Ivan non è solo il corpo che si muove, né un’immagine da guardare, anche se il corpo è lì, evidente, disponibile.  È il modo in cui sfugge proprio mentre pensi di aver capito cosa sta facendo. Un gesto che sembra spontaneo e invece no, uno sguardo che non si concede mai fino in fondo. 

Ivan Ugrin è una presenza che attraversa i linguaggi — danza, moda, performance — con una naturalezza disarmante, come se non esistessero confini, solo variazioni di intensità. Ivan invita e trattiene qualcosa. E proprio in quella sottrazione si apre una tensione sottile, quasi magnetica, tra vulnerabilità e controllo, desiderio e autonomia. 

Ivan Ugrin è cresciuto tra l’Europa dell’Est e Berlino, porta addosso una stratificazione precisa: disciplina, club culture, una certa idea di libertà che non ha bisogno di essere dichiarata. Arriva dalla danza, ma non ci è mai rimasto dentro in modo ordinato.

Negli ultimi anni ha attraversato set, passerelle e performance seguendo una traiettoria tutta sua, istintiva, difficile da incasellare.

Poi, a un certo punto, un’immagine.
Quella che inizia a circolare ovunque, che resta, che si fissa. Non tanto per quello che mostra, ma per quello che trattiene. Da lì in poi qualcosa cambia — visibilità, sguardi, possibilità — ma senza spostarlo davvero dal suo asse.

É come se per Ivan non ci fosse niente da dimostrare. E infatti non dimostra. Fa. E basta.

E in quel “basta” succede qualcosa di raro: non stai guardando qualcuno che vuole essere visto, ma qualcuno che decide quanto farsi vedere. E resta.

C’è una qualità rara nel suo lavoro: quella di far sembrare tutto istintivo, anche quando è profondamente consapevole. Possiede una forma di libertà che non ha bisogno di dichiararsi, perché si percepisce. Una autenticità che non ha bisogno di essere dichiarata. Che si intravede, si sposta, cambia forma.

C’è desiderio, sì. Ma non è mai completamente accessibile.
C’è controllo, ma non è mai rigido.
C’è libertà.

E allora resti lì, un secondo in più del necessario.
A chiederti cosa hai appena visto.
Forse è per questo che continui a guardarlo.

Il tuo corpo sembra pensare ancora prima di muoversi. Ricordi quando hai capito per la prima volta che il movimento poteva essere una forma di coscienza?

Il corpo in realtà ricorda. Conserva tutta la nostra storia. Non riesco davvero a ricordare la prima volta in cui me ne sono resə conto, ma posso dirti che ancora oggi il mio corpo ricorda spettacoli che ho fatto 5 o 10 anni fa.

Quando ho bisogno di richiamare i passi con la mente, spesso è il mio corpo a prendere il sopravvento e a ricordarmi cosa viene dopo.

Come danzatore e movement director, lavori su quel confine sottile tra controllo e abbandono. Ti interessa di più costruire un gesto o lasciarlo accadere?

Adoro improvvisare movimenti. Sul momento, lasciando che il mio corpo informi i miei movimenti in base a come mi sento quel giorno, in quell’istante, alla musica che sto ascoltando, all’ambiente che mi circonda, alla stanza in cui mi trovo.
Amo la libertà che questo mi dà.

Ti muovi tra danza, moda e performance come se fossero lo stesso linguaggio. Vedi davvero una differenza, oppure è solo una questione di contesto?

Onestamente, non vedo una differenza tra essere sul palco a esibirmi/danzare, essere su un set durante uno shooting, o camminare su una passerella. Per me è tutto performance.
Quello che succede nella mia testa è: mi sento leggermente nervoso perché voglio fare bene, ma mi fido completamente di me stesso e delle mie capacità.

Sono nervoso nei primi 5 minuti, ma poi mi concentro subito sulla performance e diventa solo divertimento!

Come modello, il tuo corpo viene costantemente interpretato dagli altri. Dove collochi la tua voce all’interno di un’immagine che è già stata costruita?

Sono consapevole che le persone interpretano me, la mia personalità o il mio corpo, ma non mi disturba davvero. Cerco semplicemente di essere me stesso, autentico e a mio agio in qualsiasi tipo di performance che verrà condivisa online. Do molta importanza alla buona comunicazione e alle intenzioni delle persone.

Nella campagna di Loewe, la tua immagine risultava quasi iconica — intima, sensuale, ma anche narrativa. Che tipo di spazio è diventato quel set, e cosa ci hai portato tu?

“Drink Your Milk” è stata la mia primissima campagna di moda. Ero molto nervoso nel viaggiare da solə a Madrid per lo shooting. Entrando sul set, però, tutti erano estremamente gentili, accoglienti e affettuosi. Scattare la campagna è stato davvero divertente. Ho sentito di poter essere al 100% me stesso.
Per me, su un set, è molto importante avere una buona connessione con il/la fotografo/a. E questo è successo con la fotografa Angela Suarez. Sapeva cosa voleva ed era molto chiaro nelle indicazioni.

L’immagine di “Drink Your Milk” sembra uno di quei momenti di moda che restano impressi. Com’è stato lavorare con Jonathan Anderson?

In realtà non ho incontrato Jonathan durante lo shooting della campagna “Drink Your Milk”.
L’ho conosciuto quando mi ha invitato a partecipare al lookbook di JW Anderson. Nutro enorme rispetto e gratitudine nei suoi confronti. È stato molto gentile e generoso con me. Sono qui grazie a lui, perché la campagna è diventata virale, dandomi molta visibilità e, successivamente, altre opportunità.

In un sistema che estetizza continuamente i corpi, come preservi — o reinventi — la verità di un gesto?

Penso che la chiave sia l’autenticità. Liberarsene dallo sguardo degli altri. Cosa è vero per te? Cosa ti rende felice? Come ti piace muoverti? Cerco sicuramente di fare questo.

All’interno della comunità LGBTQI+, il corpo è spesso uno spazio politico oltre che personale. Il tuo lavoro parte da questa consapevolezza o ci arriva in un secondo momento?

Credo fortemente che tutta l’arte sia politica, anche quando cerca di essere distante dalla politica.
Come persona queer, creo qualcosa dal nulla. E quel “qualcosa” passa attraverso il mio corpo.

La mia esistenza è politica, quindi tutto ciò che creo lo è a sua volta.

Quindi, per rispondere alla tua domanda: sì, questa consapevolezza è sempre presente, anche se in secondo piano.

Ti è mai capitato di trattenerti, per paura di essere frainteso, o hai sempre seguito l’istinto?

Sì, mi è capitato.
Sono una persona che pensa troppo e non mi è estraneo dubitare di me stesso, ma sono anche molto intuitivo e percettivo. Quando si tratta delle persone di cui mi circondo o di scelte di vita/lavoro, mi affido alla mia intuizione e al mio istinto.

Nelle immagini, il tuo corpo sembra abitare uno spazio molto esposto al desiderio — ma mai del tutto accessibile. Ti senti mai più guardato che veramente visto? E che tipo di potere c’è, per te, nel restare leggermente fuori portata?

Onestamente, penso che non sia possibile conoscere davvero una persona solo guardando il suo account social. Siamo tutti individui molto complessi, con le nostre storie ed esperienze.
Quindi, per me, chiunque online è “leggermente fuori portata”. Ho capito che non puoi controllare come gli altri ti vedono, e come gli altri vedono me non ha nulla a che fare con me, ma tutto a che fare con loro.

All’inizio, i miei social erano un esercizio personale di autostima.
Volevo pubblicare quella foto in cui penso di apparire bene, perché nella vita reale dubitavo molto di me.
Per me Instagram era uno spazio sicuro, dove col tempo l’online ha iniziato a influenzare la vita reale e viceversa. Attraverso la “validazione degli sconosciuti” ho acquisito sempre più sicurezza.

C’è un filo di ironia nel tuo lavoro — come una piccola crepa nella superficie dell’immagine. È istinto o un modo per controllare come vieni percepito?

Quando lavoro, sia su un set che durante una performance, entro in una modalità performativa.
Direi che quelle piccole crepe di ironia sono scorci del mio io più autentico.

Dico sempre che non mi prendo troppo sul serio e cerco di affrontare la vita con umorismo.

È anche il mio meccanismo di difesa, ah!

Fotografarti è davvero divertente. Cosa ti è rimasto della giornata sul set con TOH!?

Oh, sono davvero felice di sentirlo. Mi sono divertito molto durante lo shooting. Ho amato gli outfit. Ho amato l’energia sul set. Siete statə molto dolci, calorosi e accoglienti.

Dai l’impressione di essere una persona molto libera — di quelle con cui è facile entrare subito in connessione. Da dove nasce questa apertura?

Sono molto felice che questa sia la vostra prima impressione di me. Credo che sia semplicemente ciò che sono. Amo connettermi con gli altri, ascoltare le persone, e aiutare chi posso.
Il nostro tempo su questa terra è molto limitato, quindi perché essere stronzi quando si può semplicemente essere gentili?

Photography and Styling Alex Vaccani with Alessandro Marzo
Grooming Florianna Cappucci @ Greenappleitalia

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La collezione presentata da Leo Dell’Orco, storico braccio destro del fondatore per quarant’anni, ha il sapore di un esercizio di fedeltà e misura. Liscia, morbida, profondamente Armani. Sartoria ampia, fluida, tessuti accoglienti, pantaloni pieni che si appoggiano sulle scarpe in suede come se fosse sempre domenica pomeriggio.
C’è qualche segnale di movimento: trame iridescenti, tocchi di ametista, ma sempre filtrati da quella compostezza quasi allergica allo strappo. Persino il velluto blu più acceso flirta con l’appariscente senza mai concederglisi davvero.

I bomber carnosi, le giacche da aviatore, i maglioni larghi con spalle cadenti infilati in pantaloni enormi parlano a una giovinezza possibile, mai inseguita. In totale 136 uscite che ribadiscono una verità semplice: Armani non sceglie tra monopetto e doppiopetto, tra collo a scialle o a fascia. Sceglie la languidezza. E basta.

Due show, zero scenografia nella pista sotterranea di Via Borgonuovo, modelli storici che sfilano con quell’andatura ventilata, mento alto, aria di chi non deve dimostrare nulla perché ha già dimostrato tutto. Continuità e nonchalance come manifesto politico.
Gli anni ’80 e ’90 stanno tornando ovunque, e Armani è paradossalmente in pole position proprio perché da li non se n’è mai andato. Il vero punto interrogativo è: cosa potrebbero fare i giovani designer interni se qualcuno li lasciasse davvero pescare nell’archivio, come accaduto da Paul Smith?

Il finale con le coppie uomo-donna ribadisce il ruolo pionieristico del fondatore nel riscrivere la sartoria come stile di vita totale, mentre la collaborazione con Alanui (cardigan geometrici per lui e per lei) è forse l’unico vero segnale di un sentiero nuovo.
Dell’Orco saluta alla maniera di Giorgio, inchino misurato, poche mosse. Giustissimo

Milano moda uomo fw 26: Prada: l’inquietudine come alibi (e Raf Simons come rimastone)

Da Prada, invece, l’asticella delle intenzioni viene fissata altissima: “valori umani universali, civiltà, cultura, intelligenza, cura”. Tutto affidato a camicie con taglio francese stirato a ferro e pantaloni di lana asciutti come se da un minuto all’altro avessero preso l’Ozempic e l’avessero prescritto a tutto il guardaroba maschile.

La scenografia che vuole essere un condominio sventrato, modanature borghesi superstiti, caminetti appesi alle pareti, forse funziona più dei vestiti. La colonna sonora (Virgin Prunes, Suicide) ringhia il disagio. L’atmosfera è volutamente scomoda e qui arriva il punto: Prada parla di “scomodità” come categoria esistenziale, ma la traduce in una forma ormai rassicurante che sinceramente non sorprende più.

In passerella cappotti tubolari, alti, abbottonati fino al collo ma portati con l’attitudine disinvolta di un bomber; linee asciutte, quasi ascetiche; una palette di rosa antico, malva, verde anice, viola profondo che sorprende senza mai diventare folkloristica.
doveroso sottolineare che la silhouette snella resta impressa perché diversa dal resto di Milano, non perché “rivoluzionaria”. come non sono rivoluzionarie le tecniche d’invecchiamento dei capi utilizzate da Miuccia e Raf, e Simons questo lo sa molto bene dal momento che fruga nel passato e nell’archivio immaginario e immaginifico di Margiela facendo sue, alcune delle tecniche più riconosciute e utilizzate da Martin come il memory of, ovvero la rivelazione di ciò che c’era prima: cuciture abrase, strati precedenti che riaffiorano, tessuti sottostanti che diventano parte del disegno; e il
décortiqué, con capi “scorticati”, consumati, smontati per mostrare la loro costruzione e il loro passato.

In Martin Margiela queste pratiche erano atti radicali: mettevano in crisi l’idea di lusso, di novità, di perfezione industriale. Erano gesti concettuali, spesso violenti, che parlavano di memoria, lavoro, anonimato, sistema. In Prada diventano linguaggio raffinato, colto, controllato. Funzionano, sì. Ma non destabilizzano.

Ed è qui che Raf Simons si rivela per quello che è: un rimastone, musicalmente e concettualmente: non perché sia fermo, Simons è lucidissimo, ma perché continua a muoversi dentro un’estetica e un immaginario formatisi negli anni ’90 e 2000, quando la reference sapeva ancora di trauma, sottocultura, tensione reale. Oggi quelle stesse coordinate vengono riproposte come grammatica consolidata.
Il disagio diventa stile, l’imperfezione diventa codice, la citazione diventa comfort zone.

Il risultato è una collezione riuscita, quantomeno nell’intenzione ma non rivoluzionaria. E va benissimo così. Prada non deve essere ogni volta un evento salvifico. Può essere, come qui, una prova di intelligenza sartoriale e culturale, senza bisogno di urlare al genio perché tanto di geniale non c’è niente. Anzi!

Milano Moda uomo FW26: L’Armadio di famiglia di Zegna rivela la bravura di Sartori.

Con Zegna Alessandro Sartori conferma qualcosa di semplice ma raro: è veramente bravo. Cappotti ampi che cadono naturali, trench fluidi, pantaloni morbidi, lane lavate che sembrano già vissute senza essere stanche. È un’idea di modernità sobria e concreta che respira sul corpo, senza tanti teatrini. Tra le pieghe ci sono richiami a Hermès by Margiela, sartoria invisibile e precisa, cuciture e volumi studiati per far emergere la memoria del capo, ciò che c’era prima senza essere pedante. I colori restano sobri, con qualche lampo di verde oliva e blu profondo. Sartori mescola rigore e leggerezza, memoria e innovazione, senza perdere personalità. Zegna ti ricorda che il mestiere conta ancora, che il lusso vero è invisibile e che l’armadio di famiglia può essere rivoluzionario quando è fatto bene.

