Shura è tornata. A cinque anni dal suo ultimo album, la cantautrice britannica — da sempre capace di raccontare la fragilità e l’intimità dell’amore queer con rara sensibilità — riappare con I Got Too Sad for My Friends, un disco che è insieme diario esistenziale e manifesto estetico.

Nato durante un momento di crisi creativa e personale, tra lockdown newyorkesi, introspezione forzata e nuove passioni (jujitsu incluso), il disco è un ritratto stratificato della Shura di oggi: più consapevole, ma ancora capace di lasciarsi attraversare dalla malinconia, con uno sguardo ironico e mai cinico.

In questa intervista, Shura ci racconta la genesi dell’album, il lungo blocco creativo, la gioia di collaborare con altri artisti, il bisogno di ritrovare uno spazio sicuro in un mondo che sembra diventare ogni giorno più ostile. Un dialogo che parte dalla musica, ma tocca anche corpo, comunità, politica e — naturalmente — amore.

Ciao, come stai?

Bene grazie, domani ci sarà la prima data del tour. Sono emozionata.

Come ti senti a pubblicare un nuovo album dopo molto tempo?

Sono molto felice! Anche se l’album in realtà è pronto da tanto, abbiamo deciso di aspettare il momento giusto. Dopo quattro o sei anni, aspettare altri sei mesi non faceva molta differenza. Ma ora è arrivata l’ora!

Cominciamo dal titolo: “I Got Too Sad for My Friends”. Cosa lo ha ispirato?

È il nome che diedi alla cartella SoundCloud con i demo dell’album, quasi cinque anni fa. Invece di chiamarla “Demo” come al solito, la intitolai così perché rappresentava come mi sentivo: molto isolata, con poco da condividere. Quando fai un lavoro creativo e ti senti bloccata, è difficile parlarne con gli amici: ti sembra di fare il lavoro dei sogni, eppure qualcosa non va.

Il titolo è triste, ma la prima volta che l’ho scritto mi ha fatto sorridere.

Suonava perfetto per un album. Ha un tono ironico, anche se tocca temi difficili. Volevo evitare di risultare pesante.

“I Got Too Sad for My Friends” è un disco pieno di consapevolezza, ma che ha bisogno anche di leggerezza.

Hai parlato apertamente del blocco dello scrittore. Cosa ti ha aiutato a superarlo?

Leggere molto. Il libro “If You Want to Write” di Brenda Ueland mi è stato utile. Parla della scrittura come cammino, e di quanto camminare aiuti a liberare la creatività. Era come un’auto-istruzione.

In realtà non era che non riuscissi a scrivere, ma non trovavo interessante ciò che scrivevo. Ho capito che serve un mistero, una verità o un problema da risolvere per far funzionare un testo.

Camminare nel mio appartamento di New York, ascoltare gli uccelli, sentire la brezza: tutto questo mi ha aiutata a restare presente, nonostante pensieri esistenziali pesanti.

La copertina ti mostra in armatura con un Walkman, circondata da piccoli mostri. Che storia volevi raccontare?

Hai colto bene! Quando uscì Romeo + Giulietta di Baz Luhrmann mi folgorò. DiCaprio era magnetico. Ricordo che non capivo se volevo essere lui o se ne ero attratta. Anche mio fratello gemello, che è queer, lo guardava con me. Poi abbiamo capito: lui voleva baciarlo, io essere lui!

Avevo appena riletto Il piccolo principe, che mi ha devastata. C’è un’immagine in cui è minuscolo su una catena montuosa, ma pieno di significato. I temi del disco – ansia, solitudine, svanire – sono tutti lì.

Un’altra influenza è Baldur’s Gate 3, che mi ha salvato dall’isolamento. Nell’artwork indosso un’armatura, ma non protegge organi vitali: quei mostri non sono reali, sono interiori. Il Walkman, i jeans rotti e le Converse mi riportano alla realtà. Non volevo sembrare un personaggio fantasy, ma restare me stessa

Come ha influenzato il suono e i temi del disco il tuo trasferimento a New York durante la pandemia?

Era un momento eccitante: avevo appena finito un album sull’innamorarsi a NY, avevo un tour. Poi, tutto si è fermato. Un crollo istantaneo.

Questo ha inciso sul mio blocco creativo. Il mio cervello era pronto al tour e al cambiamento, e invece mi sono ritrovata a chiedermi: “E adesso?”. È stato un lungo periodo di vuoto, e ha cambiato tutto.

L’album ha un suono caldo e retrò, da pop anni ’60 con texture elettroniche soft. Come ci sei arrivata?

Non riuscivo ad ascoltare altro in quel periodo. Quelle armonie mi tranquillizzavano.

Senza rendermene conto stavo scrivendo il disco che avevo bisogno di ascoltare: dolce, gentile. Io che di solito sono esplosiva!

Con Nothing’s Real avevo suoni forti, synth invadenti. Ma durante la pandemia volevo solo delicatezza. Mi sentivo vulnerabile, e cercavo bellezza naturale.

Molte tracce hanno una forte qualità cinematografica. Pensi spesso per immagini?

Al 100%! Ogni canzone ha un video musicale nella mia mente. Sempre.

Questo è anche il tuo primo album con dei featuring. Cosa ti ha spinto a farlo?

Ho collaborato anche in passato, ma i pezzi non sono mai finiti su un album. Stavolta, da artista indipendente, ho scelto persone che amo.

Cassandra Jenkins l’ho vista a Brooklyn e me ne sono innamorata. Ci abbiamo messo sei anni per collaborare! Helado Negro l’ho conosciuto a Low Radio, a Williamsburg. Perfetto per “If You Don’t Believe in Love”. Era il mio primo duetto sexy con un uomo!

E poi Becca Mancari: tutto sembrava naturale con loro, a differenza del passato dove le collaborazioni erano spesso suggerite per ragioni di marketing.

