Non l’evidenza, ma ciò che vibra sotto la superficie: uno sguardo che trattiene, un gesto che esita, un corpo che non osa esporsi del tutto. Per Pedro Bon ogni volto è un autoritratto inconscio, un frammento della sua interiorità trasferito su un’altra pelle.

In un tempo che espone tutto, Pedro Bon sceglie ciò che resta taciuto.

I ritratti di Pedro Bon— sospesi tra compiuto e incompiuto — parlano una lingua che precede le parole.

I tuoi titoli — Los Irrompibles, Te Olvidaste, Cosmos, Hurt — sembrano evocare narrazioni intime. Il titolo nasce prima o dopo l’immagine?

Sempre dopo. Il titolo è una conseguenza, mai un punto di partenza. Arriva quando il dipinto ha già trovato la sua voce. È il tentativo di nominare una sensazione appena emersa.

Spesso mi affido alla musica: prendo in prestito titoli da canzoni che, per atmosfera o intensità, risuonano con l’opera. Non potrei fare il contrario.

È l’immagine che impone il titolo, non viceversa.

Il ritratto, per te, è indagine psicologica o dialogo con lo spettatore?

Nasce da un’urgenza personale. Dipingo emozioni che prendono forma in uno sguardo, in un gesto minimo, nella vibrazione della pelle.

Il dialogo con chi osserva mi interessa molto: a volte emergono letture che non avevo previsto. Ma l’origine resta intima. Il mio umore, il momento che sto vivendo, determinano l’opera. In fondo, sono tutti autoritratti inconsci: modi diversi di parlare di me attraverso qualcun altro.

Cosa significa, per te, catturare l’invisibile?

È l’unica cosa che conta. Limitarmi ai tratti fisici renderebbe il dipinto vuoto.

L’invisibile è ciò che si percepisce ma non si vede: desiderio, malinconia, una tristezza sommersa. Sono tensioni sottili, ma sono quelle che danno peso all’immagine.

Quanto del tuo mondo interiore entra nei tuoi lavori?

Tutto. Anche se non lo sapevo all’inizio.

Sono stati gli altri a farmelo notare: nei volti che dipingo c’è sempre qualcosa di me.

Non credo di poter rappresentare un’emozione che non abbia vissuto.

La pittura è diventata il mio linguaggio, il luogo in cui riesco a dire ciò che a parole non riesco a formulare.

Il desiderio è ispirazione, confessione o timore?

È ispirazione, ma soprattutto confessione.

Mi interessa un desiderio trattenuto, un omoerotismo sottile che non si impone allo sguardo. Preferisco la tensione all’evidenza. Quello spazio ambiguo in cui lo spettatore completa ciò che io suggerisco.

Se potessi trasmettere un solo messaggio attraverso il desiderio, quale sarebbe?

Complicità.

Quel momento elettrico in cui due sguardi si incontrano e sanno, senza bisogno di parole, di condividere lo stesso pensiero.

Che colore ha, per te, l’intimità?

Il colore della pelle. Ma non come superficie uniforme: come territorio complesso.

Verdi, blu, rossori improvvisi. Zone in cui sembra di sentire il sangue pulsare. L’intimità è fatta di sfumature, non di tonalità piatte.

Qual è la parte più autentica di un tuo ritratto?

Forse ciò che resta incompiuto.

Fatico a capire quando fermarmi. La mia impazienza lascia sempre zone irrisolte. Paradossalmente, sono proprio quelle a parlare di più di me.

Nei tuoi lavori il corpo interrompe il silenzio visivo. Che rapporto hai con il tuo?

Accettarmi è stato un processo lento.

Forse per questo dipingo corpi idealizzati: costruisco sulla tela una fisicità che non ho mai avuto. È un gesto di proiezione, ma anche di desiderio.

Quando inizi un ritratto, cerchi la somiglianza o la verità?

Nelle commissioni cerco la somiglianza: è ciò che viene richiesto.

Nel lavoro personale, invece, la somiglianza è solo un punto di partenza. Mi interessa amplificare ciò che sento potente, accentuare una tensione, spostare l’equilibrio.

Non voglio una copia: voglio un peso emotivo.

La domanda che nessuno ti ha fatto?

“Cosa provi quando vendi un’opera sapendo che potresti non rivederla mai più?”

È una separazione silenziosa. E non è mai del tutto indolore.

Ti mette più a disagio essere guardato o essere capito?

Essere guardato.

Non essere capito non mi spaventa. Ma stare al centro dell’attenzione sì. Il mio corpo lo tradisce subito: l’espressione cambia, mi irrigidisco. La timidezza è ancora lì.

È più erotico trattenere che mostrare?

Sì.

L’erotismo vive nell’immaginazione. Nel non detto. Quando trattieni, crei uno spazio che l’altro deve colmare. E spesso gli spettatori vedono nei miei lavori un’intensità erotica che io stesso, mentre dipingo, non misuro fino in fondo.

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Non male per uno spettacolo che prende in giro Dio, la fede e il politically correct con un’ironia talmente feroce da risultare… quasi divina.

Creato dai padri di South Park, Trey Parker e Matt Stone, insieme a Robert Lopez (l’unico uomo al mondo con due EGOT all’attivo – Emmy, Grammy, Oscar e Tony, due volte ciascuno), The Book of Mormon è la prova che il musical può essere allo stesso tempo osceno, sofisticato e persino tenero. Debuttato a Broadway nel 2011, lo spettacolo ha vinto nove Tony Awards, quattro Olivier Awards, un Grammy e ha registrato record di incassi da New York a Londra, da Melbourne a Sydney.

Ma di che parla The Book of Mormon, finalmente in arrivo nella sua versione originale sottotitolata in italiano? 

 Due giovani missionari mormoni, pieni di entusiasmo e di buone intenzioni, vengono spediti in un remoto villaggio dell’Uganda per convertire gli abitanti. Quello che troveranno è tutt’altro che un campo estivo spirituale. Povertà, malattie, un signore della guerra che minaccia mutilazioni genitali e una canzone – Hasa Diga Eebowai – che suona come un inno disneyano ma significa… qualcosa che non si può dire in chiesa.

Eppure, tra parolacce e bestemmie, The Book of Mormon riesce a raccontare una storia di amicizia, crescita e fede – o meglio, di quanto sia umano cercarla anche quando non ha senso. È un inno alla libertà di ridere di tutto, anche (e soprattutto) di ciò che ci spaventa.

Ma davvero The Book of Mormon é Il musical più blasfemo e più premiato della storia?

Il successo è stato immediato. Nessun boicottaggio, nessuna protesta religiosa: anzi, la Chiesa dei Santi degli Ultimi Giorni ha colto la palla al balzo e ha comprato spazi pubblicitari nel programma ufficiale dello spettacolo. Il messaggio? “Hai visto il musical. Ora leggi il libro.” Quando anche i mormoni si divertono a farsi prendere in giro, vuol dire che hai fatto centro.

Dietro le quinte, un team creativo da urlo: Casey Nicholaw (regia e coreografie), Scott Pask (scene), Ann Roth (costumi, premio Oscar), Brian MacDevitt (luci), Brian Ronan (suono) e Stephen Oremus (supervisione musicale).

The Book of Mormon é il musical che sa ridere della fede e di noi stessi

«Ridere dei mormoni era solo l’inizio», ha raccontato Matt Stone. «La risata è il modo migliore per abbattere le difese delle persone e raccontare una storia più grande.» Una storia che, in fondo, parla di noi: delle nostre illusioni, della nostra fede nel progresso, dei nostri buoni propositi che finiscono sempre un po’ storti.

In un’epoca in cui tutti si offendono per qualcosa, The Book of Mormon resta un miracolo teatrale: riesce a scandalizzare tutti senza far arrabbiare nessuno.

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In calendario? Solo 15 sfilate. Tra debutti incerti, ritorni dimenticabili e conferme che sanno di muffa, Milano si è fatta scavalcare pure da Firenze. Ma procediamo con ordine, che almeno qui abbiamo ancora senso critico.

Setchu apre le danze. Satoshi Kuwata, dopo il Pitti di gennaio, decide di esordire a Milano con la sua “trasformabilità sartoriale funzionale”, un’idea ambiziosa e teoricamente interessante.

Il lavoro di Satoshi Kuwata, fondatore di Setchu e vincitore del LVMH Prize 2023, è sempre stato orientato alla sintesi tra culture e tecniche. Il termine “Setchu” – che in giapponese significa “fusione di elementi opposti” – è già tutto un programma. Nella collezione ss26 questo concetto si fa ancora più radicale: la collezione smonta, spezza, scompone, riassembla.

La destrutturazione non è solo un gesto formale, è il modo con cui Kuwata riflette sull’identità dell’uomo contemporaneo.

Molto interessante il lavoro su alcuni pezzi creati insieme ad artigiani locali (la sfilata voleva essere un punto di incontro tra Africa e Giappone) ma in toto la collezione non spicca il volo nonostante le intenzioni di volare alto fossero tante. Ma hey, questo brand fuori dal sistema non è ancora conosciuto, quindi può ancora permettersi il lusso dell’errore. Goditelo finché dura, Satoshi.

Alessandro Dell’Acqua con la sua N21 non sfila ma presenta la sua collezione maschile offrendo una sorta di antidoto alla confusione (creativa, sociale e politica) attraverso una collezione che evita qualsiasi tipo di concetto astratto (Alessandro sa bene che a quelli della moda piace tantissimo buttare fumo negli occhi quando non hanno niente da dire) affidandosi alla sicurezza della sua visione e della sua estetica con un tocco di leggerezza in piú.

Cosí ecco gli elementi essenziali del guardaroba che pur apparendo semplici non risultano mai banali come non risulta banale la nuova idea di composizione: gli anorak e le camicie con lo stesso tessuto di cotone a righe, i giubbotti con i tessuti uguali ai pantaloncini e alla camicia e la borsa unisex Cabiria.

MSGM MA PER FAVORE: il brand italiano, (prossimo al fallimento?), organizza la presentazione della nuova collezione nella boutique sempre vuota di Via Broletto. Per farla breve Giorgetti, che si é scoperto appassionato di mountain bike, ha preso le foto scattate con il suo iphone durante queste passeggiate adrenaliniche e le ha stampate su tutto quello che gli capitava sotto mano. Che genio, che bravo, che paraculo. 

Fiorucci, sotto la direzione di Francesca Murri, continua a sanguinare. Una collezione che sembra il risultato di un laboratorio creativo per bambini bendati. Meglio della scorsa? Sì. Ma solo perché quella alla Triennale sembrava un attacco personale al buon gusto. Look da cartoon, pois, Minnie, angioletti: un patchwork visivo al limite dell’involontario dadaismo. L’ironia di Elio Fiorucci c’era, ma stavolta piange.

Vivienne Westwood torna a Milano per presentare la collezione maschile (non lo faceva dal 2017) e anche Andreas Kronthaler sceglie la strada come location, nello specifico un bar vicino San Babila. Il mood è quello di un dandy di oggi: tutto è all’insegna dell’estate: ci sono la canapa leggera e il morbido tweed, il suede pregiato, i cotoni a righe vivaci, il popeline lavato e stampato, i fiorellini delicati disegnati a inchiostro dall’artista Dominic Myatt.

L’eleganza senza tempo della sartoria inglese e il “raffinato non so che milanese” che vuol dire tutto e non vuol dire niente. Le scarpe esageratamente alte, simili a quelle che fecero ribaltare Naomi Campbell, non stavano bene a nessuno dei modelli e non staranno bene nemmeno alle drag queen di Milano che le riceveranno in omaggio dal brand in cambio di qualche stories accompagnata dall’hashtag #suppliedby. Quando si dice Punk Capitalista!

Ma d’altronde come recita il comunicato stampa “Quando un uomo ha stile, significa molto. Non ha nulla a che fare con la moda, è tutta una questione di stile.” Ma quale? 

Anche Paul Smith ritorna a Milano e fa il suo. Come sempre, sempre bene. 

Lo stesso succede da Emporio e da Giorgio Armani senza Mr. Armani a prendere gli applausi alla fine dello show, al suo posto Leo Dell’Orco, da troppo tempo dietro le quinte, da un twist leggero ma significativo ad entrambi le collezioni. 

Domenico Dolce e Stefano Gabbana hanno pensato alla pigiameria sartoriale, ok! Ma non rendiamola più noiosa di così.

Un po’ meglio Simon Cracker, il Margiela wanna be, che con la sua collezione riciclata porta in scena una proposta ricca di dettagli invitando il consumatore finale a non guardarsi indietro poiché é la direzione sbagliata. 

Bravissimo Magliano, l’unico italiano da tenere in considerazione, che anziché sfilare proietta un piccolo film chiamato Maglianic, schiacciando l’occhio a Titanic, infatti la collezione viaggia su un traghetto e si sviluppa attorno al tema del workwear, reinterpretato in chiave contemporanea e futurista.

Il concetto di retrofuturismo utilitario diventa il cuore del progetto stilistico: una fusione tra la tradizione dell’abbigliamento da lavoro, con le sue divise e uniformi cariche di storia, e l’innovazione di un futuro che richiede funzionalità, comfort e sostenibilità (che si possono permettere forse in tre, visti i prezzi che manco Hermès)

Nel corto, i protagonisti non sono persone comuni, ma i look stessi: zaini da trekking robusti, capispalla tecnici, gilet stratificati, camicie essenziali, scarpe antinfortunistiche e modelli da calcetto progettati in collaborazione con Veja, brand noto per la sua attenzione all’etica e all’ambiente. Ogni pezzo è pensato come una “tenda per corpi senza riposo”, una protezione per chi vive in un mondo instabile e sempre in movimento.

Le stampe e i lunghi cappotti che avvolgono le silhouette sono anche qui un chiaro riferimento al lavoro, ma anche alla dignità e alla classe di chi lo compie. Nelle mani e nella mente di Luca, la moda non è solo estetica, ma diventa un messaggio etico forte: un tributo ai lavoratori e a chi si impegna ogni giorno, un modo per raccontare la realtà con rispetto e sensibilità.

(Ma tanto la maggior parte di voi che leggerete queste review, non é andata a votare l’ultimo referendum che riguardava anche il lavoro, quindi non potete capire di che parlo io e di cosa parla la collezione). 

E poi c’é Prada che per la prossima stagione riflette sul discorso che vogliamo andare in vacanza ma non riusciamo a staccarci dal lavoro. E quindi Miuccia e il suo badante Raf forniscono una collezione leggera e apparentemente semplice ma carica di significato. 

In passerella tessuti femminili, richiami all’abbigliamento da spiaggia, mocassini tagliati che rivelano le dita e borse da viaggio ripescate dall’archivio ma in colori nuovi.

A completare la collezione trench da ufficio leggerissimi ma rigorosi e cappelli della collezione femminile del 2005 rivisitati. Raf Simons, ancora incerto sul suo ruolo, piazza spille a caso per ricordarci che esiste. Ah Se vi state chiedendo se la scenografia avesse significato la risposta é no, non ne ha, se non un ricordo della collezione donna 2013 tramutata in tappeti acquistabili su Sklum. 

