Quelle di Ginevra sono canzoni pop fragili, notturne, intime ma anche sorprendentemente muscolari. Ricche di riferimenti colti ed esterofili, risplendono nella notte come le sfaccettature di un diamante colpito dalla luce della luna o di una strobo.

“DIAMANTI” è un album che ti arriva senza filtri con le sue parole dirette, mentre la sua musica ti fa sognare e ti avvolge cullandoti, per poi scuoterti con uno strattone che non ti aspetti, ma sempre con gentilezza. C’è l’elettronica che ti trasporta in un club berlinese, ma anche la nostalgia della Bristol dei Massive Attack e di Tricky, e di quei suoni che ti annebbiano come un joint.

“DIAMANTI” è un ibrido tra determinate sonorità inglesi e il cantautorato, un album che in mezzo al panorama italiano luccica come il nome che porta.

Abbiamo incontrato Ginevra un pomeriggio di fine novembre a Milano, il primo giorno di pioggia che ha segnato l’arrivo dell’inverno, e quella che potrebbe essere considerata una sfortuna ha reso lo shooting che la vede protagonista notturno, etereo e sincero come la sua musica.

Ciao Ginevra, come stai oggi che ‘DIAMANTI’ è uscito da un paio di mesi e che feedback stai ricevendo?

Feedback stupendi, molto intimi e questa è una bellissima cosa. A me invece sembra passato un anno dalla release! Sono sommersa di cose da fare e da organizzare che non mi ricordo nemmeno che giorno è, ma sono contenta, significa che tutto sta andando avanti, stiamo cominciando ad organizzare il tour, me lo sto immaginando, sto cercando di capire cosa voglio combinare.

Immagino che vorrai riproporre l’atmosfera magica che hai creato per la presentazione del disco a Milano e per la ‘DIAMANTI Live Experience’ di VEVO?

Sì assolutamente, ci sono degli elementi che ci sono piaciuti molto quindi li riproporremo, anche se non è così facile da ricreare, i laser sono d’impatto ma hanno delle regole ben precise da seguire, ma il mood che m’interessa è quello di creare un’atmosfera immersiva non solo con me che performo, ma con un’esperienza più ampia.

Voglio trasportare tutti in un’altra dimensione con tempi dilatati, parti strumentali più lunghe, strutture leggermente cambiate, creando un contesto nuovo in cui il protagonista è il disco, ma che però ti lascia la sensazione di aver condiviso qualcosa.

Parlando di esperienza immersive io credo che “DIAMANTI” abbia il potere di farti entrare in empatia con il suo mondo, che poi è il tuo. Quanto ti sei messa a nudo nei testi?

Tantissimo, non riesco a separarmi da quello che scrivo come persona, come donna, c’è tutto di me. La sincerità e il mettermi a nudo creano la risposta del pubblico, ci ho messo un po’, ma poi ho capito che non riesco ad avere un approccio alla musica senza mettermi dentro, questo è il mio metodo, il mio modo di arrivare a chi mi ascolta, non saprei fare altrimenti.

Il diamante è la pietra preziosa dell’amore eterno, dura ma fragilissima che si scheggia facilmente e si spacca in mille pezzi se cade. Questo album mette in mostra tutte le tue sfaccettature come quelle della pietra che gli da il titolo, è questo il senso o è solo un mio viaggio?

(ride, ndg) È un viaggio che mi sono fatta anche io, ma a posteriori. In realtà ‘DIAMANTI’ è nata prima come brano, è stato il primo che ho scritto per il disco e come spesso mi succede è nato di getto, testo e melodia.

Quando ho cominciato a chiedermi come intitolare l’album mi sono accorta che “DIAMANTI” è una parola fortissima, un’oggetto per me così iconico e visivamente preciso, e avendoci messo tanto tempo a crearlo, volevo assolutamente che mostrasse tutte le parti di me.

Quindi ha acquisito tutto più senso a posteriori, con le sue sfaccettature, le sue diversità, i suoi riflessi, e per quanto ci sia un macro colore, che è una campana blu che contiene tutto, ci sono tante cose diverse in questo disco, brani più sperimentali, atmosfere da club, ballad, una componente rock. Lo reputo perfetto come titolo, non potrei sceglierne uno diverso.

Quando ti ho vista alla presentazione del disco live al centro della stanza con i musicisti intorno e allo stesso livello del pubblico, ho trovato una dualità tra la forza della tua voce e una sincera vulnerabilità espressiva, ti ci ritrovi?

Ci sono sicuramente dei momenti in cui mi sento vulnerabile, cantando certi testi è inevitabile, su un palco il racconto si amplifica all’ennesima potenza. Effettivamente ci sono momenti in cui si percepisce questa fragilità, all’evento poi ero particolarmente vulnerabile perché ci tenevo tantissimo, era la prima volta che ci esibivamo dal vivo, avevo il ciclo, tantissime emozioni che messe insieme hanno generato questa vulnerabilità.

Però mi piace che questa cosa arrivi in maniera ancora più sincera: non sono statuaria, mi guardi in faccia e capisci quello che penso, io non sono molto brava a mentire o nascondermi. Quindi sul palco la sincerità è totale anche perché per quanto tu ti possa preparare c’è sempre un incognita che può essere la location, il pubblico, o altro, quindi ogni live per me è un’esperienza differente.

Il tuo ep si intitolava ‘METROPOLI’ e conteneva ‘RAJASTAN’, per ‘DIAMANTI’ invece hai scritto ‘TORINO’ e nella canzone “BRICIOLE” parli di Berlino. Cosa ti lega alle città e al tema del viaggio in generale che ricorre nelle tue canzoni?

Io ho un legame fortissimo sia con Milano, che è la mia città in questo momento, che con Torino dove c’è la mia famiglia: sono due città che fanno parte della mia identità oggi. Credo che questo crei un legame inconscio con le città, con determinate esperienze che vivi in un luogo, e mi porta anche senza averlo deciso a parlare di spazio.

