Tra debutti, sorvegliati speciali e vecchi leoni che difendono il territorio, il messaggio è chiaro: la moda non perdona il compromesso benché meno chi non ha idee. 

I debutti

Versace – Dario Vitale

Il primo designer “esterno” a guidare Versace ha scelto un esordio che non strizza l’occhio al fan da Instagram ma al DNA profondo della maison. Vitale ha parlato apertamente della storia del brand e del suo fondatore, riportando in passerella sensualità, stampe e codici originari, ma filtrati da uno sguardo meno gridato.

Risultato: chi conosce Versace solo per la Medusa luccicante o per il glamour da red carpet è rimasto deluso. Eppure, paradossalmente, questa collezione è stata molto più Versace di quanto sembri. Vitale ha ricordato che Versace non è solo un logo, ma un linguaggio. È un inizio che spiazza, e per questo divide.

Jil Sander – Simone Bellotti

Bellotti non ha cercato scorciatoie: ha scelto il minimalismo puro, quello che non cede al superfluo. Tagli netti, colori sobri, nessun effetto speciale. Un ritorno all’essenza che ha senso in un mondo saturo di rumore. Ma il rischio è grande: in tempi così veloci, il silenzio deve saper urlare.

Bottega Veneta – Louise Trotter

Trotter ha celebrato i 50 anni dell’intrecciato senza trasformarlo in reliquia, ma come filo conduttore della collezione. Ha tenuto insieme artigianato e rigore, femminile e maschile, con una visione misurata e coerente. È un debutto solido, quasi didattico.

Il problema è che Bottega non vive di “compiti ben fatti”: a lungo andare servirà più tensione, più rischio, altrimenti resta solo un bell’esercizio di stile.

Gucci – Demna

Demna ha cancellato la passerella per sostituirla con un film, “La Famiglia”. Una scelta che ribalta l’idea stessa di show. I codici Gucci ci sono, ma raccontati attraverso un’estetica domestica, a tratti dissacrante. Il punto è che, togliendo lo spettacolo, Demna ha creato ancora più spettacolo: il gesto stesso è diventato la notizia.

Demna è genio o autoreferenzialità? Dipende da quanto sei disposto a seguirlo in questo cortocircuito.

Gli altri

Antonio Marras

Patchwork, damaschi, fiori, check: Marras non si modera mai. È un caleidoscopio visivo che affascina e sfinisce insieme. È pittura in movimento: chi entra nel suo mondo resta catturato, chi cerca leggerezza si perde.

Etro

Massimalismo dichiarato: gonne con spacco, jeans stampati, stratificazioni di colore e pattern. Etro non chiede scusa, anzi rivendica la sua natura iper-decorativa. Una coerenza che può essere virtù, ma anche gabbia soprattutto per il designer Marco De Vincenzo (uno tra i migliori in circolazione) che risulta imprigionato dentro un loop che non gli permette di essere se stesso al 100%

MM6 Maison Margiela

Il menswear più riuscito del womenswear, layering, trasparenze e tagli incompiuti. La collezione è fedele al linguaggio della casa, ma rischia di sembrare più disordinata che sovversiva. L’imperfezione può essere forza, ma solo se guidata. Bellissima la location e il casting un po meno la colonna sonora

Missoni

Ha portato in passerella la sua leggerezza, ma con un twist pragmatico: capi pensati per muoversi dal lavoro al tempo libero. È Missoni, sì, ma con un occhio alla funzionalità. La sfida? Restare poetici senza cadere nella banalità del “pratico a tutti i costi”. 

N°21

Dell’Acqua ha lavorato di sottrazione: stratificazioni trasparenti, toni leggeri, silhouette portabili ma non banali. È moda concreta, ma non piatta. Un equilibrio raro, che in tempi di estremi risulta quasi rivoluzionario.

Prada

E poi c’è Prada, che resta il baricentro di Milano. Nessun debutto, nessuna crisi d’identità: solo la solita capacità di dettare il tono della stagione. La collezione ha dimostrato ancora una volta che Prada non segue, guida. E soprattutto ricorda a chi arriva che la differenza tra “bravo” e “storico” è una questione di linguaggio. Prada continua a parlare la lingua che gli altri, appena arrivati, devono ancora imparare. 

La lezione di Milano

Milano non è stata né nostalgia né rivoluzione. È stata un test di autenticità. Vitale ha ricordato che Versace non è solo un logo, Bellotti ha scelto il silenzio del minimalismo, Trotter ha mostrato rispetto senza sbavature, Demna ha trasformato un’assenza in evento. Gli altri hanno resistito, ognuno a modo suo.

Quello che resta chiaro è questo: oggi non basta esserci. Se non imponi una visione — che sia rumorosa o sottilissima — diventi sfondo. E Milano, più che mai, non ha spazio per chi resta nel mezzo.

L'articolo Milano Fashion Week SS26: debutti, déjà-vu e conti in sospeso proviene da Toh! Magazine.

Milano apre le danze con Demna da Gucci (il suo debutto era previsto con una sfilata a marzo 2026) e invece, visti i risultati in forte perdita di Kering, si è optato per una presentazione. Ora, già il fatto che si parli di una presentazione e non di una sfilata dice tutto: paura, tentennamenti, ansia da prestazione. Gucci mette Demna e la sua estetica in vetrina ma col paracadute pronto.

Poi arriva Simone Bellotti da Jil Sander, catapultato dal caos calmo di Bally al centro del minimalismo. Se non dimostra precisione, know-how e pezzi desiderabili rischia di essere inghiottito da un silenzio glaciale, di quelli che uccidono più di qualsiasi recensione negativa. La moda non aspetta nessuno.

Tra i debutti c’è anche quello di Dario Vitale da Versace. Niente sfilata, anche qui, solo presentazione. Tradotto: non ci credono nemmeno loro. È evidente che Prada Group stia aspettando/pregando/leccando i piedi a Francesca Bellettini per il colpo grosso, magari con Vaccarello in dote. Nel frattempo, Vitale, che ha vestito Julia Roberts sul red carpet di Venezia come una segretaria part-time, resta lì come un Sabato De Sarno 2.0: parcheggiato a scaldare la poltrona, in attesa del prossimo cognome pesante.

Louise Trotter da Bottega Veneta porta disciplina e freddezza, ma il confine tra lusso silenzioso e coma irreversibile è sottile come un filo di pelle intrecciata.

Insomma per la prossima fashion week, Milano prepara i cadaveri, Parigi aspetta di esporli al pubblico, come ne Il racconto dell’ancella. Il tappeto rosso è già pronto per le teste che cadranno.

Jonathan Anderson arriva da Dior Donna, dopo il debutto che ha diviso in due il pubblico: tra chi lo ama e chi già lo definisce distruttore del brand più francese che ci sia con tutta la sua visione. Ma qui l’archivio pesa più del culo rifatto di una qualsiasi Kardashian. Credo che se non osa davvero, l’archiviato sarà lui.

Miguel Castro Freitas debutta da Mugler. Mugler non è Photoshop, è sesso, dramma, artigli. Se non ringhia, resta solo una pussycat da passerella, perché si sa che non c’è posto per la gentilezza in questa giungla. Mark Thomas proverà a resuscitare Carven, brand che nessuno ricorda se non qualche influencer accompagnata dalla scritta adv. Il rischio è quello di farlo sparire senza lasciare traccia.

McCollough & Hernandez (quelli di Proenza Schouler) prendono in mano Loewe dopo dieci anni di Anderson. Cosa succederà? Spero bene, ma già sembrano i supplenti dell’ora di ginnastica.

Poi arriva il big match: Pierpaolo Piccioli da Balenciaga. Il santino romantico di Valentino catapultato nel covo tossico di Demna. Se riesce, gloria eterna. Se fallisce, tonfo da manuale.

Glenn Martens da Margiela dovrà dimostrare di non essere solo teatro e costumi. O ridà sostanza al nome Margiela o lo trasforma nel più grande circo post-moderno mai visto.

Duran Lantink prova a rilanciare il prêt-à-porter di Jean Paul Gaultier dopo dieci anni di pausa. Se non riesce a ridere di sé stesso, sarà il pubblico a ridere di lui.

Infine, Matthieu Blazy da Chanel, il debutto più carico di aspettative: scrivere il nuovo Vangelo dopo Lagerfeld. Anche qui… se qualcosa dovesse andar male, resterà solo quello delle borse intrecciate.

E poi ci sarà Dell’Orco da Armani, anche se non lo vedo come un debutto dal momento che da un paio di stagioni fa le veci del Signor Armani alias “ha fatto anche cose buone”.

Alla fine, a pensarci bene, settembre e ottobre non sono un debutto. Sono un massacro. Un ballo delle debuttanti in cui le teste rotolano più velocemente dei look su Instagram.

Qualcuno uscirà incoronato, gli altri finiranno nella cronaca nera della moda. Benvenuti al ballo delle debuttanti: la musica è già partita, e la lama è affilata. E fidatevi: non tutti sopravviveranno al valzer, sarà come vedere il film Non si uccidono così anche i cavalli?, ma in versione lustrini e paillettes.

L'articolo La moda delle debuttanti proviene da Toh! Magazine.

I CEO giocano a Risiko con gli stilisti e i consumatori seguono il via vai come le signore di una certa guardano beautiful dopo pranzo, ma con la stessa sensazione che tutto cambi perché nulla cambi davvero.

Alessandro Michele, il mistico visionario con la sindrome di D’Annunzio che ha preso l’MDMA, è arrivato da Valentino, brand che aveva appena trovato una specie di equilibrio con Piccioli e che ora si ritrova a fare da palcoscenico a un’estetica che conosciamo fin troppo bene: drappeggi, poesia a caso, tappeti orientali, e perché no una passerella che pareva il bagno di un night di Amsterdam.

