dinamiche controproducenti, a volte contraddittorie e scomode. Se devo scegliere una di queste dinamiche opterei per l’attivismo performativo: l’indignazione a tutti i costi, la corsa allo scandalo e al dito puntato non mi mettono mai propriamente a mio agio. Sono una persona molto diplomatica, anche se decisa quando si tratti di contraddittorio, quindi cerco sempre di informarmi prima di espormi, perché l’esposizione ha una
conseguenza rappresentativa e di imitazione. Mi piacerebbe che questo fosse l’atteggiamento più diffuso in tutte le tipologie di comunità.

Cosa ami della comunità lgbtqia+?

La coscienza più pura del concetto di libertà. Sembra una risposta da romanzo rosa, lo so, ma invece ha una connotazione, per me, piuttosto tetra. Sappiamo cosa sia la libertà perché, dalla società in cui viviamo, siamo obbligati a desiderarla, poiché ne veniamo costantemente privati. Rincorriamo l’uguaglianza e la giustizia con la consapevolezza tipica soltanto dell’oppresso, e questo ci consente di usare una lucidità diversa rispetto alle comunità predominanti, tendenzialmente eteronormative e
maciste che hanno dunque una visuale a senso unico. Le nostre lotte sono oneste, inclusive, non opportunistiche, lucide e ragionate. Umane.

Ti ricordi la prima volta che hai “conosciuto” Lina Galore?

Lina è il frammento di un discorso amoroso, nata ad una festa di Halloween in casa di amici durante la quale io e il mio storico ex fidanzato (nonché mamma drag) abbiamo indossato i panni di Sabrina Salerno (io) e Jo Squillo (lei). Ricordo che, nonostante un trucco disastroso sia in termini di tecnica che di risultato, mi sentivo bellissima e ricordo anche che il mio compagno mi disse “sai che hai una luce diversa quando fai questa cosa? Provaci, divertiti”. Quello è stato, forse più che il primo incontro con Lina, l’inizio della gestazione.

In base a cosa scegli un look per un tuo show?C

Non esiste una sola risposta. Capita che l’ispirazione mi venga ascoltando una canzone o guardando un film. Altre volte scarabocchio idee di look sui miei quaderni (lo faccio davvero tanto spesso) e costruisco lo show intorno a quel disegno. Diciamo che il mio processo creativo non è mai esattamente lineare. Se dovessi usare una metafora per descriverlo direi che è come un temporale: confusione, lampi, rumore, finché piano piano tutto scorre via, l’asfalto è pulito, torna l’ordine e l’aria diventa profumatissima. Anche se a volte dovrei ricordarmi l’ombrello…

Chi è, se c’è, la persona che ti ha ferito di più?

Ti sembrerà una risposta da rotocalco ma sono io la persona che mi ha ferito di più, non perché mi penta o provi vergogna per qualcosa che possa aver detto o fatto nella mia vita (ho un rapporto molto pacifico col concetto di “errore”, merito anche della mia psicanalista) ma perché mi è capitato di accogliere in me tristezza e malinconia legate a dinamiche rispetto alle quali avrei dovuto essere al di sopra. Esempio banale: mi è capitato di non sentirmi all’altezza di un ragazzo, di sentirmi rifiutato o messo da parte perché magari troppo eccentrico, o forse perché non rispondente a qualche aspettativa estetica o comportamentale. Avrei dovuto concentrarmi sull’autosufficienza emotiva e ricordarmi sempre, solo per fare uno dei tanti esempi, che il fatto che la mia “femminilità” sia un problema per un uomo, è un problema per me. Da evitare.

Chi, o chi sono, le persone che più di tutti ti hanno sostenuto?

I miei amici, senza ombra di dubbio. Sono circondato da persone di cui riesco a percepire in modo cristallino l’affetto e il supporto, in qualsiasi contesto. E sono anche così fortunato da averne tanti.

Che relazione hai con i tuoi fan?

Mi viene sempre il riso d’imbarazzo quando li chiamo “fan” onestamente. È un termine che mette distanza, in qualche modo, fra me e persone come me, di base. Cerco sempre di ridurla questa distanza, di rispondere a tutti, di rendermi utile per quel che posso. E poi c’è da dire che sono una persona a cui piace, più di ogni altra cosa, ridere. Ogni scambio per me è un’opportunità per cavare fuori una risata quindi non mi sottraggo quasi mai. Dico “quasi” perché poi capitano anche le persone invadenti o moleste, ma niente di grave: a conti fatti ogni tanto di persone così ce ne sono
anche fra gli amici di cui parlavo poco sopra.