Se non abitassi a Milano avrei fatto questo album diversamente: Milano è la mia casa n.2, quella che mi sono costruita, dove ci sono tutti i miei amici e le persone con cui lavoro. È curioso questo legame che ho con le città, è quasi personificato.

Poi ci sono anche momenti in cui voglio scappare dalla città e qui il viaggio diventa un’evasione fondamentale. Mi piacerebbe fare un giro da qualche parte prima di Natale: magari lontano dal cemento, ho voglia di spazi aperti, ma chissà se ci riuscirò.

Non hai riempito il disco di feat. ma ne hai scelto uno solo: Arashi che canta in ‘AMULETO’, e poi hai lavorato con Alessandro “Mahmood” alla scrittura di ‘ASTEROIDI’. Sono entrambi tuoi grandi amici giusto? Mi sembra di aver capito che avete un legame che va oltre la musica…

Assolutamente sì. Io avevo in mente di fare il mio disco, è il mio viaggio quindi sapevo di non volere feat. soprattutto in questo momento dove ne siamo tempestati. Io ho una visione piuttosto esterofila, guardo quello che succede in Italia ma osservo quello che fanno i miei artisti di riferimento, come Christine and the Queens per cui prima o poi dovrò prendere un aereo per andarla a sentire. Ecco lei non ha gli album pieni di feat.: è sempre tutto molto studiato e calibrato, anche io volevo che si creasse un racconto omogeneo.

Poi per caso è capitato che ho chiamato Riccardo “Arashi”, con cui ho lavorato tantissimo come autrice per altri artisti, e quindi c’è un legame sia umano perché siamo molto amici, che lavorativo, quindi ad un certo punto gli ho detto che era ora di scrivere un pezzo per noi e non solo per gli altri.

Stessa cosa vale per Ale (Mahmood), e Marco e Francesco Fugazza che sono i miei produttori, senza di cui questo album non ci sarebbe mai stato, eravamo tutti tra di noi. Ragionando a posteriori al percorso che abbiamo creato, mi sono resa conto che le persone che hanno lavorato al disco sono persone che fanno parte della mia vita e non incastri di marketing.

Sono doppiamente contenta del risultato di questo disco fatto in casa con le persone che stimo, la componente umana è importante per fare cose sincere e belle. Per come sono fatta io è difficile immaginarmi di fare qualcosa con chi non conosco. Non sto dicendo che non è mai successo, non sono un’eremita, ma preferisco non farlo.

Quanto sono stati fondamentali i fratelli Fugazza per questo album e cosa hai imparato da loro?

Io imparo ogni giorno da Marco e Francesco che sono due genietti, ho la fortuna di lavorare in casa con loro e hanno entrambi una sensibilità e un gusto molto affine al mio, nel tempo ci siamo amalgamati ed è diventato semplice per loro capire cosa volessi senza dirglielo.

Un gradino più su rispetto al lavoro fatto insieme per ‘METROPOLI’. È sempre stimolante lavorare con loro, per me sono una colonna portante, poi considera che Marco lavora con ma sui live dal 2019 e Francesco è sempre dietro le quinte, c’è un brainstorming naturale continuo.

Anche Asian Fake ne ha riconosciuto il valore tanto che li hanno messi a lavorare su un altro progetto e per me è una cosa bellissima.

Di chi è stata l’idea di campionare gli Autechre in ‘OCEANO’?

Di Francesco ovviamente! (ridacchia ndg). Francesco è una persona che lavora h24 sui suoi esperimenti, aveva campionato gli Autechre modificando il sample fino a renderlo irriconoscibile, si percepiscono il timbro e il suono, ma non il timing esatto del pezzo originale, l’ha trasformato. È talmente pitchato per creare una nuova armonia che lo senti ma non è esattamente quello.

Un’altro aspetto che per me forma il tuo mondo è una sorta di mistero, d’incognita, come quando guardi le stelle e ti chiedi cosa c’è oltre…

A me sembra sempre di essere brutale e sincera nelle mie canzoni però mi è stato fatto notare che hanno qualcosa d’inafferrabile, evidente fa parte della mia indole, ma essere un po’ magica e misteriosa mi piace.

Ci sono delle atmosfere nel disco vicine all’ambient che evocano questo immaginario, abbiamo fatto molta ricerca, quindi ci sono canzoni che ti fanno stare con i piedi a terra e altre che ti portano nell’etere.

Sei un’artista da sempre vicina alla comunità LGBTQ+, nel video di ‘ANARCHICI’ hai inserito le scene di un gay Pride che scorrono mentre canti: «Quelli che si amano davvero, quelli che proteggono chi sono, quelli che combattono da soli i dubbi eterni di chi li ha messi al mondo»: una bella botta…

Il video di ‘ANARCHICI’ è un esperimento che ho provato a fare per coinvolgere ancora di più il mio pubblico, perché sono tutti frame non miei. Era vicino alla settimana del Pride e ancor prima che annunciassi il video hanno cominciato ad arrivarmi tutta una serie di filmati stupendi girati alle manifestazioni.

La frase è messa lì propri per quello, volevo comunicare la libertà di amarsi e di essere se stessi, e credo sia sempre importante dare un segnale se fatto in modo spontaneo. C’è anche un frame bellissimo con due ragazze che si baciano.

Quando ho lavorato ad ‘ANARCHICI’ ho pensato proprio a sostenere la comunità LGBTQ+ pur non facendone parte direttamente, ma la libertà d’espressione alla fine riguarda anche me.

Mi fa piacere sia arrivato il messaggio, perché questo è il mio modo di combattere, molto tranquillo e in sordina, perché c’è già troppa gente che ci impone cose urlando. Per me ‘ANARCHICI’ è il manifesto del disco.