Genio? Forse per chi non ha referenze. Innovatore? Non più. Ma nel vuoto d’immaginario collettivo attuale, meglio una copia di sé stessi che il nulla cosmico. Ed è forse per paura che il vecchio Valentino venga dimenticato per sempre che il fondatore Garavani insieme al suo partner di vita Giammetti ha allestito una mostra tutta rossa, tutta Valentino, tutta moda, tutta vera. 

Pierpaolo Piccioli, l’ultimo romantico, ha preso il posto più radioattivo dell’intero sistema: Balenciaga. Lì dove l’estetica post-umana, post-bellezza, post-tutto di Demna aveva creato un culto, Piccioli porterà il suo umanesimo sartoriale? Sicuramente proverà a far dimenticare gli scandali di certe adv, ma non è detto che non verrà fagocitato dal sarcasmo nero pece che aleggia ancora su quel marchio. Lo scopriremo a Ottobre. Intanto, ci si chiede se abbia accettato per passione o per spirito di martirio. (Lasciatemi sognare, lo so che ha accettato solo per soldi).

Nel frattempo Demna è volato da Gucci. E se vi sembra una barzelletta, è solo perché lo è. Dopo aver reso Balenciaga il brand più controverso (e redditizio) del decennio, Demna resta alla corte di Kering, ma in una casa — Gucci — che non sa più se essere sexy, popolare, intellettuale o tutto questo insieme. Il rischio? Che diventi una nuova Balenciaga, ma con il logo più leggibile.

Intanto, il brand che non fa mai notizia ma che detta ancora legge, Chanel, ha scelto Matthieu Blazy. Una decisione precisa: dopo la morte creativa (e commerciale) dell’era Viard, serve un volto pulito, serio, autorevole. Blazy ha il gusto e la disciplina per evitare scivoloni, ma anche l’aria di uno a cui la parola cambiamento mette più paura che voglia. Chanel non rischia, non l’ha mai fatto, ma nemmeno sogna, fa sognare noi una fottutissima collezione maschile che mai e poi mai arriverà. Ma in di questi tempi dove tutto è il contrario di tutto, aver preso Blazy è già una strategia.

Glenn Martens, invece, sfida la logica e i turni di lavoro: sarà a capo di Margiela pur restando da Diesel. Margiela, ovvero il tempio del silenzio, della sottrazione, del pensiero critico, del non logo, ora nelle mani di un designer noto per denim industriali, show spettacolari e dichiarazioni forti. Sarà interessante vedere come gestirà la schizofrenia. L’importante è non aspettarsi il fantasma di Galliano che negli uffici di Place des États-Unis ci andava solo quando se lo ricordava e tanto meno quello di Martin. Non c’è più. Anche se tutti ne sentiamo la mancanza. 

Ma il vero colpo di scema arriva da Versace, dove Prada ha calato l’asso. Mossa fredda, da vero killer, spietata: Donatella fuori, Dario Vitale dentro. E se non sapete chi sia, è perché non dovete. Prada non sceglie per hype, ma per strategia. In un mondo in cui tutto urla, loro sussurrano. E poi colpiscono. Versace ora è parte del “sistema Prada” — leggasi: meno trash, più margini. Addio paillettes? Non subito. Ma a Donatella, se non altro, non toglieranno mai il mito.

Chi invece ha tolto il disturbo senza troppi drammi è Dries Van Noten. Un addio elegante, senza caos né gossip. L’uscita di scena di chi sa che la moda non è più il posto per chi vuole creare con lentezza, bellezza, e una certa forma di poesia. Rimarrà il marchio, certo, ma l’anima è uscita con lui. E forse è meglio così.

E infine, Maria Grazia Chiuri lascia Dior. Dopo anni di t-shirt femministe, frasi ricamate e passerelle che sembravano simposi ONU, la designer abbandona il campo lasciando Dior senza una voce fintapolitica. Il bilancio? Diviso. Ha portato il femminismo sulla passerella, ma spesso l’ha ridotto a merchandising. Adesso che se n’è andata, la domanda è: chi si prenderà la responsabilità di raccontare il femminile? Ma JW Anderson ovviamente, che dopo l’operazione difficilissima di rianimare lo spagnolo LOEWE (che con il duo di Proenza Schouler è pronto a tornare in cantina) è stato chiamato da Dior prima uomo e ora anche donna. Ma non sono sicuro resti li per molto tempo.. sarà un raf simons bis?

Insomma in un mondo sempre più dominato da uomini, quasi tutti quarantenni e quindi per la moda appena maggiorenni, a parte Miuccia con a seguito il suo badante e Louise Trotter da Bottega Veneta, siamo tutti in attesa di tornare a vedere collezioni disegnate da chi sa farlo, da chi ha studiato e non dalla Bellettini ne tanto meno da Cantino o qualche altro direttore marketing, perché se è vero che il sistema moda è ormai un palcoscenico instabile dove le direzioni creative cambiano più in fretta delle tendenze, e mentre gli stilisti si passano il testimone come in una staffetta ad alto rischio reputazionale, i brand e i loro CEO inseguono l’illusione che un solo nome possa salvarli. Ma la verità oggi sembra un’altra: la moda ha smesso di cercare idee, ora cerca solo colpevoli.

gira la moda gira la moda gira la moda gira la moda

L'articolo Gira la moda: Il gioco delle sedie non finisce più. proviene da Toh! Magazine.

Ad aprire la kermesse la poesia di Antonio Marras, il designer sardo che punta tutto sull’emozione, sulla forza delle donne partendo da Grazia Deledda come riferimento.

Grazia Deledda è un personaggio che non avevo mai avuto il coraggio di sfiorare, che ho sempre ammirato da lontano per pudore ma questo mi sembrava il momento giusto per raccontare la storia di come una donna determinata può raggiungere i suoi obiettivi.

Antonio Marras

Grazia Deledda nasce a fine Ottocento, ha la quarta elementare, decide di fare la scrittrice e si trasferisce a Roma dove sposa un uomo che diventa il suo segretario: con costanza, forza e determinazione alla fine ottiene il premio Nobel nel 1926 per la letteratura.

Per raccontare questa storia che, come sempre per lo stilista, parte dalla Sardegna, Marras ha disegnato una collezione “nuragico-moderna, arcaico-contemporanea”. In passerella, cappotti e abiti realizzati come antichi tappeti sardi, maglioni di lana grossa incrostati di pizzi e ricami, stampe floreali e pantaloni-calza, completi di broccato e maxi felpe portate con il kilt lungo per tutti.

Diesel da sempre combatte per la democrazia e non è solo la montagna di 200.000 preservativi che fa da scenografia ad una collezione libera, piacevole e sperimentale il cui punto di partenza è la sex positivity.

Glenn Martens poco alla volta sta portando il brand di Renzo Rosso verso un mondo più couture senza dimenticare lo streetstyle e il clubbing. Il suo approccio ironico ma riflessivo non è da sottovalutare.

Insoddisfazione, inadeguatezza, disagio esistenziale e il tipico atteggiamento di chi è abituata alla nonchalance: più che l’abito può l’attitude misto al linguaggio del corpo che da solo racconta e abbatte i cliché trasformando le regole in possibilità di cambiamento, stravolgendo le abitudini e i riferimenti che perdono il loro significato primo.

La collezione di n21 by Alessandro Dell’Acqua mette in crisi le certezze e mette in discussione abiti e luoghi d’abitare (che poi sono i vestiti stessi) riempiti di cultura e di abitudini culturali che segnano la vita e la moda nel nostro contemporaneo.

In sottofondo la voce di Monica Vitti, negli abiti la sensualità e la femminilità di Jeanne Moreau e le contraddizioni rinchiuse tutte dentro la nuova borsa, Edith che è desiderabile senza avere l’arroganza di voler diventare una it bag. 

Alessandro Dell’Acqua ha iniziato a lavorare pensando a due figure femminili create dal cinema degli anni Sessanta ma che sembrano caratterizzare molto i nostri tempi. Monica Vitti e Jeanne Moreau nel film La notte, ma anche la sola Vitti in Deserto rosso, di Michelangelo Antonioni.

Sono gli anni della messa in discussione e dell’insoddisfazione provocata dai traguardi sociali raggiunti. Ma anche quelli della scoperta della sensualità, perfino dell’erotismo, insieme all’uso spregiudicato per l’epoca – della scaltrezza e della perfidia. Sono gli anni in cui cliché della provincia italiana e della media borghesia si sgretolano messi di fronte a un mondo in mutazione. Certo, poi ci sono riferimenti al periodo d’oro di Prada e di Lang ma ci stanno tutti perché non sono urlati, non sono copiati, sono omaggi.

Oggi al designer interessa lo stesso atteggiamento che ricerca il nuovo senza nascondersi nella comodità delle certezze e per questo ha messo insieme molti cliché del guardaroba femminile per meglio identificarli, stravolgerli, abbatterli o semplicemente sdrammatizzarli. In questo modo Dell’acqua sceglie di lavorare non attraverso le forme e volumi ma dando ai vestiti la possibilità di mettersi al servizio di un linguaggio del corpo molto libero che così diventa automaticamente anche molto sofisticato. BRAVO.

A quanto pare la sartoria è il “nuovo” Graal della moda e questo vuoldire che MM6 è sulla buona strada. Il team di creativi per la prossima stagione ha presentato pezzi ibridi su misura, stratificati di cultura, umanità e poi decostruiti/ricostruiti.. come fosse un best of degli insegnamenti di Martin.