Insomma, dopo anni e anni in cui i brand facevano a gara per lo storytelling migliore, per l’influencer piú quotato e collezioni prive di qualità ma piene di sensazionalismi oggi la moda (a parte qualche eccezione) non vuole parlare piú di cosa succede nel mondo, di cosa realmente vogliono i consumatori e di essere avanti rispetto alla realtá ma vuole fare solo vestiti che nella maggior parte delle volte non arriveranno nemmeno in boutique. 

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Filippo de Pisis and Robert Mapplethorpe.
A Distant Conversation
Dario Cimorelli Editore, 2024

Una storia di affinità elettive, dialogo a distanza tra due artisti che non si sono mai incontrati. Robert Mapplethorpe, caposaldo di ogni storia dell’arte queer, incontra lo sguardo di Filippo De Pisis e ci si chiede perché nessuno ci avesse pensato prima. 

Malgrado la tensione omoerotica che attraversa molti suoi lavori, De Pisis non si dichiarò mai gay, e considerata l’epoca, è comprensibile. Nelle sue opere si intrecciano desiderio, repressione e moralità, ma la lettura in chiave lirica del suo lavoro tende talvolta a stendere un velo uniforme sulle sue specificità, impedendoci una visione più lucida, più radicale. 

Radicale rimane invece, ancora oggi, Mapplethorpe. Emblematica la sua mostra del giugno 1989 a Washington, celebre proprio perchè non ebbe mai luogo: le accuse di oscenità mosse dal governo portarono a una cancellazione repentina, seguita da una protesta memorabile, con alcune delle fotografie censurate proiettate sulla facciata del museo stesso.

In questo volume, per la prima volta, le nature morte, i nudini arcadici e le allusioni gentili del Marchesino pittore si rispecchiano nello sguardo tagliente del fotografo, suggerendo sottotesti inattesi e nuove possibilità di lettura. Un bellissimo invito a guardare diversamente ciò che si crede di conoscere già.

^{dariocimorellieditore.it}

Physique
di Vince Aletti
Mack / SPBH Editions, 2025

Un volume che raccoglie una raccolta di fotografie ‘physique’ può suonare interessante, ma non necessariamente imperdibile. A meno che a proporlo non sia Vince Aletti: critico, curatore, collezionista e voce autorevole quando si tratta di fotografia o ‘printed matter’. Del resto, vivere in un appartamento con diecimila (non è un’iperbole) libri e riviste conferisce una certa autorità.

Con 250 fotografie tratte dalla sua collezione privata che spaziano dagli anni Trenta agli anni Sessanta, Physique riporta alla luce un capitolo dimenticato della cultura gay americana, in cui l’immagine stampata non era solo oggetto di desiderio, ma anche connessione silenziosa in un tempo segnato dalla censura e dalla paura.

Un atlante visivo che individua le coordinate del punto zero dell’omoerotismo, e che ha aperto la strada a tutti gli Abercrombie, i Men’s Health e i “menswear fashion magazine” a venire.

Per chi ama andare dritto al punto, Physique è disponibile anche in una ‘Naugthy Edition’ in edizione limitata, firmata e numerata, ma disponibile soltanto online.

^mackbooks.eu

Tola Soungouroff
di Sylvain Bourdoux
Hors Champ, 2024

Hors Champ è una casa editrice indipendente francese il cui obiettivo è riportare alla luce storie ai margini della cultura omosessuale, per “preservare la memoria di mondi scomparsi o prossimi a scomparire”. Lo fa pubblicando monografie di artisti minacciati dall’oblio per il loro rifiuto delle convenzioni e biografie di figure spesso considerate marginali, ma tutt’altro che secondarie.

È grazie a Hors Champ, dunque, se oggi possiamo sfogliare le monografie dedicate a Jean-Daniel Cadinot, fotografo e regista ‘porno vintage’; al pittore fotorealista Jacques Sultana; o ancora al dimenticato disegnatore Paul Smara. 

L’ultima uscita è il volume dedicato a Anatola Soungouroff (1911-1982), artista fuggito dalla Rivoluzione russa e rifugiatosi nella Parigi degli anni Venti per poi approdare in Costa Azzurra, centro di gravità del suo ideale di giovinezza immortale. Marinai e legionari in licenza, acrobati e mendicanti, gitani e teppistelli di strada sfilarono per oltre quarant’anni sulle sue tele, in una continua interrogazione del desiderio maschile.

Quella di Sylvain Bourdoux è la prima monografia  mai dedicata all’artista, e raccoglie oltre 130 opere tra dipinti, fotografie e documenti d’archivio, in gran parte finora inediti.

^{editions-hors-champ.fr}

Queer Moderns: Max Ewing’s Jazz Age New York
di Alice T. Friedman
Princeton University Press, 2025

Max Ewing nacque nel 1903 a Pioneer, Ohio, e si tolse la vita appena trentenne. Una vita brevissima, sebbene intensa, che motiva in parte il suo essere oggi virtualmente sconosciuto.

Ewing fu fotografo, scrittore, pianista, scultore e autentico it-boy. Nel cuore del fermento culturale transatlantico tra gli anni Venti e Trenta, incrociò il cammino di alcune delle figure più affascinanti dell’epoca — nomi oggi relegati agli archivi e alle bibliografie accademiche, ma ciascuno con una storia ancora in attesa di essere riscoperta.

Un perfetto modo per farlo è tuffarsi in Queer Moderns, che ricostruisce gli anni dell’avanguardia queer della Jazz Age e riporta in primo piano le trovate del giovane Ewing: dalla sua “Gallery of Extraordinary Portraits” — uno stanzino tappezzato di fotografie di celebrità, che oggi definiremmo a tutti gli effetti un’installazione — al “Carnival of Venice”, una serie di ritratti in costume del suo giro di amici (Isamu Noguchi, Lincoln Kirstein, Agnes De Mille…), finora dormiente in un archivio.

La memoria queer è ampia e contraddittoria, e volumi come questo restituiscono voce a tutte quelle storie rimaste ai margini.

^{press.princeton.edu}

Luke Smalley: Exercise at Home
Twin Palms Publishers, 2024

La fotografia di Luke Smalley (1955–2009) nasce dal cortocircuito tra un annuario scolastico vintage e un manuale di fitness. Con una laurea in medicina sportiva, ha raccontato l’adolescenza maschile con uno sguardo raro e delicato, lasciando un’impronta incisiva nell’immaginario moda.

La scomparsa prematura ha lasciato il lavoro di Smalley in sospeso: rimangono alcuni editoriali dei primi anni 2000, che riemergono qua e là su qualche moodboard, e soltanto una manciata di volumi, oggi rari.

Su quest’ultimo punto ci viene però in aiuto la riedizione di Exercise at Home, finalmente riproposto da Twin Palms. Colpisce quanto il suo discorso suoni tuttora attuale; l’archetipo dell’All-American Male, i tropi dell’adolescenza, il corpo maschile del gym-bro: sono tutti temi che ci aspetteremmo di trovare piuttosto nella press-release del nuovo artista queer del momento.

Forse Luke Smalley non era un fotografo di moda. Ma un artista capace di cogliere le tensioni rimaste sospese nell’aria tra una foto di classe e l’ora di educazione fisica. È lì che ha trovato tutto.

^{twinpalms.com}

The Secret Art of Dorothy Hepworth aka Patricia Preece
di Denys J. Wilcox
The Court Gallery, 2024

«I’ve got the brains, you’ve got the looks / Let’s make lots of money» è uno dei consigli per il successo che ci hanno dato i Pet Shop Boys. E sebbene il mucchio di soldi non arrivò mai, la relazione tra Dorothy Hepworth e Patricia Preece incarnò perfettamente quel tipo di intesa.

Siamo in Inghilterra, ma negli anni Trenta, non lontani dal circolo più influente dell’epoca, il Bloomsbury Group. Dorothy Hepworth è una pittrice di prim’ordine, ma la sua natura riservata le impedisce di tessere quella rete di relazioni così fondamentale allora come oggi. Non ha questi problemi la sua compagna, Patricia Preece, donna glamour e flamboyant, che diventerà così il volto pubblico del lavoro di Hepworth: Roger Fry, Duncan Grant, Vanessa Bell e Virginia Woolf riconosceranno senza esitazioni il ruolo di primaria importanza delle opere firmate da Patricia, alias Dorothy.

Un inganno che ne riflette un altro, molto affine allo spirito Bloosmbury: Patricia, nel 1937, sposerà l’artista Stanley Spencer, senza però mai interrompere la sua relazione con Hepworth. L’artista continuò a dipingere anche dopo la morte della sua compagna, e continuò a firmare le sue opere con il nome di Preece, in un silenzioso gesto d’amore capace di trascendere i confini dell’identità e della memoria.

Pubblicato in occasione della mostra tenutasi nel nuovo spazio di Lewes della casa-museo di Charleston, questo volume, edito da The Court Gallery, ci racconta le vicende di un mistero a doppio volto che, pur svelando alcuni aspetti di questa inusuale collaborazione, pone finalmente un chiaro accento sull’arte di Dorothy Hepworth, finalmente rivelata.

^{courtgallery.com}

Marie Laurencin: Sapphic Paris
Yale University Press, 2023

Tecnicamente, è il catalogo di una mostra tenutasi due anni fa, a Philadelphia. Eppure sarebbe un errore lasciar passare questo volume inosservato.

Marie Laurencin fu una vera forza nella Parigi della prima metà del Novecento. Non una figura da riscoprire solo in chiave di “storia dell’arte al femminile”, ma una presenza centrale: punto di riferimento in un mondo sofisticato fatto di arte, moda, danza e società, un mondo che, nel suo sguardo, appare quasi esclusivamente al femminile.

Sapphic Paris è un titolo audace — nessuno finora si era spinto tanto oltre — e sì, suona un po’ ammiccante. Ma coglie una componente fondamentale del suo lavoro: una lettura queer e di genere che non appare forzata né sovrapposta, bensì intimamente legata al contesto, quello della Parigi di Gertrude Stein e dei salotti letterari di Natalie Clifford Barney.

^{yalebooks.yale.edu}

Paul Cadmus: 49 Drawings
di Graham Steele
Phaidon, 2025

Paul Cadmus è un’icona, ma resta sorprendentemente poco visibile: a parte qualche marinaio che ogni tanto affiora in un post, lo si incontra di rado.

Tacciono gli anni giovanili del ménage à trois con la moglie Margaret e Jared French, così come gli anni maturi segnati dai ritratti ossessivi dell’amato Jon Anderson. Perfino i marinai, quelli di The Fleet’s In! (1934) sembrano aver perso ogni traccia del loro potere controverso: all’epoca l’opera fu rimossa dagli spazi pubblici perché ritenuta sordida, scandalosa… e irrimediabilmente gay.

La storia, in parte, si ripete. Dopo la morte di Jon Anderson, la sua eredità, che comprendeva anche le opere ereditate da Cadmus, viene dispersa senza troppo clamore. Ma qualcosa riaffiora con forza: una raccolta di disegni intimi ed esplicitamente erotici, diario intimo di una storia d’arte e d’amore lunga 35 anni. Un volume necessario che, più che gettare nuova luce sull’autore, lo restituisce a una nuova generazione, senza giri di parole né allusioni lontane alla nuda verità delle cose.

^phaidon.com

Too Good to Get Married: The Life and Photographs of Miss Alice Austen 
di Bonnie Yochelson
Fordham University Press, 2025

“Too Good To Get Married”, un titolo che è già una dichiarazione d’intenti, racconta la vita e l’opera di Alice Austen, pioniera della fotografia e spirito libero nella New York dell’età vittoriana.

Cresciuta nella villa dei nonni a Staten Island (oggi riconosciuta come sito storico LGBTQ+), visse tutta la vita con la sua compagna Gertrude Tate, scegliendo l’amore e l’indipendenza a un matrimonio imposto. Con la macchina fotografica documentò tanto la mondanità delle partite di tennis così come l’umanità brulicante dei quartieri operai, ma soprattutto seppe usare l’obiettivo per sovvertire le regole: mise in scena sé stessa e le sue amiche in abiti maschili, tra sigarette e finte sbornie, parodiando con leggerezza e intelligenza le convenzioni di genere.

Il volume colma un vuoto editoriale (l’unico altro libro esistente risale al 1976) intrecciando la storia della fotografia con quella delle soggettività queer, e soprattutto celebrando Alice Austen, finalmente libera e al centro della scena.

^{fordhampress.com}

Louis Fratino. Satura – Updated Edition
Mousse Publishing, 2025

Lo scorso mese “You and Your Things” di Louis Fratino ha raggiunto il record di 756.000 dollari all’asta da Christie’s. Un ritratto intimo, un fermo immagine che racconta una storia di affetti, desideri e identità. Sul tavolo, tra gli oggetti personali che danno il titolo all’opera, si distingue una copia di Fuori!!!, la raccolta dedicata alla storica rivista del Fronte Unitario Omosessuale. 

Con l’Italia, Louis Fratino ha un legame speciale, e lo testimonia il sottotesto che fa riferimento ad alcune delle voci più importanti della cultura italiana del Novecento: artisti come de Pisis, Mario Mafai e Guglielmo Janni; le poesie di Patrizia Cavalli e Pier Paolo Pasolini, o ancora gli scritti di Mario Mieli. 

Un record milionario può significare molte cose, ma in questo caso rappresenta soprattutto un segnale importante: Fratino si conferma una voce imprescindibile nel panorama artistico contemporaneo, segno che storie e identità un tempo ai margini stanno finalmente trovando il loro giusto riconoscimento e spazio nella narrazione ufficiale.

La prima edizione di ‘Satura’ è andata rapidamente esaurita, ma per fortuna Mousse Publishing ci offre una seconda occasione: il volume torna disponibile in una edizione ampliata, arricchita dalle opere realizzate appositamente per la recente retrospettiva al Centro Pecci.

^{moussemagazine.it}

Testi di Didier Falzone. Si ringraziano gli editori per la gentile collaborazione.

L'articolo Voci ai Margini. Dieci libri d’arte per il Pride Month proviene da Toh! Magazine.

In questa chiacchierata cmqmartina ci parla di infanzia, rave, amore, rabbia, repressione dei diritti LGBTQIA+ perchè “la verità è che noi froci siamo spacciati!” e di quella voglia disperata di restare reali, anche quando tutti vogliono solo una hit.

Ciao Martina, che ricordo hai di questo shooting al cimitero?

È stato stupendo, mi sono super divertita. Esteticamente era tutto molto austero e anche suggestivo. Il cimitero è un luogo che mi ha sempre attratta e ci sta con la provincia che racconto nell’album.

L’ispirazione è stata la canzone “Bimbi di strada”, dove parli della tua infanzia in provincia: le corse in bici, le chiacchiere sui binari del treno. Io ricordo che da ragazzino, la notte, entravamo nei cimiteri come prova di coraggio. In campagna è facile…

Lo ricordo benissimo, anche per me era una sorta di gioco e allo stesso tempo un contesto pauroso. È un luogo che mi ha sempre attratta, forse perché non vedo l’ora di starmene in pace a dormire! Ahahahah! Ci sono tombe più grandi di casa mia!