Durante Drag Race Italia eri la drag con le citazioni più alte e colte, sei cosi anche nella vita di tutti i giorni, qual è il tuo background?

Innanzitutto grazie. Bah, io nella vita sono uno che si appassiona molto a quasi tutto. Mi piacciono le canzoni sconosciute, i film d’epoca, la cultura web dei meme, i videogiochi, i cartoni animati (vintage e non), il revival, la moda… Diciamo che mi piace fare ricerca e trarre ispirazione anche e soprattutto da cose che l’arte l’hanno già fatta, a modo loro. Per celebrarle, riproporle e regalarle nuovamente al mondo, che magari non ha il tempo libero che ho io che sono un’umilissima Partita Iva.

Quando hai vinto Drag Race Italia hai parlato di una certa responsabilità civile nell’arte drag, puoi spiegare meglio questo concetto?

L’arte drag innanzitutto si differenzia da tutte le altre forme d’arte per il fatto che gioca col costrutto del genere e nel giocarci, come farebbe un bambino, lo deforma, lo distrugge e lo riassembla. Il primo obiettivo sociale, dunque, di quest’arte è proprio l’abbattimento di qualsiasi stereotipo o preconcetto legato al binarismo di genere. Ma la verità è che ci sono molti altri livelli di utilità socio-politica nel drag. Quando una persona osserva un artista su un palco e in qualche modo si rivede in quello che sta facendo e sente legittimata la sua esistenza e la validità della sua presenza
nello spazio sociale, allora il drag sta esercitando il suo potere più grande, quello della
rappresentazione. Far sentire le persone viste e valide, a prescindere da qualsiasi cosa, è il potere più grande di un artista drag.

Sui social hai recentemente dichiarato di essere in PReP, che riscontri hai avuto? Non pensi che in Italia se ne dovrebbe parlar meglio e di più?

In termini di riscontro non c’è stato particolare scalpore. Ho la fortuna di interfacciarmi ad una community responsabile, che mi conosce ed è usa a discorsi di responsabilità e coscienza sociale ma mi rendo conto che questa sia solo l’ennesima delle mie fortune. Assolutamente sì, ritengo che bisognerebbe parlare molto di più della PReP anche sui canali più mainstream e generalisti, evitando dunque di relegare l’argomento a una conversazione con brochure e volantini. I social sono stati un ottimo strumento divulgativo negli ultimi anni per quest’argomento, spero se ne parli sempre di più.

Il tuo makeup è ormai una iconico, dove hai colto l’ispirazione?

Le mie due più grandi fonti di ispirazione sono Klaus Nomi e Divine, a cui col tempo si sono aggiunti personaggi reali e immaginari da molteplici universi: le pin-up degli anni 40, le femme fatale à la Bizarre, le cattive dei cartoni animati o dei videogame, ecc.

Durante lo shooting per la pride cover di Toh! Magazine Lina e Giovanni erano molto emozionati, cosa rappresenta Mina per voi?

Mina è una di quelle icone della cultura italiana che mi ha sempre molto affascinato. Messa da parte l’incredibile dote vocale, le sue canzoni sono sempre una finestra sull’animo umano estremamente illuminata, che offre una visuale chirurgica di sentimenti, interazioni ed esistenze. Certo, è più probabile vedere Lina Galore esibirsi su “Cubetti di ghiaccio” che su “Il corvo”, ma questa è un’altra storia. L’ispirazione scelta per questi scatti, però, ha un significato molto particolare. Nei ritratti di Mauro Balletti, Mina gioca col concetto di femminilità e mascolinità in un modo poetico e
grottesco (nell’accezione più positiva possibile del termine) regalando una fotografia suggestiva e surreale, che rompe gli schemi. Mi emozionava reinterpretare proprio questo intento a mio avviso molto nobile.

Qual è il tuo punto di vista sull’attuale governo e sul fatto che ancora una volta in Lombardia sia stato negato il patrocinio per il Pride?