Milano moda uomo fw26: Lessico Familiare e Simon Cracker: quando il discorso è ancora aperto

Fuori dai palazzi istituzionali, Lessico Familiare continua a lavorare sul linguaggio come atto politico. Il vestito non è mai solo vestito, ma frase, grammatica, relazione. Senza nostalgia, ne citazioni sterili: c’è un pensiero sul corpo contemporaneo e sul modo in cui abita il mondo. La collezione di Lessico Familiare unisce codici dello spiritualismo metropolitano e riferimenti storici in silhouette cocoon, sottovesti preziose e capispalla rielaborati.Bellissima la scelta musicale (più o meno hanno suonato l’album ray of light di Madonna) e ambizioso e credibile tutta la parte finale. Bravi

Simon Cracker, invece, resta uno dei pochi a praticare davvero l’upcycling come gesto culturale e non come greenwashing. Casting inclusivo, costruzione sbilenca, layering caotico ma lucidissimo: qui il sistema viene guardato di sbieco, smontato, ricomposto in modo lento, come un piatto che ha bisogno di tempo per regalare sapore, stupore ed emozioni sincere. Da Cracker le cose da mettere a posto sono veramente tante ma nel frattempo Simone Botte sta già compiendo una piccola rivoluzione perché mentre i grandi parlano di valori universali, sono spesso i piccoli a praticarli davvero. E lui oggi è il primo che mi viene in mente.

Milano, ancora una volta, si muove tra continuità rassicuranti, rimastoni illustri e isole di resistenza creativa. Sta a noi decidere cosa vogliamo ricordare. E soprattutto, cosa vale davvero la pena tramandare.

P.S. scrivere due righe su Dolce&Gabbana non mi costava nulla ma penso che il tempo da dedicare a quei due nazi almeno su TOH! MAGAZINE è finito.

MILANO MODA UOMO 2026 MILANO MODA UOMO 2026 MILANO MODA UOMO 2026

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È un potere magico: scrivi quelle due parole sull’etichetta e giustifichi qualsiasi prezzo, anche 3.000 €, anche se dietro c’è un laboratorio dove dormi in piedi e lavori 90 ore a settimana. Il caso Dior nel giugno 2024 e quello esploso giusto pochi giorni fa con Loro Piana, brand simbolo del cashmere italiano, e del quiet luxury hanno spaccato l’immagine patinata, ma anche un po’ sbiadita, di un intero comparto.

Per chi non lo sapesse Il “quiet luxury”, o lusso discreto, è una tendenza che valorizza la qualità, la sobrietà e la raffinatezza senza ostentazione,contrapponendosi al lusso sfarzoso. Si concentra sull’artigianalità, i materiali pregiati e la durata nel tempo, piuttosto che su loghi vistosi o design alla moda. In pratica, si tratta di un approccio all’eleganza che privilegia la sostanza alla forma, la discrezione all’esibizione. 

Ma la verità è un’altra: Dior-Manufactures Italia è stata commissariata a giugno 2024 dalla sezione misure di prevenzione del Tribunale di Milano. Alla base della scelta: operai cinesi impiegati in opifici italiani (Scandicci, Monza, Fosso) con condizioni disumane, pagati poche decine di euro, turni massacranti, assenza di sicurezza, residenze abusive dentro i capannoni.

Ecco le cifre registrate: borse vendute a 2.600 €, prodotte per 53 €. Un profitto che macchia e definisce il “lusso italiano”. Il trucco? L’ultima cucitura, magari fatta in Italia, trasforma l’ignoranza operativa in Made in Italy legale.

Poi Loro Piana, il 14 luglio 2025: il Tribunale di Milano ordina un anno di amministrazione giudiziaria sul brand. Il motivo? Aver “colposamente agevolato” lo sfruttamento. E qui fatalmente cambia poco l’elegante narrativa dei filati pregiati italiano.

Le indagini rivelano filiere di cartiera – Evergreen Fashion Group e Sor‑Man –, subappaltate a laboratori cinesi (Clover Moda a Baranzate, Dai Meiying a Senago) dove operai clandestini erano costretti a dormire dentro gli stabilimenti, lavorare fino a 90 ore settimanali per 4 € all’ora, senza ferie, tutele, corsi o sindacati.

Uno di loro ha denunciato di essere stato pestato con tubi perché aveva chiesto pagamenti arretrati. Forse dovrei fermarmi qui perché il limite della dignità è già superato. Ma c’è di più: Il costo di produzione pattuito era 118 € a giacca, pagato al fornitore italiano; loro lo compravano per 80 € dai cinesi. Poi lo vendevano tra 1.000 e 3.000 €. Un’impronta di bugia lucida, pagabile con carta di credito ma anche cash (gli arricchiti amano avere le mazzette in tasca tenute da elastici gialli)

La giurisprudenza parla chiaro: Loro Piana non ha crimini diretti, ma ha permesso che il sistema si radicasse, dimostrando di non avere alcun modello organizzativo credibile. Uno streaming aziendale fatto di audit formali, controlli allo specchio, rescissioni tardive.

Ora, più o meno, è chiaro a tutti che è tutto il sistema moda che mente, LVMH incluso. Armani, Valentino e Dior: tutti sotto amministrazione tra il 2023 e il 2025. Le denominazioni, il made in, il saper fare… sono diventati sinonimi di evasione, silenzi di ufficio stampa, adv che tengono le redazioni in ostaggio.

I giornali di settore, si anche quelli indipendenti, continuano a raccontare sfilate, sostenibilità, heritage. Non dicono niente del sangue che c’è sotto. Perché “non conviene”, perché dietro ogni review c’è un viaggio stampa, un regalo, un contratto pubblicitario. Il sistema regge perché nessuno rompe davvero le palle, se no si corre il rischio di perdere tutto.

Eppure, esistono ancora brand che puntano davvero sul Made in Italy, marchi come Brunello Cucinelli, che ha fatto della dignità del lavoro una bandiera concreta, non solo estetica. 

Cucinelli, con la sua fabbrica e scuola a Solomeo, offre salari veri e storie di dignità. Slowear, Herno, Vitelli, Il Bisonte, Alberta Ferretti, alcune linee di Zegna: realtà che producono internamente, con lavoratori regolari, tutele e trasparenza. Ma sono eccezioni anche se il loro silenzio facilita il mitomane signor marketing del lusso mainstream.

In questa narrazione, il Made in Italy è diventato un “brand estetico, non produttivo”, una barzelletta che non fa ridere, un paravento da boutique che nasconde scheletri in magazzini fatiscenti. Una truffa consensuale: il cliente paga l’immagine, non il lavoro. E l’etichetta? Serve a coprire un sistema di caporalato legalizzato, ottimizzazione dei costi, profitto sopra ogni cosa.

È tempo di fare ciò che i giornalisti dovrebbero fare: raccontare quel che sanno, senza censure, senza paura. È tempo che i consumatori chiedano trasparenza sul chi, come, dove. Solo così il Made in Italy potrà (forse) tornare a significare qualcosa.

Perché oggi, se vedi una giacca da 3.000 € con su scritto Made in Italy, chiediti: Italia di chi? Forse quella della Santanchè che alimenta più di tutti il fuoco del contraffatto ma fatto comunque bene, in Italia, che per citare una canzone mai presa troppo sul serio, è il paese delle mezze verità. 

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Truman Capote, Altre voci, altre stanze, 1948

C’è un momento, in estate, in cui smetti semplicemente di combattere contro il caldo e tutto quello che indossi ti sembra superfluo. Anche i pensieri. Anche le buone maniere.

Succede ogni anno, puntuale come le zanzare e gli amori fugaci: il sole non perdona, la pelle s’incolla alle sedie, il cervello si scioglie, e all’improvviso il bisogno muto di togliersi i vestiti, di restare nudi, non solo per il caldo, ma per un’urgenza più profonda, viscerale. In quei giorni – quelli che cominciano troppo presto e non finiscono mai – il desiderio galleggia nell’aria come il sudore sulle tempie.

Lo sfiorare di un braccio, il passare distratto delle dita sul collo – sembrava già un invito, una promessa, o forse un rischio. Qualcuno ti guarda, e tutto, improvvisamente, è un po’ più ambiguo, un po’ più promettente.

Il caldo d’estate ha questo potere. Ti toglie le forze, la voglia di parlare, la pazienza – e, a un certo punto, anche i vestiti.

E le notti? Ancora peggio. O meglio, dipende dai punti di vista. Sono più calde, più lente, più sfacciate. Il sonno si arrende, i vestiti pure. E resta solo quella voglia antica, semplice, inevitabile: irragionevole bisogno di qualcosa di bello, di proibito, di sfacciatamente erotico.

Buona calda estate.

Photography and Styling Alex Vaccani with Alessandro Marzo
Model Alessandro Guarino

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Ma partiamo dall’inizio: Giugno 2020, piena pandemia Covid, Jacopo Venturini, passa dall’essere direttore merchandising&global markets di Gucci a CEO di Valentino, da allora ha supervisionato diversi cambiamenti chiave (?) nella leadership e nella creatività del marchio tipo mando via Piccioli ma prima distribuisco i designer interni in altre case di moda (vedi De Sarno mandato da Gucci a far cosa ancora non si sa) fino ad arrivare al 28 marzo 2024 quando nomina Alessandro Michele come direttore creativo del brand romano.

Subito dopo l’annuncio e qualche adv, Valentino registra un calo del 2% del fatturato e del 22% dell’utile di base per l’anno, ciò nonostante Kering ha acquistato una partecipazione del 30% in Valentino. (L’accordo comprendeva opzioni per Kering – attualmente in difficoltà nel rilancio del suo marchio di punta Gucci – per acquisire la piena proprietà del capitale azionario di Valentino tra il maggio 2026 e il 2028.)

Gennaio 2025: il debutto couture di Valentino visto da Alessandro Michele.

La collezione si chiama Vertigineux (vertigine in italiano) ed è composta da 48 look: non un’infinità, (chi fa la couture non può presentare meno di 25 look) che causa la vertigine proprio quando si constata l’incompiutezza di ogni possibile catalogazione, ma sufficienti per tradurre le ispirazioni del direttore creativo. È come se ogni abito fosse “un catalogo ininterrotto e potenzialmente una lista sgrammaticata che procede per accumulo giustapposizione. Quarantotto abiti: quarantotto liste. In ognuna di queste liste coabitano elementi materiali ed immateriali”.

Per Michele “è come se ogni abito richiamasse, per associazione, una pluralità di mondi interconnessi: una stratificazione febbrile e ininterrotta di riferimenti che ne fa esplodere l’unicità. Insomma tutto fumo negli occhi, un miliardo di belle parole che fanno presagire un pieno di quelli che difficilmente il mondo della moda dimenticherà.

Un inciampo dopo l’altro. Ma perchè? Come è possibile che ciò sia accaduto? Michele è lo stesso che ha portato Gucci da 3 a 10 miliardi di fatturato. Si è vero, ma Valentino non è Gucci.

Gucci è un brand senza storia stilistica (eccetto l’era Tom Ford) e quindi chiunque può aggiungere all’estetica di Gucci qualsiasi cosa perché tanto è un brand di borsette al contrario di Valentino che è invece l’emblema dell’eleganza e della femminilità, della struttura del corpo e del made in Italy.

Ora, senza troppi giri di parole, che come sapete, non mi piacciono: il nocciolo della questione è semplice quanto brutale: Michele ha portato su Valentino l’equivalente di un travestimento e non una trasformazione. E questo è un dato di fatto, un po’ come se prendessimo uno che vive nei centri sociali e gli dai le chiavi di Versailles.

Ha riproposto, con il consueto barocchismo narrativo vestito da intellettuale, lo stesso armamentario estetico del suo Gucci – zoccoli decorativi, occhiali oversize, folklore citazionista – senza tenere conto della grammatica e del linguaggio profondo della maison.

Ma Valentino non è il feed di Instagram da riempire con foto e reel di sé stessi. È un brand couture sinonimo di mestiere, storia, forma, precisione. Non è un set di travestimenti anni ’70.

Il risultato? La risposta del mercato non è stata all’altezza delle aspettative. In boutique, il ready-to-wear è sparito dalle vetrine: restano solo borse e accessori. Un campanello d’allarme che nel settore ha un significato ben preciso: l’abbigliamento non vende. E se l’abbigliamento di una maison couture non vende, c’è un corto circuito di fondo.

Il team Michele, simpatico come la sabbia nelle mutande, non ha saputo integrarsi con l’ambiente storico del brand, generando una guerra fredda tra passato e presente, peccato che il presente sia solo una brutta copia.

E se persino Giancarlo Giammetti, che Valentino lo ha visto nascere, commenta pubblicamente con ironia e fastidio sull’account Instagram Fashion Cricket è chiaro che il malcontento ha superato la soglia del tollerabile.

Insomma sono anni che dico che Alessandro Michele dovrebbe avere un brand tutto suo, perché le sue capacità di stylist o costumista o citazionista o tutto quello che vuoi misto al suo infinito ego andrà sempre a scontrarsi con il linguaggio e i codici di un brand.

Oggi diversi scenari sono aperti: è possibile che Venturini venga sostituito da Riccardo Bellini, ex amministratore delegato di Chloé e Maison Margiela, entrato in Mayhoola lo scorso gennaio, ma è chiaro che anche questa nomina dovrà passare per l’approvazione di Kering ovvero Luca de Meo, ex Renault fresco fresco di nomina.

Ricapitolando: Il tandem Venturini-Michele si è rivelato un fallimento, i venditori di Valentino si sognano i bonus perché non raggiungono budget e non vendono come vendevano prima, le borsette funzionano quando non hai niente da dire per davvero.

Quindi Il pubblico può essere educato, incuriosito, anche spiazzato. Ma non va mai ignorato. E soprattutto, mai dimenticare che ogni maison ha un linguaggio. Chi lo parla male o chi non lo capisce o meglio ancora chi mette se stesso davanti a tutto viene messo da parte. Anche se si chiama Alessandro Michele.

Valentino Alessandro Michele Valentino Alessandro Michele Valentino Alessandro Michele Valentino Alessandro Michele Valentino Alessandro Michele Valentino Alessandro Michele

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In calendario? Solo 15 sfilate. Tra debutti incerti, ritorni dimenticabili e conferme che sanno di muffa, Milano si è fatta scavalcare pure da Firenze. Ma procediamo con ordine, che almeno qui abbiamo ancora senso critico.

Setchu apre le danze. Satoshi Kuwata, dopo il Pitti di gennaio, decide di esordire a Milano con la sua “trasformabilità sartoriale funzionale”, un’idea ambiziosa e teoricamente interessante.

Il lavoro di Satoshi Kuwata, fondatore di Setchu e vincitore del LVMH Prize 2023, è sempre stato orientato alla sintesi tra culture e tecniche. Il termine “Setchu” – che in giapponese significa “fusione di elementi opposti” – è già tutto un programma. Nella collezione ss26 questo concetto si fa ancora più radicale: la collezione smonta, spezza, scompone, riassembla.

La destrutturazione non è solo un gesto formale, è il modo con cui Kuwata riflette sull’identità dell’uomo contemporaneo.

Molto interessante il lavoro su alcuni pezzi creati insieme ad artigiani locali (la sfilata voleva essere un punto di incontro tra Africa e Giappone) ma in toto la collezione non spicca il volo nonostante le intenzioni di volare alto fossero tante. Ma hey, questo brand fuori dal sistema non è ancora conosciuto, quindi può ancora permettersi il lusso dell’errore. Goditelo finché dura, Satoshi.

