Filippo de Pisis and Robert Mapplethorpe.
A Distant Conversation
Dario Cimorelli Editore, 2024

Una storia di affinità elettive, dialogo a distanza tra due artisti che non si sono mai incontrati. Robert Mapplethorpe, caposaldo di ogni storia dell’arte queer, incontra lo sguardo di Filippo De Pisis e ci si chiede perché nessuno ci avesse pensato prima. 

Malgrado la tensione omoerotica che attraversa molti suoi lavori, De Pisis non si dichiarò mai gay, e considerata l’epoca, è comprensibile. Nelle sue opere si intrecciano desiderio, repressione e moralità, ma la lettura in chiave lirica del suo lavoro tende talvolta a stendere un velo uniforme sulle sue specificità, impedendoci una visione più lucida, più radicale. 

Radicale rimane invece, ancora oggi, Mapplethorpe. Emblematica la sua mostra del giugno 1989 a Washington, celebre proprio perchè non ebbe mai luogo: le accuse di oscenità mosse dal governo portarono a una cancellazione repentina, seguita da una protesta memorabile, con alcune delle fotografie censurate proiettate sulla facciata del museo stesso.

In questo volume, per la prima volta, le nature morte, i nudini arcadici e le allusioni gentili del Marchesino pittore si rispecchiano nello sguardo tagliente del fotografo, suggerendo sottotesti inattesi e nuove possibilità di lettura. Un bellissimo invito a guardare diversamente ciò che si crede di conoscere già.

^{dariocimorellieditore.it}

Physique
di Vince Aletti
Mack / SPBH Editions, 2025

Un volume che raccoglie una raccolta di fotografie ‘physique’ può suonare interessante, ma non necessariamente imperdibile. A meno che a proporlo non sia Vince Aletti: critico, curatore, collezionista e voce autorevole quando si tratta di fotografia o ‘printed matter’. Del resto, vivere in un appartamento con diecimila (non è un’iperbole) libri e riviste conferisce una certa autorità.

Con 250 fotografie tratte dalla sua collezione privata che spaziano dagli anni Trenta agli anni Sessanta, Physique riporta alla luce un capitolo dimenticato della cultura gay americana, in cui l’immagine stampata non era solo oggetto di desiderio, ma anche connessione silenziosa in un tempo segnato dalla censura e dalla paura.

Un atlante visivo che individua le coordinate del punto zero dell’omoerotismo, e che ha aperto la strada a tutti gli Abercrombie, i Men’s Health e i “menswear fashion magazine” a venire.

Per chi ama andare dritto al punto, Physique è disponibile anche in una ‘Naugthy Edition’ in edizione limitata, firmata e numerata, ma disponibile soltanto online.

^mackbooks.eu

Tola Soungouroff
di Sylvain Bourdoux
Hors Champ, 2024

Hors Champ è una casa editrice indipendente francese il cui obiettivo è riportare alla luce storie ai margini della cultura omosessuale, per “preservare la memoria di mondi scomparsi o prossimi a scomparire”. Lo fa pubblicando monografie di artisti minacciati dall’oblio per il loro rifiuto delle convenzioni e biografie di figure spesso considerate marginali, ma tutt’altro che secondarie.

È grazie a Hors Champ, dunque, se oggi possiamo sfogliare le monografie dedicate a Jean-Daniel Cadinot, fotografo e regista ‘porno vintage’; al pittore fotorealista Jacques Sultana; o ancora al dimenticato disegnatore Paul Smara. 

L’ultima uscita è il volume dedicato a Anatola Soungouroff (1911-1982), artista fuggito dalla Rivoluzione russa e rifugiatosi nella Parigi degli anni Venti per poi approdare in Costa Azzurra, centro di gravità del suo ideale di giovinezza immortale. Marinai e legionari in licenza, acrobati e mendicanti, gitani e teppistelli di strada sfilarono per oltre quarant’anni sulle sue tele, in una continua interrogazione del desiderio maschile.

Quella di Sylvain Bourdoux è la prima monografia  mai dedicata all’artista, e raccoglie oltre 130 opere tra dipinti, fotografie e documenti d’archivio, in gran parte finora inediti.

^{editions-hors-champ.fr}

Queer Moderns: Max Ewing’s Jazz Age New York
di Alice T. Friedman
Princeton University Press, 2025

Max Ewing nacque nel 1903 a Pioneer, Ohio, e si tolse la vita appena trentenne. Una vita brevissima, sebbene intensa, che motiva in parte il suo essere oggi virtualmente sconosciuto.

Ewing fu fotografo, scrittore, pianista, scultore e autentico it-boy. Nel cuore del fermento culturale transatlantico tra gli anni Venti e Trenta, incrociò il cammino di alcune delle figure più affascinanti dell’epoca — nomi oggi relegati agli archivi e alle bibliografie accademiche, ma ciascuno con una storia ancora in attesa di essere riscoperta.

Un perfetto modo per farlo è tuffarsi in Queer Moderns, che ricostruisce gli anni dell’avanguardia queer della Jazz Age e riporta in primo piano le trovate del giovane Ewing: dalla sua “Gallery of Extraordinary Portraits” — uno stanzino tappezzato di fotografie di celebrità, che oggi definiremmo a tutti gli effetti un’installazione — al “Carnival of Venice”, una serie di ritratti in costume del suo giro di amici (Isamu Noguchi, Lincoln Kirstein, Agnes De Mille…), finora dormiente in un archivio.

La memoria queer è ampia e contraddittoria, e volumi come questo restituiscono voce a tutte quelle storie rimaste ai margini.

^{press.princeton.edu}

Luke Smalley: Exercise at Home
Twin Palms Publishers, 2024

La fotografia di Luke Smalley (1955–2009) nasce dal cortocircuito tra un annuario scolastico vintage e un manuale di fitness. Con una laurea in medicina sportiva, ha raccontato l’adolescenza maschile con uno sguardo raro e delicato, lasciando un’impronta incisiva nell’immaginario moda.

La scomparsa prematura ha lasciato il lavoro di Smalley in sospeso: rimangono alcuni editoriali dei primi anni 2000, che riemergono qua e là su qualche moodboard, e soltanto una manciata di volumi, oggi rari.

Su quest’ultimo punto ci viene però in aiuto la riedizione di Exercise at Home, finalmente riproposto da Twin Palms. Colpisce quanto il suo discorso suoni tuttora attuale; l’archetipo dell’All-American Male, i tropi dell’adolescenza, il corpo maschile del gym-bro: sono tutti temi che ci aspetteremmo di trovare piuttosto nella press-release del nuovo artista queer del momento.

Forse Luke Smalley non era un fotografo di moda. Ma un artista capace di cogliere le tensioni rimaste sospese nell’aria tra una foto di classe e l’ora di educazione fisica. È lì che ha trovato tutto.