Ti sei fatta anche male in questi anni, ma ora appari radiosa!

Grazie! Forse è merito del jujitsu ahah! Ho iniziato da poco, ma è una di quelle cose assurde che fai dopo i trent’anni: imparare a combattere!

A proposito: aspiri davvero a diventare una “Muscle Mommy”?

Ci provo! Ma non è così facile come pensavo ahah! Forse sarò pronta per il prossimo album.

La tua musica è importante per tante persone queer. Come vivi oggi la tua visibilità LGBTQ+?

Dieci anni fa avrei detto: sono queer e ne sono felice. Oggi non è così semplice.

All’epoca sembrava che tutto potesse solo migliorare. Oggi è deprimente. Pensa che “Touch” è uscito nel 2011, e ora dobbiamo chiederci se essere visibili sia sicuro.

Però: se ti senti attaccato, è il momento di combattere. Io sono pronta.

Pensare alla situazione dei diritti trans in America con un secondo mandato Trump è spaventoso.

Abbiamo girato un video low budget con tantissime persone queer, per mostrare quanto siamo splendenti. Spero di farvelo vedere presto.

Ora che sei tornata in Inghilterra, ti mancano gli Stati Uniti?

Mi mancano gli amici, e sono triste per loro. Ma tornare negli USA adesso? No. Forse lo farò quando il finale sarà diverso. Non che in UK sia tutto perfetto, ma almeno posso iniziare a lottare da qui. Prima ero ottimista. Ora, molto meno.

Prima di salutarci: l’ultimo album di cui ti sei innamorata?

Sto ascoltando tantissimo Sabrina Carpenter e amo Chappell Roan, ma il disco che mi ha rapita è Two Star & The Dream Police di Mk.gee. Mi ricorda Peter Gabriel, Prince, Sting ai tempi dei Police. Chitarre e produzione incredibili.

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Nato sull’isola di Jersey e artisticamente cresciuto tra le band indie di Londra, Rhumba Club — al secolo Tom Falle — ha trovato la sua voce tra synth nostalgici, estetica anni ’70 inizio ’80 e un’attitudine provocatoria. Dopo anni di sperimentazioni e collaborazioni, nel 2021 ha pubblicato il suo primo album Welcome to the Rhumba Club, seguito nel 2023 da Love Apocalypto. Tom Falle aka Rhumba Club è uno degli artisti più interessanti della scena queer pop contemporanea.

Durante la nostra chiacchierata, Tom ci ha raccontato di sé, del nuovo singolo e del suo terzo album in uscita, ispirato all’immaginario delle riviste gay degli anni ’70.

Ciao Tom, come stai?

Ciao, sto bene, sono in tour e a Milano: una delle mie città preferite!

Come sta andando questo tour dove hai un doppio ruolo, sia come supporter che come tastierista sul palco con Patrick Wolf?

Incredibile! È una cosa molto speciale perché Patrick me l’ha chiesto personalmente. Mi sono sentito particolarmente coinvolto in questo tour: Patrick mi ha detto che dovevo essere Rhumba Club al 100% sia prima come opening act che dopo, perché lo raggiungo sul palco nel finale dello spettacolo.

Vi conoscete da tempo?

No! Mi ha scritto in DM su Instagram. Immagina la mia faccia quando ho letto il suo messaggio… Mi ha detto che aveva ascoltato il mio album Love Apokalipto e che gli sarebbe piaciuto fare un featuring su un mio brano. Ora abbiamo un singolo insieme che abbiamo già presentato durante i live, uscirà a settembre, s’intitola Animal/Lover. Chi l’avrebbe mai detto!

Quando è nato artisticamente Rhumba Club?

Nel 2019. Ero già nella musica da un po’, ma ero arrivato a quel punto in cui, sia io che le persone intorno al sistema musicale, ci chiedevamo: “Ora cosa farai?” Qualcuno mi ha anche suggerito di “mettere da parte la queerness”, capisci? E io gli ho risposto: “Fuck you!” e così ho creato Rhumba Club.

Come vivi oggi, in quanto artista queer, in un periodo in cui le discriminazioni aumentano e i diritti acquisiti rischiano di sparire?

Londra non è perfetta, ma è ok. Viviamo una vita felice con i nostri amici, però vediamo tutti le notizie e cosa succede intorno a noi. Bisogna essere onesti riguardo alle proprie esperienze, ma non vorrei mai essere percepito come una vittima. Sono cresciuto sull’isola di Jersey, una piccola isola vicino allo Stretto della Manica, in un villaggio molto conservatore, ed è stata a tratti una sofferenza. A 18 anni sono scappato e sono venuto a Londra dove ho ritrovato me stesso.

Come celebrerai il Pride quest’anno?

Quest’anno è speciale: è il decimo anniversario del Pride nella mia città natale, Jersey (nelle Isole del Canale). Il mio rapporto con Jersey è complesso, soprattutto per quanto riguarda la mia queerness. Ma quest’anno mi hanno invitato a tornare per suonare sul main stage, e onestamente è surreale, molto commovente. Quando ero adolescente lì, il Pride semplicemente non esisteva. Tornare per questo momento ha qualcosa di monumentale.

Ecco la tua rivincita!

Suppongo di sì! Ma è anche un segno di cambiamento. Quando vivevo lì, il Pride non c’era. Sono molto felice di questa cosa.

Considerando il clima politico globale, pensi che il Pride debba tornare a essere più politico, soprattutto ora che (quasi) ci siamo scrollati di dosso le grandi aziende che fanno rainbow-washing ogni giugno. Qual è il tuo punto di vista?

Il Pride è una protesta. E dovrebbe sempre avere uno scopo preciso. Detto questo, penso che festeggiare non solo sia giusto, ma che sia anche una parte cruciale della protesta. Crea solidarietà, permette di sfogarsi — ed entrambe sono cose di cui le persone queer hanno spesso un bisogno profondo.