Da sempre il team di creativi di MM6 ha delle regole ben precise tra cui quella di avere sette modi diversi per interpetare il concetto del gruppo di tre (modulazione di assemblare e smontare i capi dando loro diversi significati e funzioni).

Ora, anche se alcuni pezzi sembravano piuttosto elaborati i risultati li ho trovati interessanti per via della loro realtà concettuale. Il compito di MM6 è quello di rendere i vestiti cool ma comunque indossabili per questo non gliene frega niente di finire sulle riviste patinate ma di essere indossati dalle persone vere perché la moda deve scatenare emozioni.

Va precisato che MM6 non ha un atelier, lavora industrialmente e che il più delle volte utilizza materiali umili e molto semplici perché come ai tempi di Martin il tutto è creato da molte persone poiché si tratta di umanità e va costruita insieme. 

La prima volta che vidi uno show di Marco Rambaldi (credo il primo) piansi, ricordo di avergli scritto personalmente dicendogli che in lui vedevo la speranza di una rinascita della moda italiana, una novità, una via d’uscita dallo stereotipo. 

Col tempo ho cambiato idea, penso sempre che abbia grande talento ma penso anche che le persone intorno a lui non lo stiano aiutando a metterlo in mostra. 

La sua ultima collezione, Supernova, Non ha brillato come il nome suggerirebbe anzi l’ho trovata piuttosto sottotono. I riferimenti al Cocoricó non hanno legato bene la storia che forse il designer voleva raccontare.

Pochi colori, stampe opinabili, a salvare il tutto le pelli recuperate dal deadstock e il lavoro magistrale sulla maglieria, infatti è finalista del woolmark prize 2023.Si può fare di più e Marco ha tutto il tempo per farlo. 

Kim Jones da Fendi inizia a perdere colpi, o forse la bussola del suo Apple Watch non funziona più benissimo. La collezione per il prossimo autunno/inverno è tutto un gioco di archivi, di Karl Lagerfeld e di tirate di orecchie da parte di Silvia Venturini Fendi.

In passerella look per certi versi severi, spesso colorati e molto lineari. Ci sono le stampe del 1996 e alcuni disegni di Lagerfeld dell’81, poi ci sono le gonne tagliate a metà e altre che si allargano ai lati per via di alcuni pannelli e qui Karl si sente ancora fortissimo. Le borse, vero fiore all’occhiello del brand, questa stagione pare passino in secondo piano. Kim cosa devo fare con te?

Marco De Vincenzo mi è sempre piaciuto perché ha sempre fatto le cose a modo suo. Il suo lavoro da Etro, iniziato da pochissimo, lo vedo più come uno studio di estrazione, una ricerca del suo io più creativo. 

Questo significa che il ragazzo di Messina è disposto a scendere a compromessi con l’eredità di un brand dall’estetica bohemien anni ‘70 accostato alla precisione strutturata e geometrica tipica del designer a cui ci ha abituati dal 2010 con la sua linea omonima, purtroppo oggi fuori produzione.

La nuova collezione si chiama Radical Etro e Marco come un archeologo affronta il passato per scoprire la luce del suo futuro. 

In passerella abiti romantici molto etro ma con il tocco di Marco e cappotti con accenni che richiamano i copriletto (qui il collegamento con la collezione molto domestica presentata a gennaio) Per De Vincenzo, migliorare la competenza tessile di Etro “è un dovere”.

A tal fine, ha intervallato numeri di chiffon ariosi con tute slim-fit con stracci allungati, tagliati in ricchi broccati del XVIII sec. o cappotti realizzati in trame a maglia multicolor malleabili a doppio petto, la prova inconfutabile che Marco rispetta il brand ma non è succube. Marco De Vincenzo non è cambiato, ama il rischio anche se non è un sovversivo. E oggi niente è più radicale di questo. 

Andrea Incontri da Benetton porta in passerella l’idea della serialità e del ciclo che si ripete dando alla collezione il titolo di Infinity.

Nel ciclo della ripetizione della moda, l’infinito definisce perché, come indica il suo segno (un 8 sdraiato in orizzontale) è un percorso che non ha mai fine: come Benetton, che nato nel 1965 ha percorso cicli su cicli per arrivare a questa collezione che è il secondo appuntamento di Andrea Incontri, designer sottovalutato ma con un grande potenziale.

Sono convinto che l’approccio del nuovo direttore creativo che ha il compito, seppure non dichiarato, di riportare Benetton a quella notorietà che l’ha portato a rappresentare la moda possibile all’Italiana ancora prima della nascita del pret-à-porter e del made in Italy possa funzionare.

Filippo Grazioli alla sua seconda collezione da direttore creativo di Missoni convince sempre di più.

Se alla sua prima ho scritto che mi sarebbe piaciuto vederlo giocare con i codici della casa con un approccio più libero e audace, senza paura posso dire di essere stato accontentato.

Per la sua nuova prova per Missoni, parte da una fioritura di rose incontrata in archivio.

Ho visto le cartella stampa scritta da Anna Piaggi per una sfilata del 1984. Parlava delle rose e della storia d’amore tra Rosita e Ottavio Missoni.

Filippo Grazioli

Lo show si tiene a Palazzo Mezzanotte e varcato l’ingresso anni 30, si entra in una sala dagli sgabelli circolari con velari di tela dalle rouches, in tre curve continue. Sui seat, ma anche su alcuni inviti la scritta, «Do you remember the first kiss?». Lo show parte e subito si respira aria di evoluzione.

La sua una donna che nella molteplicità trova se stessa, in bilico tra le silhouette che segnano il corpo e lo allungano e i volumi decisi che lo avvolgono nel tailoring di ispirazione mannish.

Il gioco delle proporzioni è costante, nei capi e nei disegni, nel micro e macro che continuamente si congiungono e alternano, dai blouson ai fiammati, fino al famosissimo e ai noioso zig-zag.

Fiammati, zig zag i e poi un tripudio di rose, finanche selvagge quando fuse con macchie animalier.

Giustissimo lo styling di Lorenzo Posocco, uno tra i pochi stylist in Italia che sa come fare il suo lavoro. Bellissime le borse che ricordano i codici della casa e che potrebbero, finalmente, far entrare Missoni nell’universo sempre più vuoto degli accessori. Bravo!

Matthieu Blazy è per me uno tra i migliori nuovi designer in circolazione. Sa tagliare un abito, dare un senso di novità e appeal a qualcosa che visto fino a ieri sembrava irrilevante.

Questa nuova visione di Bottega Veneta è praticamente perfetta, il designer ha il potere di ribaltare ogni pensiero che si ha sulla moda che vediamo oggi. Blazy riesce ad arrivare al punto in cui il desiderio della moda incontra la necessità del vestito e manda in scena una collezione che riesce a raccontare tutte le tensioni del presente.

Se poi mixi l’incontro tra la classicità del passato e l’urgenza futurista di Boccioni che spiega non solo la voluta dissonanza dei vestiti che si incrociano in passerella ma un procedimento creativo che ha del coraggioso in un’epoca di appiattimenti sulle figure rassicuranti, Blazy rischia ma comunque riesce ad indicare un sentiero, una strada, una direzione per un percorso futuro che non ha bisogno di urlare quanto siamo fighi e quanto siamo bravi. A questo giro, il migliore in assoluto.

Che dire di Prada? Per uno come me che ama profondamente il brand di Miuccia oggi è molto difficile dire qualcosa di positivo. Prada non si ripeteva mai, Prada dava sempre lezioni di stile, di moda e di cultura, oggi Prada fa vestiti o almeno è così da quando c’è il badante Raf. Anche la scelta musicale sta diventando banale, i concetti che provano a raccontare qualcosa che è esattamente come le ultime collezioni dal 2020 in poi servono come specchietti per le allodole e per riempire le pagine dei quotidiani finanziati dal gruppo. I fiori applicati sulle gonne, i ricordi di fw14 – fw2007- e le ossessioni di Raf ridotte all’osso per dargli il contentino. Peccato.

mfw milano fashion week mfw milano fashion week mfw milano fashion week mfw milano fashion week mfw milano fashion week mfw milano fashion week

L'articolo MFW Milano Fashion Week, le review delle sfilate proviene da Toh! Magazine.

Quello che si sa è che la sua prima sfilata per il marchio sarà presentata a settembre.

Oggi il suo nome potrebbe non dire niente ai più, ma nel cerchio della moda ha un senso, un significato. Fuori da ogni probabilità che voleva un nome conosciuto a capo di Gucci, Sabato è uno che è sempre stato dietro le quinte ma che ora è pronto a prendere il volo.

Cresciuto a Napoli e residente a Roma, ha iniziato la sua carriera in Prada nel 2005 per poi andare da Dolce arrivando nel 2009 a diventare il braccio destro di Pier Paolo Piccioli di Valentino, ricoprendo ruoli di grande responsabilità, diventando direttore moda supervisionando le collezioni uomo e donna. 

Chi lo conosce dice che Sarno “ha una grande esperienza nell’abbigliamento uomo e una profonda conoscenza della maglieria. Sabato ha una mano molto dettagliata e precisa, e non è un fashionista.

È molto concreto ed è anche molto attento alle questioni commerciali. È equilibrato e tenace, molto determinato e con procedure di lavoro molto chiare e strutturate” mentre altri dicono che nonostante l’infinito talento sia anche molto simpatico, il che segnerebbe un’altra novità dal momento che molti designer hanno la nomea di essere dei veri e propri pain in the ass.

Con la scelta di De Sarno, sembra che Gucci voglia cambiare radicalmente tutto. La notizia probabilmente sta già facendo tremare l’ufficio design e mi chiedo se questa sia solo una fase di transizione.

