La pittura di Nathaniel Ivy non racconta storie: le espone. Corpi maschili, desiderio queer, momenti che normalmente restano a porte chiuse vengono portati sulla tela con una chiarezza disarmante, dove l’erotismo non è mai decorativo ma profondamente incarnato.

Lavorando con la figurazione, Ivy usa la mascolinità come linguaggio visivo e politico — piegandola, rendendola permeabile, lasciandola scoperta. Nei suoi dipinti, l’intimità è sempre attraversata da una tensione sottile tra controllo e vulnerabilità: lo sguardo diretto delle figure, il corpo come superficie esposta e dettagli ricorrenti — come i calzini bianchi Nike, segno ironico e feticcio quotidiano — trasformano lo spettatore da osservatore a presenza coinvolta.

Tra riferimenti alla pornografia, alla cultura digitale e all’immaginario maschile contemporaneo, il suo lavoro si muove sul confine instabile tra performance e verità, interrogando il modo in cui il desiderio viene costruito, mostrato e vissuto oggi.
Appena uscito dall’università, Nathaniel Ivy dipinge il piacere come uno spazio lento, intimo e inevitabilmente politico — un luogo in cui il corpo non chiede permesso e l’immagine diventa atto.

Quando qualcuno guarda il tuo lavoro, che cosa speri che non capisca immediatamente di te?

È una domanda difficile per me: quasi spero che non sappiano nulla di me finché non decidono di cercarlo. Il mio pubblico è in gran parte queer, quindi spero che, guardando il mio lavoro, possano vedere un’estensione di se stessi o sentirsi visti attraverso le proprie esperienze. Ma forse non voglio che sappiano che, in fondo, sono un “theatre kid” e che probabilmente stavo ascoltando un nuovo cast album mentre dipingevo scene così esplicite.

Ti definisci un artista queer o un artista che usa la queerness come materiale visivo e politico?

Mi definisco decisamente un artista queer, ed è qualcosa in cui sono cresciuto molto mentre studiavo arte alla Miami University. Sono entrato all’università sapendo di voler lavorare direttamente con la figura umana e, da uomo queer, ho sempre trovato la forma maschile bellissima.

Col tempo sono arrivato a usare direttamente nel mio lavoro il mio punto di vista queer sull’intimità e sull’autoerotismo. Nell’ultimo anno ho sentito il mio lavoro diventare più politico, per quello che è, a causa dell’attuale amministrazione negli Stati Uniti.

Questo mi ha sicuramente spinto a dipingere di più e a condividere di più: non desidero essere messo a tacere.

Il tuo corpo — o i corpi che lo rappresentano — è spesso al centro della scena. È uno spazio di controllo, esposizione o vulnerabilità?

I corpi nel mio lavoro sono sicuramente in uno spazio di esposizione o vulnerabilità. I momenti che rappresento di solito avvengono a porte chiuse e trovo che passare tempo a dipingerli sia molto vulnerabile e renda visibili queste azioni intime.

Mi piace anche far sentire lo spettatore incluso nell’attività, attraverso elementi come il contatto visivo o una composizione in primo piano che sembra quasi “saltare addosso” a chi guarda.

Questa interazione sposta quasi il controllo nel dipinto e trasferisce la vulnerabilità sullo spettatore e sui suoi desideri.

I calzini in spugna Nike ricorrono come un segno quasi ossessivo. Sono un feticcio, un’icona di classe o un modo per rendere il desiderio immediatamente leggibile?

I calzini Nike nel mio lavoro compaiono già nel 2022 con un progetto di fotorealismo intitolato Masquerade. Questo dipinto esplora la mia visione della mascolinità attraverso una maschera flamboyant al centro della composizione, circondata da oggetti che consideravo maschili: una banana infilata in una scarpa, una bottiglia di birra vuota e dei calzini Nike.

Il tema della mascolinità è riemerso nel 2023 in un dipinto chiamato No Cold Feet, dove il titolo stesso fa riferimento ai calzini indossati dalle figure.

Inizialmente erano calzini generici, ma il mio professore mise in discussione il genere della figura che stava assumendo il ruolo passivo; in qualche modo, l’aggiunta dello swoosh Nike sui calzini rese assolutamente chiaro che si trattava di un momento intimo tra due uomini.

L’aggiunta dei calzini è anche legata all’umorismo da spogliatoio del tipo “non è gay se tieni i calzini”, e volevo appropriarmi di quella battuta. Col tempo ho imparato ad amare il processo di resa pittorica dei calzini insieme ai corpi nudi: adoro il contrasto tra il tessuto morbido e la carne.

Quanto è importante il piacere personale nel tuo processo creativo? Crei per eccitarti, per provocare o per prendere distanza da ciò che desideri?

I miei dipinti, pur essendo intrinsecamente sessuali, mi appagano in modo molto più profondo. Creo l’arte che ho sempre desiderato vedere, quindi mi sento realizzato quando un’opera arriva a compimento. Nulla mi dà più soddisfazione di un dipinto finito. Amo studiare i miei lavori dopo: guardarli da diverse angolazioni, persino tenerli davanti a uno specchio per vederne una versione completamente ribaltata. Il desiderio sessuale viene meno e tutto ciò che vedo è un’opera che sono felice di aver creato.

Nel tuo lavoro c’è sempre una tensione tra intimità e posa. Dove finisce la performance e dove inizia la verità?

Penso che la posa sia molto importante nel mio lavoro. A volte una figura o una foto mi colpiscono in modo tale da attrarmi esteticamente e soddisfare il mio desiderio di iniziare un nuovo dipinto.

Prendo riferimenti dalla pornografia e dai social media, che di per sé sono già una forma di performance. È qualcosa che mi interrogo spesso vivendo in un’epoca dominata dai social e crescendo con una costante interazione con essi: dov’è il confine tra performance e verità?

Esploro questo tema nel dipinto Reminisce, dove un autoritratto si intreccia con un’immagine intima: la verità si trova nel mio passato e nelle mie esperienze sessuali, ma l’immaginario è appropriato dalla pornografia.

Instagram è semplicemente un archivio o una parte integrante del lavoro? Ti senti più libero o più esposto lì?

Onestamente, Instagram per me è una sorta di trampolino di lancio. Sono appena uscito dall’università e sto cercando di far circolare il mio nome, quindi i social media mi sembrano un passo naturale. C’è sempre il timore che lavori come i miei vengano rimossi o censurati, ma questo rende ancora più importante, per me, condividerli.

Molti dei tuoi riferimenti sembrano provenire dalla cultura maschile contemporanea — sport, streetwear, codici di virilità. Ti interessa smontarli o appropriartene?

I miei riferimenti sono decisamente un’appropriazione di immagini provenienti dalla cultura queer online. Alcune immagini mi “grattano” dentro qualcosa e sento il bisogno di dipingerle. Uso anche immagini tratte dalla pornografia: faccio screenshot e le ritaglio in modi che le rendano più vaghe o più esplicite, oppure sovrappongo selfie statici da Instagram a immagini pornografiche. Trovo questa interazione molto interessante: mi piace il tira e molla tra il sesso e un semplice selfie.

In passato ho persino utilizzato pubblicità prese da siti porno e messaggi di app di incontri direttamente nei miei lavori. Mi sembrano aggiunte divertenti nel processo di stratificazione, perché mettono in contrasto le figure con il testo ma allo stesso tempo sono profondamente legate alla cultura queer online, un territorio che vorrei esplorare ancora di più in futuro.

Il feticismo nel tuo lavoro è mai nostalgico? O è sempre qualcosa di presente, urgente, quasi compulsivo?

Penso che il mio lavoro sia il risultato di una sessualità repressa. Di recente ho giocato con la nostalgia in un’opera chiamata Action Figure, in cui compare un G.I. Joe con caratteristiche umanizzate come peli corporei, capezzoli, piercing, calzini e un pene.

Questo dipinto esplora il gioco nell’infanzia queer e il fatto che non mi fosse permesso avere bambole Barbie, quindi mi venivano dati oggetti considerati maschili. Per curiosità, però, feci baciare due G.I. Joe e qualcosa scattò dentro di me.

Sono cresciuto in un contesto religioso e ho provato a lungo a “pregare via” l’omosessualità — ovviamente senza successo. Alla fine ho imparato ad amare ogni parte di me e non provo rancore verso la religione, ma oggi mi sento così aperto in ogni aspetto della sessualità da non voler annacquare ciò che sento di dover creare.

Ti avvicini al tuo lavoro più come a un processo di costruzione o come a qualcosa che si rivela nel tempo?

Dipende molto dal fatto che stia lavorando con un’unica reference o con più immagini. Se ho l’intenzione di stratificare più figure, è un processo che si rivela nel tempo, con felici incidenti, e cerco di non essere troppo prezioso o rigido. Se invece lavoro su una singola reference, il processo è piuttosto lineare: griglia, disegno/sottopittura e poi resa finale. Mi piacciono molto entrambi i processi.

C’è qualcosa che non mostreresti mai nel tuo lavoro, anche se fa parte di te?

Non credo che riuscirei mai a dipingere immagini del mio corpo completamente nudo o me stesso in atti sessuali: sarebbe troppo personale. Preferisco esplorare quelle idee e le mie esperienze attraverso metafore e immagini che già esistono su internet.

Che cosa ti permettono di esplorare queste immagini che non potresti raggiungere in nessun altro modo?

Sedermi davanti a immagini così intime e creare qualcosa di lento e altrettanto intimo per me è quasi magico. Amo stare dentro questi momenti e portare attenzione a forme maschili nel piacere che probabilmente verrebbero ignorate.

Mi affascinano anche le domande che il mio lavoro solleva in me stesso: perché mi sento attratto dal rappresentare queste azioni sessuali e in che modo la cultura online — social media, pornografia, hook-up culture — influisce sulle comunità queer. Sono molto curioso di vedere dove mi porteranno queste domande e come si svilupperà il mio lavoro nel corso della mia carriera artistica.

L'articolo Nathaniel Ivy e la politica dell’intimità proviene da Toh! Magazine.

Nel suo lavoro, Łukasz Leja non rappresenta la mascolinità queer: la abita. Costruisce ambienti come un architetto della memoria emotiva, e poi li anima con corpi che esistono—come fantasmi amati, come amici, come frammenti di sé. La pittura, per Łukasz Leja, non è uno strumento di controllo ma una liturgia del vedere. Ogni gesto, ogni ombra, ogni titolo è un invito a riconsiderare cosa sia davvero l’intimità, cosa resti dell’erotismo quando viene svestito di cliché, cosa significhi oggi, per un artista queer, essere visibile nel mondo.

Se la censura tenta ancora di bandire il desiderio dalle immagini, Łukasz Leja risponde con una pittura che mostra, che non stratifica ma semplifica. Non viene mascherata dall’ironia, ma come un atto politico: nei suoi quadri la sessualità si mostra nuda, diretta e senza censura. In un tempo che fatica ad accogliere la complessità dell’identità queer, il lavoro di Łukasz Leja ci ricorda che il corpo, oltre ad essere un luogo del piacere è uno spazio di conoscenza, di cura, di opposizione, ma non di giudizio.

Questa intervista è una mappa affettiva dello sguardo di Łukasz Leja. Un invito a fermarsi, guardare, sentire.

Il corpo è il tuo soggetto, ma anche il tuo linguaggio visivo. Quando hai iniziato a usare la pittura come strumento per raccontare la mascolinità queer?
Penso per immagini e sono sempre stato attratto dal corpo—i suoi gesti, i suoi movimenti, le sensazioni che suscitano in me. L’arte figurativa è sempre stata per me il linguaggio visivo più onesto, uno che comprendo e sento istintivamente.
Durante il lockdown ho finalmente avuto la quiete e lo spazio per riflettere e riprendere idee che si erano formate silenziosamente per anni. Ho iniziato a disegnare ossessivamente, sperimentare con la pittura a olio, e mi sono iscritto a corsi di pittura classica al Naruki Art Dojo a Brooklyn. È lì che le mie visioni interiori hanno cominciato a prendere forma sulla tela—e da allora non mi sono più fermato.

Hai studiato e lavorato come architetto in diversi continenti. Cosa hai portato dell’architettura nella tua pittura? Costruisci i corpi come fossero spazi?
Studiare e lavorare in architettura è stato un percorso naturale per me—ha rafforzato il mio amore per la rappresentazione visiva, la struttura, la geometria, la prospettiva e la disciplina. Ho imparato a vedere lo spazio in modo analitico: a disegnare a mano e comprendere l’interazione tra forma, luce e contesto.
Questo modo di vedere è entrato nella mia pittura. Spesso inizio con principi architettonici e geometrici, usando griglie come struttura per la composizione e la prospettiva.

Dipingo spesso interni—spazi che ho abitato o immaginato—costruendo prima l’ambiente.
Poi inserisco i corpi in questi spazi—persone reali che conosco, amici, amanti. Compongo con cura le loro pose e modello la luce attorno a loro. La geometria dà ordine all’opera; i corpi le danno vita.

Le tue opere sembrano sospese tra geometria e tenerezza, tra disciplina e desiderio. Ti riconosci in questa dualità?
Sì, e la amo. La tensione tra disciplina e libertà, tra controllo e desiderio, ha sempre modellato il mio modo di vivere e lavorare.

Sono una persona disciplinata e trovo bellezza nella ricerca della precisione—pur sapendo che la perfezione è un’illusione. Fin da piccolo, la struttura mi dava un senso di sicurezza. E paradossalmente, è proprio quella struttura che ha reso possibile la bellezza, l’intimità, il desiderio.

Mi ha aperto porte, creato opportunità e alla fine mi ha portato dalle persone giuste. Mi ha permesso di essere vulnerabile, aperto, tenero e libero—sia nella vita che sulla tela.

Usi titoli come “gl0ry h0le” o “gym bros: dickptych”—ironici e provocatori. Quanto è importante il linguaggio per definire il contesto delle tue immagini?
Mi piace usare ogni strumento che ho per comunicare un’idea—dalla scelta del medium e del formato della tela, alla composizione, i colori, i dettagli e i titoli. Ogni elemento contribuisce a costruire una visione completa.
Il linguaggio è una parte importante. L’inglese non è la mia prima lingua, ma amo i giochi di parole e l’umorismo—è così che ho sempre affrontato la vita.

Voglio che il mio lavoro faccia ridere, sorridere, arrossire, provare qualcosa. Voglio suscitare desiderio, curiosità o riconoscimento. Quella miscela di umorismo, sesso ed emozione—è ciò che sono.

In effetti, più un dipinto è serio, più divertente sarà il titolo che gli darò. Fa parte della tensione con cui amo giocare.

C’è un elemento teatrale o performativo nel modo in cui ritratti la nudità maschile. I tuoi soggetti stanno posando, recitando o semplicemente esistendo davanti a noi?
Non stanno esattamente posando o recitando—stanno esistendo, ma attraverso una lente accuratamente costruita. Come a teatro, dove gli attori sono consapevoli dello spettatore, ma stavolta possono rompere la quarta parete e guardarti negli occhi.

Ogni figura è radicata in qualcosa di reale. I gesti e gli sguardi sono intenzionali, provati attraverso i disegni, poi sospesi nel tempo con l’olio. Non si tratta di catturare un momento fugace, ma di costruirne uno deliberatamente—con cura, peso e significato.

In quanto artista queer, senti il peso o il piacere della rappresentazione? Hai mai paura di essere frainteso—o censurato?
Non sento mai la pittura come un peso. È un privilegio—una gioia—poter creare, esprimermi e persino vivere di ciò che amo. Non ne parlerei mai in termini negativi.
Non credo nemmeno che l’arte debba essere compresa subito. L’ambiguità dà agli altri lo spazio per trovare il proprio significato, ed è lì che, per me, risiede la vera forza. Le persone si connetteranno oppure no e mi va bene così.

Non mi soffermo sulla censura, ma ne sono molto consapevole. Il mio lavoro viene spesso rifiutato da mostre, sostituito con opere meno esplicite, segnalato o rimosso online. I miei account hanno subito cancellazioni di post e restrizioni.

Ma niente di tutto ciò rende il lavoro meno significativo per me. È semplicemente lo specchio dei tempi in cui viviamo. Mi piace pensare che ciò che oggi non può essere mostrato o celebrato, lo sarà tra 50 o 100 anni. E questa convinzione mi aiuta ad andare avanti.

Parlando di censura: le tue opere, anche senza nudità esplicita, sono state bandite dai social. Come vivi questa “invisibilità imposta”?
Mi frustra—la censura mi sembra davvero anacronistica, spesso applicata da persone con troppo potere e poca prospettiva. A volte è semplicemente assurdo—come essere segnalati per un po’ di peluria pubica.
Ma poi mi ricordo che le generazioni prima di noi hanno dovuto lottare solo per mostrare le spalle, le caviglie, le gambe o lo stomaco. Questa prospettiva mi dà forza. Spero di avere una lunga vita davanti a me e se sarò fortunato, potrò celebrare pienamente il mio lavoro mentre sono ancora qui. Per ora, è una lotta, ma una lotta di cui sono onorato di far parte.