Come nasce il titolo Brianzola Issues e il concept del disco?

È nato in modo molto naturale. Ero ferma da un po’ e cominciavo a collezionare pezzi senza l’idea di fare un album. A un certo punto ne ho 7-8 e decido di raggrupparli. Apro Soundcloud e mi chiedo: “Come chiamo la cartella?”. E d’istinto ho scritto Brianzola Issues, perché sostanzialmente sono io che racconto i cazzi miei. Quando poi è nata l’idea di fare il disco, ho passato mesi a cercare un titolo per poi rendermi conto che ce l’avevo già davanti agli occhi. Il resto è nato conseguentemente, in modo naturale.

La foto della cover sono io nella mia quotidianità: io in bicicletta che me ne vado in giro per Monza con la pelliccia da Sciura. Volevo restare quotidiana, reale e cruda.

Peraltro, la pelliccia l’ho presa al mercatino della chiesa, quindi donata da qualche sciura doc che andava a messa al Duomo di Monza con la permanente fresca.

In Brianzola Issues non ci sono feat., ma hai usato i produttori come se fossero dei feat. Sbaglio?

Vero. Non sono mai stata legata ai feat., ne ho fatti pochissimi. Quando metto la testa in un progetto, faccio fatica a includere qualcuno che viene dall’esterno. Mi sono concentrata così tanto sul concept del disco, sull’idea creativa e su quella musicale, che la mossa del feat. non mi è nemmeno passata per la mente. Come dici tu, ho usato i produttori come se fossero feat.: li ho scelti con cura, sono persone che stimo tantissimo, artisticamente e umanamente, con cui avevo già un rapporto.

Sono persone con cui condivido la stessa visione della musica e con cui ho creato canzoni che ci piacciono davvero, per sentirci vivi. Nulla è stato pensato a tavolino per finire nella playlist di Spotify. Ceri, Estremo, Bertolotti, OKGIORGIO e gli SPX sono i musicisti e produttori con cui ho cominciato il progetto cmqmartina, e saranno anche la mia band in tour. Sono fighissimi, nel senso che sono proprio boni! Il live con la band ha un impatto visivo fortissimo e, anche se non lo penseresti, le mie canzoni suonate dal vivo sono una bomba.

Io ci metto la faccia, la voce, scrivo i testi, però musicalmente la responsabilità è condivisa. È molto bello che cmqmartinanon non sia solo io, ma anche i produttori che scrivono i pezzi con me.

È fondamentale che ci sia la loro identità. Io da sola non potrei fare niente, e a tutti loro ho chiesto di fare cose di loro gusto, perché è quello che mi piace.

A Milano farai tappa al MI AMI sabato 24 maggio. Che effetto ti fa questo ritorno?

È un onore per me essere stata scelta nel cast del MI AMI, perché non è scontato stare in mezzo ad artisti di alto calibro. Sapere che hanno una buona opinione del mio progetto mi fa molto piacere. Suonerò con live con la band, non vedo l’ora!

Torniamo al disco. Hai detto che è un album che parla molto di te, ma ha anche un risvolto politico, lancia dei messaggi. Kids Never Sleep è un brano manifesto. Come è nata?

Non credo sia una canzone semplice, ha una struttura particolare e va capita, musicalmente e testualmente. L’ho scritta con Ceri. Un giorno in studio è nato questo pezzo fuori di testa.

Le frasi del testo di Kids Never Sleep vengono dagli striscioni e dai cori di una manifestazione che c’è stata a Monza, me li sono appuntati. Ad esempio: “Anche se il cielo è nero, noi non ce ne andremo” o “1312”. Il senso è quello della ribellione, dell’insoddisfazione, quindi della rivolta.

È stato il primo pezzo che ho fatto uscire dal disco. Non pubblicavo nulla da due anni e mi sembrava il modo giusto per dire: “Eccomi, sono tornata!”. Ho dovuto convincere diverse persone del mio team che non erano convinte, ma per me era anche una questione di posizionamento: io esisto e oggi sono questa. Uscire dopo tanto tempo con un pezzo così forte, politico, carico e anche coraggioso è stato molto intenso emotivamente.

Prima di Kids Never Sleep, in scaletta hai messo Rave, un brano di denuncia sulla posizione del governo italiano in merito a questa sottocultura… Peraltro, mi sembra che demonizzandoli li abbiano fatti tornare sotto il nome di “free party”.

I rave non se ne sono mai andati. Se poi intendi il rave nel bosco, in mezzo al fango, tra lo schifo con i tossici, ecco, quelli non esistono quasi più – per fortuna. Esistono delle vie di mezzo, feste technazze dove i tossici ci sono comunque, ma almeno non sono in mezzo allo schifo. C’è anche gente ok. Sono feste “normali”, abusive ma non hardcore. Però, se io penso a un rave, penso proprio a quella situazione marcia, che oggi è quasi sparita.

Parliamo di Vinted, un pezzo hyperpop che si distacca dagli altri come mood…

Il brano è nato una sera con Estremo. Stavamo lavorando a un’altra traccia, che poi non è finita nel disco. Dopo una giornata intera, lui butta giù una mini traccia al computer e a me viene spontaneo scrivere: Ora vendo su Vinted tutta la mia tristezza. Io lo uso molto Vinted e mi è venuta proprio spontanea. È una canzone pazza che cita le Nike, Affari Tuoi, c’è di tutto lì dentro ed è totalmente mia.

Vuoi soltanto una hit, il tuo ultimo singolo, a primo ascolto sembra una provocazione, ma poi racconta una storia d’amore. Giusto?

È un pezzo super triste, ma musicalmente matto, spensierato, eccessivo. Il ritornello è tutto uguale, con sotto questo cassone. Io sono innamorata di questo pezzo.

Ho pensato più volte di vendere parti di me stessa su Vinted: la mia tristezza, i miei pensieri… una volta che qualcuno me li compra, io non ce li ho più! Pensa che bello!

Praticamente un episodio di Black Mirror!

Esatto! Ora li chiamo e divento ricca.

OKGIORGIO è uno dei nomi caldi del momento. Tu ci hai lavorato sin dal primo album. In questo avete prodotto Mi ami davvero, una canzone che mette in risalto il tuo lato più intimo e fragile. Sei d’accordo?

Sì, è vero. Mi ami davvero era uscita come singolo due anni fa, ma nel mood era perfetta per stare in questo disco. E poi mi sembrava giusto inserire un brano prodotto da Giorgio anche per un discorso di continuità e di estetica musicale.

Bimbi di Strada mi ha ricordato la mia infanzia in provincia: le bici, il quartiere che sembrava un’intera città, e noi che ci sentivamo un po’ ribelli…

Totalmente! È il pezzo che contiene di più i miei ricordi da adolescente. Ti racconto com’è nata: l’estate scorsa ho incontrato un amico della mia adolescenza, uno di quelli con cui facevo le cose che canto nel pezzo.

Scappavamo dall’oratorio, rubavamo le biciclette, pedalavamo di notte per chilometri, ci arrampicavamo nel canale svuotato. Quando l’ho rivisto – ed era stata una mia cotta – mi si è aperto questo mondo di ricordi, e ci ho scritto questa canzone. Ha anche un risvolto cupo: lui viene da un contesto difficile, da un brutto giro. Per questo canto: Non premere il grilletto, abbracciami. Sono ricordi adolescenziali con una vena malinconica e cupa.

Sì. È una critica all’industria discografica e alla società in generale, ma è anche una storia d’amore.

Te la passano alla radio?

Pur essendo un disco che rimane underground e non ha un’apertura popolare, è il pezzo che hanno passato di più. Ha avuto una buona ricezione, le piattaforme lo fanno girare. Credo sia perché è una canzone con un contenuto importante: è ambigua, la metafora la cogli se la vuoi cogliere.

Senti, ma ti sei spostata a Milano o sei forever brianzola?

Ma va, io sono monzese doc. A Milano non ci vivrei nemmeno gratis! Ho bisogno della mia dimensione, in un contesto più piccolo dove ci si conosce.

A Milano mi sentirei persa. Sono molto abitudinaria.

Pensa che ho la fortuna di avere le mie amiche d’infanzia che abitano ancora nel mio quartiere. Questo rende tutto ancora più familiare.

Che musica stai ascoltando ultimamente?

Faccio coming out e ti dico che in questo periodo sono ossessionata dai Beatles. Non ascolto altro. Ma è una cosa ciclica: ogni anno mi scatta il momento Beatles. Quando corro, quando mangio… non so, è un amore carnale.

Se dovessi scegliere un disco?

Let It Be. L’ultimo album, il più sofferto, dove emotivamente hanno tirato fuori sangue e carne. Ognuno di loro ha scritto dei pezzi e li metteva nel disco. Le mie preferite sono quelle di George Harrison, che era il più introverso.

Ultimo album di cui ti sei innamorata?

Quello di Lola Young. La amo alla follia. Mi piace una marea.

Ci vedremo al Pride a Milano? Quest’anno è importantissimo esserci!

La nostra comunità è sotto attacco. Io mi sento molto spaventata e cerco di non pensarci, ma la verità è che noi froci siamo spacciati!

Forse non ci rendiamo conto della deriva di destra che sta arrivando. C’è una retrocessione molto silenziosa, ed è questo che mi fa paura.

Parli del fatto che all’interno della comunità LGBTQIA+ non se ne parli? Perché io vedo tante persone molto indifferenti al nero che avanza… e non me ne capacito. Non parlo delle istituzioni, ma proprio dei ragazzi. È davvero una minoranza quella cosciente dei fatti…

Hai sollevato un ottimo punto di vista. Viviamo questo dilemma tra il soffrire per aver metabolizzato la realtà e il proteggerci cercando di non realizzare troppo quanto siamo spacciati, come meccanismo di difesa.

Se realizzi quanto il mondo ci odia, è devastante. Ma poi, che problemi hanno con noi tutti questi froci repressi? Perché sono tutti dei froci repressi quelli che ci odiano, diciamolo!Quindi hai ragione: quest’anno partecipare al Pride è un atto di lotta e di coraggio.

Ti saluto sognando un’edizione in vinile di Brianzola Issues!

Sarebbe stra-punk! Magari!

Photo Alex Vaccani with Alessandro Marzo

Prossimi live (in aggiornamento):

10/05 Verona – The Factory 
14/05 Roma – Monk
15/05 Bologna – Locomotiv
24/05 Milano – Mi Ami Festival

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A distanza di oltre vent’anni dal loro debutto, le Sugababes sono tornate dove tutto è cominciato: insieme, nella formazione originale. Dopo una lunga attesa e un percorso fatto di evoluzioni artistiche e personali, Mutya Buena, Keisha Buchanan e Siobhán Donaghy sono pronte a scrivere un nuovo capitolo della loro storia. Con singoli che spaziano dal pop energico di Jungle all’intimità struggente di Weeds, le tre artiste britanniche riaffermano la loro identità musicale, oggi più matura e indipendente che mai.

Il 2 maggio, il tour europeo farà tappa anche a Milano, dove le Sugababes si esibiranno accompagnate da due nuove voci da tenere d’occhio: Luna e Rose Gray. In questa intervista, il trio si apre su maternità, amicizia, creatività, fan LGBTQ+ e sul valore del credere in se stesse, sempre. Le abbiamo intervistate:

Iniziamo con questa reunion tanto attesa: per la prima volta, siete di nuovo insieme nella formazione originale delle Sugababes. Com’è stato riunirvi in questo momento delle vostre vite e carriere?

Sinceramente non avrei mai pensato che, dopo aver avuto due splendidi figli, la mia carriera musicale sarebbe ripartita in modo così spettacolare. Ma con la maternità è arrivata anche una sicurezza e una calma che prima non avevo. E credo che per tutte noi, portare la nostra esperienza di vita in questo nuovo capitolo delle Sugababes sia stato preziosissimo.

Nel 2011 siete tornate come Mutya Keisha Siobhán, ma ora siete di nuovo ufficialmente le Sugababes. Cosa significa oggi per voi quel nome rispetto al passato?

Quel nome è sempre stato importante per noi. Fin dal momento in cui il nostro manager dell’epoca, Ron-Tom, lo ha inventato, ci siamo sentite identificate.

Quegli anni in cui non potevamo usare il nome Sugababes sono stati frustranti, ma ci hanno dato una grinta e una resilienza che forse non sapevamo di avere.

Ora lavorate di nuovo in modo indipendente. Cosa significa per voi avere il pieno controllo creativo del progetto?

Per noi non è un’opzione cedere il controllo creativo. E crediamo che anche i nostri fan non vogliano una versione di noi che non ci rappresenta. Vogliono leggere le nostre esperienze di vita e i nostri cuori infranti. Anche dal punto di vista visivo, siamo tornate a un’estetica molto “London”, che ci rappresenta, e collaboriamo con artisti visivi straordinari: tutto fa parte dell’arte.

In passato avete persino investito personalmente in brani come Flatline. Cosa vi spinge a credere così tanto in voi stesse?

È difficile pensare di mollare quando, da sempre, conosciamo il nostro potenziale. Abbiamo una forte fiducia in noi stesse, quindi smettere non è un’opzione. Raddoppiamo l’impegno, ogni volta. Anche investendo di tasca nostra, se serve, per portare avanti il progetto.

“Jungle” è il vostro primo singolo di questo nuovo capitolo — ha un sound moderno, energico, con un tocco spoken-word che richiama molto le vostre radici londinesi. Perché avete scelto proprio questo brano per iniziare?

Ci sembrava un richiamo a Overload, in un certo senso. A livello sonoro, quei due brani ci sembrano connessi. Volevamo anche qualcosa di più movimentato, un pezzo uptempo, e abbiamo subito sentito che si sarebbe inserito bene nella nostra scaletta — che è difficile da cambiare, piena di classici e pezzi forti.

Sentire l’affetto non solo per Jungle, ma ora anche per Weeds durante il tour nei palazzetti, è stato davvero gratificante.

La reazione dei fan è stata incredibile. Ve lo aspettavate dopo tutto questo tempo?

Onestamente, non sapevamo cosa aspettarci. Ma volevamo cantare di nuovo insieme e ci abbiamo messo tutto. Vedere posti come Glastonbury dover aumentare la sicurezza per gestire la folla per noi ci ha lasciato davvero a bocca aperta.

“Weeds”, il vostro ultimo singolo, ha un tono completamente diverso — più emotivo, delicato, quasi spirituale. Lo avete definito “una delle canzoni più belle” che abbiate mai fatto. Ce ne parlate meglio?

L’idea è partita da una scrittrice svedese, Tove Burman. Abbiamo sentito la bozza iniziale e ci siamo subito innamorate del mondo magico che aveva creato. Poi abbiamo lavorato per renderlo nostro, aggiungendo parti, e Jon Shave, il fantastico produttore, ha commissionato la sezione d’archi. Sono andata a vederli registrare a Metropolis, a Londra, e mi sono messa a piangere. Era così potente.