Che musica ascoltavi da teenagers?

Prima di aprire la porta sul mondo della musica ho ballato molto, dai 4 anni ai 19 ho fatto danza classica, e ascoltavo Avril Lavigne, Britney, Rihanna, o Michael Jackson mentre ballavo hip-hop, riferimenti lontani dalla mia musica, che attinge da un mondo più folk e intimo che è più vicino alla mia indole.

A casa mia si è sempre ascoltata musica per passione di mio padre, Ivan Graziani, Mina, Ivano Fossati, i grandi nomi della musica italiana ci sono sempre stati. Poi mi è partita una vena per Carmen Consoli che ha aggiunto una forte componente femminile.

Diciamo che fino ai 19 anni non ho fatto molta ricerca, poi ho scoperto gli XX, James Blake, e da lì son andata a ritroso con i Massive Attack e la scena di Bristol. Sono artisti che mi hanno cambiato perché in loro ho riscoperto una parte di me che ho poi deciso di indagare e che fa parte del mio progetto oggi.

Ti saluto chiedendoti: qual è l’ultimo album di cui ti sei innamorata?

Difficilissimo! Fammi pensare… “Fountain” di Lyra Pramuk è stato il mio crush in pandemia. È un’artista americana che fa musica sperimentale, non sono vere e proprie canzoni ma più composizioni corali che lei esegue con la voce. E Poi ho amato molto Oklou con “Galore” un album che ha dei synth meravigliosi e una produzione e una voce molto bella.

PRODUCTION & WORDS: Marco Cresci & Giuseppe Di Rosalia

PHOTO: SIMON & Creative partner Simona Pavan

STYLIST: Alex Vaccani

STYLIST ASSISTANT: Alessandro Marzo

MUA: Erica Vellini @Greenapple

GRAPHIC COVER: Didier Falzone

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Se potessimo riassumere il nostro percorso attraverso degli oggetti, che cosa sceglieremmo? Qualcuno opterebbe per scontrini e biglietti del cinema e altri, magari, per dei cimeli di famiglia o delle foto.

Quello che è avvenuto durante la presentazione di “Club Blu” (RCA Numero Uno/Sony Music Italy), primo EP di Camilla Magli uscito lo scorso 30 settembre, è stata, per l’appunto, la narrazione di un percorso artistico attraverso l’istallazione di oggetti collegati direttamente al vissuto della giovane artista, accompagnati dal racconto in prima persona di Camilla.

Un paraurti ammaccato, i testi delle proprie canzoni, il dialogo con Luca De Gennaro e l’esibizione chitarra e voce hanno aperto le porte sullo spazio emotivo che si estende dalla casa d’infanzia in Puglia fino alla sua vita a Milano.

Riuscire a trovare la chiave della stanza in cui riporre i propri oggetti per creare della musica, in questo caso, passa direttamente dalla scoperta dei propri spazi interni, territori che la cantautrice ci indica come nuove e recenti conquiste.

Abbiamo deciso, quindi, di esplorare insieme a Camilla Magli la sua camera musicale per scoprire cosa vi ha riposto all’interno.

A cosa è dovuta la scelta di “Club Blu” come titolo del tuo primo EP?

“Club Blu” è il nome delle mie sigarette. Ho fumato molto negli ultimi tempi, anche se ora sto cercando di smettere. Fumare è stato il mio modo di sfogarmi, ero sempre in movimento, irrequieta e fumando riuscivo a concentrare i pensieri. Prendendo le parole singolarmente, il blu richiama la malinconia, il sentimento con cui ho scritto i pezzi in camera con le sigarette e il club, infine, è un momento d’incontro e, in questo caso, un incontro con le emozioni.

In questo disco parli della tua vita e dei tuoi cambiamenti. Quanto ha influito nella tua crescita artistica la provenienza da un piccolo paese e cosa hai provato quando ti sei trasferita a Milano?
La mia provenienza, come il fatto che sia andata via, ha influito tantissimo. A Milano mi sono portata le mie origini, le mie radici, i miei ricordi e le mie ferite su cui poi ho fondato quello che sto costruendo adesso. Sarebbe difficile guarire nel posto che ti ha ferito, no? Milano mi ha dato la libertà di emanciparmi, di guarire, di esprimermi e di cercare me stessa.

C’è qualcosa che faceva parte della tua vita prima di trasferirti che vorresti indietro oggi?

Niente, niente perché vivo il presente e, da ciò che ho adesso cerco di trarre il meglio. Il passato sta nel passato.

Il desiderio di evadere e conquistare spazi nuovi è un aspetto ricorrente nelle tue canzoni. Vivi questa tua attitudine come una corsa verso il futuro o come un bisogno costante di rinnovarti?

È assolutamente una corsa verso il futuro. La mia curiosità mi spinge spesso ad andare via, ma non tanto in un posto, quanto da quello che sento in quel momento per provare anche altro. Ho avuto paura di tante cose ma mai di mettermi in gioco, di mettermi alla prova, di amare. La voglia di evasione è il mio modo di vivere, anche la voglia di evadere dalla realtà.

Questo EP rappresenta un primo traguardo nel tuo percorso artistico. In cosa senti di essere cambiata e cosa è rimasto invariato in te dall’inizio della tua carriera nel 2014?

Mi sento cambiata quando penso che prima ero completamente vittima delle mie emozioni. Adesso ho imparato a viverle e ad incanalarle in qualche modo, averne più controllo. Quello che è rimasto invariato, invece, è la mia parte un po’ bambina. Quando canto esce quella parte lì, quella passione che non ho scelto.

Per due brani, “Il fumo uccide” e “Ore”, hai collaborato per i testi con Mahmood e Franco126. Com’è stato per te condividere il momento della scrittura con altri artisti?