L’erotismo che rappresenti non è mai compiaciuto—è stratificato, complesso. Per te è una forma di liberazione, ironia o memoria?
Per me, l’erotismo è senza dubbio una forma di liberazione—ma anche un modo per preservare la memoria. Si tratta di custodire momenti, persone e sensazioni che sono impossibili da catturare pienamente. Con il mio lavoro cerco di onorare quelle esperienze e renderle visibili. Indicano la celebrazione, ed è lì che voglio stare.
L’ironia, invece, non fa parte del mio linguaggio. Ne sono sempre stato diffidente. Sono cresciuto in un contesto molto ironico, e spesso l’ho percepita come una maschera—qualcosa che le persone usano per nascondere la vulnerabilità o evitare la sincerità. Cerco di evitarla.

Qual è il tuo rapporto con la storia dell’arte queer? C’è un artista—passato o presente—con cui senti un dialogo visivo o spirituale?
Ho sempre sentito un forte legame con la storia dell’arte. L’ho studiata a scuola, ho scritto saggi—ma anche prima, da adolescente, cercavo ossessivamente artisti queer su Google. Crescendo, non avevo accesso a quel tipo di opere nel mio ambiente, quindi andavo a cercarmele da solo.

Sento un legame speciale con gli artisti queer che hanno vissuto e creato a New York. A volte non si tratta solo delle loro opere—ma delle loro storie, delle lotte, della sopravvivenza. Artisti come Cadmus, Platt Lynes, Warhol, Wojnarowicz, Haring e Mapplethorpe hanno plasmato il mio modo di vedere l’arte e la vita.

Tra gli artisti contemporanei, Naruki Kukita è stato una grande influenza—sia visivamente che per il modo in cui si muove nel mondo.

Nei tuoi dipinti, il corpo maschile è spesso sezionato, isolato, duplicato. È un modo per controllarlo, celebrarlo o decostruirlo?
È sempre un modo per celebrarlo. Mi concentro sul corpo, la sua forma, la sua presenza e ciò che può fare.
Non sento il bisogno di controllarlo, e anche se ci sono momenti di decostruzione, non è mai per smontarlo ma per onorarlo, fargli spazio, prestargli attenzione. Sempre, viene da un luogo di amore e reverenza.

Sei cresciuto in Polonia—un contesto spesso ostile alle identità queer. Come si manifesta questa tensione nel tuo linguaggio artistico?
Ho lasciato la Polonia subito dopo il liceo. Fin da piccolo, sognavo di andare il più lontano possibile. Crescendo in una piccola città, lontana da qualsiasi centro culturale, non riuscivo a immaginare di restare lì.

I miei genitori non erano interessati all’arte o alle città, quindi non avevo accesso a nulla di tutto ciò. Sentivo di crescere in un luogo che cercava di farmi credere che non ci fosse nulla da celebrare.
Per molto tempo ho pensato che tutta la Polonia fosse come il villaggio in cui sono cresciuto.
Ora, con un po’ di distanza, ho cominciato a vederla diversamente. Ho sviluppato un nuovo tipo di amore per la Polonia.

Sono orgoglioso degli artisti e attivisti che vivono lì, e ci tengo profondamente.
E anche se il mio lavoro non fa riferimento diretto alla Polonia, ne è assolutamente influenzato. La tensione, l’invisibilità, il silenzio che ho vissuto—tutto questo vive nelle immagini che creo.

Cosa cerchi nei tuoi modelli? Sono muse, specchi, fantasmi o frammenti di te stesso?
I miei modelli sono persone reali—amanti, ex, amici, e a volte persone incontrate solo una volta.
Non cerco modelli. Dipingo ciò che conosco, e chi conosco.
Non si tratta mai di bellezza in senso tradizionale o idealizzato ma di connessione. Sono persone a cui tengo, che sono belle dentro e fuori.
Non sono muse o volti assunti. Vedo parti di me in loro, e spero che anche loro vedano qualcosa di sé nel mio lavoro. Forse è un mondo piccolo, limitato a poche persone ma è il mio, ed è questo che lo rende autentico.

C’è un’eco emotiva nelle tue opere, anche quando il sesso è esplicito. Ti interessa anche rappresentare la vulnerabilità maschile?
Assolutamente. La vulnerabilità è una parte enorme di ciò che considero mascolinità e in particolare mascolinità queer. È qualcosa che spesso viene trascurata o dimenticata.

Parliamo di forza, assertività, leadership, voce profonda, barba ma la mascolinità è anche maturità, responsabilità, integrità, essere una guida, difendere gli altri.

Il sesso, nel mio lavoro, è solo una parte del quadro una parte molto umana e quotidiana di ciò che siamo.
Non ho mai avuto l’intenzione di essere un “artista erotico” ma dato che dipingo corpi nudi, quell’etichetta mi è stata subito affibbiata. Non mi disturba, ma per me è solo uno strato. Capisco che possa attrarre alcune persone, e lo accolgo

Il tuo lavoro è stato riconosciuto da istituzioni come la Tom of Finland Foundation. Cosa significa per te far parte di quella linea di artisti radicali?
Significa tantissimo per me. La Tom of Finland Foundation ha sostenuto il mio lavoro fin dall’inizio dal concorso per artisti emergenti, alle collettive negli Stati Uniti e in Europa, fino al far parte della giuria e ora al programma di residenza.
La loro missione va ben oltre la conservazione dell’eredità di Tom mentoreggiano attivamente, proteggono e danno spazio a nuove voci queer. Quel tipo di supporto è raro e profondamente significativo.

Fare arte erotica queer non è sempre visto come un percorso professionale valido, e può essere facilmente emarginato.
Ma grazie a istituzioni come la ToFF, ci viene data visibilità, comunità e l’opportunità di far vedere il nostro lavoro non solo come arte erotica, ma come arte, punto.

“Home is where the h<3rd is” era il titolo della tua prima mostra personale. Oggi, dove si trova casa per te in un luogo, un corpo, un’immagine?
Casa, per me, è New York—e la piccola vita che ho costruito qui.
Non è un divano, una TV o l’arredamento. Sono i luoghi a cui torno, gli amici che amo e a cui tengo, andare in bici per la città, cucinare, assorbire la cultura e cercare di contribuire con il mio lavoro.
È costruire, appartenere, contribuire. Questo è il significato di casa per me.

E sì casa è anche dove mi viene l’erezione.

Hai collaborato con figure radicalmente diverse come Richard Serra e Lady Gaga uno legato al silenzio monumentale, l’altra all’eccesso pop. Cosa hai imparato da questi estremi, e come informano oggi la tua visione artistica?
Ho avuto l’opportunità di progettare per Richard Serra e Lady Gaga in due progetti diversi, mentre lavoravo come designer architettonico, e ho davvero apprezzato entrambe le esperienze.
È quella dualità di cui parlavamo prima due estremi che mi hanno insegnato molto.
Lavorare per Gaga è stato audace, rumoroso, senza scuse. Da Serra, ho imparato la pazienza, la contemplazione e la connessione con la natura.

Al di là delle loro personalità diversissime, anche i progetti erano mondi opposti la frenesia della Strip di Las Vegas contro un padiglione immerso nella natura nello stato di New York.
Io mi trovo da qualche parte nel mezzo un introverso contemplativo, ma anche attratto da opere espressive, audaci e controverse.
Queste esperienze mi hanno aiutato ad abbracciare le mie complessità e dualità, e a onorare il mio vero io.

L'articolo Łukasz Leja: l’atto di vedere come atto d’amore proviene da Toh! Magazine.

Nei disegni di Soufiane si possono percepire i riferimenti a figure precedentemente considerate marginali, come per esempio a Jean Genet o Frank O’Hara e ad altri della letteratura, che sono onnipresenti nel suo lavoro.

Soufiane Ababri rifiuta l’accademismo classico del pittore e del suo studio ha deciso così di disegnare con matite colorate in uno spazio domestico; dal suo letto. La sua serie di opere grafiche intitolate Bedworks rappresentano scene ispirate a incontri immaginari o reali, che attingono alla sua stessa identità di arabo omosessuale e alla sua vasta conoscenza di film, musica, letteratura e storia. Questi disegni sono realizzati dal suo letto che diventa metafora del rifiuto dello studio come spazio di lavoro.

Soufiane ha riferimenti al canone della sottocultura gay occidentale e al mondo dell’arte e della letteratura, alle esperienze della sottocultura gay sia occidentali che a non, per far luce sullo sguardo sulle minoranze mettendo il luce gli squilibri nel mondo. I disegni di Soufiane hanno un immaginario colorato dove vengono messe in luce paura, erotismo e vulnerabilità, manifestando altre espressioni della mascolinità.

I corpi maschili che Soufiane disegna sono colti in attimi intimi dove un serie di sentimenti differenti vengono comunicati da questi soggetti che posso essere di vergogna desiderio e tenerezza. Soufiane è un osservatore del mondo che lo circonda e gli interessa, manifestando nei suoi lavori quello che a volta è nascosto e qui rivelato con la sua percezione. All’interno di una discussione storica e contemporanea del mondo queer.

La narrazione visiva di Ababri è diaristica e intima, dalla privacy della sua camera da letto invece che dello studio, enfatizzando così l’aspetto domestico utilizzando uno strumento più diretto come i pastelli. Accanto alle figure spesso troviamo l’uso del testo come a manifestare un dialogo introspettivo.

Puoi dirmi da dove vieni e qual è il tuo primo ricordo di te stesso da bambino?

Sono nato e cresciuto a Rabat, la capitale del Marocco, fino ai 17 anni, poi sono arrivato in Francia nel 2004 e vivo qui da 20 anni. Il mio primo ricordo d’infanzia è un momento in cui tutti coloro che vivevano nella nostra casa andavano al lavoro o a scuola e rimasi solo a casa con mia madre. Il fatto di appropriarsi di questo spazio, sempre pieno di persone, come volevo, credo che abbia avuto un grande impatto su di me. E questo era già un segno che nonni sarebbe piaciuta la scuola e il sistema educativo.

Sei nato in Marocco, come pensi che la tua cultura abbia influenzato la tua arte?

Attraverso la lingua araba prima di imparare il francese, fino a ora mi ha dato un modo di avere una doppia lettura su tutto. Quindi dal fatto che esiste un mascolinità esacerbata nelle strade del Marocco, gli uomini hanno atteggiamenti nell’occupare lo spazio pubblico che non ho visto altrove.

Da qui è nato questo modo di giocare con questi codici e cercare di indebolirli e introdurre un punto di vista omosessuale. Ciò che manca finora nella cultura marocchina.

Lavori e vivi tra Tangeri e Parigi, come ti senti quando ritorni in una delle due città dopo essere stato nell’altra? Trovi qualche somiglianza tra loro oppure quali sono gli aspetti che trovi nell’uno ma non nell’altro?

Questo avanti e indietro tra Parigi e Tangeri è molto importante per me. Mi permette di non dimenticare il motivo per cui faccio questo lavoro, di poter dare visibilità alla comunità gay araba, questo è il primo punto. Il secondo punto è il luogo in cui faccio molte ricerche e creo una raccolta di immagini che poi utilizzerò per disegnare.

I tuoi lavori spesso si concentrano sulla discriminazione nei confronti delle minoranze, puoi parlarmene?

Questo è ciò che mi ha fatto interessare per la prima volta all’arte. Il posto delle minoranze razziali e sessuali arte. Il ruolo della violenza nella storia dell’arte e il modo in cui la generazione post coloniale vede la storia dell’arte e la storia del mondo.

La sessualità è molto rappresentata nei tuoi lavori e questo ci piace davvero. Ci puoi dire

come è nata l’idea per la serie Bedworks?

È un lavoro che si è concretizzato poco a poco. Ma prima bisogna notare che nei dipinti orientalisti c’erano posizioni che spesso ricorrevano nella rappresentazione di donne, uomini arabi e schiavi neri. Ho visto questa posizione sdraiata come un modo per dominare il soggetto.

Quindi per mostrarlo come a persona passiva, lasciva, offerta al pittore affinché possa fare ciò che vuole con lei.

Ho preso la posizione di questi modelli e ho cercato di dar loro voce. Poi tanti altri interrogativi si innestano nella posizione sdraiata e nel letto.

Apprezzo molto il tuo lavoro, i ragazzi che ritrai mi sembrano fragili, ma allo stesso tempo urlano e dimostrano la loro omosessualità, permettendo agli altri di fargli cambiare il modo di vedere le persone e se stessi. Perché anche oggi esiste un problema di moralità nel vedere i corpi degli uomini fare sesso e la nudità maschile. Tu che cosa ne pensi?

Sì, ciò a cui inizialmente miravo era sconvolgere la mascolinità e il patriarcato. Smantellare in qualche modo i meccanismi di dominio. Rappresentare corpi maschili e muscolosi con fragilità. Ho l’impressione che questo sia ciò che cerchiamo di fare con gli spettacoli di Drague-King. Uomini in posizioni ondeggianti di “Contrapposto pose”, guance rosee (da questo è il momento in cui la commedia sociale della virilità perde i suoi mezzi), sembra languido, per me è un modo per mostrare altri tipi di mascolinità. Quindi l’eredità dell’attivismo gay e i mezzi si sovversione che conosciamo per farlo che sono: il sesso libero, le feste, l’esuberanza Camp… Ma anche la dimensione degli scrittori di letteratura e di sociologia.

Nei tuoi disegni racconti storie di scene di vita reale o sono immaginarie?

In effetti sono disegni ed è un dettaglio importante visto che mi rifiuto di dipingere e che ho scelto il disegno come dimensione politica e di resistenza di fronte a una tipologia di accademismo. Tornando alla tua domanda, tutto nasce da eventi reali che comprende scene vissute, libri letti, film visti, storie ascoltate. È un sorta di biografia di un gruppo sociale.

Che tipo di uomo preferisci?

Nessun tipo specifico

Come ti senti a vivere come artista?

Questo è l’esatto contrario di ciò che pensa il mondo esterno. È un ambiente molto difficile. È un peso sociale ed è un peccato non riuscire a smuovere le cose. Poi c’è una dimensione molto entusiasmante nel portare avanti i progetti, mi piace molto il periodo della ricerca sui testi, la lettura che porta ai disegni.

Credo che il compito di ogni artista come il tuo sia lasciare tracce e segnali per provare per far accettare alle persone un certo tipo di mondo. È grazie ad artisti come te che con il tuo lavoro stai cercando di innescare un cambiamento a favore della comunità LGBTQ+ in un mondo che sta diventando sempre più di estrema destra. Cosa ne pensi?

Spero davvero che vada in quella direzione. Penso di fare quello che faccio principalmente per questo motivo e ho preso molte decisioni importanti nella mia vita intima e familiare a muoversi in questa direzione. Considerato il crescente populismo in Francia e in Europa e nel silenzio del mondo della cultura il sentimento di solitudine è molto forte qui.

Chi sono gli artisti o personaggi che ti hanno spinto a intraprendere questa attività artistica?

Ce ne sono molti, ma non proprio che hanno pratiche artistiche vicine alla mia. Guy de Cointet, General Idea, Roni horn, Felix Gonzalez Torres, Mark Morrisroe… Ma è stata soprattutto la letteratura a portarmi al disegno.

Credo di disegnare visto che non so scrivere libri.

Cosa speri che le persone apprendano dal tuo lavoro?

Niente di particolare, spero di avere un lavoro che sia aperto e che spontaneo dà interpretazioni a persone di origini e classi sociali diverse.

Hai esposto in varie città del mondo, hai mai esposto in Italia?

No, non ancora …

Le prossime mostre di Soufiane Ababri

The Pill Gallery / Istanbul
The Barbican Center / London
Praz Delavallade Gallery Paris – Los Angeles
Dittrich & Schlechtriem Gallery / Berlin

L'articolo Soufiane Ababri: l’intimità come analisi sociale proviene da Toh! Magazine.

Questi suoi disegni danno un tono diverso a questo nuovo ramo dell’illustrazione contemporanea, unendo l’umorismo oscuro, l’autoriflessione e la bombardante onnipresenza della cultura pop, dei manga e del camp. Filip riesce a creare delle conversazioni figurative a dir poco stridenti, dove si può vedere l’innocenza adolescenziale contaminata dalla mancanza di pruderie, che fa coppia con l’età adulta, ma che è anche enormemente liberatorio. 

È naturale così che si manifesti nei sui disegni il suo amore per l’arte, che deriva dai cartoni animati (Sailor Moon in primis), dalle anime e dalla cultura pop con cui è cresciuto. Il talento di Filip Adrian si rivela chiaramente in ciascuno dei suoi disegni, che è unico nel suo genere e ci porta in un fantastico universo di gomme da masticare rosa al gusto di fragola e veleno verde, con un pizzico di sex appeal queer e camp che ci piace da impazzire… Potere del cristallo di luna, vieni a me!

Quando è nata la tua passione per l’illustrazione?

Mi è sempre piaciuto fare scarabocchi, dipingere, le matite che diventavano acquerello con lo sputo, i pastelli a cera… Al liceo passavo molto tempo su internet perché vivevo in un posto sperduto nella campagna toscana e non avevo amici. Così mi sono fatto una cultura visuale e ho capito che anche gli scarabocchi avevano un loro certo potere e non ho più smesso.

Trovo i tuoi disegni assolutamente divertenti, quando ho iniziato a vederli sono impazzito! Quanto è importante l’ironia in quello che disegni?

Quando uso l’ironia posso raccontare qualsiasi cosa, anche la più oscura, traumatica o inquietante, senza pesantezza e senza creare un certo senso di estraniazione. Se non usassi l’ironia, anche se a volte è più qualcosa che viene da me ed è per me soltanto, non saprei comunicare.