Questa era la teoria di diverse fonti, che si sono interrogate sulla portata di De Sarno, in un marchio che l’anno scorso ha raggiunto un fatturato di 9,73 miliardi di euro.

È noto a tutti che François-Henri Pinault, presidente e amministratore delegato di Kering, voglia legare ancor di più il significato di lusso a Gucci.

Secondo alcune fonti Pinault sta prendendo in considerazione un’organizzazione più strutturata con a capo un direttore creativo che non per forza sia una star altresì il direttore creativo supervisionerebbe i designer chiave che supervisionano le diverse categorie, dalla bellezza, alla moda, alla gioielleria.

Al contrario di quello che faceva Michele oggi un singolo designer al comando non è più considerato valido per l’ulteriore crescita di Gucci.

Tornando a Sabato si dice che la sua esperienza nell’abbigliamento maschile sia perfettamente in linea con Gucci che vuole apportare cambiamenti significativi nella sua visione maschile. Ora non so se lo sapete ma si deve a lui l’idea del logo VLTN e il suo conseguente successo. Questo vuoldire che De Sarno è in grado di creare desiderio per il marchio, ma ma non è ignaro al marketing”,

Alcune fonti di mercato affermano che l’amministratore delegato di Gucci Marco Bizzarri “dimostra che è molto abile nel trovare talenti e nel capire il potenziale delle persone.

Se non avessi conosciuto Sabato, avrei detto che una scelta così coraggiosa fosse un suicidio, ma conoscendolo molto bene, credono che questa sia un’altra mossa vincente di Bizzarri. Sabato ha una visione globale.

Un direttore creativo non si limita a disegnare le collezioni, ma deve avere una visione su molti livelli, essere un buon pianificatore, molto creativo e molto organizzato e Sabato è tutto questo”.

Nel 2015, Bizzarri ha notoriamente promosso Michele, che come De Sarno non era conosciuto fuori dal settore, reinventando Gucci con il suo spirito gender-fluid, inclusivo e romantico.

Era entrato a far parte dello studio di design di Gucci nel 2002 dopo un periodo come designer senior di accessori presso Fendi. Il suo predecessore, Frida Giannini, lo ha portato da Gucci nominandolo suo collaboratore nel 2011.

Nel 2014, ha assunto l’ulteriore responsabilità di direttore creativo di Richard Ginori, il marchio di porcellana acquisito da Gucci nel 2013.

Gli analisti di Bernstein si sono detti rassicurati, dal momento che un nuovo direttore creativo è “un ingrediente chiave per far funzionare il brand”. Secondo i loro contatti nel settore, hanno scritto che si ritiene che De Sarno abbia “la personalità, l’ambizione e la grinta necessarie per ricoprire il suo nuovo e prestigioso ruolo”. Gli occhi del saranno puntati su di lui per vedere se ha anche il genio creativo richiesto”. 

Sabato De Sarno dovrà sopportare la pressione e trovare il coraggio di esprimere una visione convincente di ciò che Gucci può essere”.

Il rapporto, tuttavia, esorta De Sarno a essere coraggioso e di avere un punto di vista forte, affermando che “portare Gucci al centro della scena e renderlo più atemporale attirando i consumatori globali nei suoi negozi. 

Gucci deve essere sopra le righe per prosperare, come le zebre devono correre. Le zebre che si convincono di potersi trasformare in leoni e si comportano come tali non avranno un futuro brillante.

Detto più chiaramente, un Gucci annacquato come è stato percepito a Milano durante la recente settimana della moda maschile, con giudizi assolutamente negativi da parte dei media e del settore – continuerebbe a perdere quota e non contribuirebbe a sbloccare una migliore valutazione delle azioni Kering”.

Non penso molto al fatto che Valentino non sia stato al top della forma negli ultimi tempi. Giudicare Sabato De Sarno in base al suo percorso da Valentino sarebbe altrettanto accurato quanto giudicare Alessandro Michele sulle fortune dell’allora Gucci. 

Come accennavo sopra De Sarno ha  lavorato nel team di Piccioli, così come Michele lavorava nel team di Frida Giannini.

Noblesse oblige, è il capo del reparto creativo che ha la responsabilità e decide le cose da fare. Vedremo se Sabato De Sarno sarà in grado di farlo”.

L'articolo Sabato De Sarno da Gucci, cosa si dice in giro proviene da Toh! Magazine.

Diciamo che la transizione è stata abbastanza facile per chi ha una storia; ma che si sta rivelando invece assai più insidiosa per chi, invece, si trova a dover fare i salti mortali per compierla.

È nel punto di equilibrio tra eleganza, sport e comodità che si trova la sintesi di questa tre giorni di moda uomo, settore che sta vivendo così la sua età della Restaurazione, con il ritorno di quei pezzi considerati intramontabili e identitari di ogni marchio, accompagnati da nuove creazioni all’insegna dell’altissima qualità dei materiali, per un lusso realmente esclusivo. 

Ad aprire le danze è stato Gucci che, dopo i sette anni sotto la “geniale” e sovversiva direzione creativa di Alessandro Michele, sta tornando ad un’estetica più classica: la sua sfilata uomo Autunno/Inverno 2023-2024 per via dell’accaduto era la più attesa ma si è rivelata una comprensibile delusione, per non dire flop.

È toccato al team creativo interno all’azienda il compito di raccogliere un’eredità pesante come quella di un creativo a cui si associa il gender fluid non come stile ma come visione di vita.  In tal senso, il ritorno (dopo tre anni) a collezioni separate per uomo e donna è stato già un primo sostanziale e aggiungerei inutile passo. Ecco quindi che il team ha lavorato per sottrazione, consegnando un guardaroba ai limiti dell’anonimato, con declinazioni libere delle tante mascolinità contemporanee che fondono influenze diverse, derivate dagli archivi e da ispirazioni contrastanti, in primis lo streetwear.

Da Fendi solo l’allestimento della sala con i suoi binari aerei che trasportavano sfere argentate creata da Nico Vascellari bastava a far intendere che lo spettacolo e la collezione sarebbero stati ipnotizzanti, e già dal primo look la sensazione era confermata.
Considerando i costosissimi componenti come i cappotti in pelle dipinti a mano e con finiture antiche, giacche in shearling, lunghi giubbotti in pelle plongé, giacche in cashmere intrecciate a mano, borse imbottite con coperte di cachemire e stivali di coccodrillo con tacco cubano impossibile comprare qualcosa con meno di cinque mila euro.

Poiché al di là dell’analisi approfondita della sfilata in superficie era ed è evidente che quella di Fendi è stata una delle collezioni più lussuose di Milano, con una texture morbida nella sua consistenza e avvolgente nelle sue proporzioni generose e nei suoi molteplici strati di tessuti pregiati. 

Tornando ai vestiti si dice che quando Silvia Venturini Fendi viveva a New York negli anni ’80 e lavorava da Bergdorf Goodman, era solita indossare un top monospalla sotto i suoi look da lavoro, in modo da essere pronta per un giro allo Studio 54, o per un giro al Roxy. Ecco rivivere in passerella questi modelli monospalla per gli uomini in aggiunta a maglioni sexy o un’insolita camicia da sera a righe che offre uno scivolone ad ogni passo.

Analizzando la collezione, si trovano pezzi che costeranno come tre anni di affitto di una stanza a Milano in colori sobri e classici come il grigio, l’avena il blu e il nero ma che sono reversibili, così da giustificare il prezzo.

Una collezione meravigliosa ha segnato il debutto di Marco De Vincenzo nella moda maschile di Etro e ha dato prova di un’irresistibile progressione creativa.

In un momento storico in cui gli stilisti appena nominati Direttori creativi di un brand vengono messi sotto pressione per fornire un’immagine definita e d’impatto fin dall’inizio, è molto più interessante vedere un designer che sviluppa la sua visione gradualmente; facendo sentire gli spettatori coinvolti nel processo di scoperta.

A questo scopo, gli ospiti che arrivavano nella fabbrica di Via Orobia potevano vedere e toccare con mano il motivo per cui De Vincenzo si impegna a mettere l’eredità tessile di Etro al centro della sua attività, mentre scaffali e rotoli di campioni di tessuto d’archivio hanno offerto uno sguardo al know-how di Etro.

Se l’allestimento non fosse abbastanza esplicativo, lo stilista ha messo in evidenza modelli desiderabili  e ricchi tessuti nella collezione, aggiungendo una parte della sua storia personale.Prendiamo il primo look: un lungo cappotto di lana con un motivo geometrico all over che riproduceva una coperta di velluto che lo stilista possedeva da bambino.

Come una sorta di talismano, ha guidato una convincente sequenza di maglieria artigianale, capispalla accoglienti e sartoriali, tutti impregnati di una freschezza riconducibile ai nuovi consumer.

Un elemento chiave, il tartan, rimandava ai primi tempi di Etro, mentre i bellissimi maglioni con motivi optical strizzavano l’occhio agli effetti ottici di De Vincenzo. Una reintroduzione del paisley è stata filtrata attraverso la lente dello stilista in tute e abiti-camicia.

Mantenendo le forme non complicate, la silhouette allungata degli anni ’70 aveva accenti grungy. Un altro elemento degno di nota sono i pantaloni da smoking delicatamente ricamati con fiori in vita abbinati  a camicie a quadri per outfit che evocavano il DNA  di Etro senza la necessità di altri riferimenti. Bravo.

DSquared2 e MSGM non pervenuti. Entrambe le collezioni prive di emozioni, ancora una volta fumo negli occhi per nascondere vestiti che servono per coprirsi, per gente convinta che basti il logo su una felpa o un cappellino per trovare un posto nel mondo.

In una stagione maschile milanese povera di emozioni è stato lasciato a Miuccia Prada e Raf Simons il compito di alzare l’asticella oltreché il soffitto.