Il tema della “crescita insieme” è centrale in Weeds. Pensate che rispecchi anche la vostra amicizia e il percorso che avete fatto insieme?

In questo brano parliamo di relazioni personali esterne. Per esempio, per me si tratta di mio marito, e di come mi renda la versione migliore possibile di me stessa. Ma ovviamente sì, siamo cresciute diventando donne che sanno gestire bene le differenze creative.

Ognuna ha il suo spazio per essere pienamente sé stessa, e siamo fortunate perché è proprio il contrasto tra noi a rendere le Sugababes così interessanti.

Parlando di crescita: è partito il vostro tour più grande di sempre, con date in tutta Europa, e si chiuderà a Milano il 2 maggio. Come vi state preparando per questo momento?

Tutte le routine salutari possibili: sollevamento pesi, succhi verdi, vitamina C ad alto dosaggio. Riscaldamenti vocali ogni giorno. Tanto riposo e, soprattutto, tempo con la famiglia.

Cosa possiamo aspettarci dal tour? Come sarà visivamente?

Il nostro lighting designer Ed Warren è un mago. Lo show sembra epico. Giochiamo molto con luci e ombre, passiamo da momenti grintosi a momenti belli e potenti. Ci sono tante nuove immagini e anche un omaggio al passato, con filmati di noi da adolescenti che provavamo prima ancora di pubblicare qualcosa! È molto emozionante.

E per quanto riguarda i look — ci date qualche anticipazione?

Adoro un look in denim con cristalli di Simone Rocha che indosserò. Tanto nero e argento. E in generale cambieremo spesso, mantenendo però sempre uno stile “London”.

C’è un album in arrivo?

L’album è praticamente pronto. Mancano solo alcuni ritocchi.

Il tour si collega direttamente alla stagione dei festival estivi, ma stiamo facendo il possibile per finire tutto il prima possibile!

Dopo tanti anni nell’industria musicale, con tutti i suoi alti e bassi, cosa vi motiva ancora a creare, esibirvi e connettervi col pubblico?

Proprio il pubblico. Guardare la folla e vedere tutta quella gioia che ci torna indietro è emozionante. Con il mondo che sembra un caos, uno show è un modo meraviglioso per offrire un po’ di evasione.

Negli anni, avete costruito un seguito LGBTQ+ forte e leale — un pubblico che vi ha davvero elevate e abbracciate come icone. Cosa significa per voi questo legame?

È un onore, e saremo sempre alleate.

Se poteste parlare a voi stesse nel 2000 — appena agli inizi come Sugababes — cosa vi direste?

Da dove cominciare? Come si dice a un’adolescente di non essere insicura e piena di complessi? Avremmo dovuto rimuoverci gli ormoni per farcela! L’adolescenza è dura per tutti, punto. Quindi mi darei semplicemente il permesso di sentire tutto.

Cosa ascoltate prima di salire sul palco per caricarvi?

Lasciamo che sia la nostra fantastica band a scegliere, e cambiano ogni sera. Ma adoro che ci sia così tanta musica nuova, soprattutto femminile. E da quello che vedo e sento, queste artiste si supportano a vicenda tramite gruppi WhatsApp, si sostengono e si danno forza. C’è molto da imparare da queste giovani! Stanno facendo le cose nel modo giusto!

Avete dei rituali prima di salire sul palco?

Qualcuno del nostro team fa un piccolo discorso/motivazione. Poi mettiamo tutte le mani al centro e diciamo: “1, 2, 3, SUGABABES!”

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In un’epoca in cui la musica si fa ponte tra culture e generazioni, i Dov’è Liana con i loro vent’anni, emergono come una delle band più interessanti sulla scena musicale contemporanea. Originari della Francia ma artisticamente nati a Palermo questi giovani artisti hanno creato un linguaggio unico che fonde sonorità eterogenee, dal rock all’house, passando per l’italo disco che esplode nel loro album di debutto LOVE 679 (Django Music).

Il loro stile distintivo e l’approccio creativo hanno fatto sì che i loro concerti dal vivo siano diventati sinonimo di allegria e libertà, trasformando ogni esibizione in una vera e propria euforia collettiva.

Siamo certi che i live di Love 679 (senza l’8, poiché in inglese si pronuncia “hate”, come “odio”) si trasformeranno in esperienze sempre più rivoluzionarie e gentili. Li abbiamo intervistati:

La vostra musica unisce generi diversi come house, rock e italo disco. Come sono venute insieme queste influenze nel vostro album di debutto Love 679?

Con questo lavoro abbiamo deciso che volevamo avvicinarci maggiormente alla nostra generazione e invogliarli ad una rivoluzione pacifica dei sentimenti. Non siamo nati come un gruppo dance ma ci sembrava il genere giusto per parlare alla nostra generazione, che vuole ballare e divertirsi e poi abbiamo pescato dalla Francia e dal french touch per creare un suono coinvolgente, dall’Italo Disco e dalla house music, di cui noi tre siamo grandi fan, è il rock del giorno d’oggi, il tipo di musica che maggiormente fa ballare le persone unendole sulla pista.

Avete detto che la vostra musica mira a creare la colonna sonora perfetta per una festa. Ma la vostra è una festa analogica, non sta dietro alla consolle, giusto?

Desideravamo senza dubbio esplorare suoni più analogici. Quando abbiamo iniziato a registrare, utilizzavamo esclusivamente il computer, il che era veloce e divertente, ma per questo album sentivamo l’esigenza di un cambiamento. Eravamo molto orgogliosi del lavoro svolto finora e volevamo trovare la forma ideale per ogni canzone da presentare al pubblico, originariamente i nostri live erano dei dj set cantati, ora sono più live. Abbiamo davvero investito il massimo impegno nell’utilizzo dei suoni analogici, impiegando basso, batteria, chitarra e citar.

In Love 679, toccate temi come l’amore e la libertà. Come si riflettono queste idee nell’attuale clima sociale e politico?

Crediamo che il filo conduttore di tutto sia la canzonette da il titolo all’album, Love 679, che affronta il complesso periodo storico in cui viviamo. Vogliamo mettere in evidenza il tema della speranza, perché siamo convinti che, nonostante le sfide, ci sia sempre una luce in grado di illuminare ogni aspetto della nostra esistenza.

Avete detto che Love 679 riflette una “rivoluzione pacifica” per la vostra generazione. Potete elaborare cosa significa per voi questa rivoluzione?

Volevamo esprimere che, sebbene viviamo tempi difficili e caotici, accadono anche cose straordinarie. La nostra generazione ha realizzato molte grandi imprese di cui siamo profondamente orgogliosi. Desideravamo rendere omaggio a una generazione spesso criticata. Si dice che prima era tutto meglio, ma noi non siamo d’accordo.

La nostra generazione si distingue per la sua consapevolezza verso le questioni ambientali, l’uguaglianza e l’integrazione.

Non riteniamo che le generazioni precedenti siano superiori; ogni generazione ha la sua bellezza, intelligenza e gioia, contribuendo in modo unico e positivo al mondo. Il nostro scopo è comporre una colonna sonora per una rivoluzione pacifica.

Metà del vostro album è in inglese e l’altra metà in italiano. Come decidete quale lingua usare per una canzone?

Il 99% delle volte scriviamo partendo dalla musica. Ascoltiamo insieme le melodie e ci arrivano delle immagini che vogliamo tradurre in parole. Ma siamo molto influenzati dall’ambiente in cui ci troviamo, se siamo in Italia siamo più inclini ad utilizzare l’italiano, in Francia il francese. Continuiamo a scrivere cercando di esprimere le idee che abbiamo in mente e questo è anche il motivo per cui i nostri testi a volte risultano un po’ ingenui e brevi, ma ci piace questo processo creativo. Adottiamo lo stesso approccio anche con l’inglese per esplorare nuove prospettive e sonorità come in “Love 679”, non era scontato che il testo fosse in inglese, è stata la melodia a suggerircelo.

Palermo ha giocato un ruolo importante nel plasmare il vostro suono. Cosa c’è nella città che vi ispira musicalmente?

Eh si, perché tutto è iniziato quattro anni fa, quando abbiamo messo piede a Palermo. È stata un’esperienza semplice, ma estremamente significativa. In questa città, e in Italia in generale, abbiamo scoperto qualcosa di speciale. L’energia delle persone qui è incomparabile, qualcosa che non troviamo nemmeno a Parigi. Siamo rimasti affascinati dal calore e dalla gioia con cui gli abitanti del Sud Italia celebrano la vita e si dedicano alla festa.

Ma perché proprio Palermo?

Perché è la sorella di uno di noi abita lì, qualche anno fa l’abbiamo raggiunta per un matrimonio e ci siamo innamorati di questa città incredibile.

Il nome “Dov’è Liana” ha un significato speciale legato alla ricerca. Cosa state cercando attraverso la vostra musica?

Non bisogna mai smettere di cercare qualcosa, di essere curiosi, Il nome del gruppo rappresenta proprio questa voglia di ricerca.

Avete suonato in vari festival e locali. Qual è il vostro ambiente preferito per esibirvi e perché?

Nei piccoli club italiani dove c’è una partecipazione incredibile, sembra strano ma in Francia non c’è una scena come la vostra

Luogo preferito di Palermo?

La Taverna Azzurra in Vucciria e il  il centro Pyc – Palermo Youth Center uno spazio polivalente molto bello e vivo, dove abbiamo presentato a sorpresa l’album.

Ultimo disco di cui vi siete innamorati:

“Immensità” di Andrea Laszlo De Simone

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Con una passione per il glamour di Hollywood degli anni Trenta e un amore per i dettagli intricati, esploriamo le influenze dell’artista canadese Ryan Heshka, il suo processo creativo e i suoi progetti futuri. Tra mostri di gomma e personaggi femminili provocatori che mescolano i mondi di David Lynch e John Waters al glam anni ’50, l’artista ci svela come la famiglia e la creatività bilanciano la sua vita e ci offre uno sguardo privato dei suoi dipinti originali. Lo abbiamo conosciuto in occasione della sua personale “Springs to Come” tenutasi alla galleria Colombo Arte di Milano e ce ne siamo innamorati.

Ciao, Ryan grazie per il tuo tempo. Come stai e dove ti trovi adesso?

Sono a Vancouver, BC, Canada, nel mio studio circondato da dipinti in vari stati di completamento.

Quando hai iniziato a dipingere? E quali temi ti attraevano quando hai iniziato i tuoi studi artistici?

Ho sempre disegnato, ma ho iniziato a dipingere opere personali intorno al 2004. Poiché sono stato ossessionato dai vecchi fumetti e dall’arte pulp per tutta la vita, ho usato quei tropi come punto di partenza. Tuttavia, ho cercato di infondere la mia voce nel lavoro sin dall’inizio, così da non limitarmi a ricreare l’arte di quell’epoca.

Il tuo lavoro per me è fortemente influenzata dall’horror degli anni ’50, da David Lynch, da John Waters e un tocco del vecchio Tim Burton, insieme alla fantascienza, ovviamente. Da dove trai ispirazione per questi mostri e personaggi dall’aspetto unico?

Sei sulla strada giusta! Da tutti loro, un po’ meno da Tim Burton e più da Roger Corman e Eiji Tsuburaya. Ho sempre avuto un occhio per l’arte e l’estetica delle epoche passate, in particolare dagli anni ’30 ai ’50. L’orrore e la fantascienza incidono pesantemente sulle mie figure, specialmente i “costumi da mostro di gomma”.

Da quando ho iniziato a dipingere per me stesso, ho raccolto altre influenze non correlate tra loro come la moda, la storia naturale, l’architettura e le belle arti che trovano il loro posto nei miei mostri e nei loro ambienti. Sono autodidatta, quindi ho fatto/faccio uno sforzo consapevole per distaccarmi un po’ dalle mie influenze principali, in modo che il mio lavoro possa essere il più originale possibile.

Le donne giocano un ruolo prominente nel tuo lavoro. Qual è lo stereotipo di bellezza che cerchi di sfidare o esplorare?

Non è una sorpresa che mi piaccia molto il glamour idealizzato di Hollywood degli anni ’30. Ho iniziato dipingendo donne in un omaggio molto diretto al genere dell’arte pin-up e alla vecchia Hollywood. Ma, come ho detto sopra, cerco sempre di spingermi oltre i trattamenti convenzionali delle mie influenze. Quindi, spesso uso pezzi di arte pin-up (ad esempio scarpe con i tacchi alti) combinati con altri elementi inaspettati, proporzioni, colori o caratteristiche (un volto che si scioglie, per esempio).

Quando crei un nuovo pezzo, schizzo l’idea in anticipo, o è un processo spontaneo e immediato?

Può andare in entrambi i modi, ma più spesso è una combinazione di schizzo e spontaneità. Ultimamente, cerco di lavorare la composizione di base in anticipo, ma potrebbe essere uno schizzo molto grezzo, semplice, a matita colorata. Cerco solo di abbozzare l’idea per avvicinarmi al punto in cui so come trattarla nella fase di pittura. Devo rimanere aperto a modifiche lungo la strada, così da poter ottenere il miglior risultato possibile.

Chi sono le tue muse?

Questa è davvero una bella domanda. Non sono mai stato veramente consapevole di specifiche muse. Mia moglie è stata la mia musa originale, poiché è stata una delle mie modelle all’inizio. Storia classica dell’artista/modello. Direi che Bela Lugosi deve essere una delle mie muse principali, così come Batman. I pipistrelli mi hanno sempre affascinato.

Di chi era il poster che adornava la parete della tua camera da bambino?

Stranamente, nessun poster da bambino, ma da adolescente ho recuperato appiccicando nella mia cameretta molte pagine di riviste heavy metal!

Quale film ha avuto l’impatto più significativo sulla tua vita artistica?

L’originale “King Kong” del 1933. Quel film ha catturato la mia attenzione da quando l’ho visto una domenica pomeriggio da bambino. Mi ha portato su molti percorsi, e mi cattura sempre quando lo rivedo. Il lavoro di stop motion e i set di Willis O’Brien sono oltre il geniale.

Cosa definisci ‘sexy’ nel tuo lavoro?

Il colore è la componente ‘sexy’ costante in tutto il mio lavoro. Possono esserci donne tradizionalmente sexy in alcuni dei miei dipinti o fumetti, ma miro ad attrarre lo spettatore con il colore, attirandolo nel mondo sulla tela o sulla carta con palette di colori uniche. Penso che il colore sia super seducente.

Quanto tempo impieghi tipicamente per completare un grande dipinto a olio ?

È difficile dirlo! Tendo a ruotare attraverso numerosi dipinti in un certo periodo di tempo per consentire il tempo di asciugatura tra gli strati, di allontanarmi e tornare con un occhio fresco, ecc.

Ma direi due o tre settimane, lavorando una settimana di 40 ore è approssimativamente quanto tempo impiegherebbe a dipingere un quadro come quello (senza includere l’ideazione). Non è mai una linea retta nella mia pratica di pittura però.