Le recenti elezioni europee hanno dimostrato ancora una volta quanto la coscienza sociale della nostra nazione sia atrofizzata. Raggiungono la ribalta personaggi che fanno della discriminazione un modus operandi istintivo e naturale, questo è ovviamente gravissimo. Mi rincuorano, però, i dati relativi al modo in cui la popolazione più giovane, proprio in queste elezioni, abbia dimostrato di voler sfuggire a meccanismi non equi e poveri di attenzione civica e civile. Il mancato patrocinio da parte del Comune di Milano alla manifestazione del Pride è contemporaneamente sia sintomo
dell’atmosfera sempre meno inclusiva del panorama politico italiano che dell’assoluta necessità di un evento di questo genere, sperando sia sempre più partecipato.

Sei mai stato vittima di discriminazione e/o bullismo?

Conosco storie di persone che hanno subito grandi ingiustizie, nella loro vita, non solo per l’orientamento sessuale o per l’identità di genere, ma anche semplicemente per il loro aspetto. Non paragonerei mai il disagio che nella vita io possa aver provato per questo o quell’altro contesto alle storie di queste persone. Quindi mi sento di rispondere di no.

Che rapporto hai con la tua famiglia?

Il nostro è un rapporto molto sereno e progressivamente sempre più onesto e cristallino. Vengo da una famiglia molto umile del Sud Italia con cui mi sono scontrato più volte per via di punti di vista differenti scaturiti dal contesto sociale in cui le nostre esistenze si sono dispiegate, ma fortunatamente molto aperta al dialogo. E se c’è dialogo c’è crescita. Sono molto fiero della mia famiglia e provo nei suoi confronti una enorme riconoscenza.

Che musica ascolta Lina Galore?

Di tutto. Dal rock alla techno, dall’italodisco al country, dal pop alle meteore più sconosciute italiane o straniere.

C’è un posto dove ti piacerebbe esibirti?

L’ho già detto, ma lo ripeterò finché non si avvererà: mi piacerebbe esibirmi a Sanremo accanto a Elio e Le Storie Tese, con loro in gara, per la serata cover a proporre una bella reinterpretazione del Gioca Jouer di Cecchetto.

Una cosa che non hai mai detto a nessuno ma che in realtà vorresti urlare?

Il capitalismo ci ha rovinati, però che belli i soldi!

Lina Galore Lina Galore Lina Galore

TEAM CREDITS

Production: Marco Cresci

Photographer Alessandro Esposito
Stylist Alex Vaccani
Hair Stylist Kiril Vasilev @ Greenappleitaly
Stylist assistant Alessandro Marzo
Photographer Assistant Ludovico Piccinini
Hair Stylist Assistant Alessandro Firenze

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Si apre ufficialmente la stagione dei festival estivi: è tempo di MI AMI Festival, che con il 2024 raggiunge la maggiore età e festeggia con una speciale e indimenticabile serata di apertura che si aggiunge al consueto programma di 3 giorni. MI AMI Festival celebra infatti quest’anno diciotto edizioni di Musica Importante a Milano, e l’attesa è sempre più alta.

L’appuntamento con il MI AMI festival è il 24, 25, 26 maggio nella suggestiva location dell’Idroscalo di Milano presso il Circolo Magnolia.  L’opening act di giovedì 23 maggio sarà invece al Carroponte di Sesto San Giovanni e vedrà per la prima volta sul palco del MI AMI  la band che ne ha ispirato il nome, i CCCP – Fedeli alla Linea. Giovanni Lindo Ferretti, Massimo Zamboni, Annarella Giudici e Danilo Fatur daranno il via alla 18ma edizione con un concerto la cui scaletta si preannuncia leggendaria. 

18 edizioni, 4 serate, oltre 100 acts su 5 palchi (Palco Dr. Martens, Palco Champion, Palco Jack Daniel’s, Palco idealista e Spider Arena): sono questi i numeri di un’edizione che vedrà alternarsi i nomi più interessanti della musica italiana oggi, dagli artisti più affermati fino alle vere e proprie scoperte, con anche alcune imperdibili incursioni internazionali.

Nel solco delle ultime edizioni, la line up della domenica del MI AMI sarà arricchita dalla presenza di alcune band internazionali.