Quand’è disegnando che ti accorgi che hai avuto una buona idea?

Di solito penso prima di disegnare e dopo, non nel mentre. Disegno una serie di visioni, come se fossero fermi immagine di un treno di pensieri. Poi metto via tutto, mi metto a fare altro, così posso rivedere tutto con occhi freschi. Spesso ho delle idee molto brutte.

Cosa speri che le persone possano provare guardando le tue illustrazioni?

Vorrei che si sentissero come quando si reagisce via messaggio/commento con un “LMAO HAHAHAHAHAHAHAHAAHAHAHAHAH ROTFL LOL LOL IO MORTAAA LOLOLOLOL!” con la faccia completamente inespressiva e senza aver neanche pensato di sbilanciarsi abbastanza da sorridere.

Tutto ciò che è artistico e che fa riflettere allo stesso tempo è una forma di espressione ma al contempo anche di ribellione. Cosa ne pensi a riguardo?

La ribellione è molto punk, ma è un po’ meno punk quando vivi nell’agio, nel privilegio e non devi più chiedere a mamma se puoi uscire la sera. A me piace pensare che sia più come prendere qualcuno per mano, in maniera consenziente, e mostrargli qualcosa di non necessariamente nuovo, ma da un punto di vista diverso.

Che rapporto hai coi social media?

Ho passato montagne di tempo sui social media e poi ho un po’ smesso. Mi piace restare aggiornato su cosa fanno le mie amicizie, anche se io non condivido quasi mai niente di personale. Ho smesso di mostrare la mia vita perché preferisco mantenere un po’ di mistero.

Vedere la mia faccia mi stanca molto, e mi stancano un po’ le facce degli altri, però poi mi piacciono i capezzoli, i polpacci, le borse, i capelli, le case, le scarpe, i culi, i costumi, le vacanze degli altri…

Faccio un sacco di screenshot e poi, dopo averli lasciati in qualche cartella a maturare, magari finisce che li disegno. A volte vorrei avere la spensieratezza e la mancanza di autocoscienza, che in fin dei conti sono una benedizione, delle persone che osservo sui social.

La maggior parte degli artisti che intervisto li scopro sui IG però allo stesso tempo credo che abbia fatto dimenticare alle persone come stare davvero insieme in un modo puro. Che ne pensi?

Mi mancano i tempi in cui quando entravo in una stanza e non avevo mai visto prima la maggior parte delle persone e quando ci presentavamo, potevo inventare nomi e persone nuove per intrattenermi ed intrattenere. E mi mancano anche i tempi in cui se non ci vedevamo nella vita vera, potevo solo immaginare dove fossero tutti e cosa stessero facendo. Mi mancano i viaggi fatti con la testa, immaginando cosa stesse succedendo in città, nella nazione, nel continente, nel mondo…

Come descriveresti i tuoi disegni?

Infantili, tittillanti, inquietanti. A volte faccio degli incubi che mi svegliano all’improvviso, ma quando li ripenso quasi mi fanno ridere: è lo stesso processo che uso per pensare a come costruire un’immagine.

Mi accennavi tempo fa alla realizzazione di un fumetto me ne vuoi parlare?

Sto lavorando a due fumetti e un romanzo. Il fumetto di cui ti parlavo è un po’ un progetto segreto. Certo, tecnicamente ne ho parlato persino alle cassiere de Il Gigante sotto casa, alla signora che mi fa il laser alle spalle, e al portinaio dell’edificio in cui lavoro; quindi non posso assolutamente parlarne. Per quanto riguarda l’altro, i miei temi sono spesso gli stessi: nostalgia dell’infanzia, stupidità, un prurito verso il paranormale, imparare sbagliando etc. In questo caso si tratta di una ricerca del benessere provando, in totale stupidità, rimedi non convenzionali e destinati al fallimento. Tipo i sassi carini che non voglio definire con il nome più utilizzato per non attirare odio e rancori.

Se tu avessi un bumper sticker sulla tua bicicletta quale sarebbe?

Premetto che non ne ho uno perché vorrei che la mia bicicletta non fosse riconoscibile, tipo quando la lascio parcheggiata nei posti loschi (il centro commerciale) o quelli sconvenienti (l’ufficio). Per questo scopo avere una grande cassetta colorata sul porta pacchi non mi aiuta. Comunque, se dovessi scegliere un bumper sticker, direi BIMBA A BORDO perché il rosa è il mio colore preferito.

Sei mai scappato di casa da bambino?

Non sono mai scappato di casa perché comunque uscivo da solo tutto il tempo, passavo i giorni fuori e tornavo solo se avevo fame o se tornavano a casa tutti gli altri. Invece, mi piaceva scappare nei posti.

Per esempio mia mamma mi portava a Firenze o Roma o Palermo, e quando tutto diventava troppo noioso e lei si distraeva, mi giravo e scappavo di corsa nella direzione opposta.

Era una cosa di alta magia svanire nel nulla. Quando poi mi annoiavo di nuovo o avevo paura, tornavo indietro a cercarla. Se ci penso è sorprendente che nessuno mi abbia rapito. Probabilmente ero troppo fastidioso per venire rapito. Chissà.

Credi nel karma? È mai tornato indietro qualcosa a ricordarti di qualcosa di cattivo che avevi fatto?

Non mi piace chiamarlo karma, però credo che le cose brutte capitino spesso alle persone brutte. Ho fatto un sacco di cose cattive agli altri, ma mi sono anche fatto da solo un sacco di cose cattive, quindi immagino di aver pareggiato.

Se questo sistema non funzionasse e le cose dovessero essermi davvero tornate indietro, adesso dovrei avere tipo le peggiori malattie incurabili, avere la testa che ruota di 180 gradi e vomitare scarafaggi volanti. Chic!

È anche vero che ho un versamento mensile automatico a Telethon ed ai senza tetto carini una banconota di piccolo taglio la passo volentieri. Non voglio fare della matematica perché i numeri sono per i nerd, ma forse tutto ha senso.

Qual’è il primo pensiero che hai quando ti svegli alla mattina?

E anche oggi non sono morto nel sonno

Subito dopo controllo se è già il momento di iscriversi ad un prossimo corso di acquagym: è una mia nuova ossessione e se non sono veloce abbastanza con le prenotazioni, poi finisco in lista d’attesa e mi scoraggio. L’acquagym è il secondo, ma a volte primo, pensiero che ho quando mi sveglio.

Preferisci una girl band o una boy band?

Vorrei tanto dire una boy band, ma i tipi nelle boy band che mi vengono i mente non sono mai fighi (o se uno è un po’ figo, gli altri 3 o 4 sembrano Mrs. Doubtfire o dei carlini con la messa in piega), mentre le girl band sono iconiche! Che stile, ragazze! Quando avevo 7 anni non pensavo ad altro che alle Spice Girls e alle guerriere Sailor, la girl band più iconica di tutte.

Chi è la tua più grande influenza?

Più che un’unica influenza, ho una specie di monte Olimpo personale in testa con sulla punta una cattedrale politeista piena di altari dedicati a: Sailor Moon, Courtney Love, Isabella Santacroce, Miranda July, Tea Hacic-Vlahovic, Sam Raimi, le Superchicce, Antonio Ligabue, Nathalie Djurberg, Chiara Fumai, Peter Berlin, stagioni intere di Ru Paul’s Drag Race, Ari Aster, Francois Sagat, Hello Kitty, Lana Del Rey, J.T. Leroy, e tanti altri, ma non voglio dilungarmi troppo. Mi distraggo troppo facilmente per farmi influenzare da una cosa soltanto.

Cosa ti imbarazza maggiormente?

Nulla è imbarazzante se non ti senti in imbarazzo, ma quando mi trovo nel posto sbagliato nel momento sbagliato a fare dello small talk, vorrei che si aprisse una voragine nella quale sparire tra fiamme danzanti, demoni con tridenti e cascate di lava. E poi la mia faccia, quella mi imbarazza più di ogni altra cosa.

L'articolo Filip Adrian: l’ironia nella sua forma più bella. proviene da Toh! Magazine.

Tomás è portoghese, ama la sua terra calda e ricca di tradizioni. Le sue figure dai colori che ricordano gli azulejos rappresentano uomini in movimento, intrecciati tra loro o illustrati singolarmente ma sempre nell’atto di far qualcosa. Una danza di corpi maschili, carichi di sessualità data dalla struttura massiccia del corpo. Tomás con la sua arte innesca a chi osserva la voglia di libertà. Libertà da ogni tipo di gabbia sia fisica che psichica come le sue figure, lineari su sfondi semplici che creano un immaginario minimal, puro.

Blu e bianco, perché questi due colori predominano nella tua arte?

È successo per caso, mentre cercavo di scoprire il modo migliore per esprimere l’emozione di alcuni disegni. Quando me ne sono accorto, il blu ha preso il sopravvento ed è diventato il colore principale che uso. È un colore che dà un senso d’intimità e vulnerabilità, ma allo stesso tempo è orgoglioso e non discreto. Inoltre, stabilisce un rapporto tradizionale con la mascolinità che io cerco di sfidare.

Ci parli un po’ di te?

Sono un artista e architetto di 27 anni, nato in Portogallo. Disegno da quando ho memoria e ora sono felice di vedere che la mia arte mi sta portando in tanti posti. Amo quello che faccio e avere la possibilità di trovare persone che si relazionano con la mia arte e che investono su di me è fantastico.

Qual è il tuo bisogno più grande?

Il mio bisogno più grande è quello di esprimere ciò che sento e di avere il tempo di esplorarlo. Può sembrare banale, ma è importante per qualsiasi artista. Ho bisogno di tempo per capire cosa sto provando e per capire in che modo si riempirà la tela. La maggior parte delle volte, però, accade il contrario: lo metti sulla tela e poi inizi a capire da dove proviene, con analogie e con il processo creativo surrealista.

Chi sono i soggetti che illustri?

Può essere chiunque. Non penso a chi sia quella figura: in un certo senso, quella figura è un concetto. In quanto concetto, può essere portatore di simbolismi che sono soggettivi per gli spettatori.

Quanto è importante per te la forma?

La forma mi aiuta a trasportare le persone nella mia realtà. È essenziale, è la traduzione diretta del mio lavoro. Anche se le mie opere sono molto bidimensionali e in uno spazio vuoto astratto, la distorsione volumetrica delle figure è l’espressione principale della mia pratica.

I tuoi uomini sembrano spesso ballare, è così?

Nonostante non disegni con questa intenzione, molti lo dicono e io lo adoro! Credo che il tipo di contorsione a cui sottopongo le mie figure abbia molte analogie con la danza contemporanea. Per me il disegno è movimento, proprio come la danza. 

Quanto ti senti portoghese?

Il Portogallo è la mia casa, le mie radici. È dove ho scelto di stare adesso, ma non escludo l’idea di vivere in altri Paesi. 

L’arte che crei è apprezzata nel tuo Paese?

Credo di sì. Anche se ho iniziato a condividere il mio lavoro solo di recente, ho avuto buone opportunità di mostrare la mia arte. Tuttavia, la maggior parte dei miei seguaci e collezionisti non sono portoghesi.

Cosa rappresenta l’uomo per te?

Per cominciare, l’uomo è solo un contenitore, una figura che esprime qualcosa. Gli uomini che disegno celebrano le espressioni di genere e decostruiscono la mascolinità in un modo che considero sano, non tossico, bello e necessario. Più che un genere, è un corpo.

Che cosa è essenziale per te?

La pace della mente e il tempo. Detto questo, penso che continuerò a creare.

Come definiresti il tuo modo di creare?

Ho bisogno di tempo, per pensare, non fare nulla e fissare una pagina bianca. In qualche modo, qualcosa verrà fuori. Faccio molti schizzi e quando penso che possa esserci qualcosa di buono, lo provo su una tela. È un processo che non riesco ancora a comprendere appieno, perché lascio andare il controllo in così tanti modi diversi che la maggior parte delle volte il risultato finale mi sorprende. In altre rare occasioni, un’immagine molto chiara mi viene in mente in modo casuale e mi rimane impressa per giorni o settimane, finché non trovo il tempo e lo spazio per materializzarla.

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Clément nei suoi ritratti utilizza colori accesi, a volte violenti, che attraverso la miscela tra toni freddi e caldi riesce a manifestare un’estetica poetica e drammatica. 

I soggetti espongono il loro corpo e la loro naturale sessualità, ma sono gli occhi l’elemento chiave di questi lavori è come se Clément riuscisse a coglierne con le pennellate quella verità, a volte nascosta nascosta.

Autentici e tragici i quadri del parigino Clément sono pieni di charm non conformista. Figure eccentriche, strane, regine, santi e peccatori di ogni genere, si incontrano nella pittura del artista. Un ritratto giovane e commovente del mondo queer degli ultimi anni, con quella eccitazione della libertà creativa e sessuale, che troppe volta ci viene repressa.

Puoi dirci qualcosa del tuo background artistico? Quando e dove è iniziato tutto?

Mi sono trasferito a Parigi quando avevo 19 anni per studiare fashion textile, ma è stato allora che è iniziata davvero la mia pratica fotografica. Dopo alcuni anni facendo moda e fotografia ritrattistica mi sono trasferito a Londra e ho incontrato il team dello Show Studio di Nick Knight ed ho iniziato a lavorare come illustratore di moda maschile durante la London Fashion Week. Poi, dopo alcuni anni nella moda, durante il lockdown ho capito che avrei potuto imparare qualcosa di nuovo. I dipinti ad olio mi hanno sempre commosso in un modo strano ed è per questo che ho iniziato a dipingere.

Ci spieghi il passaggio dalla fotografia alla pittura?

Il mio lavoro fotografico sembrava un dipinto, erano foto molto pittoriche e strutturate, era più come un’evidenza di quello che dovevo fare; ovvero prendere il ponte e imparare la tecnica pittorica.

Fotografi i tuoi modelli prima di iniziare a dipingerli?

Sì inizio sempre con una sessione fotografica a casa loro, per me è un momento importante perché c’è molta discussione e mi permette di capirli per ritrarli nel modo migliore.

Chi sono i soggetti dei tuoi quadri? Dove li recluti?

I miei modelli sono persone che ho incontrato tramite i social media,  app d’incontri o fondamentalmente amici. Sono persone che mi hanno ispirato e sono un’importante rappresentazione della comunità queer. Li dipingo perché avevano bisogno di essere dipinti e appesi in una galleria.

Perché i ritratti sono così importanti per te? Cosa stai cercando di ottenere con i volti?

Sono solo ossessionato dai ritratti. Penso che non ci sia niente di più intenso che guardare un ritratto per iniziare una conversazione su emozioni, genere, sessualità e individualità. Gli occhi poi sono davvero un libro aperto che chiede di essere letto. Sono solo ossessionato dai ritratti.

Il corpo sembra essere un argomento importante per te, cosa ti piace di più del corpo?

È una parte importante dei miei ritratti. I corpi nel mio lavoro riflettono la sensualità, la sessualità e le emozioni, mostrando che la pelle può essere molto intima. Mi piace che sia la prima entrata nel mio lavoro prima di vedere i volti.

C’è un grande livello di intimità nel tuo lavoro, potresti parlarne?

L’intimità nel mio ritratto è il punto di ingresso per gli spettatori, è il modo per iniziare una conversazione silenziosa con loro. Penso che l’intimità sia una zona di comfort che può portare ad un bellissimo momento, che tutti stiamo cercando in questo mondo dove lottiamo per connetterci e per capirci.

Potresti spiegare il tuo uso dei colori, sono così vividi e presenti nel tuo lavoro. Hanno un significato specifico per te?

I colori sgargianti sono ciò che rappresentano noi queer. 

Il mio lavoro è una lettera d’amore alla mia comunità e voglio dipingerlo nel modo più vibrante possibile.

Amo così tanto il fatto che tu stia dando alle persone LGBTQ+ un posto così nel tuo corpo di lavoro. Può spiegare questa decisione?

È una storia di rappresentazione e repressione. I messaggi forti devono essere ascoltati e visti. Sono pessimo con le parole, sono più bravo con i dipinti. Sto facendo del mio meglio per ritrarre ciò di cui sono più orgoglioso.

Quanta strada pensi che dobbiamo ancora percorrere come comunità LGBTQ+ per essere completamente accettati?

Quando guardo il telegiornale mi rattrista vedere che stiamo ancora complessivamente soffrendo. Il mondiale in Qatar mi ha fatto venire la nausea.

Spero che presto potremo finalmente essere rappresentati così come siamo senza essere nascosti o buttati via. Dobbiamo ancora lottare per i nostri diritti e la nostra accettazione ma in verità la vita senza di noi sarebbe meno divertente.

Se avessi il potere di cambiare il modo di pensare di qualcuno attraverso la tua arte, quale sarebbe?

Li farei sedere tutti a guardare i miei ritratti e si chiedessero in quale parte del mondo non appartiene la comunità queer. Forse pochi di loro cambierebbero il loro modo di pensare e capirebbero che tutti possiamo far parte di questo mondo.