Gli applausi scroscianti alla fine della loro fantastica sfilata di domenica, che ha visto una collezione austera creata esclusivamente per vendere.”Sartorialità riduttiva, schegge grafiche di stampa e maglia, messi a nudo sulla pelle”, si legge sulle note della sfilata che tradotto significa: Colletti appuntiti e frammenti di maglione abbottonati nelle giacche o nei cardigan, come nuovi dickies, lasciando il petto scoperto. Come tutte le sfilate di Prada, era ripetitiva.

Eppure, è stato difficile trovare difetti nell’impareggiabile sartoria delle giacche, che si contrapponevano a pantaloni sottili e affusolati con pieghe permanenti davanti e dietro.

I capispalla erano sensazionali: cappotti di lana classici fino al midollo tranne che per le quattro cerniere orizzontali bianche – o vivaci nastri lungo le maniche e il carré, che davano loro un tocco visivo; giacche e tuniche in pelle scamosciata, squadrate o sottili, nel più profondo il più delizioso dei colori caramello, e i bomber militari ridotti a uno sbuffo di raso verde o navy, con la fodera arancione come unico dettaglio.

Poi la punta di minimalismo: un giubbotto bianco che assomigliava a un cuscino il cui riferimento è Margiela 1990 e Margiela 1999.
Salvo alcuni colletti a punta, questa collezione è stata completamente priva di stampe, lasciando la parola alla precisione delle forme e combinazioni di colori così desiderabili come limone pallido e giada, cammello e arancio, oppure malva e marrone cioccolato.

Prada e Simons, che di solito prima o dopo lo show rilasciano interviste questa volta hanno detto che il ritorno all’essenziale può essere la strada migliore da percorrere in tempi duri e bui come questo.

“C’è un premio per l’abito più stupido alla settimana della moda maschile a Londra?”, scriveva il  Daily Mail nel gennaio 2013. In testa alla lista c’era quello di Jonathan Anderson.

“Da J.W. Anderson l’umiliazione dei modelli è stata resa completa, dato che lo stilista ha mandato in giro il suo clan di bellezze maschili con pantaloncini a balze”, ha commentato il tabloid britannico non ancora pronto ai discorsi sull’identità di genere.

A distanza di 10 anni, quei pantaloncini sono tornati, questa volta in pelle e con un lucchetto in vita.

Trovo che Anderson sia uno dei più promettenti in circolazione, lo dico da anni e non mi stancherò di dirlo anche se nel complesso, questa collezione è stata povera di nuove idee, e piuttosto povera di abiti: un buon numero di modelli hanno sfilato vestiti solo di soffici slip infantili, alcuni stringendo un lungo rotolo di tessuto di lana, o abbracciando un cuscino.

“Si tratta di intimità, di domesticità, è un riavvio”, ha dichiarato Anderson aggiungendo che il suo marchio è in forte espansione tanto da aprire un nuovo negozio in primavera in Via Sant’Andrea a Milano dove le scarpe con gli occhi di rana arriveranno ad aprile, solo in taglie da adulto.

Se non trovate altre review è perchè evidentemente non mi hanno trasmesso niente, anzi si… Armani con la sua parata eteronormativa mi ha solo arrabbiare e onestamente difficilmente troverà spazio su questo magazine.

mfw fw23 mfw fw23 mfw fw23 mfw fw23 mfw fw23

L'articolo MFW FW23-24 UOMO: Le nostre review proviene da Toh! Magazine.

Per la sua prima sfilata come nuovo direttore creativo di Missoni, Filippo Grazioli ha puntato sulla riduzione, proponendo una collezione interessante poiché seppur radicata nei classici della casa, è stata spogliata della tipica joie de vivre di Missoni a favore di un corpo più sexy, giovane e sull’attuale tendenza del minimalismo sexy degli anni ’90.

Ad ogni modo pare che Grazioli non abbia voluto mostrarsi completamente infatti la stessa versione della silhouette slanciata e avvolgente è stata riproposta, con variazioni solo nelle lunghezze.

Non mi sento di dare giudizi sullo show poiché il materiale è poco, posso dire che Grazioli è sicuramente è uno stilista esperto, che si è fatto le ossa da Hermès e da Givenchy con Riccardo Tisci: conosce il lusso e sa tagliare un vestito sexy e snello. Ci vorrà del tempo per entrare nel ruolo di direttore creativo di un marchio dal carattere così forte. Mi piacerebbe vederlo giocare con i codici della casa con un approccio più libero e audace, senza paura.

Il debutto di Marco De Vincenzo da Etro invece ha tutto un altro sapore, quello della novità: il designer siciliano, alla sua “prima” volta da direttore creativo per un brand che non porta il suo nome è stato grandioso e soprattutto senza nostalgia.

In passerella ad esempio non c’era il paisley, perché il “passato rischia di essere una trappola” ha detto il designer che ha scelto di puntare sul suo istinto e la sua capacità da couturier.

De Vincenzo non si è mai forzato piuttosto è sempre stato naturale il suo lavoro, e la ricerca continua del nuovo. Questo non vuol dire che intende cancellare la storia di un brand storico come Etro.

Inizio e chiusura della sfilata sono molto Etro, con i pantaloni in denim jacquard che aprono la passerella e gli abiti di pizzo con inserti di stampe che la chiudono.

Il cuore della collezione è molto De Vincenzo: gli abitini di maglia a trecce degradé Rainbow, che è una sua signature, i tubini di raso con le frange in duchesse. Il tutto indossato da zoccoli da Aladino, tra fantasie di uccelli e ricami di frutti esotici, camicie e short a righe che uniscono il dna del brand e lo stile della sua nuova guida creativa. Le borse, vero segreto del successo di De Vincenzo (ha imparato a farle da Fendi) andranno a ruba. Meraviglioso.

Alessandro Michele da Gucci porta in scena una sfilata visivamente carica di emozioni ma che però lascia sempre qualcosa di non risolto. Gli “esperti” del settore urlano al genio io dico che è solo un furbetto paraculo.

I vestiti, che sono la cosa più importante di una sfilata questa volta pare siano passati in secondo piano. Penso che i 68 look della collezione non avevano bisogno di doppi per avere un impatto: c’era la sartoria rigorosa, un finto abbigliamento sportivo, il solito sfarzo hollywoodiano e le cineserie ricamate.

La giacca di paillettes con scritto FUORI!!! fa riferimento a una rivista dei primi anni ’70 prodotta dal Fronte Unitario Omosessuale Rivoluzionario Italiano e ha anche resuscitato una borsa di ispirazione equestre dei primi anni ’80.

Invece no, vince il gioco dell’esibizionismo di Michele, perchè per lui è più importante il contorno che il succo.

Anche da Sunnei c’era l’idea dei gemelli, il duo di designer formato da Loris Messina e Simone Rizzo raccontano che la loro collezione è una metafora di come la moda possa agire come una forza trasformativa, che è tanto magica quanto assolutamente folle ma al contrario della sfilata di Gucci qui i protagonisti erano assolutamente i vestiti non le modelle. In scena una serie di look intelligenti, tagliati in modo chiaro per un brand in continuo aggiornamento. Bravi.

Donatella Versace è una donna ribelle, intelligentissima, sicura di sé e anche un po’ diva. Questa piccola descrizione della designer serve a comprendere ancora di più la collezione ss23 andata in scena ieri.

Si parte con quattro look apparentemente gotici, poi è arrivato il colore monocromatico: fucsia elettrico e viola principesco, tagliato in un jersey liquido o un abito trasparente di raso, e abiti da sera in molte varianti: senza spalline con più frange sui fianchi o sinuosi con un cappuccio ad anello.

Un distillato di passato pop che sfiora Biba fino alle giarrettiere e i veli di pizzo in rosa, viola e giallo acido che sembravano strappati dal playbook dell’era “Like a Virgin” di Madonna tramite Stephanie Seymour in “November Rain” chiudendo con Paris Hilton per ricordarci che le donne sono le padroni del mondo.

milano fashion week milano fashion week

L'articolo Milano Fashion week: la carovana della moda è arrivata a Milano day 3 proviene da Toh! Magazine.

Fashioning Masculinities: The Art of Menswear raccoglie i look contemporanei di designer leggendari e astri nascenti esposti insieme a tesori storici delle collezioni del V&A e prestiti storici: sculture classiche, dipinti rinascimentali, fotografie iconiche, film e performance potenti.

Nella mostra  Fashioning Masculinities sono messe in luce le varie possibili mascolinità attraverso i secoli dal Rinascimento alla contemporaneità globale. Passando attraverso i look di Gucci, Harris Reed, Grace Wales Bonner e Raf Simons, soffermandosi sui dipinti di Sofonisba Anguissola e Joshua Reynolds, sulle opere d’arte contemporanee di David Hockney e Omar Victor Diop, tra gli altri.

La mostra è esposta attraverso tematiche quali: Undressed, Overdressed e Redressed.

Gli abiti indossati da volti familiari sono disseminati ovunque, da Harry Styles e Billy Porter a David Bowie e Marlene Dietrich. Creazioni innovative e rappresentazioni diverse mettono in evidenza e celebrano le molteplicità dell’autoespressione sartoriale maschile, vestendosi oltre il binario.

Fashioning Masculinities abbraccia le tendenze passate e presenti attraverso una serie di stilisti contemporanei come Versace, Calvin Klein, Martine Rose insieme a esempi storici del modo in cui gli uomini si vestono da Bowie a Beau Brummell.

“Questa mostra non è cronologica. Abbiamo giustapposto il passato con il presente e abbiamo cercato di mostrare i parallelismi nel modo in cui gli uomini si sono vestiti”. Claire Wilcox, co-curatrici della mostra.