Alessandro Dell’Acqua con la sua N21 non sfila ma presenta la sua collezione maschile offrendo una sorta di antidoto alla confusione (creativa, sociale e politica) attraverso una collezione che evita qualsiasi tipo di concetto astratto (Alessandro sa bene che a quelli della moda piace tantissimo buttare fumo negli occhi quando non hanno niente da dire) affidandosi alla sicurezza della sua visione e della sua estetica con un tocco di leggerezza in piú.

Cosí ecco gli elementi essenziali del guardaroba che pur apparendo semplici non risultano mai banali come non risulta banale la nuova idea di composizione: gli anorak e le camicie con lo stesso tessuto di cotone a righe, i giubbotti con i tessuti uguali ai pantaloncini e alla camicia e la borsa unisex Cabiria.

MSGM MA PER FAVORE: il brand italiano, (prossimo al fallimento?), organizza la presentazione della nuova collezione nella boutique sempre vuota di Via Broletto. Per farla breve Giorgetti, che si é scoperto appassionato di mountain bike, ha preso le foto scattate con il suo iphone durante queste passeggiate adrenaliniche e le ha stampate su tutto quello che gli capitava sotto mano. Che genio, che bravo, che paraculo. 

Fiorucci, sotto la direzione di Francesca Murri, continua a sanguinare. Una collezione che sembra il risultato di un laboratorio creativo per bambini bendati. Meglio della scorsa? Sì. Ma solo perché quella alla Triennale sembrava un attacco personale al buon gusto. Look da cartoon, pois, Minnie, angioletti: un patchwork visivo al limite dell’involontario dadaismo. L’ironia di Elio Fiorucci c’era, ma stavolta piange.

Vivienne Westwood torna a Milano per presentare la collezione maschile (non lo faceva dal 2017) e anche Andreas Kronthaler sceglie la strada come location, nello specifico un bar vicino San Babila. Il mood è quello di un dandy di oggi: tutto è all’insegna dell’estate: ci sono la canapa leggera e il morbido tweed, il suede pregiato, i cotoni a righe vivaci, il popeline lavato e stampato, i fiorellini delicati disegnati a inchiostro dall’artista Dominic Myatt.

L’eleganza senza tempo della sartoria inglese e il “raffinato non so che milanese” che vuol dire tutto e non vuol dire niente. Le scarpe esageratamente alte, simili a quelle che fecero ribaltare Naomi Campbell, non stavano bene a nessuno dei modelli e non staranno bene nemmeno alle drag queen di Milano che le riceveranno in omaggio dal brand in cambio di qualche stories accompagnata dall’hashtag #suppliedby. Quando si dice Punk Capitalista!

Ma d’altronde come recita il comunicato stampa “Quando un uomo ha stile, significa molto. Non ha nulla a che fare con la moda, è tutta una questione di stile.” Ma quale? 

Anche Paul Smith ritorna a Milano e fa il suo. Come sempre, sempre bene. 

Lo stesso succede da Emporio e da Giorgio Armani senza Mr. Armani a prendere gli applausi alla fine dello show, al suo posto Leo Dell’Orco, da troppo tempo dietro le quinte, da un twist leggero ma significativo ad entrambi le collezioni. 

Domenico Dolce e Stefano Gabbana hanno pensato alla pigiameria sartoriale, ok! Ma non rendiamola più noiosa di così.

Un po’ meglio Simon Cracker, il Margiela wanna be, che con la sua collezione riciclata porta in scena una proposta ricca di dettagli invitando il consumatore finale a non guardarsi indietro poiché é la direzione sbagliata. 

Bravissimo Magliano, l’unico italiano da tenere in considerazione, che anziché sfilare proietta un piccolo film chiamato Maglianic, schiacciando l’occhio a Titanic, infatti la collezione viaggia su un traghetto e si sviluppa attorno al tema del workwear, reinterpretato in chiave contemporanea e futurista.

Il concetto di retrofuturismo utilitario diventa il cuore del progetto stilistico: una fusione tra la tradizione dell’abbigliamento da lavoro, con le sue divise e uniformi cariche di storia, e l’innovazione di un futuro che richiede funzionalità, comfort e sostenibilità (che si possono permettere forse in tre, visti i prezzi che manco Hermès)

Nel corto, i protagonisti non sono persone comuni, ma i look stessi: zaini da trekking robusti, capispalla tecnici, gilet stratificati, camicie essenziali, scarpe antinfortunistiche e modelli da calcetto progettati in collaborazione con Veja, brand noto per la sua attenzione all’etica e all’ambiente. Ogni pezzo è pensato come una “tenda per corpi senza riposo”, una protezione per chi vive in un mondo instabile e sempre in movimento.

Le stampe e i lunghi cappotti che avvolgono le silhouette sono anche qui un chiaro riferimento al lavoro, ma anche alla dignità e alla classe di chi lo compie. Nelle mani e nella mente di Luca, la moda non è solo estetica, ma diventa un messaggio etico forte: un tributo ai lavoratori e a chi si impegna ogni giorno, un modo per raccontare la realtà con rispetto e sensibilità.

(Ma tanto la maggior parte di voi che leggerete queste review, non é andata a votare l’ultimo referendum che riguardava anche il lavoro, quindi non potete capire di che parlo io e di cosa parla la collezione). 

E poi c’é Prada che per la prossima stagione riflette sul discorso che vogliamo andare in vacanza ma non riusciamo a staccarci dal lavoro. E quindi Miuccia e il suo badante Raf forniscono una collezione leggera e apparentemente semplice ma carica di significato. 

In passerella tessuti femminili, richiami all’abbigliamento da spiaggia, mocassini tagliati che rivelano le dita e borse da viaggio ripescate dall’archivio ma in colori nuovi.

A completare la collezione trench da ufficio leggerissimi ma rigorosi e cappelli della collezione femminile del 2005 rivisitati. Raf Simons, ancora incerto sul suo ruolo, piazza spille a caso per ricordarci che esiste. Ah Se vi state chiedendo se la scenografia avesse significato la risposta é no, non ne ha, se non un ricordo della collezione donna 2013 tramutata in tappeti acquistabili su Sklum. 

Insomma, dopo anni e anni in cui i brand facevano a gara per lo storytelling migliore, per l’influencer piú quotato e collezioni prive di qualità ma piene di sensazionalismi oggi la moda (a parte qualche eccezione) non vuole parlare piú di cosa succede nel mondo, di cosa realmente vogliono i consumatori e di essere avanti rispetto alla realtá ma vuole fare solo vestiti che nella maggior parte delle volte non arriveranno nemmeno in boutique. 

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I CEO giocano a Risiko con gli stilisti e i consumatori seguono il via vai come le signore di una certa guardano beautiful dopo pranzo, ma con la stessa sensazione che tutto cambi perché nulla cambi davvero.

Alessandro Michele, il mistico visionario con la sindrome di D’Annunzio che ha preso l’MDMA, è arrivato da Valentino, brand che aveva appena trovato una specie di equilibrio con Piccioli e che ora si ritrova a fare da palcoscenico a un’estetica che conosciamo fin troppo bene: drappeggi, poesia a caso, tappeti orientali, e perché no una passerella che pareva il bagno di un night di Amsterdam.

Genio? Forse per chi non ha referenze. Innovatore? Non più. Ma nel vuoto d’immaginario collettivo attuale, meglio una copia di sé stessi che il nulla cosmico. Ed è forse per paura che il vecchio Valentino venga dimenticato per sempre che il fondatore Garavani insieme al suo partner di vita Giammetti ha allestito una mostra tutta rossa, tutta Valentino, tutta moda, tutta vera. 

Pierpaolo Piccioli, l’ultimo romantico, ha preso il posto più radioattivo dell’intero sistema: Balenciaga. Lì dove l’estetica post-umana, post-bellezza, post-tutto di Demna aveva creato un culto, Piccioli porterà il suo umanesimo sartoriale? Sicuramente proverà a far dimenticare gli scandali di certe adv, ma non è detto che non verrà fagocitato dal sarcasmo nero pece che aleggia ancora su quel marchio. Lo scopriremo a Ottobre. Intanto, ci si chiede se abbia accettato per passione o per spirito di martirio. (Lasciatemi sognare, lo so che ha accettato solo per soldi).

Nel frattempo Demna è volato da Gucci. E se vi sembra una barzelletta, è solo perché lo è. Dopo aver reso Balenciaga il brand più controverso (e redditizio) del decennio, Demna resta alla corte di Kering, ma in una casa — Gucci — che non sa più se essere sexy, popolare, intellettuale o tutto questo insieme. Il rischio? Che diventi una nuova Balenciaga, ma con il logo più leggibile.

Intanto, il brand che non fa mai notizia ma che detta ancora legge, Chanel, ha scelto Matthieu Blazy. Una decisione precisa: dopo la morte creativa (e commerciale) dell’era Viard, serve un volto pulito, serio, autorevole. Blazy ha il gusto e la disciplina per evitare scivoloni, ma anche l’aria di uno a cui la parola cambiamento mette più paura che voglia. Chanel non rischia, non l’ha mai fatto, ma nemmeno sogna, fa sognare noi una fottutissima collezione maschile che mai e poi mai arriverà. Ma in di questi tempi dove tutto è il contrario di tutto, aver preso Blazy è già una strategia.

Glenn Martens, invece, sfida la logica e i turni di lavoro: sarà a capo di Margiela pur restando da Diesel. Margiela, ovvero il tempio del silenzio, della sottrazione, del pensiero critico, del non logo, ora nelle mani di un designer noto per denim industriali, show spettacolari e dichiarazioni forti. Sarà interessante vedere come gestirà la schizofrenia. L’importante è non aspettarsi il fantasma di Galliano che negli uffici di Place des États-Unis ci andava solo quando se lo ricordava e tanto meno quello di Martin. Non c’è più. Anche se tutti ne sentiamo la mancanza. 

Ma il vero colpo di scema arriva da Versace, dove Prada ha calato l’asso. Mossa fredda, da vero killer, spietata: Donatella fuori, Dario Vitale dentro. E se non sapete chi sia, è perché non dovete. Prada non sceglie per hype, ma per strategia. In un mondo in cui tutto urla, loro sussurrano. E poi colpiscono. Versace ora è parte del “sistema Prada” — leggasi: meno trash, più margini. Addio paillettes? Non subito. Ma a Donatella, se non altro, non toglieranno mai il mito.

Chi invece ha tolto il disturbo senza troppi drammi è Dries Van Noten. Un addio elegante, senza caos né gossip. L’uscita di scena di chi sa che la moda non è più il posto per chi vuole creare con lentezza, bellezza, e una certa forma di poesia. Rimarrà il marchio, certo, ma l’anima è uscita con lui. E forse è meglio così.

E infine, Maria Grazia Chiuri lascia Dior. Dopo anni di t-shirt femministe, frasi ricamate e passerelle che sembravano simposi ONU, la designer abbandona il campo lasciando Dior senza una voce fintapolitica. Il bilancio? Diviso. Ha portato il femminismo sulla passerella, ma spesso l’ha ridotto a merchandising. Adesso che se n’è andata, la domanda è: chi si prenderà la responsabilità di raccontare il femminile? Ma JW Anderson ovviamente, che dopo l’operazione difficilissima di rianimare lo spagnolo LOEWE (che con il duo di Proenza Schouler è pronto a tornare in cantina) è stato chiamato da Dior prima uomo e ora anche donna. Ma non sono sicuro resti li per molto tempo.. sarà un raf simons bis?

Insomma in un mondo sempre più dominato da uomini, quasi tutti quarantenni e quindi per la moda appena maggiorenni, a parte Miuccia con a seguito il suo badante e Louise Trotter da Bottega Veneta, siamo tutti in attesa di tornare a vedere collezioni disegnate da chi sa farlo, da chi ha studiato e non dalla Bellettini ne tanto meno da Cantino o qualche altro direttore marketing, perché se è vero che il sistema moda è ormai un palcoscenico instabile dove le direzioni creative cambiano più in fretta delle tendenze, e mentre gli stilisti si passano il testimone come in una staffetta ad alto rischio reputazionale, i brand e i loro CEO inseguono l’illusione che un solo nome possa salvarli. Ma la verità oggi sembra un’altra: la moda ha smesso di cercare idee, ora cerca solo colpevoli.

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L’abbiamo intervistata e fotografata, catturando tutta la sua contagiosa energia, in attesa di vederla sul palco del MI AMI il prossimo 23 maggio con una live special performance.

Elisa, meglio conosciuta come Elasi, è una delle voci più affascinanti della scena musicale contemporanea, capace di mescolare generi e influenze diverse con un tocco unico e personale. Nata con un forte legame per la musica, la sua carriera è partita dalle lezioni di pianoforte e chitarra classica, ma è poi esplosa in un mondo sonoro che spazia dalla world music al sound UK.

La sua immagine, con il suo stile unico e viscerale, sembra uscita direttamente da un paesaggio dell’artista Luigi Serafini, un mix di colori e surrealismo che ben riflette il suo approccio creativo. In questa intervista esclusiva, ci racconta del suo percorso musicale, del suo primo album “ELASIR”, un progetto che riflette la sua continua ricerca di leggerezza che scava in profondità, e del suo approccio alla performance dal vivo, dove energia e ironia sono protagoniste.

Ciao Elisa, come stai?

Super bene!

Come ti senti ora che il tuo primo album ELASIR è uscito, che effetto fa?  

In realtà mi sento ancora dentro al processo. Quando l’ho finito, ho messo un punto, ma non ho mai avuto la sensazione di aver chiuso un capitolo. Continuo a scrivere, ad ascoltare, a lasciarmi trasportare da questo flusso creativo.

Hai ricevuto dei feedback positivi?  

Sì, mi sembra di sì! Sono molto contenta e, chissà, magari chi ha qualcosa di negativo da dire preferisce non farlo. Ciò che conta per me è essere soddisfatta del lavoro che ho fatto, e lo sono.

ELASIR è un album che ti rappresenta molto, sia musicalmente che nella dimensione live. Per me è come un antidoto alla tristezza, schiacci play e ti lasci trasportare! 

Era proprio questo l’obiettivo! Per me è stato un antidoto in un periodo particolarmente pesante. Volevo creare qualcosa che portasse leggerezza, ed è per questo che l’ho chiamato “Elasir”.

Da dove nasce questa tua abitudine di giocare con i nomi? Prima c’è stato “Oasi Elasi”, poi “Campi Elasi” ti vengono spontaneamente?  

Mi vengono così, per caso! Infatti ora sono un po’ in crisi: What’s next? Non ne ho più, ma vediamo cosa mi inventerò per il futuro.

Una cosa che apprezzo molto di te è che sei un’artista completa. Ti scrivi i pezzi, curi i tuoi live, costruisci un mondo artistico in cui chi ti ascolta può immergersi. Nel tuo universo vedo richiami ad Almodóvar, Serafini, Yoshimoto e persino al film “La morte ti fa bella”. C’è un mix di elementi pop che, analizzandoli, rivelano significati più profondi. Me ne parli?