Il pezzo di Franco ha un testo scritto interamente da lui, me l’ha mandato e l’ho fatto un po’ più mio, più che altro a livello musicale. Sono contentissima del fatto che sia un testo di Franco perché lo reputo uno delle migliori penne che abbiamo in Italia. “Il fumo uccide”, invece, lo abbiamo scritto con Ale, insieme, al mare in Sardegna. Alessandro è il mio migliore amico e oltre che essere stato un momento forte, è stato facile aprirmi con lui.

In “Ore”, in cui interpreti il testo di Franco126, sembri ricercare un contatto con te stessa nel silenzio e nell’assenza del prossimo. Qual è il tuo rapporto con la solitudine?

Amo la solitudine e ne sento la mancanza quando non c’è. Durante la giornata devo ritagliarmi dei momenti per avere un contatto stretto con me stessa, è una cosa di cui ho bisogno. La solitudine per me è importante quanto respirare.

Qual è l’ultimo disco di cui ti sei innamorata?

L’ultimo disco di cui mi sono innamorata… ti direi “Oro Blu” di Bresh, mi ha dato la scintilla e, infatti, sono contentissima di aver fatto “Kanye West” con lui.

Dopo la ricerca e l’arrivo a nuovi luoghi dell’arte, siano essi stanze fumose o club, non resta che condividerne la chiave con qualcuno. Per questo, infatti, in “Club blu” possiamo osservare quanto lasciare che gli altri aprano assieme a noi alcune porte, per vedere cosa c’è dietro, ci permetta di riempire e illuminare anche le nostre stanze più buie.

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10 +1 – THRU COLLECTED “Discomoneta” (THRU COLLECTED)

Nessuna etichetta, nessuna pretesa, nessun legame con le regole del mercato, ma basta schiacciare play e già dalla prima traccia “Cantautoravez” capirete che qui di convenzionale non c’è nulla, ma c’è il futuro, e si chiama Thru Collected.

Potete scervellarvi a trovare i riferimenti di questo collettivo napoletano ma non ne troverete, siamo in un territorio pop sperimentale, un po’ hyper un po’ (p) a caso.

Non vediamo l’ora di ascoltare altre sperimentazioni di questo collettivo che riserverà sorprese nel panorama italiano, oggi un po’ troppo ripetitivo. Noi al preconfezionato preferiamo un lavoro ostico che si rivela lentamente affascinandoci come “Discomoneta” sa fare. E questa è una premessa a tutta la classifica.

10 – LAILA AL HABASH “Mystic Motel” (Undamento)

Uscito in corsa sul finire dell’anno ha mantenuto tutte le premesse, non a caso Laila Al Habash è stata la nostra cover star di dicembre.

L’artista italo-palestinese di 23 anni, da un po’ sta catalizzando l’attenzione con la sua musica e finalmente pubblica il suo primo album “Mystic Motel”: 12 stanze-canzoni di pop empatico, quello vero senza patine, puro e che suona omogeneo. “Mystic Motel” in 12 tracce ci porta attraverso le sfaccettature della sua personalità, con un risultato sincero e accogliente.

In “Mystic Motel” Laila si mette a nudo e non si copre dietro feat. altisonanti come il mercato vuole, ce ne offre uno solo: “Sbronza”, in cui canta insieme a Coez. Insomma Laila ci mette tutta la faccia, aggiungiamo quindi il coraggio tra le sue qualità.

9 – bnkr44 “Farsi Male a Noi Va Bene” (Bombadischi)

Bombadischi continua a non sbagliare un colpo e se vi siete persi il mixtape del collettivo bnkr44 “44.deluze”, il disco che ha segnato e raccontato i giovani in pandemia, potete recuperare con “Farsi Male a Noi Va Bene” il loro primo vero album.

Forse conoscete già qualcuno dei membri con i loro progetti solisti: Erin (Vi consiglio di ascoltare il suo esordio solista “Luce Spenta” uscito quest’anno), Piccolo, Fares, Caph, JxN, Faster e Ghera, 7 ragazzi che hanno trasformato una vecchia conceria nella provincia fiorentina in un vero laboratorio musicale, un luogo creativo in cui sfogare la propria creatività, e scacciare la noia della provincia che a vent’anni contagia tutti.

Unico special guest del disco la “nostra” Ariete, che con i ragazzi ha molto da condividere oltre alla label. 

8 – Margherita Vicario “Bingo” (Universal)

Nostra cover star di maggio 2021 Margherita Vicario è entrata subito nei nostri cuori per la sua schiettezza e la sua simpatica, Margherita ti manda affan*ulo ridendo, ma intento ti ci manda e tu ci vai.

Bingo è un album in cui ogni traccia sprigiona un genere a favore di un sentimento, sarà che il suo lavoro parallelo di attrice la porta a interpretare tanti personaggi diversi.

Che sia quello gioioso/rabbioso di “Orango Tango”, forse la canzone più schieratamente LGBTQI+ e onesta del 2021, (Fedez can you ear me?), in cui invita Giorgia Meloni al suo “Family Day pieno di trans e di gay che cantano ‘Happy Day’” in una baraonda pop. O che sia vulnerabile e confidenziale come in “Pincio”, un pezzo che ritrae il primo lockdown a tinte disco soft, o in “Come Va” una canzone che parla dell’importanza delle amicizie.

Ma davvero non lo avete ancora ascoltato? Ma che cazz..

7 – ISIDE “Anatomia Cristallo” (Epic)

Come detto nella nostra intervista “Anatomia Cristallo” debutto del collettivo Iside è un album necessario nel panorama musicale italiano, un lavoro che non si incasella in un genere e che colpisce dritto al cuore sia per ferirlo che per rigenerarlo.