La creatività consuma ogni aspetto della tua vita, o hai altri interessi o passioni?

La mia vita è bilanciata tra creatività e famiglia. Questo è tutto ciò che ho tempo di fare! Mia figlia ha quasi otto anni, ed è in un’età di costante impegno e attività. Mi tiene in movimento. Fortunatamente, facciamo alcune creazioni insieme, e lei ha una mente fresca piena di titoli di dipinti meravigliosamente strani che ‘prendo in prestito’ da lei. Amo essere in acqua, tutta la mia famiglia lo fa, siamo tutti bambini dell’acqua.

I tuoi dipinti sono pieni di dettagli, e spesso fanno capolino insetti e piccole creature. Trasmettono una narrativa o riflettono un tema concettuale più ampio durante il processo di creazione?

Non c’è una vera forte narrativa o concetto che cerco di trasmettere nel mio lavoro. L’aggiunta dei dettagli e dei “sotto-occupanti” come insetti e piccoli animali è il mio tentativo di creare un mondo ricco e credibile, con molti strati.

Un po’ come quella scena di apertura in “Blue Velvet”, dove la telecamera zooma dal quartiere, all’uomo che innaffia il suo giardino, e poi nell’erba, rivelando la brutalità di una battaglia di insetti che si svolge nel micro mondo invisibile. I dettagli sono lì semplicemente per supportare l’umore del soggetto, e ancora, per attirare lo spettatore più in profondità, per ‘avvicinarsi’.

Qual è il sogno più strano che hai mai fatto?

Tantissimi! Scrivo sempre quelli più strani o visivi nel mio taccuino degli schizzi. È davvero difficile individuare un sogno come il più strano. Tendo ad avere sogni ricorrenti su trovare vecchi fumetti e riviste con copertine pazze. Molte delle copertine sono fumetti di Batman. Un giorno spero di utilizzare questa immaginazione onirica in un progetto coeso.

Quali progetti hai in programma per il futuro?

Ho una piccola mostra personale a Los Angeles a febbraio 2025, un paio di nuove edizioni da 6Forest Toys che usciranno quest’anno, credo, e un numero di commissioni private. Ma penso che sono più entusiasta di scrivere ed eseguire il mio nuovo fumetto, che spero di iniziare presto!

Se ascolti musica, qual è stato l’ultimo album di cui ti sei innamorato?

Ho appena scoperto un artista chiamato Orion, dell’etichetta Italians Do It Better. Super atmosferico, sintetico, elettronica oscura e profonda. Descritto come ‘cybernetic noir’. Non hanno un album, ma una serie di singoli. È così bello, che ora mentre scrivo avrei dovuto suonare la loro playlist!

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Lynks è un nome che risuona forte e chiaro nella scena musicale queer di Londra. Con un background che spazia dalle performance in cantine, agli spettacoli di apertura per artisti come Frank Carter, Lynks è diventato un simbolo di fluidità di genere e di espressione artistica senza filtri.

La sua musica, electro-pop ruvida è caratterizzata da testi espliciti e una forte attitudine punk, è un grido di liberazione e una sfida agli stereotipi. Abbiamo chiacchierato con lui dei suoi inizi, dell’impatto del trasferimento a Londra sulla sua carriera e l’influenza di icone come Lee Bowery sulla sua estetica e ovviamente della sua scelta di rimanere anonimo.

Preparatevi a entrare nel mondo trippy e affascinante di Lynks, dove la musica e la teatralità si fondono in uno spettacolo unico.

Cosa puoi dirmi dei tuoi inizi? È vero che Lynks ha preso forma nel tuo seminterrato?

Ahah, beh non proprio. È stato un concerto nel seminterrato di un mio amico. Preferisco però la tua versione – tipo magari sono cresciuto in qualche macchia di muffa o qualcosa del genere.

Ti sei trasferito da Bristol a Londra. Com’è la scena musicale drag in questo momento nella capitale?

La scena drag a Londra è incredibile. Non vedo molta musica originale provenire dai performer in questo momento… Ma penso che sia destinato a cambiare. C’è un gruppo di drag che sta creando cose davvero cool – Virgin X e Hey Baby sono favolose.

A nessuno piacciono le etichette, ma consideri Lynks un personaggio fluido, o è più un modo per esplorare il tuo lato femminile?

E’ nato decisamente per esplorare il mio lato femminile, ma col tempo è diventato molto più fluido. Non credo di aver realizzato all’inizio quanto sarebbe stato divertente giocare con la mascolinità…

Adoro il tuo atteggiamento punk. Com’è stato per un riot queer come Lynks stare sul palco aprendo per Frank Carter, icona della scena hardcore UK?

Abbastanza folle! Non avevo davvero pensato a me stesso come a un punk fino a quel momento a dire il vero. Ma poi vedere come mi ha accolto bene il seguito hardcore punk di Frank Carter mi ha fatto pensare, “uh, forse sono davvero il più punk”. Una realizzazione divertente.

Perché hai deciso di rimanere anonimo?

Per tantissime ragioni. È una sana separazione tra me e la mia arte, posso essere in posti dove la gente potrebbe conoscere la mia musica senza mai essere riconosciuto, il mio ego rimane (leggermente) più piccolo, ma principalmente la maschera aiuta ad assorbire parte del sudore.

Sono un italiano cresciuto in una provincia cattolica. La religione è sempre stata intorno a me, purtroppo. Hai chiamato il tuo album ‘Abomination,’ una parola che la Bibbia, ma anche alcuni politici oggi, usano per descriverci. Ho pensato a questo prima di ascoltare ‘Leviticus18.’ È questo il tuo modo di esorcizzarlo e farlo diventare la tua forza?

Sì, assolutamente. Volevo prendere quella parola che ha creato tanto dolore e reclamarla, come si farebbe con un insulto. Perché è un insulto. Solo perché è nella Bibbia non cambia questo fatto.

Trovo che ci sia una certa franchezza sessuale nei tuoi testi, che apprezzo perché è piuttosto rara nel pop queer. Cosa ti ha portato ad essere deliziosamente esplicito?

Hmm, credo di aver scoperto che più sono senza filtri nei miei testi, più la gente sembra apprezzarli… Un po’ di tempo fa ho pensato “al diavolo”. Scriverò i miei testi come parlo ai miei amici. Niente più filtri. È stato molto liberatorio.

Con quale tipo di musica sei cresciuto?

Ero profondamente ossessionato da Florence and the Machine nei miei primi anni dell’adolescenza. Poi sono passato gradualmente alla Basic Boy house music durante l’era dei Sweet 16. Ossessioni per M.I.A., Peaches e Little Dragon sono seguite poco dopo.

Quanto ha influenzato il tuo look Lee Bowery?

Enormemente. Era un po’ l’ispirazione originale: tipo cosa succederebbe se entrassi in un club e Leigh Bowery stesse eseguendo musica dance esplosiva.

Come descriveresti la tua estetica?

Calda, sexy, pignatta.

Nella vita reale sei ironico come nei tuoi testi?

Assolutamente. A volte anche io faccio fatica a capire se sono serio o no.

Per te, il punk è un atteggiamento o uno stile di vita?

Pensavo fosse un genere musicale.

Come descriveresti uno dei tuoi spettacoli dal vivo?

Il miglior modo in cui sono riuscito a descriverlo finora è che sembra di guardare un concerto delle Spice Girls, mentre sei sotto l’effetto di funghi allucinogeni. Coreografia completa, teatralità completa, ma tutto trippy, disordinato, sudato e strano. È un bel momento.

L’ultimo disco di cui ti sei innamorato:

Il nuovo album dei Vampire Weekend “Only God was above us”!!! Lo adoro.

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*in aggiornamento

ROTTING IN THE SUN – su Mubi dal 15 settembre

Il successo del Sundance 2023 dello sceneggiatore e regista Sebastián Silva arriverà presto su MUBI. “ROTTING IN THE SUN” è una meta-commedia cupa, divertente e piacevolmente audace che distorce il business del cinema e la nostra cultura ossessionata da noi stessi.

Mentre si rilassa in una località balneare gay messicana, il regista depresso Sebastián Silva incontra il social influencer Jordan Firstman (nella foto di copertina), che gli chiede di partecipare ad un suo progetto; nel film entrambe interpretano loro stessi.

Sebastian accetta con più di una riserva ma quando Jordan torna a Città del Messico per cominciare il lavoro Sebastián non si trova da nessuna parte; quì il film ha una svolta imprevedibile con Jordan che intraprende un viaggio selvaggio, pericoloso, quasi investigativo.

WHAM! – su NETFLIX

Nel 1982, i migliori amici e ancora adolescenti – George Michael e Andrew Ridgeley formano gli WHAM! per partire alla conquista del mondo. Dopo 4 anni di carriera nel giugno del 1986 suonarono il loro ultimo concerto allo stadio di Wembley dimostrando al mondo di averlo conquistato letteralmente.

Per la prima volta e raccontata con le loro stesse parole, la storia incredibile degli WHAM! rivive in questo documentario su due inseparabili amici cazzoni che sono diventati gli idoli di migliaia di teenagers.

Successo dopo successo: Club Tropicana, Wake Me Up Before You Go Go, Freedom, I’m Your Man e ovviamente Last Christmas, il loro tempo sotto i riflettori è stato incandescente.

Quello degli WHAM! è un periodo che ha incapsulato e incarnato non solo la loro giovinezza, ma anche quella dei milioni di fan che li adoravano.

Con un accesso senza precedenti all’archivio personale di George e Andrew, inclusi filmati mai visti prima, insieme a interviste rare, sincere e inedite, WHAM! traccia il loro incredibile viaggio da compagni di scuola a superstar.

Passages – al cinema

Nella Parigi contemporanea, il regista tedesco Tomas (Franz Rogowski) abbraccia la sua sessualità attraverso una torrida storia d’amore con una giovane donna di nome Agathe (Adèle Exarchopoulos), un impulso che offusca i confini che definiscono la sua relazione con suo marito, Martin (Ben Whishaw).

Quando Martin inizia una sua relazione extraconiugale, riesce a riconquistare con successo l’attenzione del marito e allo stesso tempo scopre la gelosia di Tomas. Alle prese con emozioni contraddittorie, Tomas deve abbracciare i confini del suo matrimonio o fare i conti con il fatto che la relazione abbia fatto il suo corso.

Tenete bene a mente il nome Franz Rogowski perché sarà una delle stelle future del cinema.

Medusa Deluxe – su MUBI

Parrucchieri talentuosi, ambiziosi, dive che amano pugnalarsi alle spalle si riuniscono in Inghilterra per un concorso di styling. Quando un parrucchiere viene trovato morto, i concorrenti rimasti cercano di scoprire l’assassino durante il corso della serata.

Serpeggiando tra sale illuminate al neon e camerini dietro le quinte, i concorrenti svelano risentimenti e segreti a lungo trattenuti mentre cercano l’assassino tra loro, in questo giallo diabolicamente divertente del regista esordiente Thomas Hardiman.

Un po’ Almodovar, un po’ Pablo Larraine, un pò A24, ma molto personale.

Red, White & Royal Blue – su PRIME Video

Alex Claremont-Diaz (Taylor Zakhar Perez), il figlio del presidente degli Stati Uniti (Uma Thurman), e il principe Henry (Nicholas Galitzine) della Gran Bretagna hanno molto in comune: un bell’aspetto, un carisma innegabile, una popolarità internazionale… e un disprezzo totale l’uno per l’altro.

Separati da un oceano, la loro faida di lunga data non è stata davvero un problema, fino a quando un disastroso e molto pubblico alterco, a un evento reale diventa carne da tabloid, provocando un potenziale cuneo nelle relazioni tra Stati Uniti e Gran Bretagna nel momento peggiore possibile.

Entrando in modalità di controllo dei danni, le loro famiglie e i loro gestori costringono i due rivali a una “tregua” organizzata.

Ma mentre la gelida relazione tra Alex ed Henry inizia inaspettatamente a trasformarsi in un’amicizia provvisoria, l’attrito che esisteva tra di loro accende qualcosa di più profondo di quanto si aspettassero.

Il libro di Casey McQuiston da cui è tratto è una dolce favola moderna a tinte rainbow ed ha conquistato migliaia di lettori in tutto il mondo; se amate le commedie leggere e pop stile “Bridgerton” con cui condivide il protagonista Thomas Flynn, allora “Red, White & Royal Blue” entrerà subito nei vostri cuori.

Basato sull’acclamato bestseller del New York Times di Casey McQuiston, “Red, White & Royal Blue” segna il debutto alla sceneggiatura e alla regia di un lungometraggio del drammaturgo vincitore del Tony Award, Matthew López (The Inheritance).

Toccante il monologo sul coming out come scelta e non come dovere.

Aristotele e Dante scoprono i segreti dell’universo – in uscita entro l’anno

Tratto dall’omonimo romanzo lgbtq+ e best seller di Benjamin Alire Sáenz, il film uscito nel 2022 negli USA qui da noi è ancora in lista d’attesa.

Il film è incentrato sull’amicizia tra due adolescenti messicano-americani solitari nell’El Paso del 1987 che esplorano una nuova, insolita amicizia e la difficile strada verso la scoperta di sé.

I 15enni Aristotle (Max Pelayo) e Dante (Reese Gonzales) sono i protagonisti di questa storia di formazione, il film è scritto e diretto da Aitch Alberto e – come il libro – è ambientato nel 1987 a El Paso, in Texas, ed è incentrato sul forte legame tra Ari e Dante e sulla scoperta dei loro sentimenti. Nel cast ci sono anche Kevin Alejandro (True Blood e Lucifer), Luna Blaise (Manifest) e Eva Longoria.

DICKS – The Musical (prossimamente)

Il primo musical prodotto dalla A24 si preannuncia epico. Due uomini d’affari ossessionati da se stessi (gli sceneggiatori Aaron Jackson e Josh Sharp), scoprono di essere gemelli identici perduti da tempo e si uniscono per organizzare il ricongiungimento dei loro eccentrici genitori divorziati.

Questo musical sfrenatamente divertente e sfacciato dell’icona della commedia Larry Charles (Seinfeld, Borat) vede protagonisti Megan Thee Stallion, Nathan Lane, Megan Mullally e Bowen Yang nei panni di Dio.

Non vediamo lora di cantarlo!

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La tiropita greca è una sorta di focaccia a base di fogli di pasta phyllo, unti con molto olio, che vengono farciti con feta e uova. Si trova in differenti forme ma quella più scenografica e che soddisfa lo sguardo di chi la mangerà, prima ancora di conquistarne il palato col suo gusto forte e saporito, è proprio quella a forma di spirale.

Questa versione più leggera e da preparare in pochi minuti è fatta con una pasta sfoglia già pronta, presa dal banco frigo del supermarket, niente di più semplice.

Diventa quindi il piatto perfetto da presentare a un potluck tra amici e garantisce sempre l’effetto wow che le torte salate di forma tradizionale ormai hanno perso. Naturalmente il ripieno di patate e carciofini è una suggestione che potrai facilmente abbattere scegliendo di farcire questa spirale sfogliata con gli ingredienti che hai a disposizione.