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Queer King of Diamonds crea situazioni semplici e minimal dove l’amore e la sessualità di uomini indiani bear che indossano gioielli ed abiti tradizionali si lasciano andare ad effusioni e sentimenti. Il fatto che utilizzi solo il nero e il bianco riesce a dare maggiore enfasi a questi sfondi che sembrano notti magiche in cui le pulsioni si lasciano andare a tenerezze ed altro.

Queer King of Diamonds ci racconta come l’arte gli abbia dato una mano ad accettare la sua sessualità e come forse un giorno lo farà uscire totalmente dal suo armadio e noi saremo ancora qui ad aspettarlo per promuovere nuovamente la sua arte, magari sotto il suo vero nome.

Puoi dirmi quando e perché hai deciso di chiamarti Queer King of Diamonds?

Nel 2015, volevo presentare un lavoro per un progetto di antologia queer, che consisteva in una raccolta di esperienze, sotto forma di poesie, storie e arte. Ho realizzato alcuni pezzi originali e alcune illustrazioni a supporto di poesie e saggi. Ma quando è sorta la domanda quale nome mettere per i crediti e non essendo dichiarato, non potevo usare il mio vero nome. 

Quindi ho deciso di creare una nuova identità. Ho scelto Queer King of Diamonds prima in lingua indiana dato che sono originario dell’India. In seguito ho deciso di continuare a fare arte queer regolarmente da postare su Tumblr usando questo pseudonimo ma in inglese.

Originariamente è nato dal nome di un film regionale, in cui il nome e la canzone del titolo avevano un significato. Mentre tutti gli altri re nel mazzo di carte ti guardano negli occhi direttamente e con sicurezza, il re di quadri, sta guardando altrove, rifuggendo. Perché è diverso. E perché mi sento diverso! 

Durante la crescita nella mia infanzia, pur essendo inconsapevole della mia sessualità, mi sono sentito un disadattato, un ragazzino strano e socialmente ansioso, goffo e  che non riusciva a fondersi con la famiglia e fuori da essa. Riuscivo sempre a relazionarmi con quel pensiero nella canzone, quindi ho iniziato a usare il Queer King of Diamonds come nome.

Quindi chi sta dietro questo nome?

Il ragazzo dietro Queer King of Diamonds è un artista grafico, ancora non dichiarato. Sono un uomo di 41 anni, che cerca ancora di accettare la propria sessualità, combattendo con l’ansia sociale. Sono un ex art director di un’agenzia pubblicitaria, attualmente lavoro come freelance. Vorrei uscire dall’armadio, ma non sono ancora sicuro dell’ambiente familiare e delle persone che mi stanno intorno.

Com’è vivere da artista queer in India?

Sì, vengo dall’India. Sono davvero inconsapevole di come sia l’esperienza collettiva per altri artisti queer. Per quanto riguarda il fatto di non essere ancora dichiarato fa sì che la mia esperienza è un po’ lacerata tra l’essere conosciuto e tuttavia sconosciuto alle persone. Non posso rivendicare il mio lavoro con la mia vera identità. Non posso davvero uscire nemmeno per fare delle stampe o per fornirle ad alcuni dei miei seguaci indiani perché questo rivelerebbe la mia identità alle persone. Tutto ciò mantiene immobili i miei progressi come artista queer, non posso collaborare o crescere a un ritmo normale. Non faccio parte di una comunità queer e non ho amici artisti qui per conoscere e condividere le loro esperienze, quindi posso parlare per me stesso per il momento. 

Puoi descrivermi gli uomini che realizzi nelle tue creazioni?

Gli uomini nella mia arte sono immaginari o sono rappresentazioni dei miei desideri insoddisfatti o delle cose che desidero o sono rappresentazioni degli uomini che ho amato o per i quali ho avuto una cotta in passato. Qualcuno che ho amato può essere considerato un bear ed è per questo che una parte importante del mio lavoro ruota attorno ai bear come soggetto principale. Da qualche parte ha lasciato un’impressione duratura nella mia mente.

Gli uomini della mia serie indiana potrebbero essere ispirati da qualsiasi cosa antica, antichi murales, sculture provenienti da grotte, letteratura e come non citare il Kamasutra! La sua rappresentazione pittorica da sempre mostra le coppie eterosessuali.

Sto solo cercando di immaginare che tipo di scenari gli uomini avrebbero potuto incontrare nei tempi antichi, a seconda delle strutture sociali e dell’ambiente circostante. Dove si sarebbero mescolati, avrebbero avuto le loro relazioni e affetti anche quando non erano detti e rivelati. Credo che siano sempre esistiti sotto la superficie e non abbiano mai avuto un posto in prima linea.

Un’altra cosa che cerco di seguire mentre creo è rappresentare tutti i tipi di uomini ogni volta che riesco, come nella mia serie di piccoli orsetti dove ho cercato di affrontare persone con etnie differenti, trans, persone disabili o con perversioni.

Sfortunatamente provengo dal paese in cui l’omosessualità o le sessualità alternative sono ancora tabù o un offesa e tutto questo vale anche per me.

Il desiderio è sempre presente nei tuoi lavori è corretto?

Molto desiderio. Direi che è così che è iniziata! In quanto persona chiusa che non avrebbe mai potuto avere una relazione mentre veniva a patti con la sessualità e l’ansia sociale continuava a impedirgli di incontrare nuove persone. Questo è stato uno sfogo per tutto ciò che non sarebbe mai potuto accadere o tutto ciò che desideravo accadesse o tutto ciò che vedevo accadere intorno e mi sentivo frustrato. Ho iniziato a esprimere la mia solitudine, desideri e sentimenti nascosti di amore e lussuria.

Sono quelle le tue fantasie?

Sì, alcuni di loro sono sicuramente nati dai miei desideri e dalle mie fantasie. Sono molto affascinato dai gioielli antichi indossati dagli uomini indiani o dagli abiti antichi, ho sempre fantasticato di indossare quelle cose.

Quanto è importante per te l’erotismo?

È così che è iniziato tutto. È il modo in cui la mia anima intrappolata si esprime. Ciò che non ho sperimentato a causa del mio stato mentale e dei miei problemi personali. È l’espressione di desideri repressi. Quindi è importante per me, farli uscire in un modo o nell’altro, come con l’arte. Fa parte del processo di accettazione di me stesso.

L’erotismo è qualcosa che è sempre un enorme tabù in India, di cui non si parla mai. Sono anche cresciuto sentendomi in colpa per questo, quindi esprimerlo è qualcosa che mi dà liberazione, mi fa sentire libero, sollevato.

Mi piace molto il minimalismo nel tuo lavoro quando hai deciso di intraprendere questa strada?

Penso che la mia mente sia piena di tantissime cose tutte insieme. È disordinata e sono sempre alla ricerca della semplicità. Questo vale anche nel disegno, è difficile avere il massimo impatto mostrando cose minime e mi piace prenderla come una sfida. Il minimalismo è il modo migliore per farlo.

Il minimalismo è sempre stato il mio modo preferito di lavorare anche per il mio lavoro non queer. Ho deciso di portarlo nell’arte perché quando ho iniziato a fare arte queer non c’erano molti artisti che lo facevano. Ho pensato che fosse una buona nicchia e  una strada da esplorare.

Quanta strada pensi che la comunità LGBTQ+ indiana debba ancora percorrere per essere completamente accettata?

Per il mio paese è una lunga strada e una lotta. Pochi anni fa le leggi sono state modificate e il sesso omosessuale non è più ritenuto un reato, il che è un enorme sollievo per la comunità. Ma qui o in tutto il mondo, che dire dell’accettazione sociale? Le persone vogliono ancora trascinare tutto verso un atteggiamento conservatore e ortodosso.

Le persone in India negano, sentono ancora che sia qualcosa di importazione occidentale e che prima non esisteva. Vivono ancora nella mentalità coloniale, nonostante abbiano dimenticato il glorioso passato. È una lunga strada e l’attuale struttura socio-politica ci sta portando indietro piuttosto che avanti.

Hai mai pensato di fare una mostra?

Sì, mi piacerebbe fare una mostra un giorno. Non sono sicuro se qui in India ci siano le possibilità, Forse in spazi queer sicuri? Il mio lavoro è stato esposto una volta come pezzi singoli al di fuori dell’India e una volta anche qui a Goa. Credo sarebbe fantastico se potessi esporre contemporaneamente molte opere d’arte.

Se ti chiedessi di prendere da una tua creazione quella che per te è più connessa a TOH! Quale sarebbe e perché?

Se penso alla lingua italiana, quella che mi viene in mente è quella che si chiama Quarantine sul mio account. È stata ispirata dai video dall’Italia durante i lockdown, dove le persone si scambiavano appuntamenti sul balcone.

Ma se devo pensare all’eleganza di TOH! allora forse penso che sia la mia serie Red Men.

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Bartolomé Limón reputa il ricamare con dare vita a qualcosa di interrotto che stava per andare perso. In questo modo nella sua opera Elegy for Cruising ha ridato vita ad delle anime perdute, creando un legame con la cultura queer di ieri e di oggi.

Non capita di incontrare tutti i giorni qualcuno che guardando e riguardando un film si sia soffermato sulle comparse; quelle persone anonime che hanno però hanno permesso di rendere una scena indimenticabile. Bartolomé Limón lo ha fatto creando un memoriale per loro, che sono improvvisamente scomparsi.

Elegy of Cruising di Bartolomé Limón è un arazzo, un immagine con cui ha vissuto per crearla per più di un anno. Prima di quest’opera Bartolomé Limónun ha lavorato sempre col ricamo, sui codici semiotici della bandana. Iniziò a ricamare e disegnare scene di sesso in relazione al colore del fazzoletto.

Bartolomé si lascia così trasportare dai codici e ripensa alle convenzioni di una società eteropatriarcale che soffoca altri modi di intendere la realtà.

Il “codice fazzoletto” era un mezzo di comunicazione non verbale con cui trasmettere i ruoli sessuali e i feticci. Una pratica che si è diffusa nei primi anni ’70, soprattutto nella cultura Leather o BDSM, da cui far pendere un fazzoletto di un certo colore dalla tasca posteriore aveva un significato. Il colore e la posizione destra o sinistra era un codice. Tutto questo avveniva prima dell’avvento dei social networks o dell app d’incontri. Fortunatamente ci sono artisti come Bartolomé Limón che documentano e rende manifesto il nostro patrimonio queer.

Consideri il ricamo un atto correttivo?

Ovviamente sì. Come ha affermato Bourgeois, il ricamo è un atto di riparazione, una sorta di redenzione.

È un modo per riparare oggetti rotti, che sono stati separati in molti modi diversi: fisicamente, culturalmente, psicologicamente…

Questo processo di riparazione deriva dal materiale dell’elemento principale che usiamo, un ago che sconfina e fissa, letteralmente, materiali, parti e forme diverse.

Cosa ne pensi del lavoro di Louise Bourgeois o Teresa Lanceta?

Li consideravo dei riferimenti essenziali per me. Mentre ero al college, sono rimasto scioccato da una mostra di Bourgeois intitolata “Sono stata all’inferno e sono tornata, e lascia che te lo dica, è stato meraviglioso”. A proposito, l’opera in quella mostra con lo stesso nome è stata quella che mi ha colpito di più. Un fazzoletto, ovviamente. Questo lavoro specifico di Bourgeois è il vero motivo per cui ho iniziato a ricamare come la mia principale pratica artistica.

A parte questo, mia nonna e mia madre erano solite ricamare un tipico artigianato d’arte spagnolo realizzato con la seta utilizzando fiori e oggetti naturali come disegni principali (“mantón de Manila”). Per quanto riguarda Lanceta, l’ho incontrata e ho avuto il piacere e l’onore di essere istruito da lei durante diversi workshop e seminari.

Come ti senti quando fori la pelle con l’ago? È un atto che nasconde la violenza e rischia di ferirti cosa ne pensi?

Mia nonna diceva sempre che non c’è un buon lavoro di ricamo senza bucarsi o ferirsi. Ed anche senza un po’ di sangue, ovviamente.

Come ho accennato prima, considero questa relazione tra il dolore e l’atto riparativo la chiave artistica essenziale del processo di ricamo.

Quell’idea mi ha portato a collegare il mio lavoro di ricamatore con le pratiche BDSM che sono la base iconica delle immagini che produco.

Quante volte ti sei punto mentre tracciavi scene di sesso di Cruising?

Molte volte, anzi, probabilmente più di 100 volte… Elegy for cruising (i pezzi che mostrano le comparse maschili e le scene di sesso del film di Friedkin) ci ho messo più di un anno per finirlo. Ciò rappresenta una grande quantità di possibilità di essere ferito da me stesso e riflettere su quei ricordi perduti, luoghi, piaceri e corpi anonimi.

Come ti è venuta l’idea di ricalcare cucendo le comparse del film su un pezzo di similpelle nera?

L’interesse principale che Cruising mi ha offerto è stato il fatto che, come parte di un prodotto della cultura mainstream, mostra, allo stesso tempo, il codice del fazzoletto con cui lavoravo in quel periodo. Poi, ho iniziato a leggere molto su questo film e ho scoperto in un’intervista a Friedkin, dove gli chiedevano delle comparse che aveva usato durante le riprese di Cruising, che erano persone che appartenevano alla scena Leather di New York. Friedkin riteneva che il 90% di quelle comparse sarebbe morto negli anni successivi a causa dell’AIDS.

Quindi, ho deciso di onorare tutti quei corpi e quelle vite perdute che hanno effettivamente dato vita a quell’atmosfera convincente che possiamo provare guardando Cruising. Un’altra importante informazione che ha ispirato questo lavoro appare nel libro di Jack Fritscher Mapplethorpe: Assault with a Deadly Camera. Parlando di Cruising, Fritscher ci racconta che molti di quelle comparse erano suoi amici intimi che improvvisamente sono scomparsi. Queste due idee sono state per me la base principale per creare Elegy for Cruising.

Cosa rappresentano per te quelle comparse?

Rappresentano per me una parte strappata della storia LGTBIQA+ ma rappresentano anche una sorta di futuro cancellato, corpi scomparsi, spazi chiusi e piaceri troncati. Allo stesso tempo, offrono l’occasione per riconciliarci con quanto accaduto in passato. Quindi, possiamo abbracciarlo e leggerlo dall’attuale prospettiva Queer per ottenere un futuro più liberatorio per la nostra comunità. 

Mi parli delle tue bandane? Anche in questo caso si tratta di codici, secondo te esistono ancora codici come quelli o era una pratica tipica degli anni ’70, perché ora si può scrivere tutto direttamente nel proprio profilo di Grinrd, Scruff o di tutte le altre app?

Il mio lavoro con bandane e fazzoletti parte da quel punto, cerco di collegare quei codici degli anni ’70 con quelli attuali come linguaggio evoluto in un contesto diverso. Bandane e colori si sono espansi unendo emoji comuni sotto un significato sessuale.

Indipendentemente dal codice che usiamo o che preferiamo, la sopravvivenza di questi linguaggi significa che ci sono molti tabù da sfumare.

Quando hai imparato a ricamare?

Mia nonna e mia madre me lo hanno insegnato quando ero bambino. Tuttavia, è stato durante il mio periodo universitario che ho iniziato a ricamare a causa di una ricerca sull’arte tessile che stavo facendo per uno dei soggetti. Questa ricerca mi ha collegato ancora una volta con quella vecchia conoscenza familiare trasmessa dai miei parenti. E da allora ricamo.

Cos’è l’arte per te?

Probabilmente è la risposta più tipica, ma per me l’Arte è tutto. È il modo migliore che conosco per esprimermi e il più completo. Non posso farlo in nessun altro modo. Sono totalmente dipendente dall’arte.

Quali tabù secondo te dovrebbero essere superati che ancora esistono nella nostra società?

Qualsiasi tabù è una merda totale. Principalmente, perché i tabù sono un vero e proprio morsetto per i nostri desideri. E proprio i desideri sono un punto cardine del mio lavoro artistico.

Che idea avevi di com’era il cruising all’epoca e di com’è adesso?

Pochi giorni fa, stavo leggendo di com’era il cruising durante il periodo pre-AIDS. È vero che questa infezione ha cambiato alcune delle sue regole riguardo al modo in cui le persone interagivano, ma non nel modo in cui si comportavano. In effetti, l’AIDS ha aggiunto quell’idea davvero Queer che unisce il piacere con una pulsione di morte.

Per questo motivo, “Cruising” offre una chiara visione Queer nel modo in cui porta il piacere ai suoi limiti estremi. E questa concezione è in realtà l’essenza della pratica cruising mantenuta ancora oggi, rappresentando, appunto, il suo principale interesse per me.

A cosa stai lavorando ora?

Attualmente sto lavorando a un nuovo progetto che parte da “Elegy for Cruising” collegando il martirologio cattolico con le pratiche BDSM attraverso il binomio piacere/morte.

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Raphael Hubner è un artista Sud Americano e anche per lui come per molti altri artisti queer nel mondo l’arte è un modo per comunicare in modo politico l’urgenza di manifestare l’essere noi stessi e quello che siamo in un mondo che ancora oggi è intollerante. 

L’attrazione queer è quello che Raphael manifesta nei sui lavori su supporti leggeri come la carta o più materici come il legno. Rimangono immortalate su questi supporti attimi intimi tra corpi. Se qualcuno volesse essere immortalato in un momento d’amplesso basta mandare una foto a Raphael per avere trasformato in arte un ricordo intimo che dura per sempre.