La band di Bergamo formata da Dario Pasqualini, Daniele Capoferri, Giorgio Pesenti e Dario Riboli, come ci suggerisce il titolo del loro debutto, ha tante sfaccettature e riflessi come quelli di un cristallo e specchiarcisi dentro vedendo la propria immagine distorta e moltiplicata è meraviglioso.

Uno scorrere di parole e suoni che fanno incursione nell’indie, nel punk, nell’elettronica, nel pop e che nonostante tocchino tanti generi vanno a creare un album coeso che rivela i suoi riflessi minuziosamente sezionati, ascolto dopo ascolto.

6 – La Rappresentante di Lista “My Mamma” (Woodworm)

I LRDL sono stati i protagonisti della nostra coverstory di maggio, scattata poco dopo la loro partecipazione a Sanremo, che li ha meritatamente fatti conoscere al grande pubblico a 7 anni dal loro esordio.

“My Mamma” è il quarto album dei LRDL un manuale d’uso alla sopravvivenza che rivendica la libertà a colpi di pop, in un mondo sempre più intollerante e che ha innalzato Veronica Lucchesi e Dario Mangiaracina aka LRDL a paladini della comunità LGBTQI+ . Un consiglio appassionato: andate a vederli live.

5 – BLUEM “Notte” (Peermusic Italy)

BLUEM è senza dubbio la sorpresa italiana di questo 2021. Sarda ma londinese d’adozione, Clara Floris aka BLUEM, classe ’95, ha trovato il modo di inserire la tradizione sarda nel suo pop oscuro, rendendola totalmente moderna e inaspettata, senza mancarle di rispetto anzi, andando ad impreziosire la scena cantautorale italiana.

Un mini album scritto di “Notte“, come il titolo stesso suggerisce, lontano da casa, in Inghilterra, dove ha assorbito una visone musicale più ampia e libera dagli schemi. Sette canzoni, intitolate come i giorni della settimana da Lunedì a Domenica, danno vita a un concept album che esplora le sfaccettature dell’amore affettivo e famigliare, con voci campionate di ricordi del passato e atmosfere mininal pop che riecheggiano Blood Orange e Rosalìa e una produzione che in Italia è cosa rara.

4 – MAHMOOD “Ghettolimpo” (Universal)

Abbiamo atteso Ghettolimpo come se non ci fosse un domani e ora che l’ho ascoltato, assimilato e digerito posso dire che è uno degli album più sottovalutati di questo 2021, non che uno dei migliori.

Se pensavate di trovarci dentro una Soldi 2.0 vi sarete dovuti ricredere, Ghettolimpo è un album pop complesso che con le mille voci di Mahmood e le sue produzioni meticolose ci trasporta in un mondo fatto di livelli, non di canzoni, come quelli dei video game, da sempre una passione dichiarata di Alessandro.

Fare un album moderno e non da primo ascolto non è facile, anche per questo apprezziamo Mahmood che non ha pensato alle strategie in favore della sua integrità artistica. Ghettolimpo è un album fatto di contrasti lo dice anche il titolo, passa dalla strada alla notorietà e in mezzo porta con se tutti gli angeli e i demoni che fanno parte di questo percorso, lo stesso che ha fatto di Mahmood una star internazionale.

3 – BLANCO “Blue Celeste” (Universal)

“Blu Celeste” giustifica gli entusiasmi e conferma Blanco come un astro nascente della musica italiana, chiuderà il cerchio la sua partecipazione a Sanremo2022 in coppia con Mahmood. Nel suo esordio Blanco ci prova senza strafare, con dodici pezzi in una manciata di minuti, ma non per questo risulta poco ambizioso tant’è che è privo di feat. acchiappa ascolti. Noi avevamo scommesso su di lui già a novembre 2020 quando erano usciti solo 2 pezzi.

Ascoltando “Blu Celeste” tutto procede veloce e irruente, il suo modo di usare la voce si accoppia bene con le produzioni, ma quando la musica rallenta e si fa meno densa, si notano dei testi un po’ ingenui e privi di quel guizzo che ci ha fatto urlare al miracolo la prima volta che abbiamo ascoltato “Notti in Blanco”. “Blu celeste” è come una foto a un soggetto in movimento: sfocata e imperfetta, ma capace di trasmetterne un grande dinamismo e movimento. Cosa vuoi di più dall’esordio di un ragazzo di 18 anni?

2 – VENERUS “Magica Musica” (Asian Fake)

Magica Musica è il titolo dell’atteso debutto di Venerus, un viaggio a mente libera e ad occhi chiusi, in un universo onirico in cui la musica scorre come un flusso di coscienza senza freni inibitori.

È bello perdersi dentro Magica Musica, tra blues, jazz, cantato soul, rap, assoli di chitarra elettrica e pianoforte, campionamenti della natura, che creano un vortice sperimentale che destruttura la forma canzone, perché le composizioni di Venerus cambiano all’improvviso, proprio come in un sogno. “Ogni Pensiero Vola” è per me il miglior singolo italiano del 2021. Andate a vederlo dal vivo e ve ne innamorerete.

1 – COSMO “La terza estate dell’amore” (42records)

Premessa: se siete per la musica usa e getta da classifica state lontani da questo album, se invece siete curiosi e credete nella sperimentazione e in un futuro che rende il passato moderno, siete i benvenuti.

Cosmo, (nostra cover star di luglio 2021), con “La Terza Estate dell’Amore” prova a fare la rivoluzione: toglietevi le magliette, uscite per strada, levatevi dalla testa la forma canzone, leggetevi i testi per una volta e cercate di capire costa sta dietro alle apparenze.

“Tu fai la hit, io torno vergine” è una frase estrapolata e dalla canzone “Antipop” e che da sola spiega la scelta fatta da Cosmo con questo progetto, ovvero in un momento in cui sarebbe potuto diventare definitivamente mainstream fa marcia indietro e percorre un viaggio tra house, acid, techno e pop, creando un album che ha diviso le acque anche tra i suoi fan.