^{twinpalms.com}

The Secret Art of Dorothy Hepworth aka Patricia Preece
di Denys J. Wilcox
The Court Gallery, 2024

«I’ve got the brains, you’ve got the looks / Let’s make lots of money» è uno dei consigli per il successo che ci hanno dato i Pet Shop Boys. E sebbene il mucchio di soldi non arrivò mai, la relazione tra Dorothy Hepworth e Patricia Preece incarnò perfettamente quel tipo di intesa.

Siamo in Inghilterra, ma negli anni Trenta, non lontani dal circolo più influente dell’epoca, il Bloomsbury Group. Dorothy Hepworth è una pittrice di prim’ordine, ma la sua natura riservata le impedisce di tessere quella rete di relazioni così fondamentale allora come oggi. Non ha questi problemi la sua compagna, Patricia Preece, donna glamour e flamboyant, che diventerà così il volto pubblico del lavoro di Hepworth: Roger Fry, Duncan Grant, Vanessa Bell e Virginia Woolf riconosceranno senza esitazioni il ruolo di primaria importanza delle opere firmate da Patricia, alias Dorothy.

Un inganno che ne riflette un altro, molto affine allo spirito Bloosmbury: Patricia, nel 1937, sposerà l’artista Stanley Spencer, senza però mai interrompere la sua relazione con Hepworth. L’artista continuò a dipingere anche dopo la morte della sua compagna, e continuò a firmare le sue opere con il nome di Preece, in un silenzioso gesto d’amore capace di trascendere i confini dell’identità e della memoria.

Pubblicato in occasione della mostra tenutasi nel nuovo spazio di Lewes della casa-museo di Charleston, questo volume, edito da The Court Gallery, ci racconta le vicende di un mistero a doppio volto che, pur svelando alcuni aspetti di questa inusuale collaborazione, pone finalmente un chiaro accento sull’arte di Dorothy Hepworth, finalmente rivelata.

^{courtgallery.com}

Marie Laurencin: Sapphic Paris
Yale University Press, 2023

Tecnicamente, è il catalogo di una mostra tenutasi due anni fa, a Philadelphia. Eppure sarebbe un errore lasciar passare questo volume inosservato.

Marie Laurencin fu una vera forza nella Parigi della prima metà del Novecento. Non una figura da riscoprire solo in chiave di “storia dell’arte al femminile”, ma una presenza centrale: punto di riferimento in un mondo sofisticato fatto di arte, moda, danza e società, un mondo che, nel suo sguardo, appare quasi esclusivamente al femminile.

Sapphic Paris è un titolo audace — nessuno finora si era spinto tanto oltre — e sì, suona un po’ ammiccante. Ma coglie una componente fondamentale del suo lavoro: una lettura queer e di genere che non appare forzata né sovrapposta, bensì intimamente legata al contesto, quello della Parigi di Gertrude Stein e dei salotti letterari di Natalie Clifford Barney.

^{yalebooks.yale.edu}

Paul Cadmus: 49 Drawings
di Graham Steele
Phaidon, 2025

Paul Cadmus è un’icona, ma resta sorprendentemente poco visibile: a parte qualche marinaio che ogni tanto affiora in un post, lo si incontra di rado.

Tacciono gli anni giovanili del ménage à trois con la moglie Margaret e Jared French, così come gli anni maturi segnati dai ritratti ossessivi dell’amato Jon Anderson. Perfino i marinai, quelli di The Fleet’s In! (1934) sembrano aver perso ogni traccia del loro potere controverso: all’epoca l’opera fu rimossa dagli spazi pubblici perché ritenuta sordida, scandalosa… e irrimediabilmente gay.

La storia, in parte, si ripete. Dopo la morte di Jon Anderson, la sua eredità, che comprendeva anche le opere ereditate da Cadmus, viene dispersa senza troppo clamore. Ma qualcosa riaffiora con forza: una raccolta di disegni intimi ed esplicitamente erotici, diario intimo di una storia d’arte e d’amore lunga 35 anni. Un volume necessario che, più che gettare nuova luce sull’autore, lo restituisce a una nuova generazione, senza giri di parole né allusioni lontane alla nuda verità delle cose.

^phaidon.com

Too Good to Get Married: The Life and Photographs of Miss Alice Austen 
di Bonnie Yochelson
Fordham University Press, 2025

“Too Good To Get Married”, un titolo che è già una dichiarazione d’intenti, racconta la vita e l’opera di Alice Austen, pioniera della fotografia e spirito libero nella New York dell’età vittoriana.

Cresciuta nella villa dei nonni a Staten Island (oggi riconosciuta come sito storico LGBTQ+), visse tutta la vita con la sua compagna Gertrude Tate, scegliendo l’amore e l’indipendenza a un matrimonio imposto. Con la macchina fotografica documentò tanto la mondanità delle partite di tennis così come l’umanità brulicante dei quartieri operai, ma soprattutto seppe usare l’obiettivo per sovvertire le regole: mise in scena sé stessa e le sue amiche in abiti maschili, tra sigarette e finte sbornie, parodiando con leggerezza e intelligenza le convenzioni di genere.

Il volume colma un vuoto editoriale (l’unico altro libro esistente risale al 1976) intrecciando la storia della fotografia con quella delle soggettività queer, e soprattutto celebrando Alice Austen, finalmente libera e al centro della scena.

^{fordhampress.com}

Louis Fratino. Satura – Updated Edition
Mousse Publishing, 2025

Lo scorso mese “You and Your Things” di Louis Fratino ha raggiunto il record di 756.000 dollari all’asta da Christie’s. Un ritratto intimo, un fermo immagine che racconta una storia di affetti, desideri e identità. Sul tavolo, tra gli oggetti personali che danno il titolo all’opera, si distingue una copia di Fuori!!!, la raccolta dedicata alla storica rivista del Fronte Unitario Omosessuale. 

Con l’Italia, Louis Fratino ha un legame speciale, e lo testimonia il sottotesto che fa riferimento ad alcune delle voci più importanti della cultura italiana del Novecento: artisti come de Pisis, Mario Mafai e Guglielmo Janni; le poesie di Patrizia Cavalli e Pier Paolo Pasolini, o ancora gli scritti di Mario Mieli. 

Un record milionario può significare molte cose, ma in questo caso rappresenta soprattutto un segnale importante: Fratino si conferma una voce imprescindibile nel panorama artistico contemporaneo, segno che storie e identità un tempo ai margini stanno finalmente trovando il loro giusto riconoscimento e spazio nella narrazione ufficiale.

La prima edizione di ‘Satura’ è andata rapidamente esaurita, ma per fortuna Mousse Publishing ci offre una seconda occasione: il volume torna disponibile in una edizione ampliata, arricchita dalle opere realizzate appositamente per la recente retrospettiva al Centro Pecci.

^{moussemagazine.it}

Testi di Didier Falzone. Si ringraziano gli editori per la gentile collaborazione.