Qual’è la tua visione sul corpo maschile che  comunichi attraverso le tue opere?

Sono sempre stato affascinato dalla figura maschile. La mia indagine ha attraversato diversi tipi di corpo. Mi piace anche lavorare oltre il disegno con oggetti, installazioni, performance e altre pratiche che utilizzano il corpo come supporto.

I tuoi lavori raccontano il desiderio queer e l’intimità tra uomini che ne dici?

Quando ho aperto lo Studio, non avevo intenzione di lavorare con l’arte omoerotica. Era naturale, sentivo il bisogno di parlarne, di naturalizzare i nostri desideri e risolvere i nostri problemi. 

È politico e urgente in un mondo così intollerante.

Da dove prendi ispirazione per le tue illustrazioni?

L’ispirazione è ovunque. Relazioni, una bella canzone, un libro, una frase, un luogo, altri artisti. Di solito sono più ispirato a creare guardando cose semplici.

Com’è essere un artista queer in Sud America?

Non è facile. Purtroppo qui stiamo vivendo momenti bui di intolleranza. Gli incentivi per la cultura sono scarsi. La società brasiliana è ancora ultra conservatrice e prevenuta. Avanziamo a passi lenti.

I tuoi disegni sono davvero semplici ma potenti perché hai scelto il minimalismo?

Ho scelto il minimalismo perché credo che la linea sia capace di ritrarre le figure nella loro essenza, attraverso un tratto espressivo e appassionato.

Stai utilizzando diversi strumenti per la tua creazione, quale ti piace di più e perché?

Sono ossessionato dalla pittura ad olio! Amo la consistenza, la delicatezza e la luminosità di questa vernice.

Cosa ti piace di più del corpo maschile?

Mani e piedi.

Nei tuoi lavori ci sono ricordi? Desideri? 

Sì! Soprattutto ricordi e desideri. Uso sempre riferimenti per i miei disegni, a volte personali, a volte dai collezionisti, a volte un’immagine su Internet.

Tutto ciò che mi attraversa diventa arte.

Hai mai realizzato un tuo lavoro su una scala più grande? Come un muro? Penso che sarebbe fantastico?

Non ancora, ma accetto la sfida.  Dovrebbe essere divertente

Dove vedresti i tuoi lavori in casa di qualcuno?

Magari in camera da letto, luoghi più intimi.

Qualcuno ti ha mai dato una foto mentre faceva sesso per farsi fare un disegno?

Sì, questo è super comune. I miei collezionisti mi mandano foto delle loro relazioni sessuali da cui posso fare arte, ma è un lavoro personale quindi non viene pubblicizzato

Come funziona quindi la commissione? Mandando delle foto o posando davanti a te?

Possiamo farlo in entrambi i modi. Poiché la maggior parte dei miei clienti sono internazionali, di solito lavoro basandomi sulla fotografia.

Tra meno di un mese sarà Natale cosa vorresti trovare sotto il tuo albero di Natale?

Un biglietto aereo per il deserto di Atacama in Cile sarebbe fantastico.

Raphael Hubner

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Negli ultimi anni Robert Fontenot si è dedicato principalmente alla pittura ad olio che ci ha colpito per il modo in cui dipinge i volti e i corpi con quell’allure vintage da rivista porno gay. Il focus se si fa attenzione è nei gesti che sembrano comuni ma in questo contesto evocano qualcosa di nascosto facendoci immaginare cosa si possa celare dietro essi.

Robert Fortenot rivela le fragili connessioni tra gli uomini in questi immagini che isolano azioni quali il desiderio verso quello che si potrebbe definire pericoloso.

Robert mette il travolgente bisogno di parentela con le dure realtà generate dall’intimità, dalla mascolinità e dalla propensione all’autolesionismo in chiave “hot”e questo ci piace…

Ciao Robert, puoi parlarci un po’ di te? 

Sono un artista che vive e lavora a Los Angeles, California. Ho lavorato con una vasta gamma di media, dalla fotografia, scultura, pittura, ricamo, pasta per il pane e performance. Sono felicemente sposato con un meraviglioso curatore e sono proprietario orgoglioso di un cane particolarmente maleducato.

Da artista poliedrico quale sei, perché ultimamente ti sei concentrato sulla rappresentazione maschile? 

Circa sei anni fa ho iniziato a lavorare quasi esclusivamente con la pittura ad olio. Quasi subito mi sono concentrato sugli uomini. Ho studiato fotografia alla scuola d’arte e sono per lo più autodidatta quando si tratta di pittura. Ho sempre dubitato delle mie capacità, ma la mia unica zona di comfort è sempre stato il corpo umano.

Prima mi sono concentrato solo sui volti, sui personaggi dei vecchi programmi televisivi, uomini danneggiati, insanguinati, sfigurati, molti dei quali erano quegli stessi attori in ruoli molto diversi. Ora mi sono esteso a persone intere, ad interazioni tra uomini, con un focus sul gesto e sul significato non detto.

Come è nata l’idea di soffermarsi sulla rappresentazione dell’uomo? Chi non è affascinato dagli altri uomini? I tuoi lavori ricordano le riviste vintage gay, è stata una scelta o il risultato è stato casuale? 

Il look vintage è decisamente voluto. Tutti questi dipinti sono ispirati a film e programmi TV vintage: commedie degli anni ’80, horror degli anni ’70, film polizieschi italiani, film di poliziotti americani, ecc. Per quanto riguarda l’aspetto specifico delle riviste gay, è difficile per me come uomo gay guardare questi vecchi film e non vederli attraverso una lente gay. Molti di loro erano inesorabilmente omoerotici. 

Cosa trovi affascinante degli uomini del passato? 

Concentrandomi su immagini vintage, spero di attingere a un sentimento di nostalgia, di ricordi d’infanzia di notti passate fino a tardi davanti alla TV, ma li riscrivo con un confortante gloss gay.

In un certo senso si tratta di rivalutare il passato attraverso un filtro omosessuale. Inoltre gli uomini erano sexy.

Molti dei tuoi lavori raffigurano scene piccanti spesso con tocchi BDSM, cosa ti piace particolarmente di questa pratica? 

Non sono intrinsecamente attratto dal BDSM, ma trovo che la fiducia intrinseca necessaria e la perdita di controllo creino immagini avvincenti. Allo stesso tempo, in nessuno dei miei dipinti c’è l’individuo legato che trae piacere dalla schiavitù. Non è mai qualcosa in cui sono entrati volontariamente, ma è qualcosa che li ha esposti a un’esperienza che potrebbe cambiarli.

Perché alcuni dei soggetti raffigurati hanno posture o gesti insoliti? 

Sono spesso attratto da questi strani momenti di connessione tra uomini in cui un gesto, un tocco o uno sguardo tradiscono un intensa intimità. 

È il tipo di momento che può durare solo una frazione di secondo ma a cui potresti pensare per il resto della tua vita.

Quali sono i tuoi piani per il futuro? Hai in programma qualche mostra in programma? 

Sono finalmente arrivato al punto in cui sento che i miei dipinti ad olio sono pronti per essere mostrati e sono entusiasta di avere mostre imminenti sia alla r d f a  gallery a Los Angeles, in California, che alla Dog and Pony a Spokane, Washington.

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Andre Serfontein nasce e continua a vivere nella sua bellissima e calorosa Africa, nello specifico nella multiculturale città di Cape Town. Appassionato dall’arte decide di abbandonare il suo precedente lavoro per dedicarsi interamente alla pittura e alla scultura. Ciò che prevale maggiormente dell’arte di Andre Serfontein sono sicuramente i dipinti raffiguranti uomini nudi. Uomini dal collo allungato, da parti del corpo accentuate ed esagerate da tratti spontanei che Andre Serfontein applica senza soffermarsi molto. Una celebrazione della diversità fisica, per ricordarci che nessuno è perfetto ma che tutti siamo unici.

Ciao Andre, puoi parlaci un po’ di te?

Sono nato in Sudafrica, vivo con il mio compagno sulle pendici della Table Mountain nella bellissima Cape Town. Ho studiato grafica e illustrazione fino a quando ho iniziato la mia attività, di artigianato e arredamento in metallo, che ho venduto due anni fa per perseguire la mia passione per la pittura e la scultura.

Quando hai capito che l’arte sarebbe diventato il tuo lavoro?

Ho sempre avuto un interesse nel creare arte e sapevo che avrei seguito una carriera in quel campo. All’epoca in cui lasciai la scuola, l’interesse per l’arte significava scegliere una carriera nel campo commerciale.

Essere un artista a tempo pieno non era considerata una scelta professionale seria.

Ho studiato graphic design e ho lavorato come designer e illustratore in agenzie pubblicitarie e come freelancer. La pubblicità si basa principalmente sul seguire i brief e anche se mi è piaciuto, ha ben poco a che fare con l’espressione di sé. Ho continuato a fare dipinti e disegni nel tempo libero. Nel 2018 sono stato contattato da un curatore che ha visto il mio lavoro su Instagram per fare una mostra personale nella loro galleria. 

Non mi vedevo come un artista pronto per una mostra personale, ma con riluttanza accettai e mentre iniziavo a prepararmi per la mostra ho capito che questo era ciò che volevo fare.

La mia mostra personale è stata aperta nel 2019 e il successo ha alimentato la determinazione ad applicarmi per essere un artista a tempo pieno

In che modo ti sei approcciato alla pittura e alla scultura?

Sono entrato a far parte di un corso di scultura in ceramica alcuni anni fa, ho amato la qualità tattile dell’argilla e la fisicità del lavorare con le mie mani. 

Lavorare con modelli dal vivo è stato fantastico: ho dovuto guardare e familiarizzare con i sottili cambiamenti e le forme di un corpo, mi sono davvero divertito. 

La mia unica frustrazione con la scultura sono i processi dopo la finitura (la cottura, la smaltatura, la costruzione di stampi, la fusione e le patine).

La consegna di tutti questi processi spesso si traduceva in delusione.

Ho quindi iniziato ad applicare la vernice ai pezzi fusi per ottenere esattamente un risultato finale che mi piacesse.

Dipingo principalmente a olio ma disegno molto e sono sempre curioso di mezzi diversi, quindi ad esempio quando disegno dal vero faccio esperimenti con carboncino, pastello, colori acrilici o li mescolo tutti insieme.

I soggetti che raffiguri hanno spesso delle esaltazioni di alcune parti del corpo, che significato gli attribuisci?

Quando trovo un’immagine che voglio dipingere, la ridisegno un paio di volte e nel processo esagero e distorco, cerco di non metterci troppo pensiero cosciente ma piuttosto lascio che il subconscio prenda il sopravvento.

Lascio che i miei pensieri fluiscano e attraverso questo viene stabilita una connessione emotiva che sviluppa l’umore e la sensazione del dipinto.

Cos’è per te la bellezza?

La bellezza è tutto ciò che mi riempie di meraviglia, può essere qualcosa nella natura, un gesto gentile, musica o una persona, non deve essere una cosa fisica o una norma sottoscritta dalla società, questi standard cambiano comunque da una generazione all’altra. 

La bellezza ha spesso un mistero o uno stato d’animo inspiegabili che mi ispira mentre dipingo.

Cos’è per te l’imperfezione?

Non credo davvero all’imperfezione. 

Ciò che è considerato imperfetto, rende le persone uniche e interessanti e le distingue. 

Un leggero inestetismo può evidenziare una bellezza che spesso esagero nel mio lavoro.

I soggetti che raffiguri sono persone reali o fonte della tua immaginazione?

Le persone che dipingo sono una combinazione d’immagini provenienti da una forte dose d’immaginazione, non importa quale sia il soggetto, ridisegno, distorco e accentuo sempre ciò che trovo interessante. Devo basare le persone che dipingo su qualcosa e iniziare sempre con un riferimento.

Cosa guardi in una persona la prima volta che la vedi?

Direi il viso, può essere affascinante studiare davvero le delicate modulazioni dei contorni, i movimenti muscolari sottili, i cambiamenti di colore e gli occhi grandi possono essere totalmente ipnotizzanti.

Perché la scelta di allungare i colli?

Allungare il collo fa parte della distorsione generale, tendo ad allungare tutta la forma dei soggetti. Si crea un senso di eleganza, fluidità e dolcezza.

Come si vive a Cape Town la diversità?

Cape Town è una città molto cosmopolita che attira molti visitatori internazionali per la sua bellezza naturale piena di artisti vibranti e creativi. Giochiamo con i confini tra arte, cibo e design. È anche una città che è appena uscita da anni di oppressione politica e divisione. Le cicatrici sono ancora molto presenti, e mentre la diversità sessuale viene celebrata nelle aree centrali e più ricche, c’è molta omofobia in altre comunità.

Cos’hai i programma per il futuro?

Ho in programma alcune mostre collettive per quest’anno e sono stato contattato da una galleria di Parigi per esporre lì nella primavera del 2022 a cui sto lavorando. Non credo davvero nell’essere troppo rigido nel fare progetti per il futuro, preferisco essere consapevole, essere aperto e cogliere le opportunità che si presentano. 

Questo fa sì che una vita piena si svolga magnificamente.

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Renaud Duc nelle sue fotografie rivela la sua privacy, quella fatta di ragazzi nudi e comuni che immortala attraverso una vecchia macchina fotografica analogica. Amici ed amanti messi a nudo e vesti solo della luce quella naturale che sceglie per i suoi scatti. Renaud Duc non ritocca le sue fotografie ma le lascia grezze esattamente come quelle che si facevano una volta con le macchine fotografiche usa e getta, quando gli scatti rimanevano come dei ricordi privati non divulgati su Instagram come invece succede adesso. 

Sei un DJ e anche un fotografo, che cosa ti piace di più?

Ero un DJ prima di iniziare a scattare fotografie, era il mio lavoro a tempo pieno. Lavoro per un nightclub come promoter di feste da un paio anni a questa parte. Con la pandemia le cose sono cambiate e le fotografie hanno preso un posto più grande nella mia vita adesso.

Quando hai iniziato a fotografare?

Sono passati nove o dieci anni, ho comprato una vecchia macchina fotografica in un mercato dell’usato, un’analogica, perché il mio ex ragazzo scattava foto analogiche. Ho pensato che sarebbe andata bene anche per me. Prima di allora, ho scattato molte foto alle feste con macchine fotografiche usa e getta.

Quindi sei un fotografo autodidatta? 

Cosa posso dire? Non lo so, nessuno mi ha spiegato come usare una macchina fotografica, la prendo, scatto il mio modello e basta.

Hai fotografato molti ragazzi. Come li selezioni?

Beh, forse perché sono gay, quindi conosco molti ragazzi. Il mio criterio principale è che il modello deve piacermi, deve scattare un «amore a prima vista», ma non in modo sessuale o sentimentale.

Come ti senti a stare davanti a loro nudi?

Onestamente non mi interessa, il corpo nudo non è una cosa di cui aver paura.

Capisco, ma onestamente qual’è la prima cosa che pensi quando una persona che non hai mai visto si sta tirando giù le mutande davanti a te per essere fotografata?

Adoro la sua linea dell’abbronzatura, perché solo pochi di loro sono naturisti.

La fotografia dicono che a volta sia come toccare un corpo con una macchina fotografica. Sei d’accordo? Sei mai finito a fare sesso con uno dei ragazzi che hai fotografato?

Non sono mai così vicino al modello quando scatto le foto, non sento di toccare i loro corpi. A volte però è successo di fare sesso, ma chiaramente le fotografie erano solo una scusa…

Come chiedi alle persone di spogliarsi per te?

Lo chiedo nello stesso modo in cui chiederei loro di indossare un vestito. Non costringo nessuno a essere nudo, né a indossare qualcosa che non vuole. Ne parliamo prima degli scatti, a volte mi danno anche delle idee, è tutto molto naturale.

Cosa trovi sexy in un ragazzo?

Un atteggiamento, un ragazzo con carisma, qualcuno con una fisicità atipica.

C’è molta intimità naturale nelle tue opere che le rende reali e non false. Come riesci a mantenere quell’intimità con qualcuno che non conosci?

Non lo so, è naturale. Forse il fatto che io usi una macchina analogica amplifica questa sensazione. Non guido molto i miei modelli quando scatto, spesso si atteggiano come sono.

Sei d’accordo che le persone hanno più paura di mostrare le loro facce rispetto al loro sesso?

Dipende dal contesto e dal tipo di foto che farò. Alcune persone hanno il controllo del proprio corpo e anche se si fanno selfie stravaganti o pornografici, non vogliono essere fotografati da un fotografo. Altri invece non vogliono mostrare la loro faccia e i loro genitali nella stessa immagine. Altri ancora possono posare nudi ma non vogliono pubblicare le immagini.

La luce naturale è quella che usi. Cosa ti piace di più di questa luce?

Non devo fare regolazioni, la luce cambia da sola, può essere morbida o luminosa in un minuto e preferisco la finitura dell’immagine che ne deriva. Ho iniziato a usare le luci da studio alcuni mesi fa, ma il risultato non è lo stesso ed è davvero complicato per me usarle con una macchina fotografica analogica.

Le tue fotografie così naturali, senza post produzione sembrano quelle che due amanti potrebbero scattarsi da soli. Cosa pensi?

Non lo so, forse facendolo in questo modo la gente può pensare che tutti i ragazzi che fotografo siano i miei amanti, ma non è veramente intenzionale.