Abbinare un formaggio piuttosto cremoso con una verdura può essere il modo più semplice per farcire la tua spirale ma non sottovalutare anche una farcitura di carne tritata e speziata con piselli e cipolla, oppure salsiccia e stracchino o pollo sfilacciato e verdure.

Dopo averla spennellata con tuorlo d’uovo, puoi spolverarla con semi di sesamo o semi di papavero. Una volta preparata è ottima se servita subito, ben calda, ma puoi anche farla raffreddare completamente e congelarla intera nell’attesa di proporla durante un party o un aperitivo improvvisato.

Se porti la focaccia a spirale a cena da amici falla riscaldare nel forno statico per farle riprendere tono e croccantezza, evitando del tutto il microonde che la renderebbe troppo molle e umida.

Ingredienti: 2 rotoli pasta sfoglia rettangolare – 200 g patate lessate – 80 g parmigiano reggiano grattugiato – 80 g ricotta – 2 cucchiai olio extra vergine – Qb sale e pepe – 150 g carciofini grigliati sott’olio – 1 tuorlo d’uovo – 2 cucchiai di latte

In una ciotola schiaccia le patate lessate, aggiungi la ricotta, il parmigiano e l’olio. Aggiungi sale e pepe e mescola bene con una forchetta fino a ottenere un composto asciutto, liscio e senza grumi.
Fai sgocciolare bene l’olio dai carciofini e tritali grossolanamente col coltello.

Stendi un rotolo di pasta sfoglia su un tagliere, coperto da carta da forno. Ricoprilo completamente con il composto di patate e ricotta, schiacciandolo bene con le mani e creando uno strato uniforme.
Spolvera i carciofi tritati su tutto lo strato di patate e copri con il secondo rotolo di pasta sfoglia, facendolo aderire bene a tutto il ripieno di patate e carciofi.

Accendi ora il forno statico a 190°.

Ritaglia delle strisce di circa due cm di larghezza e arrotolale dando loro una forma elicoidale. Su una teglia ricoperta di carta da forno, componi la focaccia sfogliata, creando una spirale di con le strisce di pasta farcite. Parti dal centro e gira l’impasto verso l’esterno fino a ottenere un disco. Per ottenere una forma perfetta puoi aiutarti con il disco a cerniera di una tortiera, dentro al quale creare la spirale.

In una ciotola sbatti il tuorlo con il latte e spennellalo su tutta la superficie.

Cuoci in forno per circa 40 minuti. Servila ben calda e fragrante e TOH! MANGIALA!

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Preparare dei bocconcini croccanti da aggiungere a una insalata di foglie verdi e tenere è un modo per preparare un piatto leggero ma appetitoso.

In questa insalata io ho usato un tofu piuttosto compatto già aromatizzato, ma se hai in casa un tofu firm bianco, al naturale, potrai creare una marinatura con gli ingredienti che preferisci: ad esempio a base di salsa di soia, mirin e un po’ di zenzero grattugiato.

La gratinatura, al contrario della panatura, la prepari senza uova e la cuoci in forno ventilato; per questo motivo aggiungi fin da subito un po’ di olio di semi che in cottura trasformerà il pane grattugiato in una una panure croccante e saporita.

Per preparare la mia, oltre alla scorza di limone e il pepe nero che sono due ingredienti che amo in abbinamento, ho aggiunto uno snack di alghe croccanti al naturale che puoi trovare sia nei negozi che vendono cibi asiatici che nel reparto etnico della grande distribuzione.

Già qualche anno fa, Michelle Obama, confessa golosa di patatine fritte in busta, consigliava lo snack di alghe o di verdure croccanti in sostituzione alle più caloriche chips dei sacchetti che sono sempre irresistibili!

Se non le hai mai provate prova a dar loro una chance: sono molto gustose e poco caloriche, ricche di potassio, magnesio, ferro e iodio accontentano anche i vegani sempre alla ricerca di fonti di vitamina B12. Ne esistono di vari tipi sia al naturale che aromatizzate: agrodolci, al sesamo o alla cipolla… o addirittura alle seppie grigliate!

Ingredienti per 4 persone: 180 g tofu compatto – 200 g mazzancolle
Per la gratinatura: 80 g pane grattugiato – 1 cucchiaio colmo di snack di alghe croccanti –
la scorza grattugiata di mezzo limone – una generosa macinata di pepe nero – 1 pizzico sale – 1 pizzico aglio secco – 4 cucchiai di olio di semi di girasole

Accendi il forno ventilato a 220°. Versa gli ingredienti per la gratinatura nel bicchiere di un robot da cucina e frulla per qualche secondo, utilizzando la funzione pulse.

Versa la gratinatura in una ciotola larga e mettici dentro anche le mazzancole pulite e il tofu tagliato a cubetti piuttosto grossi. Fai pressione con le mani in modo che la marinatura aderisca agli ingredienti.

Sistema tutto su una teglia ricoperta da carta da forno e lascia in forno fino a completa doratura, circa una decina di minuti nel mio forno.

Aggiungi le mazzancolle e il tofu gratinato a una insalata fresca e… TOH! MANGIALI!

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Creatore di vari contenuti multimediali, Marc Turlan è un artista molto conosciuto che vanta numerose mostre. Marc scatta fotografie e video focalizzandosi sull’uomo e lo studio del corpo e della sessualità che esso trasmette. Nudi en plein air e nudi più intimi chiusi tra le mura, si alternano manifestando la libertà di essere se stessi che Marc Turlan trasmette con la sue immagini.

Chi è Marc Turlan, ci parli un po’ di lei?

Sono un artista; con il mio lavoro cerco di creare ritratti di oggi. Mostrare il desiderio, il mio desiderio, l’erotismo, l’amore…

Come e quando hai iniziato a dedicarti all’arte?

La questione dell’arte è entrata nella mia vita molto presto, attraverso i mosaici romani all’inizio del mio apprendistato, poi attraverso la fotografia e la collaborazione con altri artisti.

Quando e come hai iniziato a focalizzarti sulla figura maschile?

Penso fin dalla mia prima mostra, nel 2006, alla villa Noailles di Hyères, dove ho utilizzato foto tratte da riviste. Ma negli ultimi anni mi sono concentrato esclusivamente su ritratti maschili sia per le foto che i video.

Ci parli un po’ dei contenuti che crei e delle varie forme artistiche che adoperi?

Ho realizzato e continuo a realizzare collage e molte fotografie. Ma spesso per le mie mostre cerco metodi di stampa diversi, ad esempio su tessuti.

Come definiresti il tuo modo di creare?

Studi sul porno

I tuoi modelli sono tutti gay?

Mi piace immaginare la fluidità dell’arte come generi e non porre il genere come un limite o una scelta di base.

Molti dei miei modelli sono gay, ma sento un’evoluzione e una maggiore fluidità che spero di poter mostrare presto.

Cosa ti diverte di più?

L’editing delle foto: quando guardo le foto scattate da solo è un momento di vero entusiasmo.

Chi sono gli uomini che utilizzi per i tuoi lavori?

Cerco di mostrare gli uomini della mia vita, gli uomini che incontro, gli uomini su cui a volte fantastico, gli uomini di tutti i giorni.

Quanti taboo secondo te hanno ancora gli uomini nel manifestare la propria libertà sessuale?

Abbiamo la folle e preziosa possibilità di poter manifestare liberamente sessualità plurali complesse e libere.

I tabù in Occidente sono quelli che decidiamo di avere.

Sono molteplici e variegati: il che è anche piacevole.

Nella tua vita ti sei sempre sentito libero di manifestare il tuo essere?

Ci vuole una vita per esprimere ciò che si è. Ma ancora una volta abbiamo questa meravigliosa possibilità di scegliere, di essere liberi!

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Nonostante le giornate calde ogni tanto ho voglia di cucinare, e oggi di cucinare una pasta; la desidero cremosa, ricca, ma che abbia un gusto rinfrescante in accordo con la stagione corrente.

La regina voluttuosa in cucina è la panna ma non è certo un ingrediente che voglia utilizzare in un piatto estivo, così ho pensato di condire le mie trofie fresche con una crema di mandorle insaporita di pecorino e rinfrescata con con le foglie del basilico, la menta e le note acidule dei limoni bio, di cui posso usare sia la scorza che il succo.

Sicuramente questo condimento oltre che con le trofie, sarebbe stato perfetto anche per degli spaghettoni grossi, o magari delle mezze maniche.

Le mandorle hanno la caratteristica di risultare un po’ “sabbiose” dopo essere state frullate, per questo ti consiglio di tenerle in ammollo in acqua per almeno un paio di ore prima di preparare la ricetta.

In questo modo si ammorbidiranno e renderanno questa crema a base di frutta secca molto cremosa e piacevole al palato.

Aggiungi un po’ di aglio fresco, o quello essiccato se vuoi una nota meno aggressiva, un olio extra vergine a crudo dal sapore deciso e se preferisci anche un po’ di peperoncino in polvere.

Ricorda di salare la crema di mandorle solo dopo aver aggiunto il pecorino, che è molto saporito, o se preferisci un gusto più umami usa il parmigiano.

Le erbe fresche appena tritate, e la scorza di limone daranno il tocco finale a questa ricetta ricordandoti un giardino in Sicilia.

Ingredienti per la crema di mandorle e limone per 5/6 persone: 200 g mandorle pelate – 80 g pecorino grattugiato – 1 limone bio (succo e scorza grattugiata) – qb acqua – qb olio extra vergine di oliva – 1/2 cucchiaino aglio in polvere – sale e pepe – menta e basilico tritati

Metti in ammollo le mandorle per almeno un paio di ore. Scolale, sciacquale e mettile nel boccale del frullatore. Tritale con la funzione “pulse” poi aggiungi il succo di limone, il pecorino e comincia a frullare.

Aggiungi un po’ di acqua a filo, poca alla volta, fino a ottenere una consistenza cremosa. Infine aggiungi un po’ di olio extra vergine di oliva, l’aglio in polvere e sale e pepe a tuo gusto. Frulla ancora qualche secondo.

Cuoci in acqua bollente la pasta che preferisci, io ho preparato delle trofie fresche, e condiscila con la crema di mandorle e limone.

Servila spolverando su ogni piatto menta fresca tritata, basilico fresco tritato e la scorza del limone grattugiata. Toh! Mangiala!

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Così mentre il mercato discografico italiano spinge sempre nella stessa direzione, alle radio passano sempre i soliti raccomandati che non vendono nemmeno più. Per fortuna questo sistema si sta usurando e nell’attesa di una spinta verso un panorama musicale più fluido e meno ruffiano, speriamo che in questa classifica possiate trovare anche qualche chicca che vi siete persi tra i tanti nomi noti che vi troverete, ma di questo ne siamo sicuri:

20 – Japanese Breakfast “Jubilee” (Dead Oceans) 20 album 2021

Michelle Zauner aka Japanese Breakfast ha pubblicato il suo terzo album “Jubilee“, un lavoro che sfavilla in ogni suo momento. La Zauner si gode la sua evoluzione musicale utilizzando sintetizzatori, archi, sassofoni, pianoforti, chitarre e qualsiasi cosa su cui riesce a mettere le mani, per portare il suo songwriting evocativo e ricco di dettagli a un nuovo livello, più saggio e maturo. Una forza creativa da non sottovalutare.

19 – Remi Wolf “Juno” (Island Records)

Si è parlato molto all’estero di Remi Wolf che è stata anche definita “la pop star del futuro”. Il suo debutto “Juno” è stato il booster di questo 2021, un lavoro che mescola i generi risultando un’esplosione di colori pop, con soluzioni rischiose che lasciano stupiti, testi irriverenti e sinceri e un pizzico di nostalgia, ascoltatevi “Liquor Store” o “Anthony Kiedis”, dedicata da buona californiana al leader dei RHCP. Difficile immaginare qualcuno che può rimane indifferente al suo carisma e al suo shiny pop.

18 – Ashnikko “Demidevil” (Parlophone)

Perché in Italia non abbia avuto l’attenzione meritata Ashnikko resta un mistero, sicuramente la popstar più promettente in circolazione, che dalla sua Inghilterra sta già spopolando in USA; la sua “Daisy” è un inno da Festival, (cercate su YouTube).

Questo non è un abum ma un mixtape e straripa hit da classifica tra cui “Deal With It” canzone che campiona la celebre frase “I hate you so much right now!” tratta da “Cought Out There” di Kelis, ed il cui verso “I don’t need a man I need a Rabbit” l’ha portata a diventare testimonial di una linea di sex toys.

O ancora “Cry feat. Grimes” o di nuovo la sopracitata “Daisy” che scatena dei karaoke di massa. Aggiungiamo un look da cosplayer con lunghi capelli blu, un po’ cyber un po’ steam punk, ma anche un po’ pirata di Vivienne Westwood mescolato alla giusta dose di malizia in lattice e scollature, insomma impossibile non notare questo bizzarro look perfetto. Italia sei pronta a questa irriverente e disinibita star? Attendiamo trepidanti il primo full lenght.

17 – Easy Life “Life’s a Beach” (Universal)

Che bello questo album scanzonato, me lo vedo il cantante Murray Matravers camminare e cantare con aria scazzata e la sua tuta acrilica tra le vie di mattoni rossi di Leicester (UK), suo paese natio.

Gli Easy Life, il cui singolo “Skeleton” ha funzionato anche da noi, creano musica solare e sognante, romantica e caleidoscopica, che sa di passato e anche di futuro, “Life’s a Beach” mescola insieme glitch, jazz e rap a quell’indie tipicamente inglese che lo rende irresistibile e fresco.

16 – Kanye West “Donda” (Universal)

Lo pubblica o no? Lo butta o lo tiene? Aspettare la release di un nuovo album di Kanye West è una corsa sulle montagne russe, questa volte pare che dopo vari rinvii l’etichetta lo abbia caricato sulle piattaforme streaming senza il suo consenso e difatti ci ha già rimesso mano più volte… Ma veniamo al punto, Kanye con “Donda” ha realizzato il suo autoritratto più spietato, di quelli che sconvolgono le profondità interiori di una persona ma finisce per riflettere le nostre paure collettive. E poi si allontana in parte dal gospel e ci riporta al Kanye che amiamo. Non diventerà un classico del suo repertorio, ma è un album che mette ancora una volta in risalto la sua follia creativa e visionaria.

15 – Adele “30” (Sony)

In tanti hanno aspettato il suo ritorno come si aspetta la neve il giorno di Natale, poi il giorno arriva e si scopre che l’attesa è stata la parte migliore.

Adele torna lasciando critica e fan contenti ma non troppo, “30” risulta malinconico ma non triste, ha il sapore degli addii silenziosi, di quelli dove sai che hai dato tutto, hai consumato tutto il dolore che è mutato in ricordo e la vita è di nuova pronta per te.

Un album che si destreggia tra l’Adele che tutti conosciamo, atmosfere retrò vecchia Hollywood e un paio di tentativi pop per stare al passo coi tempi. Il disco funziona ma è valsa la pena aspettarlo per così tanto tempo? A voi la sentenza.