Attesissimo il live dei Phoenix, formazione francese di assoluta rilevanza globale che negli ultimi anni ha confermato il proprio legame sempre più stretto con la musica italiana, dall’album “Ti Amo” alle collaborazioni con artisti come Giorgio Poi e Calcutta. Speciali saranno i live delle Cumgirl8, formazione femminile di culto della scena post-punk newyorkese, il sound mediterraneo di Erlend Øye e la Comitiva e quello più  sperimentale del trio inglese Bar Italia.

 
Tra gli headliner ColapesceDimartino, nella prima data estiva del tour Lux Eterna Beach Estate; la prima volta al MI AMI di Tropico, acclamata penna dietro a tanti successi italiani degli ultimi anni;  le sonorità oniriche di Venerus; il cantautorato di Marco Castello;  l’angelo glam della musica italiana Lucio Corsi; l’atmosfera magica tra elettronica e tradizioni arcaiche di Daniela Pes, premiata con la Targa Tengo per la Miglior Opera Prima; le emozioni rock dei Ministri;  il cantautore rapper Willie Peyote; la magia Italo-brasiliana dei Selton; Ditonellapiaga che presenterà live il suo nuovo disco Flash; le sonorità urban di Ele A, Diss Gacha, Centomilacarie, Alda, Tony Boy;  il debutto con live band di Bello Figo; l’elettronica ricercata di okgiorgio;  il musical tutto matto di Auroro Borealo; i Tre Allegri Ragazzi Morti, che suonarono anche al primo MI AMI nel 2005, che nell’anno del loro trentennale si esibiranno per tutte le serate del festival con un live ogni sera diverso dedicato a un decennio della loro carriera; l’imperdibile ritorno dei Sxrrxwland; il primo grande concerto di Coca Puma; un intero palco da ballare curato

con i Thru Collected e Ceri Wax; l’unica data estiva dei freschissimi Tamango; il cantautorato emotivo di Chiello; la prima data del nuovo tour degli Ex Otago. 

E poi ancora il talento pop Laila Al Habash, le suggestioni rap al femminile di Vale LP, il sound nostalgico di Angelica, il rap di Pufuleti, il talento pieno di contaminazioni di Irbis, l’indie dei Giallorenzo, il gusto pop di Giovanni Ti Amo, l’intensità di Lamante, il ritorno di Memento, la psichedelia dei Santamarea, i Tropea sospesi tra i suoni eterei dei loro pezzi e la carnalità dei loro live, le atmosfere elettroniche di Whitemary, l’armoniosa stravaganza di Tony Scorpioni, i sentimenti in punta di chitarra di Anna Castiglia, il collettivo milanese Il Mago Del Gelato, la raffinatezza di Marta Del Grandi, e molti altri per tre giorni (più uno) di musica tutti da vivere e da scoprire. 

Da segnalare un palco interamente dedicato alla musica elettronica e clubbing, la Spider Arena, con una speciale line up co-curata con diversi artisti: il venerdì 24 dal collettivo napoletano Thru Collected, il sabato 25 dal producer Ceri Wax, che dopo aver contribuito a forgiare il suono di Frah Quintale e Mahmood è ora concentrato sul mondo della notte, e infine una calda selezione domenica 26 tutta concentrata sulla disco, sul funk, sul mediterraneo.

COME ARRIVARE AL MI AMI FESTIVAL

Oltre all’auto, è possibile raggiungere il MI AMI Festival con i mezzi pubblici. Quest’anno è disponibile un servizio di navetta gratuita, che farà avanti&indietro tra via Azzurri d’Italia e il Circolo Magnolia.

La navetta parte dal Circolo Magnolia e porta in via Azzurri d’Italia (via Monti Ortigara), a pochi metri dalla fermata del Passante di Porta Vittoria e dalla fermata della linea 90/91, indicativamente ogni venti minuti (quando la navetta è piena).

Il servizio sarà disponibile dalle 00:30 alle 5 (nelle notti di venerdi 24 e sabato 25) e dalle 00:30 alle 2:30 (nella notte di domenica 26).

NB: quest’anno, in virtù della presenza capillare della sostitutiva M4 (vedi sopra) non è previsto servizio di andata.

NB: non è previsto servizio navetta privata per il Carroponte nel giorno del concerto dei CCCP – Fedeli alla linea, 23 maggio 2024.

Ulteriori informazioni disponibili qui: https://www.miamifestival.it/2024/come-arrivare.php). 

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