Noi abbiamo creduto molto in questo progetto che continua a farci ballare, abbiamo ancora negli occhi la felicità di Cosmo sul palco dell’Alcatraz quando con il suo Blitz! lo scorso dicembre ha dato vita al primo concerto senza distanziamento sociale. Boom! Ci risuonano ancora le casse nel torace.

“La Terza Estate dell’Amore” di Marco Bianchi aka Cosmo è un lavoro incazzato, politico, lisergico, carnale, forse la sua presa di posizione più forte fino ad oggi, ma soprattutto un inno alla libertà, e anche per questo è il nostro disco dell’anno.

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Se pensate di trovarci dentro una Soldi 2.0 cambiate canale, Ghettolimpo è un album pop complesso che con le mille voci di Mahmood e la sua produzione meticolosa ci trasporta in un
mondo fatto di livelli, non di canzoni, come quelli dei video game, da sempre una passione dichiarata di Alessandro.

Ricordate il Pokémon sulla cover di Gioventù Bruciata? Ecco forse questo è l’unico filo conduttore tra i due album perché a sonorità qui siamo avanti anni luce.

Ghettolimpo è un album fatto di contrasti lo dice anche il titolo, passa dalla strada alla notorietà e in mezzo porta con se tutti gli angeli e i demoni che fanno parte di questo percorso, lo stesso che ha fatto di Mahmood una star internazionale.

Non a caso nel disco ci sono solo tre feat.: Elisa in Rubini, sua maestà Woodkid in Karma e Sfera Ebbasta e Feid in Dorado ma questo lo sapete.

Questo album urla: questo sono io, prendetemi, amatemi o odiatemi senza mezze misure, perché Mahmood non è sceso a nessun compromesso per farlo. Lo abiamo intervistato:

Ciao Alessandro, volevo intanto farti i complimenti perchè si vede che ti sei davvero fatto il mazzo per questo disco a livello di ricerca sia vocale che di produzione. Mi piace il fatto che anche se hai lavorato con produttori diversi risulti un album coeso dove viene fuori la tua personalità.
Come è stato il tuo approccio sulla struttura delle canzoni che spesso cambiano forma, penso anche al pezzo “Dei” che apre Ghettolimpo.

Ciao Marco, la verità è che questo disco io l’ho immaginato come fosse un concerto live, e mentre lo scrivevo mi immaginavo sul palco. Il disco si apre con Dei, che è una filastrocca che vuole
introdurre l’anima di Ghettolimpo, e l’ho immaginata come se a scriverla fosse stato un bambino.

Il mondo meraviglioso della mitologia greca in cui mi immergevo da bambino è una passione nata da un’enciclopedia per bambini che leggevo spesso in camera mia.

Le raffigurazioni di dei ed eroi mi hanno sempre appassionato e oggi quell’immaginario si ritrova nei miei testi. Quindi Dei è una parte di me bambino mentre la canzone che segue, Ghettolimpo, è la parte di me adulta, quella di chi fa il soldout a Madrid, che si guarda allo specchio e non si rivede.

È un passaggio quasi drastico quello da Dei a Ghettolimpo che
per me in realtà è una canzone unica. Il disco ha iniziato a prendere vita a fine 2019, poi in quarantena non sono riuscito a scrivere perchè stare chiuso in casa non mi aiutava, quindi a sentire sto disco mi fa strano perchè mi rendo conto di aver scritto queste canzoni due anni fa ma ancora oggi quando le sento percepisco che sono ancora molto attuali e dunque non mi annoiano perchè mi rappresentano ancora molto.

Mi spieghi il tuo concetto di Ghettolimpo?

Ho iniziato a scrivere le nuove canzoni circa due anni e mezzo fa in aereo mentre andavo a Tunisi, infatti la prima canzone che ho scritto è stata proprio Baci dalla Tunisia.

Ghettolimpo è un neologismo che ho immaginato per creare una sorta di nuovo mondo che sta a metà strada tra una una cosa molto alta e una cosa molto bassa, un mondo di mezzo dove nessuno è un Dio e nessuno viene dal ghetto.

Un posto dove la normalità della vita di tutti i giorni incontra la mitologia greca di cui sono molto appassionato, grazie a mia madre che da ragazzino mi regalò una mini enciclopedia per ragazzi e dove alla fine c’è una specie di dizionario
mitologico che mi ha mandato in fissa e che leggevo sempre.

Mi parli dell’artwork del disco?

Il mito che mi rappresenta di più è quello di Narciso, anche se Narciso parla di questo amore così grande, quasi ossessivo verso se stesso, tanto da baciare il suo riflesso nell’acqua e morire
annegato. Il mio Narciso è un po’ marcio rispetto all’originale, nel senso che mi rivedo nel mio riflesso ma non mi riconosco e quindi è come vedere un immagine un po’ distorta da quella reale e credo questa cosa mia sia successa subito dopo Sanremo.

La cover è ispirata a lui e mi vede riflesso davanti a un altro me e racconto la paura di vedere un riflesso che sta cambiando, un’immagine totalmente distorta.

Ciò rappresenta il timore di allontanarsi dalle proprie origini, perdere quella scintilla di ispirazione che veniva da quello che eri, dai sacrifici fatti da te e dalla tua famiglia. Ma io ricordo e ho ben impresso le difficoltà che ho passato e non voglio dimenticare da dove vengo: voglio essere orgoglioso di dove arriverò, ma senza dimenticare cosa ho passato, e rimanere saldo alla famiglia, agli amici, all’amore. 

In Ghettolimpo convivono due anime, è un racconto  dove non esistono Dei con poteri soprannaturali, esistono umani con un’anima comune che si avventurano nella vita.