C’è qualche fotografo da cui ti senti più ispirato?

Non proprio, non ho un background o una conoscenza da fotografo, non sono ispirato da qualcuno in particolare, mi piace il lavoro di Pierre et Gilles e soprattutto i lavori di artisti contemporanei come Florian Hetz o Joseph Wolfgang Ohlert.

Come DJ immagino che con tutti questi lockdown e la pandemia ti sei perso un sacco di feste. Che cosa ti è mancato più?

Non mi mancano per nulla le feste. Quello che mi manca di più è suonare, fare il DJ e vedere i miei amici ballare davanti a me.

Che musica hai scoperto in questi mesi che non vedi l’ora di suonare?

Ho ascoltato molta musica per PC, come Sophie o Charli XCX, anche molta musica trance e hardcore, come Ascendant Vierge, mi piace l’ultimo album di Arca, Shygirl e Yelle.

Quante volte sei stato bannato da Instagram? Cosa pensi di questa nuova pesante censura?

Due o tre, non ricordo, l’ultima volta è stata a novembre 2020. È sempre più difficile postare contenuti di nudo o presumibilmente sensibili. Vedo sempre più persone censurate che seguo ed è davvero triste, perché è non ha senso. Perché possiamo pubblicare immagini di violenza e  poi sfocate da Instagram, ma non un pube? Che cos’è più offensivo? Non pubblichiamo porno, pubblichiamo il corpo.

Il corpo deve essere celebrato in ogni modo, tutti i corpi, non censurati. Ho trovato un’alternativa per pubblicare il mio lavoro senza censura su Xplicit.app. Forse è l’inizio della fine di Instagram, come è successo a Tumblr due anni fa?

Renaud Duc

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Eric Lotzer per sfuggire alla pandemia globale da New York si è trasferito sui monti magici del Vermont. Dalla sauna alla flora. Eric viene influenzato da quest’ultima nella realizzazione dei suoi ultimi lavori. Ci conduce in una fantasia bizzarra piena di uomini animaleschi, fluidi, nudi e liberi da paure.

Attraverso il velo dell’erotismo queer, i disegni intimi a matita ritraggono una metamorfosi erotica, nata dall’esperienza personale di Eric mescolata a riferimenti mitici e religiosi, tra cui Narciso e San Sebastiano.

Eric Lotzer esplora gli aspetti del subconscio umano, riferiti al comportamento sessuale. Il corpo maschile e la sessualità queer hanno qui tratti grotteschi e seguono la trasmutazione del corpo sotto forma di artigli pelosi, antenne e orecchie da elfo. 

Il messaggio che ne emerge è quello di una libertà primordiale ed istintiva che tutti noi dovremmo abbracciare, un pò come i suoi personaggi, che fuggono verso uno stato di euforia, con comportamenti che li spingono oltre l’eteronormatività in un regno decisamente erotico e umano, come è quello queer.

Che cosa ricordi dei tuoi giorni a Minneapolis?

Nonostante tutto, ricordo che è stato un periodo molto felice della mia vita: gli inverni erano rigidi ma le estati hanno compensato. Ho iniziato a ballare a livello competitivo a tre anni e ho viaggiato per lo stato per gareggiare fino all’età di dodici anni. Ero l’unico ragazzo per la maggior parte del tempo e mi vestivo come un cowboy con strass o come Fred Flinstone e facevo le piroette sul palco.

La mia famiglia si è trasferita ad Atlanta quando avevo 12 anni e ho finito di frequentare l’università presso l’Università della Georgia. Dopo la laurea sono tornato a Minneapolis per un anno per vivere la città da adulto, come non avevo mai fatto prima. Sono rimasto sorpreso da quanto la città sia creativa e liberale e dalle dimensioni della scena gay. Adoro ballare al The Saloon e al Gay 90’s, due locali gay in città pieni di fumo, specchi e corpi sudati.

Oggi invece sei un artista di Brooklyn qual’è la differenza più grande che hai trovato tra le due città. E i ragazzi?

Mi sono trasferito a New York quando avevo 24 anni con solo una valigia e 800 dollari. Dopo aver soggiornato con un amico nell’East Village tra la 14th St e Ave D, ho preso il mio primo appartamento a Bushwick. Non dimenticherò mai quei primi giorni, osservavo e interagivo con i personaggi che vagavano per il quartiere.

L’atteggiamento di fregarsene di quello che pensano le altre persone e di fare come ti pareva è quello che percepivo. A Union Square il mio primo giorno, un uomo vestito come Elvis era seduto su una panchina e mi fissava con il suo cazzo in mano. Non potevo distogliere lo sguardo e non volevo. Brooklyn è molto più diversificata di Minneapolis e ospita tutti i ceti sociali, ma non è un posto facile in cui vivere se non hai soldi. Inoltre, se non sei un duro, New York ti masticherà e ti sputerà fuori.

Non ho avuto altra scelta che trasferirmi a Brooklyn perché era quello che potevo permettermi ma mi sono sentito subito a casa. Per la prima volta non mi sentivo diverso. Essere in grado di incontrare persone provenienti da tutto il mondo mi ha permesso di circondarmi di artisti queer resilienti, di imparare da loro. I dieci anni in cui ho vissuto a Brooklyn sono stati una rinascita espressiva, alimentata dal caos della City. Minneapolis semplicemente non ha la stessa mentalità affoga o nuota che rende New York così avvincente. Per quanto riguarda i miei ragazzi, viaggiano con me ovunque e possono prosperare in qualsiasi ambiente.

C’è qualcosa nel tuo disegno che mi ricorda i personaggi di un cartone animato o una caricatura, ma li hai mantenuti sexy ed arrapati. Come sei arrivato a questa decisione?

Da bambino sono rimasto affascinato dai disegni di Shel Silverstein e dalle animazioni dello Studio Ghibli. Le facce che disegno me lo ricordano ancora. La caricatura serve per esagerare le proprie caratteristiche, per creare un effetto comico o grottesco, due elementi che sono spesso prevalenti nel mio lavoro. Migliorando alcune caratteristiche del viso puoi creare un cambiamento psicologico che cambia la personalità e le emozioni della persona che stai raffigurando. Sono ispirato dalle opere di Gengoroh Tagame e Namio Harukawa e dal modo in cui usano l’erotismo e la caricatura per dare a ogni soggetto un forte sessualità e confidenza. L’influenza hentai nel mio lavoro evidenzia gli aspetti a volte scomodi dell’attrazione e della sessualità che lo spettatore spesso non visita dentro di sé.

I tuoi soggetti sono cattivi e viziosi, ma c’è quel battito di ciglia come se fossero birichini, furbi e si divertissero così tanto ad esserlo, sei d’accordo?

Sono un ragazzo piuttosto birichino, quindi è naturale che venga fuori nel mio lavoro. Stavo scherzando. Sono così stanco di vivere in una società eteronormativa che ostracizza le persone queer perché sono diverse dalla loro norma. Creo immagini che permettono allo spettatore di sentirsi libero come i miei disegni. Anche se ho visto alcune persone essere disgustate dal mio lavoro, semplicemente perché c’è una vergogna generale nella nostra società per coloro che hanno la consapevolezza della propria sessualità.

E poi soprattutto il sesso gay! Se essere vizioso e libero è considerato da cattivo, allora contami dentro. Se non riesci a sopportare il caldo, esci dalla cucina.

Cosa significa per te la libertà nel disegno?

A livello personale, il disegno è molto terapeutico per me, posso scappare per ore. Ho disegnato tutta la mia vita ed è qui che mi sento più a mio agio. Il disegno è più liberatorio di qualsiasi altro mezzo.

Professionalmente, penso a quanti artisti queer del passato si quelli che hanno dovuto nascondere la propria identità o sia quelli che erano dichiarati, hanno scritto i libri della nostra storia e quanto lontano siamo arrivati, ma anche quanto lontano dobbiamo ancora andare.

Devo ricordare a me stesso di essere grato di poter creare il lavoro che faccio senza essere arrestato o ucciso o dover nascondere la mia identità.

Non c’è ambiguità nella tua arte, puoi vedere con certezza che i bagni o le docce sono ancora posti in cui fare sesso. Mi diverte perché oggi con app come Grindr non c’è più bisogno di andare in posti del genere, ma potrebbe esserci ancora una fantasia in ciò che potrebbe accadere in quei luoghi in cui imposti lo scenario. Possono sembrare un po’ vintage ma ancora caldi come l’inferno… In quali altri posti vedresti i tuoi personaggi fare sesso?

Di recente ho attraversato una rottura e mi sono trasferito a L.A. Sto lavorando ai disegni per uno mostra imminente che incarnano questo paesaggio occidentale. Una città dello spettacolo al centro del deserto, delle montagne e della spiaggia.

Da lontano Hollywood è opulenta, ma a un esame più attento si vede attraverso la facciata della cultura pop. L.A. è meravigliosamente contorta e voglio che il mio nuovo lavoro catturi il mio nuovo capitolo personale della vita sulla costa occidentale. Sono sempre stato ispirato dalle persone e dai luoghi intorno a me, quindi questa transizione è naturale. Diciamo solo che i miei futuri amanti e scenari devono ancora rivelarsi.

Stai celebrando la nostra sessualità queer! Cosa significa per te l’erotismo?

Audre Lorde ha detto che “l’erotico è una misura tra l’inizio del nostro senso di sé e il caos del nostro sentire più profondo”. Celebro il coraggio necessario per essere onesto con se stessi e per darci la vita che sappiamo di meritare.

L’erotismo per me è un istinto primordiale di premere l’intero peso del tuo corpo su qualcun altro e fondersi in una forma sudata e scintillante carica di alito caldo e ricoperta di peli bagnati, dove l’euforia crea un’esperienza fuori dal corpo e il tempo si ferma.

Quanto dei tuoi desideri sono rappresentati nel tuo lavoro? Sono ricordi, fantasie o entrambi.

Vivo tutti i miei desideri e le mie fantasie nel mio lavoro. Sia che mi ispiri ai miei amici, alla storia dell’arte o a fotografie trovate, i miei disegni sono un luogo dove tutto può succedere. Alcuni pezzi provengono da ricordi, relazioni passate: mi piace spingerli a un punto in cui ricordano questo mondo ma continuano a vivere in un sogno sessuale.

Cosa ti ha insegnato questa pandemia?

Ho imparato che il disegno è l’unico modo per calmarmi completamente. La pandemia mi ha costretto a sedermi con me stesso e stare da solo. Ero molto isolato sulla montagna nel Vermont e ho trascorso molto tempo in studio a disegnare. Raramente andavo in città o socializzavo con qualcuno. Per 10 anni a New York sono stato sempre molto socievole e non mi sono mai preso il tempo per stare da solo. È facile lasciarsi coinvolgere dai piccoli drammi della giornata.

Nella tua serie Green Thumb ci stai portando in una strana foresta dove le tue creature sono libere nude e godono dell’istinto primordiale. Cosa mi racconti a riguardo?

Green Thumb è uno sguardo nella foresta dell’estasi proibita, inclusi tutti i lati della fantasia: il bello e disgustoso, invitante ma inquietante, giocoso ma spaventoso, repulsivo sebbene erotico. I riferimenti vanno dalle incisioni su legno del XVI secolo di Hendrick Goltzius fino al XX secolo con i cartoni erotici di Robert Crumb ma, soprattutto, la natura selvaggia del Vermont e la trasformazione della solidarietà.

Ci sono molti riferimenti come Narciso e San Sebastiano che trattano una sorta di mix tra il mito religioso, estasi e l’istinto sessuale. Come si finisce a creare un mondo del genere?

San Sebastiano era il santo patrono della peste ed è diventato un’icona gay per i modi in cui era rappresentato omoeroticamente nell’arte, si adattava al mio stile e al tempo. Sono molto interessato ai riferimenti storici dell’arte del passato queering in cui l’omoerotismo non è mai stato riconosciuto.

Cosa di mi dici delle orecchie da elfo?

Non è uno scherzo, ma il mio orecchio sinistro è un orecchio fatato. Solo il mio orecchio sinistro. Ce l’hanno anche mia madre e mio fratello. Da bambino ho sempre pensato di essere un elfo o una fata. Ho giocato come un mezzelfo in Dungeons and Dragons, che dovrebbe anche essere il nome di un porno. Amo anche Campanellino che mi piace chiamare “Twinkerbell” e il film Ferngully.

Alla fine, mi sono ritrovato in mezzo al bosco e sono stato immediatamente cosparso di polvere di fata.

La crescita della natura a volte è sessualizzata nelle metamorfosi erotiche di una creatura gender fluid. Chi sono quelle creature per te?

Le creature appartengono a una comunità sotterranea che prima si nascondeva sotto la volta della foresta che ha deciso di uscire e accettare se stessa. I loro corpi bizzarri si crogiolano nella luce ora che hanno liberato i bozzoli delle loro vite passate repressive.

La vita gay ha il suo ciclo naturale: ci vuole un po’ per sentirti abbastanza a tuo agio da sbocciare e mostrare i tuoi veri colori.

Che cosa dovremmo imparare da loro?

È stancante ma è vero: non importa cosa pensano gli altri di te. Rimanere fedele a te stesso ti porterà a rafforzare la solitudine. Più facile a dirsi che a farsi.

C’è una fuga dalla sauna alla fauna nei tuoi nuovi disegni Quando hai sentito questo bisogno?

Questo era un riflesso letterale della mia vita in quel momento. Ho lasciato New York per il Vermont, per sfuggire alla pandemia e ho sentito l’ovvia spinta a disegnare ciò che mi circondava. Mi mancano però le saune.

Quali sono i tuoi pensieri sul rapporto tra censura e identità queer?

Niente dovrebbe essere censurato, specialmente le opere d’arte queer. Siamo stati abbastanza censurati.

Pensi che il mondo dell’arte ti dia più libertà di esprimerti? O ritieni che il mondo dell’arte sia altrettanto intollerante?

Lavoro per me stesso, non per il mondo dell’arte. Fino a quest’anno, il mio lavoro non è mai stato riconosciuto da gallerie, curatori e collezionisti del mondo dell’arte. Mi sento più un outsider per quanto sia erotico, grafico e strano il mio lavoro, ma forse le sorti sono cambiate.

Quanto è importante per te essere riconosciuto in associazione con un’arte e una cultura specificamente “queer”?

Ovviamente mi identifico come queer sia nel mio lavoro che nella mia vita, ma prima di tutto sono un maschio gay e voglio chiarire che il mio lavoro è il prodotto delle mie esperienze gay piuttosto che incarnare tutta la cultura queer. Non voglio essere responsabile di questo. La mia intenzione è di aggiungermi a una lunga stirpe di disegnatori figurativi maschili gay. Voglio che gli altri vedano che arte e cultura, religione e mitologia sono tutti fantasia tesoro e mi piace spingermi al massimo.

Ho vissuto gran parte della mia vita provando vergogna per i miei desideri sessuali e voglio creare un mondo libero da giudizi. Gli artisti queer e le loro realizzazioni sono stati cancellati dalla storia, quindi sento che è mia responsabilità creare il mio lavoro come dire “siamo qui!”. Voglio dire, tutti sono un po’ gay, giusto?

Eric Lotzer Eric Lotzer Eric Lotzer Eric Lotzer Eric Lotzer Eric Lotzer

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Horacio Abdala è un illustratore nato in Argentina nella caotica e ricca di cultura città di Buenos Aires. Da sempre appassionato per il mondo dell’illustrazione, riesce a toccare argomenti piccanti come il sesso in maniera del tutto divertente. Colorato e tecnicamente grafico, i suoi lavori variano da spade e pistole a forma di peni, a dei teneri uomini bears che trova fisicamente più attraenti, dove fuoriesce il lato più profondo ed emotivo che quello spinto e sexy. I lavori di Horacio Abdala più espliciti si possono trovare nel suo ig account Horno, mentre quelli meno espliciti in Soft Horno.

Horacio Abdala incarna sicuramente l’uomo ideale, caldo a letto e tenero nella vita.

Come definiresti il tuo lavoro?

Attraverso i miei due progetti Horno e Soft Torno, cerco di esprimere due lati della sessualità. Nel primo il lato più erotico, fisico e divertente, nel secondo quello più emotivo.

Com’è nata la passione per le tue creazioni erotiche ?

Mi è sempre piaciuto guardare i porno! Ma la verità è che quando ho iniziato a fare Horno,

la mia intenzione era di dare un approccio diverso al sesso, mescolarlo con l’umorismo e togliere un pò di tabù da certe cose.

Nei tuoi lavori troviamo delle parti esplicite come i peni illustrati come se fossero delle dita, quanto è importante per te l’ironia?

Penso che l’ironia nel mio lavoro sia qualcosa che uso un pò come chiave, nella vita reale sono anche piuttosto sarcastico, ecco perché si riflette nelle mie illustrazioni.

L’ironia mescolata all’umorismo rende molto più facile trasmettere determinati messaggi che altrimenti potrebbero essere molto scioccanti. Mi piace l’impatto moderato.

Come nasce la scelta dei soggetti da illustrare? Sono immaginari o persone vere?

Quando disegno Horno, non penso a delle persone in particolare, solo situazioni e corpi che potrebbero appartenere a chiunque.

Mi ispira molto di più la situazione che il personaggio.