La mostra è stata realizzata in collaborazione con Gucci, con il suo direttore creativo Alessandro Michele, che ha sempre parlato del fatto che la moda diventasse più neutrale rispetto al genere, staccando l’abbigliamento maschile dalla mascolinità tossica. 

Scrive nell’introduzione al libro che accompagna Fashioning Masculinities: 

“In una società patriarcale, l’identità di genere maschile è spesso modellata da stereotipi violentemente tossici… Ogni possibile riferimento alla femminilità è bandito in modo aggressivo”.

La mostra tenta di mostrare che gli uomini esprimono sempre le loro identità di genere attraverso i loro vestiti, operando in modo liberatorio ancora oggi più che mai.

Per l’occasione il designer artista britannico Luke Edward Hall ha realizzato gran parte del merch con la sua estetica.

In apertura: Jean-Baptiste Belley, by Omar Victor Diop, 2014, Pigment inkjet print on Harman by Hahnemühle paper. Courtesy MAGNIN-A Gallery, Paris. © Omar Victor Diop

L'articolo Fashioning Masculinities la diversità del vestire maschile da oggi in mostra proviene da Toh! Magazine.

Vernis à Ongles presenta dieci tonalità, con una finitura che garantisce colore intenso e coprente. Lo smalto ha una lucentezza a lunga durata, si stende uniformemente e con la massima facilità, coprendo striature e imperfezioni dell’unghia per un risultato dal fascino glamour d’altri tempi.

Gli ingredienti degli smalti sono di origine vegetale e sono dotati di un pennello studiato su misura per un’applicazione facile che dona un risultato uniforme e impeccabile già dalla prima passata. Ogni strato dona un film ultra-liscio a contatto con l’unghia e fornisce un tocco di colore vivace.

Le boccette sono in vetro dalla forma allungata rifinita con la scritta Gucci color oro.

I colori qui presentati sono:

25* Goldie Red
414 Peggy Sunburn
712 Melinda Green
717 Marcia Cobalt
700 Crystal Black

L'articolo Vernis À Ongles di Gucci porta la libertà di esprimersi sulle mani di tutti proviene da Toh! Magazine.

È evidente che Alessandro Michele sta cambiando completamente le regole della moda: prima con la stagionalità, poi con le fashion week, il concetto di genere e ora con #GucciAria prova a distruggere il significato di collaborazione per come viene solitamente inteso nella moda. Riuscendoci!

Un look alla volta la collezione Gucci non si riduce ad uno show di stili ibridi, bensì si arricchisce e diventa sempre più desiderabile.

In 94 look Gucci omaggia, si autocelebra e al tempo stesso si reinventa e festeggia 100 anni.

Un secolo di moda anche se c’è da dire che Gucci è si un brand centenario, ma ciò nonostante ha avuto pochi direttori creativi in paragone ad altri marchi. 

A ben pensarci la moda di Gucci nasce con Tom Ford negli anni Novanta il quale gli attribuisce cucendogli addosso tutto l’immaginario della sensualità e del sexy, dal fetish all’annullamento di genere delle categorie delle pratiche sessuali. 

Gucci ha il potere di essere un culto, e Tom Ford è stato forse il primo ad accorgersi di questa grandissima potenzialità, per questo motivo Alessandro Michele ha infatti riportato in passerella una miriade di classici direttamente dall’epoca Gucci di Tom Ford per continuare a portare avanti la sua riflessione sulla sessualità.

Così Michele trasforma il pettinato stile equestre attraverso l’inserto di motivi fetish applicati sul corpo come fossero imbracature o choker passando per i power puff, le maniche di piume.

Pizzo lingerie e jeans con logo a vita bassa allacciati con una cintura che torna ancora una volta ad essere desiderabile indossata con décolleté anch’esse logate.

Come non citare l’abito di velluto rosso che ha ricordato quello che Gwyneth Paltrow indossò agli MTV Music Awards del 1996, che se potessi permettermelo sarebbe già mio.

Come a voler mettere in scena una rinascita della maison attraverso le tantissime cose che Gucci contiene, si ha l’impressione di sfogliare un album fotografico di famiglia Gucci fatto di elementi, contaminazioni, messaggi e codici segreti.

Dopo Tom è stato il momento di Frida che Michele ricorda con Flora, la stampa del periodo Giannini, fino ad arrivare all’incestuosa collaborazione con Balenciaga (Incestuosa perchè sono entrambi “figli” di Kering) segnando dunque una rinascita, una rivincita, una ricollocazione e una rivolta nella moda.

Michele fa quindi sua l’estetica di Demna Gvasalia, per una serie di look e accessori che fondono le silhouette di Balenciaga con i classici tessuti di Gucci.

Sono già cult la borsa Jackie di Gucci e la borsa Hourglass di Balenciaga ricoperte da una versione co-branded dell’All-Over Logo Pattern di Balenciaga.

Lo stesso pattern è replicato anche su vari abiti, tra cui un tailleur interamente ricoperto di paillettes.

L’influenza di Demna, però, si è estesa anche ad altri look e silhouette dal taglio boxy della collezione ma anche ad accessori come gli occhiali da sole e collane.

Presente in altri look la scritta “Savoy”, che insieme all’incursione Balenciagucci è forse la vera protagonista della collezione.

La sua origine richiama il Savoy Hotel, un albergo di lusso amatissimo a Londra dall’Ottocento in poi, frequentato fra gli altri da Oscar Wilde, Frank Sinatra, Marilyn Monroe, i Beatles e Winston Churchill. 

Fu proprio al Savoy che Guccio Gucci lavorò durante il suo periodo londinese, scoprendo il mondo della valigeria dei ricchi e, infine, sviluppando l’idea di tornare a Firenze per aprire una bottega di valige che sarebbe poi diventata il Gucci che conosciamo.

Negli anni ’20, l’hotel ispirò il nome della Savoy Ballroom a New York, un locale iconico che venne definito «il cuore pulsante di Harlem» e fu uno dei punti di riferimento per l’evoluzione della cultura swing e jazz in America.

Sebbene ci fossero molti accessori, comprese borse stampate con i testi delle canzoni di Gucci, anelli al naso con logo, catene per il corpo e persino gioielli raffinati, lo stile massimalista di Michele si è fatto da parte a favore di un aspetto più ordinato.

Alla fine del film-sfilata, le modelle irrompono in un paradiso all’aperto, un giardino dell’Eden post-COVID-19, spruzzando profumo, mettendo il rossetto e abbracciando vecchi amici inneggiando alla libertà e al ritorno di una vita normale perchè come lo stesso Michele ha dichiarato:”Questo show è un inno alla vita”.

L'articolo Gucci Aria è il best of di Alessandro Michele proviene da Toh! Magazine.

Questa è una radiosa rivisitazione del classico accordo di Gucci Bloom. L’essenza resta fedele agli ingredienti di Gucci Bloom Eau de Parfum, esalta la ricchezza floreale e la morbida intensità della tuberosa. ll suo spirito però è cambiato come il colore che protegge la fragranza in una bottiglia di vetro laccato giallo miele. Il giallo trasmette la vitalità della fragranza e evoca l’energia della giovinezza. 

Gucci Bloom Profumo di Fiori cattura il magnetismo dell’essenza di Tuberosa, che si combina con note di Gelsomino e Jasmine Sambac Absolute. Anche l’aroma corrisponde a questa nuova veste molto gialla, in quanto Il profumo è enfatizzato dall’intenso calore floreale e dalla dolcezza dell’Ylang Ylang, che si combina a ricche note di legno di Sandalo.

La scia Elegante e caratteristica, dell’essenza di Iris si fonde con il calore resinoso del Benzoino ed è ammorbidita da nuvole di note di Muschio. Il profumo lascia sulla pelle un’impressione solare e torrida. È prepotentemente sensuale, ostenta un carattere deciso. 

Gucci Bloom Profumo di Fiori è mistico, rotondo, lussuoso, inebriante e avvolgente. Non è assolutamente un profumo scomodo da indossare nonostante sia ben percepibile. È come se ci attirasse in questo paradiso floreale fatto di abbondanza e di appagamento, che si percepisce più ci si addentra nelle delizie che ne costituiscono l’anima della fragranza. Man mano che il tempo passa, sempre più siamo convinti di farci condurre dal potere dei suoi fiori in un’esplorazione profonda tra immaginazione e identità, che caratterizzano questa visione mistica della natura.

“Quando ho iniziato a immaginare la nuova campagna Gucci Bloom sono partito dalla dimensione mistica della sensibilità femminile e dalla sua connessione con l’idea di natura. Questo mondo è un’allucinazione del potere dei fiori, ed è popolato da donne che sono come sacerdotesse. È un mondo dove il tempo è rimpiazzato dalla fascinazione, dalla magia… Che poi è il profumo stesso”. Alessandro Michele

Gucci Bloom Profumo di Fiori è un sortilegio, un incantesimo che le donne che decidono di indossarlo fanno sul mondo.

“I fiori, in questo caso, sono il tramite di questo sortilegio, e Gucci Bloom Profumo di Fiori è un potente dialogo con loro. È una fragranza intensa, che racchiude davvero l’essenza della natura. Fare parlare i fiori veramente, in maniera impavida, è stata la sfida che Alberto Morillas e io abbiamo affrontato creando questa fragranza”. Alessandro Michele

La campagna di Gucci Bloom Profumo di Fiori voluta da Alessandro Michele è immaginifica, ambientata in un giardino onirico pervaso di fiori e di magia dove il reale e il surreale si accarezzano, generando una visione creativa interpretata da quattro donne contemporanee Anjelica Huston, Florence Welch, Jodie Turner-Smith e Susie Cave,  che si incontrano in una sequenza onirica.