L'articolo Voci ai Margini. Dieci libri d’arte per il Pride Month proviene da Toh! Magazine.

Capita a volte di sentire a lungo parlare di qualcuno che non si è mai incontrato, ma che sembra tutti conoscano. Lo abbiamo incrociato ad un vernissage o ad una sfilata, ha frequentato brevemente uno dei nostri amici, sembra sia molto vicino a certi giri cool. Sicuramente un occhio al suo Instagram sarà d’aiuto. Ecco! È amico di quella stylist lì, scrive per quella rivista, è a tutti gli eventi. Non è neanche tanto bello — a giudicare dai suoi tanti ritratti, quelli non mancano — ma ha qualcosa che affascina. Del resto, lo seguono tutti.

Non resta che formarsi una opinione, e ci si baserà su quello che si vede: reale o meno che sia l’immagine che ne vien fuori, è quella che avrà pur consapevolmente scelto di mostrare. La grande visibilità, il circolo di amici importanti, la cura della propria immagine fotografica, il multitasking — ma quindi è un artista? uno scrittore? un influencer? — son tutti fattori che di solito portano a reazioni diametralmente opposte: alcuni seguiranno, altri vorranno tenersene alla larga.

Eppure qualcosa si perde sempre tra le righe.

Vien da chiedersi quale potrebbe essere, oggi, la reazione di fronte ad un Jean Cocteau. Uomo vicinissimo al nostro tempo, incarna perfettamente tutte le animE della cultura contemporanea. Cocteau poeta, certo, ma anche designer, artista, regista, sceneggiatore, art director. E soprattutto, ’socialite’: Picasso, Colette, Chanel, Schiaparelli, Diaghilev per non citare che i più noti – non manca proprio nessuno. Alto e basso si confondono continuamente: potremmo trovarlo al salone dei visconti di Noailles o nei vicoli bui; chiuso in una stanza dell’hotel Welcome, in preda ai fumi dell’oppio, o all’Institut de France con la sua spada di Cartier.

Esistono decine di ritratti di Cocteau, tutti curatissimi – quasi degli autoritratti. È proprio uno di questi ad aver dato il punto di partenza alla retrospettiva Jean Cocteau. La rivincita del giocoliere, in mostra alla Collezione Peggy Guggenheim di Venezia fino al 16 Settembre 2024. Il giocoliere in questione è quello che appare in un ritratto di Philippe Halsman (quello di Dalì con i gatti volanti, ndr) — Cocteau divinità a sei mani che allo stesso tempo legge, scrive, edita e fuma. La mano è del resto un po’ il suo feticcio, qui moltiplicata in un potenziamento all’infinito.

Il curatore della mostra è Kenneth E. Silver, storico dell’arte autore di uno dei più autorevoli saggi sul modernismo e la Parigi delle avanguardie, e la versatilità è la chiave del racconto messo in scena. È la prima grande retrospettiva dell’artista in territorio italiano, ed è un esordio in grande stile: più di 150 lavori tra disegni, opere grafiche, fotografie, arazzi e film. Un eclettismo che solo una messa in pagina accurata può riuscire a rendere — in questo caso, una serie di capitoli snodati attorno ad una serie di tematiche chiave: la poesia, l’Eros, il classicismo, Venezia, fino ad arrivare al cinema, la moda e il design.

Interessanti poi i focus trasversali sull’influenza di Cocteau sulle generazioni successive — in primo luogo Warhol, con cui ci sono molteplici punti di contatto (basti pensare alle illustrazioni degli anni ’50, a volte quasi sovrapponibili alle immagini più intime di Cocteau, fino ai suoi film sperimentali) — ma anche Pedro Almodovar. Due nomi che portano alla luce un’altra delle chiavi di lettura, il Cocteau gay: quello dei delicati intrecci erotici del Libro Bianco, dei pacchi generosissimi alla Tom of Finland, di amori maledetti, a volte sporchi, altre sognanti — con Orfeo e Querelle che vegliano, ammiccanti, ad ogni passo.

A volte le immagini non bastano, bisogna conoscere qualcuno e farsi un’impressione di prima mano: questa mostra è l’occasione giusta.

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L'articolo Tutti i Cocteau possibili in mostra a Venezia proviene da Toh! Magazine.

Lo ritroviamo oggi con Beau Menteur (Handsome Liar), una serie fotografica – declinata in un libro e una mostra – che si diverte a scomporre e analizzare l’idea di mascolinità ed i suoi emblemi.

Protagonista un solo modello, Benjamin, a rappresentare tutti gli altri uomini possibili: un uomo plurale. Benjamin trasmette un’immagine precisa, eppure cela in sè tutte le altre, spesso in netto contrasto con le apparenze. Per Marc Martin, il corpo maschile è un ‘prisma politico’: può rappresentare la tradizione patriarcale così come l’emancipazione identitaria. Si parla spesso di mascolinità tossica, ma non è il corpo maschile ad esser tossico, tossico è il senso di superiorità con il quale la condizione di uomo viene identificata.

Dopo Parigi, la mostra approda adesso a Berlino, alla libreria EisenHerz dal 4 Novembre a 6 Gennaio 2022. Sul suo sito invece, la versione uncensored del video di presentazione.

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L'articolo Marc Martin: Sono come sono proviene da Toh! Magazine.

Martin Bedolla è un giovane illustratore di Grand Rapids, Michigan, con molte passioni: la musica, la moda, gli uomini e… i fondoschiena di tutte le fogge e dimensioni. Ci siamo lasciati conquistare dai suoi disegni a matita che – in un continuo sbalzo d’umore, sanno essere estreamemnte fragili o estremamente erotici. Abbiamo parlato di arte, di social, di Enrique Iglesias… e di quale possa definirsi il culo ideale.

Quando hai deciso di focalizzare l’attenzione dei tuoi lavori sul corpo maschile?
Son sempre stato affascinato dal corpo umano e dall’erotismo, ma il mio interesse verso il nudo maschile è iniziato circa 5 anni fa. Inizialmente era soltanto un modo per disegnare dei ragazzi col sedere al vento e farsi una risata, ma in molti cominciarono a incoraggiarmi e allora ho cominciato a prendere la cosa più seriamente. Ho iniziato a vedere la mia arte in maniera diversa e a far sì che riflettesse esperienze e interessi personali. E in men che non si dica… ti ritrovi a disegnare sederi a destra e a manca!

Quali sono le tue fonti di ispirazione principali?
La musica, la moda e il sesso, tre cose che spesso si sovrappongono e incrociano. Di solito inizio a lavorare lasciandomi ispirare da una canzone, una campagna su una rivista di moda o, perchè no, semplicemente del porno. Guardo anche il lavoro di altri artisti, è un modo di rimanere concentrato, ispirato e creare una forma produttiva e positiva di competizione. Alcuni artisti che amo particolarmente sono Stephen McDermott, Luis Bolivar, e Audrey Kawasaki.