Per quanto riguarda le aziende: non mi dispiace la loro presenza, se è sincera. Ma da quando il backlash “anti-woke” ha preso piede — soprattutto dopo la rielezione di Trump — è diventato evidente che molti di quei supporti non erano autentici. Molti brand sono spariti o si sono voltati dall’altra parte appena è diventato scomodo. Non è esattamente incoraggiante… ma almeno ora sappiamo chi sono i nostri veri alleati.

Come è successo che un giovane di Jersey si sia innamorato della nostalgia synth?

Amo la musica fine anni ’70, vado pazzo per Patrick Cowley, un vero innovatore di quegli anni. Voglio dire, stiamo parlando di You Make Me Feel (Mighty Real)… è stato un produttore fondamentale che ha creato tantissime hit senza mai riuscire a sfondare come artista solista. Il mio nuovo album sarà totalmente dance.

Mi sembra di aver capito che il nuovo album, sarà molto personale…

Assolutamente, 100% personale. Parlo di tutto: dai massaggi, alla perdita della verginità, alle droghe, al sesso, tutto ciò che ha fatto parte della mia vita. È un album totalmente onesto, non saprei fare musica in altro modo. Altrimenti sarei stato uno dei One Direction! Ogni canzone avrà il nome di una rivista gay degli anni ’70. Il prossimo singolo s’intitolerà HONCHO.

Interessante, hai fatto una ricerca su queste riviste o è una passione che coltivi?

Mi sono fatto aiutare da persone che conosco nel mondo queer, artisti, cantanti, ballerini, e da Instagram, ci son diverse pagine dedicate all’argomento!

Guardarti suonare i synth è davvero magnetico — potresti essere l’Elton John dei sintetizzatori! Da dove arriva tutta quell’energia?

È buffo che tu lo dica! Il mio vecchio management mi presentava proprio come una specie di Elton John! E io lo adoro, davvero. Ma volevo fare qualcosa di un po’ più strano — più fuori dagli schemi, sovversivo e synth. Nessuna critica a Elton, ci mancherebbe — lo amo!

E poi, penso ci sia qualcosa di intrinsecamente queer nel sintetizzatore : è colorato, imprevedibile, difficile da domare… e ha plasmato il sound di tantissime icone queer: Bronski Beat, Erasure, Sylvester, Patrick Cowley, Pet Shop Boys, SOPHIE… Non mi vergogno a dire che volevo entrare anch’io in quella linea di eredità sonora.

Cos’è sexy per te?

Credo di essere noioso in questo: per me sono sexy l’intelligenza e lo stile di una persona, e per stile non intendo il look ma l’attitudine.

L’ultimo album di cui ti sei innamorato?

“Afternoon” di Patrick Cowley registrato nel 1982, in pratica, musica porno!

Foto Alex Vaccani

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Francesca Siano, in arte Francamente, mentre si gode il sole di Palermo insieme alla sua fidanzata, ci parla della sua carriera, che affonda le radici in esperienze come la vittoria di Sannolo ’24 e la partecipazione a X Factor. Scopriamo come musica, attivismo e ricerca di identità si intreccino nel suo percorso, tra passato e presente. Nella sua musica, l’artista esplora nuove sonorità e affronta i temi della queerness e dell’empowerment femminile, senza mai sottrarsi al confronto.

Ciao Franca, come stai?

Bene, sono a Palermo al sole!

Cosa fai in Sicilia?

La mia fidanzata è di Palermo, quindi sto un po’ qui!

Quindi hai lasciato Berlino!

Eh sì, ho ritrovato il sole, infatti la mia pelle mi dice: ma cos’è questa sensazione?! Ahahah!

Prima di X Factor c’è stata la tua vittoria a una manifestazione milanese che sta crescendo sempre più, che è Sannolo, nello specifico l’edizione del 2024!

Esattamente! Sannolo è stato il punto di partenza di molte cose.

Credi che Sannolo ti abbia dato la spinta per partecipare a X Factor?

Totalmente! Sono due cose per me molto legate. Innanzitutto, è stato il modo per tornare in Italia in modo diverso, dal 2021 vivevo a Berlino. Ho sempre scritto in italiano, contaminata dalla musica elettronica, ho fatto tantissimo busking a Berlino, perché adoro suonare per strada.

Fu un’altra artista, Rossana De Pace del collettivo di cantautrici di cui faccio parte anche io, a parlarmi di Sannolo, e a convincermi a partecipare, anche se io pensavo: “Adesso questi si vedono arrivare una candidatura da questa disgraziata che scrive da Berlino e non mi considereranno mai…” E invece è andata bene!

A Sannolo ho trovato un clima bellissimo, al di là della competenza c’è la passione nel fare quello che fanno. La cosa che più mi stupì fu l’alto livello di professionalità a fronte di un’iscrizione gratuita, a differenza di molti contest, e a me questa cosa stupì tantissimo.

Penso che X Factor non sia nient’altro che un Sannolo di proporzioni più grandi; averci partecipato mi ha fatto capire come funzionano determinati meccanismi, hai dei tempi da rispettare, non si può sforare, lo stesso avviene in tv ma con proporzioni diverse.

E poi molte delle persone con cui collaboro adesso le ho conosciute proprio attraverso Sannolo, è stata la mia tappa di ritorno in Italia da cui poi è cominciato tutto.

Qual è stata la tua reazione quando hai scoperto che facevi parte della squadra di Jake La Furia, considerando che siete agli antipodi uno dall’altra?