Assolutamente! C’è anche un po’ di dark, ma ben nascosto sotto i colori. La malinconia c’è, ma cerco di alleggerirla. Tra l’altro, Serafini mi ispira tantissimo visivamente: sono una super fan e recentemente l’ho anche conosciuto. Mi ha invitata a casa sua a Roma ed è stato incredibile. Quando scrivo, immagino mondi simili ai suoi disegni: sono il mio rifugio. Per me è fondamentale curare ogni aspetto della mia espressione artistica, dalla musica alla performance, fino all’estetica e ai costumi.

A proposito di estetica, conosci la cantante Isadora Juice?  

No, chi è?

È una soubrette di fine anni ’70 che cantava a Domenica In. Mi ricorda molto te, nel look, nel ballo e anche nell’utilizzo di parole straniere combinate alla lingua italiana, quindi sono felice di averti dato uno spunto! Ma parliamo di musica: la tua ricerca sonora spazia molto, e in ELASIR si sente. Anche se la world music è più nascosta rispetto ai tuoi lavori precedenti, rimane un elemento importante. Come ti sei approcciata a questo album?

Amo la world music, ma ultimamente mi sono avvicinata anche al sound UK. In alcuni brani si sente un mood più veloce, con casse Baltimore anziché in quattro quarti, più da club. Nei pezzi più riflessivi, invece, c’è un tocco bachata, un po’ di Nicolas Jaar.

Ho sempre un occhio verso il Sud America e la musica popolare italiana: in “TIGRE BIANCA”, ad esempio, abbiamo usato campioni umbri. Adoro comprare vinili strani nei mercatini e lasciarmi ispirare, ne ho uno con un pavone in copertina, ma con la coda chiusa… Orrendo, ma mi piace! Poi li campiono e li inserisco nelle produzioni elettroniche. E naturalmente c’è anche un po’ della mia anima classica: ho usato la chitarra classica di mio nonno in alcuni brani.

Parlando di tuo nonno, quali sono le tue origini musicali? Come hai iniziato?  

Da bambina facevo spettacoli per i miei genitori fingendo di essere Raffaella Carrà! Ho visto un meme che diceva “Se da piccolo facevi spettacoli in casa, oggi sei mentally insane”… Eccomi! I miei hanno capito che avevo una passione e mi hanno iscritta a lezioni di pianoforte. Poi sono passata alla chitarra classica, che studiavo in conservatorio ma nel frattempo suonavo punk nei pub e nelle sagre della provincia di Alessandria. Mai avrei pensato di fare della musica una professione, perciò ho studiato economia per avere un piano b. Ma anche mentre ero a Los Angeles per la mia tesi, ho lavorato in uno studio di produzione musicale e ho imparato a produrre.

Di cosa parlava la tua tesi?  

Era una supercazzola: “L’autoimprenditorialità di un musicista emergente”. In pratica ho creato un business plan per la mia carriera!

Quindi sei il CEO di Elasi?  

Esatto! E grazie a questi studi ho vinto un bando a fondo perduto che mi ha permesso di finanziare il mio primo progetto: collaborare con musicisti da tutto il mondo. Abbiamo registrato a distanza con un griot del Mali, percussionisti brasiliani, un’orchestra gamelan balinese, è stato affascinante.

Nel tuo album non ci sono featuring: brava!. Scelta voluta?  

Sì, non volevo fare featuring per strategia, anche se adoro collaborare.

Però in “TAIKO”, c’è una voce che parla sotto, di chi è?

È un ragazzo persiano. Si chiama Soheil Raheli. In quel periodo ero in residenza alla Casa degli Artisti e avevo scritto tantissimi pezzi, una decina, di cui quasi nessuno è nel disco, però è stato un periodo molto produttivo. Ho chiesto a lui di registrare qualcosa nella sua splendida lingua e mi ha detto che, se ricordo bene, significa “quando entri nella mia stanza, fai piano, perché potresti rompere i cristalli che sono sul pavimento”.

Invece “LORELLA” è un po’ il tuo “inno gay”, giusto?

Ahah, sì! Ora sto preparando tutto con molta cura, la coreografia e tutto il resto perché l’8 marzo parteciperò alla finale di “Una Voce per San Marino”.

Ma è una notizia super! Penso sia il pezzo perfetto, ma chi è Lorella?

LORELLA è un personaggio che mi sono inventata, un nome che suonava bene per la canzone. Mi piace inventare dei personaggi, dar loro delle storie come faccio anche in MARINA (BACHATA) o TAIKO. In questo caso, mi sono immaginata una regina dei club, una drag queen molto elegante, con un kimono a forma di farfalla, che gira per i club del mondo ed è conosciuta da tutti, senza che si sappia nemmeno bene perché.

A proposito di collaborazioni, tu e la dj e produttrice Plastica avete fondato il collettivo POCHE. Com’è nata questa sintonia?  

Ci siamo trovate subito! ICEBERG e AM li abbiamo scritti all’ultimo, ma ci sono piaciuti così tanto da cambiare la tracklist del disco. Con POCHE vogliamo rendere più accessibile la produzione musicale, con workshop gratuiti e spazi sicuri per lo scambio artistico. Curiamo anche una rassegna live al Detune.

E funziona?  

Sì! Organizziamo eventi una o due volte al mese, tutto pro bono.

Prima ti ho detto che il tuo disco mi mette allegria, ma la cosa che mi piace è anche questo potere che ha dal vivo di trascinare tutti sotto palco a ballare!

La verità è che io non mi sento sul palco, è come se stessimo ballando insieme, secondo me. Mi sento connessa con le persone. E la stessa cosa, per assurdo, si crea anche quando faccio i DJ set, anche se non canto e anche se non metto i miei pezzi, ma li ho tutti intorno, perché mi piace ballare con le persone.

Il tuo modo di stare sul palco mi ricorda il periodo Electroclash dei primi 2000, con Fischerspooner e Chicks on Speed, quel DIY divertente ma studiato. Sei d’accordo?

Assolutamente! Mi piace quel mix di ironia e performance.

Se avessi più budget, come cambierebbe il tuo show?  

Sarebbe massimalista! Cambi d’abito, ballerini, scenografie pazzesche… Amo Gaga, Björk, FKA Twigs. Con più budget, porterei tutto a un altro livello.

E invece, a livello di moda, chi ti ispira?

Oltre a quelle tre artiste che ho citato… mi ha molto attratto come si è posto nei confronti della moda David Bowie, e anche la Carrà. E poi aspetta, non riesco a ricordarne un’altra… ah, Róisín Murphy. Anche se è stata un po’ controversa negli ultimi anni. Però il fatto che anche lei sia molto ironica nel modo di vestirsi mi è sempre piaciuto.

Invece, come nasce l’ispirazione delle tutine intere che ti stanno benissimo? 

Mi è capitato di mettere una tutina una volta, ed è stato amore da lì. Perché sono comoda, mi copre tutto, ho già fatto l’outfit.

Anche se ci vogliono sei ore a infilarla!

Esatto, è un outfit perfetto, fino a che non devi andare in bagno! E vabbè, però mi piace. La Carrà è sempre stata un po’ la mia ispirazione quando facevo gli spettacoli da piccola in salotto.

Se potessi riarredare lo spazio vuoto dell’ufficio in cui abbiamo scattato le foto, come lo faresti?  

Lo trasformerei in un mondo fantastico, pieno di colori, suoni e creature surreali. Un po’ come la 

mia musica.

Ultima domanda: ultimo album di cui ti sei innamorata?

Davin Darling & the Hulu Bunun: “Mudanin Kata” è un album fatto di cori che mi mette tanta pace.

Foto @alexvaccani
Styling @alexvaccani @alessandro_marzo
Mua @vanessai.makeup
Production + words @marcocresci_dj412 @giuseppedirosalia

Thanks to:

@tridentmusicofficial
@liltere
@giuliacac@tridentmusicofficial
@liltere
@giuliacaci

L'articolo ELASI: un ELASIR onirico di suoni e visioni proviene da Toh! Magazine.

Florian Baudouin, un nome che non è ancora associato al grande pubblico, ci ha parlato di come lo yoga, il Pilates e la pratica costante abbiano trasformato la sua vita, sia fisicamente che interiormente.

Lungi dall’essere una celebrità dello sport, Florian ha puntato su una filosofia personale che mescola disciplina, creatività e un profondo rispetto per se stesso. Il suo percorso è fatto di perseveranza, impegno e soprattutto un desiderio di crescita. In questa intervista, non solo ci racconta della sua passione per le discipline che pratica e insegna, ma anche di come, attraverso queste pratiche, abbia imparato ad affrontare le sfide della vita quotidiana, dalla gestione dello stress alla ricerca della solitudine, indispensabile per ricaricare le energie.

Florian ci ha conquistati per la sua autenticità e il suo approccio sincero al movimento e al benessere.

Per accompagnare questa intervista, abbiamo deciso di scattare una fashion story durante la sua pratica, affidandoci all’occhio raffinato di Alexis Robardet, fotografo già noto ai lettori di TOH! per le sue straordinarie immagini focalizzate sul corpo maschile con un’eleganza senza tempo. Le sue fotografie catturano la fusione tra forza e grazia, rendendo omaggio alla disciplina e alla bellezza del movimento.

Con una profonda consapevolezza del corpo e una visione nuova di sé, Florian ci offre un’ispirazione per coloro che, come lui, scelgono di dedicarsi a qualcosa che va oltre l’apparenza: la ricerca del benessere autentico, dentro e fuori dal tappetino. Il suo approccio ci insegna che non è necessario essere dei professionisti per intraprendere un viaggio trasformativo, ma che la vera chiave del cambiamento è un impegno sincero verso il miglioramento continuo.

Lo yoga Ti ha reso più flessibile… Ma quanto lo sei nella vita di tutti i giorni?

Lo yoga mi ha sicuramente aiutato a diventare più flessibile fisicamente, permettendomi di ampliare la mia gamma di movimenti. Non sono sicuro, però, che questa maggiore elasticità del corpo si sia tradotta automaticamente in una maggiore flessibilità mentale… Magari fosse così immediato!

Detto questo, mi piace avere una routine che mi dia stabilità e organizzazione nel lavoro e nell’allenamento. Allo stesso tempo, devo essere flessibile nella mia vita quotidiana, dato che lavoro come freelance da cinque anni negli studi parigini. Questo significa dover gestire spesso cambiamenti improvvisi, soprattutto negli orari, e adattarmi continuamente agli studenti che seguo.

Quanto lo yoga ti ha aiutato a conoscere te stesso… e quante persone vorrebbero conoscerti meglio grazie allo yoga?

Lo yoga mi ha permesso soprattutto di connettermi più profondamente con il mio corpo. È una pratica fisica che richiede un alto livello di concentrazione e consapevolezza corporea, soprattutto quando sei uno studente che segue una sequenza di posizioni, si affida all’insegnante nei passaggi da una postura all’altra e attiva le giuste parti del corpo.

Prima, i miei allenamenti erano molto esplosivi e dinamici, con poca attenzione alla posizione del corpo nello spazio. Lo yoga mi ha aiutato a riportare il corpo al centro della mia pratica fisica, a prendermi il tempo per fermare la mente e semplicemente connettermi con il movimento e con il concetto di “qui e ora.”

Ed è proprio questo che cerco di trasmettere ai miei studenti durante le lezioni. Voglio essere di supporto, ma anche stimolarli.

Amo quando il corpo è impegnato intensamente, perché obbliga la mente a concentrarsi sul momento presente.

Mi piacciono molto anche le pratiche acrobatiche, e spero che questo possa ispirare sempre più persone.

C’è stato un momento in cui lo sport ti ha letteralmente “salvato” o cambiato prospettiva su qualcosa?

Lo sport mi ha salvato nel senso che mi ha permesso di incanalare la mia energia e focalizzare l’attenzione su una o più discipline. Ciò che amo dello sport è l’aspetto dell’apprendimento: acquisire una nuova abilità. Mi affascina il modo in cui il corpo, con ripetizione e pazienza, riesce a trattenere nel tempo ciò che impara.

Praticare sport significa anche scoprire l’umiltà e imparare la pazienza. Il movimento, di per sé, è una vera e propria forma di terapia. Bisogna muoversi, anche solo per una passeggiata, per liberare la mente e ritrovare chiarezza e direzione.

Il movimento fa parte della tua vita, ma ci sono giorni in cui vorresti solo restare fermo? Come affronti quei momenti?

Amo muovermi, amo insegnare diverse discipline e praticarle io stesso, ma ho anche un enorme bisogno di staccare, come se mi scollegassi dal mondo, per ricaricarmi, riposare e recuperare energie. E anche per dare spazio alla mia creatività.

Ho la fortuna di vivere da solo e, come diceva Virginia Woolf, di avere “una stanza tutta per sé.” Per me, questi momenti di solitudine sono essenziali, anzi vitali, e cerco di proteggerli a tutti i costi.

Il mio ritmo di lavoro, unito agli allenamenti personali che imposto per me stesso, a volte può sembrare frenetico, ma è sempre bilanciato da momenti di isolamento scelti con intenzione, che adoro. Amo la routine che mi permette di trovare un equilibrio tra il movimento intenso e la quiete totale, necessaria per ricaricarmi.

Lo sport ti aiuta a scoprire di più su te stesso. Cosa hai imparato di te che non ti aspettavi?

Ho imparato che so essere paziente, una qualità che nella vita di tutti i giorni non mi appartiene affatto anzi, direi il contrario.

Ma soprattutto ho scoperto di essere estremamente perseverante e determinato, specialmente grazie alla pratica delle verticali. Ho iniziato ad allenarmi sulle verticali nel 2021 e, da allora, mi registro regolarmente. Questo mi permette di avere un vero confronto tra il prima e il dopo, e devo dire che il cambiamento è sorprendente!

Le verticali sono una vera lezione di umiltà. È una disciplina dura e senza scorciatoie, che ti mette continuamente di fronte al fallimento, le cadute sono inevitabili, ma che ripaga con i progressi, grazie alla tecnica e alla costanza.

Lo yoga insegna l’equilibrio: in quale ambito sei meno “zen”?

Direi in amore… L’amore è complicato perché è un rapporto vertiginoso con un’altra persona. Ti dai completamente, investi nella relazione con qualcuno che non puoi mai davvero controllare o conoscere fino in fondo. Ed è proprio questo il suo fascino: il rischio, l’accettazione della vulnerabilità, ciò che rende l’amore meraviglioso, ma a volte anche scomodo o doloroso.

Amare significa scegliere di esporsi senza rete di sicurezza.

Trovare un equilibrio nell’amore è difficile, perché non dipende mai solo da te.

Oggi sei sulla copertina di TOH! magazine, come ti senti?

Sono davvero emozionato e onorato di essere qui oggi. Raramente ho l’occasione di condividere riflessioni così lunghe e profonde, quindi apprezzo moltissimo questa opportunità.

Grazie ancora per aver pensato a me, sono molto lusingato.

Se qualcuno volesse conquistarti, quale posizione di yoga dovrebbe padroneggiare alla perfezione?

Ahahah, direi una verticale, che di per sé screma già molti potenziali candidati. È una posizione così complessa che sembra semplice, ma in realtà richiede una disciplina incredibile e una perfetta consapevolezza di come posizionare il corpo nello spazio. Quando sei a testa in giù, devi ricostruire tutti i tuoi punti di riferimento abituali.