In Ghettolimpo canti in molti modi diversi, passi da sonorità che richiamano le preghiere arabe al canto popolare sardo, me ne parli?

Mi piace il discorso della preghiera nella canzone. Ghettolimpo vuole essere un disco che si rivolge a qualcosa di più grande come gli Dei o l’Olimpo, ma allo stesso tempo è un
disco che non ha religioni infatti io sono molto legato alle sonorità arabe, mi ricordo di quando ero piccolo a Il Cairo che sentivo dagli altoparlanti le 5 preghiere della giornata e
ho cercato in qualche modo di emulare.

La canzone Ghettolimpo vuole essere una canzone religiosa ma senza religione.

T’Amo invece è un pò il nucleo di questo disco, il DNA
di questo album, ci butto dentro tutto quello che sono, dalle mie origini arrivando a mia madre, a cui non avevo mai dedicato una canzone.

La canzone è piena di riferimenti alle mie radici sarde,
perchè ho sempre parlato di radici arabe, ma ho anche delle origini sarde, infatti a casa con mia madre parlo sardo.

Per questo pezzo ho voluto creare proprio una cosa ad hoc a livello musicale: ho voluto omaggiare questo forte legame familiare e culturale inserendo nell’intro del brano le
cornamuse dei pastori sardi e il brano “No potho reposare”, che mia madre mi faceva ascoltare da piccolo e che per me è la canzone che più rappresenta la Sardegna.

Per interpretarlo ho scelto il coro femminile sardo di Orosei – paese di origine di mia mamma a cui sono legatissimo –
Intrempas, di cui fa parte mia cugina Antonellina.

Ci sono voluti sei mesi per rendere tutto perfetto, ma alla fine sono soddisfatto del risultato. Sono molto legato a questa canzone, è il gioiello del disco.

Parlami di Woodkid, com’è stato lavorare con uno dei geni del pop moderno, noto per essere un maniaco della perfezione?

Uh mamma mia, mi ha fatto ripetere la stessa frase in inglese per 5 ore. Mai nella vita una cosa così. L’ho amato perchè anch’io sono ossessionato dal controllo, ma lui è peggio di
me. Woodkid, l’ho conosciuto dopo una sfilata a Parigi e ci siamo scritti per circa un anno e mezzo su Instagram, poi solo dopo tutto quel tempo, con la mia faccia di culo, gli ho chiesto se volesse collaborare e lui mi ha detto di si.

Allora sono andato a Parigi due volte, è stato tutto molto lungo e difficile. Ma è stata un’esperienza che mi hanno fatto crescere
molto. È tutta una scuola per me, sempre!

Ho trovato come una simbiosi anche tra le vostre due cover, non credi?

È vero! Lui si abbraccia con un suo se stesso in maniera oscura. Sai che però non ci avevo fatto caso?!? Sto guardando adesso il suo vinile che ho qui a fianco, ed è vero che si somigliano concettualmente.

Ghettolimpo può essere definito un disco complesso ma dove complesso non sta per difficile, nel senso che è un album dove magari non ci entri subito ma al terzo ascolto lo canti. Baci dalla Tunisia è uno dei miei pezzi preferiti e devo dirti che la coda strumentale mi ha ricordato Frozen di Madonna.

Davvero? Quella canzone l’ho scritta a Cannes insieme a Josh Rosinet, un ragazzo di 17 anni che non parlava italiano o inglese ma solo francese, quindi ho cercato di farmi capire il più
possibile.. anche perchè la canzone nasce come piano e voce. Poi ho chiesto a Dardust e lui ha fatto tutto il resto insieme a Fugazza e Grilli. Sono molto felice di questo pezzo, che in realtà non volevo manco inserire nel disco, ma poi tutto è partito da li e non potevo non metterla.

Ghettolimpo si apre con Dei e chiude il cerchio con il mito di Icaro, in Icaro è Libero, è un’ altra tua musa?

Sì, attraverso il suo mito voglio raccontare l’inarrivabile, quasi l’intoccabile: nella canzone paragono la figura mitologica di Icaro ad un carcerato, accomunati dallo stesso forte desiderio: una spinta verso il raggiungimento dell’impossibile.

Si tratta di una prigione solo metaforica, una società che alle volte ti schiaccia e tenta di tarparti le ali.

“Dietro queste mura scende un cielo di cobalto / Io non vedo grigio perché guardo solo in alto” Ghettolimpo è anche questo: relegati in una situazione difficile tutti noi aspiriamo all’Olimpo, la fame e il senso di rivalsa ti permettono di guardare in alto,
e anche all’interno di quattro mura se chiudi gli occhi puoi sempre sentire il vento.

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Il tour estivo di Mahmood parte ad agosto e toccherà alcuni tra i luoghi più suggestivi italiani, come il Teatro Antico di Taormina, la location perfetta per il concept di Ghettolimpo.  Tutte le info su Mahmood e le altre date del tour le trovate su www.friendsandparters.it

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Zero è la storia di un adolescente timido che ha il potere dell’invisibilità e deve imparare a controllarlo per difendere il suo quartiere, rinunciando ai suoi sogni artistici.

Tra ragazzi di strada, superpoteri, differenze culturali e tutta la scena musicale rap/trap contemporanea, Zero ci porta in un quartiere lontano dall’immagine di Milano che siamo abituati a vedere, rendendo protagonisti quelli che il mondo lo guardano dal basso.

Il tema costante di Zero è quello dell’emarginazione, del ritenersi invisibili, del sentirsi diversi ma che però risulta poco credibile, forse per mancanza di budget o forse perchè si ha troppa fretta nel preparare una serie con un fortissimo e importante messaggio di inclusione e diversità.

Come spesso accade con le serie o i film ispirati da libri, racconti etc.. anche nel caso di Zero, con il libro la serie ha davvero poco a che fare, ne riprende solo i nomi di alcuni dei protagonisti ma la storia è tutta un’altra cosa.