Ahahahah! È stata una sorpresa, letteralmente! Ricordo che agli home visit, a telecamere spente, gli dissi: “Io ho massima stima per te, sono cresciuta proprio nel momento in cui i Club Dogo spopolavano, che era il periodo delle medie, è chiaro che però ho sempre associato Jake La Furia a un mondo molto distante dal mio.” E lui mi ha risposto: “Ma perché dici questo? Io ti ho scelta per come canti.”

Poi è uscita la mia parte dell’attivismo e credo che in questo lui abbia avuto meno pregiudizi di me. Penso di essere caduta in quello che di solito tendo a combattere. Chiaramente, essendo io un essere umano, mi sono fatta molto ingannare da come si presenta. Poi è stato il primo a dirmi che determinate canzoni dei Club Dogo di 15 anni fa non le cantano più, perché si sono posti la questione del linguaggio e del sessismo.

Jake La Furia è una persona di un’apertura e di una personalità incredibili, è stato un incontro di mondi molto fecondo. Per me X Factor è stato prima di tutto un’esperienza umana.

Hai definito sorelle i tuoi due primi singoli, “Parcadute” e “Fucina”. Continuerai con questo cantautorato elettronico che vira verso gli ’80s e che si può cantare e ballare?

Sono canzoni che danno una direzione, ma poi penso anche che la queerness porti verso un costante atteggiamento di apertura che si riflette anche nella musica. Per cui, di sicuro, sono un preludio e sono la direzione da prendere se penso a quello che sto facendo in fase di produzione.

Ma non escludo che magari possa arrivare un’altra innovazione, una nuova ispirazione. Certo, sarà difficile scansare gli anni ’80, di cui ho una passione, anche per i colori e per il loro mondo che amo.

Quindi stai scrivendo canzoni nuove?

Sì, sto scrivendo, anche perché ho il privilegio di poterlo fare. Mi rendo conto che sono giorni tranquilli e sento tanto il rilascio dopo la contrazione muscolare di X Factor.

Non so quante delle cose che sto scrivendo rimarranno pensieri o si evolveranno in canzoni, è una cosa nuova per me. Non ho mai avuto del tempo nella mia vita in cui poter scrivere e basta, e per questo lo ritengo un privilegio.

Sui tuoi canali social parli molto di attivismo, ti esponi senza paura e parli anche di gender! In Italia di questi tempi… che paura!

Esatto: “Aiuto, arriva il gender!” Che poi sono persone che, se gli chiedi: “Ma sai cos’è?” Ti rispondono: “No!” Allora, come fai ad aver paura di una cosa che non sai cos’è?

Io ho tanta fiducia e vedo un desiderio non solo di cambiamento, ma anche di ascolto della realtà, perché non puoi dire che determinate persone non esistono o che determinati orientamenti sessuali siano meno validi di altri. Ci sono e basta, sarebbe come dire che i capelli biondi sono meglio di quelli marroni!

C’è un desiderio nelle persone di far emergere la realtà in tutte le sue sfumature.

Hai anche un modo molto giusto di rispondere, sempre inattaccabile!

Dopo X Factor, oltre ai follower, sono arrivati anche i nuovi haters e io credo che la questione migliore per risolvere le diatribe sia parlarne e non chiudersi in se stessi per colpa degli insulti, che non sono mai di chi li riceve.

Confrontarmi per me è sempre stata una cosa utile, sia con le persone vicine, ma anche con attivisti che fanno questo di mestiere.

Bisogna imparare a non farsi risucchiare in questo aspirapolvere d’odio e capire che nessuno di noi è costretto a scendere a un confronto con tutte e tutti. Se l’unico obiettivo di un individuo, e lo applico in ogni contesto, è quello di spargere odio senza dialogo, che resti lì dove sta.

Ci sono invece occasioni di persone che mi hanno chiesto cose che andavano al di là della loro comprensione, o semplicemente erano in disaccordo con me, ma lo hanno fatto in modo educato. Ne abbiamo parlato e ci siamo confrontati in modo sano.

Sarebbe tremendamente democristiano se mettessi tutti d’accordo, ma non è di certo questo il mio obiettivo… È giusto che ci sia anche una controparte, ma la mia parte è così ricca di nutrimento che tende a fare ombra sul resto.

Insieme ad altre 3 cantautrici hai formato il collettivo “Canta fino a 10”, me ne parli?

“Canta fino a 10” è nato nel 2021 a Torino, che è la città che ci ha unite, nonostante io all’epoca fossi l’unica torinese. È formato, oltre a me, da altre 4 cantautrici, Anna Castiglia, Rossana De Pace, Cheriach Re e Irene Buselli. Nasce da un’amicizia e da problemi che pensavamo essere singolari, tipo che quando salgo sul palco si dà per scontato che non sia in grado di accordare una chitarra, o fanno commenti sul mio corpo, o capita che mi senta a disagio perché il backstage è tutto maschile.

E invece ci siamo accorte che erano situazioni condivise, addirittura ci siamo rese conto che, nonostante avessimo voci diverse, venivamo tutte paragonate a Carmen Consoli. La verità è che noi cantautrici abbiamo una rappresentazione così piccola che quando fai la cantautrice, in automatico ti paragonano a lei, senza che il tuo timbro ci assomigli minimamente. Che poi, Carmen Consoli è la regina assoluta, è intoccabile.

Quando potremo vederti live?

Siamo in una fase di allestimento. Io ho un grande sogno di non esibirmi da sola, quindi sto facendo un lavoro di ricerca di persone che possano partecipare al progetto e abbracciare un certo tipo di ideali. Ma bisognerà attendere un po’.

Qual è l’ultimo album di cui ti sei innamorata?

Chappel Roan perché mi ha riportata al presente. Io ho l’abitudine di buttarmi nei dischi vecchi, ma ascoltando Pink Pony Club per caso, mi ha fatto innamorare del suo album The Rise and Fall of a Midwest Princess. So che ha tanto spazio, ma spero ne prenda ancora di più.