Questa padronanza del corpo mi affascina davvero! E credo di dover ammirare qualcuno per poterlo amare… È sano?

E quale errore… potrebbe farli cadere rovinosamente?

Non puntare le dita dei piedi mentre si bilancia se restiamo sulle verticali.

Oppure scoraggiarsi troppo in fretta, diventando pessimisti al primo segno di difficoltà.

Amo vedere passione e perseveranza nell’impegno, così come una sana determinazione nel volere riuscire.

Il tuo corpo è sia la tua carta d’identità che il tuo tempio. Ti senti più come uno scultore che lo modella o come un custode che lo protegge?

Non ho mai praticato sport per scolpire il mio corpo. Certo, vedere i risultati e i muscoli che si definiscono è soddisfacente e motivante. Ma sono più appassionato nell’insegnare al mio corpo una capacità che prima non aveva, quella è la parte che mi entusiasma.

Recentemente ho scoperto l’allenamento di forza in palestra, che ho iniziato principalmente per migliorare la mia pratica delle verticali, rafforzando spalle e braccia. Mi ha anche permesso di costruire forza nella parte inferiore del corpo, visto che sono un allenatore di ciclismo per una catena di studi parigini.

Oggi, vedere il mio corpo evolversi e plasmarlo è diventato una fonte di motivazione estetica, che si allinea perfettamente con la necessità di renderlo più forte.

l Pilates riguarda la precisione, lo yoga riguarda la fluidità. Come si uniscono queste due anime nel modo in cui vivi e “abiti” il tuo corpo?

Il Pilates mi fornisce una forma di forza che è utile per mantenere le posizioni yoga. Entrambe le discipline richiedono il coinvolgimento del core, così come concentrazione, lavoro respiratorio e consapevolezza del corpo.

Nella mia vita quotidiana, mi aiutano a restare dinamico e attento alle mie sensazioni.

Porsi davanti alla telecamera e insegnare yoga, hanno qualcosa in comune? Quale “flusso” preferisci?

Spesso pensiamo allo yoga come a una pratica profondamente personale e introspettiva, ma i grandi yogi del XX secolo che hanno reso popolare questa disciplina in occidente facevano vere e proprie performance per promuoverla.

Dimostrare ciò che puoi fare è anche un modo per ispirare. Mostrare posizioni complesse evidenzia la disciplina e la padronanza del corpo, il che può ispirare gli altri.

Vengo dal nulla, non ho mai fatto ginnastica, ed ero rigido come una tavola quando ho iniziato qualche anno fa.

Quello che desidero di più è condividere il messaggio che, con tempo, pazienza, buoni insegnanti e gentilezza, si può imparare tantissimo.

Spesso ci poniamo dei limiti, perché anche solo immaginare una versione diversa di noi stessi può essere intimidatorio.

Ma quando sei abbastanza fortunato da dedicare tempo a una pratica, è lì che accade la magia e la competenza prende forma.

Quindi, osiamo immaginare noi stessi in modo diverso e, soprattutto, al di là dei limiti che spesso ci imponiamo.

Photo by Alexis Robardet

L'articolo Florian Baudouin: yoga, sudore e seduzione. Un viaggio verso l’equilibrio proviene da Toh! Magazine.

Il teatro, silenzioso e vuoto, respirava una calma surreale, l’unico giorno di pausa dalle frenetiche prove dell’opera che avrebbe preso vita con la prima di Rigoletto, il 22 novembre 2024, al Teatro Fraschini sotto la direzione del maestro Alessandro D’Agostini e la regia di Matteo Marziano Graziano. Un capolavoro di Giuseppe Verdi che, in questa nuova produzione, promette di mescolare tradizione e innovazione. Sotto la direzione del maestro Alessandro D’Agostini e la regia di Matteo Marziano Graziano, questa interpretazione si distingue per un approccio contemporaneo ai temi universali dell’opera.

Con Laurent Pellissier, abbiamo giocato, creato e parlato, ma soprattutto abbiamo condiviso tanta arte e profondità, scendendo e salendo in continuazione i tre piani della sartoria teatrale, tra tessuti e dettagli che raccontano storie.

Una storia che, come in un perfetto slalom, abbraccia lo stile di TOH! e si fonde per la prima volta con l’intensità e la ricercatezza dei costumi di una delle opere più celebri al mondo. Tra cambi e corse veloci, abbiamo esplorato il dietro le quinte, sfiorando con le mani infiniti tessuti che ci raccontano storie, mentre le raffinate scenografie di Francesca Sgariboldi si svelavano poco a poco. Le sue scene, infatti, non sono semplici fondali, ma organismi viventi, che respirano e riflettono le fratture e le crepe di una società complessa e conflittuale.

Laurent Pellissier ci ha raccontato che lavora a questi costumi da due anni, mettendo anima e cuore nella realizzazione di ogni singolo pezzo. Un elemento centrale della produzione è proprio il suo lavoro sui costumi, in cui ha scelto di utilizzare materiali di recupero per dare vita a abiti che raccontano storie uniche.

Stoffe che hanno già vissuto altre vite, come i tessuti decorativi di matrimoni o i quadri a punto croce ereditati, trasformati da Laurent in costumi che non solo riflettono la complessità dei personaggi, ma parlano anche di una profonda scelta etica: quella di promuovere la sostenibilità nel teatro contemporaneo.

Le tecniche artigianali, come il boro boro e il patchwork, celebrano le imperfezioni dei materiali, trasformandole in elementi di valore estetico e narrativo. Ogni piccola imperfezione diventa un racconto, una traccia che si intreccia con quella dei personaggi e dell’opera stessa. I costumi, infatti, giocano con luce e ombra, lucentezza e opacità, creando un contrasto visivo che riflette le tensioni e le dualità presenti nei temi dell’opera.

Questa nuova produzione di Rigoletto al Teatro Fraschini offre al pubblico un’esperienza unica, che unisce la profondità emotiva dell’opera originale a una sensibilità contemporanea. Un’esperienza fatta di scelte artistiche che celebrano la sostenibilità e l’artigianalità. Un appuntamento imperdibile, quindi, per gli appassionati di opera e per chi cerca nuove interpretazioni di un classico intramontabile.

Abbiamo realizzato questo servizio senza alcuna percezione del tempo, immersi nella bellezza e nella cultura che il Teatro Fraschini ci ha donato, e nella profonda sensibilità che Laurent Pellissier trasmette attraverso il suo lavoro e i suoi occhi, di un azzurro brillante che raccontano storie senza fine.

Qual è stata la sfida principale nel rivisitare il Rigoletto con una prospettiva contemporanea?

È un’opera scritta più di 170 anni fa, con una sensibilità e un gusto molto diversi rispetto a quelli di oggi, soprattutto su certi temi. A prima vista, potrebbe sembrare intrisa di misoginia e pregiudizi verso le persone disabili (e in parte lo è). Tuttavia, scavando più a fondo nel libretto e nella musica, emergono archetipi universali e potenti che restano incredibilmente attuali. La sfida è partire proprio da questi archetipi e usarli come guida per creare una rilettura che parli al pubblico contemporaneo. Attraverso costumi, scenografie e scelte registiche, è possibile dare un’impronta attuale a un’opera che, nonostante tutto, continua a trasmettere emozioni profonde e senza tempo.

L’uso di materiali di recupero è una scelta estetica o anche etica? Come si intrecciano queste due dimensioni nel design dei costumi?

Direi entrambe, ma c’è una dimensione più profonda oltre l’estetica. I materiali che scelgo sono come archivi di storie: portano con sé un passato che si intreccia con le mie esperienze e con quelle dei personaggi. Per esempio, molti degli abiti di Gilda, la figlia di Rigoletto, sono realizzati con stoffe che decoravano un matrimonio e che la sposa ha venduto su eBay dopo la cerimonia. La giacca di Giovanna, la custode di Gilda, è fatta con un patchwork di quadri a punto croce recuperati nella periferia di Berlino da una signora che aveva ereditato l’intera collezione dalla zia. La camicia del Duca di Mantova, un personaggio maschilista e narcisista, è composta da frammenti di abiti, camicie e ricami presi da vestiti femminili.

Ho usato anche tende, lenzuola di famiglia, costumi di carnevale, scampoli, fondi di magazzino e persino sacchi di caffè.

Puoi descrivere il processo creativo dietro l’utilizzo di tecniche artigianali come il boro boro e il patchwork per i costumi?

Trovo affascinante l’idea di utilizzare i materiali fino in fondo, senza sprecarne nemmeno un frammento, e di sviscerarne l’essenza. Tecniche come il boro boro e il patchwork celebrano le imperfezioni, trasformandole in dettagli di valore estetico e narrativo. Strappando, scucendo e tagliando tessuti e abiti di seconda mano, ho creato nuove forme e texture. Ho lavorato molto anche all’uncinetto e a maglia, mescolando le tecniche per dare nuova vita e significato ai materiali.

Questo processo non è solo tecnico, ma anche emotivo: ogni imperfezione racconta una storia che si intreccia con quella dei personaggi e dell’opera.

Il concetto di “spaccatura” è centrale nella vostra visione. Come viene tradotto visivamente nell’opera?

Il tema della “spaccatura” viene rappresentato visivamente in modi diversi, a volte in modo evidente, altre volte più sottile. Le scenografie raffinate di Francesca Sgariboldi, per esempio, rivelano gradualmente, nel corso dell’opera, le fratture e le crepe della società in cui i personaggi vivono.

Le scene diventano quasi un organismo vivente, che respira e riflette le complessità e i conflitti interiori dei protagonisti.

Anche il concept registico di Matteo Marziano Graziano esplora con grande sensibilità le spaccature interiori di ogni personaggio, rivelandone contraddizioni e sfaccettature senza giudizio.

Nei costumi, ho tradotto il tema attraverso un processo creativo che parte da una riflessione interiore, prima ancora che estetica.

Ogni elemento visivo nasce organicamente da questo percorso.

C’è un materiale o un elemento visivo che, secondo te, incarna meglio l’essenza di questa produzione?

Non c’è un solo materiale, ma direi che il gioco tra luce e ombra, tra lucentezza e opacità, è sempre presente. Questo contrasto visivo riflette le tensioni e le dualità dei personaggi e dei temi dell’opera.

Le tue esperienze nei laboratori dell’Opéra di Parigi e negli atelier di ricamo hanno influenzato l’approccio ai costumi per quest’opera?

Assolutamente sì. A Parigi ho lavorato in un atelier di ricamo che collabora con grandi marchi dell’alta moda e nei laboratori di decorazione del costume dell’Opéra National de Paris. Queste esperienze mi hanno insegnato tanto sulle tecniche artigianali, sull’uso creativo dei materiali e sulla praticità necessaria a un costume teatrale. Ho capito l’importanza dei dettagli invisibili al pubblico, ma essenziali per aiutare i cantanti a “entrare” nel personaggio. Ogni costume diventa una parte fondamentale della loro trasformazione, sia visivamente che emotivamente.

C’è un personaggio del Rigoletto che ti ha richiesto un approccio particolarmente innovativo o complesso nel design del costume?

Non direi un personaggio in particolare, ma forse il coro dei cortigiani. Sono la parte oscura della società: scherniscono, deridono e agiscono con ignavia e passività. Nei loro costumi ho voluto riflettere questa dualità, mascherando l’oscurità con lustrini e paillettes, da cui però emerge qualcosa di truce e grottesco. Con i personaggi principali, come Gilda o il Duca di Mantova, ho avuto bisogno di più tempo per connettermi emotivamente, il che ha reso la realizzazione dei loro costumi più impegnativa.

C’è un designer particolare che ti ispira per il suo stile o approccio?

Vivienne Westwood, prima di tutto. Ma anche John Galliano, Francesco Risso e Matty Bovan. Ammiro la loro libertà nell’uso dei materiali, delle forme e dei colori.

La sostenibilità nei costumi sta diventando un tema sempre più centrale nel teatro. Come vedi il futuro di questa tendenza nel tuo settore?

La sostenibilità è un tema che mi sta molto a cuore e che sta iniziando a emergere sia nella moda che nel teatro, ma c’è ancora molto da fare. Non deve essere solo una strategia di marketing, ma un cambiamento profondo che parte dalla progettazione stessa delle produzioni.

Noi di TOH! ti conosciamo bene e apprezziamo la tua sensibilità. Fai parte orgogliosamente della comunità queer. C’è un po’ di queerness nei costumi creati per l’opera?

Assolutamente sì, c’è sempre un po’ di queerness nel mio lavoro. Alcuni personaggi, come deciso dal regista, sono dichiaratamente queer, mentre altri hanno un’ambiguità che lascia spazio a letture diverse.

Nei costumi cerco sempre di rompere le regole, superando gli stereotipi o portandoli all’estremo.

La queerness è presente anche nel processo creativo non lineare e nell’uso di materiali inusuali.

Cosa significa per te creare abiti che riflettano la fragilità e la resilienza dei personaggi di Verdi?

Significa lasciarmi guidare dall’intuizione, mettendo in gioco le mie stesse fragilità e conflitti. Quando lavoro, mi lascio ispirare dal materiale stesso, come se fosse una scultura.

A volte mi capita di creare un capo senza sapere a chi appartenga, ma alla fine trova sempre la sua collocazione.

È un processo emotivo, quasi inconscio, che dà forma alla fragilità e alla resilienza dei personaggi.

Photographer Alex Vaccani with Alessandro Marzo

Styling & Concept Alex Vaccani + Alessandro Marzo

Date delle rappresentazioni:

• Domenica 24 novembre – Teatro Fraschini, Pavia – Ore 15:00
• Giovedì 28 novembre – Teatro Sociale, Como – Ore 20:00
• Sabato 30 novembre – Teatro Sociale, Como – Ore 20:00
• Giovedì 12 dicembre – Teatro Ponchielli, Cremona – Ore 20:00
• Sabato 14 dicembre – Teatro Ponchielli, Cremona – Ore 15:00
• Venerdì 10 gennaio – Teatro Donizetti, Bergamo – Ore 20:00
• Domenica 12 gennaio – Teatro Donizetti, Bergamo – Ore 15:00

Laurent Pellissier Laurent Pellissier Laurent Pellissier

L'articolo Laurent Pellissier: costumi che raccontano magia e storie proviene da Toh! Magazine.

Nato dall’amore per i bozzetti di grandi nomi come Karl Lagerfeld e Yves Saint Laurent, il suo percorso lo ha portato a lasciare il mondo del design di moda per abbracciare pienamente la sua identità artistica. Con uno stile che combina colori audaci, senso narrativo e un’irresistibile vena di leggerezza, Justin Teodoro celebra il glamour, la fantasia e il fascino intramontabile delle celebrità.

Dai progetti con marchi iconici come Hugo Boss e Shiseido, fino alla recente collaborazione con Madonna per il “Celebration Tour,” Justin ha dimostrato la capacità di tradurre il suo personale punto di vista in opere che emozionano e raccontano storie. In questa intervista, esploriamo il suo mondo creativo, le sue ispirazioni e la visione di un artista che continua a lasciare il segno nell’industria della moda e oltre.