Solitamente tendi a lavorare sul piccolo formato. È una scelta collegata al tuo tipo di lavoro?
Ho sempre avuto un’indole solitaria, e da ragazzo amavo disegnare per conto mio su piccoli album. Credo che crescendo questa cosa sia rimasta: mi piace disegnare in piccolo, in un certo senso sembra che il processo rimanga più intimo. In passato ho anche provato delle tele più grandi, ma è un po’ strano per me, e non mi sento a mio agio, quindi alla fine torno su dimensioni più ridotte. Ma chissà, magari in futuro proverò ancora…

Parliamo invece di… culi. Non tutti i fondoschiena sono uguali, e in quanto artista avrai sicuramente un certo occhio a riguardo… Quali sono i tuoi preferiti da disegnare?
Beh, naturalmente! I culi sono una cosa fantastica. Hanno quella rara dote di apparire allo stesso tempo buffi e sexy. I miei preferiti sono rotondi, soffici e con un accenno di peluria. Poco importano dimensione e consistenza, l’importante è che ci sia del pelo… del resto, bisogna pur aggiunger un po’ di texture, no?

Si parla molto di come Instagram stia valutando l’ipotesi di togliere il conteggio dei like per stimolare un rapporto più sano con le immagini e togliere l’ansia da prestazione. Tu hai più di 50mila follower: com’è il tuo rapporto con i social?
Quando ho iniziato, postare sui social per me era giusto un modo divertente di condividere il mio lavoro e vedere cosa ne pensava la gente. Ma pian piano mi son reso conto che cominciavo a dare priorità solo a quello che piaceva. Diciamo che negli anni ho imparato dai miei errori: non è molto salutare concentrarsi sui like, la cosa mi dava ansia. Adesso invece cerco di postare solo quello che mi piace, spesso non ottengo chissà quale feedback, ma va bene così. L’unico problema attualmente è trovare il giusto equilibrio tra vita sociale, lavoro e attività artistica: su quel tipo di equilibrio sono ancora un po’ indietro.

A volte i ragazzi dei tuoi disegni sono fragili e tristi, altri hanno pieno controllo della propria sessualità. In che modo il tuo umore va a influenzare quello che disegnerai?
L’umore ha un ruolo molto importante nel modo in cui disegno i ragazzi e sul tipo di atmosfera che viene fuori e sono molto influenzato anche dal tipo di musica che ascolto mentre disegno. Diciamo che è un continuo altalenare di sexy e triste. Ad esempio, di natura sono una persona autoritaria ma ho un debole per gli occhi tristi e le gote rosse, è qualcosa che ritorna spesso nei mie disegni. Di recente invece ho un debole per le piante, vedrai che cominceranno ad apparire spesso nei miei lavori!

Se avessi la possibilità di poter scegliere liberamente un modello – reale o di fantasia – per una sessione privata di ritratti, chi sceglieresti?
Beh se avessi carta bianca opterei per Enrique Iglesias… O Maluma. O ancora Sean O’Pry, Nyle DiMarco… ti prego non farmi scegliere!

Quali sono i tuoi progetti e obiettivi per il futuro?
Voglio uscire dalla mia confort zone e imparare cose nuove. Fare una nuova serie di dipinti ad olio, produrre una fanzine, e partecipare ad un paio di mostre. Ma soprattutto, voglio essere felice, focalizzarmi su me stesso e tenere alto il morale. Sono assolutamente certo che se ti prendi davvero cura di te, puoi aspettarti soltanto il meglio dalla vita!

@martinbedolla

Martin Bedolla Martin Bedolla

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Gli intrecci sentimentali del Bloomsbury Group son da sempre fonte di ispirazione, e non è poi così facile ricostruirli. La libertà sentimentale e sessuale di questo gruppo di amici, amanti ed artisti destò molto scalpore sulla stampa dell’epoca, e solo oggi forse riusciamo a inquadrarli più facilmente. Una sorta di campagna Gucci anti-litteram nello scenario idilliaco di Charleston, nel Sussex.

Quando si parla di Duncan Grant poi, la situazione si complica ulteriormente. Artista, compagno e anima gemella per Vanessa Bell, amante per Lytton Strachey, e per molti altri. In quanto gay, Grant trascorse quasi la sua intera vita da ‘criminale’. L’Emendamento Labouchere – che condannava penalmente gli atti omosessuali – verrà abrogato solo nel 1967, quando Grant aveva già 82 anni. Ciò malgrado, da artista, Grant non smise mai di raccontare la bellezza del corpo maschile e della libertà sessuale in disegni privati mostrati solo gli amici più cari.

Uno di questi, Edward Le Bas, ricevette nel 1959 una cartella di disegni che ne raccoglieva la maggior parte. Passati di mano in mano da un amante ad un altro, si pensava quei lavori fossero andati distrutti per sempre, una triste sorte toccata a molti materiali giudicati ‘compromettenti’ per buona parte del secolo scorso. Ma oggi riappaiono inaspettatamente: il suo ultimo proprietario li teneva nascosti sotto il letto.

Il theater designer Norman Coates ha deciso di donare l’intero corpus di 422 disegni alla Fondazione Charleston, che promette adesso di renderli al più presto visibili al pubblico. Sono lavori degli anni ’30 e ’40, molto spinti, e in quegli anni estremamente pericoli da mostrare o anche tenere in casa. Edward Le Bas, amante di Grant, li aveva ricevuti in una cartella marcata con una nota eloquente ‘These drawings are very private’. Nel 2009 lo ‘scomodo’ fardello passò al compagno di Le Bas, Norman Coates, che candidamente dichiara di averli sempre tenuti nascosti sotto al letto, tirandoli fuori solo per mostrarli agli amici più cari.

Il Charleston Trust – attualmente chiuso per la pandemia – ne ha dato la notizia lo scorso Ottobre, cogliendo l’occasione per una campagna fondi destinata alla riapertura. Risultato raggiunto in breve tempo – Charleston riaprirà nella Primavera 2021.

https://fb.watch/28BmV4F5nU/

Le immagini sono tratte da Private: The Erotic Art of Duncan Grant, la prima (e al momento unica) raccolta di lavori erotici di Duncan Grant. Edito da The Gay Men’s Press, 1989. (Courtesy of FuoriCatalogoBooks)

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Esistono tanti Andy Warhol, e ciascuno può scegliere quello più adatto ai propri gusti. C’è l’artista ‘pop’, che sia quello da decor allegro delle Marilyn o quello in versione ‘dark’ di ‘Death and Disaster’. C’è il re Mida della Factory, ed i mille possibili approfondimenti dei personaggi di quel preciso momento artistico. Ancora, l’icona del prêt-à-porter, da Uniqlo a Calvin Klein. C’è poi il giovane illustratore, quello che si dedicava all’arte ‘applicata’ vera e propria: copertine, manifesti, riviste.