14 – L’impératrice “Tako Tsubo” (Microqlima)

Secondo album per i parigini L’Impératrice e sin dal titolo si capisce che c’è tanto Giappone a influenzarlo, “Tako Tsubo“ traducibile in “spezzacuori” rimanda difatti alla sindrome giapponese del cuore infranto, spesso associata ad uno stress emotivo importante. Questo album è la simbiosi perfetta tra il cantautorato francese di una volta e la nu disco mescolata a jazz e funk, dove tutto resta in equilibrio. Un album suonato e prodotto con classe rara da questi viaggiatori della galassia pop, che creano un retro-futurismo radicato nel presente.

13 – Lana Del Rey “Blue Banister” (Polydor)

Il 2021 è stato un anno produttivo per Lana che dopo “Chemtrails Over the Country Club” uscito a marzo, ha pubblicato sul finire dell’anno anche “Blue Banisters“.

Pare che i dischi siano stati realizzati assemblando canzoni perse negli anni. In “Blue Banister” la “ringhiera” che il suo ex le aveva promesso di dipingere di blu è rimasta scrostata così come il suo cuore, Lana è l’unica responsabile della sua visione e attinge a mani piene dalle sue emozioni, dimostrandoci che è ancora in grado di creare una bellezza compositiva mozzafiato.

“Blue Banisters” ci ricorda che, al di là dei pettegolezzi dei social media e dei contraccolpi della stampa, Lana è una songwriter eccezionale, come lo è sempre stata e qui ci regala una delle sue visioni migliori, un territorio dove certamente si sente a suo agio, ma che anche se lo conosciamo bene, riesce sempre a portarci nel suo mondo onesto, disordinato, romantico, a tratti esilarante e brutale ma sempre molto riconoscibile. “Dealer” cantata insieme a Miles Kane, è il capolavoro struggente del disco.

12 – Girl in Red “if i could make it go quiet” (AWAL Recordings Ltd)

L’artista norvegese che risponde al nome di Marie Ulven Ringheim , è balzata all’attenzione emergendo dal fitto panorama del pop da cameretta.

Dopo mesi di singoli ed EP è uscito quest’anno “if i could make it go quiet” un album di bedroom pop colorato che non ha paura di sporcarsi con sonorità graffianti anni ’90, come la sua hit “Serotonin” prodotta da FINNEAS .

Un album che parla di paranoie da mal di vivere adolescenziale e cuori spezzati, in cui tutti possono facilmente relazionarsi. Girl in Red è un nome di cui si sentirà parlare molto e bene.

11- BĘÃTFÓØT “BĘÃTFÓØT” (Life and death)

Questo album lo conoscete solo se siete dei veri smanettoni, perché è stato il web a dare attenzione a questo trio strampalato.

I BĘÃTFÓØT sono un gruppo israeliano che suona come un rave macchiato di sudore metal. Un album pazzerello che vi farà venir voglia di dancefloor, ma che in realtà dietro al divertimento cela uno spirito di sopravvivenza, all’interno di un ambiente culturale totalmente sterile.

Una disperazione che si manifesta nella loro distrazione impulsiva, ma anche attraverso la loro rabbia con referenze schizofreniche che vanno da M.I.A. ai Joy Division ai KLF. Il disco crazy and fun della nostra chart.

10 – Noga Erez “KIDS” (City Slang)

Se abbiamo qualcosa che ci accomuna è che una volta siamo stati tutti bambini, e questo secondo album di Noga Erez vuole sostenere che lo siamo ancora a partire dallo scatto di copertina di “KIDS”, suo secondo album, che la ritrae in una giacca oversize per ricordarci che siamo cresciuti, anche se non lo volevamo.

Questo disco rappresenta l’infanzia di un bambino con il suo essere rumoroso, entusiasta, e strabordante energia fino a quando non gli si rimboccano le coperte e crolla addormentato senza forze.

Erez sa che la sua voce può essere potente e non solo in senso politico, ma anche musicalmente. Un album che suona come un pomeriggio all’area giochi di quartiere negli anni 2000, tra inni gioiosi, corse, ma anche spintoni e tirate di capelli.

9 – Magdalena Bay “Mercurial World” (Luminelle Recordings)

Non so se siete famigliari con i Magdalena Bay ma le confezioni synth pop sfocate e rococò del duo di Los Angeles, formato da Mica Tenenbaum e Matthew Lewin, hanno un potere magico: suonano come qualsiasi cosa con cui sei cresciuto, in qualsiasi momento tu lo abbia fatto. “Mercury World” mescola insieme diversi trend musicali: la pomposità della disco, gli effetti sensoriali dell’EDM, l’estetica retrò della vaporwave e la melodia goliardica della musica dei videogiochi ai synth anni ’80 con un pizzico di hyper-pop. Il risultato, si balla, si canta e ci proietta in una dimensione onirica ma terrena.

8 – Black Country, New Road “For the First Time” (Ninja Tune)

Un paradiso post-punk che ti vomita addosso le sue paranoie senza possibilità di fuga, i Black Country, New Road hanno catalizzato l’attenzione di critica e il pubblico con un mini album di 6 pezzi, in attesa del loro primo full-lenght in arrivo nel 2022 (trovate già qualche assaggio sulle piattaforme streming e suona davvero promettente).

I 7 elementi di questo collettivo si riuniscono a Londra ma sono originari del Cambridgeshire, sarà colpa o merito delle diverse personalità dei membri della band se riescono a mescolare in modo eclettico tante influenze, che vanno a formare un suono compatto originale e fresco.

Sono sicuro che questa giovane comunità saprà come farsi notare anche dopo questo “For the First Time” , anche se la prima volta non si scorda mai.

7 – Arlo Parks “Collapsed In Sunbeams” (Transgressive)

“Collapsed In Sunbeams” è stato uno degli album più attesi del 2021 e si è aggiudicato l’ambito Mercury Music Prize, sto parlando dell’esordio di Anaïs Oluwatoyin Estelle Marinho in arte Arlo Parks, londinese, classe 2000.

Canzoni che nascono da poesie, sussurrate, intime e scritte col cuore a mente libera, con una delicatezza che non si sentiva da tempo nel pop.

A questo aggiungiamoci il suo carattere deciso, il coraggio di dichiararsi bisessuale, e il suo essere cool senza nessuno sforzo, come si fa a non amare Arlo?

6 – Lil Nas X “Montero” (Columbia) 20 album 2021

Dal 2019, anno in cui ha infranto ogni record con il suo singolo di debutto “Old Town Road”, Lil Nas X si è cementato tra i pilastri della cultura pop, grazie anche hai suoi audaci look da red carpet, ai suoi video musicali flamboyant uniti alla sua personalità umoristica.

Tuttavia, la sua ascesa alla fama non è stata facile. Da quando si è dichiarato gay in occasione dell’uscita del suo primo EP, Lil Nas X ha dovuto affrontare persistenti contraccolpi da parte di coloro che si offendono per un uomo di colore queer, che mostra con orgoglio la sua sessualità.

Ma poi è arrivato “MONTERO“, l’album del riscatto, e Lil Nas X si è ripreso finalmente tutto il potere che la società gli ha tolto, una missione che aleggia nei testi significativi dell’album, che uniti a una composizione sonora inventiva e totalmente melodiosa lo incoronano il re del pop-rap.

5 – Wolf Alice “Blue Weekend” (Dirty Hit) 20 album 2021

“Blue Weekend“, l’atteso terzo album dei londinesi Wolf Alice arriva dopo “Vision of a Lie”, lavoro che si aggiudicato l’ambito Mercury Music Prize nel 2018 ma le aspettative sono state tutte ripagate, (anche da una seconda nomination per l’edizione 2021, ma il premio è andato ad Arlo Parks).

I Wolf Alice possono essere viscerali e taglienti, così come romantici e malinconici, sono queste le due anime della band, capitanata dalla carismatica Ellie Rowsell.

Il nuovo album come anticipò il primo singolo estratto “The Last Man on Earth” ha un suono più lucido e ampio, in cinemascope, ma notturno e malinconico, che porta con se testi che sembrano scritti durante quegli attimi di riflessione personale, che tutti abbiamo affrontato almeno una volta nel 2020.

4 – Olivia Rodrigo “SOUR” (Sony)

“God, it’s brutal out here” urla Olivia Rodrigo in “Brutal”, la traccia che apre il suo fortunatissimo debutto, il suo biglietto da visita per affacciarsi allo spietato mondo del pop, di cui nel 2021 è stata protagonista indiscussa, sentiamo giù l’odore di Grammy.

Californiana, Olivia è entrata al primo posto della Billboard chart la prima settimana del 2021 con “Driver’s License” senza mai più abbandonarla ma come si può resistere a questa ballad straziante e perfetta, arrivata al momento giusto?

Rilasciare un album di successi al primo tentativo non è da tutti, ma Olivia Rodrigo con “Sour” ci è riuscita e lo ha mandato in cima alle classiche singolo dopo singolo, (“Good 4 U”, “Deja Vu”, “Traitor”). Rodrigo a soli 18 anni è una cantautrice che sforna hit killer e che ha già imparato tutti i trucchi del mestiere.

3 – Self Esteem “Priorities Pleasure” (Fiction) 20 album 2021

Rebecca Taylor aka Self Esteem, con il suo secondo album “Priorities Pleasure” espelle anni di dubbi su se stessi, comportamento sconsiderato e autodistruzione in canzoni che trasformano questi problemi seri in una celebrazione dell’autostima, della sorellanza e del piacere.

Un album che resta in bilico tra pop più o meno dopato e musica gospel, che crea qualcosa di nuovo che non ci aspettavamo. Provate a lasciarvi andare e perdetevi in questo album-manifesto e vedrete che vorrete un po’ più bene anche a voi stessi. L’album rivelazione del 2021.

2 – Lorde “Solar Power” (Universal) 20 album 2021

“Solar Power”, l’attesissimo terzo album di Lorde ha avuto reazioni contrastanti, come se si avesse paura di esprimere il giudizio nei confronti del lavoro di un’amica che vi ha sorpreso aprendo le tende, e facendo entrare la luce del sole nella sua camera a tinte dark. 

In un certo senso possiamo dire che Lorde o come lei si definisce ironicamente nella title track “Solar Power”, un “Gesù più carino” è cresciuta e maturata in fretta per via del successo, e al suo terzo album, dopo il pluripremiato “Pure Heroine” e l’acclamato “Melodrama”, ci rivela una nuova se stessa che ammette nei suoi testi di non saper fare miracoli, ne di poterci salvare dagli eventi della vita.

Lorde è positiva, è solare, è felice e in forma come non è mai stata, lei stessa si compiace del suo nuovo aspetto fisico, dovuto a vita sana, yoga, e dall’aver gettato il cellulare nell’Oceano consigliata dalla sua terapista, visto che ci passava davanti tre quarti della sua giornata.

A livello di testi “Solar Power” è un album “sexy, giocoso, selvaggio, libero e che vibra al suo massimo livello con l’arrivo dell’estate” come Lorde stessa lo ha descritto, è anche uno statement contro i lati negativi del successo raggiunto in giovane età e di quanto possa questo essere nocivo e manipolatore, tematica che ha recentemente sviscerato anche Billie Eilish nel suo ultimo lavoro “Happier Than Ever”.

Musicalmente invece “Solar Power” è un disco che guarda al passato con un modern touch, l’opposto di quello che ci si aspetta da Lorde da sempre fautrice del suono di domani, qualcosa che quando arriva ti spiazza e ti fa drizzare le orecchie, ma se ci pensate un attimo anche “Solar Power” lo fa a modo suo.

Fare qualcosa d’inaspettato è un rischio, ma per me è anche un gesto moderno, quindi oggi quando ripensate all’estate mettetelo su e se siete tra quelli che non lo hanno capito beh… vi ricrederete.

1 – Billie Eilish “Happier Than Ever” (Universal)

Vi dico subito perché “Happier Tha Ever” merita la posizione N.1: perché è un album che afferma pienamente Billie Eilish come uno degli artisti pop più significativi della sua generazione e lo fa senza ripetere un solo trucco dal debutto che ha sconvolto la sua vita.

Un album sospeso tra passato e futuro, è come la scena sognante dei papaveri de “Il Mago di Oz” che incontra le luci strobo del motor show di “Titane”, è un rave sotto Ossitocina, è la sopravvivenza al successo, a un amore tossico, è un viaggio sussultante e inaspettato e trionfale nel suo portare un suono così caratteristico come quello di Billie in nuovi territori, con sicurezza e classe. E poi c’è “Happier Then Ever” una canzone arrabbiata e liberatoria con un finale epico che fa piangere, urlare e rinascere come non facevamo dagli anni 2000.

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Manifesti con un messaggio diretto, che dichiarano ciò che ci piace senza nessuna vergogna. Lottando contro i pregiudizi, contro le continue aggressioni omofobe e di genere di cui ne abbiamo abbastanza le tasche piene. Una dichiarazione positiva in maniera ironica e graficamente lineare. 

Ne abbiamo parlato con il co-founder di TheComplainers Cesare Morisco.  

Com’è nata l’idea di collaborare con Manifesti Abbastanza Ostili?

Abbiamo scoperto la sua pagina quasi per caso (l’algoritmo di Instagram funziona, a volte) e ci siamo rivisti nel suo stile di comunicazione “ostile” ma in modo costruttivo e intelligente.

Quale era l’intento dietro questi manifesti?

Mandare un messaggio di libertà, dire le cose senza mezzi termini, prendere una posizione chiara e inequivocabile rispetto a dei valori che per noi sono imprescindibili:

l’inclusività, l’uguaglianza nella differenza, l’integrazione e il dialogo.

Reputi che questi manifesti possono essere una provocazione? Una dichiarazione? O Entrambe?

Entrambe. La provocazione è qualcosa che ti colpisce costringendoti a riflettere. 

Ma è anche una dichiarazione: abbiamo dei valori e vogliamo condividerli senza esitazioni.

Giudicare o categorizzare le persone in base al loro orientamento sessuale non fa parte di TheComplainers e siamo fieri di dichiaralo. 

Dove ti piacerebbe che le persone attaccassero questi manifesti in casa?

In camera da letto o in bagno. I posti più privati e dove più ti metti a nudo. 

C’è una tua foto su IG dove tieni in mano i tuoi manifesti, una sorta di guerriglia urbana, se le persone ti hanno osservato come ti sei sentito?

Sì, alcune persone si sono fermate a guardare, dai ragazzi alle persone più anziane. Il fatto che i manifesti abbiano incuriosito TUTTI, nel bene o nel male, è un fatto positivo. Perché l’argomento sessuale e il discorso sul genere vale sempre la pena di essere approfondito:

fa parte dell’essere umano e non bisogna vergognarsi di nulla. 

Quanto pensi sia importante dichiarare quello che ti piace sessualmente?

Non penso sia importante portante, è proprio questo il punto. E in questo senso i manifesti sono stati una provocazione. 

Cosa pensi del Pride di quest’anno dopo due anni di lockdown?