Francamente Francamente Francamente

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E’ sempre stato un uragano di vitalità Jake Shears, impossibile scordarsi le sue esibizioni con i suoi Scissor Sisters che nella prima parte degli anni 2000 hanno travolto il mondo con il loro funky disco pop stravagante.

Jake oggi vive tra Londra e New Orleans, lo raggiungo su Zoom e mi trovo davanti il suo inconfondibile sorriso incorniciato da una chioma rosso fuoco, è contento e soddisfatto di questo nuovo capitolo musicale.

Un tributo alla musica dance che parte con il suo euforico pop travolgente per poi diventare un’ode agli irriducibili del clubbing, quelli che stanno ancora ballando mentre sorge il sole: gli edonisti della notte.

Ogni festa per riuscire ha bisogno di una lista di invitati e Shears ha riunito un cast di amici VIP per questo disco: Amber Martin, Le Chev, Kylie Minogue, Big Freedia, oltre ai monologhi di Jane Fonda e Iggy Pop.

Se il suo primo album omonimo nel 2017 ci portava un Jake Shears personale e intimista, “Last Man Dancing” in uscita il prossimo 2 giugno, è una celebrazione alla club culture che parte da Moroder e arriva alla house di Detroit passando per i Chemical Brothers, zero sentimentalismi, nessuna ballad, qui Jake è l’indiscusso padrone del dancefloor.

Ciao Jake come stai?

Bene grazie, sono nella mia casa di Londra.

Risiedi ancora in Inghilterra?

Ho abitato a Londra per 4 anni, ora la divido con New Orleans, una città che mi da tanto soprattutto per la sua scena musicale.

Come hai sviluppato il concept del disco?

Allora, “Voices” il pezzo con Kylie è stato scritto tanto tempo fa, lo tenevo da parte ma quando ho pubblicato il mio primo album solista, lei stava per uscire con “Golden” ma non riuscivo a trovarle un posto perché per me è una canzone molto speciale.

Amo quel pezzo ed è stato il punto di partenza dell’album, tutto si è sviluppato attorno a “Voices”, è elettronica, ha delle forti vibrazioni dance, da lì ho capito che avevo questo bisogno di tornare ad esplorare il mondo del clubbing.

L’album ha due anime, una più dance pop che si lascia cantare e una da after più strumentale che ti fa perdere completamente nella musica. “8 Ball” è il pezzo dove comincia questa incursione nel clubbing, la prima volta che l’ho ascoltata mi ha ricordato i The Chemical Brother di un tempo…

Wow! Grazie, è un bellissimo complimento, sai fare dischi come solista mi permette di sperimentare di più, di spingermi oltre, volevo che le persone potessero cantare e ballare alcuni pezzi ma allo stesso tempo sono un grande fan della prog music. Amo il rock che ti fa intraprendere un viaggio ed ho cercato di incorporarlo nella seconda metà del disco.

Anche se è un disco dance penso che sia molto facile capirne l’influenza prog, e i The Chemical Brothers hanno questa influenza, non dimenticherò mai la prima volta che ho ascoltato “Dig Your Own Hole” nel ’97.

“Too Much Music” è il singolo che ha aperto questa nuova era, il titolo ti porta in una direzione ma in realtà il significato è l’opposto…

Ahahahah! E’ divertente perché i titoli delle mie canzoni nascono da quello che sento in giro, da una conversazione che ho fatto o origliato, avevo quel titolo nel cassetto da tempo! “Too Much Music” è una delle canzoni che preferisco in assoluto.

Parlami del video un po’ alla Quentin Tarantino, ha un twist in contrasto con i ritmi del brano, chi lo ha diretto?

Lo ha diretto Calum Macdiarmid, ma sai che per me girare i video è una tortura?… Mi sento sempre in imbarazzo!

Ma come… sembri sempre così a tuo agio!

Non so perché, è sempre stato così, lo trovo umiliante… so che posso salire su un palco per esibirmi di fronte ad un’arena gremita di gente, ma se mi metti in una stanza con regista, cameraman, luci a fare il lip synch è una cosa che mi porta fuori dalla mia comfort zone e non mi piace. Mi fa sentire stupido.

Abbiamo parlato di Kylie e del vostro legame speciale, ma cosa mi dici degli altri guest del disco?

Quando mi sono messo a lavoro sul disco, ho capito che mi sarebbe piaciuto fare un passo indietro in alcuni pezzi e lasciare spazio ad altri artisti.

Amber Martin è una delle mie più care e storiche amiche, è una performer incredibile, avevo il demo del pezzo ma non mi sentivo di cantarla io, durante una giornata piovosa a New Orleans mi ha detto che le sarebbe piaciuto che le scrivessi un pezzo.

Così ho subito pensato a quel demo che è diventato “Devil Came Down the Dancefloor”. L’abbiamo registrata il giorno stesso nel mio salotto e la canzone ha preso subito vita, sembrava fatta apposta per la sua voce.

Big Freedia è un’altra icona di New Orleans oltre ad essere un’incredibile performer, avevamo già scritto insieme delle canzoni per lei, e un giorno a casa mia è nata “Radio Eyes”.

In futuro mi piacerebbe poter pubblicare canzoni a mio nome ma cantate da altri artisti.

Amo scrivere canzoni, per altri, per i musical, non è importante per me essere al centro, non ho quel tipo di ego, mi importa solo fare bella musica.

Hai dichiarato: “quest’album è per quelli che restano”, cosa intendi?

Per gli irriducibili, per chi lascia il party per ultimo.

Il mio momento preferito della serata è quando se ne sono andati quasi via tutti ma la musica continua a pulsare, e sono rimaste non so, solo sette persone che si stanno davvero godendo la musica lasciandosi trasportare da essa.