Soft Horno, è soprattutto la mia immaginazione, ma a volte mi ispiro ai dettagli di alcuni ragazzi che mi piacciono, ma quasi mai ad una persona in particolare.

Una delle due opere che mi ha colpito maggiormente è il pene versione pistola, come mai hai deciso di ritrarlo così?

Per fare quell’illustrazione, sono partito dalla parola “sborrata” e successivamente ho provato a fare un gioco tra l’immagine e il significato, è una controversia tra le due parti. Quindi le interpretazioni sono libere.

In soft horno, il tuo account instagram dove pubblichi illustrazioni più censurate troviamo molti uomini orsi, come mai? E’ una scelta che deriva dai tuoi gusti sessuali?

Penso che in Soft Horno la mia idea principale sia quella di mostrare una parte più emotiva e non ho davvero alcun interesse a mostrare uomini nudi o che fanno sesso.

Per quanto riguarda gli orsi, si, amo gli orsi! Trovo molto più interessante disegnare corpi con curve che muscoli. 

Cosa ti colpisce maggiormente in uomo?

E’ difficile descrivere cosa mi piace particolarmente degli uomini. Ma trovo molta poesia nel corpo e nelle sue curve, nell’intensità, rusticità e tenerezza, nella mescolanza di tutto.

Com’è sessualmente parlando Horacio?

Sono come in Horno!

Hai altre passioni oltre all’illustrazioni, quali?

Mi piace molto ascoltare la musica, cercare nuove band e stili. Faccio sport, mi piace molto la ginnastica artistica e acrobatica.

Come e dove ti piacerebbe vederti tra dieci anni?

Mi vedo dipingere immagini molto grandi di peni, orsi pelosi e fluidi! Nel mio studio, da qualche parte nel mondo. Viaggiando attraverso le mie mostre.

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Christian Santiago è un artista dal sapore gotico e decadente, le sue opere si potrebbero abbinare perfettamente ai racconti di Edgar Allan Poe o alle poesie di Charles Baudelaire. Un mix di Horror, fantasy con un pizzico di romanticismo e un tocco di eros che rende il tutto non solo misterioso e macabro ma anche accattivante. Le opere di Christian Santiago sono molto narrative, illustrate nei minimi dettagli, con colori dove prevalgono i toni freddi. Christian Santiago ama il cinema e le sottoculture giovanili da cui trae ispirazioni per i suoi lavori. Crede che il sesso sia fonte di confusione, che però lo affascina per i suoi lati contrastanti, che trascina nei suoi disegni dando aspetti diversi e surreali ai suoi personaggi.

Ciao Christian, potresti parlarci un po’ di te ?

Sono un artista nato a New York. Sono cresciuto nel South Bronx, che credo mi abbia notevolmente formato. Il Bronx è sicuramente il quartiere più duro. La mia famiglia è portoricana e come la maggior parte dei caraibici come me, reputo molto impegnativa anche la bandiera portoricana.

Quando hai iniziato a dedicarti all’arte?

Ho sempre disegnato. La mia famiglia e alcuni insegnanti mi hanno aiutato a perseguire la mia passione, facendomi mandare richieste d’audizione alle scuole d’arte di New York.

Ho studiato arte alla Fiorello H. LaGuardia Highschool of Music & Art and Performing Arts, e successivamente alla Parsons School of Design. Ho abbandonato il college poco prima del termine. Ho dovuto lasciare per problemi finanziari e di salute. Non mi sono laureato, ma sono stato selezionato per partecipare al Senior Thesis Show, è stato fantastico. Ho lavorato come case manager per i giovani quel senzatetto. Al momento sono completamente concentrato sulla mia arte.

I tuoi lavori sono sicuramente molto affascinanti per l’aspetto macabro che gli dai, come mai questa scelta?

Molto del mio lavoro è legato ai miei sentimenti e alla mia storia personale con il sesso, l’uso di droghe e la cultura queer. Trovo di avere una relazione complicata con l’argomento e l’arte è stata il mezzo per articolare il tutto.

Chi sono le persone che ritrai?

Faccio riferimento all’anatomia e composizione del porno online. Deformo tutto per avere un aspetto surreale o di orrore nella rappresentazione e nella narrativa del pezzo. I soggetti servono per esprimere concetti. Loro rappresentano una vasta gamma di esseri: angeli che lavorano come cam boys, lavoratori del sesso con abilità di bio-manipolazione, esseri tentacolari usati come fonte di nuove droghe popolari e grandi vermi che formano delle figure umane.

Come spieghi il mix tra dark e erotico che evince nelle tue opere?

Il sesso in generale è fonte di confusione. È strano, bello, disgustoso, violento e mi piace avere questi aspetti contrastanti nel mio lavoro.

Mi guardo indietro e cerco di analizzare la mia storia sessuale e i miei rapporti con gli uomini e sono confuso su come mi sento adesso a riguardo.

Credo che questa possa essere la natura ambigua della mia arte. C’è orrore in essa. Ci sono mostri e la loro è una tortura, ma è difficile dire se le persone coinvolte in queste scene che creo, si stiano divertendo con ciò che sta accadendo o se lasciano che accada causa della dinamica del potere.

Questo aspetto misterioso e oscuro fa parte anche del tuo modo di essere? 

Credo che questi aspetti abbiano un ruolo nel mio modo di essere. Di solito sono molto silenzioso e le persone mi definiscono misterioso, ma penso di essere solo fottutamente imbarazzante.

Sei macabro e misterioso anche a letto? Se sì in che modo?

Forse potrei essere misterioso e macabro a letto. Lo si può sapere sperimentando. Sono molto silenzioso e generalmente molto passivo come persona e mi diverto molto a sorprendere i ragazzi a letto. Sia quando faccio l’attivo o il passivo, brandisco sempre una spada fiammeggiante e sono circondato dai miei spiriti familiari. È un bel momento.

Da cosa trai ispirazione ?

Utilizzo molti media in generale. Guardo un sacco di film e anime. Da bambino ho sempre voluto essere un regista e direi che i film sono la mia più grande ispirazione. Traggo anche molta spunto dalle mie esperienze e conversazioni personali. Sono attratto dalle sottoculture giovanili che si concentrano principalmente sull’evasione. Sono un grande fan di Clive Barker. Amo i suoi film, romanzi, fumetti, ecc. È una mia icona.

Ti senti libero di esprimere il tuo essere?

Mi sento come se fossi libero di esprimermi in una certa misura. È stato difficile crescere come persona queer nel Bronx, ho dovuto affrontare un sacco di omofobia e paura della violenza fisica diretta.

Mi sono represso per molto tempo e una volta che sono diventato apertamente gay si è creata un’atmosfera tossica a casa con i miei genitori. Ho dormito sui treni, o scambiavo sesso per un posto dove dormire per non dover tornare a mai a casa.

Molte cose sono cambiate da allora, per fortuna, le mie esperienze mi hanno fatto assumere un atteggiamento per la serie: “non me ne frega un cazzo”.

Dove possiamo trovare i tuoi lavori?

Le persone possono trovare i miei lavori visitando il mio instagram @lil_saantii, e sul mio sito. Recentemente ho aperto la mia prima mostra personale “For Bacchus” il 3 dicembre con l’aiuto dell’ufficio di DM in una galleria di New York. Durerà fino al 2 gennaio 2021.

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Mi sono sempre chiesto che persona fosse colui che ha messo insieme questo tempio delle meraviglie, trascorrendo ore alla ricerca di ciò che fa bene ai nostri occhi e al nostro spirito. La passione di Henry Miller lo ha portato curare una raccolta di opere che abbracciano secoli di raffigurazioni maschili. Comprende dipinti, disegni, stampe e fotografie. Ciò che rende il tutto ancora più affascinante è che tutte le opere sono davvero esposte nella sua galleria, che allo stesso tempo è anche casa sua. Un modo unico di godersi l’arte, intimo e personale.

Credo che il lavoro di Henry Miller sia quello di mettere in mostra la bellezza, la celebrazione del corpo maschile, e la ricerca di verità.

L’atmosfera complessiva che pervade la collezione è di innocente letizia, vago mistero e talora di entusiasmo, che sorge al cospetto della bellezza della forma maschile che il signor Miller ha raccolto amabilmente da condividere con noi nella sua Henry Miller Fine Art.

Lei è uno dei più grandi collezionisti di forma d’arte maschile. Quando è iniziata la sua passione e perché? 

Ho iniziato a collezionare quadri quando avevo circa diciassette anni e da quel momento li ho sempre collezionati. Anche quando ero ancora più giovane, l’arte e il design mi hanno sempre interessato. E’ impossibile capire perché ho iniziato a collezionare, oltre al fatto che mi ha sempre appassionato farlo. Prima di potermi permettere di acquistare arte, tagliavo le immagini dai giornali e li appendevo sulle mie pareti.

Ho sempre amato i quadri figurativi. Il soggetto può avere vestiti differenti o acconciature diverse ma quando si guarda ad un quadro di una forma umana, tu stai, in sostanza, guardando te stesso. Essendo gay, inevitabilmente il mio focus si è rivolto verso le forme maschili piuttosto che quelle femminili.

Dove trova i pezzi della sua collezione?

Compro lavori in tutto il mondo. Compro all’asta di altri venditori e anche da collezioni private. Essendo conosciuto per vendere arte che raffigura il corpo maschile, spesso mi offrono molti lavori. Prima della pandemia, viaggiavo tanto a Parigi  dove amo trascorrere il mio tempo alla ricerca di lavori.

Si ricorda  quando ha comprato il suo primo pezzo di arte figurativa maschile?

A diciassette anni, nel 1987, comprai la locandina del poster del film Querelle di Rainer Fassbender fatta da Andy Warhol. L’ho comprata in tre differenti colori, ne possiedo ancora una. L’adoro adesso quanto all’epoca.

Adoro la sua casa, che è anche la sua galleria, quando ha deciso di rendere lo stesso spazio con queste due fruizioni? Com’è avere sconosciuti in casa che vengono per vedere la sua collezione? Che idea fantastica!

L’idea di usare la mia casa come il mio principale spazio espositivo mi è venuta per caso; nel 2012, con mio marito, abbiamo comprato una grande casa storica del 1900, che doveva però essere restaurata… Mentre la stavamo restaurando, mi è venuto in mente che sarebbe stato un posto perfetto per mostrare i quadri. Inoltre, dopo l’avvento di internet, non credo sia necessario avere uno spazio in una galleria tradizionale. All’inizio è stato piuttosto strano, soprattutto per mio marito, avere estranei in giro per casa. Mi ci sono abituato rapidamente.

Penso anche che alla gente piaccia. Possono vedere come appare un quadro in un ambiente domestico e possono visualizzare come potrebbe apparire nella loro casa.

C’è un pezzo che non venderà mai?

Ho alcune foto che ho ereditato da mia madre, che non venderei mai. Hanno un grande valore sentimentale per me. A volte compro qualcosa e lo tengo per un po’, forse anni, prima di venderlo e a volte mi si spezza il cuore quando se ne vanno.

Oggi Instagram è un posto dove possiamo trovare forme d’arte di ogni genere, anche lei a volte cerca artisti su questa app, come faccio io per le mie interviste?

Amo Instagram. Ho scoperto così tanti artisti, o quadri, che non avrei mai scoperto senza questa app. Ciò vale anche per gli artisti contemporanei e le opere più antiche.

La sua collezione è fantastica, muoio tutte le volte che lei pubblica un pezzo su Instagram. Credo che lei abbia un gusto meraviglioso. Cosa deve fare qualcuno per creare una simile collezione?

Penso spesso che costruire una collezione sia come cercare l’oro. Devi guardare, guardare e guardare ancora. Cerco nuovi lavori ogni giorno e solo occasionalmente trovo qualcosa che mi piace e che mi posso permettere. S’impara molto anche acquistando opere. Abbi fiducia nell’acquistare ciò che ami.

Qualcuno una volta mi ha detto che per mettere insieme la migliore collezione, invece di comprare 10 cose in un anno, spendi gli stessi soldi per un quadro e poi tra 20 anni avrai una collezione eccezionale.

Cosa pensa del mondo dell’arte in generale?

Una domanda molto difficile. Nonostante io sia un mercante d’arte, visto il mio approccio alla vendita, mi sento un po’ un outsider. Sebbene alcune persone all’interno del mercato dell’arte consolidato ottengano ciò che faccio, alcuni lo ignorano. Tradizionalmente, c’è sempre stata poca attenzione sulla forma maschile e questo mercato è stato nel complesso ignorato.

Il motivo per cui ho avviato la galleria in primo luogo, era perché volevo creare un posto in cui avrei voluto fare shopping da solo. Non c’è altra galleria al mondo come la mia. Per far parte del “mondo dell’arte”, ho dovuto creare il mio spazio al suo interno.

Lei preferisce più la pittura, l’acquerello o la fotografia.?

Non ho preferenze reali. Dipende esclusivamente dall’immagine.

Sta lavorando a qualche progetto in particolare?

Data la pandemia, è difficile pianificare qualcosa. Quest’anno ho dovuto cancellare così tante mostre. Anche le fiere d’arte sono state annullate. Mentre le sto rispondendo, l’Inghilterra è entrata in un altro blocco, quindi i miei piani sono cambiati di nuovo! Se è permesso, terrò una breve mostra in una galleria del centro di Londra poco prima di Natale. Attendo con impazienza un grado di normalità, che speriamo tutti arriverà nel 2021.

Anche noi stiamo vivendo un altro tipo di lockdown qui a Milano. Quanto reputa sia cambiata la percezione del suo lavoro in generale con la pandemia? 

Durante il blocco iniziale di marzo-giugno, il pensiero di avere qualcuno in casa era impensabile. Tuttavia, poiché le restrizioni si sono allentate e la vita in qualche modo è tornata alla “normalità”, mi sono notevolmente rilassato riguardo al virus e alle persone che vengono a casa. Capisco perfettamente che questo non è lo stesso per tutti. La casa è molto grande e il distanziamento sociale è molto facile. Le persone sono brave a indossare mascherine e il disinfettante per le mani è ovunque! Durante il nuovo blocco, non ci è permesso incontrare nessuno all’interno, ma quando sarà di nuovo permesso, riporterò le persone a casa. Mi sembra che incontrare persone una alla volta in casa sia molto più sicuro che andare al supermercato.

Cos’è lo stile per lei?

Lo stile non è qualcosa a cui penso coscientemente. La mia preoccupazione principale per tutto ciò che appendo nella galleria è la qualità. Non importa quanto costa; ci deve essere una qualità speciale al riguardo. Non mi considero una persona stylish, piuttosto spero solo che le persone adoreranno le foto che espongo.

Quali sono gli artisti che gli piace di più scoprire passati e presenti?

Ci sono così tanti artisti che amo e ammiro, sia vivi che morti; Michael Leonard, Keith Vaughan, Patrick Hennessy, George Platt-Lynes. La lista è infinita. Quello che amo di più di questo lavoro è trovare una foto di qualcuno di cui non ho mai sentito parlare prima e portarla a un nuovo pubblico. A volte non so nemmeno chi sia l’artista. Una delle mie foto preferite che abbia mai venduto era un torso maschile dipinto nel 1909, di una tale qualità e bellezza, ma fu impossibile sapere chi fosse l’artista.

Se dovesse commissionare il suo ritratto, con quale mezzo sceglierebbe di essere rappresentato?

Se dovessi scegliere, penso che sarebbe un dipinto. Ma per me, la cosa più importante che si deve considerare, quando si commissiona un’opera d’arte, è se l’artista è veramente interessato a fare il lavoro e non semplicemente a farlo per soldi. Affinché un’opera d’arte sia buona, l’artista deve essere ispirato e motivato, oltre alla semplice ricompensa finanziaria

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Il rapporto che si crea tra Matthew Robins e la persona che accetta di farsi ritrarre è fondamentale per l’artista per portare al termine la sua opera. Matthew adora disegnare i peli e i fondoschiena di uomini che amano prendersi cura del proprio corpo.

Lo sfondo delle sue opere è spesso arricchito da piante. Il rapporto che ha con la natura è molto forte, trova la natura sexy. Ha da poco iniziato un progetto che lo vede ritrarre dei selfie di uomini nudi inviati tramite Instagram.

Matthew Robins si ispira ad artisti come Picasso, per la sua continua evoluzione stilistica e la necessità di dover continuamente cambiare tecnica pur mantenendo sempre la sua identità. 

Le tue opere vedono come protagonisti uomini nudi, come avviene la selezione per far si che vengano ritratti ?

Disegnare persone durante il disegno dal vero tende ad essere la maggior parte delle volte piuttosto accademico e le pose sembrano molto legnose. Mi piace per questo motivo lavorare con persone creative: altri artisti, ballerini, persone che capiscono che il mio lavoro consiste semplicemente nel passare qualche ora insieme e nel cercare di immortalare parte di quel tempo sulla carta. Di solito provo a passare un po’ di tempo chattando con persone nuove, capire se saranno abbastanza rilassati e se l’energia sia giusta.

Il processo di selezione è diventato più raffinato negli ultimi due anni,  ho imparato a riconoscere le persone noiose e soprattutto i narcisisti estremi, dato che sono le persone meno interessanti da disegnare e so che il lavoro non andrebbe bene. 