Se nelle pagine del romanzo veniamo catapultati subito in un vortice abbastanza stereotipato e ripetitivo su quanto sia difficile essere di colore e vivere emarginati, qui, nell’adattamento tv, il racconto si alleggerisce molto e si mischia a elementi di generi diversi, dal thriller fino al racconto di formazione.

In Zero veniamo immersi in un mondo che, con un susseguirsi di scontri di quartiere, differenze etniche, amicizie, amori e superpoteri ci fa vivere diverse emozioni, non tutte positive.

Nata da un’idea di Antonio Dikele Distefano, che si occupa anche della scrittura insieme a Menotti, Stefano Voltaggio, Massimo Vavassori, Carolina Cavalli e Lisandro Monaco.

La storia ci porta nel Barrio, quartiere povero da tempo sotto attacco dei vandali, luogo dove conosciamo da subito Omar (Giuseppe Dave Seke) che adora passare il proprio tempo seguendo la sua passione, armato di matita, un foglio sulla scrivania e il mondo che la sua mente alimenta ispirandosi ai fumetti che ama. 

È proprio quel mondo immaginario il suo luogo ideale, perché nel quartiere dove lavora come rider per una pizzeria, pur incontrando ogni giorno tantissime persone, lui è invisibile. Nessuno lo vede in giro, e ci sono solo lui, i suoi fumetti e la famiglia, in un rapporto speciale che lo lega alla sorella Awa (Virginia Diop).

Presto però la situazione cambia, e tutto parte da una delle sue consegne, durante la quale incrocia il suo destino con quello di Anna (Beatrice Grannò). Tra i due scatta il colpo di fulmine, e Omar, che aveva intenzione di lasciare l’Italia per inseguire il suo sogno, inizia a cambiare prospettiva. (Maddai)

Nel frattempo, il quartiere continua a subire attacchi di ogni tipo, che per puro caso porteranno Omar ad incontrare quelli che diventeranno i suoi migliori amici, ovvero Inno ( Madior Fall), Momo (Richard Dylan Magon), Sara (Daniela Scattolin) e Sharif (Haroun Fall).

Omar scoprirà presto di non essere più invisibile agli occhi di altre persone, ma lo diventerà nel vero senso della parola. Inizialmente non tutto va come previsto, ma col passare degli episodi Omar capisce come sfruttare il suo potere e, soprattutto, intuisce quello che può fare per il suo quartiere.

Tutto sembra andare per il verso giusto, ma dietro il decadimento della zona si stagliano ombre che ben presto si riveleranno delle minacce concrete.

Fino a qui tutto bellissimo, l’idea della serie ha degli spunti molto interessanti se pensiamo che si parte dal vedere una Milano che gli stessi milanesi cercano di nascondere, arrivando a toccare tematiche come la classe sociale, l’integrazione e lo Ius Soli.

Zero cerca di unire i punti in un racconto che si sgretola già dopo qualche episodio.

Sin da subito, però, la serie mostra grandi crepe nella sceneggiatura: tutto succede in fretta, tutto corre troppo e si ha come la sensazione di perdersi qualcosa, come se mancassero dei passaggi fondamentali che avrebbero reso la vicenda più credibile.

Omar, ad esempio, scopre di avere il superpotere e nella scena successiva si cambia completamente pagina, come se non fosse successo nulla.

Anche sul fronte della recitazione, forse anche per i problemi di scrittura, le interpretazioni risultano spoglie, senza anima, passando da siparietti scolastici a momenti di leggerezza, ad altri spezzoni più drammatici che sollevano qualche dubbio recitativo.

La serie finisce anche male, nel senso che il tutto si conclude in modo poco soddisfacente senza fornire grandi risposte, ma crea qualche dubbio sulla scrittura di alcuni personaggi, che sembrano protagonisti di svolte un po’ troppo radicali.

Bellissima invece la colonna sonora e tutte le musiche presenti nella serie.

Il compositore delle musiche, ideate appositamente per Zero, è Yakamoto Kotzuga. Tra i brani principali presenti nella colonna sonora, l’inedito di Mahmood che ha anche accompagnato il trailer, dal titolo Zero, scritto dallo stesso Mahmood e la sua crew composta da Petrella e Faini e prodotto da Dardust, che chiude la serie e che farà parte del nuovo album di Mahmood, GhettOlimpo in uscita l’11 Giugno.

Inoltre, Mahmood ricopre l’importante ruolo di music supervisor dell’ultimo episodio, per il quale ha curato la selezione musicale. Nel primo episodio,  è  presente il brano Red Bull 64 Bars x Zero di Marracash prodotto da Marz, dal titolo “64 barre di Paura”, anche nel teaser di ZERO, attualmente disponibile in esclusiva su www.redbull.com/64bars.

Nella soundtrack completa di ZERO si alternano i brani di artisti del più moderno e attuale scenario musicale italiano, spaziando tra rap, urban, trap e R&B: Tha Supreme con Blun7 a Swishland, Emis Killa con Fuoco e Benzina, Bloody Vinyl, Slait, Tha Supreme feat. Mara Sattei e Coez con Altalene, Madame con Voce e  Ginevra con Rajasthan.

Accanto ai successi nostrani anche uno sguardo al panorama internazionale con brani ricercati e multi-culturali, tra grandi classici e novità: Lil Wayne con Uproar, Alborosie con Cry, Amadou and Mariam feat. Manu Chao con Sénégal Fast Food, Nahaze con Behind e Ama Lou con Northside.

Sono sincero: avevo grandi aspettative su questa serie che però non sono state superate, ma resto fiducioso perchè l’idea di base è molto bella, la storia può ancora avere senso anche se siamo lontani dal dire: wow! Aspetterò la seconda stagione sperando mi faccia ricredere sulla prima.

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