Questo album parla davvero degli ultimi che abbandonano il dance floor. A New Orleans adoro fare party a casa mia dove faccio il dj, mi piace far divertire gli altri, lasciargli un bel ricordo, vedere che si divertono. Penso di essere bravo come intrattenitore sia in casa che su un palco.

Sei d’accordo se dico che “Last Man Dancing” è un album queer che fa ballare gli etero?

Si!!! Se vai a ballare in un gay club ascolterai sicuramente le hit delle donne del pop. Ho sicuramente un seguito gay ma credo che gli uomini gay siano più interessati alle loro dive e io non sono una di loro. Ma è ok perché credo che la mia musica sia per tutti!

Inoltre questo album non è per tutti, quando arrivi alla fine ne capisci l’intensità, so che è molto, è heavy, è rumoroso, ma se trovi difficile la fine potrai goderti il pop dell’inizio, è un album che può accontentare tutti.

Da sempre sei un ambasciatore dei diritti lgbtq+, in Italia l’estrema destra è al governo e a loro non importa dei nostri diritti, non abbiamo una legge che ci possa proteggere, non abbiamo un matrimonio paritario, è un momento spaventoso e non sappiamo cosa verrà dopo, siamo abbandonati a noi stessi… hai un suggerimento?

Credo che la lotta per i nostri diritti non finirà mai, cambierà e si evolverà ma è come il gioco della talpa, hai presente il gioco del luna park in cui devi schiacciare con un martello la talpa ma ne salta fuori subito un’altra? Ecco sarà sempre così, ci sarà sempre qualcosa per cui combattere in ambito diritti.

Tornare dall’Inghilterra all’America non è stato facile perché non è messa molto meglio con le leggi che stanno approvando a sfavore della comunità LGBTQ+.

New Orleans non è una città sicura, è la città con il più alto numero di armi, è la capitale degli omicidi, e fa paura. Credo che sia importante per noi trovare cosa ci rende felici nel nostro spazio sicuro, senza dare mai nulla per scontato.

Perché ti sei trasferito proprio a New Orleans?

Perché ho sempre avvertito una forte connessione con la musica del luogo. Suonando a New Orleans con gli Scissor Sisters mi sono reso conto che tutte le mie referenze musicali vengono da lì e mi sono innamorato con la storia della città e delle sue persone.

C’è una felicità e una gioia a New Orleans che non ho mai visto da nessun’altra parte. E’ un luogo meraviglioso con cui mi sento fortemente connesso e voglio che faccia parte della mia vita per sempre.

Cosa ti rende felice?

Fare il dj per me stesso o ad un house party, i videogame, una pila di buoni libri e guardare film. I cani mi rendono felice, ho perso il mio cane da poco è stato devastante, se vedo un cane per strada non posso non accarezzarlo. E l’amore mi rende felice! Anche se allo stesso tempo può devastarmi.

Cosa ti fa sentire sexy?

Allenarmi. Mi deprimo facilmente quindi allenarmi e prendermi cura di me stesso mi fanno sentire bene. E se sono di buon umore quando faccio gli esercizi mi sento anche sexy! Anche un taglio di capelli nuovo mi fa sentire sexy.

Il prossimo 18 giugno sarai sul palco di Firenze Rock, cosa dobbiamo aspettarci?

Sono super eccitato all’idea di suonare a Firenze! Sarà super divertente e spero di darvi una buona performance perché so che vi piaccia o meno ma alla fine mi amerete.

Parlando di dj set, qual è la canzone che ti piace di più suonare al momento?

Oh mio Dio! Ce ne sono così tante… c’è una canzone dance di cui sono ossessionato al momento si chiama “Pepper Labejia” di Jennifer Cardini.

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Katie Gavin (cantante/produttrice), Naomi McPherson (produttrice/chitarrista/synths/voce), e Josette Maskin (chitarra/voce), sono le MUNA, che hanno appena pubblicato il loro terzo album omomino per la Saddest Factory, l’etichetta di Phoebe Bridgers. La loro precedente label le ha scaricate in pieno lockdown e questo le ha portate a mettersi in discussione creando “MUNA” un inno alla gioia di essere queer, l’album che loro stesse avrebbero voluto ascoltare da giovani per sentirsi meno sole, sapendo che lì fuori c’è una comunità pronta ad accoglierti, anche se vivi nel posto più sperduto al mondo.

MUNA è un album vivace ma anche intimo, che si spoglia di quell’alone dark che ha contraddistinto i primi due album (“About You” 2017 e “Saved the World” 2019), ma con un messaggio ancora più forte e diretto, perché dopo due anni di clausura forzata abbiamo tutti voglia di tornare a cantare, sudare e ballare ricordando al mondo chi siamo! Le abbiamo incontarte via Zoom: 

Ciao Muna, come state, dove siete?

Naomi: Bene, siamo a Los Angeles, anche se ti stiamo rispondendo ognuna da una stanza diferente! (Ridacchia…) Ognuna ha la sua routine mettutina, viviamo nell’east side di L.A. e si preannuncia una giornata rovente!

Come vi siete approcciate al nuovo album?

Naomi: Onestamente lavoriamo sulla musica sempre, come abbiamo del tempo libero ci mettiamo a suonare a prescindere dall’uscita di un album o altro, è come una necessità.

Per questo nel nuovo album ci sono canzoni che abbiamo cominciato a scrivere subito dopo il nostro secondo album, quindi nel 2019, e altre che abbiamo scritto due settimane prima di chiudere il disco, ma diciamo che abbiamo sempre materiale da cui attingere. Non credo che ci siamo avvicinate al disco in modo diverso, volevamo essere sicure di avere delle canzoni buone, le più buone possibili, cercando poi di farle funzionare come un unico corpo di lavoro.

Molto spesso il disco prende forma dopo che abbiamo un quantitativo di canzoni di cui siamo completamente soddisfatte tra cui scegliere, e così cominciamo a scrivere i testi per dare il senso che vogliamo al disco.