Negli anni son stati dedicati molti libri a questo aspetto, dalle antologie (Fashion per Thames & Hudson, 2004) alla riedizione di volumi autoconclusivi (The Autobiography of a Snake, sempre per T&H, 2016) a studi più strutturati come Reading Andy Warhol (Hatje Cantz, 2013) e Warhol Before Pop (Carnegie Museums of Pittsburgh, 2017).

La nota casa editrice Taschen, sempre democratica, popolare, ma mai povera di sorprese, nel 2017 aveva pubblicato una raccolta ricchissima focalizzata proprio sui piccoli booklet promozionali di Warhol illustratore. “Seven Illustrated Books 1952–1959” (Taschen, 2017) offriva infatti una ‘scatola delle sorprese’ sotto forma di portfolio con perfette repliche di sette libretti, oggi disponibili in originale soltanto nel mercato del collezionismo librario.

Sembrava effettivamente l’ultima parola possibile sull’argomento, ma questo inverno ci porta invece una ulteriore novità, qualcosa che ancora mancava.

“Love, Sex, and Desire. Drawings 1950–1962” è una edizione limitata a 7.500 esemplari di una ricchissima raccolta – oltre 300 lavori – di schizzi e disegni soffusi di erotismo, dove la bellezza maschile rimane sempre protagonista. 

Sono opere intime e ricche di humour, ma con un tocco poetico molto più spiccato che nei lavori più noti. Un’occasione per aggiungere un tassello meno noto alla conoscenza di questo artista, e un bel modo per restituire al personaggio tutta la sua complessità artistica e personale.

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Andy Warhol. Love, Sex, and Desire. Drawings 1950–1962
Testi: Michael Dayton Hermann, Drew Zeiba, Blake Gopnik 
Hardcover, 28 x 33,7 cm, 392 pagine
Taschen, 2020

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Come e quando hai cominciato ad interessarti all’illustrazione?
Jamie Edler: Mi sono innamorato dell’illustrazione sin dalla tenera età, amo il modo in cui è presente nelle nostre vite, che sia in maniera sottile o più esplicita. L’illustrazione è anche un modo per iniziare una conversazione su argomenti che possono suonare astratti o difficili da trattare, e ha la forza di avere un impatto sui punti di vista, le attitudine e le opinioni delle persone, a volte senza saperlo.

È un mezzo che può essere utilizzato in maniera divertente, ma è anche un modo per raccontare ciò che è difficile da capire o da spiegare. Così come molti creativi, disegno sin da quando ho avuto la capacità di tenere una matita in mano (beh, perlopiù si trattava di cavalli e sirene, ma hey! bisogna pure iniziare da qualche parte!). Ho cominciato la mia carriera da freelance nel 2017, subito dopo essermi laureato alla Falmouth University.

Qual’è la tua più grande fonte di ispirazione?
La mia risposta potrà suonare un po’ un clichè, ma è la vita di ogni giorno – cerco la serenità e la curiosità nel banale. Amo le pubblicità vintage, le copertine dei libri e l’estetica ‘city-pop’. Amo anche tenermi aggiornato sulla moda e integrarla nelle mie illustrazioni. Molta ispirazione arriva anche dai film, nello specifico il cinema internazionale: mi piace osservare il modo in cui la composizione ed il colore vengono utilizzati per trasmettere una emozione o un preciso momento storico.

Spesso i tuoi lavori prendono la forma di poster o di copertine. C’è una ragione particolare per questo tuo modo di utilizzare il testo e le immagini?
Mi piace che le illustrazioni abbiano un contesto in cui esistere, che sia reale o immaginario. È divertente impostarle all’interno di una struttura specifica, e la tipografia è in sè una estetica precisa nonchè un modo di dare una cornice alle immagini. Amo poi i vecchi poster e le pubblicità d’epoca, e mi piace quindi sperimentare in questa direzione.

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[Questa intervista è stata tradotta dall’inglese e pubblicata in Italiano. Una traduzione automatica attraverso Google è disponibile tramite il menù in alto]

L'articolo Jamie Edler: mondi veri e inventati proviene da Toh! Magazine.

Self Service ha fatto le cose in grande. Per il nuovo numero, l’iconica rivista di Ezra Petronio lancia Self Service The Film e fa quello che nessuno fino ad oggi aveva mai pensato di fare. Un film. Ma non stiamo parlando di un documentario, e ancor meno di ‘contenuti multimediali’.

Qui si tratta di qualcosa di totalmente nuovo, una scelta – una riflessione prima di tutto – destinata a lasciare il segno.

Self Service The Film è infatti una versione totalmente animata della rivista, che sarà come sempre disponibile anche nella versione cartacea.: quel ‘cartaceo’ di un certo peso, dalla copertina rigida che tutte le riviste, prima o poi, cercano di approcciare.

Per realizzare il film sono state utilizzate tutte le tecniche possibili: la fotografia ed il video, certo, ma anche la motion graphics. E ancora slideshow e layout in movimento. E una colonna sonora pensata e importante, curata da Pedro Winter e sottolineata da intermezzi ‘pop-up’, chiamati Musically Obsessed, dedicati a testimonianze su singole album – ad esempio, Christine and the Queens su Homogenic.

La rivista prende vita in ogni sua forma, senza mai ripetersi. Il tunnel iniziale di adv vede animarsi ogni singola campagna – con l’integrazione di video, dove possibile, o animando passo passo tutti gli elementi. Gli effetti audio sottolineano la scena, e gli investitori si ritrovano con un tempo speso sulle immagini che difficilmente posson sognare di raggiungere su una rivista cartacea.

Rimane viva anche la scansione editoriale tra rubriche e storie di moda: tutto terribilmente premeditato, per un risultato che è molto più della singola somma delle sue parti.

“La rivista di moda”, Netflix, Instragram: Self Service The Film è un continuo fluire di idee e di forme, pensato per ogni possibile piattaforma, o, più probabilmente, per una piattaforma che non esiste ancora.

Stylist e creativi non posson che ringraziare: si tratta di più di un’ora di idee, ispirazione e suggestioni che finiranno presto su non pochi moodboard.

Questa pandemia ha cambiato tutto – si dice con molta facilità – e forse le cose non saranno più le stesse. Se l’industria della moda e della creatività devon ripensare se stesse, questo film sembra essere un ottimo punto di partenza per le conversazioni a venire.

L'articolo Self Service: The Film. Rivista per un mondo che non sarà più lo stesso. proviene da Toh! Magazine.

Come e quando hai cominciato ad interessarti all’illustrazione?
Robson Stannard. C’è sempre stata una forte componente artistica lungo tutto l’arco dei miei studi, ed è stato questo che mi ha portato all’illustrazione di moda. Mi dicevano sempre che i miei lavori avevano una forte componente di illustrazione, così ho cercato di approfondire quale tipo di studio potevo fare a riguardo. E ho capito subito che era la strada giusta per me.