Mi piace raffigurare persone che si prendono cura del proprio corpo e persone con cui è divertente uscire. Se le persone hanno posato spesso come modelli, per loro diventa troppo normale, non riesco più a catturare quell’energia umana che cerco di avere nel mio lavoro, per questo motivo tendo ad evitarli. Il progetto di selfie a cui sto lavorando è un po’ diverso in quanto dipingo partendo dalle foto. Un’idea a cui ero totalmente contrario in passato, ma essendomi ispirato ad artisti come Eric Fischl, ha iniziato a incuriosirmi un pò di più. Il processo di selezione per questi lavori è molto più semplice, vedo se una foto è sexy o interessante.

Spesso a incorniciare i corpi nudi troviamo delle piante, perché questa scelta? Che rapporto hai con la natura?

M’interessa il mix di colori, le tonalità della pelle in contrasto con toni vegetali. Blu e verdi seduti fianco a fianco con rosa marroni e viola, le forme fluide delle foglie si sposano molto bene con le curve del corpo umano. Le piante sono sexy, hanno un aspetto fantastico, ma esistono anche per riprodursi. Il sesso è importante per le piante ed è importante per il mio lavoro. Nonostante il sesso sia la nostra ragione principale per essere su questo pianeta, molte persone sembrano invece aggiungergli strati extra di complessità. Le piante mi aiutano a ricordare di pensare più semplicemente riguardo al sesso. Sono cresciuto in campagna e per un po’ sono stato giardiniere part-time per mantenermi.  

Le piante sono sempre state intorno a me e mi piace averle nel mio studio tanto quanto i ragazzi che disegno.

Che reazioni credi provino le persone che decidono di spogliarsi per te? 

Cerco di far sentire le persone a proprio agio non appena arrivano in studio. Le rassicuro anche sul fatto che essere eccitati è una reazione davvero fantastica che rende divertente il mio lavoro. Penso che alle persone piaccia essere guardate. Spesso però mi sento anche molto vulnerabile come se fosse la prima volta. Improvvisamente c’è una persona nuda di fronte a me e posso sentirmi timido per i primi minuti.

Le tecniche che utilizzi per disegnare sono sempre diverse, cosa scaturisce in te il dover provare nuovi modi di illustrare? 

Gli artisti che ammiro di più sono Picasso, Hockney e Matisse, disegnano e dipingono in molti modi diversi, ma il loro lavoro ha lo stesso spirito riconoscibile. 

Ho studiato illustrazione all’università, dove siamo stati incoraggiati a trovare il nostro stile, ma credo che nell’arte questa sia una strada senza uscita. Quando mi sento troppo a mio agio con la pittura o con qualsiasi tecnica stia usando, preferisco cambiare lo strumento o cambiare la posizione della persona che sto ritraendo.

Cosa ti trasmette osservare un corpo a pochi centimetri da te? Riesci a mantenere la concentrazione per il tuo lavoro?

No, non sempre. Dipende anche dall’altra persona e dal suo umore. 

A volte siamo riusciti a fare solo un disegno prima che mi distraessi e potessi finire il mio disegno. Altre volte sono davvero entusiasta e mi diverto a cavalcare l’energia che la sessualità crea. Ecco perché mi piace scegliere modelli che mi eccitano, crea un’energia incredibile quando si è entrambi in una stanza a godere i propri ruoli.

Qual’è la parte che preferisci illustrare di un corpo maschile? Perché?

Mi piacciono molto i peli del corpo, è molto divertente disegnarli perché si tratta di fare segni ritmici. È così orribile quando i modelli si presentano e si sono rasati i peli del corpo.

Mi piace anche disegnare un bel sedere, può cambiare forma in modo così sottile, ma puoi catturarlo in due o tre linee fluide, se si è dell’umore giusto. Sono semplicemente belli.

Come nasce il progetto di ritrarre dei selfie che ti inviano?

Chiedo sempre alle persone che vogliono mettersi in posa di inviarmi foto di se stesse prima di incontrarle, per vedere come sono nude, e per cercare di capire la loro personalità. 

Se le foto sono davvero sexy e totalmente disinibite, allora so che saranno brave a posare per i miei disegni. Penso che le persone vogliano essere guardate, soprattutto gli uomini. Molti dei miei followers su Instagram hanno l’abitudine di mandarmi foto dove sono eccitate o in situazioni stravaganti e cosi ho iniziato ad affascinarmi all’idea di ritrarli in questa serie di selfie.

Cosa fai nella vita quando non disegni? 

Faccio film e spettacoli teatrali dal vivo, canto e recito. 

Lavoro con i burattini e l’animazione. Ho appena ricevuto una vecchia Xbox 360 che qualcuno ha buttato via e che spero non s’impadronisca della mia vita.

Le creazioni di Matthew Robins si possono acquistare su Etsy .

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Fin da subito ha disegnato quello che desiderava esattamente come dovrebbe fare qualsiasi artista. Ora grazie a tutto quello che dipinge e crea Guang Ye ha un noto seguito di Followers sulla sua pagina Instagram e di estimatori. Nelle opere di Guang Ye la tensione erotica è sempre presente. La sua capacità di mescolare l’oriente con l’occidente è sorprendente, soprattuto nella raffigurazione di corpi muscolosi in ambiti sensuali ed intimi.

Da dove vieni? Mi parli delle tue origini?

Provengo da una famiglia di contadini nel bel mezzo della Cina. Mi piace disegnare dall’età di sette anni. Ho ricevuto una formazione artistica formale nella scuola superiore, a causa del mio scarso livello d’inglese, non sono riuscito a frequentare la scuola d’arte che mi piaceva, quindi mi sono solamente diplomato in una scuola di design.

Quando hai capito che volevi essere un artista? Quale altro lavoro o professione avresti voluto fare?

Dopo aver lavorato per cinque anni ho capito che non volevo fare altro che arte. Se mi fosse stata offerta un’altra scelta sarei voluto diventare un attore.

Chi sono i soggetti dei tuoi quadri?

Beh, il riferimento della mia arte potrebbe essere qualsiasi uomo con un forte simbolismo maschile, incluso il mio fidanzato, i miei amici, i collezionisti d’arte o il laborioso fattorino che puoi vedere per strada.

Mi piacciono i tuoi riferimenti omoerotici da dove vengono?

Dal mio diario fotografico, dalle raccolte su Internet o da ricordi ed impressioni.

Come descriveresti la tua arte?

La rappresentazione dei corpi nei dipinti era un tabù nell’etica umana. Un oggetto può avere significati diversi se interpretato da prospettive diverse, mentre la natura dell’oggetto rimane identica. In altre parole, la nostra comprensione del mondo è spesso limitata, o peggio, fuorviata dalla nostra soggettività.

Il mio lavoro consiste nel trasformare gli impulsi fisici, in riflessioni sui desideri umani e sulle cicatrici che hanno lasciato. Questa transizione, da qualcosa di puramente fisico a qualcosa di emotivo, riflette per me la condizione di vita della comunità omosessuale.

Siamo passati dai parchi ai social media, dove i desideri vengono visualizzati e digitalizzati. Le comunicazioni sono diventate più spontanee, la desertificazione delle emozioni umane ha lasciato più persone nella disperazione di fronte alla sensazione di “nulla”. Quindi la mia arte è il ritratto degli individui nell’era dell’informazione. Il panorama della nostra moderna società.

Che cosa ti dà più libertà di espressione rispetto ai media che stai usando?

Il coraggio di accettare e abbracciare il mio vero io, è sufficiente per liberare l’espressione ultraterrena.

Il fondoschiena è spesso presente nei tuoi disegni, se dovessi nominarne tre parti del corpo maschile che non ti stancherai mai di ritrarre quali sarebbero?

Un bel cazzo, un fondoschiena sodo e gambe muscolose.

Ho letto su Internet che hai dipinto più di 1000 corpi maschili, sono tanti! Quando hai capito che volevi dipingerli in un contesto sessuale?

Nel momento in cui oso riconoscere il mio vero io ed il mio desiderio.

Cosa significa per te l’erotismo?

L’erotismo per me è come una boccata d’aria frescavi serve per sentirmi vivo. Il desiderio è vita e nutre creativamente la mia arte e l’esplorazione di me stesso.

Pensi che per noi, uomini gay, il sesso sia sempre così importante?

Per quanto mi riguarda, l’omosessualità deriva dalla sottomissione di un uomo alla bellezza allettante del corpo maschile e della mascolinità. Per essere chiaro alla bellezza del cazzo.

Noi gay possiamo solo soddisfare i nostri desideri psicosessuali attraverso la carezza e la penetrazione tra due uomini. Per aspera ad astra. (Attraverso le asperità si giunge alle stelle.)

Adoro il modo in cui tratti i corpi nella tua pittura, potresti parlarne per favore?

Essendo cresciuto nella cultura tradizionale cinese, mi piace lasciare la tela parzialmente non dipinta, in modo che la superficie possa respirare. L’opera d’arte appare spaziosa e viva. Mi piace inoltre visualizzare, nei miei studi sul corpo maschile, una traccia dritta attraverso le linee curve, dando agli spettatori lo spazio per riflettere.

Cosa non smetterai mai di fare?

Creare ed esprimere.

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Laurent Pellissier, artista valdostano, esprime la sua arte attraverso la pittura, la scultura e il disegno sperimentando nuove tecniche e materiali lasciando libertà di interpretazione a chi osserva i suoi lavori.

L’esigenza di trovare nuovi stimoli e di vivere in una grande città lo porta a trasferirsi a Berlino. Laurent riesce a inserire dei temi crudi come la morte in maniera grottesca. I disegni presentano un utilizzo del chiaroscuro non preciso quasi abbozzato e veloce che rendono l’immagine molto forte. Scene che sembrano narrare una vicenda in atto dove i diversi soggetti prendono spazio egregiamente ottenendo un’ ottima visibilità al disegno, che risulta chiaro e bene equilibrato.

La pittura di Laurent è principalmente una pittura in acrilico, con delle pennellate ben profonde e con dei contrasti di colori molto interessanti dove prevalgono i toni accesi che suscitano un eccitazione positiva a chi osserva. Riesce a mio avviso a trasmettere più emozioni contemporaneamente in modo molto naturale. La scultura è sicuramente la disciplina che più risulta maestosa e imponente.

Grandi e larghe forme sono le caratteristiche dei suoi soggetti, realizzati con materiali di riciclo come fogli di giornali che creano un effetto patchwork molto colorato ma con una predilezione per il nero e il grigio. Materiali e tecniche possono sembrare semplici, ma non lo sono affatto, hanno bisogno di un bravo ideatore e creativo qual’è Laurent Pellissier, che attraverso le sue opere riesce a farci capire l’esigenza di esprimersi attraverso l’arte che lo accompagna da quando era bambino.

Come e quando è cominciato il tuo percorso nel mondo dell’arte?

Il mio percorso è iniziato presto e non è stato molto lineare. Mio padre è scultore e mia madre è stata insegnate di educazione artistica, quindi fin da bambino ho avuto la fortuna di avere a disposizione spazio, colori e materiali per sperimentare e creare.

Ho iniziato nel migliore dei modi possibili: con il gioco. Ora, da adulto, dopo studi in architettura sto cercando di ritrovare l’ingenuità e la gioia che provavo da piccolo ma integrando le esperienze e le conoscenze accumulate.

Come avviene la scelta dei materiali per le tue opere?

Spesso mi attira ciò che comunemente è considerata immondizia. Recentemente, durante il lockdown ho realizzato una serie di sculture usando solo pacchi di riviste e giornali trovati per strada e quello che era nella pattumiera del mio studio. Alla pietra e alla ceramica preferisco la carta pesta e il DAS per esempio, perché sono facili da reperire, economici, più effimeri e con una qualità plastica particolare. In linea generale mi aggiusto con quello che ho a disposizione: delle matite trovate in fondo a un astuccio, gli acquerelli del supermercato, ma non rinuncio a qualche tubetto di acrilico costoso.

Nella serie di disegni “pencil on paper” troviamo spesso degli scheletri, perché ?

È un riferimento al tema dei “memento mori” e delle “vanitas” ricorrente nella storia dell’arte, dai mosaici antichi, alle nature morte fiamminghe, ai quadri di James Ensor. Mi piace come spesso in queste rappresentazioni la morte ha un aspetto un po’ goffo e quasi buffo.

Attraverso la tua arte cosa vuoi comunicare al pubblico che l’osserva? 

Ho smesso di pensare a questa domanda da un po’. Il pubblico è spesso più creativo di me nell’interpretare e vedere cose a cui magari io nemmeno avevo pensato. Non voglio limitare quello che un’opera può esprimere o evocare. Per questo do raramente dei titoli. Nei quadri, nei disegni e nelle sculture cerco di dare spazio alle parti di me che non ne hanno nella vita quotidiana. Se poi anche lo spettatore si specchia in questa intenzione e scopre qualcosa di se ciò mi rende felice ma non posso controllarlo.

Oltre ad essere un pittore e disegnatore sei anche uno scultore. Attraverso queste 3 tecniche credi sia possibile per te utilizzarne una per ogni tua tipologia d’emozione? Se sì come le suddivideresti?

Credo che ogni materiale e ogni tecnica richiedano un approccio e un’attenzione diversa. In realtà non penso alle emozioni mentre lavoro. Probabilmente lo stato d’animo in cui sono o anche qualcosa di esterno a me trova la sua via e si canalizza nell’opera ma per me non è qualcosa di conscio.

Il disegno per esempio è la tecnica più libera, meno pretenziosa e intima con la quale mi permetto di sperimentare di più. Nei disegni però può succedere di perdermi in dettagli o virtuosismi, allora passo alla cartapesta che mi obbliga a forme più elementari e rozze, così porto qualcosa di nuovo e fresco nei disegni o nelle tele e così via. Le tecniche e le pratiche si influenzano a vicenda.

La città in cui vivi è Berlino, ti aiuta a trovare l’ispirazione per i tuoi lavori?

Amo Berlino e ho bisogno della grande città e dei suoi stimoli. Ma ho bisogno anche di pause e di natura, per questo appena posso torno in Valle d’Aosta, dove sono nato.

L’ispirazione è un’idea un po’ romantica e non so bene cosa sia…Vedo la pratica artistica come un lavoro. Se vi si dedica abbastanza tempo, energia, onestà qualcosa viene fuori, indipendentemente dal luogo in cui si vive.

Cosa pensi del sistema dell’arte contemporanea? Trovi nette differenze tra l’Italia e la Germania?

Nell’arte ma anche in altri ambiti come la moda, il teatro o l’economia c’è la necessità di rimettere in questione le regole e ripartire dal “basso”, non dico di fare tabula rasa ma di pensare a cosa sta alla base di quello che si fa. 

In Italia ho lavorato poco, ma da quello che osservo mi sembra che la differenza stia nella dignità e nell’importanza che si dà alle professioni legate all’arte ma anche al lavoro in generale, nonostante questo principio sia scritto chiaro e tondo nell’articolo uno della costituzione. Lo si vede anche dalle scelte politiche di questi giorni.

Si decide di sacrificare l’arte perché non è uno dei settori dell’economia considerato indispensabile.

Lo scrittore russo Fëdor Michajlovič Dostoevskij diceva “ La bellezza salverà il mondo” Credi che la bellezza riscontrata nell’arte, nella musica, e in ogni altra possa salvare o quantomeno distrarre da questo terribile periodo che stiamo vivendo? 

In questo momento più che di distrazioni c’è bisogno di consapevolezza, non di distogliere lo sguardo ma di guardare nella bruttezza, la nostra e quella che ci circonda e ripartire da lì. Non dico che dobbiamo deprimerci, anzi! Questo si può fare anche con leggerezza e ironia che sono due strumenti preziosi che l’arte ha a disposizione.

Vorrei quasi dire: la bruttezza salverà il mondo!

Quanto è importante per te l’utilizzo del colore? Da dove nasce la tua scelta cromatica?

È molto importante e difficile allo stesso tempo. Il colore è carico di significati e lo si associa immediatamente a qualcosa di concreto e per me all’inizio della fase creativa questo può essere un ostacolo. Quindi cerco di seguire l’intuizione e di usare “trucchi” per impedire alla mente razionale di interferire, lavorando in fretta, senza piani o preparazione, accostando campiture, macchie, punti, linee e lavorando freneticamente su più tele o fogli. In un secondo tempo osservo e aggiungo o tolgo, do più definizione a certe forme.

Prediligo i colori forti e gli abbinamenti improbabili perché generano tensione, come le dissonanze in musica.

Che colore ti attribuiresti in questo periodo?

Rosa fosforescente! 

Dal tuo profilo IG si evince che non sei un amante dei social come molti artisti che ho avuto modo di conoscere, dove pubblicano costantemente le loro opere. Credi che non sia un buon mezzo per promuovere l’arte, oppure è una tua scelta personale non esporti tanto sui social? 

Instagram è un mezzo incredibile per artisti, collezionisti, galleristi, curatori… Permette di interagire, formare una comunità saltando molti passaggi che prima rendevano certe interazioni impensabili. Personalmente ho un po’ di pudicizia nel pubblicare. Il consumo giornaliero di immagini è diventato talmente alto che forse non voglio saturarlo ulteriormente. Sicuramente è uno sbaglio in termini di marketing ma per ora non ci riesco. E poi ho paura di fare troppa attenzione ai likes e ai cuoricini. Magari dopo queste tue domande proverò a postare con più disinvoltura!

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