Penso che sia stato un ottimo punto di (ri)partenza e che l’interruzione forzata abbia dato ancora più valore a questo momento di contatto umano e rafforzato il senso di appartenenza a una comunità. 

Che reazione hai visto nelle persone?

Erano super entusiaste, abbiamo anche distribuito i nostri manifesti tra le persone e tutti, guardando la grafica si sono sentiti liberi di esprimersi, no matter what. Il messaggio è stato recepito e appoggiato in pieno.

La grafica è molto lineare e immediata come mai questa scelta?

Perché quello che c’è scritto è lineare e immediato. Il contenuto e il contenitore sono due facce della stessa medaglia, almeno per chi si occupa di comunicazione. 

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Cosmo con “La Terza Estate dell’Amore” prova a fare la rivoluzione: toglietevi le magliette, uscite per strada, levatevi dalla testa la forma canzone, leggetevi i testi per una volta e cercate di capire costa sta dietro alle apparenze.

Quello di Cosmo è un album incazzato, politico, lisergico, carnale, forse la sua presa di posizione più forte fino ad oggi.

“Esplodono le bombe ma nessuno muore, la musica è illegale è il suono della gente che fa l’amore”, non ci vuole un genio per capire la potenza di questa frase nel contesto sociale che stiamo vivendo, dove lo spettacolo è stato il settore più discriminato, è diventato invisibile, e ridotto a una parola orrenda come “movida”, che non la sentivamo dai film negli anni ’80 dei fratelli Vanzina. Questo basta a dimostrare quanto giovani e svegli siano i nostri politici! “Dietro la farmacia, c’è la cattedrale” canta Cosmo: mettetevi in fila, tanto l’una è il retro dell’altra o forse è lo stesso posto. 

“La Terza Estate dell’Amore” è stato concepito insieme al suo terzo figlio, quando la città era una giungla in cui a scandire il tempo, nel silenzio, c’erano i barriti delle sirene che, come enormi elefanti, percorrevano le strade deserte. Cosmo dal suo studio ha assorbito tutte queste emozioni e le ha riversate in un disco pieno di slogan, un album liberatorio da cantare a squarciagola tutti insieme, non appena smetteremo di essere degli ostaggi settoriali. Ne abbiamo parlato con lui: 

Ciao Marco, come stai?

Bene dai, ho voglia di fare casino e che si torni a ballare, non vedo il motivo di tenerci ancora tutti così distanti quando basterebbe il green pass per tornare a far concerti  come si facevano una volta, non seduti o per andare a ballare. Non sopporto più tutta questa burocrazia malata. (*Proprio oggi Cosmo ha annunciato le prime due date del tour senza distanziamento sociale vai a fondo pagina per saperne di più)

Quindi Cosmo è anche un po’ incazzato, ma questo lo si intuisce dai testi del disco e da come hai deciso di lanciarlo, senza preavviso e con una diretta su YouTube dove pochi fedeli eletti hanno potuto ascoltarlo. Io ho amato questo approccio punk alla promozione, come è nata l’idea?

“E’ un’idea nata da me e dal mio manager Emiliano Colasanti, avevamo riferimenti diversi ma simili. Io ricordavo che anni fa i Boards Of Canada avevano fatto una cosa del genere, lasciando scoprire ai fan delle coordinate gps dove hanno piazzato un impianto in una zona semi desertica e la gente è andata lì e si è trovata delle casse da cui usciva il disco nuovo, e mi è sembrata una bella idea.

Così ho pensato di dare degli appuntamenti reali tramite coordinate ma anche di metterlo in streaming su YouTube, tutto, all’improvviso, senza annunci.

Invece di strombazzare l’uscita del disco lo abbiamo fatto ascoltare tutto e subito a sorpresa, mettendo la musica davanti a tutto con queste casse che facevano uscire i suoni in presa diretta, lasciando anche il sottofondo degli ambienti in cui si trovavano, dal bosco di Ivrea, al Forum di Assago vuoto, al campetto di calcio ai ragazzi di Bauli in Piazza. Ho cercato di fare uno statement. 

Il tuo abum stesso è uno statement.

Certo, è tutto collegato.

La prima parola che mi è venuta in mente ascoltando il disco è “liberatorio”, perché suona come uno sfogo, in cui hai fatto e detto tutto quello che volevi senza filtri, togliendoti i sassolini dalle scarpe, fregandotene di essere capito o meno. Mi chiedo se senza il lock down avresti fatto un album così?

Ho dovuto fare del gran training autogeno ripetendomi “fregatene, fa ciò che vuoi”, il disco senza questa pandemia non credo sarebbe stato così anche se avevo già in mente una virata più clubbing, quella dei miei dj set, lasciandomi contaminare dai miei ascolti e mettendo da parte alcune cose automatiche che mi veniva naturale fare, facendo pop e arrivando dall’indie e dal rock.

Con questo disco ho cercato di spezzare un po’ di automatismi dicendomi: “fregatene” e quando sentivo che un pezzo doveva andare avanti senza la necessità di cantare mi dicevo: “fallo, lascialo andare, fallo viaggiare”.

La pandemia mi ha spinto ulteriormente in questa direzione e mi ha anche fatto capire che volevo un terzo figlio, mi sono trovato di fronte a una scelta che dovevo fare come se mi fossi detto: “il tempo è scaduto per cincischiare, falla! Falla e basta!”. 

Dopo l’anno passato il tuo disco è un inno alla libertà, ti fa venire voglia di urlare, ballare, sudare, drogarti! 

Ahahahah! E’ proprio quella cosa lì!

E pensare che qualcuno ha definito i tuoi testi superficiali…

Semplici, astratti, venuti male, buttati lì a caso, furbetti… ne ho lette di ogni sui testi! Ma posso solo dirti che chi la pensa così, evidentemente ha un tipo di dialettica che non incontra la mia. Ho fatto un lavoro che nella mia testa è un incrocio tra linguaggio urban, prosa totale nel dire le cose e un po’ di miei svolazzi filosofici, ma ho cercato di tenere un linguaggio astratto ben radicato con i piedi per terra, ma sai poi non tutti lo capiscono. 

Bisogna anche avere un orecchio predisposto all’ascolto e non basarsi sulla superficie… ci sono molti slogan nei testi, semplici ma molto diretti, uno dei miei preferiti è: “Ho degli amici che è meglio che stai attento. Se ti prendono ti abbracciano (wow)”. 

Ho toccato le cose che abbiamo subito e patito in questo periodo, ma ho cercato di rigirarle, di celebrare tutto quello che non andrebbe fatto come quando ad un bambino gli metti il tabù di una cosa e viene continuamente tirato in ballo. Ho fatto questo, quello che farebbe un bambino, volevo essere nel disco quello che non si poteva essere.

Trovo l’album molto denso a livello sonoro e all’avanguardia nel panorama pop italiano, con riferimenti alla musica dance anni ’90 con suoni vicini agli Underworld o ai The KLF per esempio…

Wow! Assolutamente, mi piacciono! Quel che più mi attrae di quel periodo è che la musica era celebrativa, è questo il mio modello di pop come “What Time is Love?” dei KLF, il fatto che questi artisti scrivessero canzoni in questo modo senza sembrare astrusi e occupando i primi posti delle classifiche. Oggi siamo talmente abituati a certi standard, che un disco come il mio viene giudicato strano. 

Il pezzo che mi ha più stupito al primo ascolto è “La Cattedrale” soprattutto quando arriva quella chitarra acustica stile Pino Daniele, come è nata?

E’ successo che in studio con me c’era Maurizio Brunod un jazzista storico di Ivrea con cui stavo lavorando e ad un certo punto gli ho chiesto di farmi un assolo ma con la chitarra classica e poi mi sono reso conto che sembrava Pino Daniele. Mi son detto: “Oh mio Dio, che ho fatto!” e mi è venuto in mente un mio pezzo che è “Le Voci” in cui dico “Senti questo” e poi parte bum bum bum, è quel meccanismo lì, che estranea e che ti colpisce. Quella chitarra ti gira e ti rigira e arriva. Mi piaceva una citazione così estemporanea. 

Trovo “La Terza Estate Dell’Amore” a livello di suono ma anche di testo molto carnale, che ne pensi?

Assolutamente, soprattutto per il suono, nel modo in cui uso i sintetizzatori. Mi piace manipolare i suoni senza che si abbia l’impressione di ascoltare un loop, una cosa ripetuta uguale identica, ma far sentire che i suoni hanno dei micro cambiamenti organici, perché tocco le cose continuamente mentre suono, nel pop di solito i suoni sono asciutti e anche se magari si apre e si chiude un po’ un filtro il suono resta quello dall’inizio alla fine. E poi i testi e la voce,come è stata utilizzata.

E’ un album concepito di notte o di giorno?

Io lavoro di giorno, la notte son troppo stanco, poi con i bambini che mi svegliano alle 8 di mattina è proprio impensabile!

Hai uno zoccolo duro di fan nella comunità LGBTQIA+, tutti ci ricordiamo di te sul carro del Pride 2018 a Milano mentre balli a torso nudo scatenato…

Il mio batterista scherzando mi ha detto che dovrei intitolare il mio prossimo disco “Gay Icon” ahahahah!

Ameremmo! Ahahahah!

Sembravo una scimmia appeso al carro del Pride! Eravamo tutti presi bene. Pensa che un’idea per il lancio del disco era quella di un carro che andava in giro con la musica a palla, ma le strade erano un po’ troppo morte per farlo.

Hai sempre avuto una mentalità così aperta?

Sono sempre stato così, anche nella realtà provinciale in cui sono cresciuto io e miei amici siamo sempre stati un po’ borderline.

Ci limonavamo duro ubriachi nei locali, ma perché no e soprattutto chi se ne frega! I diritti giusti me li hanno sempre trasmessi i miei genitori, io sono un tipo tranquillo anche sulla morale, non mi scandalizzo di niente, potrei arrivare a giustificare un omicidio per dirti.

Anche quando qualcuno mi confessa qualcosa di terribile che ha fatto, io ci vedo sempre una certa umanità nuda e fragile. Le ingiustizie sociali mi scandalizzano perché sono spesso date per scontate e sono tranquille, mute e perpetuate giorno dopo giorno, come se fosse una cosa normale. Credo di avere un’apertura mentale molto ampia.

Oggi si voterà in Senato per l’approvazione del Disegno di Legge Zan, credo che il pensiero di un ragazzo etero valga più di uno della comunità LGBTQIA+ tu cosa ne pensi?

Io sul DDL Zan non ho capito quale sia il problema, non capisco cosa stia succedendo. Quello che lo blocca sono solo pregiudizi ideologici quindi a maggior ragione la questione sta diventando brutta, perché si polarizza sempre più l’argomento.

Non bisogna parlare di tifoserie e politicizzare tutto solo perché è la sinistra a spingere perché venga approvata questa legge. E’ da fare e basta, non c’è nemmeno da parlarne.

Il problema è che se non ci interessiamo alla politica poi è la politica ad interessarsi a noi, quindi ci vorrebbe un coinvolgimento politico più radicale da parte delle persone o si trovano ostacoli come questo.

Ma è un dato di fatto che in Italia abbiamo un problema con le discriminazioni, e anche pesante. Non esiste che a qualcuno possa dare fastidio come mi vesto o chi bacio o chi abbraccio, è una barbarie.

Però sono anche un ottimista e credo che un giorno ci ricorderemo di questo momento storico dicendo “ti ricordi quando c’erano tutte quelle problematiche…” ma secondo me nel momento in cui si comincia a discuterne le cose poi cominciano a cambiare. Dai che ci siamo! E’ come la legalizzazione della marijuana, che in futuro non sarà più un problema. Chiudiamo con questa nota ottimista dai!

Ultimissima cosa, un album di cui ti sei innamorato di recente?

Il mio amico Not Waving con “How to Leave your Body” è l’ultima cosa che mi è piaciuta davvero tanto.

COSMO TORNA LIVE L’1 E 2 OTTOBRE 2021 A BOLOGNA @ARENA PARCO NORD.

SARA’ LA PRIMA FESTA DELL’AMORE, IL PRIMO LIVE IN ITALIA  CON POSTI IN PIEDI E SENZA DISTANZIAMENTO  PER VIVERE LA MUSICA COME ANDREBBE VISSUTA BIGLIETTI IN VENDITA IN ESCLUSIVA SU DICE DA MERCOLEDÌ 14 LUGLIO ALLE ORE 11. Tutte le info su DNA concerti

Accesso consentito con green pass e tamponi rapidi negativi

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All clothes, N21.
Grooming, Kiril Vasilev at Greenapple
Models, Giorgio at TheLab, Giacomo at Independent, Lucas at Next. 

Alex Vaccani

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Shot by Simon, styled by Alex Vaccani.

1. Coat N21, shirt and trousers Bikkembergs, sneakers Lotto 

2 Jacket Angelos Frentzos, shirt and shoes N21, trousers Marios 

3, left. Jacket and trousers Trussardi, hoodie N21, sneakers Adidas 

3, right. Trench Antonio Marras, T-shirt Wrad, trousers Errea, sneakers N21 

4. Shirt Angelos Frentzos, shorts N21, shoes Stonefly

5, left. T-Shirt Wrad, trousers Errea, shoes N21

6. right. Total look Antonio Marras, sleepers Bikkembers 

7. Jacket Trussardi, kilt Antonio Marras 

8, left. Jacket Salvatore Santoro, T-shirt Marios, trousers Trussardi, sneakers N21 

8, right. Track jacket Adidas, T-shirt Lotto, trousers Trussardi, Shoes N21

9. T-shirt Marios

10, left. Shirt Angelos Frentzos, shorts N21, shoes Stonefly

10, right. Jacket Levi’s, T-shirt Bikkembergs, trousers Antonio Marras, shoes Trussardi

Modello Paul Forman @The Lab

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Fotografia di Simon, stile di Alex Vaccani

Crediti Moda.

1. Long sleeve shirt MALIBU 1992, pants KENZO, sneakers ADIDAS
2. shearling jacket HYSIDEIS, tracksuit and sneakers ADIDAS, pants MSGM, cap STETSON
3. coat KENZO, t-shirt MALIBU 1992, wind jacket & sneakers ADIDAS, pants ANGELOS FRENTZOS
4. long sleeve shirt MALIBU 1992, pants KENZO, sneakers ADIDAS
5. jacket LES HOMMES, long sleeve shirt MALIBU 1992, pants KENZO, sneakers ADIDAS
6. coat ANGELOS FRENTZOS, t-shirt e pants MALIBU1992, wind jacket and sneakers ADIDAS
7. jacket model’s own, pants ADIDAS.
8. jacket MALIBU 1992, sweather KENZO, sunglasses model’s own
9. cape MSGM, t-shirt LES HOMMES URBAN, pants & sneakers ADIDAS
10. coat MALIBU1992 shirt & pants ANGELOS FRENTZOS sneakers ADIDAS
11. pants KENZO, underwear CALVIN KLEIN
12. jacket model’s own, pants ADIDAS

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