“Nella campagna pubblicitaria i fiori vivono di vita propria in un mondo che è reale ma surreale, dove il sogno della natura è un sogno psichedelico, sospeso nel tempo. Anjelica, Florence, Jodie e Susie incarnano quattro modi diversi di essere donna e compiono il rito dei fiori come vestali, mentre Floria Sigismondi è la sacerdotessa dietro la macchina da presa. Anche girare la campagna stessa è stato una magia nella magia”. Alessandro Michele

Note
Note di testa: Jasmine Sambac Absolute
Note di cuore: Tuberosa naturale, estratto di Gelsomino e Ylang Ylang
Note di fondo: legno di Sandalo, legno baciato dal sole, Polvere d’Iris, Benzoino e Muschio

L'articolo Gucci Bloom Profumo di Fiori proviene da Toh! Magazine.

Canzoni come poesie, sussurrate, intime e scritte col cuore a mente libera, con una delicatezza che non si sentiva da tempo nel pop. Da un po’ si parla di Arlo Parks, da quando nel 2018 uscì il suo primo brano Cola, con cui attirò subito l’attenzione.

A questo aggiungiamoci il suo carattere deciso, la sua bisessualità dichiarata, e il suo essere cool senza nessuno sforzo. Non ha caso è stata voluta da Alessandro Michele in un episodio del Guccifest e poi in veste di regista per un corto della sua maison. Ma l’attesa è finita, domani esce finalmente Collapsed In Sunbeams, l’esordio di Anaïs Oluwatoyin Estelle Marinho in arte Arlo Parks, classe 2000.

Ciao Arlo come stai e dove ti trovi?

Ciao Toh! In realtà mi sento relativamente tranquilla, il cielo è blu, oggi ho praticamente solo fatto musica e scritto poesie tutto il giorno. Sono seduta a casa della mia famiglia a West London.

Hai 20 anni, quando hai scoperto la tua voce?

Sì, ho 20 anni. Direi che sono costantemente in procinto di scoprire la mia voce, però, la cosa più eccitante dell’essere un musicista è che la sperimentazione e il superamento dei limiti sono un esercizio costante. Ho iniziato a scrivere racconti quando avevo circa 7 o 8 anni e canto da tutto il tempo che riesco a ricordarmi, quindi c’è sempre stato in me un amore innato per la musica e la scrittura.

Per i tuoi testi diretti e personali qualcuno ti ha definito la voce di una nuova generazione, qual è il tuo punto di vista?

Capisco perché mi è stato dato quel titolo, soprattutto perché molte delle mie canzoni ruotano attorno all’adolescenza e all’esperienza del raggiungimento della maggiore età. Detto questo, non mi sento come se stessi parlando per o di nessun altro, oltre a me stessa e di ciò che ho visto con i miei occhi. La mia generazione è composta da individui unici con esperienze di vita, gusti, punti di vista e sfide estremamente diversi, quindi non credo che possiamo essere racchiusi tutti insieme.

Quando ascolto una delle tue canzoni è come se convertissi poesie in testi, com’è il tuo processo creativo?

Sì, i miei testi iniziano sempre dalla poesia. Di solito accendo una candela, mi siedo alla scrivania e scrivo continuamente per circa 10 minuti, questo mi permette di essere completamente onesta con me stessa e di attingere a quella parte inconscia e cruda della mia mente.

Scelgo frasi, parole o sentimenti che mi piacciono e li trasformo in poesia, quindi creo una struttura e modifico quella poesia in un testo. La poesia e le parole sono molto interconnesse per me.

Chi sono gli artisti o gli autori che hanno ispirato il tuo modo di scrivere?

Ce ne sono così tanti! In termini di artisti direi Adrienne Lenker, Elliott Smith, James Blake, MF Doom e Soko. In termini di autori direi Zadie Smith, Eileen Myles, Patti Smith e Mary Oliver. Ho sempre gravitato su una scrittura piuttosto sensoriale e coinvolgente, che ti immerge davvero nel mondo dello scrittore.

Ho notato che nei testi delle tue canzoni ci sono sempre nomi, siano essi di artisti come Robert Smith, Sylvia Plath, Jai Paul, Thom York, o amici come Caroline, Eugene, Charlie, Kaia, Violet, come è iniziato questo gioco?

Non direi che è un gioco ma una questione di gusti. Penso che includere gli album/artisti che hanno fatto da colonna sonora alle storie, alle rotture, alle esplosioni e alle cotte di cui parlo, li faccia sentire ancora più reali. Sono interessata a quei dettagli iper-specifici. Inoltre mi piace includere i nomi perché voglio che l’ascoltatore si senta come se stesse leggendo una lettera personale, o una voce di diario che ho scritto su qualcuno in particolare.

Dimmi qualcosa di più sulla tua connessione con i nomi?

Molte di loro sono persone che conosco davvero. Per esempio Sophie è un’amica che ho da quando avevo 16 anni, a volte i nomi rappresentano idee, a volte creo nomi che si adattano esteticamente o che suonano bene. In generale, penso che i nomi contengano qualcosa di molto potente e umano.

La salute mentale è una questione rilevante nelle tue canzoni, ho letto che sei diventata un ambasciatore CALM, (ente che sensibilizza le persone sull’importanza della salute mentale), ma parlando di te personalmente, cosa ti dà forza e vita nei moment i difficili?

Trascorrere del tempo con le persone care che mi fanno sentire a mio agio e mi tengono stretta, bere un caffè dolce, cucinare fajitas di pollo, scrivere un diario, leggere libri sulla spiritualità e la poesia, passeggiare lungo il fiume quando c’è vento e chiamare il mio migliore amico che è attualmente all’estero e parlare con lui per 4 ore.

Come hai vissuto il lockdown? A volte non è facile quando hai molto tempo per pensare e sei solo, quindi si cerca di trovare un equilibrio e di fare qualcosa per occupare il tempo. Hai usato questo tempo per finire l’album?

Per me, come essere umano che riceve molta energia dall’essere intorno agli altri, il lockdown è stato molto difficile. Stare seduto con te stesso e con i tuoi pensieri può portare a un livello scomodo di autocoscienza, ma a livello creativo è stato un periodo molto appagante, ho scritto la maggior parte dell’album durante il lockdown in un airbnb a Hoxton – ci siamo semplicemente seduti nel mondo dell’album, vorrei estrarre i miei vecchi diari per l’ispirazione e scrivere tutta la notte – era un periodo di grande libertà creativa e distrazioni limitate.

Il singolo Green Eyes ha cori e chitarra di Clairo, un artista che amo, da dove viene questa collaborazione?

Sono sempre stata una fan di Clairo: c’è uno stile così distinto nel suo lavoro e la sua voce è così eterea e gentile. Volevo davvero averla nell’album in qualche modo, quindi le ho mandato un messaggio su Instagram, mi ha gentilmente inviato i backing vocals e poi ha inserito alcune belle parti di chitarra in modo spontaneo. Penso che Clairo aggiunga qualcosa di veramente speciale a questa canzone.

La canzone Green Eyes è una celebrazione dell’amore queer, adoro il modo in cui parli della tua bisessualità in modo spontaneo e naturale come dovrebbe essere. Penso ci voglia coraggio soprattutto nell’industria musicale…

Voglio solo essere completamente me stessa in ogni momento, quel senso di apertura mi viene naturale e sono grata di vivere in uno spazio in cui mi sento abbastanza al sicuro da essere così trasparente, con tutte le diverse parti che compongono la mia identità.

Con Gucci ti abbiamo incontrato come attrice in un episodio del suo Guccifest e anche regista con il cortometraggio Knotted Gold. Com’è stato lavorare con la gang di Gucci e Gus Van Sant?

Onestamente è stato uno dei momenti salienti della mia carriera. Alessandro e Gus sono esseri umani creativi così eccentrici e di buon cuore, quindi avere intorno quel tipo di energia mi ha davvero ispirato. Era anche la mia prima volta a Roma, quindi anche la città stessa mi ha intimorito.

Alessandro Michele mi ha dato l’opportunità di co-dirigere un cortometraggio incentrato sulla poesia e ispirato a Wes Anderson, Wong Kar Wai e Xavier Dolan, qualcosa che ho sempre voluto fare, realizzare un sogno davvero speciale.

Parlando di moda, hai uno stile semplice e pulito e posso dire che preferisci i color block alle stampe. Come definisci il tuo stile?

Lo definirei fluido, androgino e giocoso: è in continua evoluzione. Mi ispiro alla moda skater degli anni ’90 e allo streetwear, mi piace il layering, mi piace la maglieria, mi piacciono gli abiti oversize, mi piace il mesh e i gioielli sono al centro del mio stile.

Come definiresti il tuo rapporto con la moda?

È qualcosa a cui penso sempre. Per me i vestiti possono essere sia un’armatura che una finestra per l’anima. Mia madre è cresciuta a Parigi ed è sempre molto elegante, quindi sono stata esposta a questo mondo fin dalla mia giovane età. Adoro leggere anche di moda e conoscere i giovani designer e gioiellieri come Bleue Burnham o i viaggi di Simone Rocha.

Vieni spesso descritta come una persona timida, come hai affrontato questo con salire sul palco, recitare e dirigere, è strano che una persona timida riesca a esporsi così tanto, raccontaci la tua formula magica:

Oh, decisamente non sono una persona timida! Sono introspettiva ma decisamente estroversa. Esporsi ed essere aperto al mondo e alle persone è qualcosa che mi viene molto naturale: sono sempre stata un artista nel cuore.