Qual’è la tua più grande fonte di ispirazione?
L’ispirazione può arrivare da un sacco di media diversi. Ricordo che sono rimasto profondamente ispirato dove aver visto “Francis Bacon – A Brush with Violence”, un documentario della BBC che mi era stato consigliato di vedere durante gli studi all’università. Dopo questo film ho cominciato a dipingere in maniera totalmente diversa, e a sentirmi molto più sicuro del tipo di tratto verso cui mi sentivo diretto. In termini di palette cormatiche, invece, sono sempre stato ispirato dal colore, ma per molto tempo ho fatto fatica a trovarne la giusta rappresentazione. Ho così cominciato a dipingere utilizzando strati diversi di colori contrastanti, e mi sono reso conto che era la strada più consona al mio lavoro.

Quando realizzi una illustrazione incentrata su un capo o su una collezione, cosa cattura maggiormente la tua attenzione?
Ho un grandissimo amore e una grande stima per una serie di designer che – a mio parere – non sbagliano mai un colpo, e non smetterò mai di essere ispirato dal loro lavoro. Tuttavia, durante il lockdown, mi sono ritrovato con più tempo a disposizione e ho deciso di cimentarmi con pattern e tagli più complessi a cui dare vita con le mie illustrazioni. È stata una sfida con me stesso a livello tecnico, ma anche una esperienza che ho trovato molto terapeutica.

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‘The most inventive graphic designers of their generation’. È la definizione di Hans Ulrich Obrist per M/M Paris, il duo di designer/artisti da tre decenni in prima fila nel mondo della moda, della musica e della cultura d’immagine.

Le lista delle collaborazioni di Michael Amzalag e Mathias Augustyniak è sconfinata, messa assieme evoca l’intero gotha della cultura contemporanea e del fashion system. Il loro stile inconfondibile, che mescola illustrazione, tipografia e grafica, rende il termine ‘art direction’ riduttivo, sfiorando spesso la vera e propria (ri)creazione artistica.

Set design, arredi, tipografia ed editoria: di fronte ad una visione così forte l’orizzonte di intervento è praticamente infinito. Hanno ridisegnato e reinventato testate come Interview e Purple, dato vita alle annate migliori di Arena Homme + e portato alla ribalta Man About Town. Hanno collaborato e plasmato l’immagine di Bjork da Vespertine in poi, e progettato artwork indimenticabili per  Vanessa Paradis e Benjamin Biolay.

Ancora, creato set per le sfilate di Miu Miu e interi alfabeti per Prada. Rimanendo su quanto ha inondato i nostri feed nell’ultimo mese, a loro si devono i format di Show-In-A-Box per Loewe, virali e invidiatissime ‘buste-sorprese’ della moda.

Raccontare gli M/M dalla A alla Z non è impresa facile. Un passo era stato fatto nel 2012 con la prima monografia, che continua oggi con il secondo volume. “M to M of M/M (Paris)”, appena pubblicato da Thames & Hudson, è un vero e proprio alfabeto, dalla M alla M, in 850 immagini. Il racconto di una creatività ingombrante, intermezzata dai contributi di Obrist, Vezzoli, Saville, Miuccia Prada e molti altri.

La pubblicazione si collega ad un altro progetto che prende vita proprio in questi giorni: ‘From one M/Museum to another’, una doppia mostra – ma più che una mostra è un ‘intervento’ – che si svolge tra il Musée des Arts Décoratifs e il Museo d’Orsay, due istituzioni Parigine che si guardan da un bank all’altro della Senna per raccontare e ripensare il mondo di invenzioni dei Dioscuri del fashion system.

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Ciao Xavier, puoi presentarti ai nostri lettori?
Eccomi, sono l’uomo che si cela dietro l’orsetto Mr. Saint Georges. Non sono un illustratore professionista e in realtà non lavoro neanche nella moda. Studio a Lille, nord della Francia, e mi piace disegnare, cercando di dare spunti di ispirazione con gli outfit che scelgo per il mio personaggio e cercando di promuovere una moda più etica e attenta all’ambiente. La moda e l’ecologia sono le mie più grandi passioni.

Come e quando hai cominciato ad interessarti all’illustrazione?
Disegno sin da quando ero bambino. Non ho mai preso delle lezioni a riguardo, semplicemente, cerco di disegnare ogni volta che posso. E quando ho deciso di aprire un nuovo account instagram, l’illustrazione mi è sembrata la scelta più naturale.

Com’è nato il personaggio dell’orso Mr. Saint Georges?
Mr. Saint Georges è un po’ una summa di tutto ciò che amo di più. Il mio guardaroba non è di certo sconfinato, e lui mi da la possibilità di immaginare e dare vita a combinazioni infinite. Perchè un orso? Innanzitutto perchè tutti possono identificarsi con lui. E poi, beh, perchè un orso molto, molto più semplice da disegnare!

Qual’è la tua più grande fonte di ispirazione?
Instagram! Già – mi sarebbe piaciuto tirare in ballo dei grandi artisti. Un Hockney, un Dalì… Invece no. La mia fonte di ispirazione principale è Instagram, sorry.

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Mika Ingerman è un’illustratrice di venticinque anni, vive tra le montagne del Vermont, e ci ha colpito per il ricercatissimo gusto sartoriale del suo personaggio e, soprattutto, per il suo insolito compagno d’avventure. Del resto, chi non vorrebbe un lama per amico?

Come e quando hai cominciato ad interessarti all’illustrazione?
Credo di aver iniziato già da bambina. Ero affascinata dagli album per l’infanzia, potevo passare intere ore a contemplarli e cercavo poi di disegnarne i protagonisti. L’altra mia grande passione, giunta più tardi, è la sartoria, così al liceo ho combinato i miei interessi e ho iniziato a studiare illustrazione per la moda così da trasferire il mio mondo su carta.

Come sono nati i personaggi di Bob e il suo lama Bunny?
Bob è nato da un semplice schizzo di moda: un tipo snello e rilassato con un vasto guardaroba che attinge a piene mani dallo sportswear anni ’30. Sembrava un personaggio a sè, così gli ho dato un nome – Bob – e l’ho trasformato in una sorta di cartoon, in un universo di maglioncini college e sportive a quattro ruote. Gli serviva però un amico, un compagno di avventure, e così è arrivato il lama Bunny. Il suo nome è un omaggio a Bunny Austin, (sex) simbol del tennis inglese di quegli anni e vero pioniere della moda maschile; fu lui a introdurre per primo i pantaloncini su un campo da tennis. 