Quali sono le principali ispirazioni dietro il tuo stile?
Sono sempre stato ispirato dalla cultura pop, come la moda, l’arte, la musica e i film. Tutti questi elementi influenzano il mio stile. Mi piace molto disegnare persone, quindi nei miei lavori ci sono sempre volti e ritratti. Inoltre, i miei disegni hanno spesso un senso narrativo. Penso che avere un messaggio e un punto di vista in ciò che disegno influenzi il modo in cui lo faccio.

La moda e le celebrità giocano un ruolo importante nelle tue illustrazioni. Come la cultura delle celebrità e il mondo della moda influenzano il tuo stile?
La cultura pop ha sempre influenzato il mio lavoro e il mio stile. Da bambino ho scoperto la moda grazie alle riviste Vogue e Harper’s BAZAAR di mia madre, e guardavo sempre film, televisione e video musicali. Tutte quelle immagini vivide sono rimaste impresse nella mia immaginazione, aiutandomi a sviluppare il mio occhio e il mio gusto estetico.

Ciò che amo della moda e della cultura pop è che si tratta di un mondo di fantasia, qualcosa di più grande della vita che può offrire una fuga dalla quotidianità.

Cerco quindi di portare quella fantasia e leggerezza nei miei lavori, attraverso l’uso dei colori, l’inclusione di citazioni specifiche o testi di canzoni, mantenendo sempre un tocco di divertimento e umorismo per rendere tutto più pop.

Cosa ti ha portato a combinare moda e arte dopo anni come designer di moda? Come si è evoluto il tuo stile nella transizione all’illustrazione?
Sono stato molto fortunato nella mia carriera nella moda. Ho vissuto un’esperienza straordinaria e ho imparato moltissimo. Tuttavia, dopo otto anni come designer di moda femminile a New York, mi sono reso conto che, pur amando la moda, forse non ero destinato a essere un designer. Ero sempre più attratto dal lato illustrativo del design. Ricordo che i bozzetti di Karl Lagerfeld e Yves Saint Laurent sono stati molto influenti per me.

Quando ho iniziato a orientare la mia carriera fuori dal design di moda, ho ricominciato a disegnare per me stesso e ho riscoperto il mio amore per l’illustrazione.

Così, combinando il lato artistico con quello legato alla moda, tutto ha iniziato a prendere senso: era una combinazione naturale dei due mondi.

Come artista, il tuo stile cambia ed evolve sempre con te man mano che cresci, ma credo che l’essenza rimanga la stessa. Forse oggi disegno in modo leggermente diverso rispetto a cinque anni fa o uso nuovi strumenti, ma quella sensazione e quel punto di vista restano costanti. Se c’è stata un’evoluzione importante, penso sia che ora sono più sicuro del mio lavoro e della mia visione.

Puoi raccontarci della tua esperienza nel team costumi per il “Celebration Tour” di Madonna?
Lavorare per un’icona come Madonna e far parte di quel team è stato davvero un sogno che si avvera. Tutti quelli con cui ho collaborato erano gentili e incredibilmente talentuosi, il che ha reso l’esperienza ancora più memorabile.

È stato sicuramente un lavoro molto impegnativo, ma ero pronto a fare tutto ciò che era necessario. Sono stato coinvolto come illustratore nel team dei costumi e ho collaborato con i designer per interpretare le loro idee e illustrare gli outfit che sarebbero finiti sul palco durante il tour.

Lavorare per Madonna e vedere la mia arte orbitare intorno a lei è stato un sogno.

È stata un’esperienza intensa ed entusiasmante che mi ha messo alla prova in modi creativi straordinari. Ho imparato moltissimo ed è stato un onore far parte di quel progetto.

Come hai reagito quando ti hanno detto che avresti lavorato con la Regina del Pop?
Ero al settimo cielo! Ogni giorno al lavoro pensavo:

“Se quel Justin di 12 anni che passava il suo tempo a disegnare e ascoltare la musica di Madonna, potesse vedermi ora, impazzirebbe!”.

È stato davvero un sogno oltre ogni immaginazione.

Qual è stata la sfida più grande nel creare campagne per marchi importanti come Hugo Boss, Richemont e Shiseido?
La sfida principale è sempre quella di trovare il modo di adattare le proprie idee e il proprio stile all’identità del cliente e del brand. Bisogna anche lavorare con grandi team e personalità diverse, gestendo le dinamiche di gruppo e le comunicazioni. Sono stato fortunato perché i marchi con cui ho collaborato erano interessati a lavorare con me per utilizzare il mio stile e la mia arte per promuovere i loro prodotti e la loro immagine. Penso che queste collaborazioni, quando aperte e reciproche, rendano il processo più facile e anche più divertente.

Pensi che il consumismo frenetico nella moda contemporanea e il frequente cambio di designer tra i marchi abbiano un impatto negativo sulla creatività?
Dal mio punto di vista, osservando l’industria da dentro e da fuori, credo che il consumismo frenetico e il continuo cambio di designer possano rendere le cose un po’ caotiche. Ma questo è il mondo in cui viviamo, soprattutto con i social media.

Non solo vogliamo sempre novità, ma le pretendiamo e le diamo per scontate.

Siamo bombardati da idee e informazioni continuamente. Quindi, mentre questa esigenza di creare costantemente può a volte diluire la creatività, penso che il pubblico abbia ancora l’occhio per riconoscere la genuina creatività in mezzo a tutto questo caos. Potrebbe non essere sempre evidente, ma riusciamo comunque a coglierla.

Quali marchi o designer trovi più interessanti al momento?
Mi piace molto Jonathan Anderson da Loewe. Amo tutto quello che sta facendo lì. È davvero brillante nel branding e nello storytelling, e ha una visione che combina moda e arte, che adoro. Inoltre, penso che sia uno dei pochi designer innovativi che fanno avanzare l’industria.
Mi piace anche la nuova ondata di giovani designer come Christopher John Rogers, Zankov, Bode, Commission, Willy Chavarria e Wales Bonner. Tutti loro creano abiti non solo ben realizzati ma con un forte punto di vista e individualità. E fanno abiti super portabili, bellissimi e davvero speciali, proprio il tipo di stile che mi piace indossare.

Secondo te, quali sono i principali cambiamenti di cui l’industria della moda ha bisogno per rimanere rilevante e sostenibile?
Penso che ci siano troppe stagioni, troppe collezioni, troppe capsule e collaborazioni che ti fanno pensare che non abbiamo bisogno di così tanti prodotti. 

Quali aspetti del mondo delle celebrità ispirano e influenzano maggiormente il tuo lavoro?
C’è quel senso di glamour e fantasia “old school” nella cultura delle celebrità che mi attrae molto. Ma penso che molte delle illustrazioni che faccio di celebrità non siano solo perché sono famose, ma perché sono persone che ammiro e che significano qualcosa per me. Quindi, che siano attori, cantanti, modelli, artisti o scrittori, sono tutti creativi che hanno influenzato il mio lavoro, e i miei disegni sono, a modo mio, un omaggio a loro.

Se potessi disegnare un abito per una figura storica, chi sceglieresti e cosa gli faresti indossare?
Mi piacerebbe disegnare e progettare con Cecil Beaton. Ho sempre amato il suo stile personale e la sua estetica. Non so se mi permetterebbe davvero di disegnare per lui, ma mi piacerebbe avere una sessione di disegno con lui, mentre posa con i suoi iconici completi da dandy.

Sarebbe incredibile.

L'articolo Justin Teodoro: L’arte vibrante tra moda e cultura pop  proviene da Toh! Magazine.

In un’epoca in cui l’essere se stessi è diventato la nuova norma, Riding Solo si erge come celebrazione della libertà personale e dell’espressione autentica, in cui spontaneità e autenticità si fondono in un vibrante abbraccio.

Il servizio fotografico danza tra classico e contemporaneo, evocando il mondo dei cowboy con cappelli, gilet di denim e stivali, trasmettendo un’audacia visiva senza compromessi. Il mood dei look, sexy e disinvolto, è una dichiarazione di virilità e un invito a esplorare la sensualità in modo giocoso.

L’alternanza di elementi informali e sofisticati, come smoking abbinati a outfit più audaci e accessori come sedie e tavoli portatili, stimola una riflessione sulla mascolinità moderna. La scelta di mostrarsi a torso nudo o in biancheria intima non è solo una questione di stile, ma un’affermazione audace sulla virilità contemporanea.

Riding Solo è un manifesto visivo che celebra la libertà di espressione e la versatilità dell’identità maschile. Invita a riflettere su come la moda possa essere un gioco di contrasti, dove audacia e raffinatezza convivono in un dialogo continuo.

Riding Solo ci esorta a scoprire il potere della moda come strumento di liberazione personale. In questo viaggio solitario, la vera eleganza risiede nella capacità di abbracciare la propria unicità e cavalcare la creatività senza paura.

Fotografo Alex Vaccani
Stylists Alex Vaccani & Alessandro Marzo
Modello Ludovico Vacchelli

L'articolo Riding Solo proviene da Toh! Magazine.

Lo abbiamo fotografato e ci siamo scambiati una chiacchiera:

Ciao Samuele, come stai?
Tutto bene grazie! è un periodo un po’ particolare fatto di nuovi inizi ma non posso lamentarmi!

Chi è Dirt’O Malley? Come nasce?
Dirt O’Malley è semplicemente una parte di me che in quel preciso momento sentiva il bisogno di esprimersi in quel modo lì, il nome invece nasce dalla pura casualità. Volevo qualcosa che comunque mi suonasse bene, ho scelto Dirt perché per me Ol’dirty bastard è sempre stato fonte di ispirazione, mentre O’malley l’ho scelto solo perché parte della mia famiglia ha lontane origini irlandesi (e mi suonava bene sopratutto).

Palermo la sentiamo spesso citata nelle tue canzoni. Che rapporto hai con la tua città?
Palermo è tutto ma lo capisci solamente quando te ne vai.
Ogni volta che parto sento che una parte di me resta lì ma anche fermarsi troppo è logorante…
E’ una città stupenda ma molto difficile, bisogna capirla e saperla apprezzare,
Quello che noto però è il fermento che si è creato negli ultimi anni sia da un punto di vista artistico sia dal punto di vista sociale.

Come hai vissuto il cambio da Palermo a Milano?
Ho avuto fortuna, nulla di troppo drammatico. Il cambio lo senti ma Milano ti travolge, è una città che non ti lascia tempo per pensare.

Hai un estetica molto chiara sin dai tuoi primi lavori, quali sono le tue ispirazioni principali?
In realtà, la mia estetica si è sviluppata parallelamente al progetto stesso. È cambiata notevolmente nel corso del tempo, proprio come sono cambiato io. Penso che sia uno specchio dei miei pensieri e delle mie esperienze, e credo che continuerà a evolversi nel tempo.

Come descriveresti il tuo ultimo EP “Di Nascosto” in confronto ai tuoi lavori precedenti?
Sai, con il mio ultimo EP, “Di Nascosto”, ho davvero cercato qualcosa di nuovo rispetto ai miei lavori precedenti. Mi sono concentrato principalmente su produzioni strumentali, mescolando sonorità rock, grunge.

Oltre a scrivere e produrre per te stesso so che lo fai anche per altri, quali delle due parti ti diverte di più?
Entrambe le parti hanno il loro fascino unico. Quando lavoro alle mie produzioni , mi sento libero di esplorare la mia creatività e di dare vita alla mia visione artistica. Ma producendo per altri artisti, mi piace la sfida di capire le loro visioni e aiutarli a realizzare la loro musica. Entrambi i tipi di lavoro mi danno soddisfazione in modi diversi.

Da qualche anno sei stato risucchiato dal vortice del fashion system, com’è successo?
Sai, è stato tutto abbastanza casuale. Inizialmente non avevo nemmeno pensato di entrare nel mondo della moda, ho avuto alcune opportunità che mi hanno portato a immergermi sempre di più in questo ambiente tra cui una sfilata per prada. È stato tutto un pò inaspettato, ma devo dire che la cosa mi sta divertendo molto.

Sei sempre stato appassionato di moda o è una cosa nata nell’ultimo periodo?
In realtà, ho sempre tenuto d’occhio il mondo della moda, ma non posso dire di esserne stato appassionato fino a poco tempo fa. Ero più un osservatore occasionale, curioso delle tendenze e delle novità, ma non mi ero mai tuffato completamente in questo universo.

Hai qualche nuovo progetto in programma?
Sì, assolutamente! In questo momento sto lavorando su un nuovo progetto musicale sotto un altro nome, “etn etn” pronunciato alla francese. Sarà un progetto dance elettronico con influenze UK e devo dire che sono stranamente felice di questa nuova esperienza. Mi sento davvero carico e motivato. Le tracce che stiamo producendo sono semplicemente fantastiche e non vedo l’ora di condividerle con il pubblico. Iniziare questo nuovo percorso mi ha ridato quell’energia che pensavo di aver perso, ed è un sentimento davvero gratificante.

In apertura total look Diesel.

TEAM CREDITS

Photographer: Eleonora Abbadessa
Stylist and words: Giulio Di Gregorio
Talent: Dirt’O Malley
Grooming: Irene Lo Re
Stylist’s assistant: Veneranda Lamberti

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Oggi Jeremy Allen White è per Calvin Klein il testimonial della nuova campagna di underwear scattata da Mert Alas. 

Per l’occasione Jeremy Allen White è stato ritratto mentre indossa solo le mutande più iconiche del marchio, con lo skyline di New York a fare da sfondo.

Sfoggiando pose da icona sexy quale è diventato, Jeremy “Mostra la sua connessione alla città e ne amplifica la potente energia”. La campagna di underwear uomo primavera 2024 “Rinfresca i design classici Calvin Klein grazie ad un nuovo trattamento del logo e dei materiali per un comfort quotidiano”. E sinceramente rinfresca anche i nostri occhi e accendendo desideri che è meglio non divulgare.

Chi è Jeremy Allen White?

Per quelle poche, pochissime persone che non lo sanno Jeremy Allen White, classe 1991, sta vivendo un momento d’oro. Dopo aver dismesso i panni di Lip Gallagher in Shameless ha indossato il grembiule da chef in The Bear, serie osannata da tutti

È proprio per questo ruolo che ha ricevuto diverse candidature e premi, tra cui un Golden Globe come miglior attore.
Padre di famiglia fino allo scorso anno, al momento pare che la sua nuova fiamma sia la cantante spagnola Rosalia.

Piuttosto schivo, riservato e quasi sempre fuori dai giri di Hollywood a Jeremy non gli interessa apparire bello a tutti i costi anzi si è detto spesso ‘sorpreso’ di essere considerato un sex symbol, eppure al talento d’attore affianca il talento di essere un bono senza paragoni con il suo fascino naturale di chi non teme di mostrarsi scompigliato dietro le telecamere così come sul red carpet, e forse è proprio per questa immagine poco impostata che ci fa bagnare.. volevo dire sognare.

Godetevi questi scatti in attesa di vederlo al cinema dal 1 febbraio in “The Iron Claw”, la storia vera della famiglia Von Erich che negli anni ’80 fu una leggenda del wrestling americano. Jeremy si trasforma per la pellicola in Kerry Von Erich uno dei tre fratelli wrestler, sullo schermo interpretati da Zach Efron e Harris Dickinson. Inutile dire che i tre si sono fatti il fisico per entrare nei personaggi e il tasso di testosterone è già alle stelle tra jeans attillati anni ’80 e mini slippini sul ring.