L’ultimo album e libro di cui ti sei innamorata:

Mi sono innamorata di nuovo di We are Family di Sister Sledge e mi sto innamorando di L’Uomo e i suoi Simboli di Carl Jung.

*L’album verrà presentato con una performance live su Amazon Prime Video disponibile dalle 21 di venerdì 29 gennaio. Ad accompagnarla on stage ospiti d’eccezione quali Romy xx, Dave Okumo e Glass Animals.

A tal proposito Arlo dice: “Ho sempre desiderato organizzare una serata di musica dal vivo e conversazioni intime e in momenti come questi sembra ancora più speciale. È una benedizione poter invitare le persone nel mio mondo musicale e diffondere un po ‘di luce . “

L'articolo Arlo Parks: canzoni fragili per persone forti. proviene da Toh! Magazine.

Ci ho pensato, non ci ho pensato, lo scrivo o non lo scrivo.. ma si che lo scrivo. Dopotutto i nodi vengono sempre al pettine.

Però partiamo dall’inizio:

Alessandro Michele, in una conferenza via Zoom, vestito a modo suo, aveva annunciato un esperimento mai tentato finora: presentare la nuova collezione (durante il primo lockdown ha deciso che non vuole più suddividerle nelle scadenze di primavera-estate, pre-fall, cruise, ma farne solo due all’anno e genderfluid) dal nome Ouverture of Something that Never Ended, in un solo film diviso in sette episodi, presentati come un festival cinematografico, il GucciFest, appunto. 

Visibile da tutti ovunque, parola quest’ultima che piace a chiunque, un pò come genio, che personalmente non mi sento di attribuire a Michele, come il 99% delle persone fa riferendosi al citazionista.

Come in un vero festival, ha dato spazio a 15 nomi nuovi della moda: Ahluwalia, Collina Strada, Rui, Gui Rosa, Bianca Saunders, Shanel Campbell, Mowalola, Rave Review, Cormio, Stefan Cooke, JordanLuca, Boramy Viguier, Yueqi Qi, Gareth Wrighton, Charles de Vilmorin.

Nomi scelti da lui e dal suo staff «per festeggiare una festa di lucciole», insetti che da Pasolini in poi sono evocati per richiamare la speranza nel buio della vita.

«Le loro scie erratiche e luminose compongono, infatti, una danza d’amore che si staglia contro il buio. Il loro incedere sprigiona bagliori di desiderio e di poesia capaci di nutrire la vita anche nei momenti più cupi», ha scritto in una lettera aperta, citando anche il filosofo Georges Didi-Huberman, che non conoscevo, dunque grazie Alessandro Michele.

Un’operazione gigantesca, in cui ha radunato tutte le star della cultura, della filosofia, della musica. E naturalmente del cinema, visto che a co-firmare la regia Michele ha convocato Gus Van Sant, indimenticabile regista dalla produzione discontinua, che ha comunque firmato capolavori come Belli e dannati, Elephant, Milk. 

Gli episodi sono sette e all’interno di ognuno c’è un ospite.

Dal filosofo e attivista transessuale Paul B. Preciado (dove “B.” sta per Beatriz, dal genere femminile che gli era stato assegnato alla nascita e che poi ha rifiutato) ad Achille Bonito Oliva, in una surreale conversazione telefonica con Harry Styles sui rapporti tra arte-moda-atto creativo. Da Billie Eilish (ripresa a Los Angeles da Harmony Korine, altro regista-culto del direttore creativo), al drammaturgo Jeremy O. Harris. Dalla poetessa e cantautrice Arlo Parks alla popstar sudcoreana Lu Han, dalla cantante Florence Welch all’artista multidisciplinare Ariana Papademetropoulos, e altri ancora.

Protagonista unica della serie Silvia Calderoni, nome di punta del teatro d’avanguardia italiano.

I più attenti però avranno notato un’altra chicca: l’omaggio di Gucci al cinema neorealista italiano, quando era impossibile realizzare film in presa diretta e quindi, ci arrangiava con gli attori che c’erano, spesso non bravissimi e fuori sincrono con il labiale sullo schermo.

Anyway, da Instagram alle conferenze stampa via Zoom, il megaprogetto faceva già pregustare una tappa in più nel suo percorso creativo pur coerente con quello già intrapreso: passare dal consueto, stantio atteggiamento della società contro la moda alla moda contro la società.

Mai così contaminata con pareri, opinioni e punti di vista lontani tra loro, mai così politica e destinata a disseminare il mondo con messaggi di inclusione, diversità, affrancamento dai generi e dalle convenzioni, la collezione di Gucci Ouverture si presenta come un’opera aperta in cui non c’è né fine né inizio e in cui i vestiti sono relegati sotto la voce “costumi”.

«Sono i costumi della vita», ha spiegato Michele,  rincarando la dose nella lettera aperta: «Che vita hanno i vestiti quando smettono di sfilare? Quali storie sono capaci di disegnare nello spazio dell’esistenza? Cosa accade loro quando si spengono i riflettori della passerella? Sono le domande che vengono a farmi visita in questo presente incerto ma gravido di premonizioni».

Ma a quale vita fa riferimento il direttore creativo di Gucci? Se questa è una storia in cui non succede niente ma intende dispiegare quei momenti di magia i cui strani incantesimi costellano la nostra quotidianità, di che quotidianità stiamo parlando?

La Roma dove si muove la protagonista non esiste, Gucciland non esiste, è finta.. senza Covid, senza tecnologia: non ci sono (o quasi) cellulari né computer, si va in posta per spedire le cartoline da spedire con un francobollo carino.

È una capitale dove si vive una realtà diminuita, onirica e nostalgica, per una città che Michele vorrebbe che fosse e forse lo vogliono anche i suoi fan più accaniti. Tant’è vero che alla fine Silvia s’imbatte in una porta e si ritrova in un teatro. Era tutta fiction, come ne il Truman Show.

Del resto, in una scena del primo episodio, Silvia fa volare dal balcone un abito stampato con il motivo floreale Bloom della maison: si tratta di un abito-replica della collezione donna autunno-inverno 2015, la prima che il designer ha realizzato per Gucci.

E in altri episodi si rivedono capi già noti, elementi che sono parte integrante della collezione Ouverture ma appartengono sempre al suo primo défilé nel 2015.

«Questi capi presentano un’etichetta rossa ricamata con la scritta Something That Never Ended», dicono i comunicati stampa, e allora, la domanda è la seguente: se è vero che nella moda il tempo scorre più in fretta rispetto al normale, bastano cinque anni a creare il vintage di noi stessi?

Quanto tempo occorre perché qualcosa, da nuovo diventi iconico tanto da volerlo desiderare ancora? Cinque anni sono sufficienti o no? Il messaggio poi si estremizza ancora di più nel sesto episodio, quando la protagonista va in un vero negozio di vintage, però arredato con tutti i capi delle precedenti collezioni di Michele e si commuove davanti a una pelliccia rosa a motivi Chevron del 2015.

Siamo noi a essere ossessionati dal nuovo a tutti i costi oppure bastano cinque anni a storicizzare una tendenza, un gesto, un modo differente di fare le cose? Va bene il supercitazionismo, ma arrivare all’autosupercitazionismo, funziona? Quello che sorprende e fa riflettere – ed è cosa buona e giusta se qualcosa ci costringe a pensare – è che in una cornice talmente innovatrice e progressista, sembra sia esaltata una bellezza prudente che va in netto contrasto col metodo fugace a cui Alessandro Michele ci aveva abituato.

Non dimentichiamo che comunque Gucci è un’azienda che produce beni di lusso destinata, in teoria, a milioni di persone. 

Michele ha progettato un’estetica del frammento che ha davvero rivoluzionato il mercato dei Millennials, tutta giocata sugli spiazzamenti di significato, sugli accostamenti scellerati, su un disordine controllato che connetteva le diverse fasi del suo fare creativo.

Del resto, lui non ha mai creato moda ma ha giocato con le sostanze materiali ed espressive della moda unendo in un mix di passione ed emotività i desideri scombinati tramite configurazioni che creano illusioni di contemporaneità.

Ma se è così mi chiedo: perchè in Ouverture non sentiamo l’urgenza di scavalcare il bello e il brutto, il buon gusto e il cattivo gusto, il kitsch e lo chic.

Soprattutto in un momento in cui la pandemia deve far affiorare desideri di qualcosa che non si sa di voler possedere finché non li vediamo.

E se li abbiamo già visti?

«Questo è il modo in cui lavoro: rubo, riutilizzo, metto l’etichetta sbagliata sulla faccia sbagliata. In effetti, è un modo per dare forma a un concetto di libertà», dice Alessandro Michele.

Ma è vera libertà quella di riproporre capi e oggetti già noti e ancora presenti in molti guardaroba? Dico io.

Qui un dubbio mi assale: non è che  all’interno di una confezione così forte a livello comunicativo, Gucci questa volta abbia scelto di non uscire dalla sua comfortzone (di nuovo) e dunque abbia deciso di ripararsi sotto l’ala della sicurezza dell’oggetto-moda?

Forse non conosceremo mai le risposte a tutte queste domande, ma a giudicare dal successo sui social, questa sfilata atemporale è votata a un presente immaginario che si mischia col passato rifiutando il futuro e respingendo la profondità o per dirla in modo più conciso: dopo aver macinato miliardi con pre collezioni dubbie e capsule ancor più dubbie adesso rallenta il ritmo perché altrimenti sembra l’unico che non fa niente. Credo che Alessandro Michele abbia un superIO che si agita tra Mecenate e casa di Jared Leto. Autocelebrazione e marketing, nessuna rivoluzione e questo mi dispiace perchè…

L'articolo Riflessione su Gucci che non ha fine proviene da Toh! Magazine.