Ma perchè proprio un lama?
Avevo notato alcune vecchie foto in bianco e nero di uomini vestiti di tutto punto che cavalcano dei lama; mi son reso conto che era l’animale perfetto per accompagnare un giovane gentleman degli anni 30 con un debole per la moda. In natura i lama sono animali coraggiosi e protettivi, ma anche molto forti e affidabili: il compagno ideale per chi è in cerca di avventure. 
Sotto lo spesso manto di lana, poi, i lama hanno dei lineamenti veramente armoniosi, una grazia che ben si addice alle linee art deco del periodo. La ‘sprezzatura’ del loro portamentoaltezzoso, combinata al grosso naso e alle sopracciglia penzolanti, li rende veramente dei personaggi esilaranti – divertentissimi da disegnare.
E non dimentichiamo che avere un amico che possa fornirti la materia prima per dei coloratissimi maglioni di lana è impagabile!

Qual’è la tua più grande fonte di ispirazione?
Una delle mie referenze principali per ‘Bob an his lama’ sono le coppie comiche di inizio secolo. Penso ad esempio alla sitcom ‘The Andy Griffith Show’ o la serie di film ‘Broadway Melody’. Sono situazioni in cui amicizia, lealtà e un pizzico di follia possono colmare le differenze tra persone molto diverse tra di loro e creare dei legami duraturi. Il guardaroba di Bob invece deve molto alle illustrazioni di moda del periodo. In particolare Laurence Fellows – che rappresentava l’ideale di uomo alla moda su Esquire e Apparel Arts. O ancora, l’illustratore Leslie Saalburg, che racconta un mondo gentlemen inglesi con una intensissima vita sociale fatta da ristoranti alla moda, teatri e una insaziabile passione per i motori.

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Ciao Juan, puoi presentarti ai nostri lettori?
Juan Miguel Galera. Sono un illustratore spagnolo basato in Andalusia, nel comune di Almerìa. Dopo aver studiato Arte, ho approfondito diverse discipline – dalla pittura alla scultura, fino alla scenografia – per poi decidere di concentrarmi sul disegno e sull’illustrazione.

Come e quando hai cominciato ad interessarti all’illustrazione?
Ho iniziato a lavorare come illustratore soltanto tre anni fa, quasi per caso. Alcuni amici stavano lavorando ad un magazine online e mi hanno chiesto di realizzare delle illustrazioni di moda. Ho continuato a collaborare con loro per un anno, dopodichè ho deciso di prendermi del tempo per capire quale tipo di illustrazione volevo fare e che cosa volevo raccontare. Poco a poco, ho cominciato a trovare la mia strada e a definire il mio stile, ma la ricerca è sempre in corso.

Qual’è la tua più grande fonte di ispirazione?
La figura umana, sicuramente. È l’ispirazione più grande. Il resto della composizione arriva dopo, in base alle suggestioni che riescono a creare un dato volto o figura.

Cosa cattura la tua attenzione quando scegli un modello per i tuoi dipinti?
Il suo volto, la sua espressione. L’espressione e la bocca sono per me di vitale importanza, perchè tendo a soffermarmi molto su quelle parti. Quello che cerco di fare è mettere lo spettatore di fronte al modello, come se lo stesse osservando nella vita reale.

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A Prato. Jacopo Benassi

La prima mostra personale di Jacopo Benassi in un museo. Il progetto parte dallo studio del fotografo – ricreato all’interno degli spazi espositivi – passando per la mostra vera e propria tra le sale del Centro Pecci, per arrivare infine nella città di Prato, dove la retrospettiva viene moltiplicata da un progetto site-specific di affissioni dislocate nello spazio urbano.

Jacopo Benassi. Vuoto
Prato — Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci
Fino al 1 Novembre 2020

A Torino. Paolo Ventura

Da Camera, a Torino, va in scena «Carousel», un percorso all’interno dell’eclettica carriera di Paolo Ventura. In mostra alcune delle opere più suggestive degli ultimi quindici anni; non solo fotografia, ma anche disegni, modellini, scenografie, maschere e costumi teatrali. Più che una classica retrospettiva, una messa in scena di tutti i temi ricorrenti della sua poetica

Paolo Ventura. Carousel
Fino al 8 Dicembre 2020
Torino — Camera. Centro Italiano per la Fotografia

A Modena. Anime Manga

Realizzata a partire dai materiali conservati dal Museo della Figurina, “Anime Manga” celebra la stagione dell’anime boom – dalla fine degli anni ‘70 lungo tutti gli ‘80 – in un viaggio nostalgico che mette assieme le suggestioni da trentenni nostalgici a riflessioni più strutturate sul rapporto tra anime, manga e le loro declinazioni editoriali.

Anime Manga. Storie di maghette, calciatori e robottoni
Fino al 10 Gennaio 2021
Modena — Fondazione Modena Arti Visive

A Milano. Ren Hang

Fotografie, video e libri a testimonianza del lavoro del compianto Ren Hang, scomparso nel 2017. Bellezza, ribellione, vulnerabilità e solitudine prendono corpo nelle immagini crude e sognanti del fotografi cinese: “Siamo nati nudi… Io fotografo solo le cose nella loro condizione più naturale”.

Ren Hang, photography
Fino al 29 Novembre 2020
Milano — Fondazione Sozzani

A Parigi. Cindy Sherman

Diva, clown, milf o Karen: tutti i volti di Cindy Sherman, o quasi. La Fondazione Louis Vuitton celebra il lavoro dell’artista americana con una retrospettiva che conta più di trecento opere e una anticipazione degli ultimi lavori.

Cindy Sherman à la Fondation Louis Vuitton
Fino al 3 Gennaio 2021
Parigi — Fondation Louis Vuitton

A Berlino. Juergen Teller

Le immagini di Teller da ‘Leben und Tod’ — una riflessione sulla vita e la morte — diventano lo spunto per nuove immagini di Nobuyoshi Araki, che riflette il tema di fondo fotografando gli oggetti più significativi dell’infanzia del fotografo tedesco. In mostra anche la serie “If You Pay Attention”, di Juergen Teller con Dovile Drizyte.

“If You Pay Attention” — Fino al 7 Novembre 2020
“Araki Teller, Leben und Tod” — Fino al 24 Ottobre 2020
Berlino — Galerie Grisebach

A Zurigo.Paul Mpagi Sepuya

Una personale del fotografo americano Paul Mpagi Sepuya che riflette sulle dinamiche del ritratto fotografico e sulle relazioni che questo innesta, da una parte e dall’altra dell’obiettivo. Amici, artisti e modelli si scambiano il ruolo di fotografo e modello, in un gioco di tende e specchi che metten in risalto le affinità tra “dark room” e “darkroom”.

Paul Mpagi Sepuya
Fino al 17 Ottobre 2020
Zurigo — Galerie Peter Kilchmann

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Karlheinz Weinberger fu per buona parte della sua vita un impiegato della Siemens. Visse a Zurigo, in un piccolo appartamento, fino agli ultimi suoi giorni. In realtà la sua vita fu molto più avventurosa di quanto non riporti la biografia ufficiale: era un avido fotografo, e uno dei più fedeli testimoni delle sottoculture giovanili in svizzera negli anni sessanta.