Siete state scaricate dalla vostra etichetta (La RCA ndg) durante la pandemia, è una cosa terribile… anche se ora avete firmato per la Saddest Factory, etichetta fondata da Phoebe Bridgers. Mi raccontate com è andata?

Naomi: E’ stato terribile, anche se ora non portiamo rancore, le persone con cui abbiamo lavorato sono fantastiche, è successo all’inizio della pandemia, non potevamo andare in tour e tanto meno potevamo pensare di metterci a fare un nuovo album. 

Jo: Credo che per la label sia stata solo una decisione finanziaria, ma siamo ok, lo capiamo, avevamo anche dei dubbi su ciò che l’etichetta si aspettava da noi e dalla nostra nuova musica.

Essendo in tre e avendo materiale a disposizione, come gestite la scaletta del disco, ascoltandolo mi sembra una sorta di viaggio emozionale, era il vostro intento?

Katie: Abbiamo sempre idee diverse per quanto riguarda la tracklist, facciamo liste diverse e sì, per quanto mi riguarda all’inizio volevo dare al disco un senso narrativo per raccontare una storia, ma in realtà alcune delle canzoni che avevamo scelto erano contraddittorie per seguire una linearità. Alla fine abbiamo scelto le canzoni per far vivere un’esperienza a chi le ascolta, tramite mood e sonorità differenti. 

Naomi: Abbiamo scelto le canzoni che ci facevano sentire meglio ascoltandole. 

Avete esplorato di più il lato della produzione in questo album, siete d’accordo?

Katie: Assolutamente! Fare musica in questo periodo senza tour e chiusi in casa ci ha dato più confidenza, alla fine abbiamo capito che solo noi potevamo chiudere questo lavoro e nessun altro. Così abbiamo deciso di lavorare al disco sotto ogni aspetto, ci siamo messe ad imparare nuove tecniche per poterlo fare. Durante il processo di questo disco mi sono sentita molto più confidente come produttrice e anche come musicista. 

Considerate “Muna” un album estivo? Ti fa venir voglia di cantare, urlare, pensare e di tornare a ballare! La prima canzone che mi viene in mente è “What I Want” un pezzo che mi trasmette euforia.

Naomi: Grazie, quella è una canzone davvero speciale per noi, è il nostro nuovo singolo. Ricordo che Katie ha lavorato alla produzione via Zoom con Lealand, che è un nostro caro amico e ricordo che quando è arrivato il pezzo finito, ervamo in macchina e abbiamo tutte urlato: “Questa sarà una hit!”.

Ci siamo divertite molto a scrivere “What I Want” e speriamo che tutti la ballino quest’estate perché sono felici di essere gay, e hanno voglia di fare festa!

A proposito della comunità LGBTQ+, so che il primo singolo estratto dal disco “Pink Chiffon” che vede la partecipazione di Phoebe Bridgers è diventato un gay indie-op anthem, divenuto virale su TikTok, me ne parlate? Anche il video ispirato al film degli anni ’90 “But I’m a Cheerleader” è divertente.

Katie: Sai quando sei un artista queer, guardi il lavoro dei tuoi predecessori e cerchi di trovare la strada per essere te stesso, ci piace prendere cose degli anni passati e dargli un contesto diverso, il film “But I’m a Cheerleader” è una commedia che comprene anche la comunità lgbtq+ fu una scelta tagliente all’epoca. 

E’ stato molto divertente per noi girare il video con un gruppo di persone queer a L.A. è importante divertirsi sul set. Spesso scriviamo musica dark, dunque è stato stimolante esplorare qualcosa di più luminoso e colorato. Questa canzone ha un potere saffico. Per quanto riguarda TikTok non ce lo aspettavamo per niente! Siamo contente che una canzone gioiosa che parla della felicità di essere queer sia diventata così popolare.

In questi giorni si parla molto degli artisti forzati dalle loro etichette a fare TikTok, cosa ne pensate?

Katie: Che fortunatamente non dobbiamo preoccuparci troppo di questo aspetto! So che molte persone sono attratte da chi sarà la “next big thing” che farà far soldi a chi lavora nella musica, ma è diventato qualcosa di malleabile che cambia di anno in anno, oggi è TikTok, che per altro amo, mi piace guardare i video e credo che le canzoni che diventano virali su TikTok siano valide. Chi ottiene successo tramite questa piattaforma di base se lo merita, ma credo anche che quello che sta dietro a questo medium non sia così divertente come per chi lo usa. Va visto solo per farsi una risata e finisce lì. Non va preso troppo sul serio.

Penso che i vostri testi siano sinceri, diretti e coraggiosi, e che possono aiutare i ragazzi che si sentono soli e che hanno problemi ad accettarsi o a fare coming out. Avete mai pensato alle vostre canzoni in questo modo?

Katie: È il nostro traguardo.

Naomi: È facile per noi avere una certa prospettiva su una canzone perché siamo un trio quindi, quando Katie ci manda una canzone, io e Jo cerchiamo di analizzare come ci fa sentire, come se fosse un test preliminare sul pubblico che l’ascolterà. 

Sarebbe stato incredibile vedere uno dei nostri video su MTV quando ero una ragazzina, o ascoltarla alla radio, e vedere persone queer come me, felici e con una vita normale.

La cover del disco ha un’ispirazione molto anni ’90. cosa vi ha portato in questa direzione stilistica?

Katie: Grazie per questa domanda, ci tengo, Siamo della 90’s babies, siamo nate in quegli anni, quindi abbiamo messo un po’ di nostalgia retrò nella cover, omaggiando anche quegli album che ci piacevano da ragazzine come tutto il filone indie di donne portato avanti da Lilith Fair.