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Venerus ci ha aperto le porte del suo studio milanese, dove ha scritto e registrato “Il Segreto” (Asian Fake/Sony Music), il suo secondo album. Entrare in questo studio è un po’ come stare a metà strada tra uno squat londinese e una galleria d’arte di Berlino, e dentro c’è tutto il mondo di Venerus.

C’è da perdersi nel guardare gli oggetti che lo popolano, tra cui la parrucca del rabdomante di “Magica Musica”, il quadro di un transessuale dipinto da un amico, un coniglietto rosa, un mangianastri portatile della Fisher Price ed ovviamente tanti strumenti e microfoni.

Venerus è contento ed emozionato, saltella a suo agio tra uno scatto e l’altro mostrandoci il suo mondo, oggi meno magico e più terreno e tangibile, come la stanza dove è stato creato e dove abbiamo deciso di realizzare questo servizio.

Intanto complimenti, mi piace molto il tuo nuovo lavoro.

Oh grazie, mi fa un sacco piacere sentirlo dire perché è stato un album molto divisivo. 

Beh sì, lo capisco, quando l’ho ascoltato ho pensato che comunque la tua fosse stata una scelta di andare oltre il primo lavoro e di essere più coraggioso. 

È stato difficile, mi sono accorto soltanto dopo che, da un certo punto di vista, sono stato coraggioso, perché per me era la cosa più ovvia da fare e mi dicevo: “voglio troppo andare in questa direzione perché dal vivo verrebbe così…”. E per me la componente live è la cosa più bella da fare, e quindi dovevo per forza seguire questo input. 

Ad un mese dall’uscita del progetto mi rendo conto che il mio nuovo disco ha creato dibattiti e diviso in due il mio pubblico. 

In che senso?

Da una parte ci sono persone, anche a me molto vicine, che mi hanno detto: “sai che non mi piace?” Mentre altri dicono: “wow, stupendo”.

Come hai fatto a non percepire prima queste vibes divisive?

Perché lavoro di pancia, all’inizio ci siamo chiusi qui (nel suo studio ndr) per circa due mesi in cui ho scritto, ed è stato molto intenso anche perché scrivere insieme ai miei amici mi mette sotto pressione.

Ho sempre cercato di difendere i miei spazi e le cose che scrivo più per paura che per altro… Non mi sento giudicato dai miei amici, ma mentre scrivo ci sono cose che mi fanno paura, e non voglio mostrarle ad altri. Alla fine è stato tutto molto liberatorio, quasi terapeutico, mi sono messo a nudo ed è stato bellissimo.

Ascoltando il disco si percepisce questa cosa… Nel primo lavoro eri più sognante, andavi di fantasia, mentre con questo nuovo lavoro hai i piedi per terra. E nella cover del disco sei per strada a Milano…

Si, sono cresciuto: prima, anche mentalmente ero più piccolo, oggi mi sento un po’ più maturo.

In “Non Imparo Mai” parli anche di questo. Ma la verità è che non imparerai mai davvero, non arriverà mai un giorno in cui ti sentirai “grande”…

Eh lo so, io faccio davvero sempre tante piccole cazzate soprattutto nelle relazioni, negli incontri, mentre l’amicizia è qualcosa di sacro. Questo pezzo nasce proprio da Filippo (Cimatti, amico fraterno e chitarrista ndr), che rimproverandomi per una cazzata che ho fatto ripetutamente mi dice: “Zio, non impari mai!”. Quindi abbiamo trasformato questo mio chiamiamolo difetto, in qualcosa di bello.

Come è nata l’idea di registrare tutto in presa diretta? Ascoltarlo in cuffia è catartico.

Tutto è nato dopo l’esperienza live, per me è davvero importantissimo. Nel 2021 è come se ci fosse stato uno switch nei live come concetto, prima viaggiavo abbastanza in sequenza ovvero computer e testi..

Ora ho abbandonato totalmente questa cosa e abbiamo deciso di riarrangiare e suonare tutto live, come cazzo vogliamo noi, perché sappiamo tutti suonare e bene e abbiamo un’intesa incredibile.

Io nasco con una chitarra in camera a suonare cover dei Nirvana.

Venerus

Non esagero se dico che tra gennaio e febbraio ho passato il mese più bello della mia vita, eravamo tutti qui in studio a suonare come bambini ma coscienti delle loro doti. Abbiamo giocato in studio come si faceva negli anni ’70. Mi piace che anche se la strumentazione è la stessa, non c’è una canzone uguale all’altra.

C’è un po’ quell’atmosfera rarefatta tipica di quegli anni nel disco, penso a “Binari” e alla sua coda strumentale che sembra la colonna sonora di un porno soft!

Ahah! Vero, ci sta, certo che guardi dei porno mega divertenti! (ridiamo ndr).

Hai detto che questo è il periodo più bello della tua vita anche grazie alla tua “chosen family” con cui hai un legame che va oltre l’amicizia, me ne parli?

Assolutamente si! È così. La mia vita sociale è molto asciutta, conosco milioni di persone e mi piace stare in mezzo alla gente, ma alla fine passo il mio tempo o da solo senza nessuno intorno, oppure con i miei soliti 3/4 amici. Sono le persone che insieme a me vanno contromano, siamo come dei pirati, detto in senso poetico.

La mia vita è un vascello che segue una direzione comune a chi è a bordo. Non dico che andiamo sempre d’accordo perché abbiamo gusti diversi ma siamo in sintonia su un’idea di creazione continua che sia tecnica o creativa.

Venerus

Come è nata l’idea dello scatto di copertina? 

Ero qui in studio con alcuni amici dopo una serata, saranno state le sei del mattino e ho deciso di fargli sentire il disco che era ancora una versione demo e in quel momento ho pensato a come volevo la cover. Hai presente quando ti capita che sei in treno e ti arriva su air drop la foto inviata per sbaglio da qualcuno? Ecco mentre ascoltavamo il disco mi è apparsa questa visione di me sdraiato in un prato con un vestito rosso, con i miei amici stesi sul vestito.

Parlando di questa idea i miei amici mi han fatto notare che il mio album è stato scritto in città e quindi abbiamo deciso di trasportare la mia idea appena fuori dallo studio, dove tutto è nato.

Sei credibile in ogni look che indossi, da un’abito couture femminile, al maglione bucato del mercato. Qual è il tuo ‘segreto’ per citare il titolo del tuo disco?

(ride) Non ne ho idea, so che da quando sono bambino mi sono sempre travestito.. tipo una volta a 5 anni ho preso un vestito nero di mia madre, i suoi tacchi e un pennarello nero, sono sceso dal portinaio e dicevo di essere Audrey Hepburn. Mi ha sempre divertito il crossdressing, mi fa star bene.

Non mi piace la moda, non mi interessa. Quando vivevo a Londra è stato come un ponte per la libertà, poiché andavo nei mercatini e provavo qualsiasi cosa.

Venerus

Ero da solo, avevo 18 anni, e potevo fare qualsiasi cosa, dal vestirmi al truccarmi e da lì è partito un percorso di accettazione che mi ha fatto capire che mettermi un vestito da donna mi diverte e che esprimere la mia mascolinità o femminilità in modo indistinto mi fa sentire bene.

Il mondo dei vestiti mi ha sempre affascinato, la realtà è che mi piace decorare le cose e se ci pensi i vestiti sono delle cose che ci appendiamo addosso. Spesso mi viene chiesto come mai non ho uno stylist, non averlo non è un atto politico anche se di questi tempi potrebbe sembrarlo, ma mi piace così tanto giocare a travestirmi che non capisco perché dovrei privarmene.

Poi quando vedo persone che diventano cantanti solo perché hanno uno stylist mi dico: “Ma vaffanculo! Io non lo voglio! Non sei un artista solo perché ti vesti strano”.

Venerus

L’ultimo album di cui ti sei innamorato?

Eccolo! (Tira fuori un vinile alla sua collezione). “Space Heavy” di King Krule, più lo ascolto e più mi piace. Ha un suono molto personale tanto che nessuno potrebbe cantare le sue canzoni, lo trovo molto elegante.

VENERUS LIVE: 15 SETTEMBRE, POPLAR FESTIVAL, TRENTO

PHOTO: SIMON & Creative partner Simona Pavan

STYLIST: Alex Vaccani

STYLIST ASSISTANT: Alessandro Marzo

GRAPHIC COVER: Didier Falzone

L'articolo Venerus fa quel che cazzo vuole. (menomale)  proviene da Toh! Magazine.

I tassisti di Milano sanno sempre tutto quello che succede in città perchè così possono organizzare il loro lavoro al meglio. Capita però che anche ai più preparati di tutti sfugga di mente che dal 16 al 20 giugno a Milano c’è la Fashion Week maschile per l’estate 2024.

In effetti con due sfilate in croce, quattro eventi in giro per la seconda cerchia dei Bastioni può capitare che ti passi di mente.

Noi di Toh! Magazine qualcosa l’abbiamo vista e quello che leggerete di sotto è la somma di quello che ci è rimasto in qualche modo impresso.

Tutto inizia con PierPaolo Piccioli che (ri)porta la sua Valentino all’Università Statale di Milano (Valentino Garavani ha allestito la sua prima collezione di moda uomo nel 1985) e lo fa chiedendosi: cosa vuol dire essere uomini oggi? Bella domanda, che personalmente trovo non abbia necessariamente bisogno di una risposta ma a guardar bene la collezione capisci che questo è un momento per ridefinire un’identità maschile, per riesaminare il significato di mascolinità per scoprire una prospettiva nuova, moderna.

La collezione Valentino The Narratives ne riconsidera la definizione per il presente – la vita degli uomini, la vita dei loro vestiti, la realtà della mascolinità oggi.
Il cambiamento culturale e sociale rivaluta il nostro concetto di maschile, e gli indumenti che lo vestono.

Oggi l’uomo di Piccioli per Valentino porta i blazer e i cappotti sartoriali con shorts corti, addolciti e resi più casual, i classici capi per il lavoro, le uniformi della virilità che ci sono
familiari, sono trattati con delicatezza, mentre le forme di tutta la collezione evolvono in modo sottile, quasi impercettibilmente modificate nelle parti, per trasformare il tutto.
C’è vita nei capi di abbigliamento, vita nei tessuti, fiori come simboli della vita stessa, la transitorietà che diventa permanenza.
Non si può sfuggire alla storia, che influisce sul presente, determina il futuro. Questa collezione, tuttavia, propone e reagisce a una rivalutazione contemporanea della storia – al contempo rimettendo in discussione e costituendo un dialogo ininterrotto su che cosa definisce un uomo oggi.

Da DSquered2 non si finisce mai di toccare il fondo nonostante i due gemelli abbiano pensato di portare in passerella un best of dei loro anni migliori (mi sto ancora chiedendo quali siano stati gli anni migliori per DSquared2).

L’idea mi è parsa quella di uno spring break passato a casa dello zio (Rocco Siffredi) impegnato a girare un porno mentre gli altri ospiti si divertono a guardare.. Ecco io non mi sono divertito perchè penso che i cliché non facciano divertire nessuno.

Magliano, beh che dire follettini e follettine.. noi abbiamo sempre creduto nel suo lavoro, nella sua idea di moda progressista, nel suo essere fintamente fuori dai giri, ci piace dal 2018, anno in cui nasce il brand e improvvisamente dopo anni di piattume e pattume arriva da Bologna a Milano uno che ha davvero talento (non soltanto sotto le coperte) e che con la sua idea di moda può arrivare lontano.

Per la collezione SS24, la prima dopo il successo all’Lvmh Prize, Magliano si concede la prima passarella vera e propria, come mai era successo nella storia del brand.

Così il Palazzo del Ghiaccio si trasforma nel Palamagliano dove sfilano bomber, pantaloni, tute da lavoro e giacche antivento, che si trasformano in pezzi di una couture povera e umile, dove la funzionalità è il più grande elemento di preziosità.

Ma c’è di più: arrivano in passerella capi-amuleto con parole che sono preghiere e ringraziamenti, a cui si aggiungono le catene e gli orecchini fatti di monete e di gettoni telefonici, tenuti vicino al cuore per scongiurare la povertà, come faceva Alda Merini, musa ispiratrice per questa stagione del lavoro di Luca Magliano.

Ci sono anche le maglie e le borse realizzate in tessuto che mostrano la scritta Magliano srl, da non interpretare come un esempio di logomania, ma – in linea con la storia e l’identità progressista del brand – come una celebrazione dell’azienda e in particolare di Bologna, la città che la ospita, oltre che delle persone che ci lavorano.

Mi sono preso un paio di giorni prima di scrivere qualcosa riguardo la SS24 di Prada, ho rivisto più volte la sfilata e oltre all’effetto sorpresa dello slime che colava dal soffitto non ho trovato niente della magia che questo brand regala(va) ogni stagione.

Da quando Raf Simons fiancheggia la Signora ho come la sensazione che Miuccia abbia le mani legate e che Raf stia combinando solo casini, a partire dalla scelta musicale che stagione dopo stagione diventa sempre più banale.

Tornando alla collezione, a sto giro Maria Bianchi e Raffaele Simone si soffermano sulla libertà assoluta del corpo espressa attraverso le fondamenta degli abiti che lo vestono che tradotto vuol dire camicie dalle spalle larghe che si stringono in vita accoppiate a giacche da pescatore o reporter o da chi ha bisogno di un milione di tasche, borse brutte, scarpe lucide. Insomma un esercizio di stile secondo me poco riuscito.

JW Anderson per la ss24 porta in scena una collezione apparentemente semplice ma che in verità è colma di dettagli e riferimenti complessi, bellissimi, colti.

Il Designer, uno dei più cool degli ultimi 15 anni, mixa l’iconografia brit con lo spirito milanese riuscendo nell’obiettivo di creare una community dove ognuno è libero di essere se stesso.

In passerella i classici del guardaroba diventano pezzi speciali: i bermuda sono costruiti con un unico pannello di tessuto che gira intorno ai fianchi all’interno del quale sono inseriti i pantaloncini, la camicia oxford azzurra (ma anche a righe) che abbonda di tessuto sul davanti come fosse un mega volant oppure è tagliata sotto il petto. Grande attenzione sulla maglieria (vero asso nella manica di Jonathan). Unica nota storta: non ho visto accessori pronti a replicare (o superare) il successo della borsa piccione.

milano fashion week

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E per evitare questa condanna eterna, le persone si dedicavano alla penitenza, in una sorta di danza macabra in cui il dolore e la sofferenza erano le uniche monete di scambio.

La penitenza non era solo una forma di autoflagellazione o di privazione, ma anche un rituale che permetteva di entrare in contatto con le energie dell’aldilà e di ottenere la grazia divina.

La flagellazione, ad esempio, non era solo un modo per infliggere dolore al proprio corpo, ma anche per aprire le porte dell’inconscio e comunicare con gli spiriti che abitavano il mondo delle ombre.

In questo mondo esoterico, la morte e la penitenza erano parte di un grande mistero, in cui la vita e la morte si intrecciavano in un ciclo eterno di trasformazione e rinascita.