Il suo lavoro è stato riscoperto soltanto nell’ultimo decennio, e anno dopo anno ha acquisito una visibilità sempre maggiore. L’editore svizzero Sturm & Drang ha recentemente pubblicato due volumi dedicati a suoi lavori inediti. Il primo, Halbstarke (Ribelli), dedicato alla fascinazione degli adolescenti svizzeri per la cultura americana; il secondo, Sports, dedicato ai lavori per le colonne sportive di riviste e quotidiani. Comune denominatore, la passione per la figura maschile.

Le immagini in queste pagine sono tratte da Karlheinz Weinberger – Halbstarke (Vol.1) e Karlheinz Weinberger – Sports (Vol.2). Entrambi i volumi editi da Sturm & Drang che ha in cantiere anche un terzo tomo: Karlheinz Weinberger – Mediterraneo (Vol.3). 

Text by Didier Falzone

L'articolo Karlheinz Weinberger. Ribelli, sportivi e altre storie proviene da Toh! Magazine.

Physique Pictorial è il ‘beefcake magazine’ per eccellenza, un campionario unico di uomini atletici, sexy e ammiccanti la cui carica erotica è giunta intatta fino ai giorni nostri.

Era il 1951: non era ancora nato Playboy, ma Bob Mizer aveva già pensato a una pubblicazione in cui mostrare i nuovi ‘modelli’ arrivati in città, ragazzi muscolosi e dal fisico statuario pronti a ‘posare’ al naturale per amor dell’arte o del fitness.

La pubblicazione, che oggi avremmo definito fanzine, avrà vita lunga e più tardi – nel ’69, ovviamente – potrà anche fare a meno di jock-strap e straccetti per un trionfo di gonfiori ed erezioni da far invidia a Butt.

L’avventura di Physique finì grosso modo con la scomparsa del suo fondatore, ma recentemente la Bob Mizer Foundation ha riportato in vita Physique Pictorial per le nuove generazioni. Abbiamo intervistato l’art director Frederick Woodruff.

Qual’è il messaggio di Physique Pictorial oggi?
Così come in ogni fascicolo di Physique, sin dal primo numero di Bob Mizer del 1951, anche oggi continuiamo a porci il medesimo interrogativo; “Cosa rende la mascolinità un misterioso connubio di bellezza e seduzione?’ Noi speriamo che possa essere l’arte della fotografia a dare una risposta a questa domanda.

Tramite la Bob Mizer Foundation, il progetto Physique Pictorial porta avanti anche l’heritage di Bob Mizer come artista oltre che editore. Come hai incontrato Mizer nella tua vita e in che modo porti avanti la sua eredità artistica?
Il mio primo approccio con Mizer lo devo alla scoperta del film ‘Pink Narcissus’ di James Bidgood, un’opera veramente fondamentale che mi ha spinto a intraprendere un viaggio alla scoperta di quei fotografi e registi che si erano occupati specificatamente dell’immaginario successivamente noto come ‘beefcake’.

Per quello che riguarda Mizer come artista, la Fondazione che porta il suo nome ha l’obiettivo di assicurarsi che il suo lavoro rimanga accessibile agli studiosi e al grande pubblico in generale: la sede di San Francisco funge così anche da archivio e sede di consultazione.

Sono molti i brand che stanno abbracciando l’immaginario maschile come parte integrante della loro identità. Mi riferisco ad esempio alle collaborazioni moda delle fondazioni dedicate a Tom of Finland e Mapplethorpe o alla passione di JW Anderson per i ragazzi del barone Von Gloeden. Ci sono progetti per un approccio ‘lifestyle’ al mondo di Bob Mizer?
Assolutamente, è qualcosa su cui stiamo lavorando proprio adesso! Vedrete presto tanto Mizer nel mondo della moda e degli accessori… sarà sorprendente e divertente.

Ai tempi di Mizer, gli uomini seminudi si trovavano solo sulle riviste di culturismo, mentre oggi quel ruolo ce l’hanno le riviste di moda uomo. Qual’è la tua opinione sull’evoluzione dell’immaginario maschile?
Trovo che le immagini siano da sempre testimoni di tutte le istanze più significative di un preciso momento culturale, e la rappresentazione della bellezza maschile segue lo stesso percorso.

Le immagini catturano l’immaginazione, e l’immaginazione aiuta ciascuno di noi a inventare i diversi modi in cui intendiamo vivere le nostre vite ed esprimere i nostri valori, speranze e sogni.

Con il nuovo Physique Pictorial porti avanti anche una intensa ricerca di nuovi talenti, e sembra che questo sia per te un aspetto molto importante.
Assolutamente: uno degli obiettivi principali di Physique è proprio mostrare quei fotografi dedicati alla rappresentazione del corpo maschile il cui lavoro risulta rilevante in questo preciso momento.

Ogni nuova pubblicazione ad un certo punto deve confrontarsi con una parola magica: ‘millennial’. Escludendo le ovvie considerazioni di marketing, si potrebbe dire che è un modo per riflettere sulle evoluzioni future di un preciso retaggio culturale. Qual’è il ruolo di Physique per una generazione abituata ad esprimere i propri colpi di fulmine a colpi di like?
Questo punto si ricollega a quel che dicevo prima circa il potere delle immagini. Le modalità possono essere diverse a causa del digitale, ma gli istinti delle persone rimangono gli stessi. Il che significa che, di base, c’è sempre una precisa e forte reazione di fronte alle bellezza.

Scegliendo di pubblicare una rivista cartacea anzichè un sito – sebbene ci sia invece un sito per la Fondazione  – il nostro obiettivo è di riportare l’atto del guardare ad un ritmo più lento, quasi fosse un antidoto alle relazioni frenetiche che generano i social. Possiamo dire quindi che il nostro rapporto con i millennial sta nel fornire loro un nuovo modo di vedere e leggere l’arte.

Ultimamente c’è stato molto interesse per figure come Karlheinz Weinberger e David Wojnarowicz anche su canali più commerciali; fortunatamente il nostro bagaglio culturale sembra esser oggi più forte che mai. Ci sono degli artisti che pensi stiano contribuendo in maniera significativa al tema della rappresentazione maschile?
Questo è davvero un tema molto importante per me, e – senza falsa modestia – credo di poter dire che ognuno degli artisti contemporanei presenti sul nuovo Physique contribuisca in maniera nuova e significativa a questa forma d’arte. Sono un grandissimo estimatore di ciascuno degli artisti pubblicati fino ad oggi.

Quello che vorrei adesso è concentrarmi invece sulla nuova generazione di fotografe, per indagare lo sguardo femminile sul tema della bellezza maschile. Spero anzi ce ne sia qualcuna che ci stia leggendo adesso: sarei davvero felice se volessero contattarmi e propormi i loro lavori.

bobmizerfoundation.org
Abbonamenti a Physique Pictorial qui

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