Trovo i film, la muisca, l’immaginario di quegli anni molto accattivante. Amiamo fare moodboard, quando dobbiamo scattare la cover parliamo molto con il fotografo, in questo caso Isaac che è un nostro caro amico, e cominciamo a scambiarci foto che ci piacciono, finche non troviamo il modo giusto per rappresentare le canzoni che abitano il disco.

Credo che le nuove canzoni abitino in un mondo pop anni ’90 quindi tutto tornava, non sto dicendo che considero questo album un disco anni ’90, anzi ci sono molte canzoni moderne, ma se ci pensi gli anni ’90 sono stata l’ultima decade analogica, si scattava in pellicola e non c’erano gli smartphone.

^{_{Muna “MUNA” (Saddest Factory)}}

Mi dite qualche altro nome di artiste anni ’90 di cui siete fan?

Katie: Ce ne sono molte! Tracy Chapman, Alanis Morisette, Sinead O’Connor, The Cranberries, Sade.

E dove lasci la trilogia Pj Harvey, Tori Amos e Bjork?

Katie: Amiamo Bjork! Io sono una fan del periodo “Vespertine” ma la amo fottutamente e Robyn! La amiamo! Così come amiamo le grandi hit di quegli anni, come quelle dei Backstreet Boys che Jo andrà a vedere questa sera dal vivo. Siamo amanti della musica alla fine e amiamo tanti generi diversi.

Quando tornerete in tour in Europa?

Katie: Spero presto! Nel 2017 la nostra ultima data del tour fu a Milano, è stato magico, abbiamo allungato il nostro viaggio in Italia ed è stato un viaggio bellissimo.

Prima di salutarci, l’ultimo album di cui vi siete innamorate:

“Absolutely” di Djion e “Crash” di Charli XCX

L'articolo MUNA: The Queerest of the Queer proviene da Toh! Magazine.

Ecco 5 artisti queer che sono passati dalle pagine di TOH! magazine e che da sempre portano alta la bandiera combattendo per difendere la loro e le nostre identità:

Kat Cunning

Balla, recita, scrive e ora canta. Kat Cunning è la popstar non-binary che dopo aver recitato al fianco di James Franco e J.Lo, cerca di educare il mondo del pop alle tematiche queer con Boys, canzone tributo all’identità transgender. 

Forse non conoscete ancora la sua musica ma avrete sicuramente visto Kat Cunning dallo schermo di qualche vostro device, soprattutto se siete dipendenti dalle serie. 

Ha recitato in The Douce – Le vie del Porno, prodotto da HBO al fianco di James Franco e Maggie Gyllenhaal, nella serie tv Trinkets di Netflix, e tra poco sarà sul grande schermo in Marry Me dove interpreterà l’assistente di J.Lo.

Oggi Kat Cunning sta aspettando di pubblicare l’ EP di debutto, Idol Hands, anticipato dal singolo Boys, un lavoro autobiografico che racconta storie vere che servono a far aprire gli occhi sul mondo LGBTQIA+ o ad aiutare giovani persone queer in difficoltà, come a creare una safe zone. Leggi qui cosa ci ha raccontato.

Vergo Queer Music

Vergo, all’anagrafe Giuseppe Piscitello, dopo l’avventura a Xfactor 2020 è uscito con un nuovo singolo che si chiama Altrove, dove il suo beat sexy unito alla voce carismatica e alla teatralità dei suoi gesti si incontrano in una canzone dal sapore latino.

Cresciuto a Villabate, paese ai piedi di Palermo, da sempre Vergo è circondato dalla musica, orientato dagli ascolti più vari e coloriti.

Vergo, nelle sue canzoni, invita se stesso e chi lo ascolta a liberarsi dalla paura del giudizio altrui, a sciogliere le catene lasciandosi andare completamente al ritmo caldo di un reggaeton romantico e mediterraneo. Queer Music

Leggi qui la nostra intervista

Arlo Parks queer music

Dal Guccifest in veste d’attrice, al suo esordio discografico “Collapsed In Sunbeams” che ha vinto il Mercury Music Prize 2021. Si dice che Arlo Parks, londinese di Hammersmith, sarà tra le rivelazioni dell’anno. Lo penso anche io e ne sono ancor più convinto dopo averla intervistata.

Canzoni come poesie, sussurrate, intime e scritte col cuore a mente libera, con una delicatezza che non si sentiva da tempo nel pop. Da un po’ si parla di Arlo Parks, da quando nel 2018 uscì il suo primo brano Cola, con cui attirò subito l’attenzione. 

A questo aggiungiamoci il suo carattere deciso, la sua bisessualità dichiarata, e il suo essere cool senza nessuno sforzo. Non ha caso è stata voluta da Alessandro Michele in un episodio del Guccifest e poi in veste di regista per un corto della sua maison.

Collapsed In Sunbeams è l’esordio di Anaïs Oluwatoyin Estelle Marinho in arte Arlo Parks, classe 2000, clicca qui per sapere cosa ci ha raccontato in merito.

Voodoo Kid queer music

Credo che dualità sia la parola che ha più accompagnato questa intervista con Voodoo Kid: il bene e il male, maschio e femmina neutralmente racchiusi nella parola Kid e testi che immortalano un malessere molto personale e la voglia sia di accoglierlo che di evaderlo. Amor, Requiem è stato sicuramente uno dei dischi italiani del 2020, quindi se non conoscete Voodoo Kid correte a rimediare. 

Ma prima leggete la nostra intervista qui.

David Blank

David Blank è uno tra i pochi artisti italiani ad avere una voce e un attitude da star internazionale. 

Nato nelle Marche, ha viaggiato per il mondo prima di arrivare a Milano dove il suo talento ha incantato anche la Disney che l’ha voluto per la colonna sonora del film Premio Oscar “Soul”. 

L’abbiamo intervistato in occasione del suo nuovo ep Exhale, clicca qui

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