Così, la morte e la penitenza diventavano parte di un percorso iniziatico, in cui il dolore e la sofferenza erano solo l’inizio di un viaggio verso la conoscenza più profonda dell’universo. 

E solo coloro che erano disposti a compiere questo viaggio, senza timore e senza esitazione, potevano sperare di raggiungere la verità ultima dell’esistenza. Oggi se guardiamo alla storia, il Medioevo è lontanissimo dalla nostra realtà ma se guardiamo alle modalità in cui l’omosessualità veniva punita non siamo poi così lontani.

Certo, oggi in Italia non si viene uccisi, bruciati o castrati, ma ad uccidere, bruciare e castrare sono le parole, le leggi e i provvedimenti presi da chi nei palazzi del potere riversa odio, intolleranza e menefreghismo nei confronti della comunità LGBTQIA+ 

Per il mese del Pride, Toh! Magazine, attraverso questo shooting vuol far riflettere su come il tempo passa  ma le brutte abitudini vestite di pregiudizi e negazioni restano. I Modelli indossano armature medievali che ci difendono dalle spade arroventate d’odio da chi vuole schiacciarci ma allo stesso tempo indossano tessuti leggeri e delicati come i nostri sentimenti che non possiamo fermare per nessuna ragione al mondo. 

Non ci fermerà il dolore, la penitenza o la propaganda di una politica che non rappresenta più nessuno, come Giovanna D’Arco combatteremo ancora e ancora incuranti dei pericoli armati d’amore, coraggio e dignità affinché i nostri diritti ci vengano riconosciuti. BUON PRIDE MONTH A TUTT*

Fotografo : Fabrizio Milazzo
Stylist: Francesco Baldassari
MUA and Hair : Camilla Conterio
Modelli: Nettuno Battisti ,Giovanni Rossi
Fashion Stylist Assistant: Evacarlotta De Vincenzi

WORDS: Giuseppe Di Rosalia

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CREDITS TEAM:
FOTOGRAFA: ILENIA LUZZARA
STYLIST : SOFIA MOTTA
GROOMING: BEATRICE COLOMBO
STYLIST ASSISTANT: SARA PRESAZZI
FOTOGRAFA ASSISTANT: MARTA CUOMO
FOTOGRAFA ASSISTANT: ALESSANDRO TONINI

MODELLI:
HUGO LEUCHARS @ IMG MODELS
ALEX BUKA @ INDEPENDENT_MGMT
BARTEK RANIEWICZ from INDEPENDENT_MGMT

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“Per fare un riassunto di questo fashion month si può serenamente dire che il sistema moda per cambiare ha scelto di non cambiare” scrive Michele Ciavarella sul suo style.corriere mettendo in piedi una sorta di greatest hits che però non emoziona più perdendo poco alla volte il titolo di testimone del tempo in cui tutto accade.

“Dalle sfilate maschili nascono due filoni: il ritorno, insistente, al formale e i look finto ribelle che spingono la moda maschile verso il sempre più lontano genderless.”

“Uguale per la donna: da un lato la ricerca della consapevolezza, la cancellazione del lavoro sulla silhouette che costringe il corpo e dall’altro l’illusione del ritorno del power dress.”

“Mi chiedo dove siano finiti tutti i buoni propositi e le promesse fatte ai consumatori nel passato più recente, come la body positivity, le dichiarazioni di inclusione, gender equality le lotte alle discriminazioni.

Domande su domande che si sono affollate in quasi due mesi di sfilate che dall’inizio di gennaio si sono susseguite: l’Uomo a Milano e Parigi, la Couture a Parigi, la Donna a New York, Londra, Milano e Parigi. Una pila infinita di cose a cui non si può dare titolo se non Vale tutto.

La moda si accontenta, la gente non lo capisce e si nasconde dietro a parole come “qualsiasi cosa va bene”, che lascia un po’ stupiti e perplessi chi ha creduto anche solo per un momento che qualcosa di specifico potesse definire questo periodo.

“Insomma, in due mesi quello che si è potuto osservare è che la moda si sia arresa davanti a un presente che fa fatica a decifrare e a un futuro che è difficile da prevedere.”

Servirebbe l’irrazionalità come reazione a un mondo che mi sembra sempre più conservatore sul fronte della politica e confuso su quello della tecnologia. L’irrazionalità, quindi, mi sembra l’atteggiamento migliore che ha come risultato due correnti opposte: il romanticismo e la protesta. È come se la fantasia si ritagliasse un posto duro ma anche dolce contro le regole.

La moda può reagire alla spinta conservatrice e introdurre una riflessione e un contenuto in un mondo che sembra andare alla deriva spinto da forze in cui c’è molta irrazionalità. Occorre costruire contenuti più umani invece a questo giro nessun designer, nessun marchio, nessuna Maison ha pensato a questo bensì si è pensato a quanto poco si è fatturato negli ultimi tempi e quindi imbavagliamo la creatività e liberiamo la voglia sempre più grande di far soldi.

La destra diventa sempre più conservatrice e anche la sinistra appare più conservatrice. Sono irrazionali i movimenti religiosi radicalizzati, è irrazionale la politica che nega e ostacola i diritti individuali, è irrazionale un potere che nessuno sa bene dove risiede e chi veramente lo esercita.

Tutto è come sospeso, affidato al controllo di chi detiene le chiavi del progresso tecnologico, sempre più controllore e sempre meno al servizio di chi dovrebbe usufruire delle facilitazioni che mette a disposizione.

Se non reagisce la moda, che è una creatività a più diretto contatto con la persona in un mondo irreversibilmente globalizzato, chi o cosa altro potrebbe sensibilizzare verso questa urgenza? La moda ce la può fare se abbandona quella richiesta di legittimazione che la frena di fronte alla cultura.”

fashion month

Grazie a Michele Ciavarella che è sempre fonte di ispirazione per me e penso che dovrebbe esserlo per tutti quelli che amano la moda e non i vestiti.

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La nomina è effettiva immediatamente e Pharrell Williams presenterà la sua prima collezione per Louis Vuitton durante la settimana della moda maschile di Parigi a giugno.

“Sono lieto di dare il bentornato a casa a Pharrell, dopo le nostre collaborazioni nel 2004 e nel 2008 per Louis Vuitton, come nostro nuovo direttore creativo uomo. La sua visione creativa oltre la moda porterà senza dubbio Louis Vuitton verso un nuovo e molto eccitante capitolo”

Pietro Beccari, CEO di Louis Vuitton

La posizione, come immagino ricorderete, era rimasta vacante dalla morte prematura del suo predecessore, Virgil Abloh, nel novembre 2021. Da allora è iniziato il gioco della sedia che piace tanto agli osservatori del sistema che avevano ipotizzato che Vuitton avrebbe potuto assumere degli emergenti come Martine Rose, Grace Wales Bonner e Samuel Ross.

Ora, nonostante l’assenza di un direttore creativo, Louis Vuitton ha continuato a mettere in scena spettacoli maschili di alto profilo con esibizioni live di artisti come Tyler, the Creator, Kendrick Lamar e Rosalía, sottolineando la sua strategia di creare esperienze di intrattenimento a 360 gradi per un pubblico mondiale.

A gennaio, fu scelto Colm Dillane, fondatore di KidSuper, come guest designer per l’autunno 2023, facendo ipotizzare che gli sarebbe stato offerto il posto a tempo pieno. Ma questa possibilità è naufragata dalla partenza di Michael Burke dopo 10 anni alla guida di Louis Vuitton e l’arrivo di Beccari da Dior.

Con il suo curriculum poliedrico, possiamo dire che Pharrell Williams abbia un profilo simile ad Abloh, che si destreggiava tra i suoi doveri alla Vuitton con la sua etichetta, Off-White, oltre a lavori secondari come DJ, artista, designer industriale di mobili, gioielli.

Virgil Abloh che ci piaccia o meno è ampiamente accreditato per aver ridefinito il ruolo di direttore creativo in qualcosa di più vicino a un curatore, piuttosto che semplicemente a un designer di vestiti, e il suo incarico in Vuitton ha coinciso con la diversificazione del marchio in aree prima sconosciute.

Williams, le cui attività si estendono a cinema e televisione, festival musicali e organizzazioni no profit, dovrebbe spendere almeno un terzo del suo tempo in Vuitton, fermo restando che sarà la sua impresa più difficile e che sinceramente non funzionerà come ci si aspetta (ma di questo ne parleremo a tempo debito)

Virgil Abloh aveva già parlato di Pharrell Williams

In un’intervista al New York Times nel 2020, Abloh dichiarò di essere stato profondamente influenzato da Williams nei primi anni 2000.

“Il prototipo all’epoca era quello di essere un delinquente o un atleta o un rapper. E poi è arrivato Pharrell con un brio diverso come produttore, artista, creatore di gusti, individuo. Quella sorta di specchio mi ha sollevato: era un nuovo prototipo e arrivava con un nuovo suono. Gran parte della libertà che mostro nel mio lavoro la devo a lui.”,

Virgil Abloh

Dato che i due erano amici, Williams dovrebbe essere un custode dell’eredità di Abloh da Vuitton, oltre a portare il suo sapore come icona di stile internazionale nota per il suo approccio avventuroso e gender-fluid alla moda, con una predilezione per i colori vivaci e gioielli.

Guardando a Williams si può dire con certezza che sia una potente forza creativa che ha fondato diversi brand di abbigliamento tra cui Billionaire Boys Club e Icecream, le etichette di streetwear che ha lanciato con il designer giapponese Nigo, che ora è il direttore creativo di Kenzo, che come Vuitton è di proprietà di LVMH.

Cosa ha fatto Pharrell Williams prima di arrivare da Louis Vuitton?

Nel 2004, il cantante di “Happy” ha firmato una linea di occhiali per Vuitton, seguita da una collezione di gioielli per la casa nel 2008, quando Beccari era dirigente del marchio. È li che i due hanno iniziato a discutere della prospettiva che Williams assumesse il ruolo di menswear, riuscendo a mantenere i colloqui nascosti fino quasi all’ultimo momento.

In un altro legame di lusso, Williams ha abbandonato una collaborazione di sneaker con Chanel nel 2017 che ha generato una lista d’attesa di 120.000 persone per 500 paia. A ciò è seguita una collezione di abbigliamento unisex nel 2019, “disegnata” con il defunto direttore creativo del marchio Karl Lagerfeld.

Ha anche lanciato una serie di sneaker di successo, a partire da una collaborazione con Nike nel 2004, seguita da design di scarpe per marchi come Reebok e Timberland. Nel 2014, ha stretto una partnership a lungo termine con Adidas, contribuendo ad alimentare la sua gamma NMD con una serie di modelli NMD Human Race (Hu) molto ambiti, tanto che anche Prada le copiò (ed è risaputo che è Prada ad essere copiata)

Il suo contratto come ambassador per Chanel è scaduto mentre l’affare Adidas continuerà, hanno detto fonti molto vicine al brand tedesco e allo stesso Pharrell Williams.

L’anno scorso, Williams ha rivelato che stava collaborando con Tiffany & Co., e da allora si vede regolarmente indossare gli occhiali da sole a mandorla tempestati di diamanti che ha disegnato per il brand di gioielli, che guarda caso è stato comprato da LVMH pochi mesi fa. 

Martedì, in un post su Instagram, il vicepresidente esecutivo di Tiffany per il prodotto e comunicazione Alexandre Arnault ha confermato che i gioielli disegnati con Williams sono in produzione.

Oltre a segnare successi globali come “Blurred Lines” e “Get Lucky”, Williams è un prolifico produttore e cantautore che ha lavorato con artisti tra cui Beyoncé, Jay-Z, Rihanna, Kanye West, Calvin Harris, Madonna e Ariana Grande, per citarne solo alcuni.

Vincitore di 13 Grammy Awards, è stato anche nominato per due Academy Awards: nel 2014 per la migliore canzone originale per “Happy” e nel 2017 per il miglior film, come produttore di “Hidden Figures”.

In commenti recenti, il presidente e amministratore delegato di LVMH Bernard Arnault ha sottolineato il ruolo di Vuitton come connettore culturale. “Vendiamo molto di più della moda”, ha detto nel gennaio 2022, citando l’esempio della sfilata di Louis Vuitton che svela l’ultima collezione disegnata da Abloh, morto all’età di 41 anni per una rara forma di cancro.

Lo spettacolo presentava una colonna sonora composta da Tyler, the Creator, suonata da un’orchestra diretta da Gustavo Dudamel, il direttore musicale dell’Opera di Parigi, e la coreografia di Yoann Bourgeois.

“È stata una performance, e questo è lo spirito di Louis Vuitton poiché è molto più di un marchio di moda. È un marchio culturale con un pubblico globale”.

Bernard Arnault

Nel 2022, le vendite del marchio hanno superato per la prima volta i 20 miliardi di euro, ha dichiarato il mese scorso il magnate del lusso, mentre LVMH ha riportato un altro anno di risultati record, con ricavi di gruppo di oltre 79 miliardi di euro.

Williams ha solide credenziali ambientali, essendo stato direttore creativo di Bionic Yarn, un’azienda che produce tessuti, polimeri e altri materiali dalla plastica e altri rifiuti riciclabili recuperati dall’oceano.

Louis Vuitton ha stabilito un elenco di obiettivi ambientali che intende raggiungere entro il 2025, incluso un terzo delle sue categorie di prodotti: pelletteria, piccola pelletteria, valigie, scarpe e profumi che implementerà un processo di progettazione ecocompatibile che includa una valutazione del ciclo di vita. 

Allo stesso tempo ha anche una serie di obiettivi climatici per il 2030, inclusa una riduzione del 55% delle emissioni di gas serra. Giuro è tutto scritto sul loro sito

Pharrell Williams ha anche un punto d’appoggio nel segmento del benessere in rapida crescita attraverso il suo marchio Humanrace, lanciato nel 2021, che mira anche a utilizzare imballaggi più sostenibili, comprese le bottiglie ricaricabili. 

Sono sincero: amo Pharrell Williams come musicista, mi ha sempre affascinato il suo essere cool senza volerlo, sono consapevole che è anche grazie a lui che oggi gli uomini desiderino le borse forse più delle donne ma come successo con Abloh non sono favorevole alla scelta di Williams come designer del brand più conosciuto e lussuoso del mondo.

Credo fortemente che il supporto per i giovani ed emergenti designer sia fondamentale adesso più di ieri, perchè sono loro i nuovi fornitori del lusso e perchè sono loro che meritano il successo e  non posso fare a meno di chiedermi seriamente cosa succederà ai designer talentosi?

Quelli che lavorano giorno e notte, 7 giorni su 7, in minuscoli monolocali convertiti in laboratori con l’assistenza di poche persone o il più delle volte da soli. Quelli che cercano di sopportare così tante difficoltà e circostanze estreme finché un giorno saranno riconosciuti e premiati con una posizione migliore.

Oggi il talento purtroppo non è più l’unica priorità. I social mostrano anche che studenti, laureati, giovani designer, designer anche affermati siano costantemente sfiduciati da un sistema che non offre più vere possibilità, o se lo fa, lo fa al minimo – per molti che hanno lottato per sopravvivere perché il loro innegabile talento li ha fatti andare avanti. Per ognuno di voi là fuori, io sono con voi.

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